BALLETIN DANCE 262 by Balletin Dance

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

ISSN 1850-6275 . Año 23 . Nº 262 Marzo 2017 . Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

MAURICIO WAINROT La Danza Argentina en el Exterior PALOMA HERRERA Nueva Directora del Ballet del Teatro Colon EMANUEL ‘RULO’ HERNÁNDEZ Campeón Nacional de Malambo de Laborde

MANUEL LIÑÁN El Hombre de la Bata de Cola

FOUETTE

Una empresa de artistas para artistas

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Nota de Tapa 4 El Hombre de la Bata de Cola

Staff

Actualidad 8 Experiencias Inolvidables 9 Cambios de Verano 10 El Postergado San Martín 13 Lo que Importa es la Danza 14 Cine 17 Cambios de funcionarios 20 El Unico

editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu escriben en este número Nahuel Aguirre Beatriz Cotello Gustavo Friedenberg Román Ghilotti Juan Cruz Guillén Toni Mas Fátima Nollén Melisa Salvo Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango Jessica Zilberman en nuestra sede Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges (Cuba) Rosa C. Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 25

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oﬁcina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar http://balletindance.com Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires. ISSN 1850-6275

Provincias 15 Talento Reconocido 16 Oscuridad

Manuel Liñán Foto: Paola Gallarato

Folklore 24 Malambo que Vino del Sur

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 2721765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5279010. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 4116-5845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

Informe 18 El Cuerpo, ¿Tiene Memoria? Homenaje 26 El Ángel de los Pericet Comentarios 28 Synopsis Tango 30 Heroniña Entrevistas 32 Mauricio Wainrot 36 Leslie Telford 42 Laisvie Andrea Ochoa In Memoriam 38 Marta García 38 Salo Pasik Cartelera 23/41 Espectáculos

Argentinos en el exterior 44 Eslovaquia. Del Imperio Austro-Húngaro 45 Rusia. Homenaje Laureado 51 México. Sigue la Fuga de Talentos Internacionales 46 Reino Unido. ¿Es éste el futuro del ballet? 48 Brasil. Ismael Ivo Regresa a San Pablo 52 Cuba. De lo Bueno, Lo Mejor 56 España. Valencia Balletin informativo 56/57/58 Convocatorias, congreso, concursos y festivales, inscripciones, subsidios, puntos de venta

Sumario Marzo 2017 Año 23 Nº 262

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El Hombre de la Bata de Cola Por primera vez llega al Teatro Avenida de Buenos Aires, el bailaor español Manuel Liñán, con su tercer espectáculo, Sinergia, en el que cada escena va construyendo la parte de un todo como piezas independientes, a las que el ﬂamenco conforma en un nuevo objeto

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Nota de tapa / Por Gabriel Vaudagna Arango La bata de cola y el mantón, son elementos que se utilizan en el baile, ofreciendo una manera de manifestarse distinta, dice Manuel Liñán Foto . Paola Gallarato

Nota de tapa Por Daniel Sousa MARZO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 5

Manuel Liñán no es un bailaor más del mercado, es un bailarín formado que sabe lo que hace y todo lo realiza con una alta calidad interpretativa y creativa. Muchos han intentado bailar con bata de cola, sólo que cuando lo hace Liñán logra componer un lenguaje nuevo con un símbolo del flamenco femenino. Ha sido merecedor de los más prestigiosos reconocimientos en los últimos tiempos incluso el premio Max como mejor intérprete y el premio de la crítica del Festival de Jerez 2016. Ha coreografiado como invitado al Ballet Nacional de España y a bailaoras de prestigio como Rafaela Carrasco, Belén Maya y “La Tati”, entre otras. Visitó Buenos Aires en diferentes oportunidades para dictar talleres y bailar en el tablao el Perro Andaluz; esta vez llega con su tercer espectáculo al teatro más español de la ciudad, acompañado por sus propios músicos. En entrevista telefónica para Balletin Dance, mientras se encontraba dictando un taller de danzas en Singapur, adelantó algo de lo que se verá en nuestra ciudad, el 15 de abril en el Teatro Avenida.

¿De qué se trata Sinergia? Se basa en lo que a mí me mueve para construir un baile. En Sinergia traté de plasmar la importancia que tiene para mí cada elemento del flamenco, cómo influyen tanto la guitarra como el cante en cómo se construye el baile. En la sinopsis del espectáculo dice “la importancia de un todo y un abanico de distintos perﬁles que los demás aportan a tus emociones” ¿Cuál es el tratamiento que le da a la emoción del otro? Más que nada es algo recíproco. Cada intérprete de Sinergia me aporta una energía diferente, una manera de expresarme distinta. La guitarra me lleva a un terreno diferente que las voces y con cada uno de ellos hago piezas diferentes. ¿De qué manera el ﬂamenco completa en usted ese todo? El espectáculo se basa en la construcción de una coreografía, que en el transcurso del espectáculo se va haciendo en partes sin elementos, sin ningún fragmento musical que la apoye. El resultado es un recorrido por los distintos intérpretes, para mostrar una coreografía final con todos los elementos.

En relación a la composición coreográﬁca ¿tiene alguna fórmula de trabajo o un disparador para iniciar una nueva creación? Siempre se me ocurre por la necesidad de comunicar algo como artista, o por alguna inquietud de cómo tratar diferentes emociones, o de reflejar experiencias distintas, o las propias vivencias.

Sinergia Fecha: 15 de abril, 21 hs, Teatro Avenida Dirección e interpretación: Manuel Liñán Cante: Miguel Ortega y David Carpio Guitarra: Víctor Márquez “Tomate” Prisma “Vamos a hacer un laboratorio con artistas locales, para crear un espectáculo y montar una gala de presentación”. El sábado 22 de abril se presentará Prisma Flamenco, una mirada al flamenco desde nuestra tierra, dirigida y coreografiada por el propio Manuel Liñán, en la sala Caras y Caretas de Buenos Aires. Baile y coreografía: Guadalupe Aramburu, Anabella Ablanedo, María Sara Cadirola, Agustina Cantero, Andrea Defelice, Lorena Di Prinzio, Catalina Gutiérrez, Belén Moraña, Yanina Martínez, Silvana Perdomo, Lujan Obrón, Mónica Romero, Daniel Corres y Gastón Stazzone. Cante: Eugenio Romero y Álvaro González. Guitarra: Esteban Gonda y Nico del Cid. Percusión: Juan Romero.

Manuel Liñán en el tablao porteño, en 2016 Foto . Paola Gallarato 6 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2017

En su última producción, Reversible, usted baila con Bata de Cola ¿cuál es el signiﬁcado que busca, o qué quiere generar en el espectador? Ninguno. Siempre me ha apetecido bailar con la bata de cola y eso es lo que hago, trato de no justificarme ni crear un personaje. La bata es un elemento que siempre me ha atraído, desde la infancia, y por ciertas limitaciones sociales no lo había hecho. Ahora que veo las cosas de otra manera, quiero bailar con la bata, y también, porque me siento identificado.

Merecedor de los más prestigiosos reconocimientos, el español actuará este mes en Buenos Aires Foto . Paola Gallarato

¿Qué sucede con lo simbólico que carga la propia bata de cola, como un vestido de uso femenino y de un sector determinado. Esto le inﬂuye? Tanto con la bata de cola como con el mantón, tu cuerpo adquiere un lenguaje diferente, lo modifica, te da una manera de expresarte o de manifestarte distinta. Primero porque son elementos que se utilizan para el baile y técnicamente tienes que saber usarlos y segundo porque es una estética diferente. Es uno de los artistas más premiados de los últimos tiempos ¿cómo lleva adelante su carrera? Pues con mucho esfuerzo y muy agradecido a todos los reconocimientos. Es verdad que los reconocimientos te dan mucha ilusión y mucha fuerza para seguir, pero también mucha responsabilidad para poder continuar estando allí y de por lo menos mantenerse estable. __BD

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ACTUALIDAD

Experiencias Inolvidables

El misionero Manuel Ruiz, junto a su mentor Andrei Vassiliev, radicados en Nueva York, regresan este año a Latinoamérica en búsqueda de talentos El programa de ayudas a estudiantes internacionales Latinoamérica Baila, comenzó el año pasado con una gira sudamericana, con la que recorrieron 30 ciudades y ofrecieron 150 becas, con “un éxito inesperado”, señaló Manuel Ruiz a esta revista, a la hora de dar a conocer el cronograma 2017. El programa trata sobre “el arte, los sueños y las emociones de los bailarines, conocer nuevas culturas y vivir nuevas experiencias”, explicó el argentino que inició su carrera merced a diferentes becas (ver Balletin Dance Nº 256, agosto de 2016). De abril a junio, su mentor, realizará un workshop de varios días en cada ciudad (Misiones, Salta, San Luis, Mendoza, Córdoba y Buenos Aires, Asunción del Paraguay y Guadalajara de México), para seleccionar a los jóvenes bailarines que obtendrán una beca de mérito para integrar la Vassiiliev Academy of Classical Ballet de Nueva York, en 2018. La Academia inició el Year Round Program el 23 de enero de este año, recibiendo a siete bailarines argentinos (seleccionados el año pasado): Inés Riveros, Tais Morello, Abril Rodríguez, Nicoles Andre Perez, Bianca Stella, Joaquín Gaubeca y Cristian Gonzáles. Inés Riveros además, integrará Falling Angels, la nueva creación de Manuel Ruiz, que retrata la vida de Andrei Vassiliev. Contará con el protagonismo del propio artista y de la argentina Erica Cornejo, con una larga y exitosa carrera en Estados Unidos: “su personaje es la música hecha humana”, afirmó el creador, e invitados de lujo del Kirov Ballet, Bolshoi Ballet, American Dance Theater y New Zealand. Su estreno será el 21 de abril en el Skirtball Theatre del Center of Performing Arts, de la ciudad de Nueva York y emprenderá una gira latinoamericana en agosto para recorrer Argentina (Misiones, San Luis, Mendoza y Salta), Brasil, Paraguay y México. Más tarde, llegarán a Europa, sumando a nuestra compatriota, Ana Sophia Sheller, primera bailarina del New York City Ballet.

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Erica Cornejo y Andrei Vassiliev en Falling Angels Foto . Rachel Neville

Falling Angel “es lo más importante que me ha pasado en esta carrera. Es la biografía de Andrei Vassiliev hecha en ballet, con artistas de lujo: argentinos que triunfan en el mundo, rusos y norteamericanos. También es sobre los sueños”, aseguró Ruiz y remató: “con calidad y emoción, juntas, en una noche que dará que hablar”. __BD

ACTUALIDAD

Cambios de Verano

El Teatro Colón de Buenos Aires, retomó su actividad el 1º de febrero y en esa misma semana se dieron a conocer las nuevas autoridades, luego de varios rumores y especulaciones Enrique Arturo Diemecke, actual director de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires como director artístico y Paloma Herrera al frente del Ballet Estable inauguran la temporada 2017 de nuestro primer coliseo. Ambas designaciones arrojaron un halo de esperanza para el futuro del coliseo. Darío Lopérfido dejó la dirección del Ente Autárquico, a cambio de una “oferta irresistible”, según indicó a los medios. Un cargo creado ad hoc, en Berlín (Alemania), que le ofreció el gobierno nacional. Seguirá de todas maneras al frente de Ópera Latinoamérica (OLA). Paloma Herrera, se había radicado el año pasado en nuestro país luego de su retiro como primera bailarina del American Ballet Theatre, donde desarrolló toda su brillante carrera. Formada en la escuela

del mismo teatro porteño, con un vínculo cercano con el Ballet Estable en todos estos años y a punto de lanzar su autobiografía, aseguró al asumir, que enfrentará esta nueva gestión, tal como ha vivido siempre, “intensamente”. En ese momento, dijo: “Acepto este reto con un enorme orgullo y agradecimiento. El Colón me dio todo, amo esta casa en la que crecí desde muy niña. Es una gran satisfacción para mi devolverle todo lo que me dio y poder proyectar a nuestro extraordinario cuerpo de baile al mundo”. Su intensión es recobrar la excelencia del elenco, conseguir mayor cantidad de funciones dentro y fuera del teatro, y mejorar la preparación de los ensayos, conservando los valores con los que se desempeñó profesionalmente: “con planificación, trabajo, ética, compromiso, disciplina, inspiración... ¡con pasión! Todos sellos de mi carrera”. Y para que no queden dudas, afirmó: “voy a hacer lo imposible”. Por lo pronto, el Cuerpo Estable se encontraba ensayando Sylvia de Frederick Ashton al cierre de la presente edición de Balletin Dance. El título con el que abrirá la temporada 2017, con cinco funciones del 7 al 12 de abril y que contaría con la actuación de Isabella Boylston (American Ballet Theatre) de acuerdo a los planes dejados por la dirección anterior. __BD

Paloma Herrera, hará “lo imposible” como Directora del Ballet Estable del Teatro Colón Foto . Alicia Sanguinetti MARZO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 9

ACTUALIDAD

El Postergado San Martín

Una vez más, se pospuso la reapertura del Teatro San Martín de Buenos Aires Según se había anunciado en junio de 2016, las puertas del Teatro San Martín (y su actividad a pleno) volverían a abrirse en marzo, pero el mes pasado, Jorge Telerman, director del Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA) que alberga a la emblemática sala, anunció tímidamente que los tiempos de las obras edilicias, se habían retrasado. En realidad una vez finalizadas requerirán dos meses para culminar la mudanza (no ha quedado nada en el edificio) y terminar de ajustar los aspectos técnicos (luz y sonido) en las salas teatrales. La nueva fecha de reinauguración, sería el 25 de mayo, pero todo hace suponer que no se va a llegar a tiempo. En principio, la temporada anual anunciada, sufrirá cambios: sin mayores precisiones se supo que las obras planeadas para la segunda mitad del año, se estrenarían en 2018. El proyecto de reparación y reformas del teatro ya sufrió varios cambios (en los planes de acción y en el costo económico), desde que se comenzaron a implementar con el gobierno anterior (Mauricio Macri como jefe de la ciudad y Hernán Lombardi como ministro de Cultura). El mundo teatral de la ciudad no pareciera estar entre las prioridades de esta gestión, considerando que también se encuentran cerrados el Teatro Presidente Alvear desde mayo de 2014 (también del CTBA), Polo Circo (que depende del Centro Cultural San Martín), la sala Villa Villa del Centro Cultural Recoleta (alquilada a privados) y algunos centros culturales en los que la actividad decayó en los últimos meses.

El Ballet Contemporáneo En su 40 º aniversario, el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, dirigido por Andrea Chinetti (uno de los tres cuerpos estables del teatro) se presentará con entrada gratuita, al aire libre, en el Anfiteatro Eva Perón del Parque Centenario, hasta el 19 de marzo. Allí ofrecerán un programa integrado por Vibraciones de Elizabeth de Chapeaurouge con música de Nicolás Di Lorenzo y Cuatro Estaciones de Buenos Aires de Mauricio Wainrot con música de Astor Piazzolla. Con Aroma Francés El jueves 23 de febrero, se presentó en la Embajada de Francia en la Argentina, la programación de obras francesas que se desarrollará durante 2017, en las salas abiertas del CTBA, que incluirá varias propuestas de cine, música, danza y teatro. El acto contó con la presencia de Pierre Henri Guignard (embajador de Francia en Argentina), Ángel Mahler (ministro de cultura porteño) y Jorge Telerman (director general del CTBA) quien además, recibió de parte del gobierno francés, la Orden de Commandeur des Arts et des Lettres en virtud de su trabajo a favor de la difusión de la cultura francesa en la Argentina y del fortalecimiento del lazo entre ambos países. (Ver Balletin Dance Nº 261, enero de 2017, con las obras de danza francesas programadas). __BD

El BCTSM en Vibraciones Foto . gentileza de la compañía

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ACTUALIDAD

Lo que Importa es la Danza Por Nahuel Aguirre

Oscar Araiz, maestro y director del área de danza de la Universidad Nacional de San Martín (Unsam), anticipó a Balletin Dance las actividades que se llevarán a cabo este año en la institución. La llegada de maestros internacionales para la comunidad universitaria, pero también seminarios abiertos, se suman a la licenciatura en danza del Instituto de Artes Mauricio Kagel y las funciones del Grupo profesional Maestros internacionales invitados Luego de una exitosa master-class brindada por la bailarina Lesley Telford para la comunidad de la Unsam en febrero, continuarán seminarios para alumnos y otros abiertos a todo público con diferentes invitados extranjeros. El Instituto de Artes Mauricio Kagel contará con la visita de la deliciosa y eximia bailarina estadounidense Bonnie Wyckoff, que brindará un seminario gratuito, para cualquier interesado (sin experiencia, ni límite de edad), la segunda quincena de marzo. Wickoff es una antigua compañera de trabajo y amiga de Araiz y desde hace varios años propone la técnica Line Dance, un estilo coreográfico que según sus propias palabras se trata de: “…un acontecimiento alegre, simple, que se produce cuando todos realizan los mismos movimientos, en base a canciones conocidas, en una pista de baile (…) allí no hay jerarquías, ni sobrevuela una mirada crítica entre los participantes, todo el mundo comparte la misma energía (o la misma actitud) y lo único que importa es la danza”. Serán movimientos simples y accesibles para to-

dos. Paralelamente, la maestra dictará un taller cerrado para formar instructores de Line Dance. Otra visita a destacar es la de la compañía suiza Alias que llegará de la mano de su director, el coreógrafo brasilero Guilherme Botelho. Aquí ofrecerán Distancia, un proyecto compuesto por una trilogía coreográfica, que incluirá el montaje de un trabajo conjunto con el Grupo de Danza de la Unsam y una pequeña gira por el interior del país. Sin embargo “aún es muy pronto para confirmar dicho suceso”. Grupo de Danza Unsam, nuevo espacio y talleres abiertos Mientras tanto, el grupo de danza de la Unsam prepara un nuevo estreno de su director: Hindemith Contraataca, pieza dividida en dos partes, compuesta por coreografías inspiradas en el repertorio del músico alemán. Durante el año, el elenco continuará presentando obras de su repertorio, anticipando en lo inmediato su actuación de la novena edición de Ciudanza, el Festival de Danza en Paisajes Urbanos organizado por el gobierno de la ciudad de Buenos Aires. Para los estudiantes de la licenciatura de danza de la Universidad Nacional, 2017 arranca con dos novedades. La nueva sala de danza llamada Dore Hoyer (inaugurada en diciembre del año pasado) y las residencias de formación, con los bailarines del Grupo de Danza de la propia institución. __BD

Sala Dore Hoyer, inaugurada en diciembre de 2016 Foto . gentileza de la Unsam Bonnie Wyckoff este mes en la Unsam Foto . gentileza de la universidad MARZO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 13

ACTUALIDAD

Cine

Angelin Preljocaj y Valérie Müller (pareja en la vida real) lanzaron a fines del año pasado Polina, Danser sa Vie (Francia, 2016), una ficción que relata la historia desde la infancia de una talentosa bailarina, basada en el cómic homónimo de Bastien Vivès. La película es protagonizada por Juliette Binoche (como Liria), Anastasia Shevtzoda (Polina adulta, bailarina real del Ballet del Teatro Mariinsky de San Petersburgo), Niels Schneider (Adrien), Jérémie Bèlingard (Karl, étoile de la Ópera de París, también asesor de la película animada Ballerina) y Aleksei Guskov. Para Polina, que estudió en la escuela del Teatro Bolshoi de Moscú en la década de los noventas, el ballet lo es todo en su vida. El film muestra su cotidiano profesional y personal, y cómo va cumpliendo su sueño de convertirse en una gran bailarina clásica. Una vez en la compañía se enamora de Adrien, un bailarín francés, hecho que sumado a complicaciones familiares, ayudan a la joven a mudarse a Francia. Allí conocerá a Liria, una excep-

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Juliette Binoche, como Liria Foto . gentileza de la producción

Terpsícore continúa inspirando al cine. En estos últimos meses se estrenaron nuevos ﬁlms que tratan sobre el arte de la danza

cional maestra de danza contemporánea (Juliette Binoche que hace unos años participó en un dance-drama con Akram Kahn), que le abrirá las puertas de una tercera etapa en su carrera: Bélgica. Polina descubre el arte de la improvisación con el coreógrafo Karl y resuelve dedicarse a la coreografía. La película toda, resulta altamente poética, esperanzadora, con una belleza propia de los autores/directores del film, que causará emoción tanto a los amantes del ballet, como a aquellas personas ajenas al medio. __BD

PROVINCIAS

Talento Reconocido Por Juan Cruz Guillén

En la temporada estival argentina, suceden los más importantes Festivales Nacionales de música y danza folklórica. También es época de carnaval, que nuestro país recupera cada año con efusiva alegría. Quien escribe, integró el jurado de dos de los eventos más importantes en esas materias El Festival Nacional de Música Popular Argentina Baradero 2017, fiesta máxima de la ciudad y considerado el más importante de la provincia de Buenos Aires, ofreció su 43º edición del 16 al 19 de febrero en el Anfiteatro Municipal, y fue televisado por la TV Pública. Días antes, del 10 al 12, tuvo lugar la final provincial, el “PreBaradero”, certamen cuyos ganadores actúan luego en el Festival Nacional. Laura Casco y Marcelo Montenegro (seleccionados en la Sub Sede Chaco) fueron seleccionados en las dos categorías de tango: Tradicional y Estilizado. Gisele Caracciolo y Nicolás Delavanso (sub sede ciudad de Buenos Aires) se alzaron con el primer puesto como Pareja de Zamba Tradicional. Carla Noemí Espinosa y Enzo Andrés Nievas (sub sede Neuquén) se destacaron como Pareja de Zamba Estilizada; Miguel Samorano (Catamarca), fue elegido como mejor Solista de Malambo Sureño, mientras que Rubén Monges (Santiago del Estero) lo hizo como Solista de Malambo Norteño. El jurado estuvo integrado por Darío Pizarro, Pablo Moyano, Juan Angel Martinez y Juan Cruz Guillén (Malambo y Zamba) y Betzabe Flores, Pablo Moyano y Juan Cruz Guillén (Tango). Carnaval de Corrientes Toda la provincia de Corrientes está vinculada al Carnaval, y en todas las localidades se celebran desfiles de coloridas comparsas. Su capital, la ciudad de Corrientes, fue declarada Ca-

Miembros del jurado del carnaval correntino, en plena acción: Alejandro Balbis (música), Juan Cruz Guillén (coreografía), Diego Siliano (escenografía y puesta) y Lara Sol Gaudini (vestuario) Foto . Horacio Torres

pital Nacional de Carnaval, convocando cada año a miles de turistas. Del 3 al 27 de febrero, tuvo lugar la 51º edición de los Carnavales de Corrientes, en el Corsódromo Nolo Alías y en el anfiteatro Cocomarola. Además de la presentación de espectáculos y shows, hubo un evento competitivo, un encuentro especial para la elección de la Reina del Carnaval y los corsos barriales. El jurado anunció el escrutinio definitivo del ganador 2017, el 28 de febrero (cuando esta revista se encontraba ya en imprenta). Las comparsas (de 230 a 1000 integrantes, con grandes carrozas) que participaron en 2017 fueron: Ará Berá (583 miembros), Copacabana (530 integrantes), Sapucay (530) y Arandú Beleza (300), mientras que las Agrupaciones Musicales (180 integrantes como máximo, de los cuales el 60% constituye la escuela de samba y el 40% restante el cuerpo de baile, sin carrozas), fueron: Samba Total (175 integrantes), Imperio Bahiano (160), Sambanda (124), Samba Show (160) y Kamandukahia (187). __BD

Laura Casco y Marcelo Montenegro Foto . BTI | Baradero te informa MARZO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 15

PROVINCIAS | BUENOS AIRES

Oscuridad Por Melisa Salvo

Obras de danza, música y teatro se presentarán en el marco de la segunda edición del ciclo La Ciudad en Escena en el Teatro Municipal Coliseo Podestá, entre ellas, Darkness de Romina Simone, representará a la ciudad de La Plata Los jueves de marzo y abril tendrá lugar la segunda edición del ciclo La Ciudad en Escena en la sala principal del Teatro Coliseo Podestá de la capital provincial, una de las salas más grandes de la ciudad. Diez fueron las propuestas seleccionadas (siete de teatro, dos de danza y una de música), de las 127 que respondieron a la convocatoria abierta a finales del año pasado, para proyectos autogestionados. Las entradas tendrán un costo de $ 100 para fomentar un ciclo inclusivo y accesible para la comunidad platense. En materia de danza contemporánea, se verá Las Bestias de David Señoran, a cargo de su compañía proveniente de la ciudad de Buenos Aires, y Darkness, la quinta creación de Romina Simone, estrenada en uno de los espacios independientes platenses, donde realizaron tres funciones en octubre del año pasado. No es la primera vez que la coreógrafa propone una de sus obras para el evento, intentando ampliar su horizonte hacia grandes audiencias. En diálogo con Balletin Dance, afirmó que el ciclo representa una gran oportunidad para adquirir una mayor visibilidad en la ciudad y, al mismo tiempo, se trata de un desafío, ya que “es algo nuevo, que un grupo de creación independiente, realice una función en una sala con capacidad para 1058 personas”. El grupo está conformado por cinco bailarines clásicos del Ballet del Teatro Argentino de

Darkness en función: cuerpos sin rostros Foto . Romina Terrier 16 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2017

La Plata (Aldana Jiménez, Aldana Percivati, Devid Gómez, Leticia Taguchi y Valentín Fernández) y por la propia Simone, además de su rol como directora. Los intérpretes estaban en busca de experimentar nuevos estilos de movimiento y ella se encontraba buscando cuerpos para materializar sus ideas, explicó. “Que los bailarines formen parte del Ballet me permitió trabajar en un alto nivel de complejidad y profesionalismo”. También, a partir de este año, estudiantes de artes audiovisuales fueron incorporados al grupo con el objetivo de trabajar en la estética de la obra. Parte de la reseña de Darkness formula: “Se abre una puerta, va a entrar una luz y algo más… se materializan nuestros miedos, pensamientos y deseos, los ojos no saben guardar secretos y los recuerdos se confunden entre los sueños”. Simeone aumentó su descripción: “Darkness es una obra fantástica de cuarenta minutos de duración, que se caracteriza por ser oscura y por vagar entre dos mundos, uno real y otro irreal. A partir del imaginario, lo consiente e inconsciente se entrelazan en escena y la oscuridad se ve representada por cuerpos sin rostros y sombras con identidad y vida propia”. A pesar de ello, la pieza también tiene momentos de luz y esperanza, buscados a través de la iluminación y la música. Hay un solo personaje que representa la oscuridad con una máscara que oculta su rostro, este supuesto “demonio” aparece al comienzo de la obra para irradiar su oscuridad lobreguez y vuelve a escena hacia el final. Para darle un respiro al público, “la obra mezcla diferentes energías y los cuadros se continúan como si se tratase de una película, pero siempre con un carácter intenso, corporal y musicalmente hablando”. En Darkness Romina Simeone continúa el desarrollo de su propio sello compositivo, ligado a un estilo volumétrico, circular y tridimensional, que surgió luego de haberse perfeccionado con distintos maestros dentro del país y en el exterior. También, en diálogo con esta revista, la ahora docente del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, contó que le gusta trabajar de manera inclusiva, permitiendo que los intérpretes transiten espacios de investigación y puedan hacer aportes propios a la producción, siempre teniendo en cuenta el mensaje que trasmite la obra. __BD

brevesactualidad

Cambios de funcionarios Durante el verano, también hubo cambios en Nación y Ciudad En febrero, el Instituto para el Fomento de la Danza no Oficial de la ciudad de Buenos Aires, Prodanza, comunicó los resultados del Concurso Público de Oposición y Antecedentes para cubrir los cargos de vocales en su directorio, acto que se realiza cada dos años. El jurado integrado por Ana Kamien, Marina Giancaspro y Gerardo Litvak, junto a los directores de la institución: Andrea Saltiel y David Señoran, seleccionaron como vocales titulares a Silvina Duna, Nora Moreno y Quío Binetti, y como suplentes a Eleonora Comelli y Analía Slonimsky. En el Ministerio de Cultura de la Nación, que encabeza Alejandro Pablo Avelluto, también hubo modificaciones este verano. Sin anuncios ni publicaciones oficiales, Balletin Dance pudo confirmar telefónicamente los cambios sucedidos en la Secretaría de Cultura y Creatividad que lidera Enrique Avogadro y del que dependen los cuerpos estables a través de la Dirección Nacional de Gestión y Programación conducida por Débora Staiff. Lo cierto es que han dejado sus cargos en esa área, Omara A. Barra al frente de la Subsecretaría de Cultura Ciudadana y Mora Juarez, en la Dirección de Organismos Estables. __BD

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INFORME

El Cuerpo, ¿Tiene Memoria? Por Jessica Zilberman

Expertos del ámbito de la investigación, psicología y de las Ciencias Biológicas ligados al mundo de la danza conversaron con Balletin Dance sobre las claves para recordar coreografías Los músicos cuentan con una partitura o pentagrama para guiar su interpretación. Pero a los bailarines, ¿quién los ayuda a memorizar las coreografías? A menudo se escucha la frase “el cuerpo tiene memoria”, como si se tratara de una premisa indiscutible. Sin embargo es el cerebro el que recuerda. “El movimiento del pie o de la mano no está en mi cabeza, lo que hay es una representación mental, un concepto de ese movimiento. Yo lo guardo mejor en mi memoria si lo descompongo”, dijo el profesor titular de la cátedra Teorías del Aprendizaje de la Universidad Nacional de las Artes (UNA), Eduardo Corbo Zabatel. Por eso, es importante segmentar los pasos y registrar los diversos momentos de la danza para poder conservarlos en la memoria. “El bailarín debería tener una visión global del movimiento como resultado de su fragmentación”, detalló el psicólogo. En esta línea, cabe aclarar que para fortalecer la retención, también es importante la actividad metacognitiva que, en términos de Corbo Zabatel, “es una reflexión consciente sobre qué es lo que hice yo, cómo fue que di éste paso, cómo llegué acá”. Recordar coreografías supone la activación de los circuitos neuronales, casi como si el baile estuviera siendo ejecutado. Otra cuestión clave es que aquello que se ha aprendido debe ser reproducido reiteradamente. La memoria a corto plazo está vinculada al hipocampo, parte del cerebro donde se generan neuronas (neurogénesis). “Muchas veces, esas redes neuronales no se establecen en el tiempo, quedan un lapso determinado. Tiene que pasar algo en el cerebro para que perduren a largo plazo”, comentó la licenciada en Ciencias Biológicas y danza/ movimiento terapeuta, Silvia Copelli. Una de las cosas que posibilita la permanencia de esas redes es la repetición. “Cuando pasamos y pasamos un movimiento, las zonas más conscientes de la memoria pueden dejar de actuar”, explicó la licenciada en Psicología, Débora Rabinovich y agregó que “prácticamente, funciona una zona de hábito y entonces el cuerpo lo hace directamente”. Balletin Dance conversó con ella, que además tiene formación en danza, en su breve paso por Argentina. La profesional está radicada en Canadá, donde realizó una maestría en medicina experimental en la prestigiosa Universidad Mc Gill. Asimismo, es investigadora en el área de Cerebro,

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“Cuando estás danzando en grupo, se sincronizan todos los cerebros”, dijo Silvia Copelli Foto . Leconsag

Cognición y Conducta Humana de la Universidad de York (en Toronto). Allí, se llevó a cabo un estudio, dirigido por el profesor Joseph De Souza (publicado en la revista PLOS ONE). El experimento permitió analizar la manera en que bailarines profesionales de ballet aprendían y memorizaban una coreografía y cómo, a través del tiempo, variaban las regiones cerebrales que se activaban. Para eso, se emplearon equipos de resonancia magnética funcional (fMRI), que permiten estudiar al cerebro en movimiento. Lo cierto es que observaron cómo el área motora suplementaria, ligada a la programación y coordinación de secuencias de movimientos complejos, incrementaba su activación cuando los participantes realizaban un esfuerzo cognitivo

consciente por recordar la pieza. Luego, cuando la secuencia ya había sido memorizada, esa zona se desactivaba. “Esto es lo que los bailarines registramos como ‘el cuerpo tiene memoria´. En realidad no es literalmente el cuerpo, es la mente… pero uno no necesita los mecanismos consientes”, reveló Rabinovich. Tanto la automatización de los procesos como la expertise posibilitan la realización de predicciones. Así lo observó el psicólogo Lucas Sedeño, uno de los autores del estudio realizado en La Fundación Instituto de Neurología Cognitiva (INECO) y publicado en la revista NeuroImage. El trabajo, liderado por los investigadores Lucía Amoruso y Agustín Ibáñez, buscaba probar qué sucede a nivel cerebral cuando se observa una acción y, para eso, utilizó al tango como instrumento. Se comparó lo que pasaba cuando expertos, principiantes y gente que nunca lo había bailado miraba videos de esa danza, algunos de ellos con equivocaciones. “Lo que detectamos es que había una actividad cerebral distinta en los tangueros con respecto a los principiantes incluso antes de que observaran el error”, expresó Sedeñó y aclaró que “ellos tenían un esquema motor de cómo tenía que empezar ese paso para terminar [correctamente], que ya anticipaba una violación incluso cuando se iniciaba”. El otro y la memoria Para aprender una danza es fundamental estar motivado, porque el interés despierta la atención y las ganas de captar todos los detalles. Entonces, se comienza por imitar al docente o a los compañeros. Para eso, existen las neuronas espejo que se activan al ejecutar u observar la ejecución de una acción por parte de otra persona y que permiten entender su intención y sus sentimientos. “Estas neuronas se prenden en las mismas áreas del cerebro que la persona que ejecuta el movimiento. Para poder comprender el

El área motora suplementaria (marcada por la ﬂercha) se activa cuando los bailarines realizan un esfuerzo cognitivo consciente por recordar la pieza Foto: SMAcerebro

movimiento que está haciendo un bailarín, mi cerebro baila como él”, describió Silvia Copelli. Esto permite explicar la empatía que se genera entre los compañeros de una pieza, que ayuda al artista a salir adelante si se olvida una parte de la coreografía, por ejemplo. “Cuando estás [danzando] en grupo, se sincronizan todos los cerebros”, detalló la profesional y agregó: “el público también está bailando con vos. El cerebro de cada uno de los participantes se enciende exactamente igual que el del bailarín”. En fin, solos o acompañados, los intérpretes despliegan su destreza sin tener que realizar un gran esfuerzo mental. Pero esto no ocurre de un día para el otro: se trata de un procedimiento de construcción y adquisición de la habilidad. Ese proceso es el que les permite dejar de pensar en el paso que viene y poder fluir, soñar… danzar. __BD

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ACTUALIDAD

El Unico

Hasta la inauguración del impactante Centro Cultural Néstor Kirchner (CCK) en el ex Palacio de Correos, con sus varias salas de espectáculos y salones de exposiciones, el Teatro Nacional Cervantes, era el único dependiente del Estado Nacional, en todo el territorio argentino. Ambos ediﬁcios han sido declarados Monumento Histórico Nacional Así y todo, el Teatro Nacional Cervantes dirigido por Alejandro Tantanian, comienza el anuncio de su temporada 2017 con estas palabras “Desde nuestro único Teatro Nacional encaramos el desafío de pensar el teatro y lo nacional en toda su complejidad. Entendemos que el teatro nacional es una institución que va mucho más allá del edificio del Teatro Cervantes: abarca todo el país. No como centro irradiador, de la capital al interior; no como lugar de convergencia, del interior a la capital, sino como un nodo en una vasta red: la red de las prácticas teatrales del país”. En materia de danza, 2017 se presenta como es tradición: poca actividad. Sigue siendo una lástima e inentendible que los elencos nacionales no tengan fechas fijas confirmadas en el precioso edificio, cuyas fachadas reproducen las del Colegio Mayor de San Ildefonso de Alcalá de Henares (España) y cuyo escenario es apto para la danza. En junio el grupo Bigolates de Chocote estrenará Deseos Inquietos destinada al público infantil, con coreografías de Valeria Narváez y dirección de Martín Joab. Habrá un ciclo de conferencias performáticas con idea y curaduría de Gabriela Massuh y Carlos Gamerro, de abril a noviembre, firmadas por Soledad Barruti-Agustina Muñoz, Eduardo Molinari, Patricio Larrambebere-Ezequiel Semo, Marcos Chinchilla-Azul Blaseotto, Cristian Aliaga y Nicolás Varchausky. Una nueva área denominada Gestión de Públicos, con coordinación de Ana Durán y Sonia Jaroslavsky con novedosas acciones para reforzar vínculos y relaciones entre el teatro y sus espectadores (Club de beneficios, App para celulares, Pantalla touch en el hall central con información y juegos, encuestas, área de formación para docentes, charlas con artistas, laboratorio de periodismo). Una nueva actividad con curaduría de Gabriela Halac llama la atención, porque pareciera ser un reemplazo de la Feria del Libro Teatral realizada desde hace tantos años en el Teatro. Planeada para el mes de noviembre, se llama Volumen-Escena Editada, “aborda el teatro contemporáneo y su escena escrita: habrá venta y exposición de libros, lecturas performáticas, talleres y encuentros”.

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Clases de Swing, gratis, este mes en el CCK Foto . gentileza del Centro Cultural

Por último, en el marco de El Cervantes Produce en el País, en septiembre se estrenará en DocumentA/Escénicas de la ciudad de Córdoba, Número 7, a cargo de la Organización Q, que para este proyecto cuenta con dirección de Walter Cammertoni. CCK El Centro Cultural Néstor Kirchner bajo la dirección de Gustavo Mozzi, reactivó su accionar, sobre todo en materia musical (no hay programado teatro de prosa por lo que se podría decir que el Cervantes es el único en la materia). Gratamente, la danza está presente en su programación. En este mes de marzo habrá cursos gratuitos en la Terraza de la Sinfónica, de tango (Pancho Martínez Pey y Lorena Ermocida, martes 20:30 hs), folklore (Guillermo Gómez y Elizabeth Wieliki , miércoles a las 20:30 hs) y swing (Luciana Salinas y José Zarazaga, viernes 20:30 hs). No requiere reserva de entrada ni inscripción previa: el ingreso es por orden de llegada, hasta agotar la capacidad del espacio. Los sábados a las 18 hs, también en forma gratuita, se podrá disfrutar de las Peñas Milongueras en la Explanada del CCK, con milonga, clases de baile, exhibiciones y orquestas en vivo, de folklore y tango. Por último se anunció el ciclo de performance, el Centro en Movimiento, que se realizará de jueves a domingos (y feriados), de 13 a 20 hs, en diversas salas del segundo piso. Con curaduría de Rodrigo Alonso, reúne a autores de artes visuales, danza y teatro, fotografías y videoinstalaciones que tienen como eje fundamental al movimiento. __BD

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BALLETIN DDANCE ANCE DID ACTIC O DIDA TICO El área de actualización docente de Balletin Dance, dirigida por Alicia Muñozz , presenta Muño

CURS O A DIS URSO DISTTANCIA E-LEARNING (POR INTERNET)

Dir ec ción: Alicia Muñoz Direc ección: utor or:: Marcio Chinetti Tut or

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Ilustración: Germán Guzik

Inicia: 5 de abril

Extraña Vecindad

De Bárbara Hang y Ana Laura Lozza. Interpretación: Alina Marinelli, Camila Malenchini, Natalí Faloni y Bárbara Hang. Jueves y viernes 21 hs (desde el 16 de marzo). Centro Cultural San Martín (Sarmiento 1551, Tel: 43741251).

De Virginia Ravenna y Sandro Nunziata. Viernes y sábados de marzo (hasta el 1º de abril). Centro Cultural Rector Ricardo Rojas. Sala Biblioteca (Av. Corrientes 2038, Tel: 4953-3556). Foto. Isabel Olascuaga

I / Omhazac Mestizas: Agustina Chirife, Rebecca Hilton y Rosa María Torres. Jueves 30 y viernes 31. Subsuelo de Plataforma Lavarden (Sarmiento 1201, Tel: 0341 472-1462).

La Casa de Bernarda Alba

Ballet Contemporáneo Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Dirección: Andrea Chinetti. Vibraciones de Elizabeth de Chapeaurouge y Cuatro Estaciones de Mauricio Wainrot. Viernes, sábados y domingos 20:30 hs (hasta el 19 de marzo). Anfiteatro Eva Perón del Parque Centenario (Av. Ángel Gallardo y Leopoldo Marechal). Entrada gratuita. Se suspende por lluvia. Foto: Gustavo Gavotti

cartelera

Arcadia

Fanny y El Almirante De Luis Longhi. Dirección: Tatiana Santana. Coreografía: Laura Figueiras. Con Luis Longhi, Rosario Albornoz, Karina Antonelli y Lalo Moro. Jueves 21 hs. Teatro La Máscara (Piedras 736, Tel: 4307-0566). Foto: Agustina Luzniak

Buenos Aires Ballet Dirección: Federico Fernández. Bailarines del Teatro Colón y del Argentino de La Plata. Pas de deuxs del repertorio clásico. Viernes 17, 20:30 hs. Teatro ND Ateneo (Paraguay 918, Tel: 43282888). Foto: Carlos Villamayor

En el marco de los Festejos del 60º Aniversario del Monumento Nacional a la Bandera y el Día internacional de la Mujer. Sábado 11, 19 y 21 hs. Dirección, puesta en escena y coreografía: Marlen Puello. Con Julieta Dibidino, Luciana Ardissone, Valeria Margenat, Ivana Garcia, Barbara Renata, Samy Alvarez, Paula Percivalle, Gachi Go y Amalia Aguirre. Monumento Nacional a la Bandera (Rosario, Santa Fe).

La Crueldad de los Animales De Juan Ignacio Fernández. Dirección: Guillermo Cacace. Entrenamiento corporal: Andrés Molina. Con Héctor Bordoni, Ana María Castel, Fernando Contigiani García, Gaby Ferrero, Esteban Kukuriczka, Sabrina Marcantonio, Iván Moschner, Denisse Van der Ploeg, Nacho Vavassori y Sebastián Villacorta. Sábados 23 hs (hasta el 25 de marzo). Apacheta Sala Estudio (Pasco 623, Tel: 4943-7900). Foto. TNC |Mauricio Cáceres

Gurisa De Toto Castiñeiras. Coreografía: Valeria Narváez. Con Juan Azar, Francisco Bertín, Nicolás Deppetre, Marcelo Estebecorena, Pablo Palavecino, Fred Raposo. Viernes 23 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848). Foto: Leo Liberman

Cafe Müller Territorios La Pelota De Lucía Disalvo. Con Mauro Appugliese, Julián Dubié, Lara Jazmin Ferrari, Pablo Fontdevila, Laura Friedman, Laila Gelerstein, Martina Kogan y Natalia Slovediansky. Sábados 23 hs (hasta el 11 de marzo). Timbre 4 (México 3554, Tel: 15-4043-1687).

La Restauración De Andrea Stefanoni y Juan Martín Cervetto. Dirección: Gerardo Otero. Coreografía: Aymará Abramovich. Con Silvia Pérez, Mónica Raiola y Rodrigo Álvarez. Domingos 17 hs (hasta el 9 de abril). Timbre 4 (México 3554, Tel: 4932-4395).

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FOLKLORE

Malambo que Vino del Sur Por Daniel Sousa

Oriundo de Cutral Có, en la provincia de Neuquén, Emanuel ‘Rulo’ Hernández se consagró Campeón Nacional de Malambo en la edición en la que el tradicional certamen celebró sus Bodas de Oro Veinticinco años debieron pasar para que un neuquino volviera a consagrarse en la meca de los zapateadores. La provincia no es de las más tradicionales en la especialidad, por cierto. El dato llamativo es que los dos bailarines que alcanzaron la cima del podio en el Festival Nacional del Malambo de Laborde, en Córdoba, lo hicieron en ediciones de singular relevancia: la de las Bodas de Plata, cuando ganó Isaid González, y la de las Bodas de Oro, en la que acaba de imponerse Emanuel ‘Rulo’ Hernández, 24 años, oriundo de Cutral Có. El ‘Rulo’, que había sido subcampeón en la edición 2016 del certamen, emocionó a todos durante la premiación que se llevó a cabo, raramente, en el mediodía del 15 de enero pasado (debió suspenderse la noche anterior por un repentino temporal). Esfuerzo, perseverancia y dedicación son palabras que afloran en el diálogo con él. “Estoy tratando de disfrutar cada momento después del gran esfuerzo que hemos hecho, no sólo yo sino todas las personas que me han apoyado -comparte-. Voy cayendo de a poco, es todo muy reciente y quizás no le he dado todavía la dimensión que esto tiene. Quiero disfrutarlo e ir aprovechando las oportunidades que se generan a partir de la obtención de este premio”.

Podría pensarse que el malambo es una actividad muy solitaria, pero detrás de todo zapateador hay siempre un equipo de gente ¿Cómo estuvo conformado el suyo? Todo parte de mi familia y de tres amigos que me han acompañado siempre: el Puma, Lalo y Kito, que son mis músicos. Tengo además dos profesores: Adrián Vergés, ‘el Polaco’, que fue campeón en Laborde en el año 2002 y con el que vengo trabajando el Malambo Sur hace diez años, y el actual cantante de La Callejera, Ariel ‘Chaco’ Andrada, que es mi profesor en Malambo Norte. ¿Viajaba para trabajar sus rutinas con ellos? Sí, el año pasado hice cuatro viajes a Buenos Aires y tres a Córdoba, básicamente para corregir las cosas que no habían quedado claras o cambiar aquello que no nos quedaba bien. Dedicamos casi todo el año a pulir el trabajo que ya veníamos haciendo; por eso no fueron tantos viajes como en años anteriores. Después de ser subcampeón en 2016 ¿en qué aspectos puntuales trató de mejorar? Seguí buscando el personaje que quería mostrar. A veces, por un tema de edad no se aprecia tanto la madurez que uno intenta transmitir. Es necesario que transcurra el tiempo para que uno mismo se dé cuenta de ciertas cosas. Siento que 2016 me sirvió para eso, para madurar y tratar de llegar al escenario lo más tranquilo posible. Y en cuanto al malambo, tratamos de llevar una propuesta sumamente competitiva, que me quedara cómoda. Creo que pude ofrecer un malambo hermoso, que lo disfruté al máximo y en el que me sentí verdaderamente yo. Su estilo en el Malambo Sur, que es su fuerte, se caracteriza por la elegancia y por la ausencia de pirotecnia, de mudanzas artiﬁciosas ¿Lo siente así? Trato de representar a mi pueblo, los distintos aspectos de mi provincia. Así siento al sur y así lo vivo. La elegancia es algo que fuimos trabajando con el tiempo. Antes también tenía elegancia, pero estaba un poco más loquito (risas), muy enérgico. Con la madurez fui bajando algunos cambios.

Hernández caracterizado como el ‘gauderio’, el antecesor del gaucho, con reminiscencias españolas Foto . gentileza del artista 24 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2017

La prestancia del gaucho del Norte, en la ﬁgura del ‘Rulo’ Hernández Foto . gentileza del artista

Tiene un tío zapateador que marcó su camino ¿verdad? Así es. Él fue mi referente desde muy chico. Nunca lo vi actuar en vivo porque cuando nací él ya se estaba retirando, pero he visto sus videos muchas veces. Mi familia es de folkloristas, todos tocan la guitarra, el bombo, casi todos bailan. En ese ambiente me crié.

Llamó la atención el vestuario que presentó en Laborde, con reminiscencias españolas… Hace unos años competí en el certamen Chakaymanta, en San Isidro. Después de la presentación me acerqué al jurado para preguntarle qué había visto de mí y uno de ellos, Sergio Pérez (campeón de Laborde en 1997), me recomendó esa ropa. Por mi forma de zapatear y por la elegancia que da este vestuario, él creía que podía andar bien. Empecé a probarlo y lo usé por primera vez en 2013 en el certamen Pre-Cosquín, que tuve la suerte de ganar. A medida que fue pasando el tiempo fui sintiendo que esa es la ropa que me identifica. Pertenece a un personaje conocido como ‘gauderio’, el antecesor del gaucho. Es muy antiguo, existió entre 1780 y 1820. El pantalón, la chaqueta, el sombrero, son todos de descendencia española. Es habitual escuchar hablar del exigente entrenamiento físico que debe encarar todo malambista que aspira a competir en la máxima categoría ¿En su caso fue así? La preparación fue dura, pero yo ya venía zapateando mucho, con ritmo; es por eso que en el último año nos concentramos en pulir la rutina. El estado físico lo fui logrando con la búsqueda misma del personaje, zapateando todo lo posible. Algunas veces, por conseguir un buen estado físico se va perdiendo lo artístico, y eso fue lo que traté de evitar. Después de la consagración ya no puede volver a competir en Laborde ¿Cómo continúa su carrera? Mi objetivo es seguir zapateando, bailando, estudiando más todavía. Y seguir apoyando a otros chicos de mi provincia para que también ellos puedan cumplir sus sueños. Además, ahora me toca recorrer el país compartiendo mi arte con todas las personas que se acerquen a verme o a las que les interese tomar clases conmigo. Quiero disfrutar mucho de esto que me costó tanto. __BD

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HOMENAJE

El Ángel de los Pericet Por Gabriel Vaudagna Arango

Durante el mes de febrero el Centro Cultural Borges se inundó de espíritu ibero, con la muestra La Magia de los Pericet, Pasión de Baile, Pasión de España La muestra consistió en una serie de vestuarios y figurines creados para la compañía del genial bailarín español Ángel Pericet, realizados por los más prestigiosos vestuaristas de su época, entre 1949 y 2005, cuando presentara su último espectáculo. En la exposición pudo apreciarse la cantidad y calidad de detalles con que estaban confeccionados los vestuarios junto a una breve referencia de la obra a la que pertenecían. También hubo algunos figurines creados para sus puestas en escena y la reproducción de un dibujo de Rafael Alberti realizado para el propio bailarín. En una de las vitrinas fueron incluidos programas de mano de los espectáculos realizados en Buenos Aires, desde 1949 -cuando debutó, a los 17 años, el joven bolero- y algunas fotografías de la película Café de Chinitas filmada en 1951, en la cual Ángel bailaba, con Imperio Argentina como estrella principal. La familia Pericet ha tenido un vínculo particular con nuestro país, en el que se radicaron varios de los hermanos que formaron escuela, tal el caso de Luisa Pericet (recientemente declarada personalidad destaca de la cultura de la ciudad de Buenos Aires). En una sala anexa, también se pudieron apreciar fragmentos de videos de representaciones de la familia de artistas, filmados en diferentes teatros y una serie de fotografías de Ricardo Wauters ilustró el pabellón II del Centro Cultural.__BD

En la exposición pudo apreciarse la calidad de detalles con que estaban confeccionados los vestuarios Foto . Gabriel Vaudagna Arango

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Amor marca el inicio del espectáculo, con diseños coreográﬁcos de Juan Pablo Bulich y Rocío García Liendo Foto . Gastón Taylor

C O M E N TA R I O

Vibraciones del Alma Por Daniel Sousa Synopsis Tango propone un recorrido por cinco sentimientos que anidan en lo profundo del ser humano: amor, miedo, ira, alegría y odio La primera reflexión que dispara Synopsis Tango es que resulta cada vez más difícil crear un espectáculo verdaderamente original dentro de este género. La referencia no alcanza sólo a este show ideado por el bailarín cordobés Cristian Correa, sino que viene a cuento también de otras propuestas que se vieron en el último tiempo en Buenos Aires. Es un verdadero desafío diferenciarse de tal modo que no sea la espectacularidad de los trucos o un buen diseño de vestuario o de luces lo que eleve a una obra por sobre el resto. Hecha esta salvedad, vayamos a Synopsis Tango, cuyo hilo conductor son cinco sentimientos que anidan en lo más profundo del ser humano. Presentados como compartimentos estancos, sin conexión entre sí, cada uno de los segmentos le fue confiado, desde la creación coreográfica, a distintos integrantes del elenco de ocho bailarines. Para hablar del Amor, Rocío García Liendo y Juan Pablo Bulich toman como punto de partida la imaginaria estación ferroviaria en la que situaron el tema que los consagró Subcampeones del Mundo en 2015. Ubican allí a todas las parejas atravesando el trance del adiós. La valija actúa como conector de esas historias de desgarro amoroso y esperanza de un futuro reencuentro, que la muy buena voz de Nayla Danchuck subraya al interpretar Acompañada y Sola, el tema de Chico Novarro. El nervio piazzolliano actúa como sustento sonoro ideal para que Yesica Lozano y Eber Burger se refieran al Miedo que acecha a las personas desde dentro y desde fuera de sí mismos. Ame28 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2017

nazas reales e imaginarias que anidan en un ámbito lúgubre, agitado por telas oscuras que diluyen los límites. La pareja protagónica, de inquietante estilo, entrega proezas con forma de trucos que verdaderamente cortan el aliento. Tal vez el segmento más luminoso del show, Alegría fue coreografiado por Leah Barsky y Cristian Correa y reúne temas clásicos del género tanguero (Milongueando en el ’40, Mala Junta) con un ramillete de milongas interpretadas por las cuatro parejas con simpatía y desparpajo. Si bien todo el espectáculo luce muy bien vestido (confecciones a partir de diseños del propio Correa), sin duda son estos trajes y vestidos los más vistosos y atractivos. La misma dupla de coreógrafos, junto con Juan Manuel ‘Manuco’ Firmani, explora la técnica contemporánea en el segmento titulado Odio. En este punto, la altísima exigencia de las escenas anteriores entra a jugar en contra del rendimiento de los bailarines. Como si se tratara de un espectáculo aparte, ya sobre el final y representando el sentimiento de Ira, irrumpen en escena cuatro malambistas (Gonzalo y Lucio Leiva, Marcos Olivera y el pampeano Gonzalo ‘Pony’ Molina, Campeón Nacional de Malambo 2011), que en un breve número de fantasía de bombos y boleadoras cumplen sin sorprender. La inclusión del folklore for export en shows de tango debería tener, al menos, una justificación más sólida. Es encomiable, de cualquier modo, el esfuerzo de Cristian Correa por salir al ruedo con una propuesta con músicos en vivo, una iluminación trabajada (obra de Favio Cuello) y la entrega a destajo de los ocho bailarines de tango.__BD

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C O M E N TA R I O

Tan de Frente como se Pueda Por Román Ghilotti

Una de las caras o facetas de lo heroico es el hacerse cargo de una necesidad de muchos, y esta especie de responsabilidad suele ser ineludible. En el Centro Cultural de la Cooperación se presentó Heroniña, un espectáculo de danza creado e interpretado por Fabiana Capriotti, con la colaboración de Carlos Casella, Lucía Disalvo y Marina Giancaspro como directores asociados La heroicidad de esta heroína-niña, más allá del matiz de comic que invoca su nombre, radica en ser una suerte de heroica asunción de sí. No la totalidad de quien se es pero sí, radicalmente, un centro o eje de cómo se está en el mundo. Con diversos modos de aproximación a su corporeidad, el personaje propuesto hace un registro de sí, sensible, de acciones concretas. Desde la percepción más elemental y básica la heroniña se toca, se huele, se presiona, se ausculta, se chupa. También se da a la fuerza de sus acciones, probando su peso, que en definitiva es el efecto de la gravedad en nosotros, y sus resistencias a la caída. Y, completando su ciclo de reconocimientos, experimenta sus acomodaciones e imposibles sostenes respecto del equilibrio y esfuerzos de impulso, locomoción y descanso. Todo esto, continuamente,

Capriotti y el listón en una pausa Foto . Pablo Tesoriere 30 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2017

con una mirada que ve, atenta, el ámbito inmediato en derredor como asimismo da tempos a una visión introspectiva de sus tránsitos en su cuerpo. Estos desarrollos, directos, eminentemente movientes, se cruzan con emotividades que se exponen, por un lado, con asociaciones a canciones en las que se tematiza el amor y, por otro, con relaciones con lo otro elemental, con y contra efectos de un afuera que, simplemente estando presente ya es una posible amenaza. Sintetizado este afuera en un listón de madera (el típico de 2x1 pulgadas por 3 mt), apenas aguzado toscamente en un extremo. Tanto metáfora fálica como básico objeto en el mundo, en la exterioridad de la heroína, el listón, frontalmente tomado y luego utilizado, es percibido, enfrentado, tanteado, resume lo otro que condiciona y se opone, algo a lo que se enfrenta el personaje y que lo modifica: posibles dolor, intimación, defensa, carga, aparecen entre los muchos desprendimientos de significado sugeridos. Y, en una tercera instancia a ciegas, el cuerpo de la heroica, allí, nuevamente se ajetrea y tambalea, se prueba, persiste en estar: ¿lastimado, sufriente?, ¿anestesiado, consciente de su límite? En función, con estos escuetos argumentos, en una escena casi pelada, Capriotti puso en juego ricas variaciones en movimientos, amplios despliegues en secuencias al borde de ser congruentes como formas cerradas que se manifestaron en improvisación contrastada y abierta al registro de sí, ese reconocimiento como objeto central del trabajo. Heroniña, como propuesta comunicativa, dejó ver aspectos o zonas de una heroicidad muy básica: aquello que tiene que ver con tomar-se a conciencia por estar en el mundo, respirar-se, palpar-se y más exámenes de sí y la circunstancia de estar, como si esta heroína nos trajera a cuento que a todos nos acontence una responsabilidad de cómo andamos por aquí, por el mundo.__BD

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E N T R E V I S TA

La Danza Argentina en el Exterior Por Agustina Llumá

Por primera vez en la historia, la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto está encabezada por un coreógrafo. La danza adquiere así a un centinela, que cuida de ella. Mauricio Wainrot dialogó con Balletin Dance sobre su gestión En una agradable tarde de verano, y entre sus múltiples ocupaciones, Mauricio Wainrot recibió a Balletin Dance en su moderna oficina, situada en lo alto del ‘nuevo’ edificio de la Cancillería, con una preciosa vista al Río de la Plata y a la Plaza San Martín. El Ministerio de Relaciones Exteriores se ocupa de todo lo que tenga que ver con nuestro país fronteras afuera, y la Dirección de Asuntos Cultuales puntualmente, de todo lo que conforma la cultura: literatura, cine, historia, teatro, música, fotografía, danza. Su nueva tarea le resulta sumamente interesante, “me encanta”, aseguró el funcionario. Para cumplir su misión, Mauricio Wainrot cuenta con un “equipo muy bueno, de diplomáticos y no diplomáticos, que está al lado mío, expertos en las distintas poéticas que arman todo el compendio que significa la cultura, sobre todo la cultura de estudio; porque tomar mate también es cultura”, bromeó ante esta cronista, al aclarar que queda fuera de su ámbito. “Nos dedicamos a lo que sucede frontera hacia afuera. Nos ocupamos de la programación cultural de las 155 delegaciones que la Argentina tiene en el exterior, que son consulados y embajadas. Ellos nos envían unos documentos llamados InfoGes (informe de gestión) con los que van solicitando dinero para determinados proyectos: que vaya un escritor a dar una conferencia, un grupo de teatro a Estados Unidos, grupos de danza a Europa, o un grupo de tango a Asia”. Dentro de las citas fijas anuales, “nos ocupamos de la Bienal de Venecia (cuyos años pares está dedicada a la arquitectura). Estuve en 2016 con una obra muy interesante, y 2017 es de artes plásticas”. En materia editorial, no faltan los stands argentinos en la Feria del Libro de Frankfurt “que es espeluznante de grande, donde se venden derechos (de edición y traducción), llevamos el Programa Sur de traducciones de autores argentinos,

Balletin Dance en el exterior Merced a una gestión impulsada por Mauricio Wainrot, a partir del mes pasado, cientos de ejemplares de Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza, volvieron a enviarse a embajadas y consulados argentinos. La experiencia había tenido su antecedente hace unos años oficiando de promoción y difusión de la danza argentina en todo el mundo. 32 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2017

con el que ya hemos hecho 1090 traducciones de más de 350 escritores, a unas 45 lenguas. Es un programa muy apasionante, uno de los más importantes del mundo. Allí tenemos un stand que se coordina a través de Exportar (una organización gubernamental), tan importante como fue el de Guadalajara en 2016. Fueron 80 editoriales y 21 de ellas eran universitarias. En 2018 argentina es país invitado de honor, en la Feria de Colombia”. Dentro de la gestión, Mauricio Wainrot además realiza numerosas acciones en conjunto con los Ministerios de Educación y de Cultura de la Nación. “También nos ocupamos de situaciones entre universidades, entre cátedras que se crean, ahora estamos trabajando para re-crear la Cátedra Sarmiento de la Universidad de Salamanca, que existía desde el año ’95. Es importante que en el mundo se estudie Sarmiento, que se estudie Argentina, cine argentino, que se estudie la historia de nuestros escritores. Lamentablemente la historia de nuestra danza todavía está en pañales, más allá de que considero que es una danza muy rica, muy buena, no por nada tenemos primeros bailarines en varias de las primeras compañías del mundo”. “En febrero fuimos a Arco (Feria Internacional de Arte Contemporáneo), una de las más importantes del mundo y Argentina fue el país invitado, viajaron unas 20 galerías. En marzo está prevista la visita del presidente de la Nación a Holanda, y también

Verdaderos Amores Más allá de la intensa y variada actividad que desarrolla Mauricio Wainrot en sus nuevas funciones, no puede dejar pasar en esta conversación el hecho de extrañar “estar con el Ballet de Danza Contemporánea del Teatro San Martín (BCTSM). He estado 18 años y no tengo duda que ha sido el proyecto de mi vida. He formado centenares de bailarines (pasamos de tener 22 a 33 bailarines). En mi gestión invité a 29 coreógrafos argentinos, casi todos independientes. Algunos muy buenos, otros buenos y algunos horribles, pero la obra siempre la dimos”. También están los coreógrafos argentinos “que a mí me parecen sensacionales, con Analía González a la cabeza. Me encanta. Nacimos en épocas diferentes… me hubiese encantado bailar con ella”. “En 2016, por ejemplo, no he hecho ninguna obra nueva, que es raro. Tuve dos montajes que realmente fueron excelentes, El Mesías en la Opera de Bordeaux y La Tempestad para el 400 aniversario de la muerte de Shakespeare que fue increíble, muy muy emocionante.

“Trato que la danza tenga un espacio, dentro de la cabeza de todos: de todos los funcionarios y de los políticos”, aseguró el funcionario Fotos . gentileza del artista

estamos organizando eso. Cuando viene un canciller o un Ministro de Cultura o incluso presidentes de otros países, siempre se firman acuerdos bilaterales y los puntos de cultura y de educación pasan por esta Dirección, para estudiarse o refrendarse”.

Puntualmente en materia de danza ¿qué acuerdos tenemos? “Por lo que yo he visto, cada vez que se firma un acuerdo la palabra danza no existe, entonces por suerte estoy yo -aseguró un poco como broma, pero también con seriedad-. Trato que la danza tenga un espacio, dentro de la cabeza de todos: de todos los funcionarios, de los políticos, y que además la danza no sea tomada como un ramo de flores, como un adorno, como una cosa intrascendente. Eso se podría mejorar en la medida en que nosotros sepamos defender nuestro trabajo y sepamos ‘hablar’ de nuestro trabajo. Creo que los bailarines pecamos muchas veces de no saber expresarnos”.

La Danza Que sea la primera vez que un coreógrafo ocupa el cargo de Director en el Area de Asuntos Culturales del Ministerio, es para Wainrot “un reconocimiento a nuestro mundo, como dicen los españoles: a nuestro colectivo, a nuestra colectividad de la danza. Sinceramente, me enorgullece”.

¿Esta Dirección también colabora con artistas argentinos, otorgando pasajes hacia el exterior? “Nosotros no tenemos pasajes, sino que en la Dirección de Asuntos Culturales se solicitan y nosotros nos ocupamos de elevar los pedidos a través de un InfoGes (informe de gestión), se abre un expediente y es analizado en diferentes áreas. Yo no tengo el poder de decir si te van a otorgar los pasajes o no, pero trato de impulsarlo en la medida que puedo. La gente interesada tiene que tener una invitación formal puntual”, informó Wainrot, que a su vez aseguró que dentro de sus prioridades “trato de apoyar a gente que va a estudiar, que tiene una beca, más que nada, porque al que va a trabajar le van a pagar un cachet”. La Dirección no se ocupa de cubrir gastos de alojamiento ni viáticos, tampoco es su función oficiar como productores o agentes, pero sí pueden ocuparse de promocionar y difundir en el exterior actividades que se realizan en suelo argentino y que convoquen a extranjeros (concursos, becas, residencias). __BD

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Mauricio Wainrot, en el stand de la Feria del Libro de Guadalajara

Asignaturas pendientes El argentino reconoce, informalmente, que desearía ir al Festival de Ballet de La Habana, trabajar en Sudáfrica (que casi lo cumple cuando vivía en Bélgica pero el Apartheid estaba en plena actividad y “fue una decisión política mía la de no participar”) y mostrar Ana Frank en el Teatro de Sarajevo (que también casi sucede cuando estaba trabajando en Austria, respondiendo a una invitación de la Unesco, pero se recrudeció la guerra), “son cosas que me hubiera encantado que hubieran pasado, por solidaridad”.

Wainrot-coreógrafo, en el mundo 50 compañías han estrenado obras de Mauricio Wainrot, en por lo menos 30 países de América, Europa y Asia, y han montado más de 200 producciones, de las 55 creaciones que tiene en su haber. No existe otro caso igual.

2017 Como es habitual, diferentes asistentes montarán este año obras de Mauricio Wainrot en el mundo. El llegará unos días antes del estreno para dar las últimas indicaciones y revisar el trabajo realizado. “Tengo El Mesías con Marcia Haydée [Ballet del Teatro Municipal de Santiago de Chile], que me parece maravilloso que me haya llamado”. El Beethoven abre la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín, con el BCTSM [planeado en marzo pero demorado supuestamente hasta el 25 de mayo]. El 29 de abril, para el Día de la Danza, el Ballet de la Opera de Estambul estrena Chopin Nº 1 en la Opera”. Y a fin de año seguramente regrese al Teatro San Carlo de Nápoles, donde estuvo el año pasado como jurado para elegir al director del ballet, Giuseppe Piccone.

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E N T R E V I S TA

Atravesar las Propias Barreras Por Gustavo Friedenberg

Leslie Telford ha desarrollado una notable carrera como bailarina, coreógrafa y maestra, trabajando con los más inspiradores coreógrafos de nuestro tiempo. Profeta en tierra propia, en 2015 recibió una importante distinción en su Canadá natal, como artista emergente en danza. De paso por Buenos Aires, conversó con Balletin Dance En mi familia no había artistas -señala Telford en un castellano casi perfecto-. Comencé a estudiar ballet por recomendación de un médico, para corregir la rotación de una pierna torcida hacia adentro. Al principio, en Montreal, en la escuela que está conectada con Les Grand Ballet Canadiens, estaba fascinada con el ballet y sus formas; pero al mismo tiempo que hacían los grandes clásicos, la compañía invitaba a artistas como Nacho Duato, Jirí Kylián y Ohad Naharin. Ingresar allí fue la oportunidad de entrar en contacto con este mundo y después de un tiempo empecé a sentirme más cómoda con ese tipo de lenguajes. Más tarde escuché que había un puesto vacante en la compañía de Nacho [Duato] y sentí que estaba lista para dejar las puntas.

¿Qué diferencias encontró en su paso por las distintas compañías? Creo que el cambio más brusco fue saliendo de Montreal y llegando a España, un mundo distinto para mí en muchos sentidos. El trabajo en la Compañía Nacional de Danza era tan intenso; yo pensaba que estaba trabajando al máximo pero en España me sentí tres veces más exigida. Fue una manera de encontrar nuevos límites, además de ajustarme a la cultura. En general en Europa -y aún más en Holanda- hay un gran respeto por las artes, como que el arte tiene un papel más importante en la sociedad, hay más tradición y es un placer participar de algo tan respetado. ¿Cuándo aparece la coreógrafa? Cuando estaba en la compañía de Nacho sentía mucha curiosidad pero a la vez miedo, y además estaba muy enfocada en ser bailarina. Fue cuando comencé en el Nederlands Dans Theater, tal vez por la manera de crear obras ahí, donde el bailarín está más implicado en aportar sus ideas y material. Jirí Kylián fue una influencia enorme por cómo te invita a contribuir, siempre con su estilo, pero tu participas de ello y no sólo como bailarín sino en el acto coreográfico, con la libertad de decir “yo esto lo haría así”. Eso despertó totalmente mi curiosidad, y aunque seguía sintiendo miedo, en ese contexto ya no parecía importarme. ¿Cómo fue la experiencia de coreograﬁar para compañías en las que antes había bailado? Una oportunidad enorme, un honor y un placer. Gente con la que tienes un lenguaje en común, así que las ideas se comunican rápidamente… y otra vez un poco de miedo (risas). Es que siempre estás vulnerable en el momento de crear; en parte es bonito ir descubriendo la obra y en parte es como estar al borde de un abismo porque no sabes lo que va a ser hasta que has terminado. Lo que me atrae de coreografiar es la conversación. Por supuesto que yo hago las elecciones finales y propongo una línea y una dirección, pero me gusta adaptarlas a lo que puede dar cada bailarín. Kylián ha sido una gran influencia, igual que Crystal Pite, la manera en que montan sus coreografías, yo creo que ellos dos han cambiado el modo en que veo la danza…

La humanidad del bailarín, es universal: quieren atravesar sus propias barreras, dice Lesley Telford Foto . Michael Slobodian 36 .. BALLETIN DANCE .. MARZO 2017

La manera en que Jirí Kylián y Crystal Pite montan sus coreografías, han cambiado el modo en que veo la danza, aseguró la maestra Foto . gentileza de la producción

En Buenos Aires Leslie Telford llegó a la Argentina en el contexto de la primera edición de Pies (Programa Intensivo de Entrenamiento en Seminar, fundación liderada por Solana Ferroni y Sol Perlo). Aquí transmitió extractos del repertorio de Jirí Kylián: fragmentos de Falling Angels y Bella Figura, además dictó una master class para el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín y al Grupo de Danza de la Unsam. Las directoras contaron entusiasmadas que planean facilitar el encuentro de bailarines locales con maestros y compañías del extranjero, así como formarlos en producción, difusión y todas aquellas cuestiones fundamentales para desarrollar sus propios proyectos. “Estamos trabajando para traer a Leslie nuevamente el año que viene en forma más extensa, porque la experiencia fue excelente y queremos que se multiplique”.

¿Cómo la ve? Siento que la danza nos exige una concentración y dedicación tan intensa, tanto tiempo en el estudio, en nuestro mundo, que perdemos la conexión con otras formas de expresión. En realidad formamos parte de una comunidad mucho más grande, y a veces es importante el intercambio con otros artistas que ven las cosas de otra forma. Yo he estado trabajando con una artista visual y con una poeta, y sus perspectivas y maneras de trabajar son diferentes: refrescan lo que hacemos y alimentan lo que puedo ofrecer como coreógrafa. ¿Es lo natural en todo bailarín una transición hacia la coreografía o la docencia? He visto personas tomar diferentes direcciones. Personalmente, los últimos quince años he estado enseñando a la vez que he

bailado y he descubierto que cuanto más explico las cosas, más influye en mi propia manera de bailar. Es como si tomase más conciencia de cómo bailo, y de algún modo, ahora, una cosa forma parte de la otra. Diría que enseñar influencia incluso el modo en que hago coreografía: aprendo dando clases, clarifico ideas.

¿Es lo mismo trabajar con un bailarín en Canadá, en Argentina, en Holanda…? En el fondo hay algo fundamental en la humanidad del bailarín que es universal y muy bonito: los bailarines son gente que quiere atravesar sus propias barreras. Por supuesto que hay diferencias de estilo e idiosincrasias, pero creo que hay más en común que diferencias.__BD

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IN MEMORIAM

Marta García

Guanabacoa, Cuba, 7 de febrero de 1949 Madrid, España, 29 de enero de 2017

Salo Pasik

Fue directora del Ballet Estable del Teatro Colón entre 2001 y 2004. Marta García ganó, a los tres años de edad, un certamen popular cubano de artistas aficionados y en 1954 obtuvo una de las becas gratuitas que ofrecía la Academia de Ballet Alicia Alonso para niños pobres, suspendida en 1956 cuando terminó la ayuda oficial. Luego se convirtió en la máxima estrella infantil de la televisión cubana y brilló en espectáculos junto a los más célebres artistas de la época. En 1961 olvidó la fama lograda, para incorporarse a la Escuela Provincial de Ballet de La Habana donde se graduó en 1965 (primera promoción), y se integró al recientemente creado Ballet Nacional de Cuba. Tres años más tarde obtuvo el premio juvenil en el Concurso de Varna (Bulgaria) y en 1970 la medalla de plata, a la que siguieron tantas medallas que la consagraron como una de las bailarinas cubanas más laureadas internacionalmente. En 1974 alcanzó el rango de Primera bailarina en el BNC, hasta su retiro en 2000. Como miembro del BNC realizó numerosas giras internacionales, y fue bailarina invitada en importantes compañías y eventos de la danza en todo el mundo. Fue ensayadora, docente y coreógrafa, en Cuba, Argentina y España donde se había radicado en 2005. En 2014 publicó sus memorias Danzar mi Vida. “Con su muerte física el Ballet Nacional pierde a uno de sus más brillantes miembros históricos y la danza escénica cubana a una de sus representantes más genuinas y brillantes”, dijo Miguel Cabrera, historiador del BNC.__BD

Actor, director y docente, tuvo más de cuarenta y cinco años de teatro, cine y televisión, en papeles dramáticos o de comedia. Junto a su mujer, la coreógrafa Silvia Vladmivsky creó la compañía Teatro Fantástico de Buenos Aires con la que se presentaron en gira internacional (en Europa y América). El matrimonio residió en Italia de 1989 a 1994, cuando Salo Pasik recibió los Premios Fontana di Roma y Provincia Di Savona, como mejor actor. En nuestro país se hizo acreedor de importantes distinciones como el Premio Florencio Sánchez y el ACE (Asociación de Críticos del Espectáculo) y el Premio Podestá a la Trayectoria Honorable por la Asociación Argentina de Actores y el Senado de la Nación.__BD

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11 de septiembre de 1945, Buenos Aires 3 de enero de 2017, Buenos Aires

Los sueños se

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Sylvia

Ciertas Petunias. Dirección: Gabi Goldberg. Con Magdalena Barla, Lucía Braude, Camila Campodónico, Jessica Dinzelbacher, Natalia Guevara y Tania Valsecchi. Lunes 13, 20 y 27, 21 hs. Teatro Picadero (Pasaje Santos Discépolo 1857, Tel: 5199-5793).

Coreografía: Frederick Ashton. Ballet Estable del Teatro Colón. Dirección: Paloma Herrera. Viernes 7, sábado 8, martes 11 y miércoles 12 a las 20 hs, domingo 9, a las 17 hs. Teatro Colón (Cerrito 628, Tel: 4378-7109).

Tierra Partida Lo Demás No Importa Nada. De Marcos Arano y Gabriel Graves. Asesoramiento coreográfico: Malena Martín. Cantidad de músicos, actores y bailarines en escena. Sábados 20 hs. La Carpintería (Jean Jaures 858, Tel: 4961-5092).

Stravaganza Sin Reglas Para el Amor. Dirección: Flavio Mendoza. Coreografía de Tango: Sandra Bootz y Gabriel Ortega. Con Nacha Guevara, Felipe Colombo, Eleonora Cassano, Sebastian Acosta, Leonardo Luizaga, Roman Rodriguez, Mariela Anchipi, Gisela Bernal. Miércoles a sábados 21:30 hs, domingos 21 hs. Teatro Broadway (Av. Corrientes 1155, Tel: 4382-2201).

Tomar la Fábrica De Joselo Bella, Ricardo Díaz Mourelle y Pedro Sedlinsky. Diseño coreográfíco: Micaela Racciatti. Domingos 19 hs. NüN Teatro Bar (Juan Ramírez de Velazco 419, Tel: 4854-2107).

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Vultur Compañía Cordobesa de Danza Contemporánea. Dirección: Facundo Cornejo. Con Agustín Bustos, Laura Daniela Cornejo, Facundo Cornejo, Aldana De Giorgio, María Lila Kanashiro, Esteban Ortíz, Mariana Belén Pérez, Cristian Gabriel Quinteros y María Belen Tentor. Viernes 17 y 24, sábados 18 y 25, 20 hs. Espacio Ramona (Perú 776, Bº Güemes, Córdoba, Tel: 351 389-8496).

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En conversaciones con Balletin Dance Laisvie Andrea Ochoa, multifacética artista, comentó que el proceso de creación de Cartografías Porteñas fue intenso y el resultado maravilloso, por tres razones: la eficiente producción, por trabajar con un cuerpo de bailarines especialmente sensibles, que se conocen mucho y por el tiempo que, con antelación, dedicó al planeamiento y organización de las ideas.

Usted es psicóloga ¿Su obra apunta a la curación? Esa pregunta me la hice desde que empecé a bailar, pues estudié psicología primero y luego me apasionó la danza. Lo obvio era

En América Latina, la danza que nace para registrarse audiovisualmente goza de buena salud. Muestra de esto son los diversos festivales de videodanza, locales e internacionales, que se dan cita en nuestra región desde los años 90s. Además, en 2006, se creó la primera Red de Videodanza de América Latina y el Foro Latinoamericano de Videodanza, en el marco del Festival Videodanza BA, en la ciudad de Buenos Aires, dirigido por Silvina Szperling. Cartografías Porteñas de Laisvie Andrea Ochoa, ha sido filmada y promete ser un novedoso aporte a la multiplicidad lingüística del cuerpo, la escena y el movimiento.

Por Toni Más

E N T R E V I S TA

La Multiplicidad Lingüística del Cuerpo

La Compañía de Danza sin Fronteras, integrada por artistas con y sin discapacidad motora, estrenó a ﬁnes de enero en El Camarín de las Musas, Cartografías Porteñas, dirigida y creada para la agrupación, por la coreógrafa colombiana Laisvie Andrea Ochoa

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Laisvie Andrea Ochoa Foto . Aldona

convertirme en danza-terapeuta, pero había otra búsqueda dentro de mí. Constato que la danza tiene un poder emancipador, cambia nuestro modo de ser y estar en el mundo, modifica sanamente nuestra alma y nuestro cuerpo. Pero no enfoco mi trabajo en algo terapéutico, sino esencialmente artístico y pienso que me gustaría que tuviese un rol más bien político. Laisvie Andrea Ochoa se ha especializado en creación multimedia y ha obtenido una diplomatura en dirección de cine, herramientas que, felizmente, han marcado sus coreografías. A pesar de que la historia de la video-danza es relativamente incipiente en Colombia y siendo aún muy joven (no llega a cumplir cuatro décadas de vida), su pieza Táctil ya está contemplada en ese registro.

¿Se siente realizada con ese temprano reconocimiento? Espero seguir siendo una artista joven (risas) y que la vida me permita seguir creando. Este segundo viaje a Argentina lo motiva una pieza compuesta para la Compañía de Danza sin Fronteras. Es mi primera obra creada para un elenco internacional (integrado por Candelaria Iocco, Gabriela Torres, Lucrecia Rosseto, Pablo Pereyra, Mariano Landa y Francisco Siquot). Mariana Chiliutti, directora general del elenco, estuvo a cargo de la producción y asesoró el proceso; acto que agradezco profundamente. ¿Cómo se siente más cómoda, en el rol de coreógrafa o de video-artista? Esa es otra pregunta que me hago también. Me encantaría poder ocupar ambos roles, pero, esta vez, tres semanas eran insuficientes para encarar esa otra arista, así que delegué esa tarea en Lucas González, fotógrafo de la compañía. Para mí es vital registrar ese elemento fílmico en cada pieza que ideamos.

Usted funge como subdirectora de El CuerpoeSpín, la revista de la danza y las artes escénicas de Colombia ¿Cómo es su desempeño en esta labor? Es una edición impresa y digital que plasma reflexiones sobre las artes escénicas y, por supuesto, la danza integradora, o inclusiva, como dicen acá. Es un espacio de diálogo abierto entre bailarines, coreógrafos, fotógrafos, escritores, dramaturgos, críticos y teóricos que, con su aporte, construyen conocimiento y recogen la historia actual de la danza y las artes escénicas en mi país. Usted dirige en su país la Corporación ConCuerpos ¿cómo surgió esa experiencia? Justo este año nuestra organización cumple una década. Surgió por la necesidad de incluir a personas diferentemente capacita-

“Mi viaje anterior a Buenos Aires, en el año 2015, fue con nuestra Compañía ConCuerpos, a raíz del Primer Encuentro de Danza e Integración Latinoamericana ideado por Mariana y su Compañía. Esa experiencia fue única, pues descubrimos muchas agrupaciones que trabajaban con perfiles similares, aunque desconocíamos nuestras obras. Definitivamente, somos un movimiento a nivel regional”.

Compañía de Danza sin Fronteras dirigida por Mariana Chiliutti, en Cartografías Porteñas Foto . Mariana Russo

das en el mundo de la danza. Tenemos tres frentes de acción: el área artística ocupada por una compañía profesional; el área pedagógica, con clases permanentes en Bogotá, en la que también instruimos a futuros formadores dentro del concepto de inclusión; y un área investigativa que fomenta la reflexión y el debate sobre la importancia de la inclusión en la danza. Hace varios años logramos el apoyo del Ministerio de Cultura.

¿Existe una verdadera toma de conciencia, en cuanto a la importancia de la inclusión, de las personas diferentemente capacitadas, dentro del arte y otras áreas de la vida social? Se han logrado cambios, pero aún falta un largo trecho, sobre todo en Latinoamérica, con algo tan básico como es lo meramente arquitectónico. Paralelamente, hay muchas limitaciones en las mentes prejuiciosas, gente que ni mira normalmente a los ojos de una persona discapacitada o, en algún grado, diferente.__BD

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A R G E N T I N O S E N E L E X T E R I O R | E S L O VA Q U I A

Del Imperio Austro-Húngaro

Luana Brunetti Mattion partió de la Argentina el año pasado en búsqueda de nuevos horizontes profesionales “Desde agosto de 2016 formo parte del Ballet Nacional de Eslovaquia, con sede en Bratislava”, señaló Luana Brunetti Mattion a Balletin Dance. “El motivo de mi partida del Teatro Colón, donde soy bailarina estable, estuvo relacionado con una búsqueda personal. Necesitaba un nuevo lugar donde poder crecer profesional y artísticamente”, el rumbo artístico que había tomado el Teatro y su Ballet Estable ya no la satisfacían. “El traslado a Eslovaquia fue un cambio muy grande”, aseguró. Resulta notorio el contraste entre Buenos Aires y Bratislava, a orillas del río Danubio y a tan solo 60 km de Viena (Austria). “Mi vida en Europa recién comienza y es muy pronto para hacer pronósticos”, dijo tímidamente, con la esperanza de lograr desarrollarse al máximo, “abierta a las distintas oportunidades que se presenten”.

Luana Brunetti Mattion en el estreno de Giselle con el SND Foto . Peter Brenkus

Repertorio El Ballet Nacional de Eslovaquia combina el repertorio clásico (mayoritariamente) con producciones modernas. “Se realizan varios estrenos anuales. Giselle, con reposición del maestro Rafael Avnikjan, fue el primero de esta temporada. Tuve el honor

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de protagonizarlo para la première, que contó con la presencia del presidente de Eslovaquia, Andrej Kiska”. Brunetti había debutado como Giselle cuando tenía 16 años, en Mar del Plata -su ciudad natal-, en una producción del estudio de danza Mattion in Brunetti, guiada por Martín Miranda y Tatiana Fesenko. “En aquel momento hice un trabajo muy minucioso sobre el rol”, aseguró, y unos pocos años después volvió a encararlo en el Teatro Colón bajo la dirección de Lidia Segni. Este 2017 comenzó con la presentación de El Cascanueces (desde fines del año pasado) y continuarán con El Lago de los Cisnes, La Bella Durmiente, El Corsario, y una nueva versión contemporánea de Romeo y Julieta, entre otros títulos. Diferencias “La principal diferencia que encontré entre el Colón y el SND [Slovak National Ballet] es que mientras en el primero se prepara un título durante varias semanas y luego se realizan las funciones, aquí en Bratislava se presentan diferentes ballets en simultáneo, por lo que se están ensayando varios a la vez”. Y en cuanto al trabajo cotidiano, “se ensayan más horas y seis días a la semana”.__BD

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Cygne, la pieza del argentino Daniel Proietto, ha sido galardonada en Cuba y se mostró en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo Fue Daniela Gómez, la joven bailarina cubana que lo había estrenado en el último Festival Internacional de Ballet de La Habana, la encargada de llevarlo al escenario del Teatro Mariinsky, en una gala celebrada el 14 de febrero. Allí compartió el programa con prestigiosos artistas del elenco anfitrión e invitados del Ballet del Teatro Bolshoi y del Teatro de Ópera y Ballet de Perm. Por su parte, Cygne, que fue uno de los estrenos más aplaudidos del Festival cubano, ha pasado a integrar el Libro de Honor del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, como uno de los acontecimientos más importantes de la institución durante el año 2016.__BD

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INTERNACIONALES | REINO UNIDO

¿Es éste el futuro del ballet? Por Fátima Nollén desde Londres

Dos coreógrafos británicos y sus obras para el Royal Ballet y el English National Ballet en 2016 propusieron reﬂexionar sobre la evolución del ballet clásico y el viaje transcurrido en una década hacia lo que hoy sería el futuro planeado entonces. Algo difícil de predecir, a menos que sea creándolo McGregor y el Royal En 2006, a raíz del éxito de la obra Chroma que desafió a bailarines y público por igual, Monica Mason, directora del Royal Ballet, nombró a Wayne McGregor coreógrafo residente de la compañía, posición que ocuparon Frederic Ashton y Kenneth MacMillan. Sólo que McGregor venía de una extracción contemporánea. Mason creía que representaría el futuro del Royal Ballet en la danza y atraería un nuevo público. En diez años McGregor creó quince piezas para el conjunto ahora bajo la dirección de Kevin O’Hare; algunas con acierto (Infra, Woolfworks) y otras no tanto (Raven Girl). La última fue Multiverse, para celebrar el decenio con un programa triple junto a Chroma y Carbon Life. Multiverse con música de Steve Reich lleva todas las características de un McGregor: movimientos veloces y segmentados en cada articulación, como cintas, fluidos, vertiginosos, a veces repetitivos y de bellas formas. Para el coreógrafo los cuerpos de los bailarines hoy difieren de los de hace cincuenta años. Comen mejor, entienden mejor su biomecánica, son más rápidos, giran más y saltan más alto. Así los empuja a un lenguaje desconocido, de desequilibrio y desa-

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fiando su resistencia. Según el bailarín principal Steven MacRae, McGregor “permite que el cuerpo haga cosas que uno no creía posibles”. Por su parte, Marianela Núñez dijo a Balletin Dance, que el creador es muy inteligente y crea muchísimo material en cada ensayo sacando lo mejor de cada bailarín. En Multiverse, hay dos partes, dos universos paralelos, dos estilos musicales, abstracción y alusión al mundo actual, proyección de imágenes en pantallas electrónicas y luego sólo colores. La extraordinaria técnica de los bailarines materializa el mundo imaginario de McGregor. La crítica suele ser dura con él, pero la sala siempre está llena. Balletin Dance consultó al presidente del Círculo de Críticos de Danza del Reino Unido, Graham Watts, sobre cómo McGregor contribuyó al ballet clásico. “La búsqueda incesante de nuevas dimensiones para presentar sus coreografías han expandido el horizonte del ballet clásico en Londres y, a través de la exportación de sus trabajos, en el mundo entero. Un aspecto innovador de McGregor es el énfasis en un amplio rango de diseños multi-media más la ecléctica y

Multiverse, coexistencia de un número inﬁnito de universos simultáneos Foto . Andrej Uspenski

provocativa selección musical”. Watts considera que varias obras permanecerán en el repertorio del Royal Ballet como “piezas básicas”. Otra observación es que sus creaciones de “estilo hiperflexible cambiaron la dinámica del Royal Ballet exigiendo una nueva habilidad de movimiento que naturalmente influenció a otros coreógrafos que trabajan allí”. Khan y el English National A su vez, el English National Ballet, que dirige Tamara Rojo, eligió también trabajar con un coreógrafo que no proviene del ballet clásico sino del kathak, una de las seis formas de la danza hindú de origen religioso, usada para contar historias: Akram Khan. En 2016 reinterpretó el clásico romántico por antonomasia, Giselle. Tal vez, el mejor espectáculo de ballet de la temporada en Londres, que se perfila para convertirse en un clásico moderno, como Chroma de McGregor. Khan le dio una vuelta de tuerca a la historia de la paisana enamorada del señor feudal que muere traicionada, pero salva a su amado. Su propuesta se inspira sutilmente en el incendio de una fábrica de ropa en Bangladesh en 2013. Pero, Giselle, es un personaje fuerte, líder de los trabajadores inmigrantes de la factoría que cerró. Hilarión es un negociador entre los dueños y los trabajadores, con calle y hasta parece que fuera quien mata a Giselle. Mientras que Albrecht sufre con la culpa del daño causado, los espíritus están allí para vengarse. El efecto de la puesta de Khan, con música recreada sobre la original de Adam por Vincenzo Lamagna, la escenografía de Tim

English National Ballet en Giselle de Akram Khan Foto . Laurent Liotardo

Yip con una pared que se desplaza hacia el proscenio y gira sobre sí, y la pasión de los bailarines (con destaque de César Corrales, Tamara Rojo, James Streeter y Stina Quagebeur) es hipnótico. El primer acto en media punta acentúa el sesgo terrenal, y el segundo, en puntas con wilis de cabello suelto y blandiendo bastones de intimidación, es fantasmagórico. Hay escuadras y ondulaciones, saltos de derviche, manos y dedos en poses informadas por el khatak. Khan es un narrador natural. Debió comprometerse con cuerpos de ballet y llevarlos a su lenguaje y estética sacándolos del confort de hacer un “clásico en automático”, algo buscado por Rojo. Para el crítico Graham Watts, Khan es el “líder de una nueva generación de coreógrafos foráneos al ballet, que lo están influenciando, ampliando sus límites y ganando una nueva audiencia más joven, aunque la receta no siempre tenga éxito. Esta evolución es parte de un largo viaje que comenzó con Fokine a comienzos del siglo XX en Rusia, pasó por Balanchine en Estados Unidos, Cranko y MacMillan en Gran Bretaña y Alemania, Roland Petit y Maurice Béjart en Francia, Bélgica y Suiza, y Leonid Jacobson y Boris Eifman en Rusia, explica. McGegor y Khan son importantes conductores de la próxima etapa de ese viaje”.__BD

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INTERNACIONALES | BRASIL

Ismael Ivo Regresa a San Pablo Por Beatriz Cotello

Ismael Ivo, el bailarín y coreógrafo brasilero, cofundador y asesor permanente del Festival ImPulsTanz de Viena (precedido por el Tanzsommer Wien, también impulsado por él), ha sido nombrado director del Balé da Cidade de Sâo Paulo Ismael Ivo comenzó su carrera como bailarín en su país, incluso bailó en el grupo experimental del Ballet Municipal de San Pablo que ahora dirigirá. Integró la compañía de Alvin Ailey en Nueva York y más tarde se radicó en Europa donde dirigió la sección de danza del Teatro Nacional en Weimar (Alemania) y de la Bienal de Venecia (Italia). En Viena (Austria) está siempre presente en el ImPulsTanz y también fue profesor invitado del Reinhardt Seminar de Salzburgo, la escuela de élite para la formación de directores de escena. Ha sido honrado con la medalla de oro al mérito de la ciudad de Viena y la Orden al Mérito Cultural de Brasil. El Balé da Cidade de Sâo Paulo fue creado en 1968 como Corpo de Baile Municipal, adjunto al teatro municipal, en 1974 se reorientó hacia la danza contemporánea y que le ha valido grandes triunfos en el país y en sus giras por el exterior. Su repertorio incluye piezas de Víctor Navarro, Oscar Araiz, Celia Gouvea, Antonio Carlos Cardoso, Ohad Naharin, Luis Arrieta, Julia Ziviani, Rui López Fontana, José Possi Neto, Lara Pinheiro e Iracity Cardoso (quien lo dirigió de 2013 a 2016), entre tantos otros. La nueva gestión, según aseguró Ismael Ivo al asumir, intentará transformar a todos los bailarines (34 integrantes) en “creadores”, y establecerá “una nueva identidad en el Ballet de la Ciudad, que haga progresar la idea del cuerpo y la danza entre los bailarines”. Estarán abiertos a nuevos lenguajes y técnicas corporales, para conformar “un organismo vivo, que cuente con procesos artísticos” más que una compañía que contrate resultados (obras) exitosos.

Ismael Ivo, regresa a su patria Foto . Regina Brocke

Por supuesto, planea invitar a coreógrafos de la escena internacional, entre los que mencionó a Marina Abramovic y Sidi Larbi Cherkaoui, de una lista mayor, y enfatizará lo nacional con “un proyecto de Brasil, con temas y coreógrafos de nuestra cultura”, con Lia Rodrigues y Marcelo Evelin, entre otros. El coreógrafo anticipó programas para formar nuevos públicos, giras locales y extranjeras, además de las actuaciones en su propio teatro e intervenciones en espacios públicos, gracias al apoyo del nuevo Secretario de Cultura Municipal, André Sturm (cineasta), nombrado por el nuevo alcalde, João Doria. Ivo, sin embargo continuará con sus actividades en Europa, alternando su estancia entre Berlín y San Pablo; mantendrá su cargo como consultor artístico del ImPulzTanz y creará este año la coreografía de una ópera que se estrenará en Berlín (donde ha vivido durante 20 años).__BD

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ARGENTINOS EN EL EXTERIOR | MÉXICO

Sigue la Fuga de Talentos

Gerardo Wyss, bailarín del Teatro Colón, se sumó este año a las ﬁlas de la Compañía Nacional de Danza de México, que dirige nuestro compatriota Mario Galizzi A comienzos de este mes, la compañía estrenaba El Lago de los Cisnes, de Mario Galizzi. Esta nueva puesta cuenta con escenografía y vestuario originales, y se propone con un solo intervalo: el coreógrafo ha unido los dos primeros actos por un lado, y los últimos dos en otra sección. Será la primera vez que la CNDM realiza la maravillosa puesta de Pitr Ilich Tchaikovsky, en versión integral, en su sede, el Palacio de Bellas Artes, y con orquesta en vivo. Pocos días antes del debut, las entradas se encontraban agotadas para las seis funciones del 4 al 11 de marzo (harán ocho más en septiembre). Tal como lo había anunciado en entrevista con Balletin Dance (ver edición Nº 254, junio de 2016), Mario Galizzi dio fin a una historia de cuarenta años: El Lago de los Cisnes en el Bosque de Chapultepec. Entonces, había señalado: “…Considero que la compañía tiene que tener un Lago… completo en su casa, con su orquesta (…) Hay otras opciones para hacer al aire libre”. En la producción participarán todos los bailarines de la compañía. Los roles principales estarán a cargo de Mayuko Nihei,

Blanca Ríos, Agustina Galizzi, Ana Elisa Mena, Argenis Montalvo y los nuevos integrantes Erick Rodríguez, Yoali Sousa, Sebastián Vinet y Gerardo Wyss. Además, el fotógrafo Roberto Aguilar, realizó charlas introductorias sobre El Lago de los Cisnes, que tuvieron cita una hora antes del comienzo de cada espectáculo, en la Sala Adamo Boari del Palacio de Bellas Artes. El elenco también estrenará este año Manon de Kenneth MacMillan con reposición de Karl Burnett, que ya viajó a la Ciudad de los Palacios; transformándose así, en la tercera compañía latinoamericana en sumar esta maravillosa obra a su repertorio (luego del Ballet Estable del Teatro Colón y el Municipal de Santiago de Chile). Serán seis funciones. Siempre limitados por cuestiones presupuestarias, habrá este año un Homenaje a Marius Petipa, conformado por actos de Don Quijote y La Bayadera, y la versión completa de La Bella Durmiente (o Cenicienta). Para 2018, Galizzi prometió mayor cantidad de obras de danza contemporánea. El Instituto Nacional de Bellas Artes, dispone de un canal propio en internet, en el que transmiten las funciones de ópera, conciertos y ballet, en directo: https://livestream.com/inba/. __BD

Gerardo Wyss, otro de nuestros artistas que se radicó este año en el exterior. En la foto junto a Paloma Herrera en el Teatro Colón Foto . Alicia Sanguinetti

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INTERNACIONALES | CUBA

De lo Bueno, Lo Mejor Por Agustina Llumá Fotos de Alicia Sanguinetti

La 25º edición del Festival Internacional de Ballet de La Habana reunió en diez días, un amplio abanico de estéticas coreográﬁcas. La danza contemporánea se cuela poco a poco en su programación, respondiendo a las tendencias mundiales. En esta entrega algunos invitados Nuestro país, la República Argentina, estuvo magistralmente representado en este último Festival, por artistas radicados fuera y dentro de nuestro territorio. Desde Buenos Aires, el Buenos Aires Ballet, agrupación liderada por Federico Fernández, llevó un programa de noche completa integrado por diversos tangos y Bastones Dorados de Leonardo Reale, que causó sensación, en sus funciones de la Sala Covarrubias del Teatro Nacional. El grupo integrado por bailarines del Teatro Colón y del Argentino de La

Marcin Kaczorowski, Jeremy Raia, Andrew Wright, Jerimy Rivera y Hervé Courtain, de Les Grands Ballets Canadiens, en Black Milk de Ohad Naharin

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Plata (además de Fernández, Julieta Paul, Marianela Bidondo, Devid Gómez, Aldana Percivati, Melisa Heredia, Miguel Angel Klug, Bautista Parada y Nina Zaera del Ballet Metropolitano) fue convincente en su entrega. Julio Bocca, es uno de los invitados especiales del encuentro, desde que inició su carrera profesional. Adorado por el público y la crítica cubana, más allá de sus compromisos internacionales siempre encuentra la manera de acercarse personalmente a La Habana en esta fecha, donde es agasajado desde que aterriza en la Isla. En su rol de director del Ballet Nacional de Uruguay, Sodre, llevó este año a María Noel Ricetto y a Gustavo Carvalho.

Imperdibles: María Kochetkova y Joel Carreño en Don Qujote (en la foto, el pas de deux en una gala)

Daniel Proietto desde Noruega se presentó como bailarín y coreógrafo, con una de las piezas mejor juzgadas de esta edición (ver Balletin Dance Nº 260, diciembre de 2016). El cubano Javier Torres -que no falta a ningún Festival- con la uruguaya Lucía Solari (ambos del Northern Ballet), mostró interesantes coreografías del argentino Demis Volpi, entre otras propuestas (no argentinas). Y Julio López, estuvo presente con Piazzola en Concierto, dúo que bailaron Laura Valentín (Balleteatro Nacional de Puerto Rico) con Patricio Revé (Cuba). Gracias a la Embajada de Francia, nuestra compatriota Cecilia Bengolea mostró Dub Love junto a Ana Pi y Françoise Chagnaud en la sala El Ciervo Encantado (poco antes había pasado por el Teatro de la Ribera de Buenos Aires). Una obra agotadora, con música electrónica (DJ en vivo) y el uso de zapatillas

de puntas para burlarse de la gravedad, en una estética ajena por completo al mundo del Festival de Ballet que dejó a todos boquiabiertos. Destacados De las 21 compañías de ballet de todo el mundo que estuvieron presentes en el último Festival Internacional de Ballet de La Habana (con 61 coreografías), se destacó la actuación de Les Grands Ballets Canadiens, con Black Milk, el final de Project 5 del israelí Ohad Naharin, interpretado fantásticamente por cinco varones del elenco. Además de la Martha Graham Dance Company (ver Balletin Dance Nº 261, enero de 2017) llegaron a Cuba desde Estados Unidos, representantes del New York City Ballet para ofrecer el más puro Balanchine: Joaquín de Luz -uno de los bailarines que nunca falta al Festival- junto a Ashley Bouder; Justin Peck

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Michaela Deprince y François Llorente en Las Llamas de París

Izquierda, arriba Viengsay Valdés en la cúspide de su carrera, nuevamente con Brooklyn Mack Izquierda, abajo Dugaraa Altankhuyag y Ginete Moncho: oxígeno denso en Migración

(coreógrafo residente del NYCB) llevó sus obras con un grupo formado ad hoc (Dance Americana). También estuvo el Ballet West con un neoclásico de virtuosismo autómata, y nuevamente Brooklyn Mack -de un negro profundo1- (Washington Ballet), que enloqueció a la audiencia con su vigor, junto a Viengsay Valdés (BNC) en El Corsario.

En el ballet clásico, los bailarines de piel negra todavía siguen siendo una excepción a nivel mundial. No es así el caso de Cuba, que ha tenido grandes estrellas, desde los orígenes mismos del BNC

El cubano Osiel Gouneo (Munich Ballet) se lució con Viengsay Valdés en un Don Quijote plagado de juegos virtuosos, al igual que la impactante rusa María Kochetkova (American Ballet Theatre-San Francisco Ballet) con Joel Carreño (Ballet Nacional de Noruega). Ambas parejas imperdibles. Por su parte, la sierraleonesa Michaela Deprince (también de profunda negrura, Ballet Nacional de Holanda) descolló en Las Llamas de París, junto al joven François Llorente (BNC). El Universal Ballet de Corea del Sur llevó a La Habana Claro de Luna, un precioso duo de Shim Chung, basado en un cuento popular coreano, que interpretaron armónicamente Hyemin Hwang y Dongtak Lee. Mientras que el Ballet Nacional de Mongolia, ofreció Migración un convincente duo a cargo de Dugaraa Altankhuyag y la cubana Ginete Moncho (que viene destacándose en el BNC). Personalidades Entre los invitados especiales, estuvieron Aurélie Dupond (directora del Ballet de la Opera de Paris) que a pesar de la insistencia cubana no bailó, y Azari Plisestki que realizó una inolvidable charla en rueda de prensa con Aurora Bosch, relatando las historias que juntos vivieron en los inicios del BNC, además de ensayar a las primeras figuras de este Festival. __BD MARZO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 55

brevesinternacionales

E S PA Ñ A

Oferta Educativa El Conservatori Superior de Dansa de València que dirige Francisco Salmerón Álvarez extiende lazos hacia Latinoamérica y convoca a estudiantes de danza de nivel universitario “Siendo conocedores del gran interés y reconocimiento que la danza española y el flamenco suscita entre países hermanos como el suyo, nos parece muy interesante abrir nuestras fronteras a la enseñanza superior de la danza española, que ofrecemos en nuestro Centro”, explicó el director del Conservatorio, un centro público y oficial que emite diplomas en dos especialidades: Pedagogía de la danza (en danza española o danza clásica) y Coreografía e interpretación (en danza española o danza contemporánea). Su título, “equivale a un Grado Universitario y al mismo nivel que cualquier estudio universitario del marco europeo de educación superior”. El plan de estudios consta de cuatro años, cuyo costo completo es de 600 euros, pero también se puede cursar matrícula parcial. Ofrecemos un sistema educativo bien organizado y que brinda a los estudiantes grandes oportunidades de formación profesional y de crecimiento personal. “Valencia, es una ciudad muy acogedora y segura, con calidad de vida, espacios verdes, vida cultural, monumentos históricos, museos, playas magníficas y, siendo como es la tercera capital de España (tras Madrid y Barcelona), disfruta de un nivel de vida altamente competitivo a la par que asequible”. Para acceder a los Estudios Superiores de Danza se realiza una prueba específica “que normalmente hacemos en junio y en septiembre”, para postulantes mayores de 18 años con título de bachiller. Para el próximo curso se innovará con una “prueba de acceso on-line (vía skype) para alumnos extranjeros y, particularmente de América Latina”. Por último, Salmerón Álvarez explicó que el Conservatorio cuenta con la Carta Universitaria Superior Erasmus+, “que permite a los egresados ampliar sus estudios en diferentes países de la Comunidad Europea”, y que su mayor interés es extender la invitación a bailarines y docentes latinoamericanos, “así como generar las condiciones para establecer convenios de cooperación entre pares académicos”. Informes completos del centro educativo, en internet: http://csdanza.es. __BD

balletin informativo Convocatorias Platea Contemporánea 2017. El Instituto Prodanza del gobierno de la ciudad de Buenos Aires, convoca a coreógrafos a presentar sus obras para integrar la programación de danza del Teatro Payró, con funciones los martes a las 21 hs. La inscripción cierra el 17 de marzo para el período de actuaciones de mayo a junio (se realizará un nuevo llamado a la convocatoria en próximos meses). Podrán presentarse todo tipo de obras, de cualquier duración, cantidad de integrantes y temáticas, estrenos o reposiciones. Los seleccionados deberán realizar cuatro presentaciones, y contarán con 16 hs de ensayos de piso, 4 hs de ensayos técnicos, asesoramiento de producción, difusión institucional, diseño e impresión de programas de mano y el 70 % de lo recaudado por venta de entradas. Informes, en la web: www.buenosaires.gob.ar/ noticias/convocatoria-platea-contemporanea-2017-payro-danza.

Congreso Congreso Mundial sobre Investigación en Danza. 50º edición. Organiza: Consejo Internacional de Danza. Atenas, Grecia, del 5 al 9 de julio de 2017. Abierto a todas las formas de danza. Informes completos, en: http://2017congressathens.cid-world.org/.

Concursos y festivales Festival Internacional de Ballet de Cancún. Del 5 al 7 de mayo de 2017, Teatro de Cancún, México. Los ganadores de cada categoría recibirán becas para participar en los cursos intensivos de verano (con posibilidades de ser extendidos a un año) en Miami City Ballet School (Miami, Estados Unidos), Compañía de Ballet de Río de Janeiro (Rio de Janeiro, Brasil), Ballet Academy de Phoenix (Estados Unidos), Quenedit Ballet School (San Antonio, Estados Unidos), Encuentro Internacional de Academias para la enseñanza del Ballet, Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso (La Habana, Cuba), Ballet Clásico Cancún (Cancún, México). Para ello estarán presentes los directores de esas instituciones, quienes oficiarán clases magistrales. Informes en internet: www.cancunballetfest.com.

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balletin informativo Inscripciones Las escuelas de danza, del área de Educación Artística del gobierno de la ciudad de Buenos Aires, re-abrieron su inscripción para el ciclo 2017. Se trata de escuelas de enseñanza gratuita, de nivel medio, con bachillerato y títulos oficiales. Escuela de Danzas Nº 1 Nelly Ramicone, Liniers (Fonrouge 711, Tel: 4642-5549), Escuela de Danzas Nº 2 Jorge Donn, Villa Luro (A. Magariños Cervantes 5068, Tel: 4567-5929), y Escuela de Danzas Aída Mastrazzi (Esmeralda 285, Tel: 4326-5478).

Subsidios Fondo Argentino de Desarrollo Cultural y Creativo del Ministerio de Cultura de la Nación. Programa que otorga ayudas e incentivos económicos a proyectos de artistas, productores, gestores y emprendedores, con residencia en la Argentina, mayores de 18 años. La Línea Movilidad, ofrece pasajes, para favorecer la circulación de emprendedores en ferias, mercados, festivales, exposiciones y giras artísticas, tanto dentro como fuera del país. Se anunciaron dos fechas de postulación: hasta el 22 de marzo (para viajar entre el 1º de julio y el 30 de septiembre de 2017) y del 19 de junio al 13 de julio (para viajes del 1º de octubre al 31 de diciembre de 2017). Inscripción on-line, en: http://fondo.cultura.gob.ar. Investiga Cultura. Programa de fomento para fortalecer y jerarquizar la producción y difusión de investigaciones sobre el patrimonio cultural del Ministerio de Cultura de la Nación, de $ 7.500.000. Destinado a investigadores, gestores culturales, especialistas de la conservación y restauración, artistas, editoriales e instituciones vinculadas al patrimonio cultural. Cuenta con cinco líneas de acción. En materia de danza podrán postularse en: Publicación de tesis de grado y posgrado (hasta $ 30.000, cierre de inscripción: 7 de abril), Encuentros internacionales (hasta $ 150.000, cierre de inscripción 10 de marzo) y Becas internacionales (por un total de $ 1.500.000, todavía sin fecha de inscripción). Informes completos en: http://convocatorias.cultura.gob.ar/investigacultura. Prodanza. El Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza no Oficial de la Ciudad de Buenos Aires abrió la convocatoria a subsidios 2017. Podrán presentarse interesados con domicilio en esta ciudad con proyectos a realizarse dentro de la misma ciudad, en cualquier de sus cuatro líneas: Compañías o grupos de danza estables, Elencos o coreógrafos con proyectos puntuales, Salas teatrales no oficiales, Entidades y asociaciones culturales en cuyo objeto esté contemplada la danza en tanto actividad cultural/escénica. Al cierre de la presente edición aún no se conocía el presupuesto anual de la institución, por lo que no se pudieron informar los montos de cada adjudicación. La inscripción cierra el 17 de marzo de 2017 y se realiza on-line, en: www.buenosaires.gob.ar/prodanza/recursos/subsidios.

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