BALLETIN DANCE 264 by Balletin Dance

ISSN 1850-6275 . Año 24 . Nº 2644 Mayo 2017 . Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

ENTREVISTAS Andrea Chinetti Gabriela Pucci Matías Trípodi SALUD EN DANZA Marcelo Ghioldi CUATRO DÉCADAS DE VIDA Ballet del Teatro San Martín

MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 1

Nota de Tapa 4 Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. 40 Magníﬁcos Abriles. Entrevista: Andrea Chinetti

Staff

Actualidad 10 Vuelve el Ballet para Niños 10 Cine. Bolshoi 13 Día del Tap 13 En La Plata 20 Breves

editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu escriben en este número Nahuel Aguirre Gustavo Friedenberg Román Ghilotti Marcelo Ghioldi Laura Lifschitz Toni Mas Fátima Nollén Daniel Sousa en nuestra sede Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges (Cuba) Rosa C. Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 25

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oﬁcina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar http://balletindance.com Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires. ISSN 1850-6275 2 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

Salud en Danza 14 Un Viaje a la Costa de la Utopía Folklore 18 Expertos en Danza

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5338299. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848. Impresión: Gráfica Laf, Monteagudo 741/45, Vª Lynch, San Martín, Buenos Aires, Tel/Fax: 41165845. Diseño de logo: Jorge García. Queda prohibida la reproducción total o parcial de las notas sin autorización por escrito de Balletin Dance. Los artículos firmados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial. Balletin Dance no se responsabiliza por el contenido de los avisos publicitarios, por su mensaje, ni por la veracidad de sus ofertas que son de entera responsabilidad de los anunciantes.

Comentarios 28 Teatro Colón. Sylvia 35 María Sobre María 36 Danzas Africanas 38 La Fiesta de la Danza 42 Diarios del Odio 43 Buenos Aires Ballet 44 Las Orugas 45 La Vida de Ella 46 Fausto Tras el Espejo 46 Gobernar es Poblar Entrevistas 24 Gabriela Pucci 32 Matías Trípodi Cartelera 23/41/51 Espectáculos

El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, en Himno a la Alegría (ﬁnal de la 9º Sinfonía de Beethoven) de Mauricio Wainrot, en una función realizada en 2015, en el Teatro San Martín Foto: Alicia Sanguinetti

Argentinos en el exterior 47 Alemania. Daiana Ruiz Internacionales 52 Reino Unido. Crystal Pite 54 Francia. Montpellier 48/53 Breves Balletin informativo 55/56/57/58 Audiciones, ayudas ﬁnanciera, becas, concursos, convocatorias, exhibición con premiación, puntos de venta

Sumario Mayo 2017 Año 24 Nº 264

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Magníficos Abriles Con la reapertura de la sala Martín Coronado, este 24 de mayo, el emblemático Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín celebrará junto al Grupo de Titiriteros y al Taller de Danza del coliseo, su 40 º aniversario. Balletin Dance, dialogó con

Los bailarines del BCTSM están preparados para encarar cualquier estilo Foto . Luis Falduti

Andrea Chinetti sobre lo que se viene

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Hace poco más de año y medio que el teatro se encuentra cerrado por refacciones edilicias, mientras tanto la compañía de mayor envergadura argentina en danza contemporánea, ha deambulado por diferentes sedes porteñas. Esta reapertura significa una fiesta, por partida doble. El retorno de las actividades al Teatro San Martín, y las celebraciones por el 40º aniversario del Ballet Contemporáneo (BCTSM), el Grupo de Titiriteros y el Taller de Danza (semillero del ballet), en el teatro principal del Complejo Teatral de la ciudad de Buenos Aires. “El 24 de mayo se va a hacer un festejo de apertura de la sala, al menos de la Martín Coronado”, explicó Andrea Chinetti, directora del BCTSM. La reinauguración del teatro sería en etapas, de acuerdo al avance de las obras, por lo que aún no se ha definido cuándo la compañía podrá regresar a trabajar en forma cotidiana en sus instalaciones. En la función de apertura, el ballet realizará “fragmentos de la Novena Sinfonía de Beethoven de Mauricio Wainrot, que aún no se estrenó en su versión integral”. Al día siguiente, el mismo 25 de mayo (nacimiento del Estado argentino en 1810 e inaugu-

Nota de tapa Por Agustina Llumá MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 5

Para Andrea Chinetti hablar del Ballet de Danza Contemporánea, requiere remontarse a su historia Foto . gentileza de la artista

ración del Teatro San Martín en 1960), “se va a hacer una fiesta en la calle, donde va a haber un escenario y actuarán el ballet, la escuela y los títeres”, confesó Chinetti. El primer estreno para el ballet en el Teatro San Martín, “estaría programado en la Sala Martín Coronado en las vacaciones de julio, haremos El Niño y los Sortilegios de Oscar Araiz, con vestuario de Renata Schussheim, es una obra que ya tiene más de veinticinco años, que a mí me encantó y quería volver a traerla a la compañía. Mi idea era festejar este año con una obra de cada director de la compañía: una coreografía de Wainrot, otra de Araiz, Alejandro Cervera y Ana María Stekelman”. La temporada continuará con unas veinte funciones de la Novena Sinfonía de Beethoven de Mauricio Wainrot completa, desde el 22 de agosto. En diciembre se presentará De Oriente a Occidente, coreografiado por Ana María Stekelman y Teresa Duggan, “cada una desarrolla un cuento diferente”, expresó la directora. “Cervera hará El Reñidero, pero lamentablemente tuvimos que pasarla al año siguiente porque con todos estos retrasos hubo que modificar la planificación de ensayos y estrenos”. Igual suerte corrió un programa integrado por obras de Lisi Estaras “una coreógrafa cordobesa que vive en el exterior” y otra de Marcelo Savignone “que trabaja mucho en teatro físico, que nos intere-

saba mucho a Miguel Angel Elías [codirector] y a mí, para tener otros lenguajes”. Poco después de haber regresado de Holanda, repetirán actuaciones en Argentina y Uruguay. “Fuimos una pequeña parte de la compañía [13 bailarines] en una delegación oficial”. Para este año, además “tenemos programadas pequeñas giras, una a Mar del Plata con el Festival Ola Danza en junio y recibimos una invitación de José Onaindia para participar en un festival en el Sodre (Uruguay), con dos funciones en Montevideo y una en Canelones”. Para 2018, Chinetti está “cerrando giras” para actuar en septiembre y octubre en los Teatros del Canal de Madrid (España). En la extensa conversación, la directora remarcó su interés en que el Ballet Contemporáneo maneje una paleta amplia de diferentes estilos coreográficos, con obras de creadores nacionales y extranjeros, “los bailarines están entrenados para hacer cualquier cosa y están muy abiertos a hacer todo tipo de trabajo”; de realizar giras en pequeños grupos por el interior del país. También remarcó la importancia del Taller del San Martín, “la única escuela del país donde se enseñan diferentes técnicas contemporáneas”, habló de que en nuestro país “se ponen de moda ciertas “cosas” (estilos) y todo el mundo cree que bailar es eso, nada más. Mientras que un bailarín tiene que aprender todas las técnicas, tiene que ser conocedor”.

¿Qué signiﬁca el Ballet del San Martín hoy? “Nos tendríamos que remontar a la historia de la danza argentina. En un comienzo se crea una pequeña compañía encabezada por Oscar Araiz (1968), si vemos de dónde viene Oscar, con

La 9º Sinfonía de Beethoven podrá verse en versión integral en agosto Foto . Alicia Sanguinetti 6 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

Balletin Dance se comunicó con los diferentes directores del Ballet Contemporáneo a lo largo de estas cuatro décadas de vida. A continuación, una síntesis de sus mensajes para esta celebración, que se encuentran en forma completa en balletindance.com: OSCAR ARAIZ: “La danza toda en su diversidad señala un portal de acceso y fuente, una dirección en la que se alinean efectos de tal relevancia psicofísica y espiritual, que el hecho de celebrar hoy el aniversario de una Institución capaz de trascender las inclemencias socio políticas y culturales también nos advierte y recuerda sobre ciertas responsabilidades ineludibles y propias de los que participamos en la construcción de esas mismas instituciones. Dicha participación asume múltiples naturalezas: los que permiten que algo sea posible, los que conciben, proponen, disponen, organizan y ejecutan un producto, los que lo preservan y actualizan, los que divulgan y comunican, los depositarios del mismo. En tal encadenamiento subyace, a veces en forma de pasión, una actitud desinteresada de servicio a la comunidad, un imprescindible y aparente ingenuo amor, una comunión. La del tiempo de fiesta que impone toda celebración”. Foto: Pablo Carrera Oser

En 2016 el BCTSM en Himno a la Alegría, ﬁnal de la 9º de Beethoven Foto . Carlos Furman MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 7

quién estudió, cómo se fue formando... Luego ese elenco se diluye y en 1977 se forma el que existe hoy y al mismo tiempo se crea la escuela, que viene de la mano de una directora que se había formado con Martha Graham en Estados Unidos y convoca a personas con mucha experiencia docente. Tiene que ver con ese momento de la creación. Tiene una historia de gente muy importante, cuyo pensamiento era el de estudiar las diferentes técnicas”. A continuación, Chinetti menciona a los más trascendentes artistas argentinos del campo de la danza contemporánea, la composición coreográfica, y también artistas extranjeros que llegaron a Buenos Aires para actuar en el teatro de la Calle Corrientes.

MAURICIO WAINROT: “…1977. Año mágico e intenso, de una institución que surge como Grupo de Danza Contemporáneo, con solo nueve integrantes, seis mujeres y tres varones, bajo la atenta dirección de Ana María Stekelman, quien formó y dirigió la escuela y la compañía al mismo tiempo. (…) Comenzamos trabajando en lo que había sido una antigua sala o biblioteca pública en un bello barrio cerrado, estilo inglés, pegado a la plaza Los Andes, hasta que la gente del lugar se canso de ver a ¨esa gente rara¨ que veníamos a ser nosotros, de nuestro bullicio y nos echaron de ese sitio. Gracias a Kive Staiff, director general del Teatro San Martín, y mentor de la creación del Grupo de Danza, el Taller y los Títeres, fuimos a recalar al mismísimo Teatro San Martín, que se convirtió en el sitio emblemático de la danza contemporánea argentina, donde pasaron bailarines y coreógrafos de todas las escuelas y estilos de danza. (…) De los cuarenta años de historia, más de treinta y cinco años de mi carrera son los que me han ligado al Ballet del San Martín, primero como bailarín y asistente, luego como coreógrafo y finalmente como director artístico. (…) sin duda ha sido el proyecto más importante de toda mi carrera artística. Nada de esto lo he hecho en soledad, siempre he conformado excelentes equipos de trabajo, que me han ayudado y apoyado (…) Mis gracias a Andrea Chinetti, Miguel Elías, Elizabeth Rodríguez e Ilse Wiedmann. (…) Muy feliz cumpleaños querido Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, y brindo por muchos otros cuarenta años mas”. Foto: gentileza del artista 8 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

Paterno algunas veces por semana, pueda haber profesionales atendiendo en lo diario, no solamente en las funciones”. A la hora de hablar de Jorge Telerman, director del Complejo Teatral, Chinetti confirmó que “tenemos reuniones bastante periódicas, con él o sus asistentes. Le gusta el ballet, claro que le gusta. Ahora estamos haciendo un convenio con la Embajada de Francia. Ya tuvimos nuestro primer encuentro con Angelin Preljocaj, que vino a presentar su película Polina, para que venga el año que viene a montar una obra en el BCTSM”. Además, a través de los vínculos de Telerman, se están intentando convenios de cooperación que permitan traer obras francesas al Complejo Teatral a la vez de llevar obras argentinas al Viejo Continente. ALEJANDRO CERVERA “Formé parte del Grupo de Danza Contemporánea, luego Ballet Contemporáneo desde 1977 hasta 1987. Fue, quizás, una de las experiencias más intensas y ricas de mi vida como bailarín, coreógrafo y finalmente director asociado. Y no sólo por pertenecer al Ballet sino también por estar integrado al Teatro San Martin que dirigía Kive Staiff: un proyecto enorme, rico, múltiple y creativo que supo ser la vanguardia de aquellos años oscuros para el país. Fueron para el Ballet épocas de experimentación artística y de búsqueda. Bailar y crear para la fabulosa Martín Coronado o el espacio circular de la Casacuberta, sentir la cercanía del público en el Hall y hasta transitar la performance en la vereda del teatro en la tumultuosa Calle Corrientes de esos años, no fueron experiencias menores. El San Martin fue casa y escuela. Protección y apoyo en momentos duros de mi vida personal. Fue y será mi lugar. Y lo agradezco. Le deseo lo mejor y brindo por muchos años más de vida activa junto al pueblo y sus artistas”. Foto: gentileza del artista

DORIS PETRONI “…el TGSM, ha sido y sigue sintiendo mi casa. Atravesé la puerta de entrada, en los años ‘60, para integrar la Asociación Amigos de la Danza, que fue bisagra para la danza en la Argentina (…). En 1968, el director del teatro en aquella época, convocó a Oscar Araiz para crear la primera compañía de ballet del TGSM. (…) integrada por bailarines con una amplia gama de personalidades, que le imprimía un sello muy particular. (…) Éramos y seguimos siendo una familia (…) Ahora, somos la legendaria compañía que fue y sigue siendo respetada y valorada, por críticos colegas y público. En 1990, Emilio Alfaro, director del teatro en ese momento, le propuso a Oscar Araiz la dirección del Ballet y me convocó como directora asociada y a Renate Schottelius como asesora artística, conformamos un sólido grupo de trabajo. Recibimos un excelente grupo de bailarines, y la compañía realizó giras al interior de Argentina y por diferentes países de Europa. (…) todo ello fue y es para mí, un orgullo muy grande. (…)”

ANA MARÍA STEKELMAN: “Este ballet tiene dos gloriosos antecedentes, Asociación Amigos de la Danza y el Ballet Contemporáneo que creó César Magrini en 1968, dirigido por Oscar Araiz. En ambos trabajé como bailarina. Luego, entre el ‘72 y el ‘77 hubo cinco años sin ballet municipal de danza contemporánea. En este último año que menciono, se creó el actual Ballet y el Taller por iniciativa de Kive Staiff y bajo mi dirección. La época, se darán cuenta, era muy difícil pero, sobrevivimos. Ahora se cumplen cuarenta años de la existencia de estas dos instituciones danzantes… esto me hace muy feliz y espero que crezcan y se multipliquen, sobre todo en momentos como este, de violencia y frivolidad. ¡Felicidades! Foto: gentileza de la artista

“Hace poco vino a ver un ensayo Didier Deschamps, el director del Teatro Nacional de Chaillot, que es un ex bailarín”. Pero ciertamente, la primera preocupación del director, es la apertura del Teatro San Martín, “que se abra de una vez y que pronto y en breve también se empiece a trabajar en el Alvear, que es un teatro que está ahí olvidado”. __BD

Entre los mayores problemas de este cuerpo de baile, se menciona el hecho de que no cuente con presupuesto propio, ni siquiera el Teatro San Martín que los alberga, porque ahora es el Complejo Teatral de Buenos Aires quien recibe cierto importe fijo al año, que luego debe dividir entre todas las salas que lo integran. “Es lamentable. Es lamentable para el Teatro San Martín”, expresó la directora quien también afirmó que este año ese presupuesto había sido menor al de años anteriores: “hay que hacer bastantes malabarismos para poder asumir unas temporadas”. SALUD “Estoy trabajando con la Fundación del Teatro San Martín, para hacer una sala de musculación y de kinesiología para el ballet dentro del teatro, con Guillermo Paterno. Es algo que nos hace falta”. Actualmente el ballet tiene kinesiólogo fijo pero fuera del teatro. “Ya tenemos una sala preparada, como para poder ponerle todos los equipos, y que además de que esté el kinesiólogo MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 9

ACTUALIDAD

Vuelve el Ballet para Niños

El Ballet Metropolitano de Buenos Aires que dirige Leonardo Reale, regresa a la cartelera porteña con sus propuestas de ballet para el público infantil, que fascinan a chicos y a grandes A partir del 14 de mayo, los domingos a las 11 hs, podrá verse La Bella Durmiente y Las Hadas Encantadas, en el ciclo Vamos a la Música de la Fundación Konex. El estreno de esta puesta en escena cuenta con idea, guión y adaptación de Juan Lavanga, coreografía de Leonardo Reale y serán sus principales intérpretes Mercedes Calderón (Princesa Aurora), Rodrigo Villaverde (Príncipe Desirée), Yanina Toneatto (Reina de las Hadas), Agustina Ipiña (Hada Lila), Rodolfo Romero (Catalabutte) y los bailarines invitados del Teatro Colón Paula Argüelles (Carabosse) y Daniel Negroni (Rey Florestán). La obra continuará en cartel hasta el 20 de agosto. Se trata de la séptima producción especializada en infantes que encara Juan Lavanga, contando La Doncella de Nieve (para el Instituto del Teatro Colón, con coreografía de Rodolfo Olguín), Con Ustedes el Ballet (para el Ballet de Olga Ferri con su supervisión), Aprendamos a ver Ballet (para el Ballet del Mercosur con coreógrafos varios), y ya junto a Reale y el Ballet Metropolitano: El Cascanueces y las Princesas Encantadas, Pinocho y Coppelia, y El Lago de los Cisnes y las Princesas Encantadas.

Producción fotográﬁca para La Bella Durmiente Foto . Máximo Parpagnoli

Por otro lado, el Ballet Metropolitano realizará temporada en vacaciones de invierno, probablemente en el Auditorio de Belgrano, con la reposición de aquella versión de El Lago de los Cisnes que incluye a las chanchitas de Disney. __BD

ACTUALIDAD | CINE

Bolshoi

Este mes se estrena en cines europeos Bolshoi, de Valery Todorovsky La película cuenta la historia de una niña de provincia que sueña con convertirse en bailarina. Así se relata un viaje desafiante, que con la ayuda de su talento, habilidad, paciencia y ambición, logra alcanzar su objetivo hasta llegar a convertirse en primera bailarina del Teatro Bolshoi de Moscú. Valery Todorovsky, reconocido productor, escritor y director de cine nacido en Odessa en 1962, comenzó a filmar Bolshoi en 2015, que ofrece una mirada sobre la profesión de los bailarines “de un hombre sencillo, desde el fondo de la sociedad, descubriendo la belleza”, aseguró. “Es una saga que comienza a mediados de los años 90, en una pequeña ciudad de provincia y termina hoy en el Bolshoi. Descrito por sus habitantes como un edificio que no necesita a nadie, pero es buscado por todos”. Antes de comenzar a rodar la película, que costó unos diez millones de dólares, Todorovsky pasó un año envuelto en el ambiente del ballet ruso, “no es un mundo sencillo, pero siento que he logrado entenderlo”. Hubo que construir una réplica del Teatro para la mayoría de las tomas; la única zona del verdadero Bolshoi donde pudo filmarse fue en los camarines. La película está protagonizada por Alisa Freyndlikh, Aleksandr Domogarov, Nicolas Le Riche, Margarita Simonova y Anna Isaeva, entre otros. __BD

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ACTUALIDAD

Día del Tap

El jueves 25 de mayo se celebra el Día Internacional del Tap y, ya transformado en un clásico, se realizará un ﬂashmob en Plaza San Martín, organizado por el Twins Tap Dance Center que dirigen Ale y Ati Castro Videla “Tapea la Argentina” dicen las organizadoras del encuentro, que comenzará (llueve o truene) a las 10:30 hs en el monumento al General San Martín de la ciudad de Buenos Aires, del que podrán participar todos los interesados, “con zapatos puestos y coreografía aprendida (solicitar el video instructivo por whatsapp o grupo privado de Facebook del estudio)”. __BD

Imágenes del ﬂashmob 2016, con motivo del Día Internacional del Tap Foto . gentileza de las hermanas Castro Videla

El evento culminará a unas pocas cuadras de la Plaza San Martín, en el mismo Twins Tap Dance Center, con clases de tap a la gorra desde las 12 hs, en cuatro salones en simultáneo. “Todos los amantes del tap, amateurs, profesionales, alumnos, maestros y escuelas están invitados a participar. Esperamos ser muchos más que el año pasado, que fuimos un montón”, aseguraron.

En La Plata Comenzó la nueva temporada del ciclo de Danza en el Pasaje Dardo Rocha con coordinación de Laura Cuchetti, bajo el nombre de Ritmo a la Danza. Las funciones de esta cuarta edición, se realizan los primeros viernes de cada mes, a las 21 hs, con entrada libre y gratuita La apertura del ciclo tuvo al rock and roll como género destacado, e incluyó una performance de la compañía circense Fragiem, el trío acústico de rock Voltage presentó algunas canciones, Ballet Contemporáneo de la Escuela de Danzas Clásicas de La Plata mostró Alienados de Walter Artigas y dirección de Laura Cucchetti. Para finalizar, se ofreció danza Hard Rock con coreografías de Julieta y Antonella Tizzano, un fragmento de Apu, el Color y la Alegría de Nuestra Tierra, de Calle 46 y la Compañía de Danza Contemporánea de La Plata de la Asociación Sarmiento. __BD 12 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

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SALUD EN DANZA

Un Viaje a la Costa de la Utopía Por Marcelo Ghioldi

La salud en la danza es un viaje arduo. Con certezas e incertidumbres. Es posible pensar la utopía como ruptura con lo establecido, repleta de oportunidades, necesaria y posible Desde el fondo de los tiempos, una imagen de un médico primitivo emerge de las brumas que la rodea. Tallada en un asta de reno por las toscas manos de un neandarthaliense, esta figura muestra a un hombre vestido con pieles de animales, con guantes con garras, que para reforzar su conjunto, baila ritualmente frente a un enfermo. Así pues, la unión entre la danza y la medicina se demuestra intrínseca en los comienzos prehistóricos.

¿Por qué ante situaciones límites como la enfermedad o la muerte, el hombre se expresa con la danza? Se puede inferir que al ser la danza una manifestación de las emociones resulte obvio que la salud de una persona pueda modificarse a través de ella. Tal vez la interpretación de este hecho pueda codificarse dentro de la palabra sugestión (el enfermo cree firmemente que la danza de aquel hechicero lo va a beneficiar), de relativa aceptación entre los cánones científicos, pero lo cierto es que aquella danza prehistórica le acercaba al enfermo algo de lo más primitivo de la medicina: la compañía y la esperanza de estar mejor. Curar es

primordialmente acompañar, y posibilitar así que una secuencia de procesos metabólicos inicien su acción. Señales intracelulares se activarán desde el cerebro como una cascada. El ser humano tiene mecanismos de autorreparación que no deben ser interrumpidos por tratamientos inadecuados, medicamentos innecesarios o falsas expectativas. Hay que decirlo, parece mentira, como si fuera la primera verdad: un individuo sano, baila mejor. La salud entendida como calidad de vida. El sufrimiento y la felicidad, con muy distintos matices y etapas, acompañan a cualquiera de los humanos durante sus vidas. En los artistas pueden ser herramientas de composición para la interpretación de un rol determinado. Pero por momentos, en algunas enseñanzas de la danza, da la impresión que se busca individuos atormentados. Darwin, y la lineal interpretación de la ley del más fuerte, pareciera haber dejado una huella profunda entre algunos maestros: la búsqueda de la perfección por caminos equivocados los ha extraviado, y en ese camino se han llevado puestas a la salud y a la felicidad de muchos de sus alumnos. Si la excelencia es una pirámide, deberá contar con una base Hábitos saludables: alimentación, hidratación, descanso, higiene y ocio o ‘tiempo libre’ Ilustración . Kharlamova Lv

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amplia en los inicios de una carrera en danza, que deberá tener mayoritariamente varios elementos: preparación física, correcto aprendizaje de la técnica, enseñanza basada en la pedagogía y hábitos saludables siempre (alimentación, hidratación, descanso, higiene y ocio o ‘tiempo libre’). Por otra parte, he visto en mis décadas estudiando a alumnos de danza, la actual dicotomía entre un cuerpo atlético y la capacidad de manifestar emociones: el valor artístico de un intérprete, también juega un rol importante en esta disociación entre la salud y la danza. Las coreografías modernas demandan cada vez más cualidades físicas, capacidad aeróbica, potencia anaeróbica, fuerza, flexibilidad y coordinación neuromuscular. Algo que abunda en estas tierras, lo innato, el talento artístico, la belleza de la gestualidad, la destreza física, la psicomotricidad, deberían alimentarse y potenciarse con esas cualidades físicas, que son modificables (entrenables), si se realiza una buena planificación metodológica. Con esta introducción, comienza una nueva sección en Balletin Dance, destinada a la salud en la danza. Es un hecho, que la credibilidad de los bailarines hacia el equipo médico es relativamente baja, si bien ha ido creciendo a lo largo del tiempo,

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Dr. Marcelo Ghioldi Dra. Claudia Valenti

al compararla con otras actividades en donde el cuerpo es la herramienta de trabajo, es marcadamente diferente. Múltiples factores intervienen para que esto ocurra, entre los primeros, se señala la falta de preparación médica y del personal de salud, a la hora de conversar con ellos. Esta incomprensión mutua, que promueve fallas en la comunicación, hará que raramente se busque otros tratamientos (más probablemente ninguno). La finalidad de esta sección será acercar conceptos y conocimientos que desde el área de la salud, fueron adquiriéndose por la labor especializada con aquellos que practican danza, e intentar mejorar la fluidez de la comunicación, para poder así acompañarlos, y tal vez permitirles evitar, reparar -o en su defecto paliar- alguna patología. Que encuentren explicaciones a tendinopatías, lesiones de cadera, o para comprender la “calidad del dolor” que les permita diferenciar entre una contractura, una distensión o un desgarro muscular. Entender también, que una lesión que pudo haberse originado a los 2 años de edad en caso de existir un deseje, pueda quedar incubada hasta dar síntomas recién a los 14 años. Pero fundamentalmente, esta sección buscará dejar asentado, tanto para docentes como para estudiantes, que el control y el seguimiento médico es vital para poder alcanzar el máximo potencial. Para lograr tener la claridad que permita anticiparse y enfrentar un “súbito” trastorno alimentario y todo lo que hay detrás suyo. Utilizar bases de la fisiología humana para comprender cómo el organismo transforma los alimentos en energía y cuáles son los ideales para un bailarín, para que puedan incorporarlos como hábito, conocer sus cantidades y tiempos nutricionales, destacar la sustancial diferencia entre las calorías y los nutrientes que aportan y dar solución a momentáneos episodios de bajo peso, o sobrepeso. Comprender los mecanismos neuronales, las complejas relaciones fisicoquímicas y las interacciones de las emociones con el ambiente social, que puedan revelar, entre otras cuestiones, las adicciones.

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JORNADAS SALUD EN DANZA Hasta agosto de este año, se realizarán las jornadas Salud en Danza en la ciudad de Buenos Aires, con inscripción gratuita, destinadas a profesores, estudiantes y profesionales de la danza. Organizadas por Eidan (Equipo de Investigación en Danza, ver Balletin Dance Nº 242, mayo de 2015) y Balletin Dance, con el auspicio del Área Programática del Hospital Ramos Mejía, del Ministerio de Salud de la Ciudad de Buenos Aires. Dirección: Marcelo Ghioldi (Médico especialista en Medicina del Deporte, Coordinador del equipo Eidan, Médico de la Sección Medicina del Deporte del Hospital Ramos Mejía de la ciudad de Buenos) y Claudia Valenti (Médica Pediatra, especialista en Medicina del Deporte y Nutrición, Directora del Curso de Postgrado Actividad Física y Salud del Ministerio de Salud del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires). Temario: Nutrición saludable en danza, Lesiones prevención y rehabilitación, Aspectos Psicológicos en la danza y Fisiología de la Actividad Física. Lugar: Auditorio Montpellier (México 3411, ciudad de Buenos Aires) Fechas: miércoles de 9 a 12 hs (estricta puntualidad). 10 de mayo / 21 de junio / 12 de julio / 9 de agosto. Inscripción gratuita: (obligatoria: cupos limitados) Enviar nombre y apellido, DNI y fecha a la cual asistirá, a: saludendanza@balletindance.com. Se entregan certificados de asistencia Por supuesto, esta columna, tendrá como objetivo generar espacios de discusión y provocar una disrupción del pensamiento, para salir de la zona de confort que adormece a la creatividad, a la innovación y a la capacidad de imaginación. La educación en la danza no debe ser tarea de un programador de software, no se trata de insertar un código, sino, más bien, de dotar al alumno de herramientas que les permitan expresar con libertad lo que su cuerpo quiere decir. La felicidad de ver a un gran artista también provee salud al ocasional espectador. Aquel médico primitivo, que para curar se expresaba con la danza, seguramente no pudo imaginar que la agricultura iba a modificar drásticamente la vida del ser humano en la tierra. Hace 200 años no pensaban en la existencia de las máquinas y hace 100 años nadie suponía que la presencia de las computadoras sería un hecho cotidiano en la mitad de la población mundial. Ocurren transformaciones y en ese empujar hacia adelante, habrá que confiar en el aporte bien intencionado que las ciencias de la educación y de la salud pueden dar, para cuidar y proteger a los artistas… hacia otro futuro, del cual estamos enamorados. __BD MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 17

FOLKLORE

Expertos en Danza

Del 6 al 9 de junio, la Academia Nacional del Folklore, organizará el Primer Simposio Nacional de la Danza Folklórica, dedicado a Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola, y a Los Hermanos Ábalos, con la presidencia honoraria de Víctor Manuel “Vitillo” Abalos El evento se desarrollará en el Centro Cultural General San Martín de la ciudad de Buenos Aires, con entrada gratuita, diariamente, desde las 9:30 hs hasta las 20:30 hs, e incluirá mesas de debate, talleres, homenajes y proyecciones de videos. La comisión organizadora cuenta con la labor de Gloria Villanueva, Claudia Liliana García, Daniel Sousa, Darío Pizarro, Horacio Lemos, Juan Cruz Guillén y Roberto Lindon Colombo. Se trata de un ambicioso proyecto dedicado exclusivamente a la danza, con ponentes de diferentes provincias argentinas y del exterior. Entre las múltiples actividades señalan las mesas Investigación Regional de las Danzas Folklóricas (Stella Maris Ortiz, Daniela Echenique y Andrés Ramos, Gabriela Ávalos y Héctor Garay, coordinados por Claudia Liliana García), Función Social de las Peñas Folklóricas (Sixto Abrodos, Nora Sánchez, Juan Camicha y Milcíades Aguilar, coordinados por Horacio Lemos), Situación Laboral de los profesionales de la Danza (Mariela Ruggeri, Mabel Pimentel y Oscar Murillo, Paola Parrondo y Luis Sandá, con coordinación de Juan Cruz Guillén), Enseñanza de las Danzas en la Escuela (Marta Ruiz, Inés Bocca, Ada Sanfilippo y María Celeste Maziotti, coordinados por Horacio Lemos), Metodología de la Enseñanza en Instituciones privadas (Viviana Santos Amores, Irene “Chichita” Vázquez, Omar Fiordelmondo y Miguel Ángel Saravia, con coordinación de Claudia Liliana García), Metodología de la Enseñanza en Instituciones Estatales (Carmen del Piano, Cintia Blanco, Cecilia Tarcaya, Víctor Giusto y Susana Gómez, con coordinación de Roberto O. Lindon Colombo), La Danza y los Medios de Comunicación (Agustina Llumá, Luz Valbuena, Sergio Arboleya, Marcelo Stiletano y Guillermo Chávez, coordinados por Daniel Sousa), El Tango (Gabriel Soria, Juan Car-

los Copes y Julio Dupláa, coordinados por Antonio Rodríguez Villar), El Malambo (Antonio Ferreyra, Luis Rodríguez, Juan Ángel Martínez y Juan Carlos Báez, con coordinación de Darío Pizarro), Marcos epistemológicos de la Danza (Azucena Colatarci, María Inés Palleiro, María Belén Hirose, Lola Brikman, Olga Elena Fernández Latour de Botas coordinados por Roberto O. Lindón Colombo), Los Certámenes (Héctor Aricó, Marcelo Zelarrayán, Gustavo García, Pedro Ledesma y Alberto Ortega, coordinados por Darío Pizarro), Danza Tradicional, Estilizada y para Espectáculo (Mercedes Ballerini de Messad, Rubén Suáres, Koky y Pajarín Saavedra, Rodolfo Uez y Carlos Ernesto “Lito” Luna, con coordinación de Juan Cruz Guillén). Luego de cada mesa, serán reconocidos, en brevísimas ceremonias: bailarines del primer elenco del Ballet de Santiago Ayala “El Chúcaro”, Fanny Berra, Mabel Pimentel y Oscar Murillo, Susana Díaz, Miguel Ángel Saravia y María Martínez, Mariana Chiliutti, Fedra Pugliese de Borneo, Juan Carlos Copes, José Manuel Moreno, Miguel Angel Elías, Alberto Tadeo Barrientos y Olga Fernández Latour de Botas. Además, todos los días habrá espectáculos coreográficos con la actuación de Andrés Ramos y Daniela Echenique, Graciela Paladino y Carlos M. Oroño, Ballet de Brasil, Compañía de Danzas sin Fronteras, Ballet Los Sacheritos, Ballet de Arte Folklórico Argentino, Ballet sin Fronteras, Ballet Folklórico de la Universidad Nacional de las Artes (UNA), Ballet La Fuerza de la Vida, Ballet de Tunuyán, Ballet de las Trincheras, entre otros, y como gran cierre, el Ballet Folklórico Nacional. __BD

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h tt p : / /w w w.fa ce b o o k .co m /p a g e s/ B a l l e t i n - D a n ce/261 3 1 07928 0 8 18 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

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Iñaki Urlezaga, listo para comenzar su temporada Foto . Juan Marcelo Baiardi

brevesactualidad

En Marcha El Ballet Nacional que dirige Iñaki Urlezaga, estaría pronto para comenzar su actividad. Los tiempos burocráticos no siempre son los deseados o necesarios, pero el proceso que traspasa su funcionar del Ministerio de Desarrollo Social de la Nación al Ministerio de Cultura, ya se concretó. Al ingresar esta edición de Balletin Dance a imprenta, el expediente se encontraba en su instancia final, en el Ministerio de Modernización. El elenco conservará, bajo la órbita directa del ministro Pablo Avelluto, a sus 60 bailarines en planta orgánica, los técnicos, el espacio de trabajo (ex Hogar Garrigós, acondicionado para la danza), y el presupuesto (que permite pagar sueldos, producciones y alquileres de teatros que permiten su actuación junto a orquesta en vivo). La temporada 2017 en la ciudad de Buenos Aires, se realizará en el Teatro Coliseo a partir de agosto, pero poco antes partirán de gira por las provincias argentinas (junio, julio), tal como lo realizaron desde su fundación hace un lustro, cuando la compañía privada pasó a depender del Estado.

Pequeños El Festival Pequeño Formato 2017 del Centro Cultural de La Cooperación Floreal Gorini, se desarrollará del 6 al 11 de mayo, con coreografías seleccionadas a partir de la convocatoria CCC Danza, tesis de graduados de la Universidad Nacional de las Artes y obras de la Residencia Brote del Centro Cultural Paco Urondo. El evento que cuenta con dirección de Mariela Ruggeri, ofrecerá además la mesa de diálogo Las condiciones de producción en la danza no oficial en la que participará Daniel Sousa (periodista de Balletin Dance) y el taller De la serie de entrenamiento a la serie bailada, ambas actividades con entrada gratuita. Podrán verse piezas firmadas por Jazmín Cañete, Jésica Saud, Alba Virgilio, Natalia Jorquera, Florencia Cagnone, Belén Bianchini, Compañía Emergentes, Sofía Rypka, Agostina Fiore, Julieta Vázquez, Miguel Patiño, María E. Diaz, Rocío Covarrubias Grabivker, Facundo Bustamante, Ana Ruffo y Cecilia Troncoso.

Crisis también en la Cartelera La Asociación Argentina de Empresarios Teatrales (Aadet) anunció una caída en la venta de entradas del 25 % en el primer bimestre de 2017. Así, la crisis también se hace sentir en la actividad teatral porteña, pues los espectadores han mermado considerablemente en relación al año anterior. Las salas además, enfrentan la suba indiscriminada en las facturas de servicios públicos (electricidad, agua, impuestos inmobiliarios), lo que ha hecho que se reduzca la oferta en cantidad de espectáculos, hasta llegar a un 18 % menos, en relación a 2016.

Performance La segunda edición de la Bienal de Performance de la Argentina, se llevará a cabo del 13 de mayo al 7 de junio de 2017, y presentará una serie de novedades tanto estructurales como conceptuales. El programa de BP.17 incluye la presentación de más de treinta proyectos de destacados artistas argentinos y extranjeros, con obras inéditas en vivo, seminarios, conferencias y encuentros públicos, en distintos espacios públicos y privados, asociados al encuentro. La programación completa se encuentra en: http://bienalbp.org.

Bleu Remix de Marussich Yann, en la bienal argentina Foto . Isabelle Meister 20 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

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Agua

Casa Kynodontas

Desprincesada

De Butohnes Compañía Teatral. Dirección: Tati Martinez, Luz Rodríguez Urquiza y Romina Santoni. Domingos 17 hs. Sala Carlos Parrilla del Auditorio UPeBe (Campos Salles 2145, Tel: 4701-3101).

Interpretación y dirección: Daniel Antonio Corres, Abril Lis Varela, Emmanuel Palavecino, Brenda Boote Bidal y Franco Bertolucci. Jueves y viernes de junio y julio (desde el 2 de junio) 21 hs. Capilla del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040). Foto: Boscology

La Aventura De Ser Yo. Idea y dirección: Luján Zalazar. Coreógrafos: Facundo Mazzei y Nicolás Pérez Costa. Sábados y domingos 17 hs. Teatro Astros (Av. Corrientes 746, Tel: 43259991).

Así se Baila el Tango

Ciclo en Movimiento

Dramaturgia y dirección: Laura Falcoff. Con Camila Villamil, Daniel Sansotta y Laura Falcoff. Coreografía: Camila Villamil con aportes de Daniel Sansotta. Sábados 18 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848). Foto: Carlos Villamayor

20 trabajos de danza contemporánea y expresión corporal. Coordinación: Gustavo Soto. Jueves de mayo y junio 21 hs. Teatro La Mueca (José Antonio Cabrera 4255, Tel: 4867-2155).

El Futuro de los Hipopótamos

Dirección: Sebastián Prada. Libro: Austin Winsberg. Coreografías: Micaela Pierani Méndez. Jueves 21:45 hs. Teatro Maipo Kabaret (Esmeralda 443, Tel: 5352-8384). Foto: fuentes2fernandez

Buenos Aires Ballet Dirección: Federico Fernández. Bailarines del Teatro Colón y del Argentino de La Plata. Pas de deux del repertorio clásico. Viernes 12, 21 hs. Teatro ND Ateneo (Paraguay 918, Tel: 43282888). Foto: Alicia Sanguinetti

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cartelera

Cita a Ciegas

Grupo Krapp: Luciana Acuña, Gabriel Almendros, Luis Biasotto, Edgardo Castro y Fernando Tur. Ciclo Danza al Borde. Viernes, sábados y domingos 19 hs (hasta el 14). Teatro de La Ribera (Av. Pedro de Mendoza 1821, Tel: 4302-1536). Foto: Gustavo Gavotti

El Paraíso Perdido

Despertando en Vida Un Nuevo Musical. Dirección: Raul Gustavo Cejas Tubio. Coreografía: Paula Gomes Anes. Con: Luciana Amoedo, Matias Arangunde, Caro Arellano, Carolina Barreiro, Fernando Cannata, Marianela Impaglione, Belen Iza, Marcos Matto, Diego Oviedo, Juan Ignacio Vila, David Zalazar y Marianela Zapata. Sábados 19:30 hs. Teatro El Vitral (Rodríguez Peña 344, Tel: 4371-0948). Foto: Marianela Zapata y Carolina García Arellano

Idea y dirección: César Brie. Domingos 17 hs. Teatro Santos 4040 (Santos Dumont 4040, Tel: 4554-6353).

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E N T R E V I S TA

Gabriela Pucci en San Juan. Doble Conmemoración

alto rango de diferentes países, por lo tanto lo pensamos como una gala. Si bien la municipalidad planificó actividades conmemorativas a lo largo de todo junio, la gala será el momento más importante. Contamos con orquesta en vivo dirigida por Emmanuel Siffert, director de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de San Juan”.

Por Laura Lifschitz San Juan apuesta al ballet, convocando a Gabriela Pucci para la gala internacional por los 455 años de la ciudad, que se realizará el próximo mes en el Teatro del Bicentenario. En diálogo con Balletin Dance, Pucci se reﬁrió a este festejo que coincide con los 40 años desde su consagración como la primera argentina en ganar un concurso de ballet en Moscú Gabriela Pucci tiene una historia tan extensa como meritoria en la danza argentina. En lo más cercano, maestra, coach de Maximiliano Guerra, preparadora de concursos, coreógrafa. A los 15 años fue contratada por el Ballet Estable del Teatro Colón, alcanzando el rango de primera bailarina. Todo su conocimiento ahora está puesto al servicio de las nuevas generaciones. Un profuso repaso por los proyectos más recientes y por los logros que la llevaron a ser la primera argentina en ganar la más famosa competencia de ballet en la actual Rusia. Gabriela Pucci: “un paso sirve para contar una historia” Foto . Javier Gómez

¿Cómo será la gala por la fundación de la ciudad de San Juan el 12 de junio? “La municipalidad de San Juan me pidió que armáramos junto con la maestra Cristina Hidalgo (de Mendoza), un programa que sea bien nuestro, fuera del ballet de repertorio. Por eso repuse unos tangos que coreografié hace un tiempo, mientras Hidalgo montará con sus alumnos el Bolero de Ravel. La idea es incluir algunos números típicos de la región, con los que estamos trabajando. Fui convocada a través de la esposa del intendente, Alejandra Cáneva, ex alumna de la maestra Hidalgo. Como San Juan todavía no tiene ballet estable, pero la idea era trabajar con bailarines de la región, hicimos una audición en la que elegimos a doce jóvenes sanjuaninos que inician así su camino a la profesionalización, que actuarán junto al resto de los artistas. Dentro de lo que es la programación del Teatro del Bicentenario, éste será el evento más importante del año, porque entre el público invitado habrá representantes diplomáticos y funcionarios de

El Teatro del Bicentenario -perteneciente al Ministerio de Turismo y Cultura de la esfera provincial- será sede de esta gala organizada por el municipio. Por su parte, este gran centro cultural anunció para su primera temporada oficial, 25 espectáculos de música, danza y ópera, en 65 funciones. En relación al ballet, tiene programado para los días 1, 2 y 3 de junio El Cascanueces con dirección de Lidia Segni, los días 16 y 17 de junio se mostrará Pixel, y Don Quijote para el 12 y 13 de agosto organizado por las escuelas privadas de danza de San Juan. Del 1º al 3 de septiembre será el turno de Momento y del 4 al 6 de octubre se ofrecerá Zorba, El Griego. Además el 28 de mayo tendrá lugar un espectáculo enmarcado en la Bienal de Performance.

Distinto a la labor docente, es montar una obra ¿Cómo sopesar la técnica y el arte, cuando se avanza de la clase al escenario, al trabajar con bailarines formados por diferentes escuelas? “En todas las épocas un bailarín se prepara técnicamente, todos así lo hicimos buscando la destreza. Y el avance de lo técnico ha sido descomunal en los últimos tiempos. Pero un paso sirve para contar una historia. Piqué arabesque está en todas las coreografías habidas y por haber. Pero depende de cómo hagas ese piqué arabesque será la historia que vas a contar. Una bailarina no pasa por el hecho de hacer los 32 rond de jambes fouettés”. Con todas las diﬁcultades que signiﬁca profesionalizarse en el ballet en nuestro país ¿cómo ve la situación? “Es difícil, y dolorosamente para quienes estudiamos en otras épocas en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, la escuela oficial, ya no es lo que era antes. Después de la camada de Eleonora [Cassano], Julio [Bocca] y Maximiliano [Guerra], todos se fueron chicos. El Colón ya no prepara bailarines ya hechos. Es difícil aquí. Y los que se van tan pequeños, no tienen impronta de nuestra escuela. Sin embargo en las provincias se están haciendo cosas para la danza”. Este invierno, Pucci también tiene una conmemoración propia que la vincula a fuego con el ballet argentino. En julio se cumplirán 40 años de su Medalla a la Maestría Artística obtenida en el III Concurso de Ballet Agripina Vaganova en el Teatro Bolshoi de Moscú, convirtiéndola en la primera argentina en obtener un premio en esa competencia. Tras el camino abierto en ese año de 1977, la seguirían en 1985 Julio Bocca y Raquel Rossetti, también galardonados en dicho concurso. Pucci recuerda lo duro que fue aquella época, en un país aislado del resto de Occidente, sin redes sociales ni comunicaciones posibles con la Argentina durante prácticamente un mes. A instancias de Olga Ferri y con la preparación del maestro Alexander Plissetski, para ese entonces la bailarina estaba apenas recuperada de un ya “legendario” accidente en su mano -Mauricio Wainrot fue testigo del suceso- ocurrido un par de meses antes del concurso, tras resbalar en escena durante una gira por Corrientes (los bailarines habían llegado al ensayo general mientras los empleados del teatro lustraban aplicadamente el escenario). En dicha función Pucci bailaba la variación de Giselle y otros números. Pero nadie del

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Gabriela Pucci, con cada palabra la misma mirada de emoción y fuerza, idéntica a la que trasmite cuando se reﬁere al presente. Foto . Javier Gómez

BALLET ESTUDIO María Cecilia Díaz Fundado en 1981

público se anotició, pues la bailarina no abandonó el escenario hasta el telón final. Aquí algunos de esos memorables momentos narrados por la protagonista: “Mi mamá había vendido todo para que yo fuera a la Unión Soviética, y con todo sacrificio. Tenía todos los trajes que fui pagando de a poco, porque la gente del teatro se portó muy

bien en ese sentido. Tenía diez pares de zapatillas que compré en plazos en Maserejian. Viajé sola, con ciento ochenta dólares que recolecté con la familia. Allí me encontré con los demás argentinos que se presentaban (Ricardo Novich, Leandro Regueiro, Liliana Ivanov y Claudia Etcheves). Lloraba todas las noches esperando que no estuviera mi número en la lista para seguir, el 57”. “No entendía el idioma, no podía tomar clases hasta que afortunadamente me encontré con Karemia Moreno, entonces pude hacer clases con los cubanos, pero tenía que ensayar sola. En la primera ronda, contra todos los pronósticos por ser argentina y esperando abucheos, fue una ovación. Presenté Giselle, Don Quijote, Corsario, Carmen, Raymonda y Cisne Negro. Y seguí hasta el final. Llegué a la Argentina desnutrida, pero con la medalla”. Y así fue como la jovencita Gabriela Pucci representó a la Argentina hace ya cuarenta años en una competencia en la que se presentaron setenta y ocho bailarines. No es un cuento de princesas, es la historia del esfuerzo de una mujer que sorteó muchas más dificultades que las aquí comentadas, pero que sin embargo conquistó al jurado integrado por Alicia Alonso, Galina Ulanova, Olga Lepeshinskala y Yuri Grigorievich. Hablar con Gabriela Pucci es descubrir con cada palabra la misma mirada de emoción y fuerza, idéntica a la que trasmite cuando se refiere al presente. El próximo 12 de junio seguramente saldrá al escenario a saludar al público, junto a los bailarines con los que trabajó, para redescubrir cuarenta años después la felicidad que significa llegar al alma de las personas a través de la danza. __BD

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C O M E N TA R I O

Nuevo Ciclo Por Agustina Llumá

Con Sylvia de Frederick Ashton, el Ballet Estable del Teatro Colón inició su temporada 2017, bajo la dirección de Paloma Herrera Sylvia, que se había estrenado en el Teatro Colón en 2015, con reposición de Susan Jones (quien llegó una vez más a Buenos Aires en esta ocasión) significa un desafío para la compañía. Se trata de una puesta compleja, coreográficamente muy complicada, que requiere resistencia, dominio corporal de cada uno de sus cuantiosos personajes, con un cuidado estado físico que les permita acercarse a la perfección estilística. El Ballet Estable del Teatro Colón volvía de sus largas vacaciones y, honestamente, a sus bailarines les faltó el rigor que reclama la técnica del ballet en general y la de Ashton en particular. La orquesta sonó magnífica dirigida por Emmanuel Siffert para los acordes creados por Léo Delibes, lo que imprimió a la propuesta un mayor entusiasmo y magia para sus tres diferentes actos (el tercero, superior). El cuerpo de baile se mostró prolijo, con escenas grupales bien ensayadas, con voluntad de superación que seguramente pueda desarrollarse en el transcurrir del año. El vestuario majestuoso de Christopher y Robin Ironside, lució a la altura de nuestro primer coliseo. Las seis funciones (la séptima se canceló debido al paro nacional), alternaron los roles principales en tres repartos:

PRIMER REPARTO Nadia Muzyca interpretó cautelosamente a Sylvia, para reservarse energía para el tercer acto, el más dificultoso de todos. Se la observó con bastantes dificultades en los giros, probablemente como consecuencia de la falta de movimiento de cabeza, que se hicieron más evidentes que en sus anteriores actuaciones. Se trata de una preciosa bailarina, con un cuerpo dotado, que sin embargo el día del estreno no logró su mejor entrega. Estuvo magistralmente acompañada por Dalmiro Astesiano que encontró una genial interpretación para Orión, y por el (aún) joven Maximiliano Iglesias como Aminta, un pastor désinvolte. Para el tercer acto, el más bello musicalmente, lleno de personajes de lo más variados, se destacaron la altísima Paula Cassano, Natalia Pelayo, Luciana Barrirero, Emilia Peredo Aguirre, Nahuel Prozzi, Jiva Velázquez, Emiliano Falcone y Amalia Pérez Alzueta. SEGUNDO REPARTO Isabella Boylston, del American Ballet Theatre, encarnó a una Sylvia más sólida técnicamente, con mayor resistencia que le permitió llegar airosa al final, aunque las exigencias coreográficas también se hicieron notar. Alejandro Parente, sólido, fue

demasiado caballeroso como Orion, siempre a merced del cuidado de la fémina que acompaña y Federico Fernández, ya un artista consolidado, fue un gentil Aminta. TERCER REPARTO También preparándose para la exigencia de los tres actos, Karina Olmedo ofreció una primera entrada plagada de petits pasos y posiciones, que fueron creciendo en el devenir del ballet. Sin dudas trabaja con inteligencia, para poder afrontar este tipo de piezas en el año mismo en que piensa retirarse de la escena. Fue acompañada por Emanuel Abruzzo como el cazador, con fuerza y sin salvajismos, y por Nahuel Prozzi un cuidado pastor. En el tercer acto destacaron Gerogina Giovannoni y Williams Malpezzi como cabras, y nuevamente Pelayo, Astesiano, Velázquez y Cassano. __BD

NUEVA TEMPORADA Finalmente el mes pasado, la oficina de prensa del coliseo, anunció oficialmente los cambios que presentará el Ballet Estable durante este año, que pasa de las 22 funciones anunciadas en la gestión anterior, a un total de 46 presentaciones en la sala mayor del Teatro Colón. El segundo título del año será El Lago de los Cisnes de Mario Galizzi (en reemplazo de La Fierecilla Domada), siete funciones del 25 de junio al 2 de julio. Habrá luego una sola función de Tríptico Tippet/Duato/Balanchine el 10 de agosto, con Bruch: Concierto para violín N° 1 de Clark Tippet, Por Vos Muero de Nacho Duato y Tema y Variaciones de George Balanchine. Continuará La Bella Durmiente del Bosque de Galizzi (como estaba anunciado), en ocho noches del 29 de septiembre al 7 de octubre. Noche Clásica y Contemporánea ofrecerá dos programas distintos, la repetición de Tríptico Tippet/Duato/ Balanchine (15 y 18 de octubre) y Bruch, el pas de deux del segundo acto de El Lago de los Cisnes (Galizzi), Adagietto de Oscar Araiz y Tema y Variaciones (17, 20, 21 y 24 de octubre). La temporada 2017 finalizará con la maravillosa versión de El Cascanueces de Rudolf Nureyev (en reemplazo de Notre Dame de París), en seis noches del 23 al 30 de diciembre. Por otra parte, el cuerpo estable ofrecerá mayor cantidad de espectáculos para niños a la mañana, en el marco del ciclo Vamos al Colón, que convoca a alumnos de escuelas estatales de la ciudad de Buenos Aires. Serán once espectáculos en total en 2017. Allí pudieron ver una versión reducida de Sylvia con un actor a modo de presentador, y continuarán con La Bella Durmiente, además de la anunciada Alicia en el País de las Maravillas de Alejandro Cervera.

Prolijo cuerpo de baile en el estreno de la temporada Foto . Arnaldo Colombaroli | Teatro Colón 28 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

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MEDICINA PARA LOS BAILARINES Y en poco menos de dos meses, Paloma Herrera logró la creación del nuevo equipo médico del Ballet Estable del Teatro Colón, una de las tantas tareas pendientes, que cuenta con consultorios y salas de gimnasio y rehabilitación kinesiológica dentro del teatro. Dos utopías cumplidas, considerando el agregado de funciones. El proyecto que ya está en funcionamiento integra medicina clínica, traumatología y kinesiología, con un equipo liderado por el Dr. Marcelo Kamijo, uno de los directores del Centro Kynet (encargado del equipamiento y patrocinador). En el

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Presentación formal de uno de los nuevos salones de musculación del Ballet Estable Foto . Máximo Parpagnoli | Teatro Colón

consultorio médico, se realizarán historias clínicas, evaluaciones y atenciones a los integrantes del ballet. Paloma Herrera, anunció al momento de presentarlo al cuerpo estable: “Saben que confío plenamente en cada uno de ustedes con todo el talento que tienen. Quiero que sepan que desde este lado hay un equipo que apoya todo lo que estoy tratando de implementar. Es una linda combinación.”

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E N T R E V I S TA

Trípodi creó 64 símbolos, una serie de sellos y hasta una fuente para escribir en la computadora Foto . Matías Trípodi

Partituras Danzadas Por Daniel Sousa

Matías Trípodi, bailarín argentino radicado en París, creó una serie de 64 símbolos que permiten transcribir al papel de manera sucinta coreografías de tango. Habitual colaborador de la compañía de Pina Bausch, celebra la posibilidad que ofrece su sistema de notación de perpetuar creaciones esencialmente efímeras Matías Trípodi reside en Francia desde el año 2015. Es en la actualidad artista asociado de la compañía Incidence Chorégraphique, en la que trabaja junto a figuras de la Opera de París y el Ballet de Leipzig, entre otros prestigiosos elencos. Bailarín formado en el tango tradicional, partió de la Argentina una vez finalizada la carrera de Letras en la Universidad de Buenos Aires. Anteriormente, en 2008, en su primera incursión en el viejo continente, había entrado en contacto con integrantes de la emblemática compañía de Pina Bausch. Asistir a una función de Nelken (Claveles), una de las obras cumbre de la venerada coreógrafa alemana, marcó un quiebre en su formación artística. Con el tiempo, Trípodi llegó a dictar clases de tango al elenco para la reposición de la obra Nur Du, en la que se recrea el ámbito de una milonga, y el año pasado fue invitado a participar de una exposición homenaje en Berlín y Bonn, en la que la máxima atracción fue una réplica en tamaño real del estudio de la compañía en Wuppertal. Allí, el argentino animó una velada con proyecciones de video de Pina bailando con Pedro ‘Tete’

el baile de la gente e intento escribirlo. En el fondo, esto abre una nueva posibilidad de imaginación.

Rusconi, el milonguero que ella convocó en 1994 para que les transmitiera los secretos del tango a sus bailarines. En paralelo, y a raíz de su estrecha ligazón con la escena literaria, germinó en Trípodi el deseo de construir un vínculo entre el universo del lenguaje y el de la danza, “particularmente en el tango, que es un baile de improvisación y comunicación del movimiento”, le cuenta a Balletin Dance. Ese interés se hizo aún más fuerte cuando conoció el trabajo de Ana Teresa de Keersmaeker, una de las máximas figuras de la danza contemporánea belga, quien se sumergió en una “búsqueda matemática” ligada al baile. “De a poco -explica Trípodi- empecé a imaginar una representación gráfica para el tango. Hice un primer bosquejo en 2013, y en 2015 el proyecto tomó fuerza y terminó de delinearse. Ya cuando participé de la exposición de Pina expuse algunas partituras de movimiento de ella bailando con Tete”, comparte. En octubre del año pasado, finalmente, publicó el libro Una Propuesta de Sistema de Notación del Movimiento para el Tango, donde ofrece una primera aproximación a su creación.

¿Qué diﬁcultades plantea la escritura de una partitura de baile de tango? Es algo bastante simple. Hay dos principios que resultan fundamentales para la representación. Uno es ver a la pareja desde arriba, y el otro, señalar únicamente los cambios de peso y de orientación. Al reducir la información a estos dos aspectos, que yo considero estructurales del movimiento del tango, se logró una grafía bastante simple, cuya característica principal es que muchas veces con un solo símbolo puedo representar a los dos miembros de la pareja. No se requiere una imagen para cada uno. Esto hace que una partitura de movimientos de tango pueda ser leída al derecho o al revés, según se trate de la persona que lleva o la que sigue. Incluso, en una sola página se puede llegar a escribir lo que representan tres minutos de movimientos. En otros sistemas, como el de [Rudolf ] Laban, [Pierre] Conté o

[Rudolf ] Benesh, la notación coreográfica se vuelve tan compleja que para escribir cuarenta segundos de un movimiento se necesitan muchas más páginas. El sistema se compone de 64 figuras que surgen de ocho símbolos de base. Esos ocho símbolos de base se desdoblan para una y otra pierna, y para cada uno de los roles de la pareja, y a ellos se les suma una serie de variaciones.

Hablaba recién de lo fácil que resulta escribir una partitura del movimiento ¿Es igualmente sencilla la lectura? Requiere de un poco de trabajo y entrenamiento. A mí, al principio, me tomaba mucho más tiempo del que me insume ahora. Hoy puedo hacer una partitura en una hora, pero antes tardaba mucho más. Y hasta me animo a escribir partituras desde cero, ya no trascripciones de videos, sino coreografías en las que imagino el movimiento que podría realizarse y lo escribo. Justamente, una ventaja de este tipo de escritura es que no necesitamos bailar una obra para poder crearla. Hoy voy a una milonga, miro

Los detractores dirán que resigna la expresividad del baile… Desde siempre hubo una suerte de remordimiento al momento de proponer un sistema de notación para el tango porque se trata de un baile efímero y sentimental. ¿Cómo se atrevería alguien a poner un peso teórico sobre eso, no? Pero este sistema de notación no tiene el afán de representar todo sino sólo un nivel de lo que ocurre. Para interpretarlo se requiere que el bailarín agregue algunos elementos. Es por eso que no se elimina la interpretación personal. Podría compararlo con el texto de una obra de teatro y la obra representada. El guión nos da elementos pero no es la obra en sí, que requiere de muchos otros aspectos (interpretación, decisiones estéticas, etc.). Aquí hay elementos como la posición de los brazos o la expresividad del movimiento que no están puestos en el foco. El sistema muestra apenas una serie de desplazamientos de dos cuerpos y sus ejes, pero al mismo tiempo es lo suficientemente completo como para permitir recomponer y reconocer estructuras del movimiento del tango. El mayor valor está dado por la posibilidad de conservar el patrimonio intangible, ¿verdad? Justamente, este sistema permite tener un registro físico y escrito de una serie de conocimientos que hasta ahora han sido difundidos de manera oral y presencial. Se podrán repertoriar de mane-

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El libro de Trípodi ha sido presentado con singular suceso en Rusia, Francia y Alemania. También se consigue en la Argentina Foto . OS 32 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

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En una sola página se puede llegar a escribir lo que representan tres minutos de movimientos Foto . Matías Trípodi

C O M E N TA R I O

De la Investigación Como Obra Por Román Ghilotti

EL TANGO, PRESENTE Otro de los proyectos que llevó adelante Matías Trípodi es una serie de entrevistas a bailarines y coreógrafos de distintas ramas de la danza. Lo bautizó Sobre Danza y de él han participado figuras como Thusnelda Mercy (Tanztheater Wuppertal), Bruno Bouché (Opera de París), Boris Gibé (Les Choses de Rien) y Shantala Shivalingappa (danza clásica de la India). Así lo explica: “Fue en 2015 que surgió esta idea de preguntarles a artistas que he ido conociendo a lo largo de los años acerca de su forma de entender la composición y el entrenamiento, para poder explicitar los criterios que cada uno de ellos pone en juego para construir una obra. Incluí, entonces, para acercarlos a mis inquietudes personales, una pregunta referida a qué imagen tenían ellos del tango. Y fue una gran alegría confirmar que hay una presencia y un vínculo con el tango muy estrecho en bailarines de distintas disciplinas. El tango está mucho más presente de lo que uno cree. Es interesante ver cómo un bailarín de la Opera de París o de la compañía de Pina [Bausch] han tenido alguna vez un acercamiento hacia el tango y guardan una curiosidad muy fuerte respecto de este género”.

eficaz porque permite recorrer el material de manera más fluida que viendo 50 horas de video. ra más concreta un montón de danzas. Desde hace veinte años hay un auge del video en el tango, la gente aprende a bailar a través de YouTube. La diferencia con el sistema de notación es que para la búsqueda y comparación, la escritura es mucho más

Al haber creado una tipografía desde cero, ¿con qué diﬁcultades se encontró? Recién hace un mes que desarrollé una fuente para la computadora, lo que ahora me permite escribir mis símbolos desde un teclado cualquiera. Estando en la Argentina construí también una serie de sellos a partir de los cuales puedo escribir partituras. Esto abre, a la vez, caminos más experimentales, como la posibilidad de tomar una poesía de tango, cambiarle la tipografía y obtener una partitura del movimiento.

Una investigación supone, prima facie, un aumento del conocimiento de aquello que es investigado, esto es, un desborde de los límites que se tenía, con lo cual construye un nuevo universo. En el Centro Cultural de la Cooperación se presentó María sobre María, pieza de danza que se funda en un recorrido sobre la obra de María Fux, con interpretación de María Kuhmichel y dirección de Lucía Llopis Se puede comprender el espectáculo como una investigación que, de algún modo, a la vez que tematiza la creación en movimiento de María Fux, constituye un homenaje a esta pionera de la danza moderna o contemporánea en nuestro medio. Distintos recortes de la trayectoria de aquella son presentados como ejemplos y muestras de sus maneras de bailar y se desarrollan, descriptiva, analítica y sintéticamente, armando con estos materiales una pieza nueva en las mismas bases de las viejas obras de Fux. La toma en detalle de brevísimas secuencias, reunión de esfuerzos, formas y ritmos, pasos casi, inventados a su modo por la bailarina citada, es presentada con un rigor expresivo que busca traer a la presencia y en acto aquello que se tomó. Simplemente, más que copiar los movimientos, el trabajo ahonda en volver a tenerlos presentes en sus detalles. Para esto, entre otras entradas, se da una lista de la selección y se ponen en escena estas formas y dinámicas. También aparece, de este modo, una construcción

que puede pensarse nueva, una posible coreografía de Fux sin Fux para hoy. Como material investigado y puesto en obra también se incluye, siempre dentro de un encuadre de juego de exploración sobre la creadora, un fragmento de audio de un reportaje a ella en el que da el relato de anécdotas de su quehacer. Esto pone en contexto. Y es cierto que, además, un contexto más preciso se ofrece en las maneras de hacer la danza: en función, una muy precisa y expresiva Kuhmichel alcanzó instancias de reduplicación de Fux más que de imitación. El trabajo ofreció tramos más puntuales de elaboraciones con la voz, con las manos, con recorridos, caminatas, secuencias, logrando acentuar detalles muy propios de Fux apropiados por Kuhmichel. Como investigación puesta en cuerpo y movimiento, la obra no sólo trajo a escena aquella danza, aquella impronta, sino que también abrió un panorama rico en lo que se puede calificar como una mirada a la vez atenta, amable, precisa, reflexiva y valorativa que brindó aclaraciones conceptuales, desde el mismo movimiento, que hacen a una actualización y a la capacidad de novedad de lo que se comprende como danza: cada vez que la danza es pensada y puesta en juego recupera su potencial de acción expresiva presente. __BD

Sesgo de forma fuxiana en Kuhmichel Foto . Paola Evelina Gallarato

En enero pasado presentó el libro en Buenos Aires. ¿Cómo fue recibido? Con mucho interés, sobre todo de parte de algunos profesores y coreógrafos. Este es un proyecto vivo que va a ir evolucionando en función del uso que le dé la gente. En un mes más estaré presentando la versión en francés. Seguramente en diciembre regresaré a la Argentina para brindar algunas charlas y talleres. Hasta tanto, el libro se consigue en la zapatería Neotango (Sarmiento 1938). __BD 34 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

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C O M E N TA R I O

Danzas Africanas: el Corpus Filosóﬁco del Siglo XXI Por Toni Más Con una cerrada ovación -que obligó a regresar a los protagonistas, para reverenciar a un público exultante-, se estrenó More, More, More... Future, del célebre bailarín y coreógrafo congoleño Faustin Linyekula, como apertura de la temporada 2017 del Centro de Experimentación y Creación del Teatro Argentino de La Plata (TACEC) Ganadora del Gran Premio Prince Claus para la Cultura y el Desarrollo (Holanda-2007), More, More, More... Future se vió en Buenos Aires los días 4 y 5 de abril, en el marco de una gira que incluyó Chile y Colombia. Con dirección artística de Faustin Linyekula, dirección musical de Flamme Kapaya y textos de Antoine Vumilia Muhindo, los músicos Patou «Tempête» Kayembe, Pépé Le Coq, Pasnas Mafutala y Zing Kapaya compartieron escena con los bailarines Dinozord, Papy Ebotani y el propio Linyekula. La trascendencia de esta pieza, con más de una década de creada, podría radicar en su atípico montaje, el particular elenco o en esa especie de “catarsis lúdica”, eficazmente paradojal, de su estructura narrativa. O quizá, en la feliz conjunción de estos

elementos que la enmarcan dentro del discurso de la postmodernidad, donde la danza es un pretexto, para denunciar abiertamente ciertos absurdos humanos que persistimos en llamar “civilización”. La escenografía es prácticamente inexistente. En escena hay ocho hombres de África subsahariana, cinco de ellos con trajes de show convencional -algunos más brillosos-, que observan impávidos la llegada del público. Dos portan una guitarra y un bajo eléctricos, respectivamente, otro yace tras una batería, mientras que otros dos están parados al lado de un micrófono. Los otros tres, sentados en el suelo, frente a unos ropajes, acom-

“El espíritu de Kabako no es el de una compañía en la que yo creo. Por eso no lo llamamos compañía sino estudios, en plural. Y no es que tuviéramos un lugar para nosotros. “Los estudios Kabako” es una manera de decir que cada persona que viene es un estudio en sí misma, que desarrolla su propia voz y su propio trabajo…”, explicó Faustin Linyekula Foto . Guillermo Genitti

pañan al resto en su serena observación. Comienza la función. Se yerguen los del suelo y se calzan los ropajes con estilo de pasarela futurista de Xuly Bët, París, de la diseñadora maliense Lamine Badian Kouyaté. Ahora, los músicos o performers que cantan y bailan, interpretan música tradicional, especie de pop congoleño que, de repente, muta al rock y luego al funk/sex machine, con igual virtuosismo. Los otros tres bailarines, realizan elementos imprecisos, alternados con una depurada técnica de danza contemporánea y break dance. Cuando se sacan los trajes, quedan en calzas y torso desnudo, para desplegar sensuales y lentos movimientos pélvicos con oscilaciones y desplazamientos que, por momentos, imitan a un cojo (“ndombolo”: baile popular urbano que incluye sorna política y motivos picarescos). Al canto se une la declamación y se proyectan, en español, textos del dramaturgo, poeta y ex funcionario congoleño Antoine Vumilia Muhindo, actualmente condenado a muerte por supuesto magnicidio, en fuga, y en busca de asilo político en Europa. La célebre frase “Épater les bourgeois”, se trasforma en “Épater le système”. La poética de Linyekula no parte de ningún artificio, ni de una compleja voluntad de estilo. Tampoco es la de un enfant terrible, a la manera de Rimbaud, que (cuando a coro con su generación, inspiradora de las vanguardias artísticas del siglo XX, se siente impotente ante el statu quo), grita como única solución: “Hay que volverse salvaje” y peregrinó hasta la misma África. No. Linyekula, más allá de ser aclamado internacionalmente, nació, y decidió residir, en la periferia. En el tercer mundo, dentro del infierno digitado por los señores de la guerra y las múltiples codicias generadas por los diamantes de sangre. Así, tan fantástico como las películas hollywoodenses y, a la vez, real hasta lo inimaginable, florece Studios Kaboko, sede de la compañía de teatro y danza, fundada por este artista en Kinsasa, capital de la República Democrática del Congo y mudada a Kisangani, en las afueras. El citado país, antes Zaire, ex Congo Belga, ex Estado Independiente del Congo, confundido habitualmente con la República del Congo, por pertenecer, ambos, al antiguo Reino del Congo, sufre hoy en día, además de los genocidios permanentes, violaciones masivas y el azote del ébola, la explotación del oro y el coltán1, por parte de las potencias extranjeras [Ver Conferencia de Berlín (1884-1885)]. De esa materia dantesca, como el corazón de las tinieblas, extrae Linyekula su danza, su ¿arte extemporáneo?, de denuncia, como un cuerpo filosófico tangible que desnuda a nuestro inquietante siglo XXI. __BD

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Coltán: mineral compuesto por colombita y tantalita. Se utiliza en microelectrónica, telecomunicaciones y en la industria aeroespacial. De estos minerales se extrae el tantalio y el niobio, utilizados en distintas industrias de aparatos eléctricos, centrales atómicas, misiles y fibra óptica, aunque la mayor parte de la producción se destina a la elaboración de condensadores y otros componentes para los teléfonos celulares. MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 37

C O M E N TA R I O

La Fiesta de la Danza Por Agustina Llumá

Una vez más, el Consejo Argentino de la Danza presidido por Beatriz Durante, celebró el Día Internacional de la Danza, con un espectáculo coreográﬁco a cargo de diferentes agrupaciones argentinas, con entrada gratuita

El Ballet Folklórico Nacional cerró la festividad Foto . Alicia Snaguinetti

La Gala 2017, tuvo lugar el 18 de abril en el Teatro de la Ribera del barrio de la Boca, y reflejó sobre y bajo el escenario al quehacer de la danza nacional. Sobre las tablas, elencos estatales y privados de todas las disciplinas del arte coreográfico expusieron lo mejor de sí mismos, para conformar esta festividad; mientras que en la platea los re-encuentros entre bailarines de todas las generaciones, directores, coreógrafos y productores, son una fiesta de por sí.

Luego de las lecturas de los mensajes alusivos extranjeros y nacionales, se sucedieron las coreografías, de impecable factura, con representantes del Grupo Cadabra de Anabella Tuliano y su particular estilo atlético; Sibila con la Danza Nº2 de La Vida Breve con gran manejo de castañuelas; El Ballet Metropolitano de Buenos Aires con el pas de deux Sheherezade de su director Leonardo Reale; la compañía de tango de Leonardo Cuello con fragmentos de Diamate y Federico Fernández, Ayelén Sánchez, Iara Fassi y Ludmila Galaverna (del Teatro Colón) hicieron el grand pas de Don Quijote. El Ballet del Argentino de La Plata dirigido por Maricel De Mitri, llevó a dos jovencísimos exponentes para el Pas Paysanne de Giselle (Romina Panelo y Emanuel Gómez) que auguran un gran futuro de continuar trabajando seriamente. El grupo de danza de la Unsam, siempre sólido, mostró la preciosa Cantares de Oscar Araiz, mientras que el Ballet de Danza Contemporánea del Teatro San Martín dirigido por Andrea Chinetti expuso enriquecidos fragmentos de Estaciones Porteñas de Mauricio Wainrot. El gran cierre a cargo del Ballet Folklórico Nacional hizo bailar a toda la audiencia con una coreografía de Rodolfo Lastra Belgrano en homenaje a Norma y Nydia Viola. __BD

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Representante Marcela Schiliro – Atención Personalizada Pedidos e informes al (00 54911) 4938-8240 s E-mail: puntasballet @HNBJM.com

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El Ritmo (Prueba 5)

Hamlet Ruso

Mis Días sin Victoria

Compañía Buenos Aires Escénica. Con Guillermo Angelelli, Maitina de Marco, Juliana Muras, Ariel Pérez de María, Matthieu Perpoint, Paula Pichersky y María Zubiri. Coreografía: Rakhal Herrero. Jueves a sábados 21 hs, domingos 20 hs (hasta el 21 de mayo). Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715, Tel: 4808-9479).

Ballet del Sodre. Dirección: Julio Bocca. Del 10 al 13, 20:30 hs. Teatro Opera (Av. Corrientes 860, Tel: 43261335). Foto: Santiago Barreiro

De Belén Arena. Con Fiorella Álvarez Vleminchx, Manuela Suárez Poch, Fernando Xavier Ibarra y Gabriela de León Speranza. Jueves 11 y viernes 12, 21 hs (hasta el 12 de mayo). Ciclo Radar, en La Capilla. Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

El tiempo es lo perdido

La Señorita Julia Adaptación de Alberto Ure y José Tcherkaski sobre el original de August Strindberg. Dirección: Cristina Banegas. Con Belén Blanco, Diego Echegoyen y Susana Brussa. Sábados 20 hs. El Excéntrico De La 18° (Lerma 420, Tel: 4772-6092). Foto: Luz Soria

Gimnastas

BALLETIN DDANCE ANCE DID ACTIC O DIDA TICO

…atrapados entre el amor y la gloria. Dramaturgia y dirección: Emilia Dulom. Con Belén Azar, Lucía Rivera Bonet, Wenceslao Tejerina y Nacha Zabala. Sábado 13, 17 hs, domingo 14, 21 hs. Ciclo Radar, en La Capilla del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

El área de actualización docente de Balletin Dance, dirigida por Alicia Muño Muñozz, presenta

CURS O A DIS URSO DISTTANCIA E-LEARNING (POR INTERNET)

Dir ec ción: Alicia Muñoz Direc ección: or utor or:: Marcio Chinetti Tut

Planif ic ar Planific icar lo endiz aje loss apr aprendiz endizaje ajess

PED AGOGIA DE LA D ANZ A PEDA DANZ ANZA

De Mariana Blutrach y Daniel Böhm. Con Romina Pedroli, Federico Ottavianelli “Vruma”, Gustavo Lesgart, Valentín Jarach, Catalina Godoy D´Orta y Alina Keselman. Sábados 21 hs (hasta el 24 de junio). El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

Gobernar es Poblar

· Cómo se planifica una buena enseñanza · El por qué y el para qué de los proyectos · Tipos de proyectos · Cómo establecer metas y objetivos · Cómo organizar los contenidos · Cómo diseñar las estrategias · Cómo establecer los tiempos

ht balle tindanc htttp:// p://balle balletindanc tindancee.com info@balletindidactico.com.ar 40 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

Ilustración: Germán Guzik

Inicia: 5 de julio

Coreógrafo y director: Gustavo Friedenberg. Con Tomás Baillie, Stella Maris Isoldi, Marian Moretti, Gabriela Pastor, Eliana Pereira Rejala y Julieta Sgarlatta. Martes 21:30 hs (desde el 25 de abril). Teatro del Abasto (Humahuaca 3549, Tel: 4865-0014).

Momix Forever Grupo Momix de Moses Pendleton, 35º aniversario. Del jueves 15 al domingo 18 de junio, 20:30 hs. Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1125, Tel: 4816-3789).

Once Hijos

La Vida de Ella

Compartí con colegas de diferentes países, esta experiencia enriquecedora, sin moverte de tu casa

cartelera

De Cristian Setién. Compañía Nacional de Danza Contemporánea. Dirección: Margarita Fernández. Miércoles y jueves 20:30 hs. Sala Williams del Centro Nacional de la Música (México 564). Entrada Gratuita. Foto: Juan Ignacio Russo

Dirección: Federico Ponce. Traducción: Pablo Caramelo. Coreografías: Verónica Litvak. Domingos 21 hs. Elkafka Espacio Teatral (Lambaré 866, Tel: 4862-5439). Foto: Victoria Nordenstahl

Menea para mí De Mariana Cumbi Bustinza. Domingos 21 hs. Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3380, Tel: 4862-7400). Foto: Fernando Lendoiro

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El Odio Hecho Cuerpo Por Nahuel Aguirre

Silvio Lang y el grupo Orgie, en coproducción con la Universidad de General Sarmiento, llevan a escena Diarios del Odio, una obra con una fuerte impronta política, un trabajo físico arduo y reﬂexiones para los tiempos que vivimos Los días 21 y 22 de abril Diarios del Odio se presentó en la cartelera teatral del Multiespacio Cultural de la Universidad General Sarmiento. Más allá de que lo primero que llega a la mente mientras se observa la obra es la grieta (aquella controversial y altamente difundida por los medios en la actualidad), la obra parte de un poemario de Roberto Jacoby y Syd Krochmalny, quienes tomaron palabras y frases de temática política, de foros y redes sociales en internet. El material que proviene de la realidad actual y está cargado de odio, al punto de escandalizar a unos cuantos, está dentro de ambas obras de diferentes formas. Silvio Lang, director de la obra, desde un principio dejó en claro que al traspasar el material no quería realizar una representación.

¿Cómo fue pasar el poemario a lo físico? Silvio Lang: Inicialmente hubo una idea de no representar los poemas, sino más bien hacer un tipo de operación de tensión con los poemas puramente performática. Porque representar eso era representar una subjetividad fascista. Además, creo que la representación infantiliza. Reduce y simplifica las multiplicidades y las tensiones que hay en lo real de la experiencia. En el desarrollo de la obra se observan diferentes cuerpos en masa, agrupándose y desagrupándose de forma violenta; ﬂagelándose por y entre ellos. Lang explicó cómo fue trabajar los cuerpos con estas ideas. SL. Trabajamos los fenómenos de masa en movimiento y el odio del fascismo a estos movimientos democráticos. Observamos manifestaciones, recitales, represiones, rituales, desalojos, exorcismos, ejércitos también. Masas de derecha e izquierda. Luego hicimos una operación con los poemas y fuimos a su materialidad y a sus posibles lugares de enunciación. Los desterritorializamos en lo que llamamos un pop evangelista.

Fenómenos cargados de violencia Foto . Yasmin Reguero

Los Ángeles de Rawson es la banda pop evangelista que acompaña la puesta, que “transmite” una emisora cuyo contenido no es inocente, sino por el contrario, contiene un mensaje político escondido. SL. Hay una idea de domesticar y capturar al rebaño. Entonces lo que hicimos fue trabajar los poemas con un tono y un tipo de voz en donde el odio no aparece cristalizado en una emoción psicológica. Está en la letra, pero hay una perversión que tensiona y da ambivalencia al contenido mediante una simpatía y una liviandad que enmascara cierta maldad. Como la actuación new age de María Eugenia Vidal. Orgie (Organización Grupal de Investigaciones Escénicas) es el grupo de intérpretes encargado de llevar adelante Diarios del Odio. Lang explicó cómo fue el proceso de montaje y estructura desde el material del grupo. SL. Los performers son ex alumnos míos y compartimos un lenguaje en común, un teatro de las fuerzas, que propone un cuerpo hiper-afectivo, diagramado por fuerzas sociales afectivas. Pensar en la práctica, en la escénica, como el captor de esas fuerzas actuales. Entonces, ligamos nuestra propuesta física con el material del poemario. Luego tuvimos que entender cómo es el proceso y la organización corporal de esos fenómenos masivos, en vez de representarlos. Posteriormente, en escena, se pueden ver ráfagas de estas imágenes. A pesar de que no haya representaciones explicitas, la obra posee instantes con referencias a lo popular. Momentos que Lang llama ráfagas. SL. Es una herramienta para poder deformar los clichés y al mismo tiempo es un anclaje. Tiene que ver con una serie de conexiones. Cruzar planos y fenómenos de la cultura y la realidad contemporánea, desde una mirada crítica hacia el mismo hacer escénico. Es una capacidad de conectar información: política, folklore, drag queen, voguing. Conectar cosas culturales que en un principio no tienen nada que ver pero que hacen a la realidad. Diarios del Odio invita a la reﬂexión sobre los tiempos que vivimos, con la utilización de herramientas de composición escénica complejas. Es una obra difícil. Hay que salir del conservadurismo para poder abordarla. Por eso sólo aquellas personas desestructuradas logran interpretarla. ¿Puede decirse que Diarios del Odio imposibilita la comunicación con un público no habituado a este lenguaje? SL. Al contrario. Tengo más dificultades para comunicarme con el público del ambiente. Mi público es heterogéneo, intelectuales, estudiantes, gente del teatro, bailarines. A veces, existen obras en las que hay mayor consenso con el espectador habituado o del ambiente, y otras veces, con otro tipo de audiencia. __BD

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Eliana Figueroa y Federico Fernández en La Esmeralda Foto . Alicia Sanguinetti

C O M E N TA R I O

Perlitas de Ballet Por Agustina Llumá El Buenos Aires Ballet, encabezado por Federico Fernández, continúa con su ciclo de galas clásicas, en el Teatro ND Ateneo de la ciudad de Buenos Aires Los espectáculos, cuyo repertorio cambia cada mes, están destinados a los amantes del ballet clásico, con una combinación de aquellos pas de deux por todos conocidos, con algunas perlitas novedosas para la audiencia local. La función de abril, permitió re-descubrir a algunos de los más nóveles bailarines del Teatro Colón de Buenos Aires, junto a otros ya consagrados. Siempre con producción de Karina Battilana, las experiencias se van consolidando mes a mes, y tal vez ahora, solo falte encontrar al ensayador idóneo que permita a los artistas, alcanzar la definición estilística de cada uno de los dúos que muestran en escena. Comenzó la noche con un poco de Bournonville, con La Sylphide a cargo de Emilia Peredo Aguirre (todavía descubriendo la expresividad del personaje) junto a un entusiasta Emiliano Falcone. Ludmila Galaverna (ya logrará disfrutar más) con Jiva Velazquez (apasionado) mostraron el fragmento de La Esclava y el Mercader de El Corsario con suma ilusión. Llegó el turno de Eliana Figueroa (Ballet Nacional) quien encaró La Muerte del Cisne con algunos momentos de pleno ensueño, para continuar con Paquita a cargo de Ayelen Sánchez y Federico Fernández. Luego del intervalo pudo verse Rosary Sanata Duo (o Cuerdas) un estreno virtuoso, de corte contemporáneo (con puntas), coreografiado por Emanuel Abruzzo, bien encarado por Peredo Aguirre y Falcone. Siguió el fulminante pas de trois de El Corsario, con Sánchez, Abruzzo y Maximiliano Iglesias, para finalizar con el brillante pas de deux La Esmeralda que Figueroa y Fernández resolvieron con profesionalidad. La próxima fecha será el viernes 12 de mayo, y contemplará nuevas propuestas del repertorio clásico tradicional. __BD MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 43

C O M E N TA R I O

Persistencia de un trabajo coreográﬁco bien tradicional Foto . Sabrina Burgos

Múltiple Vida Por Román Ghilotti

Una vida recorre instancias de simultaneidad mientras se la vive, enfoques de andar a la vez con lo imaginario, lo ensoñado, lo onírico, la memoria y lo concreto. La vida de Ella, espectáculo con idea y coreografía de Mariana Blutrach y dirección suya junto a Daniel Böhm, se estrenó en El Portón de Sánchez C O M E N TA R I O

Resistir o Transformarse Por Gustavo Friedenberg

Mientras nosotros vemos la vida como una cronología de hechos que nos van sumiendo en una construcción a partir de lo pasado y de lo conocido, Las Orugas transitan su existencia cambiando. Así introduce al público en su nueva obra, Victoria Mazari, directora de la compañía Danseur Las Orugas se estrenó el 7 de abril, en el Espacio Cultural Urbano, en lo que se suponía sería una breve temporada de cuatro funciones, con intensión de reponer en septiembre y octubre. Pero habiendo superado la capacidad del espacio, las funciones se extenderán también durante los viernes de mayo, relató a Balletin Dance, la entusiasmada directora. Victoria Mazari: Esta línea de trabajo de Danseur comenzó a fines de 2014 con Lo que no Querés Ver (Las Princesas no Cagan), y continuó en 2015 con Placebo. Las tres obras están unidas por la necesidad de recuperar al individuo, de corrernos de la masificación a la cual nos llevan los pequeños círculos sociales en los que vivimos. Buscamos ser un espejo para nosotros mismos y el espectador, reflejar pequeñas cosas que a lo largo de nuestra vida nos van marcando y nos van llevando a ser lo que somos: la construcción de las personas, sus miedos e inseguridades; su egocentrismo. Son tres obras que abordan una misma temática, y con Las Orugas cerramos una idea. ARMAR EQUIPO Posiblemente éste sea uno de los rasgos que más llamen la atención de Danseur. Y es que en Buenos Aires, tanto en danza como en teatro, ya no es frecuente encontrar compañías que funcionen como tal, en el sentido de sostenerse a través del tiempo y los proyectos. Danseur lo hace desde 2013 y Las Orugas es la quinta obra en su repertorio. VM. Tratamos de funcionar como compañía estable. Yo tengo la preferencia de trabajar con bailarines muy jóvenes, porque tienden a ser más permeables y eso es muy bueno para la investi44 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

gación que hacemos a la hora de armar una obra. No apuntamos al virtuosismo o a un estilo de danza. Cada intérprete llega con su propio estilo y conocimiento, y ese es su aporte; a su vez lo vamos moldeando a la medida de las necesidades de cada obra. Pero la realidad económica de los grupos independientes hace que sea muy difícil mantener los equipos. APOSTAR POR LA COREOGRAFÍA La pieza cuenta con ocho bailarinas que dicen texto y bailan de un modo bastante parejo, despersonalizando a las intérpretes de su individualidad para poner de relieve el concepto y estética de la obra. Sin embargo se destacan la técnica y calidad de movimiento de Candela Baceda (la bailarina más antigua de la compañía) y de la propia Victoria Mazari. El elemento coreográfico es el otro gran factor distintivo del elenco. Tal y como lo señala su directora, esta obra no destaca ni parece obsesionarse por el virtuosismo o la construcción de un lenguaje inédito de movimiento. Sin embargo, se hace presente la intención hacia una identidad propia en el sentido de una dramaturgia y fundamentalmente, la persistencia de un trabajo coreográfico bien tradicional. Frente a una aparente tendencia de los coreógrafos contemporáneos independientes, a -paradójicamente- diluir el elemento coreográfico en las obras de danza, en Las Orugas hay una toma de decisión al respecto, que no teme caer en anacronismos o contrariar modas. Puede no resultar novedosa al ojo entrenado, pero el elemento fundamental de la pieza sigue siendo la coreografía y se sostiene dignamente. Tal vez la transformación sea para la danza -para las obras de danza- una necesidad vital que requiere de constante mutación. No para convertirse en algo diferente de sí misma, sino para adaptarse a las exigencias de un mundo que está en permanente y acelerado cambio. Sin embargo no deja de resultar inquietante e incita a la reflexión, lo efímero de la breve vida de las mariposas, frente al lento y extenso proceso que supone la existencia de las orugas. __BD

Los intérpretes (Romina Pedroli, Gustavo Lesgart, Federico Ottavianelli “Vruma”, junto a una niña, rol a cargo de Catalina Godoy D´Orta o Alina Keselman, a los que se suma un pianista, Valentín Jarach) transitan la pieza solapando diversos discursos que abarcan el video, la danza, el teatro y la música. Caracterizado por sus directores como “espectáculo polifónico”, la yuxtaposición de lenguajes se articula también con superposiciones espaciales, temporales y mentales. En efecto, esto último, la metáfora de lo mental expuesto en imagen y presencia, da cuenta del entramado de apreciaciones de quien vive esa vida. “Ella”, quien la vive, es comprendida en la continuidad de la obra como mostrada en su acto presente, sus evoluciones danzadas y algunas teatrales, como también en una suerte de entrada a sus discursos espirituales o especulativos: se ven algunos sueños, momentos de ensoñación y tramos de recuerdos. Todo esto que, con distintos recursos expresivos (imágenes proyectadas sobre un telón traslúcido, superposición de acciones y planos con extrañamiento de perspectivas), se da a la vista y queda expuesto,

además, con un juego desplegado en piezas musicales: jazz, Bach y música ad hoc (Facundo Gómez). La construcción desarrolla un tono predominantemente hierático, sin ser cerradamente solemne. Si bien se ponen en escena situaciones emotivas, claramente propuestas, el modo de su muestra se sostiene en un distanciamiento: no terminan de haber notables alegrías o tristezas, no se llegan a extremar angustias o placeres. La manera en que se da el trabajo, en los fragmentos que lo constituyen, no responde a una prolija o cronológica ilación de tipo anecdótica o de una narrativa tradicional. Recortes de esa vida, sin embargo, alcanzan a montar un cuadro que abarca al personaje, delimitándolo en sus posibles expansiones. Quizá lo dominante sea lo ensoñado, ese estado de la vigilia en que lo imaginario, los recuerdos, la proyección de deseos y temores se instalan en cómo alguien se enfrenta a sus condiciones y circunstancias. En función, la destreza y potente interpretación de Romina Pedroli dominó la velada. El resto de los intérpretes, ajustados y correctos, acompañaron a la protagonista con buenos desempeños. La riqueza y poética de la obra se sostiene y afirma en la noción que expone: una vida tiene y es múltiples aspectos simultáneos que carga cada quien. __BD

Un momento de imágenes de La vida de Ella (Pedroli y Lesgart) Foto . gentileza de Mariana Blutrach y Daniel Böhm

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Tras los pasos de Cranko

El Diablo La Reve Rouge Dance Company presentó Fausto Tras el Espejo, una adaptación del Fausto de Goethe, para dos bailarines de tango (Michaela Böttinger como Margarita y Cristian Miño como Fausto, también director) y uno de danza contemporánea (Andrés Baigorria encarnó a Mefistófeles). La puesta que pudo verse en el teatro Hasta Trilce, es ambiciosa, ciertamente, y contó con ingredientes diversos (además de la danza) con referencias a variadas representaciones (cine mudo, ópera, teatro, multimedia) donde el tango expresó lo terrenal y humano, y la danza contemporánea lo sobrenatural o diabólico. La historia atemporal se ambientó en Buenos Aires (proyecciones y música de la nueva generación tanguera), con buena iluminación; y se pregunta si es el diablo quien vuelve malos a los humanos, o si en su defecto son sus propias decisiones.

por Agustina Llumá

brevescomentarios

ARGENTINOS EN EL EXTERIOR | ALEMANIA

Sandungueras miradas sobre la paternidad Foto . gentileza de la producción

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La mendocina Daiana Ruiz partió a Europa, en búsqueda de mejores horizontes profesionales. Hoy es bailarina del Stuttgart Ballet, la emblemática compañía que preserva el legado de John Cranko

Diabólico Meﬁstófeles Foto . Ana Luz Crespi

¿Tenés hijos? Con dirección y coreografía de Gustavo Friedenberg, se estrenó Gobernar es Poblar, que seguirá presentándose los martes a las 21:30 hs en el Teatro del Abasto, con las actuaciones de Tomás Baillie, Stella Maris Isoldi, Marian Moretti, Gabriela Pastor, Eliana Pereira Rejala y Julieta Sgarlatta. Una mirada sobre la paternidad, existente o no, conocida o no, querida o no, a través de la visión de cinco mujeres y un varón, de diferentes generaciones. Aquella pregunta, que surge necesariamente a determinada edad (cuando no se tienen hijos): quiero tener un hijo, estamos bien sin hijos o simplemente, me olvidé de tener un hijo, se narra aquí con humor, a través de textos, canto y coreografías. Friedenberg explica que el puntapié para la creación de esta puesta, surgió en 2009, cuando recibió “una carta de la escritora Alicia Steimberg, en la cual me hablaba de sus hijos, y terminaba con tres preguntas: ¿Tenes hijos? ¿Te gustaría tenerlos? ¿Está mal que pregunte?; también ella citó a Juan Bautista Alberdi (Gobernar es poblar)…”.

“Es el espíritu del artista y la sed de crecimiento constante, que te moviliza a explorar lo desconocido y enfrentarte a nuevos desafíos, trabajando para superarlos. Esto es lo que me llevó a vivir sola en Buenos Aires a los 12 años, dejando mi Mendoza querida. Y luego me trajo hasta Alemania”, explicó Daiana Ruiz a Balletin Dance. A fines de 2015, como tantos artistas de la danza, Daiana Ruiz viajó a Europa, para tomar clases con diferentes compañías para “vivir un poquito más de cerca el trabajo en el exterior”. De allí regresó con varias propuestas de trabajo en el Viejo Continente: en la compañía de Maurice Béjart en Lausanne (Suiza), en el Royal Ballet of Flanders de Amberes (Bélgica) y en el Stuttgart Ballet (Alemania). “Esta última propuesta fue la que me llevó a tomar la gran decisión y en abril de 2016 me integré al Stuttgart Ballet en busca de nuevos desafíos artísticos y de estar más tiempo sobre el escenario”. En el Teatro Colón, “nuestro bello coliseo, mi casa, que me vio crecer y donde soy bailarina estable”, por entonces no esperaba más de una veintena de espectáculos al año. El cambio que sufrió entre Argentina y Alemania fue “inmenso”, un gran desafío “y un crecimiento a nivel personal” importante, porque al llegar allá no hablaba ni inglés, ni alemán. Una de las principales características de la compañía, que ayudó a cautivarla, fue que su repertorio conserva el legado de John Cranko, “que me llenaba de ansias experimentar. Vivir de cerca y respirar cada uno de sus ballets, en la cuna de su origen”. Entre las grandes diferencias laborales cotidianas, Ruiz señala que allá se trabajan ocho horas diarias, seis días a la semana “y tenemos aproximadamente 110 funciones anuales. Por lo que se ensayan varios ballets en simultáneo (clásicos y contemporáneos) y las funciones se reparten entre Staatstheater que es nuestro teatro principal y dos salas más”. Como es habitual en Europa, el mundo cosmopolita se respira también dentro del elenco. “Se vive un interesantísimo intercambio cultural dentro de la compañía, ya que somos bailarines de muy diversas nacionalidades. También se disfruta mucho el día a día porque hay una muy linda energía en los estudios. El trabajo es muy intenso e inspirador. Cada ensayo y función es llevada a escena con mucho profesionalismo”, asegura llena de entusiasmo. Pero además, “debido al prestigio histórico internacional de la compañía, cada año es invitada a realizar giras internacionales.

Daiana Ruiz en Stuttgart: unas 110 funciones anuales Foto . Roman Novitzky | Stuttgart Ballet

Tuve la oportunidad de participar en mi primera temporada, en una gira a Salzburgo donde llevamos el ballet Romeo y Julieta. Luego, de viajar a China (Beijing y Shanghai), una sorprendente sociedad que cautiva con su forma de vida. Y en pocos días estaremos partiendo nuevamente, esta vez con destino a Weimar (Alemania)”. “El crecimiento y enriquecimiento artístico y profesional, así como también de experiencia de vida, es lo que me mueve a seguir trabajando fuerte día a día y poniendo mucho amor en cada paso, para seguir sorprendiéndome con los nuevos desafíos que vayan llegando a mi vida”. __BD MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 47

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Premios Reales Los premios más prestigiosos del teatro londinense comenzaron en 1976 como Sociedad de Premios del West End Theatre, y en 1984 pasaron a llamarse Olivier Awards. A partir de 2011 unidos a Mastercard, retomaron la ceremonia de entrega de premios transformándola en un hito del calendario cultural del Reino Unido. El acto de este año tuvo lugar el 9 de abril de 2017, en el Royal Albert Hall y los ganadores en materia coreográfica fueron Las Zapatillas Rojas de Matthew Bourne (Mejor entretenimiento y familia, y Mejor coreógrafo), el logro sobresaliente en danza fue para el English National Ballet que dirige Tamara Rojo, por expandir la variedad de su repertorio con Giselle y She Said de Akram Khan; y la Mejor nueva producción de danza fue para Betroffenheit de Crystal Pite y Jonathon Young (ver nota en esta edición de Balletin Dance). El mejor musical estrenado en la temporada resultó El Día de la Marmota, mientras que Harry Potter y el Niño Maldito se hizo acreedor de los premios: estreno, director (John Tiffany), actor (Jamie Parker), actriz de reparto (Noma Dumezweni), actor de reparto (Anthony Boyle), escenografía con tecnología (Christine Jones), vestuario (Katrina Lindsay), sonido (Gareth Fry) e iluminación (Neil Austin).

Censurado

Lucinda Childs en 2015, la gran homenajeada del momento Foto . Douglas Mason

La cadena televisiva BBC de Londres, había anunciado la proyección del ballet En el Espíritu de Diaghilev estrenado en 2010 en el teatro Sadler’s Wells (ver Balletin Dance Nº 184, enero de 2010), integrado por obras de Wayne McGregor, Sidi Larbi Cherkaoui, Russell Maliphant y Javier de Frutos. Sin embargo, luego de largas discusiones resolvieron emitir todas las coreografías excepto la del coreógrafo hispano-vene-

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Ashley Shaw, en Las Zapatillas Rojas Foto . gentileza de prensa

zolano Javier de Frutos por considerarlo demasiado obsceno. Su obra Maldición Eterna a Sancho y Sánchez, que muestra a un Papa jorobado que viola a monaguillos y monjas embarazadas, con desnudos masculinos integrales, había escandalizado al público en su estreno, que abandonó el teatro.

Innovación La Bienal de Venecia 2017 apuesta por la innovación, con inspiración oriental y la búsqueda de nuevos lenguajes, en danza, música y teatro, según explicó Paolo Baratta, presidente del evento, durante la conferencia de prensa que se realizó en el Museo del Ara Pacis de Roma. El festival de danza que se realizará del 23 de junio al 1º de julio, bajo la dirección de la canadiense Marie Chouinard, inaugurará su área con la coreografía Katema (1978) de la estadounidense Lucinda Childs, homenajeada en esta edición con el premio Leone d’oro por su carrera como bailarina y coreógrafa. El Premio Leone d’argento por su parte, recayó en la canadiense Dana Michel. El evento promete unas treinta coreografías de autores de todo el mundo. Por su parte, el Festival Internacional de Teatro, tendrá lugar del 25 de julio al 12 de agosto, dirigido por primera vez por el italiano Antonio Latella, y el Festival Internacional de Música, con dirección en esta edición de Ivan Fedele, será del 29 de septiembre al 8 de octubre. Los tres eventos se completarán con la sección College en la que jóvenes artistas trabajarán con distinguidos maestros para después ofrecer sus obras al público. Por último, la 57º edición de la Bienal de Arte de Venecia, se celebrará del 13 de mayo hasta el 26 de noviembre.

MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 49

Creación y dirección: Fabián Gandini y Florencia Vecino. Con Florencia Vecino, Fabián Gandini, Nicolás Della Valentina y Sofía Grenada. Miércoles y jueves 21 hs (hasta el 18). Sala 3, Centro Cultural General San Martín (Sarmiento 1551, Tel: 4374-1251).

Rieles de la Patria Dirección: María Guillermina Andrade. Sábado 6, 13 y 20, 21 hs. Domingo 7 y 14, 17 hs. Capilla del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

Societas Programa mixto Compañía 360 danza independiente. Tinta Negra de María Belén Loiza, Wit de Clara Spina y Flores del Alma de Federico Carrizo. Domingos 19 hs. Espacio Cultural Urbano (Acevedo 460, Tel: 4854-2257).

De Estefania Miceli. Muuk Grupo de Danza Contemporánea, más de 20 bailarines en escena. Domingos 16:30 hs (hasta el 11 de junio). Auditorio Astor Piazzola del Centro Cultural Borges (Viamonte 525, Tel: 5555-5359).

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Por qué nos Gustan Tanto las Luces

De Hugo Midón. Dirección: Manuel Gonzalez Gil. Coreografía: Doris Petroni. Con Roberto Catarineu, Laura Oliva, Carlos March, Julián Pucheta, Flavia Pereda, Rodrigo Cecere y Vicky Barnfather. Sábados y domingos 16 hs. Teatro El Picadero (Pasaje Santos Discépolo 1857, Tel: 5199-5793). Foto: Alejandra López

Rastros De Ana Armas. Compañía Abismo Danza. Intérpretes: Amanda Berrueco, Rodrigo Calvete, Milagros Coll, Mariela Loza, Gastón Santos, Lucila Shmidt. Viernes a las 21 hs (hasta el 8 de junio). Sala Cancha, Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 5285-4800).

Villa Villa Fuerza Bruta. Miércoles a viernes 20:30 hs, viernes 23:30 hs, sábados 19 y 22 hs, domingos 19:30 hs. Sala Villa Villa. Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

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MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 51

Crystal Pite Por Fátima Nollén

El trabajo de la coreógrafa a través de dos obras mostradas en Londres Justo cuando el Teatro Sadler’s Wells presentó por segunda vez Betroffenheit de la coreógrafa Crystal Pite y el actor Jonathon Young, con la compañía Kidd Pivot, la obra ganó el Premio Olivier a la mejor nueva producción en danza de 2016. El segundo para Pite. No en vano, es la coreógrafa más buscada últimamente por las compañías de danza como la Opera de París, el Nederlands Dans Theater, Scottish Ballet o el National Ballet de Canadá, entre otros. Pite crea piezas que varían en estilo, lenguajes, técnica y tamaño, pero siempre son vehículo para comunicar una historia o un concepto que es claramente percibido por la audiencia. Balletin Dance, asistió a la función de Betroffenheit (consternación o shock en alemán), interpretada por el propio Young y los cinco bailarines de Kidd Pivot. Inspirada en la muerte de la hija de Young en un incendio, la obra en dos actos habla del trauma y su relación con la adicción. Esta pieza de danza teatro muestra una profunda búsqueda psicológica y gran expresionismo escénico con cuotas de humor negro. La voz de Young es el hilo conductor para una interesante partitura electrónica (Owen Belton). La adicción está representada por un caricaturesco uso del varieté y brillantes números de tap, con ingenioso vestuario de Nancy Bryant. Pite usa la especialidad en danza de cada bailarín (tap, break, contemporáneo, mimo) para expresar la lucha interna y el deseo de recuperación. Un excelente diseño de luces de Tom Vissen acompaña estados de ánimo y genera sensaciones de espacios físicos y mentales. Distintos props de utilería: teléfono, mario-

neta, detonador de dinamita, abanicos de plumas, complementan la emocionante actuación del elenco que posee un tremendo estado físico, versatilidad y dominio técnico. Reacia a las entrevistas, Pite dice en el programa de mano que se inspira en “contenidos desafiantes y significativos” e intenta que “cada movimiento y gesto tenga sentido y propósito”. Tal vez sea esto lo que hace de Pite la coreógrafa del momento: su excepcional capacidad de comunicación. Crystal Pite comenzó a crear danza a los 4 años. Usaba la misma música, movimientos y trajes en cada ocasión, antes de estudiar tap y ballet en su Victoria natal (Canadá). Su viaje la llevó del Ballet British Columbia, donde creó su primera obra a los 19 años, al Ballett Frankfurt de William Forsyth y a establecer su compañía Kidd Pivot en Vancouver en 2002. A los 46 años, ha creado más de 40 obras. ESTRENO MUNDIAL Entre febrero y marzo, Pite estuvo en Londres, para crear Flight Pattern (pauta de vuelo o escape en inglés) con el Royal Ballet. El primer montaje realizado por una mujer allí desde 1999. Monumental, con 36 bailarines, da un trato poético al tema triste y recurrente en los escenarios locales: la crisis migratoria. Balletin Dance estuvo allí. Pite trabaja de manera versátil con compañías chicas o grandes. Sus obras son audaces y fusionan emociones y precisión. Contrastan intensidad de movimientos con tensión entre conceptos. Flight Pattern cuestiona la fragilidad de la condición humana y la tensión entre la desesperación y la esperanza. La Sinfonía Nº 3 de Górecki, o De las Almas en Pena, provee soporte musical dramático, calmo y bello a la vez. A pesar de las imágenes multicolores de las columnas de inmigrantes en Europa y botes en el Mediterráneo, acá hay grises y negros que acentúan el drama, con pantalones, camisetas y sobretodos diseñados, como antes, por Bryant. Los últimos, luego son símbolo de los que nunca llegaron a destino en una escena que los acumula en brazos de la excelente Kristen McNally, de gran efecto. La danza está pensada para un colectivo, donde el canon y los movimientos en palíndromo (capicúa) y en cadena, o simples

Betroffenheit, la lucha interna y el deseo de recuperación, con una excepcional capacidad de comunicación Foto . Wendy D Photography 52 .. BALLETIN DANCE .. MAYO 2017

balanceos, generan una pintura impresionista. El movimiento y pose de cada bailarín es una pincelada esencial al efecto final: olas del mar, filas de caminantes, pánico de los náufragos, complementados por diseño de luces de Visser. Repentinos brotes de danza individual revelan historias desesperadas. Marcelino Sambé se entrega con pasión virtuosa en una de ellas. Hacia el final, la nieve cae sobre los que alcanzan su meta, mientras los rezagados siguen intentándolo, sorteando obstáculos móviles, en diseño de Jay Gowler Taylor. Flight Pattern es un triunfo coreográfico elevado por la performance excepcional del ballet del Covent Garden. Pite rompe esquemas, pero jamás es abstracta. Su fuerza comunicativa es tal, que arrasa los sentidos y el entendimiento. __BD El Royal Ballet en el estreno mundial de Flight Pattern Foto . Tristram Kenton

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INTERNACIONALES | REINO UNIDO

Nominados El mes pasado se dio a conocer el listado de nominados a los Premios Benois, en su 25º edición dedicada al Jubileo, y tres argentinos están presentes. Los ganadores se anunciarán en las galas a celebrarse los días 30 y 31 de mayo en el Teatro Bolshoi de Moscú, que contarán con actuaciones de los nominados e invitados provenientes de todo el planeta. El jurado de este año, presidido por Yuri Grigorovich, estuvo integrado por antiguos galardonados con este reconocimiento: Julio Bocca (director del Ballet Nacional de Uruguay), Jorma Elo (coreógafo), Sue Jin Kang (director del Ballet Nacional de Corea), Julie Kent (director del Washington Ballet), Manuel Legris (director del Ballet Estatal de Viena), Brigitte Lefevre (ex-directora del Ballet de la Opera de París, y directora de Danza de la Bienal de Cannes) y Svetlana Zakharova (Prima-ballerina del Ballet del Teatro Bolshoi de Moscú). Los nominados fueron en la categoría Coreógrafos: Sidi Larbi Cherkaoui (por Exhibition con el Royal Ballet de Flanders), Edward Clug (por Handman con el Nederlands Dans Theater), Hyo-Hyung Kang (por Into the Pulse con el Korean National Ballet), Akram Khan (por Giselle con el English National Ballet), Crystal Pite (por The Seasons’ Canon con la Opera de París), Alexey Ratmansky (por Serenade after Plato’s Symposium con el American Ballet Theatre) y el argentino Demis Volpi (por Salomé con el Stuttgart Ballet).

Las bailarinas designadas de esta edición son: Stella Abrera (La Bella Durmiente/American Ballet Theater), Nina Kaptsova (Short Time Together/Bolshoi Theatre de Rusia), Misa Kuranaga (Onegin y El Corsario/Boston Ballet), la argentina Ludmila Pagliero (Other Dances/París Opera Ballet), SeulKi Park (Espartaco/Korean National Ballet) y Maria Riccetto (Onegin/Ballet Nacional de Uruguay). Los bailarines por su parte, son: Gustavo Carvalho (Carmen/Ballet Nacional de Uruguay), Davide Dato (Raymonda/Vienna State Ballet), Jae-Woo Lee (La Bella Durmiente/Korean National Ballet), Brooklyn Mack (Theme and Variations/TheWashington Ballet), Hugo Marchand (Romeo y Julieta/Paris Opera Ballet), Denis Rodkin (La Bayadère/Bolshoi Theatre of Russia), Jeffrey Cirio (La Fille Mal Gardée y Prodigal Son/American Ballet Theatre).

Salomé, la obra de Demis Volpi por la cual fue nominado Foto . Stuttgart Ballet MAYO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 53

Michel Miaille, presidente del Festival, resume esta edición con tres preguntas, aprovechando que el Festival Montepellier Danse, “con sus treinta y siete años, está en la edad que permite la reflexión, alimentada por la sabiduría que brinda la experiencia”. La primera responde al arte de la danza contemporánea en sí mismo, la convivencia con otras artes. La segunda pregunta hace referencia a que está de moda, “celebrar el regreso de las viejas formas”. Esta visión cíclica de la historia, del pasado que vuelve al presente, ¿es porque no hay nada nuevo bajo el sol?. Por último, la tercera cuestión se refiere a los que nos gobiernan. Hoy el riesgo no recae en “una concepción autoritaria de un arte oficial”, sino en “una visión romántica de la creación artística”, que destituye con un viático todo el genio de la inspiración. “Es igualmente urgente recordar que el hombre no vive sólo de pan y que la sociedad debe reconocer la misión de interés general que cumpla con la creación artística”. Por su parte, Jean-Paul Montanari, director de Montpellier Danse, anticipó que en la 37º edición del evento, “tendremos la oportunidad de ver las actuaciones de varias generaciones de artistas. Lucinda Childs, Hans van Manen y Merce Cunningham, la generación de Angelin Preljocaj, Mathilde Monnier, Bernardo Montet

Ayelen Parolin: la novela 2666 de Roberto Bolaño es el puntapié inicial para crear Autóctonos Foto . Thibault Grégoire

Presencia Argentina en Montpellier INTERNACIONALES | FRANCIA

Del 23 de junio al 7 de julio se realizará la 37º edición del Festival Internacional de Danza de Montpellier. La Argentina suma varias propuestas en su programación

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y Marie Chouinard, para llegar a jóvenes artistas como Daniel Linehan, Nadia Beugré, Marlene Monteiro Freitas o Sharon Eyal. Una especie de historia presente del rompecabezas en la danza”. Este festival, es un juego “para ver grandes obras de repertorio contemporáneo que nos pueden recordar de dónde venimos, y, en una hora, ver nuevas creaciones de artistas, que son el presente y el futuro de este arte”. Mathilde Monnier y el argentino Alan Pauls, presentarán El Baile pieza para doce bailarines, en la Opéra Comédie (25 y 26 de junio). Creada en los años ’80 como Le Bal, con puesta en escena de Jean-Claude Penchenat junto al teatro du Campagnol, contaba la historia de Francia desde la Liberación. Se convirtió en El Baile gracias a un viaje de Mathilde Monnier a la Argentina (en su regreso a escena), donde junto al escritor Alan Pauls crearon una versión muy libremente inspirada en aquella obra. La puesta habla de un país y sus contradicciones (cubre entre 1978 y 2016), a través de los gestos del cuerpo y la música. Con dramaturgia de Veronique Timsit y aportes del musicólogo Sergio Pujol, Mathilde Monnier y Alan Pauls eligieron a sus doce intérpretes en una Buenos Aires re-encantada (bailarines: Martin Gil, Lucas Lagomarsino, Samanta Leder, Pablo Lugones, Ari Lutzker, Carmen Pereiro Numer, Valeria Polorena, Lucia Garcia Pulles, Celia Argüello Rena, Delfina Thiel, Florencia Vecino y Daniel Wendler). Por su parte, Ayelen Parolin (argentina radicada en Bruselas, formada en el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín), mostrará Autóctonos en el Studio Bagouet (29 y 30 de junio). La coreógrafa ha encontrado materia viva en un personaje de la novela 2666 de Roberto Bolaño Avalos: una mujer que tiene éxito. Respondiendo a diferentes inquietudes acerca de ese ascenso, la argentina llega a La Sociedad del Cansancio, del filósofo surcoreano Byung-Chul Han. O al pensamiento de la sociedad de la performance, su interés no recae en mostrar lo poderoso de las sociedades de la resistencia, sino en cavar hacia su fracaso y su imposibilidad de lograr una comunidad. Con Varinia Canto Vila, Ondine Cloez, Aymara Parola, Sophia Rodríguez. Creación e interpretación musical de Lea Petra, dramaturgia de Olivier Hespel y como asesor de danza folklórica: Milan Herich. El francés Bernardo Montet, director de la compañía Mawguerite, presentará Carne en el Théâtre la Vignette (5 y 6 de julio), una obra basada en investigaciones y fotografías del misionero alemán Martin Gusinde (1886-1969) en Tierra del Fuego. Montet aborda los territorios del fin del mundo según una geografía de la ficción y a los miembros de las tres tribus existentes (que desaparecerán), para poner en perspectiva representaciones imaginarias y la realidad tangible. Además de los veinte espectáculos programados, Montpellier Danse ofrecerá un completísimo ciclo de cine y danza con entrevistas posteriores a autores y protagonistas, actuaciones en la calle, una exposición de fotografías de Merce Cunningham, y una serie de clases a cargo de los artistas invitados. __BD

balletin informativo Audiciones Alemania. Evolution Entertainment busca a seis bailarinas de ballet, para integrar el elenco de un circo de invierno. Deben poseer entrenamiento clásico (puntas) pero ser versátiles, de 18 a 35 años. El tiempo de contrato entre ensayos y show, será de cinco semanas aproximadamente. Se ofrece salario, habitación, comida y transporte. Las interesadas deben enviar Cv con fotos actuales, antes del 1º de junio de 2017, a: info@evolutionmusic.net, o por internet: www.facebook.com/evolutionentertain. Alemania. El Ballet of the Anhaltisches Theater Dessau que dirige Tomasz Kajdanski, busca bailarín varón, con buena formación en ballet y capacidad para asumir papeles solistas importantes y expresivos, por ello la experiencia profesional será una gran ventaja. Se realizará una audición abierta el 21 de mayo de 2017, a las 12 hs, en su sede: Estudio de ballet del Anhaltisches Theater Dessau (Friedensplatz 1A, 06844 Dessau-Roßlau) y también habrá posibilidad de concertar audiciones privadas desde el 15 de mayo. Los interesados deben enviar Cv, con fotos y videos, a: auditiondessau@yahoo.de. Para mayores informes, visitar la web de la compañía: http://anhaltisches-theater.de. Francia. Ballet de la Opera Nacional de París. Bailarines para cuerpo de baile, en calidad de temporarios y permanentes. Podrán postularse candidatos de 16 a 26 años. Se realizará una preselección previa, para aquellos que podrán presentarse personalmente, para realizar una clase y mostrar variaciones dentro del repertorio de la compañía. Cierre de inscripción: 12 de junio. Registro on-line www.operadeparis.fr/en/artists/contests-and-auditions/ballet. Reino Unido. Richard Alston Dance Company busca una bailarina para su próxima temporada, que incluye nuevas obras de Richard Alston, del coreógrafo asociado Martin Lawrance, dos giras por el Reino Unido y una temporada en Sadler’s Wells de Londres celebrando los 50 años como coreógrafo de Alston. Los solicitantes deben tener técnica fuerte (las clases son contemporáneas y clásicas) y preferiblemente al menos tres años de experiencia en una compañía de danza profesional. Se ofrece un contrato de 33 semanas comenzando el lunes 7 de agosto de 2017. Los interesados deben enviar Cv junto a una foto de danza de cuerpo entero y un retrato, a Emily Crouch: emily.crouch@thepalce. org.uk, antes del 19 de mayo de 2017. Informes en internet: www.richardalstondance.com/

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Rusia. Ballet del Teatro de Moscú, compañía estatal de ballet subvencionado por el gobierno de la ciudad de Moscú, realizará una audición para bailarines clásicos de tiempo completo, para un posible compromiso por dos temporadas consecutivas 2017-2018 y 2018-2019, en Amsterdam (Holanda), el domingo 4 de junio de 2017. Para participar los interesados deben inscribirse antes del 19 de mayo, por E-mail: cast@baletmoskva.ru. Para mayores informes, ingresar a la web: http://baletmoskva.ru.

Ayudas financieras Iberescena. Fondo de Ayudas para las Arte Escénicas Iberoamericanas. 11º edición. En esta ocasión se contemplan tres líneas: Ayudas a festivales y espacios escénicos para la programación de espectáculos, Ayudas a la coproducción de espectáculos iberoamericanos de artes escénicas y Ayudas a centros iberoamericanos de creación en residencia. Los países actualmente firmantes son: Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, El Salvador, España, México, Panamá, Paraguay, Perú y Uruguay. Todos ellos colaboran en conjunto con la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB) y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). Este año, además, la inscripción será únicamente on-line, en la web: http://solicitudes.iberescena.org. Cierre de inscripción: 29 de septiembre. Becar Cultura. Programa de Cooperación para la Formación, Investigación y Creación Artística. Movilidad internacional de artistas y profesionales de la cultura para capacitaciones y actividades en el extranjero. Ofrece Ayudas (cierre de inscripción: 15 de mayo): pasajes a artistas, profesionales, investigadores y técnicos de la cultura, que hayan sido aceptados para realizar actividades de formación en el exterior, o para presentar ponencias en congresos, o eventos internacionales relevantes para su especialidad; y Becas: acuerdos firmados entre el Ministerio de Cultura de la Nación e instituciones extranjeras. Los destinos 2017 se darán a conocer a mediados de mayo. Informes completos online: http://convocatorias.cultura.gob.ar/becar. Fondo Argentino de Desarrollo Cultural y Creativo. Línea Movilidad 2017. Ministerio de Cultura de la Nación (Argentina). Viajes de artistas, productores, gestores y emprendedores vinculados al sector cultural en ferias, mercados, festivales, exposiciones y giras artísticas de relevancia para su desarrollo, dentro y fuera del país. Se encuentra

balletin informativo

abierta la postulación para viajes comprendidos entre el 1º de octubre y el 31 de diciembre de 2017. Cierre de inscripción: 13 de julio. Mayores informes, por E-mail: fondoargentino@cultura.gob.ar, Tel: (011) 3754-0551.

integrantes, mayores de 18 años, de hasta 45 minutos de duración. La inscripción cierra el 12 de mayo. Informes: https://goo.gl/XqXlcF. Making Dance Happen (Haciendo que la danza suceda), programa internacional de investigación. La directora artística Sarah Louise Kristiansen viajará a Buenos Aires en el otoño de 2017, para apoyar su visión sobre la cooperación intercultural continua, con artistas de danza profesionales locales (tradicionales, sociales, clásicos y contemporáneos). El propósito de su viaje será establecer conexiones con artistas argentinos, identificar diferentes organizaciones, participar en la creación y observación de ensayos y participar en conversaciones con profesionales, para planear un proyecto de colaboración entre bailarines argentinos y europeos. El proyecto final tendrá lugar en la primavera de 2018 durante un período de 4 a 6 semanas y está pendiente de financiación. En la actualidad, Sarah Louise busca el acercamiento a grupos y compañías de alto rendimiento, personas interesadas en explorar las relaciones internacionales y el intercambio de métodos coreográficos y de la cultura de la danza. Los interesados deben comunicarse por e-mail: hello@makingdancehappen.com, o visitar la web: www.makingdancehappen.com. Festival Internacional de Danza Independiente COCOA. 5º edición. Del 7 al 17 de septiembre de 2017, Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti de Buenos Aires. La convocatoria a elencos locales (ciudad de Buenos Aires y Gran Buenos Aires), está abierta hasta el 19 de mayo, y podrán postularse socios de la institución exclusivamente (pueden asociarse en el momento de la inscripción). El comité de selección estará conformado por Mariela Rugieri, Miguel Solowej y Ezequiel Barrios. Los grupos locales seleccionados para integrar la programación 2017, recibirán un importe proporcional de las entradas vendidas, a modo de bordereaux, por la función realizada. Bases y formulario de inscripción, en: www.cocoadatei.com.ar. Informes: fidic2017@gmail.com.

Becas Andrei Vassiliev, de la mano de Manuel Ruiz, estarán en Latinoamérica tomando audiciones para becar a estudiantes, para estudiar en Nueva York, Estados Unidos, en el marco del programa Latinoamérica Baila. Habrá fechas en Córdoba, Salta, San Luis, Mendoza, Villa Carlos Paz, Misiones y la ciudad de Buenos Aires (Argentina), también en Asunción (Paraguay) y en Puebla y Juarez (México). Informes completos en internet, en http://vassiliev.com.

Concursos Concurso de Arte y Transformación Social. 1º edición. Organiza: Fondo Nacional de las Artes. Premiará iniciativas artístico-culturales de base comunitaria, con $ 100.000 a cada una de los diez proyectos seleccionados, enmarcados en dos líneas: iniciativas culturales de base comunitaria y programas de formación de formadores (con una o más disciplinas artísticas: artes visuales, patrimonio y artesanías, teatro y danza, diseño, arquitectura, música, letras y medios audiovisuales). Podrán postularse gestores, artistas u organizaciones sociales de todo el país (Argentina), con una trayectoria mínima de tres años. Inscripción hasta el 24 de mayo, on-line: www.fnartes.gob.ar. Gran Premio América Latina. 1º edición. Organización: Danzamérica. Del 24 al 29 de septiembre de 2017. Para estudiantes y bailarines de ballet. Teatro Luxor de Villa Carlos Paz, Córdoba, Argentina. Premios: becas de estudio y trabajo en compañías del exterior. Informes on-line: www.danzamerica.org. Danzamérica. Concurso Internacional de Danzas. 23º edición. Del 26 de septiembre al 4 de octubre. Teatro Luxor de Villa Carlos Paz, Córdoba, Argentina. Informes on-line: www.danzamerica.org.

Convocatorias Teatro en las Escuelas 2017, programa del Ministerio de Gestión Cultural del gobierno de la Provincia de Buenos Aires, destinado a ofrecer funciones en las escuelas públicas de la provincia en los niveles inicial, primario y secundario. Podrán postularse obras de hasta 4

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Exhibición con premiación El jueves 18, se realizará una exhibición con premiación, para coreografías (desde solos hasta quintetos), en el marco de Lamagiadance 2017, dirigido por Fabiana Quattrini. Teatro El Bombín de la ciudad de La Plata. Informes, por facebook (nombre de la directora) y/o celular: (0221) 558-5071.

A través de una gestión de Mauricio Wainrot, Director de Cultura del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto de la República Argentina, Balletin Dance llega en formato impreso a todo el mundo.

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puntos de venta ¿Dónde Consigo Balletin Dance? En la ciudad de Buenos Aires y alrededores, Balletin Dance es de distribución gratuita. La conseguís en las direcciones de todos los avisos publicitarios que encontrás en nuestras páginas (estudios, locales de venta de artículos de danza, teatros y en nuestra sede: A. Alsina 943, 4o piso, oficina 410, de lunes a viernes de 10 a 17 hs). En el interior de la Argentina, podés comprar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza en tu propio estudio y en los siguientes locales, a $ 25. Ver las direcciones en el mapa de internet del Directorio de Balletin Dance: http://balletindance.com/directorio/web-category/revista/

Concordia. Entre Ríos Terpsícore. Av. San Lorenzo Este 185

Firmat. Santa Fe Estudio de Danza Marcela Arrieta: Miguel de Azcuénaga 1799 Tel: (3465) 49-2457, E-mail: maraarrieta@hotmail.com

Formosa Estudio de Danzas e Indumentaria para bailarines Ballare. Padre Patino 264 Tel: (0370) 44-26518. E-mail: ballareformosa@gmail.com

General Roca. Río Negro

Olavarría. Buenos Aires Arte Danza. Tu Lugar de Expresión. Valeria Potes. Rivadavia 2644 Tel: (02284) 15-57-4741. E-mail: martinsoler_olav@hotmail.com

Resistencia. Chaco Pirouette. Laura Brites. Mendoza 83 Tel: (0362) 445-1159. E-mail: pirouettedanzalaurab@live.com

Rosario. Santa Fe Koi Ballet, Carina Odisio, Club Espanol: Rioja 1052 E-mail: odisiocarina@hotmail.com

San Juan Instituto Ballerinas. María Soledad Lloveras. 25 de Mayo oeste 165. Tel: (0264) 421-9996. E-mail: ballerinasdanzas@speedy.com.ar

Santa Fe ExpresArte Estudio de Danzas y Arte: 25 de Mayo 3310. Tel: (0342) 15-432-7920. E-mail: carito_b54@hotmail.com

Viedma. Río Negro Magali Canosa Flamenco Viedma. Gallardo 96 Tel: (02920) 15-40-5888. E-mail: magalicanosafl amenco@gmail.com

Villa María. Córdoba Danza Vida de Andrea Valfre. Hipólito Yrigoyen 329 E-mail: danzavida@live.com.ar

diD Indumentaria. San Luis 2100, 2o, dpto 605 Tel: (0298) 15-486-8417. E-mail: d2niretamal@yahoo.com.ar

Hudson. Buenos Aires Aldana Mentoni Escuela de Danzas. Calle 53 Nº 2952, e/129 y 130 Tel: 15 6523-5260. E-mail: aldanamentoniescueladedanzas@gmail.com

La Plata. Buenos Aires Balletsaal García Millán. Calle 521, esq. 13 (1900) Tolosa Tel: 0221-15-5378373. E-mail: balletsaal@gmail.com

Lomas Del Mirador. Buenos Aires Estudio Danzarte, Sargento Cabral 2572 Tel: 15-5641-2096. E-mail: navadanza15@yahoo.com.ar

Mendoza Jimena Tomba Casuccio. Pueyrredón 401 Tel: (0261) 15-467-8146. E-mail: jimenatomba@hotmail.com

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Suscripción También podés recibir la revista todos los meses en tu casa (en todo el mundo). A través del sistema de suscripción, pagás solamente los gastos de envío que en Argentina son $ 25 por revista. Y contás con la suscripción grupal. Para un estudio, un local o un grupo de amigos que quieran recibir todos juntos los ejemplares mensuales de La Revista Argentina de Danza, desde $ 10 cada una. ¿Querés figurar en los puntos de venta? Escribinos a suscripciones@balletindance.com.ar + info: balletindance.com.

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