BCULTURE#3Jan.Feb2013 by BCULTURE Magazine

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art PEDRO VELVER

Nยบ 3 / Enero - Febrero 2013

fashion LABORAL BOY

music AMBROS CHAPEL

culture JAPร N DE CERCA

BCULTURE

10 Art PEDRO VELVER

22 Fashion LABORAL BOY

44 Music AMBROS CHAPEL 6

NOVIEMBRE - DICIEMBRE

Bart 10 PEDRO VELVER 18 IVAM 20 GAGOALS

62ESTEFANÍA Beauty

Bfashion 22 LABORAL BOY 30 FASHION ADVISOR 34 MILADY

GRALLA

Bmusic 44 AMBROS CHAPEL 61 BAGENDA: Revolver

Bbeauty

66MAROC Trips

62 ESTEFANÍA GRALLA

Bculture

CHALLENGE

66 TRIPS Maroc Challenge 76 LA PELUCA DE LUCA 78 JAPÓN DE CERCA

78 Culture JAPÓN DE CERCA BCULTURE

DIRECTORA

FOTOGRAFÍA

Paola Orozco

Kico Moncada

info@bculture.es

Joaquín Alfaro Stella Blasco

DIRECTORA DE ARTE

María Martínez

Xaro Payá

MEDIOS/COMUNICACIÓN

arte@bculture.es

Antonio Madrid

COLABORADORES BELLEZA

Elena Reolid Deborah Orozco

Aarón Blanco

REDACCIÓN

Javier Payá

Antonio Madrid Paola Orozco María Martínez

Colaboradores en este número Estefanía Grall (Modelo) Isabel Pretel (Peluquería)

EN PORTADA

Ambros Chapel (Música) Pelayo Campa (Fotógrafo)

Manuel Gyra fotografíado por Pelayo Campa (www.pelayocampa.com) con estilismo de Paola Orozco para Buyuyu (www.buyuyu.es)

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ENCUESTA

Por PAOLA OROZCO

legamos con un poco de retraso en esta ocasión, las fiestas navideñas, la incorporación de nuevos colaboradores, y una serie de temas personales que unidos a un exceso de trabajo no me han permitido centrarme en coordinar este número a tiempo. Por este motivo, en primer lugar me disculpo ante los lectores a los que, por otro lado, aprovecho para agradecer el interés creciente que muestran en nuestro proyecto. Y para compensar el retraso, en este número traemos un interesante contenido, el genial artista Pedro Velver, los carismáticos Ambros Chapel, editorial de moda a cargo de Pelayo Campa y varios artículos relacionados con el arte y la cultura que espero os resulten de interés. Además, nos hemos propuesto mejorar por y para vosotros y es por ello que os invito a responder la ENCUESTA que encontraréis en nuestra web, así como en nuestra fanpage de facebook. Con vuestra opinión continuaremos creciendo y adaptándonos a lo que más os atrae, a lo que os apetece leer y ver. Para agradeceros vuestra colaboración, todo aquel que rellene la encuesta entrará en el sorteo de una pequeña sorpresita, no dejéis de rellenar nuestra encuesta, sólo os llevará un minuto! Entretanto, nosotros nos ponemos ya manos a la obra con el próximo número, y vosotros...vamos! Pasad página y descubrid lo que os hemos preparado!

MODA & COMUNICACIÓN Comunicación de moda Estilismo Tendencias Relaciones públicas Organización de eventos Publicidad Coolhunting Asesoría de imagen Escaparatismo Formación y talleres

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PEDRO VELVER Cartografías emocionales Texto y entrevista: ANTONIO MADRID SOUTO Fotografías: STELLA BLASCO BERLANGA Fotografías obra: CEDIDAS POR EL ARTISTA

na aproximación a la obra de Pedro Velver nos permite reflexionar sobre la esencia de la práctica pictórica. Es, en su aparente sencillez, donde se esconde el misterio de la más antigua de las artes plásticas: forma, color y tema. En su obra, la combinación de las tres variables pictóricas se resuelve en un ejercicio de aparente sencillez que encubre la perfecta síntesis de éstas. Cuando a mediados del siglo XIX con la difusión de la fotografía, la pintura se cuestionó la función que había desarrollado durante los últimos cinco mil años, inició un camino de exploración de sí misma que desembocó en las Vanguardias Históricas y en la búsqueda de la abstracción como motivo genuinamente pictórico. Frente a su tradicional función representativa, la pintura se exploró a sí misma ajena a cualquier voluntad de reflejar la realidad para convertirse en su propio motivo: así nació la abstracción. Desde entonces, aún a fecha de hoy está vigente el debate de si la praxis pictórica debe oscilar entre la representación figurativa o su propia naturaleza deviene en la pura abstracción. La obra de Pedro Velver conjuga perfectamente los dos extremos y establece una armonía complementaria entre la tradicional función representacional de la pintura y la experimentación formal que supone adentrarse en la abstracción. La mayoría de su obra se compone de retratos de calidad casi fotográfica enmarcados en trazos o goteos de pintura pura y ambos sobre fragmentos del lienzo en blanco. De esta manera, el discurso plástico de Velver enuncia tres cualidades ontológicas de la pintura: su carácter simbólico-representativo, su naturaleza matérica y su eminente bidimensionalidad. No evita, por otra parte, otra gran tradición pictórica en la que el análisis y la reflexión sobre la práctica plástica se complementa con su ambición decorativa. Toda pintura es reflexión y a la vez toda pintura es ornamento. En su obra se puede disfrutar de ambas. El artista no rehuye de la función decorativa del lienzo, es más, es consciente de que es una de sus misiones más antiguas: la creación de la obra de arte, la re-creación en la belleza.

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ENTREVISTA

“La forma quiere simbolizar al mundo, se sirve de puñados de verdad para coger energías y hacerse notar, pero su maldito esfuerzo está preñado de un hijo traidor, que romperá los sueños de totalitarismo. El mundo no puede ser simbolizado, el mundo simboliza.” Pedro, preséntate a nuestros lectores. Uf… pregúntame mejor tu, que tengo poca imaginación. Eres licenciado en Bellas Artes por la especialidad de Pintura. ¿Qué te llevó a elegir este género? La pintura esta muy unida a la mano y esta tiene una manera de expresarse muy humana, deja ver un sentido una dirección un estilo. Tienes un estilo personal y fácilmente reconocible desde los primeros tiempos de tu obra ¿Tenías claro lo que querías hacer desde el principio? !Que va¡ cuando empiezas a pintar te expandes, te gusta todo, o nada de lo que haces, luego sin darte cuenta vas poniendo límites y te centras en unos terrenos donde te sientes más cómodo. Quizá tu característica más sobresaliente sea tu capacidad para mezclar en el lienzo elementos abstractos y figurativos perfectamente integrados en la composición.

“Sólo la realidad es subjetiva, quizá por eso sólo seamos emoción.”

Los limites a los que me refería antes, son compositivos, de colores, de tipos de pinceladas, pero no tienen porque ser de género. La abstracción y la figuración pueden ser participes de una misma realidad. ¿Es para ti la representación figurativa una pequeña porción de algo más extenso, apenas un fragmento de una realidad mayor? Al final de todo siempre hay un relato, y la representación realista es un pequeño preámbulo que juega a dar más o menos pistas. Esta yuxtaposición de elementos realistas y abstractos dotan a tu obra de un contenido reflexivo sobre la función de la pintura como género que re-presenta la realidad. Todo es realidad y la realidad se presenta directamente o se re-presenta en un bucle sobre si misma que es en si el arte, el arte es una forma que tiene la realidad de tomar consciencia de si misma. Por otro lado, el dinamismo de los trazos y tu empleo del color hace que tu obra sea decorativa. ¿Hay algo más decorativo y a la vez más profundo en todas sus dimensiones que una simple planta? Hay otra constante en tu producción y es que la pintura nunca abarca la totalidad del lienzo, mostrando éste su blanco original. ¿Es una declaración de intenciones sobre la bidimensionalidad de la práctica pictórica?

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“Normalmente atenta contra los buenos modales hablar de quien no está presente. Como la verdad se empeña en no estarse quieta no nos queda otro remedio que la descortesía.”

Más que de la bidimensionalidad lo es de la espontaneidad del gesto, del aquí no había nada (el blanco del lienzo) al ha surgido algo no se muy bien de donde. Has expuesto tu obra en galerías y numerosos certámenes tanto de forma colectiva como individual ¿Cómo ves a fecha de hoy el panorama artístico? ¿Sufre la crisis como cualquier otro sector de nuestra economía? De los que más, tristemente estamos en una época de casi lucha por la subsistencia. En Valencia en concreto hemos sufrido el cierre de varias galerías emblemáticas y muchas confiesan que apenas consiguen vender alguna obra. Tampoco el sector público (IVAM, Diputación Provincial), parece que esté adquiriendo obra de artistas de la Comunidad Valenciana. ¿Crees que se trata de problemas presupuestarios o falta de interés en la producción local? A parte de la crisis, las instituciones a mi entender perdieron

uno de los valores de los museos que era recordar y aposentar los movimientos artísticos que espontáneamente surgían en la calle entre productores artistas y espectadores, coleccionistas y gente que se quiere rodear de arte en sus propias casas. Los museos han querido generar arte, a veces lo han conseguido, a veces se han alejado mucho de la sociedad, y no les ha “interesado” mostrar ni recordar muchos gustos de ciertas épocas. Son temas políticos realmente, quizá en un futuro algún museo etnológico recupere muchos artistas reconocidos por su sociedad pero invisibles a los museos de ahora. Géneros como el dibujo o la propia pintura parece que se han vuelto a prestigiar tras dos décadas en las que primaban más otros modos de expresión más vanguardistas: performances, videoarte, net-art. ¿Crees que la gente busca el contacto mate-

“Siempre utilizamos el arte como publicidad efectiva. ¿Cómo puede ser entonces que éste necesite de la propaganda para sobrevivir?.”

rial con un cuadro o es sencillamente que estos son más fáciles de comercializar por los galeristas que otro tipo de obras? Ya te digo que son temas políticos, todos los gobiernos quieren dar imagen de modernidad, lo que ocurre es que cuando lo supuestamente moderno va cumpliendo años, 50 60 incluso 100 años como el dadaísmo…¿qué significa ahora mismo ser vanguardista? Me consta que sigues el panorama artístico actual. Menciónanos los artistas que acaparan tu atención en estos momentos. Como abstracto y gamberro me gusta Fabian Marcaccio. Desde hace tiempo estoy enamorado del extraño mundo de Dino Valls y la Última exposición que vi que me sobrecogió fue la de Nicola Samori que llega a unos extremos de sordidez virtuosista realmente deliciosos Cada día es mayor la atención de galeristas, comisarios y académicos hacia el arte asiático y sudamericano. ¿Crees que se

está desplazando el centro de gravedad de Europa y EE.UU hacia las economías emergentes, tanto a nivel económico como artístico? El arte tiene que ver con su subsistencia y esta con el dinero, evidentemente donde haya abundancia de recursos habrá arte. Esperemos que las crisis de Europa y EE.UU no hagan desaparecer la ilusión. En una sociedad inmersa en los medios audiovisuales y con la revolución digital generando contenidos de forma exponencial ¿Cuál es para ti el sentido de la práctica pictórica en particular y del arte en general? La calma, el tiempo que nos pide un cuadro. ¿Quieres añadir algo? No, ya te dije que tengo poca imaginación. Pero muchas gracias por estas preguntas.

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AMERIkA AMERIkA Jesús Madrid Souto

EXPO AMÉRICA, AMÉRICA Colección IVAM Institut Valencià d’Art Modern 12 diciembre 2012 – 24 febrero 2013

asta el próximo 24 de febrero en las salas del Instituto Valenciano de Arte Moderno tenemos la posibilidad de contemplar una exposición que, sin duda, se va a convertir en una de las más atractivas de la temporada expositiva valenciana. Comisariada por Joan Ramón Escrivá a partir de fondos pictóricos, escultóricos, fotográficos y de todo tipo de la colección del IVAM, nos propone a través de la exhibición razonada de éstos una reflexión sobre la importancia e influencia de la sociedad norteamericana en el siglo XX; como desde una postura de hegemonía económica, militar y política sin parangón en el resto del mundo ésta se transforma también en una posición hegemónica en el plano artístico y cultural. Cronológicamente, la muestra es un ejercicio crítico sobre la sociedad estadounidense que abarca desde los últimos decenios del siglo XIX, cuando se produce la extraordinaria efervescencia económica que se traduce en un urbanismo vertical plasmado en la proliferación de los rascacielos tanto en Nueva York como en Chicago, verdadero fetiche arquitectónico símbolo del potencial económico. Se cierra la muestra en la década de los setenta del pasado siglo XX, cuando el modelo sociocultural y económico made in USA exportado a todo el mundo en contraposición al modelo comunista promovido por la U.R.S.S. es sometido a revisión crítica por artistas, intelectuales y movimientos sociales contestatarios (beat generation, hippies), tanto norteamericanos como europeos. La muestra se articula en torno a seis epígrafes que desarrollan cronológicamente este proceso de expansión internacional estadounidense que abarca desde finales del XIX hasta el último cuarto del XX. I – Metrópolis y Rascacielos, II – Broadway-Hollywood. Comienza el espectáculo y III – Americanos, son las tres primeras secciones sobre las que se organiza la muestra. Por medio de pinturas, esculturas, fotografías, libros y carteles procedentes de los fondos del IVAM se presenta la génesis de la sociedad capitalista norteamericana, cultura eminentemente visual frente a la tradición textual de la vieja Europa y que se substancia en tres

elementos: el rascacielos como modo de organización espacial capitalista por excelencia; y el cine y las revistas (los magazines) como medios de difusión y adoctrinamiento masivo a nivel interno e internacional. Durante este periodo de expansión de la economía de libre mercado tanto los espectáculos (desde los musicales de Bradway a los films de Hollywood), como las revistas (Life, Time, Newsweek) sirvieron de medio de promoción de aquella hasta que se produjo el crack de 1929, primera gran crisis que puso a prueba el sistema. Finaliza esta primera mitad de la muestra con la obra fotográfica de Walker Evans, Dorothea Lange, Carl Mydans, Arthur Rothsteins, Jack Delano, Marion Post, Gordon Parks y Rusell Lee que documentaron gráficamente los efectos de la Gran Depresión sobre la vida de los ciudadanos norteamericanos, especialmente de granjeros y campesinos. La sección IV- Cultura popular y V- Familia, abarcan cronológicamente el periodo de mayor esplendor económico y cultural de U.S.A.: desde la conclusión de la II Guerra Mundial que ratificaría su estatus de potencia hegemónica a nivel mundial en competencia con los países alineados con el bloque comunista en torno a la U.R.S.S. Es la época de los felices cincuenta y sesenta, del American Way of Life, del consumismo, del progreso de la clase media, en fin, de la fe ciega y el optimismo en un sistema económico que parecía capaz de proveer a todo el mundo de todo lo que necesitase. Tanto la producción industrial norteamericana como su intuitivo y desarrollado sector publicitario, elevaron el objeto de consumo a icono de la civilización consumista, pasando de mero objeto de uso a fin en sí mismo. Es lo que glorificará a finales de los cincuenta y durante toda la década de los sesenta el movimiento artístico del Pop Art. Paradójicamente, aunque nos pueda parecer el más genuinamente americano de los movimientos artísticos surgidos desde la segunda mitad del siglo pasado, los orígenes del Arte Pop se encuentran en la otra orilla del Atlántico: en Gran Bretaña. En la muestra queda perfectamente representado con la instalación realizada entre Richard Hamilton, John McHale y John Voelckner para la exposición titulada “This is Tomorrow” que, auspicia-

EXPOSICIONES QUE NO DEBES PERDERTE

da por el Institute for Contemporary Arts, se celebró en Londres a principios de los cincuenta. La instalación se compone de un cubículo de formas vanguardistas recubierto con toda la imaginería que caracterizaría al pop norteamericano: páginas de revistas, una foto de Marilyn Monroe y la reproducción de un cartel de una película de ciencia ficción en la que un retrofuturista robot lleva en brazos a la actriz protagonista. La última sección de la exposición, VI- Golpe al sueño americano, se centra en las visiones críticas con el paradigma consumista y autocomplaciente estadounidense. Revisitado por figuras como el autor de fotomontajes John Heartfield que ya en la temprana fecha de la década de los años treinta incidía con caústica mordacidad sobre los errores del sistema. A destacar

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en esta sección la obra del artista valenciano nacido en el Cabanyal, Josep Renau, maestro del fotomontaje y de cuya obra completa es depositario el Instituto Valenciano de Arte Moderno. Se exhiben varias de las piezas que editó en la década de los setenta bajo el título “Fata Morgana. The American Way of Life”, una lúcida y a la vez visualmente atractiva reflexión sobre la Norteamérica de posguerra en la que todos sus brillos no podían ocultar sus zonas más oscuras. www.ivam.es

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THE SOUNDTRACK OF OUR LIVES “ No buscamos plasmar el significado o la letra de la canción, sino qué es lo que nos recuerdan o nos hacen pensar y sentir” El Viernes 11 de Enero se inauguró en el Recorshop de Valencia (en la calle Sevilla nº 31) una exposición conjunta de Carlos Cuesta Dolz y Noema Ortolano, bajo los sobrenombres de Litos y Gogals respectivamente. Apasionados de la música, ambos ilustradores tuvieron la idea de realizar una exposición basada en canciones que han marcado su vida por algún motivo. Como ellos mismos aclararon: “ No buscamos plasmar el significado o la letra de la canción, sino qué es lo que nos recuerdan o nos hacen pensar y sentir”. Cuando realizamos el recorrido por la exposición, en un primer momento, era raro el ver el rótulo de la canción y su ilustración, pero pronto nos dimos cuenta que no debíamos recurrir a la idea “generalizada” de ésta sino que teníamos que deshacernos de la idea común y buscar un sentimiento personal en ellas. Pronto pudimos entender qué es lo que se escondía detrás de cada canción, de cada representación. Cada una es un trabajo muy personal de los artistas pero, sin poder evitarlo, te involucras en ellas haciéndolas un poco tuyas.

Fotografías: Maria Martínez Texto: Make It Work

En cuanto a los artistas, Carlos y Noema, aunque son amigos desde hace años, tienen estilos diferenciados. Por un lado, Carlos tiene un trazo y una técnica afianciada y profesional, jugando con las texturas y los colores, dejándo claro que desde siempre ha sentido pasión por la ilustración y el cómic y que sabe cómo hacerlo. Por otro lado, Noema muestra una línea mucho más simplificada y “sencilla” pero con un estilo propio muy marcado. Como ya hemos dicho, tienen estilos y técnicas diferentes pero ambos comparten esa locura e ironía que hace que esbocemos una sonrisa al ver sus trabajos. Ellos mismos dicen “somos dos ilustradores a los cuales nos gusta plasmar lo que se nos pasa por nuestras perturbadas cabezas sin poner ningún tipo de filtro a lo que hacemos”.

En la exposición no hay un estilo de música determinado, sino una selección de canciones de todo tipo y épocas, desde Pulp hasta High on Fire, pasando por The Cramps o The Black Keys. Incluso nos encontramos con serie de pequeñas ilustraciones sobre djs, grupos y locales de Valencia, dejándo patente que también se crece y aprende (musicalmente hablando) gracias a lo que escuchas cuando sales de casa. La inauguración fue todo un éxito, Recordshop se llenó hasta el punto que la gente formó grupos a la puerta del local. Se respiró buen ambiente, se escuchó buena música y pasamos un buen rato. En resumen, os recomendamos que os paséis por esta exposición!! (la cual termina el 30 de Enero) Y, si queréis saber qué canciones os encontraréis, ellos mismos han realizado una pequeña lista de GrooveShark para

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abrir boca!

C/ Pi y Margall, 18 - ELDA (Alicante) 966311541 info@blameonmeboutique.com www.blameonmeboutique.com BCULTURE

The “Laboral” boy Photography: Pelayo Campa González-Nuevo Model: Manuel Gyra Wardrobe stylism: Buyuyu

When the sun leaves the city, the lights turn on, and the magnificent Laboral University seems to be a spot anchored 60 years ago in the middle of the XXI century. Wet, as usual, from grey to brown every wall gives him the chance to imagine her silouette. Every day, every night, among the crowd of young people walking through the corridors, someone traverses taciturn every single corner of this silent place lookig for someone he hasn’t met yet. The Laboral. The scenery of a never started story.

Cuando el sol abandona la ciudad, las luces se encienden, la majestuosa Universidad Laboral parece un lugar anclado 60 años atrás pero en pleno siglo 21 Húmeda, como siempre, del gris al marrón, cada muro es un lienzo en el que él se permite imaginar su silueta. Cada día, cada noche, entre la multitud de jóvenes que recorren sus pasillos, hay un sujeto que recorre taciturno cada rincón del flemático lugar buscando a quien todavía no conoce. La laboral.El escenario de una historia que nunca comenzó.

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SPRING/SUMMER MUST HAVES Por PAOLA OROZCO

En esta ocasión, os hablaré de nuevos MUST HAVES, de nuevas tendencias que no debéis dejar de tener si queréis estar a la última. Quién no sabe a estas alturas que esta temporada debemos vestir el blanco y negro, jugar con las rayas, los puntos, o los tableros de ajedrez...Que el denim en todas sus variantes sigue pegando fuerte, acompañado aún de toques militares...que el color de la temporada es el verde esmeralda, podéis encontrar hasta el número de pantone si no tenéis claro el tono exacto de verde... que las combinaciones más estridentes de prints inconexos serán un acierto...o que un toque de pvc transparente en accesorios, trench (como sugiere Valentino) y hasta calzado nos diferenciará del más común de los mortales. Ahora bien, hay unos extras, menos mundialmente conocidos, pero que no dejaremos de ver de esta primavera en adelante y que marcarán la diferencia.

Uno de estos detalles, ya en la muñeca de buen número de celebrities, son las pulseras Cruciani, a partir de ahora, fijaos en las muñecas de famosos y no famosos y veréis que estas exquisiteces de macramé están recorriendo el mundo con su infinidad de colores, y aterrizaron en nuestro país hace relativamente poco. El encanto especial de estas pulseras, además de su diversidad de formas y colores, es que mantienen viva la idea del brazalete que se regala a modo de recuerdo a una persona importante, para que nos traiga suerte, o como declaración de amor...tréboles de cuatro hojas, corazones...Las pulseras Cruciani son un detalle de buen gusto para hacerle a un amigo, una forma de quedar bien, y una manera de mostrar que “sabemos lo que se cuece”.

Además, estos amuletos de la fortuna se presentan, tanto en tienda, expositores como su propio packaging con altas dotes de buen gusto, como es costumbre en esta firma italiana, y es por eso que os las recomiendo para vosotros o para regalar y porque tienen un precio asequible que las hace accesible a todos...

Hablando de regalos y detalles, un autoregalo que estoy pensando hacerme y que recomiendo para el ya inminente San Valentín, son los ultrafemeninos, con inspiración retro, pincelada lady y llenos de arte proveniente de su diseñadora, los pendientes de Ladyblackness. Una firma española que nace de una más que encantadora diseñadora que no sólo nos ofrece estos pendientes, sino una amplia gama de accesorios, tocados, bolsos, colgantes, camisetas...todo con su toque personal y que también estamos viendo ya en caras muy conocidas del panorama nacional que han sabido valorar el gusto y cuidado con el que Rebeca, diseñadora de la marca trata a cada una de sus creaciones...No dejéis de ver su colección, porque enamora. Yo, señor Cupido, quiero mis pendientes ya!

Por último, en la sección de personal shopper , os voy a recomendar un nuevo gadget que en breve veréis por absolutamente todas partes, ¿por qué? Porque en poco tiempo se está convirtiendo en un auténtico artículo de tendencia debido a que aúna estilo y salud. Os hablo del Finger 360, un producto innovador que igual de indispensable que nos resulta hoy en día estar conectados a través de nuestros smartphones y tablets, se corona como la idea del año, facilitándonos el uso continuado que hacemos de estos dispositivos y que nos evita las más que probables lesiones que puede originarnos el adoptar posturas no-naturales mientras los utilizamos. Y es que el hombre no nació con un iphone pegado al brazo, aunque algunos consideremos al smartphone como una prolongación de nosotros mismos, existen estudios llevados a cabo por diversas universidades de EEUU que demuestran cómo el uso continuado de tablets, ebooks, móviles,etc puede provocarnos molestias en la zona de los hombros, muñecas y cuello. Y ahí es donde una empresa española, como siempre a la vanguardia en invenciones, a través de un proyecto realizado con fisioterapeutas y osteópatas, nos porpone una solución para evitar esa sensación de cansancio acumulada a lo largo del día, así como los posibles dolores de los que os hablaba. Pero no sólo se queda ahí el invento...

Yo lo he probado y ya son muchos los que me han consultado sobre la utilidad del mismo y cómo adquirirlo. Pues tengo que decir que me parece cómodo, facilita el sistema de sujeción no sólo a la hora de hablar por teléfono, yo personalmente lo veo muy útil a la hora de escribir mensajes, whatsapp, o navegar por internet, evitando caídas. Los Finger360 ya están disponibles en su web: www.finger360.com No dejéis de echarles un vistazo...y cuando os crucéis a alguien con él...no digáis que no os avisé...si quieres ser de los primeros...entra ya y elige tu color!! Aquello que ha llamado poderosamente nuestra atención es su estética cuidada, el producto se presenta como una carcasa para los modelos de smartphones más punteros, o simplemente con el sistema Finger360 para adaptar a nuestros dispositivos o carcasas. Eso sí, la extensa gama de colores que ofrece, la calidad de las pieles y la estética de los anillos de acero (también disponibles en colores), hace que todo el mundo se gire a mirar cuando vas por la calle hablando con tu telf.

Y ya sabéis, a ponerse las pilas con las últimas tendencias, y a buscar estos pequeños toques que además de ser tendencia os harán parecer una celebrity más!

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Milady de Winter (NEW AGE) Photography: Stella Blasco Model: Paola Orozco Hair: Javier Payรก Wardrobe Stylism:BUYUYU

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AMBROS CHAPEL Constants are changing

Texto y entrevista: ANTONIO MADRID SOUTO Fotografías: STELLA BLASCO BERLANGA

nla entrega de este mes contamos con uno de los grupos más carismáticos y personales de la escena valenciana. Ambros Chapel, quinteto con ocho años de historia y dos trabajos de larga duración en el mercado, “Rome” y “Constants are changing”, son uno de los grupos más apreciados por medios especializados y público. Sus actuaciones, que ya sobrepasan el centenar desde que grabaron su primera maqueta, reúnen a un gran número de incondicionales que se han ido sumando a su propuesta musical año tras año. Con un sonido heredero del postpunk británico de principios de los ochenta como influencia, pero que ellos han sabido modelar y convertir en una propuesta original, han conseguido hacerse un importante hueco en el panorama musical contemporáneo a nivel nacional. La banda está formada por Pablo Casero (voz y guitarra), Alfred Sanchis (bajo), Vicent Ortiz (teclados), José Rodríguez (batería), a los que recientemente se ha unido Francisco Javier Martínez (guitarra). En sus inicios Pablo y Alfred, hace aproximadamente una década, se juntaban en el local de ensayo para conjugar sus preferencias musicales: poprock británico de finales de los setenta (Bowie) y principios de los ochenta (The Cure, Bauhaus, Echo & the Bunnymen, The Chameleons). El resultado fue un conjunto de composiciones con una estructura y sonido que son una perfecta síntesis de todas estas influencias, que registraron en su primera maqueta, Demo 2006. A raíz de su publicación llaman la atención de público y medios y obtienen una gran repercusión multiplicándose las actuaciones. Graban una segunda maqueta, Demo 2007, que precederá a la edición de su primer trabajo: “Rome” (2009) producido por Paco Morillas y

editado por Malatesta Records. Con este trabajo la banda ya ha perfilado un estilo propio, identificable, cuya propuesta conceptual es aceptada y celebrada de forma masiva. Su música transita desde los momentos serenos como en “My Kingdom” o “Pete & John”, hasta los más intensos de “Lovers” o “Rome”. Pasajes de teclados atmosféricos sobre guitarras evocadoras, conjugadas con una gran interpretación vocal y una sección rítmica que estructura los temas son el secreto de un gran disco. Canciones como “Stay” rebelan el potencial de la banda para firmar auténticos hits que promedian calidad e inmediatez, auténticas gemas para disfrutar en formato cd o durante uno de sus poderosos directos. Se nota un esmerado trabajo en la confección de cada tema y en la voluntad de insertarlos en una obra conjunta, con un sonido característico y muy trabajado, que arropa unos textos en inglés interpretados con la personal voz de su vocalista. Si “Rome” nos descubría una banda a tener en cuenta, con “Constants are changing” confirman ese juicio. El segundo cd editado de la banda destila personalidad y buen hacer desde el primer al último surco. “New Nation”, el tema que abre el disco preludia la madurez de la banda. El álbum ratifica el estado de la banda: una fluida base rítmica, guitarras que se mueven entre lo etéreo y lo contundente, teclados atmosféricos y melodías ampulosas acompañan a la labor vocal. Es inconfundible su débito con los sonidos ochenteros pero amplían su abanico musical y de paso, la complejidad de la estructura de los temas, dominando los cambios de ritmo y ganando con ello en riqueza. “Tears” se erige como el single de la obra, canción en la que las hirientes guitarras toman el protagonismo. Destaca el tema que

da título al álbum, “Constants are changing” y “Glorious Sunday” canción de más de cinco minutos que se convertirá, posiblemente, en su mejor obra hasta el momento. Complejidad estructural en su composición y una interpretación apasionada caracterizan a un tema dominado por los fondos sonoros de los teclados y las notas del piano que describen una melodía intensa en la línea de los mejores U2 de “War”. El álbum, editado por 7 Days Music, el sello por medio del cual articulan sus recientes trabajos, ha sido alabado de nuevo por medios especializados y bendecido por la crítica musical.

Su última entrega, “Electric Eye” es un EP en vinilo autoproducido con el citado sello, 7 Days Music en colaboración con Jail Records, en el que presentan tres temas: el que da título, acompañado de “The river” y una versión remasterizada del single de su anterior álbum, “Tears”. BCULTURE compartió con ellos un nublado y frío día de invierno entre parajes industriales y urbanos que destilan la angustia y el desasosiego de alguno de sus temas, pero que a la vez conjuran una bella imagen de clasicismo contemporáneo. Es el momento de leerles y verles. Después, el de escucharlos.

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Pablo

omo le ha sucedido a muchas otras personas, la música fue la banda sonora de mi infancia. Mi madre, que tiene la carrera de piano, de vez en cuando nos tocaba alguna pieza los fines de semana. Mi padre se encargaba de comprar todo tipo de vinilos y de hacerlos sonar en aquellos equipos que lo integraban todo y que ya han desaparecido. En aquel momento, me refiero al año 92, ni tocaba ningún instrumento ni tenía en mente la intención de hacerlo. Había visto, eso sí, algunos conciertos en vivo y me había parecido algo totalmente extraño, y pensaba, yo siempre estaré del lado de los que miran, no de los que hacen. Aquel mismo año sucedieron dos cosas importantes, por primera vez en casa de un amigo cogía una guitarra eléctrica en mis manos y pensé, esto es como el caramelo de Willy Wonka que no se acaba nunca, es el juguete perfecto. Al poco tiempo me gasté mis ahorros en una guitarra, bastante fea y mala por cierto. La otra cosa importante fue que en mi círculo de amigos estaba Pau, guitarrista de La Habitación Roja, que en aquellos momentos comenzaban a pegar fuerte y a llenar locales. Esta circunstancia me acercaba el mundo de la música como algo tangible, algo que no de repente era totalmente ajeno a mi microcosmos. Sin embargo pasaría mucho más tiempo antes de que surgieran

Ambros Chapel. En ese largo intermedio tan solo me dediqué a explorar las bondades de la guitarra, pero nunca con la intención de llegar a nada. Me valía con hacer música o algo parecido a música para mí solo, y me di cuenta que era más divertido si incorporabas mas instrumentos. Dado que si tocas la guitarra no puedes tocar al mismo tiempo otro instrumento que no sea la armónica o el tambor con los pies, decidí que cantar era la mejor opción a mi alcance. No solía tocar versiones, solía componer tonterías que grababa en cintas de casette y más tarde en un viejo y lento ordenador de los de antes. A finales de los 90 conocí a Alfred, actual bajista de la banda. Me comentó que tenía un bajo y que podíamos quedar para tocar juntos alguna vez, y así fue. Solía ir a su casa algunos fines de semana y tocábamos temas propios, cosas que yo llevaba o cosas que él tenía. Creo que hay alguna cinta testimonial que da muestra de lo que fue. En las canciones cantábamos los dos. Al poco tiempo se lo comenté a mi amigo Manolo, quien más tarde sería el primer guitarrista de Ambros. Se unió a Alfred y a mí y al poco tiempo estábamos ensayando en un local muy decadente de la calle Denia. Y cuando digo decadente estoy siendo benévolo. Sin embargo era genial. Había una batería que pertenecía a unos chavales que también ensayaban allí y así por primera vez pudimos incorporar una base rítmica a las composiciones, claro está sin saber demasiado sobre cómo hacerlo. Además había un equipo de voces y

micrófonos de verdad. Por aquel entonces ya solía cantar yo en la mayoría de las canciones, fundamentalmente porque nadie quería cantar y porque a mí no me importaba hacerlo. Con mi profunda timidez y poco afán exhibicionista nunca tendría que hacerlo en público así que que mas daba. La experiencia fue tan satisfactoria que cuando el propietario se cansó de tenernos allí decidimos alquilar un local de ensayo sin ratas en Alboraya. Entonces reclutamos a Rubén, actual batería de DeLocksley, y en seguida aquello ya parecía una banda de verdad, aunque no lo era. Como suele suceder, demostramos al mundo entero que el oído humano resiste sin explotar aunque sobrepases los mil vatios en un cuartucho de seis metros cuadrados. Pasamos así muy buenos momentos. Un día , Vicent, que era amigo de Alfred, vino al local de ensayo a hacernos una visita. Cuando salió a la calle le pitaban los oídos y no entendía muy bien el propósito de aquel dantesco espectáculo. Al poco tiempo era el teclista oficial de Ambros Chapel. Así, casi por accidente, es como se compuso la primera formación de la banda y que después ha ido mutando hasta lo que es hoy en día. Básicamente eramos amigos que quedaban para hacer algo juntos, y así es como concebimos una banda de música por encima de todo lo demás, un grupo de amigos. A día de hoy puedo decir que hemos tenido mucha suerte. Ha habido malas experiencias y personas que te decepcionan, como sucede en todos los ámbi-

tos de la vida, pero he decir que la proporción ha sido de cien a uno. Suerte tanto con los locales en los que hemos tocado, como con las bandas con las que hemos compartido escenario, con nuestro público fiel y entusiasta que nos sigue, y con los medios independientes que os interesáis en bandas como la nuestra. Y es que, por muy duro y a veces ingrato que sea esto de la música, al final siempre es mayor la recompensa que el esfuerzo. La banda tiene dos motores fundamentales, en primer lugar que somos amigos y amamos y respetamos la música. Y en segundo lugar el motor de lo que supone abrirse a la crítica de las personas que te ven y te escuchan. Exponerse a que te lancen halagos o piedras. A título personal no me interesa la idea de tener proyectos paralelos y estoy seguro que Ambros será la única banda en la que participe. Aun así respeto enormemente a quien lo hace, según parece diversificar enriquece. Con mi timidez, si no me siento plenamente arropado por mi familia de amigos no puedo soltar ni una nota desafinada, supongo que esto se puede entender como una limitación o una tara. Tampoco me siento cómodo hablando en público durante los conciertos, aunque dicen que eso ayuda a interactuar con el público y a humanizar y dar espectáculo.

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Alfred

stoy en la banda desde el principio. Es por ello que puedo decir que Ambros Chapel se ha construido desde la incorporación y aportación personal de cada músico, además de por las experiencias vividas en los conciertos, viajes, grabaciones, concursos y también desilusiones. Por el momento, dejamos en el aire, para quien le interese, dos demos, dos discos (LP) y un EP, que resumen nuestra trayectoria y el camino recorrido. La banda tiene su origen hacia el 2005-2006, aunque unos años antes fue cuando empezamos a juntarnos para tocar con la única intención de pasar un buen rato. En mi caso, la música ha estado presente desde mi adolescencia y me ha formado como persona, no me puedo imaginar sin la música, las casetes, los vinilos, los conciertos en la sala Zeppelin, en el Asesino, en Arena. La elección del bajo no es casual, ha sido siempre el instrumento que me ha cautivado, el instrumento que he buscado y que he destacado en las canciones. La música que me gusta necesita de bajos presentes, más o menos elaborados según la melodía, pero que marquen y dejen una estela. He de decir que Ambros Chapel ha sido mi primera y única banda, mi único proyecto musical y por el momento no creo que pueda haber otros, es la razón por la que únicamente Pablo y yo estamos en el grupo desde el principio. No quiero triunfar en la música a cualquier precio, quiero que la música que hagamos, que quede para el futuro, lleve el sello de Ambros Chapel. Me siento orgulloso de haber aportado los bajos a las canciones y también, aunque sea una cuestión paralela, de haber conducido la furgoneta en los viajes. Los directos son la esencia de una banda y de un músico. No concibo la idea de un grupo que haga canciones, que ensaye en un local y que después no toque o se prodigue poco por los escenarios. El directo transmite la música de una banda pero también lo que sienten los músicos en ese momento así como los procesos de interacción con el público. Mis influencias musicales son múltiples, desde el post-punk de los 80 (con bandas como The Cure, Joy Division, Bauhaus, The Smiths), de los 90 (Dinosaur Jr, Sonic Youth), pasando por los clásicos (Deep Purple, Led Zeppelin) hasta el Jazz. Todo es interesante y todo es importante. Es música preciosa y de calidad. El futuro inmediato de la banda es un tercer disco de larga duración. En estos momentos, después de grabar el EP “Electric Eye”, estamos en una fase de composición de nuevos temas, pero al mismo tiempo de no olvidar los directos para no perder la tensión, el feeling. ¿Hacia dónde va nuestra música? No lo sabemos, nuestra única preocupación es continuar haciendo canciones de calidad, bonitas, que nos lleguen y que nos hagan felices, que perduren…

Vicent

i incorporación a la banda fue a raíz de mi amistad con Alfred. Él ya llevaba un tiempo ensayando y había grabado una maqueta con Pablo, Manolo y Rubén (dos de los primeros miembros de la banda). Yo tocaba el teclado en casa por puro placer. Un día él me animó a unirme a los ensayos, pues no tenían teclista y en las canciones que querían incorporar algún sonido de teclado se alternaban en los instrumentos para poder hacerlo. Sin casi tiempo para adaptarme nos seleccionaron para un concurso de maquetas en la Sala “El Loco” de Valencia y en apenas unas semanas me vi incorporado a la banda.El propósito inicial era disfrutar los fines de semana practicando la música, que es algo que siempre me ha gustado, aunque conforme iba pasando el tiempo, y sin apenas tener tiempo de pensar en objetivos concretos, todos hemos ido comprometiéndonos con el grupo, y alentados por la buena acogida que tenían los conciertos en la gente que venía a vernos, y porque nos gustaba a todos como iban quedando las canciones. Así hemos ido evolucionando paso a paso y de manera progresiva, desde la grabación de maquetas y participación en concursos como “El Troglogló” que logramos ganar el año 2008 a la grabación de los discos “Rome” y “Constants are changing” o el último trabajo un ep titulado “Electric eye”. La verdad es que el objetivo que siempre nos hemos marcado a la hora de sacar un trabajo, es hacer las cosas lo mejor posible. Y dentro de que cada miembro de la banda tiene unos gustos y unas influencias musicales, intentar saber lo que convenía a cada uno de los temas, renunciando a aquello que no aporta nada al objetivo común. Eso no es fácil porque a veces implica tirar a la papelera mucho trabajo, y porque en el proceso creativo, cuando hay diferencia de criterios y cada uno está convencido de que su criterio es el bueno, es difícil renunciar a él y produce tensiones que hay que saber solucionar. Pero eso es connatural con el trabajo en equipo, y el mérito es saber

solucionarlas. Yo creo que si hay algo que hace especial a Ambros Chapel, es que es una conjunción de varias personalidades distintas con influencias distintas, pero que unidas consiguen funcionar. Lo que a mí me aporta la banda es un montón de experiencias vitales, adquiridas a través de los conciertos, los viajes, las grabaciones… y las personas que hemos conocido en todos esos momentos. En cuanto a mi aportación a la banda, desde el punto de vista musical sería un complemento al sonido guitarrero. Creo que el sonido guitarrero ha de ser el eje fundamental de la banda y después el teclado ha de ser una aportación que enriquezca a las guitarras. Los directos son la razón de ser en la génesis de una banda. Las grabaciones, son una manera de fijar en un soporte la obra de una banda, son algo que viene después. Pero los conciertos son necesarios para la vida de la banda. Y pese a todas las imperfecciones propias de un concierto en directo, la música es algo vivo, su hábitat natural es el directo. Al tocar nos sentimos bien, porque gran parte del trabajo que hemos hecho antes es para poder enseñarlo en directo no solo para grabarlo en un soporte, entonces, se puede decir que es la culminación de ese trabajo. El proceso creativo es muy variado. Hay canciones en las cuales a partir de una melodía inicial, o una melodía vocal de Pablo todo fluye muy rápido, y la columna vertebral de la canción queda fijada en unas pocas semanas, mientras que hay otras en las que después de encontrar un esbozo de melodía a priori buena, la canción se atasca y tardamos muchos meses en encontrar con la solución. O por el contrario después de acabarla y pasado el tiempo no nos acaba de gustar y desecha. Se puede decir que no hay una regla unívoca, la única regla es “tiempo y trabajo”, sin eso no hay nada.

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Jose

Conocí a Ambros Chapel de la manera más típica posible, respondiendo un anuncio en el cual buscaban un batería con unos gustos muy indies y muy british. Nunca había tocado en un grupo de ese estilo, mi experiencia en otros grupos se asemejaba más a rock americano y su infinidad de variantes. Pero cuando escuché su primera maqueta sentí que las canciones eran diferentes a lo que solían hacer los grupos pop en ese momento. Tenían carisma, melodías muy buenas y creaban una atmósfera especial, lo cual era muy atrayente para un batería que tiene gustos muy eclécticos y que le gusta experimentar. Para ser su primera demo, se intuía un gusto por la calidad y sobre todo la perdurabilidad de las canciones. La decisión estaba clara y la última palabra la tenían ellos. Por suerte, creyeron en mí y en lo que podía aportar al proyecto. Mi visión como batería de Ambros Chapel es clara, darle a la canción lo que creo que necesita en cada momento. Darle prioridad al ritmo, al groove que le creo propio a cada fraseo o melodía vocal. Mi única ambición es que el ritmo de batería se acople a la canción y la eleve a otro nivel. Y no puedo saber si lo he conseguido o no, el tiempo y los oyentes lo dirán. Lo único que sé es que me esfuerzo mucho por conseguirlo.Es curioso porque siempre he sentido una atracción por el escenario, y siempre el destino me ha guiado hasta él de diferentes formas y sin que yo interviniera directamente para conseguirlo. Desde

pequeño me he visto involucrado en actuaciones teatrales de diversa índole que hacían que salir ante un público fuera una experiencia especial aunque no siempre agradable. Nunca me acostumbré, debido al miedo escénico, a salir de forma natural a un escenario y decir tus frases. Pero con la música es distinto. Es una atracción visceral muy fuerte, que te hace perder cualquier temor ante un público que observa tus movimientos. Yo siempre he querido tocar un instrumento musical. Desde pequeño con amigos emulaba las canciones que sonaban en la radio tocando cualquier cosa que tuviéramos a mano y creyendo por momentos que éramos las estrellas del lugar. Pero mi primer contacto, o mi primer recuerdo de tomar conciencia de un instrumento, fue al oír la cinta grabada que me pasó un amigo y que me marcó para siempre: el Appetite for Destruction de Guns N´Roses. Al escucharlo todo cambió. Desde ese mismo momento quería tocar la batería y tener un grupo. Supongo que lo mismo que han sentido la mayor parte de los músicos con un disco o una actuación televisada.Cuando me subí a un escenario por primera vez, sólo hacía un mes que habíamos formado la banda, y la sensación era de una naturalidad apabullante. Por encima de los nervios del debut, sentía que ese era mi lugar, que debía de estar ahí. Y es una sensación que todavía está conmigo. Necesito el escenario y necesito tocar, y va más allá de cualquier tipo de explicación racional. El público es el destinatario final, el que te juzga y al que tienes que convencer. La suerte es que nosotros hemos coinci-

dido siempre en la idea que hay que tocar igual ante diez que ante mil, lo que supone pasar por momentos difíciles arriba de un escenario ya que la motivación es distinta. Pero hay que sobreponerse y hacerlo lo mejor posible, porque la recompensa es a largo plazo, y el camino se hace poco a poco, persona a persona. Componer es una situación difícil siempre, y sobre todo cuando tienes ya trabajos previos en los cuales has reflejado el momento en el que te encuentras y grabado las mejores canciones posibles que te has podido imaginar. Cuando se inicia el período de composición, ( que nunca abandonas, pero si dejas latente ), el proceso mental cambia. Te exiges mucho, intentas descubrir ideas que no has explotado ya y sonidos que no has hecho nunca, y es un momento duro. Algunos ensayos son super fructíferos, otros parece como si tu cerebro fuera un dique seco, del cual no puede salir nada provechoso. Y lo tienes que asumir. Principalmente el peso compositivo lo lleva Pablo. El trae muchas ideas al local que acaban siendo canciones. Y alguna de ellas sufre pocos cambios hasta la grabación, aunque en el camino cada miembro del grupo le de su particular impronta. Otras veces las canciones surgen de la improvisación de los cinco. Es muy satisfactorio estar presente cuando surgen ideas que salen fluidas a la primera, naturales, y que tienen todos los visos de acabar como canción. Luego pasan por el filtro más duro, nosotros mismos. Y somos bastante críticos contra nuestras propias composiciones, haciéndolas pasar una criba de cinco personas con una idea bastante clara de cómo debe ser el resultado final. Es importante destacar la gran cantidad de iniciativas que se

realizan cada día relacionadas con la música y la cultura, y cómo los grupos han buscado alternativas a la escasez de salas y locales para actuar, dándose a conocer por distintos medios pero siempre primando el plano musical. Y la cantidad de trabajos editados cada año, lo que hace pensar que la música, al margen de la situación de las discográficas, pervive en esos grupos que, de manera independiente, sacan su trabajo adelante ajenos a modas y presiones, con una calidad final incuestionable. Además hay una interacción muy buena entre pintores, diseñadores gráficos, videoartistas, fotógrafos y músicos y que consigue muy buenos resultados. Creo que estamos en un período de transición, en la cual se ha pasado de depender de sellos y majors que eran los que decidían que grupos salían a la palestra, a una situación actual en la cual las bandas mandan sobre su trayectoria y su proyecto, y que no dependen de nadie. Vivimos la mejor época para conocer multitud de propuestas, todas muy interesantes y de todos los gustos. Además, es curioso que ha vuelto el formato del vinilo para reivindicar la independencia de los grupos y el carácter especial del disco que editan. Cuidan más el formato y la apariencia para el oyente y al mismo tiempo se separan de lo convencional, que es el CD. Me gustaría que el grupo continuara durante mucho tiempo, pero no a cualquier precio. Que esa chispa que nos anima a seguir por encima de las dificultades y a creer en nosotros se mantenga mientras el grupo exista, y nos permita seguir grabando discos, seguir ilusionados y llevándonos bien.

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Javi

mpecé a tocar la guitarra cuando tenía unos 15 años de forma autodidacta. Comencé con una banda que se llamaba TORMENTO y como su propio nombre indica, eso éramos. Hicimos un solo concierto. Luego junto a David Garcia (Limbotheque) y Gonzalo Collado, entré a formar parte de NOUMENO, donde empecé a cultivarme musicalmente. Este proyecto finalizó y dejé aparcada la guitarra casi sin tocar unos 10 años, hasta que decidimos hacer un concierto de aniversario de Noumeno y los miembros que no teníamos banda se nos ocurrió juntarnos para tocar y ver lo que pasaba. Se unieron Gerardo Llorens (Amen, Zoe, Plastic Smile) y José Miguel Peñacoba (Captain Blues). Al ver que salían unos temas cojonudos decidimos grabar un CD con el nombre de Ron Jinchico como banda. Tuvimos muy buenas críticas como debut, y seguimos como banda y grabamos otro CD con el nombre de Alter Eco, hasta que en septiembre de este año se disolvió el grupo.

Al terminar con Alter Eco, le comento a David Garcia (Limbotheque) que si se entera de algún grupo por Valencia que le haga falta un guitarrista que me lo diga y a la semana me avisa de que Ambros Chapel estaba buscando un guitarrista y que les llamara. Por casualidad hacía unos meses atrás que le vendí un pedal de guitarra a Pablo y me comentó que estaban buscando un guitarra, pero de aquella yo estaba con Alter Eco. Bueno, empecé a oír el grupo y me pareció alucinante que esta música se estuviera haciendo aquí en Valencia, para mí era fuera de lo común y la voz de Pablo me parecía alucinante y no me lo pensé dos veces les llame y me pasaron un tema para hacer una primera audición a primeros de octubre y luego otra y luego el repertorio y hasta ahora que de momento no me han dicho que me marche (risas) La verdad es que estoy muy contento con ellos, son gente cojonuda.

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Revolver Club organiza una fiesta al mes

Revolver Club organiza una fiesta al mes, donde participan artistas tanto nacionales como internacionales de la escena electro, rock y dubstep. Ya estan cerrando la programación para el mes de siguiente. Para su aniversario, el 15 de Febrero, nos visitarán los parisinos Make the Girl Dance junto con los residentes La Musique D’Ordinateur entre otros. ¡Ir preparandoos para la próxima el 16 de Marzo! BCULTURE no se lo perderá. http://www.facebook.com/RVLR.Club

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EstefanĂa Gralla bella

...Tan como su voz...

Beautys por Aaron Blanco

Make-up artist: AARÓN BLANCO Model: ESTEFANÍA GRALLA Photography: JOAQUÍN ALFARO Hair: ISABEL PRETEL Clothes by BLANCO

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lgún número atrás ya os mostramos Marruecos en nuestra sección TRIPS pero en esta ocasión hemos decidido volver a hablar de este país con mil encantos visitándolo de una forma muy peculiar. Para los amantes de la aventura, de las experiencias, para aquellos que quieren vivir un país y no sólo contemplarlo, esta experiencia es la mejor opción que se nos ocurre, y lo decimos porque, tras vivirla en primera persona no podemos más que recomendarla encarecidamente.

MAROC Challenge

Una forma diferente de viajar en lowcost Fotografías de KFOTO cedidas por MAROC CHALLENGE Texto: PAOLA OROZCO

Todo surgió cuando tras tener noticias de este raid con trasfondo solidario, no nos lo pensamos dos veces y decidimos participar. Después de más de una decena de visitas al país de los sentidos, esta aventura nos ha permitido redescubrir Marruecos, conocer más y mejor a sus gentes, y principalmente, llegar a lugares que jamás visitará un “turista convencional” debido a su difícil acceso. La Maroc Challenge no es sólo un Rally para valientes pilotos (quienes evidentemente tienen su sitio en las categorías Advance)sino una manera de enfrascarse en un viaje inolvidable a bajo coste en el que además de conocer el país, la cultura, sus gentes, y poner nuestro granito de arena mediante el proyecto solidario, también permite hacer amigos, convivir con el resto de participantes y que cada día se convierta en un recuerdo imborrable. Tampoco se precisan grandes máquinas para realizar las etapas, sino muchas ganas de emprender esta divertida hazaña.

BCULTURE

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Queremos agradecer a todos lo que han formado parte de esta aventura que pasará el tiempo pero los recuerdos permanecerán para siempre. Gracias de corazón

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Realmente ha sido muy intenso y desde luego ha valido la pena, es un gran esfuerzo por parte del equipo de organización para que todo se resuelva favorablemente, Queremos dar las gracias a toda la organización por el buen hacer y la ilusión demostrados, y por supuesto, en cuanto podamos ahí estaremos de nuevo para compartir nuevos momentos con vosotros. Ha sido un placer! Gracias de corazón!

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BCULTURE

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Un placer haberos conocido :-)

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...queremos agradecer a todas las personas encargadas de hacer posible la Maroc Challenge su dedicación y entrega durante estos días, logrando en esta edición un resultado muy profesional. Hemos contado con un gran equipo de apoyo y rescate, ha sido posible el seguimiento en directo de la carrera gracias al localizador por satélite de los participantes, un equipo inmejorable de fotógrafos y cámaras nos han hecho sentir como grandes pilotos y de nuevo Marruecos nos ha vuelto a estremecer con sus paisajes y naturaleza salvaje. Gracias también a todos los participantes por hacer que estos Raids sean cada vez más emocionantes, competitivos y sanos. Es un placer compartir cada kilómetro a vuestro lado(...)

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BCULTURE

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Impresionantes paisajes, tremendos momentos, la gente de 10

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Que ganicas tengo que llegue marzo para volver, pasarlo bien. Un abrazo .

BCULTURE

â&#x20AC;&#x153;

Gracias a Rui i a todo al equipo de la Maroc Challengue, por darnos la oportunidad de participar e un raid de estas caracteristicas!!!!

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Nunca vivimos una experiencia como esta, jamás la olvidaremos, se nos saltan las lágrimas de recordar muchos momentos imborrables

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Grande Rui!!!! Desde aquí quiero dar las gracias a Rui y a toda la Organización por el bien hacer, las ganas que ponéis, y vuestra manera de ser. Estamos deseando volver. Lo hemos pasado genial. Desde luego una experiencia única, llena de sentimientos y momentos inolvidables. Un abrazo

No nos detendremos a dar datos técnicos sobre el raid, puesto que la mejor información al respecto la obtendréis de la página web, pero sí queremos trasmitir mediante este artículo y sus imágenes el espíritu de aventura, de cordialidad, de convivencia y de solidaridad que define el raid... El director de tan sigular Raid, Rui Cabaco, piloto profesional y especialista en marketing y publicidad, decidió contar con BCULTURE para que, junto con un equipo multimedia de excepción, retransmitiésemos el evento desde dentro. Y desde desde dentro lo que vivimos fueron grandes momentos de amistad, compañerismo, competitividad también, risas y lágrimas en una semana de lo más intensa. Recordando el proyecto solidario, comentar los cientos de kilos que trasportaron todos los participantes en material escolar, ro-

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Todos estos son comentarios reales extraídos de los muchísimos que han ido dejando los participantes de la pasada edición, y sirven como muestra del cariño y la emoción con la que todos recuerdan la experiencia, para leer más opiniones podéis hacerlo a través de la web de la Maroc, o de su página de facebook.

pas y calzado para los niños entre otro mucho material que ha sido debidamente gestionado por la Naturadora, organización responsable del proyecto solidario, que asegura un óptimo destino de estas ayudas .Destacar también la importante aportación económica del raid que ha permitido reformar un aula en un pequeño poblado llamado Hassi el Begaa, en el que gran cantidad de niños acudían a clases en precarias condiciones. Un proyecto solidario que continúa creciendo y motivando a cada uno de los que participamos en la Maroc Challenge. La fecha tope de inscripción a la Spring Edition, es el próximo 10 de marzo, para participar deberéis entrar en la página del raid donde además de informaros de cómo proceder, os aclararán cualquier duda e incluso os ayudarán a obtener sponsors lo que facilita la participación consiguiendo que resulte aún más económico. Del 23 al 29 de marzo tendrá lugar la nueva edición de la Maroc Challenge, y una vez más BCULTURE estará allí viviendo de cerca la experiencia y la compartiremos con vosotros de la mano de los sensacionales vídeos de Van Tomiel Works y de las espectaculares fotografías de Kfoto. Si no queréis perderos detalle no dejéis de seguirlos en face.

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LA PELUCA DE LUCA Proyecto coeducativo Texto: Paola Orozco

Porque existen preguntas que algunos se plantean y otros apenas conseguimos entender Porque hay cuestiones que por el simple hecho de que pasen (o no) por nuestras cabezas nos humanizan (o no) Porque necesitamos que nos ayuden a ver algunas cosas para reconocerlas y entenderlas Porque somos y podemos ser más de lo que creemos o nos permiten creer que somos …por todo esto, cualquier tipo de orientación que nos permita desarrollar (a pequeños y mayores) una conciencia social sana y natural es altamente recomendable. La cultura es educación. Y en relación a esto, en BCULTURE hemos ido a fijarnos en La peluca de Luca, un proyecto coeducativo que nos propone un grupo de personas libres y muy coherentes. Un proyecto que pretende dejar a un lado los ya obsoletos roles tradicionales y educar en pos de la igualdad, el respeto a la diversidad y la libertad de todos y cada uno de nosotros a ser, sentir y amar como queramos. Un proyecto que emana arte e ilusión por los cuatro costados, que cuenta con medios audiovisuales, ilustraciones, sonido y textos que saben llegar…y que desde la historia del valiente Luca, quien solo con 4 años decide que “nunca es demasiado pronto para luchar contra las cosas sin sentido” nos propone una interesante reflexión. Pero mejor será que nos lo cuenten ellos… Helena Berenguer nos ha contestado algunas preguntas para desarrollar esta micro-entrevista y que los conozcamos un poquito mejor.

-¿Quién es Luca? Luca es el protagonista de nuestro cuento y de nuestro proyecto, un tipo valiente que no renuncia a ser quien es pese a los esquemas, los roles y los estereotipos que otros y otras construyeron para él. -¿Quiénes constituyen La peluca de Luca? La Peluca de Luca es una obra colectiva de las personas que conforman La Naturadora, ElTakataka y Vicent Poquet, el ilustrador de nuestro cuento. -¿Es Luca un personaje real? Luca es una personita real que ahora tiene ya ocho añazos pero que cuando tenía apenas cuatro se plantó en el cole con una peluca de pelo largo azul y flequillo recto aún sabiendque los roles imponían una capa de súper héroe.

- ¿Qué nos puede enseñar la filosofía de Luca? Que nos queda mucho por recorrer, que caemos en el error de pensar que no tenemos prejuicios porque somos capaces de vestir a nuestros hijos de rosa o les dejamos llevar el pelo largo, ¿pero alguien se atreve con una faldita o un vestido? Hay prendas que siguen siendo femeninas, y otras masculinas y aun cuando somos conscientes de que es algo cultural y absurdo, no nos atrevemos a romper determinadas estructuras. - ¿Quiénes son o somos susceptibles de aprender con este proyecto? Todos y todas podemos aprender, desde niños y niñas, hasta profes, hasta el más pintado y la más puesta podemos aprender de Luca. Hay una cosa que aprendimos con su experiencia y que nos gustaría transmitir y es que para un niño o una niña hay muy pocas personas importantes. Cuando somos peques, el mundo se reduce a papá, mamá, la abuela, el tío guay, el profe o la profe y poco más. La actitud de ese grupo reducido de personas es muy poderosa, porque si las personas que son importantes te aceptan y te quieren como eres, el resto no te puede hacer daño. - ¿Pretensión principal del proyecto? Nos encantaría pensar que con La Peluca de Luca podemos romper los estereotipos de género, lo que se supone que es propio de unas o impropio de otros.., acabar con la dicotomía del rosa y el azul, pero nos conformamos con que las personas importantes (las que somos mamis, papis, tías guays, abuelos, profes, etc..) tengamos la valentía suficiente para estar a la altura de las personitas pequeñas que queremos y que nos quieren. Eso es más que suficiente para ayudarles a crecer libres y felices. - ¿Con qué apoyos y dificultades se encuentra un proyecto de este tipo? La principal dificultad es la económica, editar es caro, por eso hemos apostado por compartir nuestro proyecto e invitar a la gente a micro financiarnos.

En un momento como este, en que parece que se acaba el mundo, se hunden los bancos y lo público se desmorona, únicamente quedamos las personas. Personas que con pequeñas aportaciones podemos financiar grandes proyectos, los que nos ilusionen, los que necesitamos y no venden en los centros comerciales y los que podemos hacer nuestros. Esto es lo increíble de la micro financiación. Respecto a los apoyos, tenemos que decir que mucha gente nos ha ofrecido su colaboración tanto durante el proceso de producción, como ahora con la difusión. La librería Ambra, Ca Revolta, etc… La Peluca de Luca es ya un proyecto de mucha gente y no sólo nuestro. - Objetivos a corto plazo Nuestro principal objetivo ahora es conseguir la financiación suficiente para editar el cuento. Mientras tanto estamos trabajando en una guía didáctica para docentes, porque nuestra idea es llevar el proyecto a los coles y trabajarlo con los y las escolares más peques, desde 4 a 8 años, cuando niños y niñas empiezan a interiorizar o a cuestionar lo que “es de chicos y de chicas”. También estamos diseñando una versión animada del cuento para tabletas. Y bueno, buscando ya canales para distribuir nuestro cuento en librerías. - Por último, ¿dónde os encontramos? (datos de contacto, web...) Para los que queráis conocer más sobre el proyecto podéis entrar tanto en la web del mismo www.lapelucadeluca.com como en la de la plataforma a través de la que buscamos financiación www.verkami.com. Apenas nos quedan unas semanas para conseguir nuestro objetivo, así que os invitamos a colaborar en la medida que podáis. Desde sólo 5 euros puedes contribuir a la impresión del cuento y tu nombre aparecerá en él como mecenas. Con 15€ te enviamos el cuento a casa, además es una edición muy especial en cartón y papel reciclado y puedes elegir idioma, castellano o valencià. Y bueno, si tienes el bolsillo peladete pero nos compartes entre tus amistades potentadas, pues también te lo agradeceremos un montón.

¡¡BCULTURE se alegra al informar a sus lectores que desde que realizamos la presente entrevista hasta la fecha de publicación del magazine ha sucedido algo estupendo... estas chicas ¡han conseguido su objetivo! Ya tienen los libros en imprenta, si estás interesado en adquirir un ejemplar o quieres más información sobre el proyecto ponte en contacto a través de su página web! Nosotros permaneceremos atentos y os traeremos novedades.!! ¡¡Enhorabuena!! ¡Os lo merecéis...y conseguiréis cambiar el mundo! (no en vano el número de seguidores de La Peluca de Luca aumenta diariamente)

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JAPÓN DE CERCA

Texto y fotografia: María Martínez Datos: Agencia EFE

No hemos tenido la suerte de viajar hasta Japón para disfrutar de toda su cultura y tradiciones pero si hemos tenido la oportunidad de asistir a la 37 edición de la JAPAN WEEK que se ha celebrado en Valencia. Tras seis días de actuaciones, talleres, intercambios y espectáculos, en los que se ha colgado el cartel de “no hay entradas”, la semana de Japón se despide dejando un inmejorable sabor de boca y con más ganas que nunca de visitar el país asiático. Eso sí, nosotros también hemos procurado que se lleven la mejor imagen tanto de Valencia como de España, dando a conocer lo mejor de ambas culturas. Según las cifras ofrecidas por la organización 2.500 personas visitaron las exposiciones del Palau de la Música el día de su inauguración y en los días sucesivos han pasado 800 personas por jornada. En la sala Iturbi del Palau de la Música se ha registrado una cifra de 1.000 espectadores al día, y 800 personas han disfrutado de las diferentes representaciones de la ceremonia del té, participando en su tradicional preparación. Además, en el mismo edificio se podía disfrutar también de exhibiciones de caligrafía japonesa, artes florales y pintura.

En el Mercado central tuvo lugar el encuentro más sabroso. Dos chefs, uno valenciano y uno japonés, mostraron en directo como se cocinan algunos de los platos más típicos. A la Plaza del Patriarca han asistido unas 5.000 personas a los diferentes espectáculos, y los intercambios sociales han cumplido las expectativas con más de 2000 alumnos participantes (1.369 alumnos de colegios y 770 de institutos). Performance de artes marciales con talleres de entrada libre. Exhibiciones en directo, pasacalles por el casco antiguo de la ciudad, proyecciones de cortometrajes japoneses y muchas más actividades comprendieron esta gran semana dedicada a Japón y a sus gentes. La Japan Week de Valencia se ha convertido “en el pistoletazo de salida” para las relaciones entre España y Japón, ya que se han cerrado acuerdos de promoción conjunta entre el Ayuntamiento y la IFF (International Friendship Foundation) para que Valencia sea promocionada en Japón con el apoyo del gobierno nipón. Además, entre 2013 y 2014, España acogerá el “Año Dual Japón-España” y Valencia será sede de los actos que conmemorarán el 450 aniversario de las relaciones comerciales entre ambos países.

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