QUE ES UNA CROMATOGRAFIA. Una cromatografía es el análisis de los pigmentos que encontramos en un vegetal, mineral o animal. Cuando PIET MONDRIAN sometemos alguna parte de una planta a este proceso podemos apreciar los diferentes pigmentos que pueden tener además de los más obvios a la vista, visibilizando lo invisible. Para mi esta visualización de lo abstracto revela mucho más que pigmentos escondidos, revela patrones y formas que nos dan información de las plantas a un nivel científico y espiritual.
El uso del color en Mondrian es clave. Los paisajes son interesantes en cuanto al estudio de paletas de color. GENERA LA OBRA A PARTIR DEL COLOR IGUAL QUE CÉZANNE. COMPONE LA OBRA A TRAVÉS DEL COLOR.
MONDRIAN
CÉZANNE
Algo particular que me llamó la atención al estudiar las obras de Mondrian es como genera su trabajo/ estudio de la figuración hasta la abstracción. Y eso es notable en su estudio de los árboles. Creo que es necesario hacer un alto en mi investigación para comenzar a diagramar o estudiar los paisajes desde su figuración hasta la abstracción. Si bien, el azar es mi amigo. Creo que todo lo que azarozamente he aprendido necesita del peso de un estudio de forma más exahustiva
PEREGRINO QUERUBINICO
Este libro me ayudó a volver a la esencia bíblica de mi trabajo, no es solo el observar el paisaje lo que me llama, sino demostrar el Poder de Dios o cómo poder traducir su grandeza. En este texto encontré varias cosas, entre ellas el deseo de contemplar a Dios. Preguntarme más profundamente qué significa contemplarle y dónde puedo hallarle. Encontré respuestas, pero es solo el comienzo de ellas...
Sobre la contemplación...
Si medito en el término de contemplación viene a mi men Creo que Dios es así, inmenso. Contemplarlo es una profu donde coloque mis ojos.
Contemplar es ver el Poder de Dios manifestado en la cre hechas por sus cálidas manos.
106. EL UNO
“No estoy fuera de Dios, Dios no está fue
nte la sensación de pequeñez ante la grandeza. undidad sin fin. La creación canta sus maravillas que están por
eación, en nosotros como obra perfecta de él. Somos su vasija,
O ESTÁ EN EL OTRO
era de mí: soy su brillo, su luz, y Él es mi adorno.”
La creación del mundo Gén 1:1 En el principio creó Dios los cielos y la tierra. Gén 1:2 Y la tierra estaba sin orden y vacía, y las tinieblas cubrían la superficie del abismo, y el Espíritu de Dios se movía sobre la superficie de las aguas. Gén 1:3 Entonces dijo Dios: Sea la luz. Y hubo luz. Gén 1:4 Y vio Dios que la luz era buena; y separó Dios la luz de las tinieblas. Gén 1:5 Y llamó Dios a la luz día, y a las tinieblas llamó noche. Y fue la tarde y fue la mañana: un día. Gén 1:6 Entonces dijo Dios: Haya expansión en medio de las aguas, y separe las aguas de las aguas. Gén 1:7 E hizo Dios la expansión, y separó las aguas que estaban debajo de la expansión de las aguas que estaban sobre la expansión. Y fue así. Gén 1:8 Y llamó Dios a la expansión cielos. Y fue la tarde y fue la mañana: el segundo día. Gén 1:9 Entonces dijo Dios: Júntense en un lugar las aguas que están debajo de los cielos, y que aparezca lo seco. Y fue así. Gén 1:10 Y llamó Dios a lo seco tierra, y al conjunto de las aguas llamó mares. Y vio Dios que era bueno. Gén 1:11 Y dijo Dios: Produzca la tierra vegetación: hierbas que den semilla, y árboles frutales que den fruto sobre la tierra según su género, con su semilla en él. Y fue así. Gén 1:12 Y produjo la tierra vegetación: hierbas que dan semilla según su género, y árboles que dan fruto con su semilla en él, según su género. Y vio Dios que era bueno. Gén 1:13 Y fue la tarde y fue la mañana: el tercer día. Gén 1:14 Entonces dijo Dios: Haya lumbreras en la expansión de los cielos para separar el día de la noche, y sean para señales y para estaciones y para días y para años; Gén 1:15 y sean por luminarias en la expansión de los cielos para alumbrar sobre la tierra. Y fue así. Gén 1:16 E hizo Dios las dos grandes lumbreras, la lumbrera mayor para dominio del día y la lumbrera menor para dominio de la noche; hizo también las estrellas.
Gén 1:17 Y Dios las puso en la expansión de los cielos para alumbrar sobre la tierra, Gén 1:18 y para dominar en el día y en la noche, y para separar la luz de las tinieblas. Y vio Dios que era bueno. Gén 1:19 Y fue la tarde y fue la mañana: el cuarto día. Gén 1:20 Entonces dijo Dios: Llénense las aguas de multitudes de seres vivientes, y vuelen las aves sobre la tierra en la abierta expansión de los cielos. Gén 1:21 Y creó Dios los grandes monstruos marinos y todo ser viviente que se mueve, de los cuales están llenas las aguas según su género, y toda ave según su género. Y vio Dios que era bueno. Gén 1:22 Y Dios los bendijo, diciendo: Sed fecundos y multiplicaos, y llenad las aguas en los mares, y multiplíquense las aves en la tierra. Gén 1:23 Y fue la tarde y fue la mañana: el quinto día. Gén 1:24 Entonces dijo Dios: Produzca la tierra seres vivientes según su género: ganados, reptiles y bestias de la tierra según su género. Y fue así. Gén 1:25 E hizo Dios las bestias de la tierra según su género, y el ganado según su género, y todo lo que se arrastra sobre la tierra según su género. Y vio Dios que era bueno. Gén 1:26 Y dijo Dios: Hagamos al hombre a nuestra imagen, conforme a nuestra semejanza; y ejerza dominio sobre los peces del mar, sobre las aves del cielo, sobre los ganados, sobre toda la tierra, y sobre todo reptil que se arrastra sobre la tierra. Gén 1:27 Creó, pues, Dios al hombre a imagen suya, a imagen de Dios lo creó; varón y hembra los creó. Gén 1:28 Y los bendijo Dios y les dijo: Sed fecundos y multiplicaos, y llenad la tierra y sojuzgadla; ejerced dominio sobre los peces del mar, sobre las aves del cielo y sobre todo ser viviente que se mueve sobre la tierra. Gén 1:29 Y dijo Dios: He aquí, yo os he dado toda planta que da semilla que hay en la superficie de toda la tierra, y todo árbol que tiene fruto que da semilla; esto os servirá de alimento. Gén 1:30 Y a toda bestia de la tierra, a toda ave de los cielos y a todo lo que se mueve sobre la tierra, y que tiene vida, les he dado toda planta verde para alimento. Y fue así. Gén 1:31 Y vio Dios todo lo que había hecho, y he aquí que era bueno en gran manera. Y fue la tarde y fue la mañana: el sexto día.
¿Cómo se creó geográficamente el desierto?
Los océanos cubren más del 70% de la superficie de la Tierra, y su importancia es crucial para la supervivencia de la biota Los océanos cubren más planetaria, entre la que del 70% de la superficie nos encontramos nosode la Tierra, y su importros mismos como espetancia es crucial para la cie. supervivencia de la biota planetaria, entre la que nos encontramos nosotros mismos como especie.
DOCUMENTAL
https://www.youtube.com/watch?v=A7pa-5WFmkc&t=628s -Es tan seco el desierto que las piedras más antiguas al estar en contacto con agua se deshacen -Lado opuesto del desierto; Colinas en la costa fueron volcanes. Hace 195 millones de años, la placa del Pacífico se posicionó bajo América del Sur. En ese tiempo Chile estaba en agua. La zona de fundido activó los volcanes costeros, haciendo una nueva corteza y levantándola. El desierto emergió poco a poco.
EL HOMBRE QUE ANDABA EN EL COLOR ANDAR EN EL DESIERTO “Esta fábula comienza con un lugar desertificado, nuestro personaje principal (¿pero que se puede llamar a esto un personaje?). Es “una estancia donde los cuerpos buscan, cada uno, su despoblarse”. “Lo bastante amplia para permitir una búsqueda inútil. “Lo suficiente restringida para una búsqueda en vano”. Nuestro personaje secundario será, singular entre otros, un geómera del lugar, un hombre que camina. Camina sin fin; parece que esto durará cuarenta años, pero como su capacidad para contar los días se ha agotado con bastante rapidez, el tiempo real de su andadura no tiene ya nada que ver con el tiempo verdaderamente transcurrido: se encuentra por tanto, andando sin fin, andando sin fin en ausencia de cualquier trazado, de cualquier ruta. El objetivo de su meta no es una andadura, sino el destino...” P.15-16
EL DESIERTO COMO EL PROTAGONISTA
Es “una estancia donde los cuerpos buscan, cada uno, su despoblarse”. “...un hombre que camina. Camina sin fin..!
Biblicamente el desierto es el lugar en que el hombre se encuentra cara a cara con Dios. Donde puede mostrar verdaderamente su corazón. Es considerado el lugar de prueba y en que el hombre se enamorá del Señor “Pero he aquí que yo la atraeré y la llevaré al desierto, y hablaré a su corazón.” -Oseas 2:14
“... se encuentra por tanto, andando sin fin..”
“El objetivo de su meta no es una andadura, sino el destino...”
EL HOMBRE QUE ANDABA EN EL COLOR ANDAR EN EL DESIERTO “El hombre anda en el amarillo abrasador de la arena, y este amarillo no tiene límites para él. Anda en el amarillo, y comprende que el mismo horizonte, por más nítido que aparezca en la lejanía, no le servirá nunca de límite o de marco: sabe bien , ahora, que, más allá de lo visible, solo hay un mismo lugar tórrido, que continúa siempre idéntico y amarillo hasta la desesperación. ¿Y el cielo? ¿Cómo podría aportar algún remedio para este encierro coloreado, si no propone más que una capa de ardiente cobalto, a la que resulta imposible mirar de frente? ¿Él que obliga a nuestro caminante a inclinar su cabeza hacia un suelo siempre, y cada vez más, de color crudo? En cierto momento, sin embargo, el hombre fatigado se da cuenta de que algo ha cambiado: la textura de la arena ya no es la misma; ahora hay peñascos; un gris ceniza, una inmensa franja rojiza ha ocupado el paisaje. ¿Cuándo ha cambiado aquello? ¿Desde cuando la montaña está delante de él? No lo sabe.” P.16-17
EL DESIERTO COMO EL PROTAGONISTA
La experiencia de pintar el desierto y lo que me pasa cada vez que voy al lienzo es desnudarme ante la presencia de Dios. “El hombre anda en el amarillo abrasador de la arena, y este amarillo no tiene límites para él...”
“...Anda en el amarillo, y comprende que el mismo horizonte, por más nítido que aparezca en la lejanía, no le servirá nunca de límite o de marco..”
Ahí experimento su Voz más audible y puedo mostrar quién soy. No es solo pintar, ni distraerme; es tener una experiencia con él. Esa experiencia sin límites, en que el hombre; en este caso el expectador está en el desierto es la oportunidad de acercarse a experimentar un encuentro con Dios, con la eternidad y infinidad de Dios.
Experiencia sin límites
De esa experiencia sin límites hago el nexo con el mar. La magnitud que envuelve a la tierra. Ese horizonte que jamás llega a acabar y que es infinito a nuestros ojos. Creo que es la clave de mi trabajo. Evidenciar con el entorno la magnificiencia de Dios. Esa es mi manera de conocer y representar al Dios vivo del Universo. El Padre creador. Es eterno Es infinito
Sumerguirte en él es ser lleno de su amor.
El que cree en mí, como ha dicho la Escritura: “De lo más profundo de su ser brotarán ríos de agua viva.” Juan 7:38
EL FLUJO DE DIOS Bíblicamente hablar de las aguas, manantiales es el significado que se atribuye al fluir del Espíritu Santo en la tierra. Es el mover de su presencia en medio nuestro. Por eso, en un pasaje se menciona lo siguiente: “En el último y gran día de la fiesta, Jesús se puso en pie y alzó la voz, diciendo: Si alguno tiene sed, venga a mí y beba.” Juan 7:37 RVA 1960
ERIC DEVER American, born 1962, Los Angeles, California
-http://www.ericdever.com/images/Dever_Book_Web.pdf * https://www.youtube.com/watch?v=-tVdccfJ56s * https://www.youtube.com/watch?v=575VQlx73L0
“Painting in a House Made of Air,”
ERIC DEVER: PAINTING IN A HOUSE MADE OF AIR, features brilliantly hued, large-scale paintings, which emerged when Dever was planting a garden at his Water Mill, New York, studio. For more than a decade, Eric Dever purposefully redacted color, using a limited palette: white for four years, white and black for two years, followed by white, black and red. “I found myself taking cues from flowers as they blossomed and color entered my paintings.” However, instead of exploring just one color at a time, Dever embraced the entire spectrum. Initially he used mostly mixed tints, but with this epiphany of color, he began creating new mixed hues. The shift in his art occurred when he let go of the square canvas and moved to rectangular formats that loosened up his compositions, as “there was no longer a central area of interest, but multiple areas of concentration.” When the works are placed together, a remarkable variety both in hue and composition is revealed. Dever coupled his new palette with his awareness of the yogic notion of the chakras—seven energetic centers in the human body where matter and consciousness meet—in which he finds a parallel to the visible spectrum. He also often exchanges shapes among works, using a monoprint process of painting onto a surface, which he then transfers to canvas. As art critic Jennifer Landes observed http://www.ericdever.com/images/Eric_Dever_Berry_Campbell_Gallery-min.pdf * https://www.youtube.com/watch?v=N5riaJf5hIY
ERIC DEVER: PINTURA EN UNA CASA HECHA DE AIRE, características pinturas a gran escala de colores brillantes, que surgieron cuando Dever estaba plantando un jardín en su estudio de Water Mill, Nueva York. Para más más de una década, Eric Dever redactó el color a propósito, usando un número limitado paleta: blanco durante cuatro años, blanco y negro durante dos años, seguida por blanco, negro y rojo. “Me encontré tomando señales de las flores como florecieron y el color entró en mis pinturas.” Sin embargo, en lugar de explorar un solo color a la vez, Dever abrazó todo el espectro. Inicialmente usó principalmente tintes mixtos, pero con esta epifanía de color, comenzó a crear nuevas tonalidades mixtas. El cambio en su arte ocurrió cuando soltó el lienzo cuadrado. y se pasó a formatos rectangulares que soltaron sus composiciones, ya que “ya no había un área central de interés, sino múltiples áreas de concentración.” Cuando las obras se colocan juntas, un notable se revela variedad tanto en tonalidad como en composición. Dever combinó su nueva paleta con su conocimiento de la noción yóguica de los chakras: siete centros energéticos en el cuerpo humano donde la materia y la conciencia se encuentran, en lo que encuentra un paralelo al espectro visible. También intercambia a menudo formas entre obras, utilizando un proceso monoprint de pintura sobre una superficie, que luego transferencias a lienzo. Como observó la crítica de arte Jennifer Landes
Reflexión personal Al ver algunos vídeos del artista me interesa mucho su trabajo creativo a través del color y los materiales que usa para generar texturas en sus obras. La simpleza de lo que tiene a mano y el ingenio es parte de la obra que se me ha llevado a investigar. El uso del azar como un amigo es la clave para el artista que busca usar su entorno para su propio fin. Además de los diferentes recursos que utiliza: Bolsa, hojas, etc... Entrega un trabajo experimental interesante que crea manchas o huellas, texturas y formas que son únicas. Son acertivas y azarosas, son de aquellas en que el error se puede comenzar a usar como agente práctico; Puedes intentar domarlo.
“Over time, I have come to associate this palette with shifting qualities of weight, energy, and lightness, which are also embodied in the rose paintings; some feel like carved stone, others explosive or very light. The evolution of meaning is reflected in the work itself. Contemporaneous experiments with this limited palette, as seen in the latter half of this catalogue, include an adhesion to the grid and the geometic form, exploring the movement of light and color across the two dimensional plane. Recent paintings shown here are breakthrough explorations, through and beyond my earlier formal inquiries. While the grid still resides within, the starting point for this group of paintings, both in its essence, genus, was a rose from my garden, which I deconstructed, letting the energetic qualities of color, line, and form emerge. The most recent of these paintings represent a variation on that singular, original rose, with the additional element of the rose’s stamen. This new inclusion of an elemental form in the center of the canvas suggests the rose itself as both a microcosm and macrocosm.” —Eric
Dever,
Water
Mill,
New
York,
2015
Con el tiempo, he llegado a asociar esta paleta con cualidades cambiantes de peso, energía, y la ligereza, que también se plasman en las pinturas de rosas; algunos se sienten como piedra tallada, otros explosivos o muy ligeros. La evolución del significado se refleja en la obra misma. Experimentos contemporáneos con esta paleta limitada, como se ve en la segunda mitad de este catálogo, incluyen una adhesión a la retícula y la forma geométrica, explorando la movimiento de luz y color a través del plano bidimensional. Las pinturas recientes que se muestran aquí son exploraciones innovadoras, a través y más allá de mi consultas formales anteriores. Si bien la cuadrícula aún reside dentro, el punto de partida para este grupo de pinturas, tanto en su esencia, género, fue una rosa de mi jardín, que yo deconstruido, dejando emerger las cualidades energéticas del color, la línea y la forma. lo mas recientes de estas pinturas representan una variación de esa rosa singular y original, con el elemento adicional del estambre de la rosa. Esta nueva inclusión de una forma elemental en el el centro del lienzo sugiere la rosa misma como microcosmos y macrocosmos. —Eric
Dever,
Water
Mill,
New
York,
2015
“While the grid still resides withi group of paintings, b ce, genus, was a rose fro deconstructed, letting t ties of color, line, and fo recent of these painting tion on that singular, o additional element of —Eric
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LA DECONSTRUCCIÓN DE LA ROSA
“Si bien la cuad de dentro, el punto de grupo de pinturas, ta cia, género, fue una rosa deconstruido, dejando em energéticas del color, la líne recientes de estas pinturas riación de esa rosa singul elemento adicional del est
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EMERGEN ÚNICAS SENTACIÓN
PARA
CUALIDADES LA REPREPICTÓRICA
ANNIE IRENE HEJNY Las pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones de corteza de Annie Irene Hejny se han exhibido en muchas exposiciones individuales y colectivas, incluida la Galería Katherine Nash en Minneapolis, MN; Centro Phipps para las Artes en Hudson, WI; salonlb. en Chicago, IL. Su exposición individual más grande hasta la fecha en el Museo de Arte Marino de Minnesota en Winona, MN, recibió más de 10,000 visitantes. ** Me llama la atención el uso de la arena, el agua del río como materiales para conformar su obra. Ella extrae del medio para su creación. Hay obras que son hechas con cortezas de árboles. El medio es su materia. De ella me surguió la idea de usar de la arena de playa que recolecté para darle una especie de textura al último encargo en pintura.
https://www.anniehejny.com/water
DESARROLLO DE ENCARGO 6 Acrílico sobre tela 3 m x 1,60 m 1 Capa --- Aguada --- Acrílico con agua 2 Capa-- Acrílico puro 3 Capa- Acrílico con texturas hechas a guante 4Capa - Acrílico con brocha 5Capa- Acrílico con textura de arena
PALETA DE COLOR
TEXTUR
RAS
Paletas d
En base a la necesidad de profundizar encargo de sacar paletas en bas
Tomé mi banco de fotografías y saqué ximarme al estudio. Pero pretendo rea de acríli
de color
r el estudio de color me dieron el se a mis propias imágenes.
é cuadrículas en digital para aproalizarlo netamente con mis tubos ico.
REFLEXIONES FINALES Creo que son buenas las detenciones de vez en cuando. Nos hacen mirar hacía atrás, tomar y desechar. Reflexionando sobre mi investigación quiero partir tomando lo que rescato de los diversos referentes que vi en el semestre. Rothko: No estoy de acuerdo con las motivaciones de su obra. Como hemos hablado a lo largo del taller; “El Arte remplaza a Dios”. Muchos artistas experimentan lo sublime en el acto del hacer y ven la manifestación artística como una entrada al éxtasis. Eso mismo le pasa a Newman. Lo paradójico es que según este autor el color no es parte de su interés en la obra. Lo encuentro desencajado, si pintas a color, ¿ acaso no hay un estudio teórico detrás? Y no sólo eso, sino que los colores encajen, que hablen de algo. Pero es entendible, su interés en la paleta no es un lenguaje verbal, sino un recurso. Quizá pensaba eso. Por otro lado, la búsqueda de generar la contemplación a través del tamaño de sus obras fue un punto clave en la extensión de mi trabajo en formatos grandes. Yo solo me limitaba a pintar en 1/8 o 1/2 de pliego. Pero al ampliarme trajo una necesidad de más, de aprender o darme cuenta que no bastaba con un papel pequeño simplemente por la economía de este. Sino, ir más allá. Un tema que me mueve es la contemplación. Creo que Dios busca traducirse de esa manera en mis trabajos. Y posiblemente, llego a una respuesta a mi primera pregunta de taller; ¿Cómo represento a Dios? ¿Cómo lo expreso a través del Arte? No ha sido una búsqueda fácil, con muchos desaciertos. Pero creo que en la inmensidad que caracteriza al Señor, no tengo respuesta a eso.
Hay un versículo que dice: “»Pero ¿será posible, Dios mío, que tú habites en la tierra? Si los cielos, por altos que sean, no pueden contenerte, ¡mucho menos este templo que he construido!” 1 Reyes 8:27 NVI En este versículo está hablando Salomón ( hijo del Rey David) referente a la construcción de un templo para Dios. Un santuario rico, gigante para que él pudiera habitar. Pero al mismo tiempo se da cuenta que nada, ni el lugar más grande construido en la tierra puede retenerlo. Su inmensidad supera todo. Mientras escribía esta reflexión venía a mi mente: “ ... de su plenitud tomamos todos...” Fui a la biblia para extraer la cita y el contexto; “ Pues de Su plenitud todos hemos recibido, y gracia sobre gracia. Porque la ley fue dada por medio de Moisés; la gracia y la verdad fueron hechas realidad por medio de Jesucristo[k]. Nadie ha visto jamás a Dios; el unigénito Dios[l], que está en el seno del Padre, Él lo ha dado a conocer.” Juan 1: 16 - 18 NBLA El contexto de esta cita abarca el propósito de Jesús en la tierra. Derramar de su gracia sobre nosotros. Y con esto me refiero al regalo inmerecido de ser perdonados en nuestros pecados y poder experimentar esa grandeza de Dios. Y quiero ser enfática, no es una grandeza en la que solo me siento en un domingo y veo una cruz para olvidarme de él. O creer que si hago una vida de bien soy buen/a cristiana. Sino, saber que puedo tener una relación real con un Padre amoroso. Esa es una muestra de su inmensidad y amor. Por eso en mis trabajos anteriores o mi gráfica expreso que su amor me envuelve. Sus brazos son tangibles a mí. Su inmensidad es inabarcable, pero no soy mera expectadora de ella, sino que la experimento vivamente. Esa, es la diferencia de mi intención al hacer obra o lo que otros artistas que he estudiado ven como Dios. No creo en un Ser omnipotente que es mero conocimiento, sino un Dios real. Uno que entregó su amor por mí en la cruz a través de su hijo Jesús. Esa es muestra de su grandeza y Poder. El perdón al mundo, la manifestación de la creación, la relación de Padre a Hijo/a, la redención y salvación a quién decide conocerle más.
PROPUESTA FINAL FICHA TÉCNICA TÍTULO Salmo 8 TÉCNICA Acrílico sobre tela MATERIALES Acrílico Tela Crea Colágeno de Conejo Herramientas ( Limpia agua piso - escoba- brocha- rascleta- cinta de maderaespátula- Masking) DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO Trabajo en pintura que desarrolla el concepto del horizonte, la inmensidad, la grandeza y la contemplación. En su esencia busca responder a la pregunta de “¿Cómo puedo expresar a Dios a través de las Artes?”. De aquella interrogante nació la búsqueda de plasmar lo que Dios me entregaba a través de su Palabra y los encuentros que he tenido con él. Como he mencionado siempre, para mí Dios es un Padre y mi vínculo con él no se basa en un Dios lejano y castigador, sino uno de amor y ternura. Es una relación, y eso es lo que está detrás de cada pintura. Narrar una experiencia que he tenido con él. Muchos de mis trabajos dan cuenta de su Soberanía, Poder y Autoridad por sobre las tormentas, la tribulación y aquellas cosas que parecen levantarse sobre nuestras vidas. Así como también, un Dios creador y que construye/ resctaura/ moldea y estructura una y otra vez. Es un Alfarero con su vasija (Jeremías 18). Respecto a lo anterior, uno de los primeros acercamientos en mi trabajo fue la tormenta. Lo consideré como un tema a seguir por acontecimientos personales que viví de forma intensa en un período. Experimenté crisis de ansiedad y las consecuencias que ello acarrea en nuestra mente, cuerpo son similares a una tormenta. Todo parece caótico, enredado, desentendido, desesperante. De alguna manera, te sientes perdido. Así me sentía. Sin embargo, en medio de todo lo difícil que se me hacía vivirlo sabía que Dios estaba conmigo. Y desde ese momento, tengo la convicción; “En la tormenta Dios sigue siendo Dios.”No importa lo que pase, en medio de ella me abraza y me saca una y otra vez.
Ahora, si lo miro de una forma geográfica. Las tormentas pueden ser variadas: Arena, mar, cielo, viento, mente, emociones, pasionales, físicas. Son múltiples manifestaciones en la naturaleza e internamente. Todas son visuales, encuentran un lenguaje para ser transmitidas. Y en medio de ellas, humanamente buscamos un refugio. La tribulación nos remece en una búsqueda interminable, muchas veces no sabemos donde sostenernos, siendo que lo único inamovible es la presencia fiel de Dios en nuestras vidas. El buscar sostén y firmeza puede llevarnos a la muerte o a encontrar a Dios. Aunque la verdad, no creo que nosotros lo encontremos. Pues, él en su amor desde la creación colocó el temor en el corazón del hombre para nunca apartarse de él. Y no hablo de un miedo, sino de tener en nuestro corazón grabados aquellos mandatos y cosas que nos hacen experimentar su presencia, lo que nos lleva a permanecer en él y no apartarnos. (Mateo 7:24 RVA 1960) El Salmo 46 dice: “Dios es nuestro amparo y fortaleza, Nuestro pronto auxilio en las tribulaciones.Por tanto, no temeremos, aunque la tierra sea removida,Y se traspasen los montes al corazón del mar; Aunque bramen y se turben sus aguas, Y tiemblen los montes a causa de su braveza.” (RVA 1960) Y así, en el Salmo 62:6-7 ; “Él solamente es mi roca y mi salvación. Es mi refugio, no resbalaré. En Dios está mi salvación y mi gloria; En Dios está mi roca fuerte, y mi refugio.”(RVA 1960 La roca firme es la que nos sostiene. La figura de Cristo es denominada en la Biblia como esa roca que afirma a la iglesia. Es un ancla firme en medio de las dificultades (Hebreos 6:19 ). Y es aquel que venció la muerte, rasgó el velo y nos permite tener una relación directa con Dios al perdonar nuestros pecados y cargarlos en la cruz. (Juan 1:29-51) Es el cordero de Dios que quitó el pecado del mundo. El camino que nos lleva a la verdad, y así a poder relacionarnos con el creador. Esto quiero contextualizarlo, antes de la venida de Cristo (en el Antiguo testamento) se mencionan diferentes sacrificios expiatorios para poder ser limpios de pecado; algunos eran con animales sin mancha, puros o aves. Todo dependía del tamaño del pecado. Además, solo podían entrar los sacerdotes al santuario del Señor. Todo era intermediario, por una acción. Pero con Cristo, eso fue transformado. La cruz cargó todo ese peso. Y cristo pagó todo el precio. El arrepentimiento, nos lleva a ser como él y tomar la cruz.
Volviendo al tema de la fortaleza, Dios se puede manifestar de esa manera o también de magnitud, infinidad, eternidad, Poder y grandeza. Permanece para siempre (He 13:8). Todos estos conceptos nos llevan a vincularnos con su Presencia en la misma creación. Y llevarnos a la contemplación. Esta se puede definir por algunos como una experiencia personal, un vínculo o cruce, estar junto a lo sagrado o llegar a un punto superior de la visión. Etimológicamente viene de la palabra “contemplari” y del latín “contemplum”, que se puede dividir en con - templum. Se puede definir como “ en compañia de lo sagrado”. Así como, la palabra templum, viene de templo y en ese lugar ocurre un efecto ritual. Todo está conectado con esa experiencia mística. Pero, para ser concretos con la Presencia de Dios, de Yahweh. Algunos definen la contemplación como ocuparse con intensidad por algo o considerar aquellos atriutos de Dios. Lo puedo expresar como una experiencia de la pequeñez ante la grandeza. Dando un guiño a lo anterior voy a mencionar a uno de mis referentes: Mark Rothko. El considera el Arte como “espiritual”. Para él, el Arte es Dios y el artista es como el sacrificio de Abraham. Menciona lo que es “una experiencia religiosa como pintor”. En lo que mi respecta, el único Dios es Jesús, no el Arte. No creo que el Arte, algo creado por Dios se sirva de sí mismo. Pues todas las cosas son hechas por él, para él y de él. Asimismo, el autor menciona una búsqueda interminente en generar obras de gran formato y a ras de suelo, para así poder dar una experiencia al expectador y generar lo que él denomina “un estado de intimidad”, pues los “cuadros grandes te meten dentro de sí”. Un ejemplo es una de sus obras denominada “La capilla” en que considera una atmósfera. Y sin dudas, genera un estudio del espacio y la obra, desarrollando una propuesta visual interesante. Destaco todo lo que respecta a los formatos de obra y la intención de generar un estado de intimidad e inmersión en las obras. La dimensión de Rothko me abrió una puerta en lo que respecta el desarrollo del proyecto. Así como también, Barnet Newmann. Lo interesante de este artista es que parte desde el arte primitivo para conformar la obra que vemos en su contemporaneidad como artista. El interes por la abstraccción de la línea, mancha y el estudio del arte de cavernas es clave en su formación. Pero lo que me acercó a él fue una obra en particular; “The Station of the Cross”. Son 14 obras pictóricas que remontan la Pasión de Cristo.
El autor menciona que una línea blanca intensa en el lienzo le generó experimentar visualmente el Grito de Cristo como una declaración de sufrimiento. Lo considera como un sufrimiento universal. Bíblicamente es respaldado por el versículo que está en Filipenses 2:8: “ Y , hallándose en condición de hombre, se humilló a sí mismo haciéndose obediente hasta la muerte, ¡Y muerte de cruz!”. Pictóricamente, su obra y en particular aquella, es un tipo de recorrido a través de diversas manchas sobre el lienzo. Puedo hacer un nexo al desarrollo del segundo encargo, en el cual comencé a inmiscuirme en lo que es la pintura experimental y generar diferentes interacciones químicas entre materiales como: la povidona, cloro, tinta china sobre papel couché. Algo interesante del proceso anterior, fue ver como la mancha aparece de diferentes maneras. Es azarosa, pero a la vez controlada. Las representaciones figurativas son intervenidas por la experimentación y comienza a aparecer algo nuevo, mayor abstracción.Es una experiencia de prueba y eror. Y asímismo, una puerta de entrada a los expresionistas e informalistas. Por otra parte, está el libro “El hombre que andaba en el color” de George Didi- Huberman. En él se menciona la obra de Turrel con su particularidad inmersiva en los espacios, sus creaciones arquitectónicas y la intención de envolver ambientes. En este ambiente se ven algunas figuras bíblicas y una perspectiva del hombre y Dios, a través del espacio del desierto. El hombre anda en el amarillo abrazador de la arena y comprende que ese horizonte que ve a lo lejos nunca será su límite. Y así, el espacio da cuenta a reconocer la ausencia como algo soberano. Viéndolo de la perspectiva bíblica la figura del desierto es el encuentro de Dios y el corazón del hombre (Oseas 2:14). El pueblo de Israel anduvo en él durante cuarenta años, para que aprendieran a conocer quién era Dios y fueran probados antes de que se haga vida la promesa de la tierra prometida. El corazón del hombre fue corrompido en ese caminar, muchas veces se apartó de Dios, pero su amor permanecía fiel. Por tanto, en lo pictórico el desierto demuestra un espacio infinito, un horizonte que divide el espacio entre el cielo y la tierra. Asi como el mar. Es un cruce entre espacios o también donde su une lo divino con lo terrenal.
En ese cruce entre los límites del espacio ocurre un fenómeno llamado “Fata Morgana”, este se define como un tipo de espejismo o ilusión óptica que se debe a la inversión de la temperatura. Visualmente enriquece el espacio y da cuenta de esa infinidad espacial. Por otro lado, la obra de Richter aporta al proyecto una visión más amplia las diferentes pruebas de montaje, porque considera las obras en su formato gigante en el espacio tomando las proporciones no solo espaciales, sino del espectador. Hay un estudio del tamaño y de como montar las pinturas. Así también, la fotografía con su desenfoque potencia pictóricamente la mancha como un medio de formación. Y por último, su amplio archivo de imágenes que da cuenta de su trabajo investigativo. Estas tres cosas son las que he tomado en mi proyecto y quiero potenciar. Sobre todo la primera, el estudio del espacio, la obra y el espectador para dar cuenta la experiencia contemplativa y de inmersión de una manera natural. Con lo anterior, una obra que da cuenta el concepto de contemplación es “ El caminante sobre el mar de nubes” de Friederich. Más allá de su esencia melancólica, mi interés es como el hombre se vuelve pequeño ante la inmensidad de todo lo que le rodea. Esa es mi visión de Dios y eso busco en mi obra. El que esté enfrente de ella se experimente rodeado por lo que tiene enfrente, que no haya una superioridad de este por sobre la obra, sino que sea acogido por ella, abrazado metafóricamente hablando. La grandeza de Dios envuelve todo el lugar, su Poder es insondable y si busco representarlo a él; ¿Cómo no buscar de una mínima forma acercar a otros a ese Dios tan maravilloso que conozco? “La inmensidad es el movimiento del hombre inmóvil” (Bachehard). El hombre de alguna manera es inmóvil ante todo lo que ocurre a su alrededor. La inmensidad es demasiado grande para él. Es por eso que mi propuesta pictóricamente hablando se sitúa en dos espacios: El Mar y el Desierto. Geográficamente el desierto había sido cubierto por las aguas hasta que las placas tectónicas comenzaron a generar movimientos y los cambios en la superficie generaron que el mar bajara. Siendo ahora, el lugar más seco en la tierra. Si tengo que situarme en un espacio específico, considero a Chile como un ambiente para desarrollar un banco de imágenes y paleta de colores para conformar la obra.
Así como los une la geografía, también los colores a través de una paleta de tonos complementarios. Los azules y anaranjados se contraponen para confromar la obra. Ambos desprenden una gama de colores y mezclas diversas que quiero explorar en base a los materiales como el acrílico, y posiblemente, probar con esmalte al agua. El soporte es crea cruda tratada con un pegamento de cola de conejo para recubrir su superficie y que la pintura pueda quedar en la superficie y no ser traspasada. Las herramientas serán de acorde al formato en tamaño, considerando que el lienzo mide aprox (1,34x 3,20 m). La escoba y brochas grandes pueden ser de utilidad, asi como, una cinta de madera en base al tamaño de cada lienzo. Ahora, explicaré de lleno la propuesta en lo que respecta a la idea de montaje y las observaciones que tengo para poder llegar al desarrollo visual de esta. Mi propuesta se basa en construir tres bastidores de un tamaño 1,34 x 3,20. Pensaba en situarlos uno al lado de otro conformando una imagen pictórica que ajuste el mar y desierto. Para eso, tengo dos opciones los monto de manera horizontal o de forma vertical. Al analizar en los diagramas, esa intención inmersiva puede ser más notoria en una presentación vertical de esos tres bastidores juntos, considerando el tamaño del espectador al estar frente y el largo que tendría la obra (Me remonta a la “Capilla” de Rothko). Pero para llegar a eso voy a considerar el encargo final del ramo de investigar el gesto de cinco artistas: -Mark Rothko -Anselm Kieffer -Eric Dever -Josef Albers -Barnett Newman Para ello pienso elaborar una cantidad de 3 a 5 bastidores (40 x 50 cm) por artista que involucren un estudio en color y mancha de una selección de obras. Buscaré trabajar en fragmentos de sus pinturas para profundizar en la abstracción y su desarrollo visual. Considero que el proceso es tan importante como la obra, es por eso que planteo como idea de montaje generar un recorrido en una sala ubicándolos no en cuadrículas como pensé en un momento, sino un recorrido horizontal a la altura del ojo (Cita a montaje de Newman). Pueden ser cinco diferentes en una
pared para diferenciar los diferentes gestos/manchas que pueden conformarse a partir de diversos artistas. O también montar tres bastidores de cada artista y conformar una secuencia considerando el gesto pictórico de cada autor. En lo que respecta al color utilizaré gama de azules y naranjos. Colores que considero base para mi obra: -Siena Natural -Burnt Siena -Rojo Veneciano -Gris neutro -Azul thalo claro -Azul Ceruleo Busco generar una investigación de gesto y co lor previo para armar una paleta de colores acor de. Asimismo, el ejercicio de relatividad del color es clave para la conformación de la propuesta considerando que se basa en la formación de dos realidades a partir de dos colores complementario.