Magazine Cultural Digital
Bellice Magazine. Magazine cultural digital. Nº 01. Septiembre 2013. ISSN PENDIENTE.
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Bellice Magazine
Javier Navarro Romero Mitología, naturaleza y experimentación. Ruta por el desierto personal del artista almeriense. pag. 4 Además: Reportaje “Tetera y Kiwi”, webs de interes, galería...
Dirección creativa y editorial: Alberto Chao Redacción: Alberto Chao, Rocío Calvo Fernández Asistencia de redacción: Alberto Chao, Belén Moreno, Isabel Carmona Burgos Publicidad: Alejandro Landero Fotografía: Isabel Carmona Burgos Maquetación: Alberto Chao, Belén Moreno Portada: fotografía cedida por Pedro Paricio, “Inspiración nº1”. Agradecimientos: Francisco Javier Rodríguez Cuevas (Desarrollo y mantenimiento web), Francisco Rojas Rodriguez, JuanJo Rivas (Tipografía Louisiane), Oye Cerodoce (Diseño “Bellice Pure Love”) Editado por: Bellice Editorial. Virgen de las torres, 10. 41010. Sevilla, España. Bellice Magazine ISSN 2255-5927 www.belliceeditorial.com Nº01 Septiembre 2013 Revista On-line: Contacto: bellice@Belliceeditorial.com Publicidad: bellice@Belliceeditorial.com Buscanos en: @belliceEdit www.facebook.com/Belliceeditorial Los artículos, anuncios u opiniones de los entrevistados o colaboradores, no expresan necesariamente la opinión de Bellice Editorial. Esta publicación no puede ser reproducida, ni en todo ni en parte, ni registrada en, o trasmitida por un sistema de recuperación de información, en ninguna forma, ni por ningún medio, sin autorización previa por escrito del editor, Alberto Chao. Todas las fotografías e ilustraciones que contiene el magazine, están publicadas con el permiso de sus respectivos autores. Copyright © Bellice Editorial 2013 All Rights Reserved.
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javier romero
MitologĂa, natura Ruta por el desie almeriense.
Por: RocĂo Ca
Javier Navarro Romero: Alter Ego
navarro o
aleza y experimentación. erto personal del artista
alvo Fernandez.
Nos gustaría comenzar con una pequeña presentación. Por tanto, como primera pregunta, ¿quién es Javier Navarro? Soy Javier Navarro Romero. Nací hace 27 años en Almería. A modo de presentación haré un versus filias-fobias. Adoro a Björk y su música. Me interesan Charles Darwin, Isaac Asimov, Amy Winehouse y Alexander Mc Queen. Me atrae el romanticismo, la teología, las ciencias naturales y por supuesto la naturaleza en todas sus formas. Me encanta la vida en el mediterráneo, amo Andalucía, me gusta Grecia y su historia, Marruecos y su comida e Italia y los italianos. Ahora bien; no me gusta el maltrato a los animales, ni la gente que dice que tener plantas en el dormitorio es malo. Tampoco me gusta la ley de costas de este gobierno, ni este gobierno. No me atrae la gente que se autodenomina y busca la normalidad, eso me parece aburrido. Es más interesante, lo tenebroso, lo barroco, el esperpento, lo brillante, lo fantástico... Muchas de las cosas que me gustan, en mayor o menor grado, las une el arte. Y es que sobre todo, el arte es para mí la forma de relacionarme con el mundo que me rodea, con el presente que me ha tocado vivir y con el pasado que me gusta sentir.
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Siguiendo el hilo de esta presentación, querríamos que nos describieras cómo fueron tus inicios en el arte. Curiosamente, la gente que me ha rodeado en mi infancia y adolescencia; tanto profesores, como compañeros y familia, parecen que tenían más claro que yo cual iba a ser mi camino. Desde bien pequeño, destacaba en todas las asignaturas y actividades del colegio en las que había trabajo manual y artístico de por medio. Posteriormente en el instituto, me dedicaba a garabatear las mesas, cambiar dibujos y opiniones con los compañeros de clase. Por suerte, cuando entré a cursar el bachillerato artístico todo cambió. En esos años encontré a mí alrededor mucha gente interesante e inspiradora, que fue clave para decantarme por cursar la licenciatura Javier Navarro Romero: Los chicos envenenados.
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en Bellas Artes en Granada. Etapa de la cual guardo muy buen recuerdo. Después, por no separarme de lo académico y de “las ofertas que nos prometían un futuro profesional mejor, al realizar un máster”, cursé el de Producción Artística en la Universidad Politécnica de Valencia. Supe aprovechar muy bien ese tiempo manteniendo mí proyección artística, lo que me sirvió de apoyo para enfocar mi tesis doctoral, en la que me encuentro ahora inmerso y que se desarrolla de forma paralela a mi trabajo artístico. Decir que, aunque he sido buen estudiante, mi trabajo artístico no siempre ha estado ligado al marco académico. Es decir, yo siempre he apostado por encajar o llevarme dicho marco a mi terreno y plantear mi propia propuesta personal ante todo, a pesar de no tener la certeza de que vaya a salir bien o no. Creo que hasta ahora, he
sabido ligar y combinar mi propio trabajo e investigación artística con la academia y el marco institucional universitario. Conociendo tu trayectoria y puesto que eres un artista joven, ¿Qué opinas sobre cómo afecta la situación de crisis actual también al arte? ¿Puede tener esta crisis aspectos positivos y negativos, con respecto al mundo de la cultura y a las facetas creativas de los artistas? Esta pregunta me recuerda a la famosa frase que se escucha a menudo sobre que “el arte y los artistas siempre han estado en crisis y todo eso…” Desde mi posición y mi experiencia, no he notado especial cambio entre antes y ahora. Sin embargo actualmente, trabajo, me exijo y produzco una obra de mayor calidad y profesionalidad, elaborando proyectos más arriesgados. Aun sabiendo que en la mayoría de casos no existe una ganancia monetaria. Pero siempre he tenido muy claro que dedicarse al arte está más cercano a ser un modo de vida, más que a ser una profesión tal cual. Como bien decía Carmelo Trenado, profesor de pintura de la universidad de Granada: “Dedicarse al arte lo contemplo como una carrera de fondo de por vida”. No vivo exclusivamente de mi producción artística, pero eso no es una tara para no seguir en movimiento y disfrutarlo de igual modo. Entonces planteado de este modo, la crisis, no es salvo otra prueba que hay que enfrentar en el camino.
También creo en este momento de crisis, como una muy buena y necesaria oportunidad de cambio positivo en general (no sólo en el mundo del arte). Según mi parecer debería producirse un gran cambio, tanto en los diferentes ámbitos, circuitos, estructuras del mundo del arte y la cultura (como galerías, museos, instituciones…), pero también por parte de los artistas. En caso contrario, esta situación terminará en una especie de pescadilla que se muerde la cola; Ya que han desaparecido muchas ayudas, becas y certámenes, cierran galerías, no se apuesta por artistas emergentes y muchos artistas dejan de lado su producción. Tenemos que tener en cuenta que además, en nuestro sector, también explotó la burbuja del arte joven emergente. Así que creo que se avecina una severa criba con todo lo bueno y lo malo que puede haber implícito en el proceso. Revisando tus exposiciones, observamos que te codeas igualmente con círculos independientes que con institucionales, ¿en cuál te sientes más cómodo? ¿Cómo definirías o establecerías las diferencias entre los dos círculos? Y volviendo al tema de la crisis, ¿de qué manera se ven afectados cada uno de estos ámbitos? No tengo especial predilección por determinados círculos. Cada nueva oportunidad para mostrar mi trabajo es diferente, un nuevo reto. Creo que me siento cómodo indistintamente, mientras que las personas
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Javier Navarro Romero: La Armadura Afrodita.
con las que colaboro tengan una actitud profesional y de compromiso. Lo que si me gustaría destacar es que las instituciones (hablando de casos concretos y siempre según mi experiencia) cada vez ofrecen menos al artista. Sin embargo, el artista tiene que aportar y apostar más, paradójicamente. También, si ya de por si en ocasiones los circuitos institucionales suelen ser herméticos y reacios a apostar por nuevos proyectos; Con la excusa de la crisis y de los recortes, se están tornando hacía el hermetismo a nuevas propuestas. Sin embargo y por otro lado, en este contexto de crisis, están apareciendo cada vez más, nuevas iniciativas paralelas de gente joven que presentan circuitos independientes y espacios alternativos, con presupuestos muy ajustados, pero que están siendo muy valientes al apostar por nuevas visiones y creadores jóvenes. Obviamente existen diferencias entre los ambientes más independientes y los institucionales. Pero según mi experiencia, me he llevado más frecuentemente gratas sorpresas, con los circuitos más independientes. Todo es más rápido, más fluido, más cercano y me atrevería a decir que más sincero y honesto. Esto repercute en que trabajas de manera más cómoda y con mayor libertad. Otra diferencia a destacar de las propuestas más alternativas, es que se están adaptando muy bien a este momento, inestable en general. Me refiero en cuanto a dinamismo de los espacios expositivos, difusión de la información, trato con los artistas y cercanía con el público. En el opuesto estarían algunos centros institucionales con los que me he topado, los cuales de primeras plantean la barrera del dinero, cuando el dinero no siempre es la solución. Tengo alguna experiencia expositiva en la que no pagan catálogo, no contratan a gente para vigilar la sala y por supuesto el montaje, transporte, recogida de las obras y alojamiento corre de tu cuenta…
Al final te das cuenta que los concejales cobran, el alcalde cobra, el bedel cobra, el personal de mantenimiento cobra… y tú como artista, que has diseñado, producido y pagado un proyecto artístico, con el que llenar su programación cultural, no recibes nada a cambio. Pero claro, tienes que dar las gracias porque es una gran oportunidad y te sirve como promoción. Es cuando te das cuenta que tú como artista, también tienes parte de culpa de que esto se produzca. Esto te hace ser más selectivo a la hora de elegir como y donde mostrar tu trabajo. De todos modos, creo que hay que combinar ambos ambientes, siempre buscando la máxima profesionalidad por ambas partes. Existiendo mucho más contacto, colaboración y comunicación entre ambos ámbitos, no importando su naturaleza institucional o no. Gran parte de los artistas jóvenes que conocemos y cuya obra es tan rompedora y vanguardista como la tuya, se inician en estos círculos independientes y después el arte institucional los acoge en su seno. No ha llegado hasta tal punto tu caso, pero nos preguntamos si te preocupa que se institucionalice y consecuentemente comercialice tu arte o crees que es un proceso por el que debe pasar el artista para consolidarse. Efectivamente no ha llegado ese momento. Pero no estoy muy seguro de si llegará o de si quiero que llegue, con esto no quiero parecer desinteresado, todo lo contrario. Pero sobre el proceso de consolidación de un artista, cada uno se forja y encuentra su propio camino, siendo todos válidos. Creo que no existe el manual del éxito para el joven artista, hay algunas claves o pautas, pero te das cuenta que cada uno tiene su estrategia. Personalmente, no estoy muy de acuerdo con el formato expositivo de galería tradicional. Este formato puede no ser el más
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Javier Navarro Romero: Biophilia.
efectivo y puede estar quedando un poco obsoleto, en tanto a como se presenta la obra (como objeto y producto elitista), hasta el mismo funcionamiento de la galería, por lo que no me gustaría quedarme solo con esta vía de trabajo. Estoy en una etapa de probar y probarme en diferentes ambientes y experiencias. Así como difundir y promocionar al máximo mi trabajo. Una de las cosas buenas de no estar ligado o condicionado por el mercado o institución alguna, es que hoy por hoy tengo la oportunidad y la “libertad” de elegir lo que hago. Centrándonos en tu obra, impactante y de una gran calidad, deseamos conocer el camino que has realizado como creador a lo largo de tu trayectoria; camino que te ha conducido desde la pintura a casi todas las disciplinas artísticas, entre ellas la escultura, la fotografía, las instalaciones o incluso la moda. En este mismo orden de cosas, ¿hasta qué punto la experimentación y el descubrimiento constantes son fundamentales en tu
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proceso de trabajo? Y ahora que trabajas en diferentes áreas, ¿observas que en tus obras se proyectan la influencia de unas disciplinas sobre otras? Mi obra en general es una especie de “Work in progress” de carácter acumulativo y evolutivo. Yo empecé pintando y realizando obra gráfica, durante 5 años. El tipo obra gráfica que realizaba era de carácter experimental. Pero poco a poco tenía más curiosidad por otros materiales y soportes, lo que me ha hecho expandirme y probar con nuevas disciplinas, pero siempre tratando de mantener un sello de identidad. En este sentido, mi trabajo constantemente se está configurando como una especie de universo imaginario personal, en el que de algún modo, todo está interconectado e influenciado a la vez. No puedo decantarme por alguna disciplina en concreto, creo que van apareciendo o condicionando el trabajo, según como se materializan mejor las ideas que quiero llevar a cabo. Me gusta trabajar con las manos, porque en cierto modo, para mí el arte me ofrece una vía de escape, una especie de te-
rapia, relacionada con la repetición del gesto y la artesanía. La experimentación también tiene su parte lúdica, espontanea y fresca. La multidisciplinaridad o interdisciplinariedad, es una especie de reflejo o correspondencia con el mundo en el que vivimos en cambio constante, lo cual nutre y estimula mi persona. De esta forma, se puede apreciar en mí trabajo las influencias, no sólo del arte, si no, del cine, mitología, ciencias naturales, videoclips... Me gusta aventurarme en proyectos y colaboraciones con otros artistas y otras disciplinas, que en principio parecen no tener nada que ver conmigo, pero esto hace que mi trabajo cada vez vaya teniendo más envergadura, más salidas, me oxigene y esté vivo. La fuerza de tu obra viene dada en gran medida, por al uso de materiales y de colores que empleas, ¿nos puedes detallar un poco más cómo realizas la elección de ambos? Y, por otro lado, ¿es el material el que en muchos momentos te guía la idea de un trabajo antes de que se te haya ocurrido?
La elección de los materiales o el color es fruto de una mezcla, entre una especie de juego intuitivo-azaroso combinado con una premeditada o estudiada elección. Puede parecer antagónico pero, esa mezcla, simbiosis o dicotomía es constante en todo mi trabajo. En el caso de los materiales con los que empleo, los encuentro en abundancia en la naturaleza. Digamos que el punto inicial de mi trabajo es ese, la naturaleza. Yo vengo de Almería donde la naturaleza y el paisaje de carácter dramático y romántico puede inducir a la catarsis, a lo sublime al más puro estilo de Caspar David Friedrich. Me gusta pasar mucho tiempo paseando y recogiendo material por el desierto de Tabernas o el Cabo de Gata. El material que voy encontrando me va sugiriendo ideas, que posteriormente me plantearan otras cuestiones. Me atrae constantemente la idea de mezclar o hibridar dos realidades, a nivel matérico y conceptual. Fusionando materiales orgánicos de origen natural y sintéticos o artificiales de mi entorno doméstico, bazares chinos, ferreterías…
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Javier Navarro Romero: La herencia de la Medusa.
En cuanto al tema del color sucede un poco igual. Se produce una mezcla entre mi actitud más naíf y un estudio más premeditado. En general me gustan los colores y las texturas inspirados en la naturaleza, como pieles de animales o composiciones fractales. Pero también tengo predilección en colores como el oro, el rojo, el morado, el blanco y el negro, por sus connotaciones simbólicas, rituales y culturales. Del mismo modo me siento seducido por todos aquellos colores metalizados, plastificados, lacas y esmaltes que brillan muchísimo, no puedo evitarlo soy como una hurraca, me atrae todo lo que brilla. Los materiales se mezclan en tus esculturas, artificiales y naturales. Un carácter híbrido que es parte esencial en tu obra, principalmente en la fusión hombre-animal que nos resulta muy interesante y que sin duda nos remiten a nuestra animalidad, pero también a nuestros orígenes. ¿Donde nace la necesidad de expresar esta visión ancestral del ser humano que combinas además con referencias míticas, religiosas y rituales?
En el proyecto “Nacido bajo el signo de capricornio” es donde más patente se hace la idea de la unión humano-animal y la mirada al origen del cosmos, de la vida. Sinceramente creo que la necesidad de expresar la visión ancestral del ser humano, tiene que ver con mi propia experiencia y biografía de un momento determinado de mi recorrido vital. Ese proyecto en concreto, resumía gran parte del trabajo artístico que estaba realizando desde el 2008. Desde ese periodo hasta el 2011, sucedieron bastantes experiencias que me hicieron plantearme muchas decisiones y cuestiones. Por lo que subyace de manera oculta una carga emocional muy importante. En ese momento chocaban en mi miles de sensaciones, conflictos y situaciones a las que tenía que enfrentarme sin saber muy bien cómo comportarme, como es el caso de la pérdida o la muerte. Así es como terminó de florecer la sensación de un autentico ser hibrido, luchando entre mi parte más racional o científica y otra más intuitiva, romántica o animal. En cuanto a las referencias místicas, religiosas y rituales, no es algo nada postizo en mí,
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está ahí de manera natural. Yo soy de Andalucía así que el peso de la semana santa, la matanza del cerdo, la tauromaquia, la caza, el culto a los muertos, la superstición, la imaginería, la muerte, la luz y la oscuridad, el barroco, la fiesta, la vida, la alegría, el alcohol, la comida… me han acompañado en mi biografía y por consecuencia en mi obra artística. Por otro lado, esta búsqueda de lo salvaje, lo natural, lo primitivo, instintivo y lo animal tiene que ver un poco con este momento de juventud desencantada, la generación perdida y todo eso… No sé si tiene que ver con la posmodernidad, pero si no crees en tu gobierno, no crees en la iglesia, la televisión, el sistema, la institución, el dinero, las estructuras sociales, civiles, urbanísticas… en el único sitio donde puedes encontrar de verdad, la paz y volver al origen sin subterfugios, es en la naturaleza. Observar la simple y a la vez compleja estrategia de la vida y los fenómenos naturales, que tanto me llaman la atención. Para mí el animal es el nexo o psicopompo que nos conecta con la naturaleza, es la inocencia, la pureza, lo instintivo y lo salvaje, el nexo con el conocimiento oculto de la cosmogonía, ya olvidado por el “progreso” y la tecnología, y que hay que volver a recuperar. Esto se refleja en mi obra de forma que aparece el culto al animal y la naturaleza al más puro estilo pagano. Por eso también pretendo en cierto modo, plasmar cierto carácter de compromiso ecológico a mi trabajo artístico, apostando por una puesta en valor de la naturaleza y los animales, buscando el viejo vínculo con el ser humano. Mito, rito y religión es una triada interesante que dan un carácter casi antropológico a lo que tú eres capaz de expresar mediante el arte y que se relacionan en este sentido con lo primigenio, lo anterior al hombre y al tiempo y la esencia de nuestro conocimiento, ¿crees que en
nuestro mundo contemporáneo y posmoderno es fundamental hallar este principio a través de la creación, para encontrar respuestas necesarias a través del arte?¿o crees que el arte es vía y expresión de ideas pero no aportador de respuestas para el hombre? La eterna pregunta del origen, es una constante estigmática a lo largo de toda la historia de la humanidad. Revisando la historia del arte de modo global y desde el contexto y punto de vista que la he estudiado, pienso que más que respuestas, el arte plantea constantemente nuevas preguntas y realidades. El arte como capacidad exclusiva humana es lo único que puede acercarnos a la posición del demiurgo creador por encima de otros seres de este planeta, cosa que me parece muy interesante. En mi caso, el arte me sirve para rescatar o tomar algunas preguntas y respuestas de tiempos pasados y devolverlas al presente, creando un dialogo abierto. No me considero un chamán pero se ha dicho que el arte también es magia y la magia ofrece respuestas y preguntas En este sentido, ¿piensas que el arte debe nutrirse de nuestra historia cultural y reescribirla y re-expresarla, abandonando ya ciertas tendencias cuyo fin ha sido únicamente la búsqueda de una estética? Pienso que efectivamente, el arte siempre se nutre de nuestra historia cultural, apropiándose y reinterpretando viejos patrones, para crear los nuevos símbolos. Si caemos en la cuenta, observamos que un gran porcentaje de creadores a lo largo de la historia de arte, mantienen unos patrones (arquetipos simbólicos fetichistas) comunes, los cuales se repiten o se asemejan. Se podría decir que
esta herencia visual y arquetípica podría vincular las representaciones de las pinturas de las cuevas de Lascaux con el imaginario de Lady Gaga. Con esto, quiero decir que el arte al ser consecuencia del desarrollo cultural de la humanidad, no se puede apartar de manera voluntaria, ni desprenderse de lo que Carl Jung llamó el “inconsciente colectivo”; esa marca o impronta que todos tenemos y que nos remite a patrones y arquetipos básicos primitivos, que aparecen de forma involuntaria, y que están grabados en nuestro ADN, los cuales unen pasado y presente. El arte continuará el legado y construirá los nuevos símbolos pero, con una especie de poso o herencia común. En cuanto a la tendencia o búsqueda de una estética, simplemente, no me parece algo negativo, ni superficial a priori. Puesto que en cierto modo también se está produciendo una apropiación y reinterpretación de la imagen. Para ir terminando, ¿cómo ves el panorama artístico actual? ¿Te parece interesante y con fuerza expresiva? ¿Destacarías algunos nombres? Como apreciación personal, tengo la sensación de que a nivel nacional parece que entre los artistas jóvenes de mi generación, se está implantando o desarrollando una especie de moda o estética común, importada y relacionada con Berlín, pero con 5 años de retraso. De todos modos y curiosamente, presto más atención al mundo de la moda, la ciencia la música y el audiovisual que las artes plásticas, porque me estimulan y me inspiran más. Gracias a la investigación doctoral que estoy desarrollando, hace que esté más en contacto con las artes plásticas. Por ejemplo, dos de mis artistas favoritos, que
he descubierto recientemente son Julien Salaud o Nadine Byrne, que descubrí gracias a internet. En cuanto a mi realidad más cercana, amigos, compañeros y demás, hay miles de propuestas muy interesantes. Yo destacaría el trabajo de algunos artistas conocidos, con los que me gustaría colaborar en algún momento. Como en el caso de ilustradora Laia Arqueros, el artista urbano Okuda, el diseñador Luis Manteiga, la poetisa Luna de Miguel y los escultores Pablo Capitán y Ximo Ortega. Por último, te agradecemos mucho tu colaboración y coméntanos, para que lo conozcan nuestros lectores, cuáles son tus próximos proyectos y exposiciones. En cuanto a hablar de futuros proyectos, no me gusta demasiado comentar mis planes, casi por superstición. No obstante, si adelanto que en mis próximos proyectos, se incorpora una nueva línea de trabajo. La cual se desarrolla enmarcada en diferentes localizaciones naturales. Mi idea es trabajar con vídeo, fotografía, moda... y hay entre manos alguna colaboración por medio con otros artistas. Por otro lado, también me apetece mucho poder dedicarme plenamente a mí investigación doctoral, que se desarrolla de manera paralela a mi producción y recorrido artístico. Pretendo que la presentación de la tesis culmine con un ambicioso proyecto, que abarque el documental, la adaptación de la tesis a un libro ilustrado, un proyecto expositivo itinerante... Por último comentaros que en breve iniciaré una estancia en otro país, lo cual me ilusiona a la vez que me produce incertidumbre, pero supongo que supondrá un influjo importante en mi obra como el resto de los lugares en los que he pasado un tiempo. Ya os he contado demasiadas cosas.g Javier Navarro Romero: Trofeo.
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