Bellice magazine nº01 Septiembre 2013 by Bellice Editorial

num: 01 Bellice Magazine. Magazine cultural digital. Nº 01. Septiembre 2013. ISSN 2255-5927.

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Inspiration nº 1 Pedro Paricio

Pedro Paricio

Pintura como forma de vida y vida como parte del arte. Artista poligonal, pero no cuadriculado. pag. 8

Javier Navarro Romero Mitología, naturaleza y experimentación. Ruta por el desierto personal del artista almeriense. pag. 28 Además: Reportaje “Tetera y Kiwi”, webs de interes, galería...

Dirección creativa y editorial: Alberto Chao Redacción: Alberto Chao, Rocío Calvo Fernández Asistencia de redacción: Alberto Chao, Belén Moreno, Isabel Carmona Burgos Publicidad: Alejandro Landero Fotografía: Isabel Carmona Burgos Maquetación: Alberto Chao, Belén Moreno Portada: fotografía cedida por Pedro Paricio, “Inspiración nº1”. Agradecimientos: Francisco Javier Rodríguez Cuevas (Desarrollo y mantenimiento web), Francisco Rojas Rodriguez, JuanJo Rivas (Tipografía Louisiane), Oye Cerodoce (Diseño “Bellice Pure Love”) Editado por: Bellice Editorial. Virgen de las torres, 10. 41010. Sevilla, España. Bellice Magazine ISSN 2255-5927 www.belliceeditorial.com Nº01 Septiembre 2013 Revista On-line: Contacto: bellice@Belliceeditorial.com Publicidad: bellice@Belliceeditorial.com Buscanos en: @belliceEdit www.facebook.com/Belliceeditorial Los artículos, anuncios u opiniones de los entrevistados o colaboradores, no expresan necesariamente la opinión de Bellice Editorial. Esta publicación no puede ser reproducida, ni en todo ni en parte, ni registrada en, o trasmitida por un sistema de recuperación de información, en ninguna forma, ni por ningún medio, sin autorización previa por escrito del editor, Alberto Chao. Todas las fotografías e ilustraciones que contiene el magazine, están publicadas con el permiso de sus respectivos autores.

www.belliceeditorial.com

Webs de interes n6 Pedro Paricio n8

Colabora con nosotros N16

Tetera y Kiwi n21

javier navarro romero n28 galerĂa n40

Digitaldoes

ww.digitaldoes. com nos presenta a través de un espectacular diseño, la web personal del escritor de grafitti, Does. Mediante el uso de flash, Does da vida a su web. Haciendo de esta su propia carta de presentación animada, en el que hasta las dichosas pantallas de carga, resultan agradables y adaptadas a su propio estilo y contexto. Dentro de la web, además de los maravillosos grafittis del escritor, que lucen de cabecera, podemos encontrar varias secciones interesantes: Una biografía muy personal, en la que el escritor narra su trayectoria, hasta involucrarse de lleno en el mundo del grafitti y el arte urbano. También, una amplia galería de videos, enlazados desde los canales de Ironlack, Love Letters y del propio Does, en Vimeo y Yuotube. Además, la web alberga un calendario en el que podéis estar al tanto de los últimos eventos del artista, así como ordenar cronológicamente todas las entradas de la página. No podemos pasar por alto detalles como el

botón fullscreen. Una pequeña pincelada, que podría pasar como una banalidad o algo intrascendente. Pero es el conjunto de esta cantidad de meticulosos pormenores, lo que le da un resultado final optimo y sumamente cuidado. Por ultimo y sin restarle importancia, ya que es uno de los pilares de apoyo de este trabajo, www.digitaldoes.com, incluye por supuesto, un amplísimo porfolio de trabajos del autor, compuesto por sus conocidos murales, cuadros, bocetos e impresiones digitales. Es seguro que esta es una de las secciones más visitadas y de más peso, dentro de las que componen el abanico de esta interesante web. En resumen, www.digitaldoes.com, se caracteriza por un diseño muy esmerado y funcional, que a primera impresión parece colmar el sentido de la vista del visitante y hacerle creer que hay poco más tras esa barrera visual. Pero si nos adentramos e investigamos en profundidad, observaremos que está plagada de contenidos de calidad y que hace gala de un funcionamiento fluido y ejemplar.g

Behance

Webs de interes

ehance Network, es una plataforma especializada para profesionales creativos que se dedican a todo tipo de disciplinas artistitas. Actualmente, dispone de unos ciento veintiocho campos creativos, entre los que podemos encontrar desde los más populares como el diseño o la fotografía, hasta la ilustración, el diseño editorial, packaging… Es la plataforma líder online de alojamiento de portfolios. Hay presentes más de ciento setenta países, más de seis millones de imágenes subidas y produce una corriente de más de once millones de visualizaciones al mes. Todo el mundo puede acceder a Behance, es una plataforma pública y totalmente gratuita con la que podrás dar un impulso a trabajo, compartiendo tu portfolio al mundo. Prestigiosas compañías, editores y otros líderes de la industria creativa utilizan Behance como de bolsas de empleo en busca de nuevos talentos. Incluso encontraras en la web, ofertas de trabajo que dichas empresas ponen a tu disposición.

Como usuario dispones de un perfil que recogerá un breve curriculum. Además de una serie de proyectos publicados a tu elección, donde mostrar tu talento creativo. Con la posibilidad de publicar proyectos colectivos con otros usuarios de la plataforma. Sin limitaciones de archivo, ni de creación de proyectos. Estos se confeccionaran a partir de imágenes, videos, audio, texto… que podrás incrustar en tu proyecto desde plataformas como Vimeo, SoundCloud, Issuu... entre otras muchas. Destacamos Behance Network, por ser una de las mejores plataformas virtuales para promocionar el trabajo creativo y darse a conocer. Ofreciéndote no solo publicar tu portfolio en su base de datos, si no también la posibilidad de conectar tu cuenta con otras redes sociales como Facebook, twitter, LinkedIn, Flirck, Pinterest, etc. En las que seguir moviendo tu trabajo. g

Pedro Paricio. The Big Painter.

o i c i r a P a d i o v r y d a d Pe de vi a m r o f o m Pintura co . e t r a l e d te r a p o m o c

rgos.

bel Carmona Bu

ao, Isa Por: Alberto Ch

-¿Puedes contarnos, brevemente, como fueron tus comienzos? ¿En algún momento, imaginaste la repercusión que alcanzaría tu trabajo? En 2007 trabajaba como periodista y llevaba casi dos años sin tocar un pincel; cuando un dia sin aparente explicación, en una tienda de “todo a cien” cerca de casa, compré un lienzo barato, desempolvé los colores y volví a pintar. ¿Por qué? No sé, quizás porque así estaba escrito. Monté mi primer taller en el recibidor del piso compartido en el que vivía: un espacio rectangular que no alcanza los cuatro metros cuadrados, sin ventanas y con tres p u e rtas.

En mi mente no contemplaba ningún tipo de expectativas, era mas una necesidad, como respirar. Poco a poco todo comenzó a girar de nuevo alrededor de la pintura y lo que empieza como un deseo freudiano, se convierte en una obsesión jacobina. Lee Hun Deok (director de Ikara Gallery), vio algunos cuadros y me propuso exponer. Fue entonces cuando comencé a Preparar mi primera muestra individual, pintando durante el almuerzo y por las noches, mientras compaginaba el trabajo a jornada completa en la editorial de una revista. Cuando finalizó la exposición pensé: “ahora o nunca”. Asi que dejé el trabajo asalariado y asumí que mi futuro está ligado, para bien o para mal, a la pintura. Mi sueño es aportar algo al espíritu de nuestro tiempo aunque para ello tenga que morir en una caja de cartón. -Exposición de la serie Master Painters (2011) en la Halcyon Gallery (Londres), incluido en el libro 100 New Artist de Francesca Gavin, valorado más que positivamente por críticos de arte como Juan Manuel Bonet o Ricard Mas, varias exposiciones en Estados Unidos, Europa y demás lugares del mundo. Se diría que es tanto un curriculum, como un diario de a bordo de tu propia vida. Repasando momentos, ¿cuál dirías que es para ti, el acontecimiento más significativo de tu carrera? Todos los momentos de la vida representan los eslabones de una cadena, si rompes uno solo de ellos, te desenganchas de tu destino –Responde brevemente Pedro, para no restarle así importancia a ninguno de los pasos dados, hasta el momento actual-.

Pedro Paricio. Magic Charms.

-Nuestros lectores, son interesados en el arte, e incluso muchos de ellos cursan estudios de Bellas Artes u otras especialidades relacionadas con su entorno. Como joven creador y aun cercano al mundo lectivo, ¿crees que el artista termina de formarse en algún momento? ¿Cual crees que es el momento determinante en este proceso de formación? Advirtiendo el panorama actual, ¿consideras que los jóvenes artistas y creadores lo tienen complicado? ¿Qué les recomendarías? Personalmente, ¿consideras que hay alguna clave para el éxito? Nací aprendiendo y moriré aprendiendo, porque siempre hay algo por aprender. Cuando dejas de crecer, estás muerto y por eso cada día es un nuevo día. El éxito es una palabra con demasiadas connotaciones comerciales –fama, dinero, etc.y el artista que escoge el éxito, como objetivo principal, solo forma parte temporal de la sociedad del entretenimiento. Pintar es una necesidad, como respirar. Plantearse el éxito económico, antes que el sentido humano e histórico del arte, es poner el carro delante del caballo. El creador debe encontrarse a sí mismo y a su propia obra. Entonces, si está tiene algo que aportar a nuestra cultura, antes o después, el mundo lo escuchará. -Sabemos, que no eres precisamente el amante número uno de la tecnología y de internet. Pero teniendo en cuenta que nuestra revista es digital y de difusión en la web, ¿Qué opinión te merecen tanto los proyectos, como los artistas que trabajan con este tipo de nuevos medios? ¿Facilita la difusión y el acercamiento, a ciertos artistas ajenos al circuito más “tradicional” de galerías y salas de exposición? ¿Te planteas si facilita o ayuda de alguna manera internet al arte, en un momento como este de “austeridad”? ¿Qué pros y contras le ves a este tipo de medios?

La tecnología en algunos aspectos es maravillosa, pero no es la panacea universal, es una herramienta y no un fin. Vivimos una época en la que los nuevos medios suplantan a la realidad, yo prefiero la realidad a una pantalla. Trato de relacionarme con el mundo de la manera más directa posible porque al final, la vida es lo más importante, lo otro solo son mecanismos para acercarnos a ella de manera indirecta. Me gusta aquello que puedo palpar: la pintura, los libros de papel, el vino que nace de la tierra, los cuadros colgados en las paredes sin códigos de barras y el tacto de la piel de aquellos a los que quiero. Buscar obras de arte por internet es muy interesante, pero considero más interesante ir a verlas al museo y dejarse arrastrar por el poder de su presencia. Visitar una exposición para prestar más atención a los letreros y a la información que ofrece la realidad aumentada que al cuadro, es como ir a un restaurante a mirar la vajilla o el mantel y no probar la comida. Como si te sentaras con tu pareja en una tarde romántica para ver atardecer y cuando el sol cae sobre el océano desplegando miles de colores, tú sacaras el móvil buscando un código que escanear para obtener alguna información adicional. Igual que un día se descubrió el óleo y otro la fotografía, hoy los artistas tienen a su disposición nuevas herramientas para crear. Pero el medio no es el mensaje. Leonardo no es Leonardo porque pintase al óleo. Una obra no tiene más valor cultural y humano que otra, por usar diamantes, madera, oleo, temple o procesadores de la NASA. -La mayoría de tus trabajos contienen un aspecto muy personalista. Lo vemos reflejado en series como Diario de un artista (2011-2013), en las que se plantea un uso de tu propia figura, ubicándola en situaciones cotidianas e incluso “invadiendo” obras clásicas de la historia del arte. ¿Podría decirse que muchas de ellas son una especie de dia-

rio, carta intima, del autor? De ser así, ¿Cómo interactúa esa intimidad con el espectador?¿Es posible, que el sentir de Pedro Paricio esté expuesto a modo de “urna de cristal” en sus obras?, o por el contrario ¿Es el Pedro Paricio que percibe el espectador, un personaje de su propia obra? El secreto del Arte es convertir el “Tú” y el “Yo” en “Nosotros”. Cuando tu espíritu y el de otro ser humano conectan en la obra, aparece el Arte. Eso es todo lo que pretendo. Me considero un chamán, un brujo, un pintor. No es ciencia sino Arte. Algo que tiene que ver con la magia de las cavernas que aún se mantiene en nuestro ADN. El Arte versa sobre la honestidad y no puedo ser más honesto que hablando de aquello que conozco o puedo tratar de conocer, yo y mi circunstancia…que a la vez somos nosotros y nuestra circunstancia. Establezco un juego de espejos en el que el espectador puede verme o verse a sí mismo. -La senda de tu trayectoria, cruza por estilos que van desde la profundidad de la abstracción, a la rotundidad y narrativa de la figuración. ¿Cuál de estos estilos, dirías que te ha influenciado en mayor medida? ¿Escogerías algunos de los dos, como medio pictórico optimo, en la expresión de tus ideas? Aun sabiendo, que no rompes con conceptos abstractos, en tu obra más reciente, ¿En qué momento tiene lugar en tu obra, esa progresión de una abstracción más tangible, a la figuración abstracta? ¿es posible que la evolución de tu trabajo,

te haya “sacado” de círculos más puristas, en los que prima mas la abstracción que la figuración? Una vez la abstracción entra a formar parte del imaginario colectivo durante el siglo XX, el choque cognitivo se desvanece y la frontera entre abstracción y figuración resulta mucho más difusa. Encontramos una maravillosa pintura abstracta en un palmo de carne pintado por Lucian Freud y una figuración espléndida en una constelación de Miró. Quizás, podemos analizar la diferencia entre arte narrativo y no narrativo, pero resulta también complicado establecer aquí una línea. Si nuestra actitud es la adecuada, toda obra de Arte narra algo a nuestro espíritu. La materia de Tapies y un retrato de Klimt. -Al empezar una nueva pintura, ¿cómo es su proceso creativo? ¿Empleas un orden establecido como el “natural”, en tus creaciones?, o ¿dicho proceso, se adapta o surge, durante la factura de cada una de ellas? Retirado en su taller, alejado del ruido y cualquier tipo de distracción. En un momento de aislamiento, casi místico. ¿Cómo es la manera de trabajar de Pedro Paricio? A título particular, ¿tienes aluna obra en concreto, que consideres más personal que el resto? .Si es así, nos encantaría saber cual es y el por qué.

Pintar es un ritual. Pinto como lo hacían los primeros pintores hace 35.000 años. Me encierro en mi propia caverna de los sueños, sin asistentes, sin espectadores, solo: con mis ángeles y mis demonios.

Pedro Paricio. Complementary Colors.

Cuando pinto, no puede haber nadie alrededor mío. Es un momento absolutamente privado. Necesito viajar hacia dentro y comenzar un dialogo interior con las imágenes que me rodean, con la tradición, con el propio cuadro. Todo comienza con una aparición, un espejismo, una idea, una visión; pero cuando comienzo a pintar, lo fundamental es escuchar al lienzo, a la imagen que va apareciendo sobre la tela, porque ella es la que finalmente conversará con el espectador. Cada una de las obras que salen de mi taller tienen algo que decir, y solo cuando merecen tener su propia vida, lo abandonan. En caso contrario las rompo. Por eso acabo pocos cuadros cada año. -Algo a no pasar por alto en tus obras, como detalle muy relevante, es el concepto “icono”. Podemos observar a lo largo de tu trayectoria, como frecuentas elementos como el sombrero, la corbata, la pluma…etc. Elementos que forman parte, no solo del mero lienzo, sino también de tu persona. A través de esa reiteración que se suma

al uso de colores planos, ¿relacionarías tu obra, de alguna manera, con estilos como el pop, arte urbano o incluso con el diseño gráfico? Sí, pero todavía más con el románico y las artes primitivas. Desde el pop la imagen se queda preferentemente en la superficie y a mí me atraen aquellos momentos en los que el arte era la representación de algo más profundo, cuando la imagen era una puerta a un más allá. Mi obra puede parecer pop, pero no me interesa la cultura de masas, el objeto de consumo, ni la anécdota. En contra de las teorías actuales predominantes, pretendo que mi arte sea atemporal. Las preocupaciones de los seres humanos han sido y serán las mismas, por eso las grandes obras de arte son capaces de conectar con nosotros generación tras generación. Incluso las grandes obras de arte Pop resultan trascendentales. -En tu obra, sueles emplear colores planos. Muy saturados y luminosos. Colores alegres que derrochan viveza. Prácticamente pigmento puro, que conforma

Pedro Paricio. Inspiration nº2.

composiciones poligonales. ¿Podrías contarnos algo acerca su simbolismo, si es que tiene? ¿Sería posible que contuviese algún significado interior, del que el espectador no sea consciente? Siempre has relacionado la elección de colores en tus cuadros, con la luz de tu archipiélago natal, Canarias. En un sentido intimista, relacionado con la añoranza, ¿dirías que el uso de ellos, puede tener un sentido “romántico” y tal vez melancólico, a pesar de su frescura y viveza? ¿Te devuelve allí, de algún modo, el uso de estos tonos? Mi obra es romántica en la medida que nada a contracorriente, igual que lo hizo el movimiento Romántico desde mediados del siglo XVIII –la historia oficial lo

sitúa en el siglo XIX pero comparto las teorías que fijan su inicio antes-. Ellos se oponían a la industrialización acrítica y yo me opongo a la total digitalización de la realidad. Resistencia romántica por utópica que parezca, pero eso es la utopía: andar hacia un horizonte inalcanzable, pero andar. Si consigo que el espectador reflexione, aunque solo sea por un instante, habremos logrado algo. Me resisto a un mundo devorado por las pantallas y propongo que otro mundo es posible. Pintar, continuar comprando libros de papel, producir vino y excluir mi vida privada de las redes sociales, son todos actos románticos de resistencia. Creo que aún es posible comunicarnos con la mirada y con el tacto. Disfrutar el mundo con nuestros propios sentidos.

Pedro Paricio. Inspiration nº3.

Los colores están dentro de mí, forman parte de mi personalidad, de la forma en la que veo el mundo. Pero toda luz produce una sombra y esa sombra también habita en mi pintura. Es el Yin y el Yang. -Una pregunta tal vez típica, pero de rigor. ¿Cuáles son tus referentes? ¿Qué artistas consideras que han influenciado tu carrera? Devoro todo lo que me encuentro en el camino, cada artista, cada exposición. Hay artistas que han tenido una ascendencia dominante sobre mí en ciertos periodos: Beuys, Rothko, Bacon, Caravaggio, Picasso... pero cada vez me alejo más de todos ellos porque no quiero “ser otro”, no quiero ser ellos. Dejan de ser nuestros padres para convertir-

se en nuestros hermanos. Para pintar como Rafael ya está Rafael. Yo quiero mirar a Velázquez a los ojos. -Después de que tanto Pedro Paricio, como sus creaciones hayan recorrido el mundo, de mostrarlas en salas de exposiciones de magnifico nivel y de un reconocimiento a un merito innegable. ¿Qué le queda por hacer, a un más que joven artista? ¿Cuáles son sus futuros proyectos? Por hacer, todo, absolutamente todo. Como proyecto de futuro, me centro en pintar, aprender y vivir…que para mí son los tres lo mismo.g

OYE CERODOCE BELLICE PURE LOVE

ellice se presenta como un territorio común, una esfera en torno a la cual giran los trabajos y las propuestas de artistas y asociaciones que desean exponer su obra de forma gratuita para mostrar al mundo su talento, su técnica y sus capacidades. Esta es la razón por la que Bellice ha fundado una galería virtual, de la que podemos formar parte todos aquellos que dedicamos nuestro esfuerzo y tiempo a la creación. un espacio nuevo para difundir las composiciones y acciones artísticas a las que nos venimos refiriendo. Un espacio expositivo en el que nosotros mismos, el equipo de Bellice, nos involucramos, participamos y compartimos. Nuestra iniciativa nace de una necesidad y una oportunidad, que

nosotros mismo hemos buscado y solicitado, y hoy por hoy, queremos ofrecerla a los demás. Queremos brindar nuestra galería, a modo de plataforma de promoción virtual, en la que impulsar el trabajo de jóvenes artistas, que se merecen un reconocimiento, y una divulgación de la labor que llevan a cabo. Esta galería, formada por las colaboraciones de artistas de todo tipo, sin importar la disciplina ni el género que cultiven, tiene un carácter trimestral y un máximo de cuatro obras por usuario. Así pues, cada tres meses las imágenes de los trabajos de los creadores serán publicadas en los diferentes números de “Bellice Magazine”. Y no solo nos quedamos ahí, ésta es nuestra manera de descubrir nuevos talentos, nuevos artis-

tas, con los que no solo confeccionamos una de nuestras secciones, como es el caso de la “galería”, a la vez buscamos nuevos protagonistas para nuestras entrevistas o demás publicaciones. Pretendemos, de esta manera, dar un sentido y una finalidad a las obras de los artistas colaboradores, agrupándolas y mostrándolas a un público especifico interesado en ellas. Ofreciendo el uso final al que esta predestinada la obra: La exhibición o la muestra de cara al público, en formato revista, como producto visual que al fin y al cabo es. De esta manera, tratamos que las obras, convivan tanto en nuestro magazine, como en nuestra galería, dando al proyecto un sentido social y de punto de encuentro de los interesados en la materia. Dando un sentido más

amplio a nuestra web, que el de un mero porfolio contenedor de obras de artistas. Bellice no se queda con los derechos de ninguna de las obras publicadas por los diferentes artistas que colaboran con nosotros, al igual que no nos beneficiamos de ninguna de éstas. Llevamos a cabo esta iniciativa para que tanto los artistas que están empezando o quieren colaborar se den a conocer en otros ámbitos, sea en la red, en nuestras publicaciones vía online o en un futuro impresas. Colaborar y aparecer en nuestra plataforma web, es tan fácil como registrase y una vez estés registrado podrás subir los trabajos que quieras a nuestra Galería. No pierdas tiempo y regístrate ya en www.belliceeditorial.com g

www.belliceeditorial.com

Guia para reinventarse en epoca de crisis Por: Alberto Chao. Fotografía: Isabel Carmona Burgos.

Tetera y Kiwi. “Exposición molona” Ilustraciones de Beatriz Iglesias.

n esta ocasión, Irene J. Sobreviela y Antonio J.Luque, nos abren las puertas de su querida Tetera y Kiwi. Situado en la Calle Tablas, en pleno corazón de Granada, este espacio combina galería de arte y una original tienda, además de dar cobijo al espacio que reservan como oficina para su productora audiovisual, que consideran su pasión y estandarte.

La originalidad de Tetera y Kiwi, reside precisamente en la convergencia de estos tres factores, que actúan como uno y se respaldan; y a pesar de mezclar dos conceptos que pueden resultar un poco “fríos” o ajenos, como son la galería de arte y la productora audiovisual, esta composición en la que un espacio se convierte en varios, atrae al espectador hacia un ámbito al que tal vez,

no se acostumbran a términos como “galeristas” o “comisarios”. Son conscientes de que algunos entendidos, pueden tacharlos de “intrusos”, ya que pesar de haber estudiado materias relacionadas con este mundo, no tienen la formación teóricamente necesaria. Pero consideran, que la preparación no ha de ser meramente académica y hay que tener en cuenta, tambien, otros factores externos como la determinación o el propio coraje. Es posible, que el nuevo estilo de este tipo de galerías dé una imagen diferente, que no esté tan asociada al típico comisario o galerista. Por lo que a ellos respecta, entienden este concepto como “antiguo” y se sienten inmiscuidos profundamente en este mundo, aunque algunas instituciones u organizaciones no lo consideren así, ya que crean y comercian con arte, realizando todo tipo de eventos relacionados con el mismo.

no se vio interesado antes. Todo ello sumado a la búsqueda de un nivel más “informal” y acogedor, que huye mucho del concepto de típica galería y que hace sentir más cómoda a la gente frente a nuevas experiencias, usando un espacio “vivo” y adaptable a diferentes circunstancias.

Lo que está claro, alejándonos de definiciones y terminologías, es que por el momento, la idea ha tenido una muy buena aceptación, y buena prueba de ello es que en el aun corto periodo de vida de Tetera y Kiwi, esta pareja de creativos, ha organizado más de 9 exposiciones y tienen cerradas fechas hasta 2014.

La tienda y su original material creado en su mayoría por artistas colaboradores, sirve de reclamo y hacen de colofón de este maravilloso proyecto, cerrando el círculo creativo y exponiendo sus valores y objetivos.

Tetera y Kiwi, también cede espacio a proyectos, presentaciones y todos aquellos eventos con los que se sientan identificados, sobretodo cine e ilustración (conceptos con los que se sienten más familiarizados), además de las exposiciones que organizan. La duración de estas muestras suelen rondar los 20 días.

A pesar de la formación de ambos en el sector audiovisual y de este año largo de experiencia acumulada en su nuevo negocio, aun

Sus propios intereses y gustos, hacen que se decanten por la ilustración. No es tan importante la disciplina, estando abiertos a

Tetera y Kiwi. “Exposición molona” Ilustraciones de Pakoto.

cualquier proyecto interdisciplinar que finalmente tenga como base dicho objetivo y busque la ilustración como meta, no como medio. Aun así, constatan que no solo ellos contactan con artistas específicos, sino que están abiertos a nuevas propuestas. Al envío o muestras de dossier, tanto por email, como de forma personal y directa. Siendo la profesionalidad uno de los grandes factores que les ayuda a decantarse por un artista u otro. Se interesan por aquellas personas, que realmente ven en el mundo de la ilustración su futuro laboral. Que se aprec ie en su trabajo una factura, mas identificada con la figura del profesional, que con la de artista en sí misma. La intención no es definirse ni atribuirse un carácter elitista, pero sopesan la posibilidad que para particulares que ven esto como un hobby, hay otro tipo de lugares que se adaptan más a sus criterios.

Irene y Antonio, no solo ceden su espacio sino que también se implican de manera directa en el trabajo y el montaje de las exposiciones que acogen. Organizan, se ocupan de la difusión, cartelería…etc. Suelen sacar productos derivados, para ampliar la gama y llegar, con precios más populares, a un mayor número de clientes. Por último y a modo de complemento a la exposición en vigencia, suman su pinito personal, con una entrevista en formato audiovisual al artista, donde explayan sus conocimientos, afición y gusto. Dan mucho uso a las redes sociales, sobre todo a Facebook. Al hacer de sus propios community managers, empezaron poniendo cosas un poco aleatoriamente y tal vez con demasiada seriedad. Pero a día de hoy saben cómo y cuándo hacerlo, para captar la atención del

público. En sus escritos en las redes sociales, buscan empatizar con sus seguidores a través de mensajes directos y naturales, tal cual son. Procurando contestar siempre a todos los comentarios y dándoles un tono más cómodo y divertido. En 4 meses rondaban la cifra de más de 1000 fans, lo que constata que por ahora, su relación con el mundo social, es más que bueno. En lo concerniente a su formación y personalidades, ambos vienen de mundos muy distintos, pero no distantes y podría decirse que su encuentro es obra del casual amor común por los audiovisuales. Irene es una apasionada del mundo gráfico y audiovisual, que conformó su formación académica según sus intereses, “montándose su propia carrera”. Con estudios de ilustración, fotografía y como broche final un máster en cine, que a su entender, lo englobaba todo. En contrapunto Antonio, estudio en la escuela superior de hostelería de Sevilla. Una formación que combinaba el afianzamiento y la tranquilidad laboral, con el gusto por la repostería y la alta cocina. Lo que finalmente le aportó la libertad económica, para estudiar lo que realmente le interesaba, el cine. Este se convierte en el vínculo común entre ambos, que los llevó a conocerse, compartir aficiones, retroalimentarse y finalmente consolidarse como grupo creador. Uno de sus primeros trabajos fue la realización de un video para el libro “Destroza este diario” de Keri Smith, que posteriormente fue cedido a la Editorial Paidos, por petición de la misma, con la posibilidad y expectativa de realizar con ellos otros futuros proyectos. Esto fue un revulsivo para la creación de Tetera y Kiwi, en lo que a audiovisuales se refiere.

La escueta afluencia de trabajos de corte audiovisual y la posibilidad de diversificarse buscando nuevas propuestas, llevo a esta pareja de emprendedores a renovar su cartera de proyectos, lo que les ha hecho destacables por su diferencia, además de proporcionarles un beneficio extra. “Hay que reinventarse y no quedarse parado simplemente por el hecho de estar en crisis” “Ante la crisis, sobre todo lo que más hay, es miedo”. Si nos centramos en la galería, su objetivo era algo poco ostentoso, sobretodo enfocado a la ilustración y que no desvirtuara el trabajo de los artistas, alejado de bares, estudios de tatuaje, y otros espacios que también hacen las veces pequeñas salas de exposiciones.

La rápida decisión de comenzar su proyecto, lo original de la idea y el aun reciente nacimiento del mismo, redujeron brevemente el contacto y la posibilidad de atraer a artistas más conocidos o consagrados. Y decimos brevemente, porque no paso mucho hasta que se toparon con el trabajo de Mercedes deBellard. Su estilo vistoso y directo, además de fácilmente comprensible, en combinación con el hecho de que fuera una artista local reconocida, les hizo decantarse por ella y elegirla para conformar la primera exposición, de lo que es hoy el amplio abanico de Tetera y Kiwi. Poco tiempo después, contaron con la ilustradora Laura Wächter. De la que se consideran fans y amigos. Observando su amplio catalogo de trabajos y la calidad de los mismos, la decisión de comenzar a organizar con ella, lo que sería su segunda exposición “Out of Context”, fue fácil. Tetera y Kiwi. “Fragilitos“ de David Urbano

Son de la opinión, de que la “crisis”, ha fomentado un nuevo tipo de negocio, alternativo, basado en la reinvención y en una producción más escueta y artesanal y no tan masiva y seriada. Utilizando más la empatía y el corazón. La creatividad y ambición de nuestros protagonistas, sumada a un escaso mercado laboral, que fuerza al autoempleo, determinó de forma notable la decisión de la creación de su negocio y apenas si pasaron tres semanas entre el alquiler del local y la apertura del mismo. Guardan un muy buen recuerdo de sus comienzos. Solo el preguntarles acerca del tema, les saca una sonrisa.

Con motivo de la publicación del libro “Joven Rico” de Jose Luis Agreda, al que seguían desde hace mucho a través de redes sociales, le propusieron realizar una presentación del libro en la tienda, en combinación con una exposición de las obras del autor. Lo que acepto encantado. Estas líneas no hacen más que resumir, escuetamente, las tres primeras exposiciones realizadas en este espacio pero, el esfuerzo y sobretodo la cordialidad son la clave del éxito de sus muestras. Intentan hacer las cosas con respeto y cercanía, y sobre todo bien, ya que consideran este camino más sencillo y directo, además de correcto. El proceso de contactar con el artista, mas el montaje de la expo, sumado a las pequeñas entrevistas que Tetera y Kiwi realiza a sus colaboradores, allana el terreno de la cordialidad y de una amistad generada por el interés y el trabajo común.

El grupo trabaja a diario. Sin descanso. El espectro de encargos que cubren, es amplio. En el ámbito audiovisual, actualmente trabajan con la Junta de Andalucía, realizando coberturas de congresos, a lo que también se suman otros encargos como, spots publicitarios, videoclips musicales e incluso videos de boda. Todos ellos, con el sello personal de Tetera y Kiwi, fundamentado en la profesionalidad, seriedad y el más autentico estilo cinematográfico. Sobre todo, podemos encontrar estos trabajos en su blog

A pesar de tener gustos y funciones tan opuestas, ambos buscan tareas con las que se encuentren cómodos y complementen de la mejor manera posible a su cómplice. Para encargos menos densos o que no requieren demasiada tarea, ellos dos suelen ser suficientes y trabajan más cómodos al tener una organización rodada. Pero tienen las puertas abiertas a incluir personal o delegar tareas en profesionales de

Tetera y Kiwi. Láminas ilustradas de Mercedes deBellard.

- www.teteraykiwi.blogspot.com - enlazados desde la plataforma Vimeo, de la que hacen buen uso, a la espera de su futura página web, aun en construcción. Aunque definen en pareja los enfoques y objetivos de sus proyectos, Antonio se suele centrar más en el guión y por influencia de la fotografía gastronómica, se decanta más por el plano detalle. La especialidad de Irene es la dirección de arte y es más de plano general, a diferencia de su compañero.

confianza, cuando es necesario. Al fin y al cabo, con su negocio han conocido y hecho muchos buenos contactos. Una especie de cartera, con la que también poder dar algo de trabajo a profesionales, con los que han colaborado con anterioridad. Su intención es continuar en esta línea, pero les gustaría introducir más carga audiovisual, cuando la situación laboral en este sector mejore y sacar tiempo para realizar proyectos más ambiciosos, buscando el crecimiento exponencial.

Hasta el momento, su único apoyo han sido sus propios ahorros. Han buscado fondos en la Cámara de Comercio, el Instituto de la Mujer, Junta de Andalucía, subvenciones para el Fomento de la Cultura, sin éxito. “Da la sensación de que ni ellos mismos saben que no están ayudando y esto resume mucho el panorama”. A pesar de la falta de ayudas a la creación de este tipo de espacios y lo escaso de ellos, la pareja, no ve en ello un revulsivo para el éxito de su negocio, ya que a su parecer cubren una demanda, que tampoco estaba cubierta antes de la crisis. Consideran, que la actitud colaborativa -pilar principal de su negocio-, ha estado presente desde siempre en el mundo del arte. Hay muchos artistas consagrados, que no solo ahora, sino siempre, han estado ligados a este tipo de colaboración y retroalimentación y se muestran accesibles a nuevos proyectos e invitaciones a ellos. Su valoración es que situación ha existido siempre. Solo que ahora, tal vez se acrecente gracias a los medios digitales, la “cercanía” que proporciona el poder contactar fácilmente con alguien, a través de internet y un cambio en la aceptación de la ilustración como arte mayor. Actualmente, se han desplazado a un nuevo emplazamiento situado en calle Tablas, que dispone de un espacio más amplio y un mayor escaparate, para mostrar obras.

En el paso de crecimiento hacia este nuevo local, ya no se sienten tan novatos y su intención es usar este cambio para profundizar y hacer un poco más presente lo audiovisual y mostrar así, un poco más de su propio trabajo. Haciendo uso de esta nueva sala y como presentación de la nueva temporada, Tetera y Kiwi nos tiene preparada la exposición “¡Han Vuelto!”, que comenzará el 13 de Septiembre. Simultáneamente, el dúo, prácticamente “hiperactivo”, prepara nuevos proyectos constantemente. Ejemplo de ello es, el videoclip del grupo musical Copa Turbo -ganadores del concurso organizado al alcanzar 1000 fans en Facebook-, un documental sobre Arte Urbano y un par de cortometrajes, en los que están inmersos, que esperamos ansiosamente ver pronto. g

LOUSIANE by Juanjo Rivas

Tipogragía gratuíta

uanjo Rivas nos sorprende con la presentación de su tipografía, en descarga gratuita, Louisiane. Nacido en San Pedro Alcántara (Málaga), estudió diseño gráfico en Granada. La docencia tipográfica no le viene de nuevas, ya que Juanjo, ejerce como diseñador gráfico, ilustrador y profesor de tipografía en la escuela de diseño “Estación Diseño”. Ha estado recientemente impartiendo el taller “Tipograffiti” en las jornadas “Ole mi tipo”, una experiencia que considera fantástica, sobre todo por haberle dado la oportunidad de conocer a personalidades como Manuel Sesma, Joluvian o Alberto Carnero, entre otros. Fue durante su formación en la escuela de

arte donde conoció la tipografía. Un amor a primera vista que suscitó en el diseñador un interés que confiesa “casi enfermizo”. Una pasión que comparte con el legado que dejó Alphonse Mucha. Juanjo presenta ahora Lousiane, una tipografía decorativa para títulos y composiciones y que pone a disposición en descarga libre. El lanzamiento de Lousiane coincide con la Ampersand conference 2013, exposición de diseño de tipos realizados por estudiantes de escuelas de diseño de todo el mundo. Respecto a las características de la misma, Juanjo comenta que puede recordar al Art Nouveau por sus formas. Inicialmente, el diseñador pensó crear varios pesos, una sin

{DESCÁRGALA GRÁTIS} http://www.juanjorivas.com/151515/897864/gallery/lousiane-neo-art-nouveau-type-specimen

serifa y quizás una cursiva de unos 11º de inclinación. Pero finalmente decidió que solo tuviera un peso con un buen surtido de piezas decorativas, como capitulares, swash, florones, ligaduras discrecionales, patrones, etc. Para su creador, trabajar la caja alta, ha sido los más fácil del proyecto, ya que se basa en tomar referentes de algunos caracteres y el posterior desarrollo del resto. Sin embargo nos confiesa, que en diseño de caja baja, todo ha sido mucho más complicado. Louisiane, puede despertar sentimientos contrapuestos siendo relamida para algunos y preciosa para otros, pero para Juanjo, lo importante es que la gente vea que no es igual

que otras “letras” que ven por internet, e invita a que no comparen un solo carácter sino la tipografía completa. Y puntualiza: “este no es el caso de Bodoni o Didot”. En el proceso, la tipografía ha ido creciendo, cambiando un número incontable de veces para perfeccionar su composición y mejorando cada vez que la usaba para algún trabajo. La tipografía está disponible en descarga libre mediante pago por un tweet. El por qué de esta opción, Juanjo lo tiene claro: “La dejo en libre descarga porque es imperfecta. A la tipografía, cada vez le ves algo que hacer; es un no parar de cambiarle cosas”. Y recalca: “Esta tipografía se inspiró gracias a internet y desde internet se podrá descargar”. g

javier romero

MitologĂa, natura Ruta por el desie almeriense.

Por: RocĂo Ca

Javier Navarro Romero: Alter Ego

navarro o

aleza y experimentación. erto personal del artista

alvo Fernandez.

Nos gustaría comenzar con una pequeña presentación. Por tanto, como primera pregunta, ¿quién es Javier Navarro? Soy Javier Navarro Romero. Nací hace 27 años en Almería. A modo de presentación haré un versus filias-fobias. Adoro a Björk y su música. Me interesan Charles Darwin, Isaac Asimov, Amy Winehouse y Alexander Mc Queen. Me atrae el romanticismo, la teología, las ciencias naturales y por supuesto la naturaleza en todas sus formas. Me encanta la vida en el mediterráneo, amo Andalucía, me gusta Grecia y su historia, Marruecos y su comida e Italia y los italianos. Ahora bien; no me gusta el maltrato a los animales, ni la gente que dice que tener plantas en el dormitorio es malo. Tampoco me gusta la ley de costas de este gobierno, ni este gobierno. No me atrae la gente que se autodenomina y busca la normalidad, eso me parece aburrido. Es más interesante, lo tenebroso, lo barroco, el esperpento, lo brillante, lo fantástico... Muchas de las cosas que me gustan, en mayor o menor grado, las une el arte. Y es que sobre todo, el arte es para mí la forma de relacionarme con el mundo que me rodea, con el presente que me ha tocado vivir y con el pasado que me gusta sentir.

Siguiendo el hilo de esta presentación, querríamos que nos describieras cómo fueron tus inicios en el arte. Curiosamente, la gente que me ha rodeado en mi infancia y adolescencia; tanto profesores, como compañeros y familia, parecen que tenían más claro que yo cual iba a ser mi camino. Desde bien pequeño, destacaba en todas las asignaturas y actividades del colegio en las que había trabajo manual y artístico de por medio. Posteriormente en el instituto, me dedicaba a garabatear las mesas, cambiar dibujos y opiniones con los compañeros de clase. Por suerte, cuando entré a cursar el bachillerato artístico todo cambió. En esos años encontré a mí alrededor mucha gente interesante e inspiradora, que fue clave para decantarme por cursar la licenciatura Javier Navarro Romero: Los chicos envenenados.

en Bellas Artes en Granada. Etapa de la cual guardo muy buen recuerdo. Después, por no separarme de lo académico y de “las ofertas que nos prometían un futuro profesional mejor, al realizar un máster”, cursé el de Producción Artística en la Universidad Politécnica de Valencia. Supe aprovechar muy bien ese tiempo manteniendo mí proyección artística, lo que me sirvió de apoyo para enfocar mi tesis doctoral, en la que me encuentro ahora inmerso y que se desarrolla de forma paralela a mi trabajo artístico. Decir que, aunque he sido buen estudiante, mi trabajo artístico no siempre ha estado ligado al marco académico. Es decir, yo siempre he apostado por encajar o llevarme dicho marco a mi terreno y plantear mi propia propuesta personal ante todo, a pesar de no tener la certeza de que vaya a salir bien o no. Creo que hasta ahora, he

sabido ligar y combinar mi propio trabajo e investigación artística con la academia y el marco institucional universitario. Conociendo tu trayectoria y puesto que eres un artista joven, ¿Qué opinas sobre cómo afecta la situación de crisis actual también al arte? ¿Puede tener esta crisis aspectos positivos y negativos, con respecto al mundo de la cultura y a las facetas creativas de los artistas? Esta pregunta me recuerda a la famosa frase que se escucha a menudo sobre que “el arte y los artistas siempre han estado en crisis y todo eso…” Desde mi posición y mi experiencia, no he notado especial cambio entre antes y ahora. Sin embargo actualmente, trabajo, me exijo y produzco una obra de mayor calidad y profesionalidad, elaborando proyectos más arriesgados. Aun sabiendo que en la mayoría de casos no existe una ganancia monetaria. Pero siempre he tenido muy claro que dedicarse al arte está más cercano a ser un modo de vida, más que a ser una profesión tal cual. Como bien decía Carmelo Trenado, profesor de pintura de la universidad de Granada: “Dedicarse al arte lo contemplo como una carrera de fondo de por vida”. No vivo exclusivamente de mi producción artística, pero eso no es una tara para no seguir en movimiento y disfrutarlo de igual modo. Entonces planteado de este modo, la crisis, no es salvo otra prueba que hay que enfrentar en el camino.

También creo en este momento de crisis, como una muy buena y necesaria oportunidad de cambio positivo en general (no sólo en el mundo del arte). Según mi parecer debería producirse un gran cambio, tanto en los diferentes ámbitos, circuitos, estructuras del mundo del arte y la cultura (como galerías, museos, instituciones…), pero también por parte de los artistas. En caso contrario, esta situación terminará en una especie de pescadilla que se muerde la cola; Ya que han desaparecido muchas ayudas, becas y certámenes, cierran galerías, no se apuesta por artistas emergentes y muchos artistas dejan de lado su producción. Tenemos que tener en cuenta que además, en nuestro sector, también explotó la burbuja del arte joven emergente. Así que creo que se avecina una severa criba con todo lo bueno y lo malo que puede haber implícito en el proceso. Revisando tus exposiciones, observamos que te codeas igualmente con círculos independientes que con institucionales, ¿en cuál te sientes más cómodo? ¿Cómo definirías o establecerías las diferencias entre los dos círculos? Y volviendo al tema de la crisis, ¿de qué manera se ven afectados cada uno de estos ámbitos? No tengo especial predilección por determinados círculos. Cada nueva oportunidad para mostrar mi trabajo es diferente, un nuevo reto. Creo que me siento cómodo indistintamente, mientras que las personas

Javier Navarro Romero: La Armadura Afrodita.

con las que colaboro tengan una actitud profesional y de compromiso. Lo que si me gustaría destacar es que las instituciones (hablando de casos concretos y siempre según mi experiencia) cada vez ofrecen menos al artista. Sin embargo, el artista tiene que aportar y apostar más, paradójicamente. También, si ya de por si en ocasiones los circuitos institucionales suelen ser herméticos y reacios a apostar por nuevos proyectos; Con la excusa de la crisis y de los recortes, se están tornando hacía el hermetismo a nuevas propuestas. Sin embargo y por otro lado, en este contexto de crisis, están apareciendo cada vez más, nuevas iniciativas paralelas de gente joven que presentan circuitos independientes y espacios alternativos, con presupuestos muy ajustados, pero que están siendo muy valientes al apostar por nuevas visiones y creadores jóvenes. Obviamente existen diferencias entre los ambientes más independientes y los institucionales. Pero según mi experiencia, me he llevado más frecuentemente gratas sorpresas, con los circuitos más independientes. Todo es más rápido, más fluido, más cercano y me atrevería a decir que más sincero y honesto. Esto repercute en que trabajas de manera más cómoda y con mayor libertad. Otra diferencia a destacar de las propuestas más alternativas, es que se están adaptando muy bien a este momento, inestable en general. Me refiero en cuanto a dinamismo de los espacios expositivos, difusión de la información, trato con los artistas y cercanía con el público. En el opuesto estarían algunos centros institucionales con los que me he topado, los cuales de primeras plantean la barrera del dinero, cuando el dinero no siempre es la solución. Tengo alguna experiencia expositiva en la que no pagan catálogo, no contratan a gente para vigilar la sala y por supuesto el montaje, transporte, recogida de las obras y alojamiento corre de tu cuenta…

Al final te das cuenta que los concejales cobran, el alcalde cobra, el bedel cobra, el personal de mantenimiento cobra… y tú como artista, que has diseñado, producido y pagado un proyecto artístico, con el que llenar su programación cultural, no recibes nada a cambio. Pero claro, tienes que dar las gracias porque es una gran oportunidad y te sirve como promoción. Es cuando te das cuenta que tú como artista, también tienes parte de culpa de que esto se produzca. Esto te hace ser más selectivo a la hora de elegir como y donde mostrar tu trabajo. De todos modos, creo que hay que combinar ambos ambientes, siempre buscando la máxima profesionalidad por ambas partes. Existiendo mucho más contacto, colaboración y comunicación entre ambos ámbitos, no importando su naturaleza institucional o no. Gran parte de los artistas jóvenes que conocemos y cuya obra es tan rompedora y vanguardista como la tuya, se inician en estos círculos independientes y después el arte institucional los acoge en su seno. No ha llegado hasta tal punto tu caso, pero nos preguntamos si te preocupa que se institucionalice y consecuentemente comercialice tu arte o crees que es un proceso por el que debe pasar el artista para consolidarse. Efectivamente no ha llegado ese momento. Pero no estoy muy seguro de si llegará o de si quiero que llegue, con esto no quiero parecer desinteresado, todo lo contrario. Pero sobre el proceso de consolidación de un artista, cada uno se forja y encuentra su propio camino, siendo todos válidos. Creo que no existe el manual del éxito para el joven artista, hay algunas claves o pautas, pero te das cuenta que cada uno tiene su estrategia. Personalmente, no estoy muy de acuerdo con el formato expositivo de galería tradicional. Este formato puede no ser el más

Javier Navarro Romero: Biophilia.

efectivo y puede estar quedando un poco obsoleto, en tanto a como se presenta la obra (como objeto y producto elitista), hasta el mismo funcionamiento de la galería, por lo que no me gustaría quedarme solo con esta vía de trabajo. Estoy en una etapa de probar y probarme en diferentes ambientes y experiencias. Así como difundir y promocionar al máximo mi trabajo. Una de las cosas buenas de no estar ligado o condicionado por el mercado o institución alguna, es que hoy por hoy tengo la oportunidad y la “libertad” de elegir lo que hago. Centrándonos en tu obra, impactante y de una gran calidad, deseamos conocer el camino que has realizado como creador a lo largo de tu trayectoria; camino que te ha conducido desde la pintura a casi todas las disciplinas artísticas, entre ellas la escultura, la fotografía, las instalaciones o incluso la moda. En este mismo orden de cosas, ¿hasta qué punto la experimentación y el descubrimiento constantes son fundamentales en tu

proceso de trabajo? Y ahora que trabajas en diferentes áreas, ¿observas que en tus obras se proyectan la influencia de unas disciplinas sobre otras? Mi obra en general es una especie de “Work in progress” de carácter acumulativo y evolutivo. Yo empecé pintando y realizando obra gráfica, durante 5 años. El tipo obra gráfica que realizaba era de carácter experimental. Pero poco a poco tenía más curiosidad por otros materiales y soportes, lo que me ha hecho expandirme y probar con nuevas disciplinas, pero siempre tratando de mantener un sello de identidad. En este sentido, mi trabajo constantemente se está configurando como una especie de universo imaginario personal, en el que de algún modo, todo está interconectado e influenciado a la vez. No puedo decantarme por alguna disciplina en concreto, creo que van apareciendo o condicionando el trabajo, según como se materializan mejor las ideas que quiero llevar a cabo. Me gusta trabajar con las manos, porque en cierto modo, para mí el arte me ofrece una vía de escape, una especie de te-

rapia, relacionada con la repetición del gesto y la artesanía. La experimentación también tiene su parte lúdica, espontanea y fresca. La multidisciplinaridad o interdisciplinariedad, es una especie de reflejo o correspondencia con el mundo en el que vivimos en cambio constante, lo cual nutre y estimula mi persona. De esta forma, se puede apreciar en mí trabajo las influencias, no sólo del arte, si no, del cine, mitología, ciencias naturales, videoclips... Me gusta aventurarme en proyectos y colaboraciones con otros artistas y otras disciplinas, que en principio parecen no tener nada que ver conmigo, pero esto hace que mi trabajo cada vez vaya teniendo más envergadura, más salidas, me oxigene y esté vivo. La fuerza de tu obra viene dada en gran medida, por al uso de materiales y de colores que empleas, ¿nos puedes detallar un poco más cómo realizas la elección de ambos? Y, por otro lado, ¿es el material el que en muchos momentos te guía la idea de un trabajo antes de que se te haya ocurrido?

La elección de los materiales o el color es fruto de una mezcla, entre una especie de juego intuitivo-azaroso combinado con una premeditada o estudiada elección. Puede parecer antagónico pero, esa mezcla, simbiosis o dicotomía es constante en todo mi trabajo. En el caso de los materiales con los que empleo, los encuentro en abundancia en la naturaleza. Digamos que el punto inicial de mi trabajo es ese, la naturaleza. Yo vengo de Almería donde la naturaleza y el paisaje de carácter dramático y romántico puede inducir a la catarsis, a lo sublime al más puro estilo de Caspar David Friedrich. Me gusta pasar mucho tiempo paseando y recogiendo material por el desierto de Tabernas o el Cabo de Gata. El material que voy encontrando me va sugiriendo ideas, que posteriormente me plantearan otras cuestiones. Me atrae constantemente la idea de mezclar o hibridar dos realidades, a nivel matérico y conceptual. Fusionando materiales orgánicos de origen natural y sintéticos o artificiales de mi entorno doméstico, bazares chinos, ferreterías…

Javier Navarro Romero: La herencia de la Medusa.

En cuanto al tema del color sucede un poco igual. Se produce una mezcla entre mi actitud más naíf y un estudio más premeditado. En general me gustan los colores y las texturas inspirados en la naturaleza, como pieles de animales o composiciones fractales. Pero también tengo predilección en colores como el oro, el rojo, el morado, el blanco y el negro, por sus connotaciones simbólicas, rituales y culturales. Del mismo modo me siento seducido por todos aquellos colores metalizados, plastificados, lacas y esmaltes que brillan muchísimo, no puedo evitarlo soy como una hurraca, me atrae todo lo que brilla. Los materiales se mezclan en tus esculturas, artificiales y naturales. Un carácter híbrido que es parte esencial en tu obra, principalmente en la fusión hombre-animal que nos resulta muy interesante y que sin duda nos remiten a nuestra animalidad, pero también a nuestros orígenes. ¿Donde nace la necesidad de expresar esta visión ancestral del ser humano que combinas además con referencias míticas, religiosas y rituales?

En el proyecto “Nacido bajo el signo de capricornio” es donde más patente se hace la idea de la unión humano-animal y la mirada al origen del cosmos, de la vida. Sinceramente creo que la necesidad de expresar la visión ancestral del ser humano, tiene que ver con mi propia experiencia y biografía de un momento determinado de mi recorrido vital. Ese proyecto en concreto, resumía gran parte del trabajo artístico que estaba realizando desde el 2008. Desde ese periodo hasta el 2011, sucedieron bastantes experiencias que me hicieron plantearme muchas decisiones y cuestiones. Por lo que subyace de manera oculta una carga emocional muy importante. En ese momento chocaban en mi miles de sensaciones, conflictos y situaciones a las que tenía que enfrentarme sin saber muy bien cómo comportarme, como es el caso de la pérdida o la muerte. Así es como terminó de florecer la sensación de un autentico ser hibrido, luchando entre mi parte más racional o científica y otra más intuitiva, romántica o animal. En cuanto a las referencias místicas, religiosas y rituales, no es algo nada postizo en mí,

está ahí de manera natural. Yo soy de Andalucía así que el peso de la semana santa, la matanza del cerdo, la tauromaquia, la caza, el culto a los muertos, la superstición, la imaginería, la muerte, la luz y la oscuridad, el barroco, la fiesta, la vida, la alegría, el alcohol, la comida… me han acompañado en mi biografía y por consecuencia en mi obra artística. Por otro lado, esta búsqueda de lo salvaje, lo natural, lo primitivo, instintivo y lo animal tiene que ver un poco con este momento de juventud desencantada, la generación perdida y todo eso… No sé si tiene que ver con la posmodernidad, pero si no crees en tu gobierno, no crees en la iglesia, la televisión, el sistema, la institución, el dinero, las estructuras sociales, civiles, urbanísticas… en el único sitio donde puedes encontrar de verdad, la paz y volver al origen sin subterfugios, es en la naturaleza. Observar la simple y a la vez compleja estrategia de la vida y los fenómenos naturales, que tanto me llaman la atención. Para mí el animal es el nexo o psicopompo que nos conecta con la naturaleza, es la inocencia, la pureza, lo instintivo y lo salvaje, el nexo con el conocimiento oculto de la cosmogonía, ya olvidado por el “progreso” y la tecnología, y que hay que volver a recuperar. Esto se refleja en mi obra de forma que aparece el culto al animal y la naturaleza al más puro estilo pagano. Por eso también pretendo en cierto modo, plasmar cierto carácter de compromiso ecológico a mi trabajo artístico, apostando por una puesta en valor de la naturaleza y los animales, buscando el viejo vínculo con el ser humano. Mito, rito y religión es una triada interesante que dan un carácter casi antropológico a lo que tú eres capaz de expresar mediante el arte y que se relacionan en este sentido con lo primigenio, lo anterior al hombre y al tiempo y la esencia de nuestro conocimiento, ¿crees que en

nuestro mundo contemporáneo y posmoderno es fundamental hallar este principio a través de la creación, para encontrar respuestas necesarias a través del arte?¿o crees que el arte es vía y expresión de ideas pero no aportador de respuestas para el hombre? La eterna pregunta del origen, es una constante estigmática a lo largo de toda la historia de la humanidad. Revisando la historia del arte de modo global y desde el contexto y punto de vista que la he estudiado, pienso que más que respuestas, el arte plantea constantemente nuevas preguntas y realidades. El arte como capacidad exclusiva humana es lo único que puede acercarnos a la posición del demiurgo creador por encima de otros seres de este planeta, cosa que me parece muy interesante. En mi caso, el arte me sirve para rescatar o tomar algunas preguntas y respuestas de tiempos pasados y devolverlas al presente, creando un dialogo abierto. No me considero un chamán pero se ha dicho que el arte también es magia y la magia ofrece respuestas y preguntas En este sentido, ¿piensas que el arte debe nutrirse de nuestra historia cultural y reescribirla y re-expresarla, abandonando ya ciertas tendencias cuyo fin ha sido únicamente la búsqueda de una estética? Pienso que efectivamente, el arte siempre se nutre de nuestra historia cultural, apropiándose y reinterpretando viejos patrones, para crear los nuevos símbolos. Si caemos en la cuenta, observamos que un gran porcentaje de creadores a lo largo de la historia de arte, mantienen unos patrones (arquetipos simbólicos fetichistas) comunes, los cuales se repiten o se asemejan. Se podría decir que

esta herencia visual y arquetípica podría vincular las representaciones de las pinturas de las cuevas de Lascaux con el imaginario de Lady Gaga. Con esto, quiero decir que el arte al ser consecuencia del desarrollo cultural de la humanidad, no se puede apartar de manera voluntaria, ni desprenderse de lo que Carl Jung llamó el “inconsciente colectivo”; esa marca o impronta que todos tenemos y que nos remite a patrones y arquetipos básicos primitivos, que aparecen de forma involuntaria, y que están grabados en nuestro ADN, los cuales unen pasado y presente. El arte continuará el legado y construirá los nuevos símbolos pero, con una especie de poso o herencia común. En cuanto a la tendencia o búsqueda de una estética, simplemente, no me parece algo negativo, ni superficial a priori. Puesto que en cierto modo también se está produciendo una apropiación y reinterpretación de la imagen. Para ir terminando, ¿cómo ves el panorama artístico actual? ¿Te parece interesante y con fuerza expresiva? ¿Destacarías algunos nombres? Como apreciación personal, tengo la sensación de que a nivel nacional parece que entre los artistas jóvenes de mi generación, se está implantando o desarrollando una especie de moda o estética común, importada y relacionada con Berlín, pero con 5 años de retraso. De todos modos y curiosamente, presto más atención al mundo de la moda, la ciencia la música y el audiovisual que las artes plásticas, porque me estimulan y me inspiran más. Gracias a la investigación doctoral que estoy desarrollando, hace que esté más en contacto con las artes plásticas. Por ejemplo, dos de mis artistas favoritos, que

he descubierto recientemente son Julien Salaud o Nadine Byrne, que descubrí gracias a internet. En cuanto a mi realidad más cercana, amigos, compañeros y demás, hay miles de propuestas muy interesantes. Yo destacaría el trabajo de algunos artistas conocidos, con los que me gustaría colaborar en algún momento. Como en el caso de ilustradora Laia Arqueros, el artista urbano Okuda, el diseñador Luis Manteiga, la poetisa Luna de Miguel y los escultores Pablo Capitán y Ximo Ortega. Por último, te agradecemos mucho tu colaboración y coméntanos, para que lo conozcan nuestros lectores, cuáles son tus próximos proyectos y exposiciones. En cuanto a hablar de futuros proyectos, no me gusta demasiado comentar mis planes, casi por superstición. No obstante, si adelanto que en mis próximos proyectos, se incorpora una nueva línea de trabajo. La cual se desarrolla enmarcada en diferentes localizaciones naturales. Mi idea es trabajar con vídeo, fotografía, moda... y hay entre manos alguna colaboración por medio con otros artistas. Por otro lado, también me apetece mucho poder dedicarme plenamente a mí investigación doctoral, que se desarrolla de manera paralela a mi producción y recorrido artístico. Pretendo que la presentación de la tesis culmine con un ambicioso proyecto, que abarque el documental, la adaptación de la tesis a un libro ilustrado, un proyecto expositivo itinerante... Por último comentaros que en breve iniciaré una estancia en otro país, lo cual me ilusiona a la vez que me produce incertidumbre, pero supongo que supondrá un influjo importante en mi obra como el resto de los lugares en los que he pasado un tiempo. Ya os he contado demasiadas cosas.g Javier Navarro Romero: Trofeo.

GALERÍA

Pablo Jurado Ruiz The lost Queen www.behance.net/pablojuradoruiz

Nicolas Castell

No puedo continuar: www.nicolascastell.com/2013/04/no-puedo.html

Fasim

Paisaje, 2012. www.fasimone.blogspot.com

Irene Gonzรกlez

Iconos de silencio www.cargocollective.com/irenegonzalez

Ariana PĂŠrez Autumn, Summer www.behance.net/arianaperez

i Vaquero

Painting http://domivakero.prosite.com/

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La ilus i贸 ww w.a n de l av lbe e rto dib rdad ujo s.tk

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Sergio Vera Idoate La espera www.sergioveraescultor.wordpress.com

Emilio subirá “sickemil” Individuo 1 (la orla), Same new order www.emiliosubira.com

BelĂŠn Moreno

Metamorfosbird www.belenmorenoblog.blogspot.com