Bellice Magazine nº 02. Enero 2014 by Bellice Editorial

num: 02 Bellice Magazine. Magazine cultural digital. Nº 02 Enero 2014. ISSN 2255-5927.

Bellice Magazine Magazine Cultural Digital

Aquafan#9 Juan Francisco Casas

Juan Francisco Casas El maestro del boli Bic.pag. 8

Emilio Subirá

Filosofía y plasticidad.pag. 26 Además: Reportaje “Gioconda Project”, webs de interes, galería...

Dirección creativa y editorial: Alberto Chao Redacción: Alberto Chao, Belén Moreno, Rafael Castaño Domínguez Asistencia de redacción: Alberto Chao, Belén Moreno, Isabel Carmona Burgos Publicidad: Alejandro Landero Fotografía: Isabel Carmona Burgos Maquetación: Alberto Chao, Avel Valls Muñoz, Belén Moreno, Portada: Fotografía cedida por Juan Francisco Casas, “Aquafan#9”. Agradecimientos: Francisco Javier Rodríguez Cuevas (Desarrollo y mantenimiento web), Oye Cerodoce (Diseño “Línea 1”) Editado por: Bellice Editorial. Virgen de las torres, 10. 41010. Sevilla, España. Bellice Magazine ISSN 2255-5927 www.belliceeditorial.com Nº02 Enero 2014 Revista On-line: Contacto: bellice@Belliceeditorial.com Publicidad: bellice@Belliceeditorial.com Buscanos en: @belliceEdit www.facebook.com/Belliceeditorial Los artículos, anuncios u opiniones de los entrevistados o colaboradores, no expresan necesariamente la opinión de Bellice Editorial. Esta publicación no puede ser reproducida, ni en todo ni en parte, ni registrada en, o trasmitida por un sistema de recuperación de información, en ninguna forma, ni por ningún medio, sin autorización previa por escrito del editor, Alberto Chao. Todas las fotografías e ilustraciones que contiene el magazine, están publicadas con el permiso de sus respectivos autores. Copyright © Bellice Editorial 2014 All Rights Reserved.

www.belliceeditorial.com

JUAN FRANCISCO CASAS n19

Webs de interes n6 Colabora n16

gio p

oconda project n19 galería n34

EMilio subirá n26

Video Bob Dylan

ay muchas maneras de hacer un videoclip. Pero esta –creemos– es nueva: hacer un videoclip infinito. Eso es lo que se ha hecho con una de las canciones más famosas de la historia: Like a Rolling Stone. El concepto es sencillo: la canción se emplea como banda sonora de diferentes escenas. Cada una de esas escenas, presentadas como hipotéticos canales de televisión, tiene la misma duración que la canción: un partido de tenis, un desfile de moda, un concurso, un documental, una comedia romántica, un telediario económico. Y todos los actores y presentadores mueven los labios al ritmo de la música. Con una sincronización perfecta. Dicen lo mismo que Dylan, con la voz de Dylan. Y lo mejor de todo: podemos cambiar de canal cuando queramos, sin que la canción sufra ningún tipo de corte. Pues eso: un videoclip infinito. Sin darnos cuenta, vamos escuchando una y otra vez un tema de casi siete minutos como si durara un instante. Y comprobamos que la música y la imagen generan un produc-

to nuevo. La misma letra suscita diferentes pensamientos y emociones si la escuchamos mientras vemos a unas compañeras de piso tirarse los trastos o si vemos un programa de cocina, o a dos vendedores intentando endosarnos una aspiradora portátil. Pero aún hay más: ¿es posible que si empleamos la misma combinación de imágenes en dos días distintos, las visiones no sean las mismas? Por supuesto. Ese es el principal logro de este experimento: que nos demos cuenta de que no importa lo que veamos o leamos o escuchamos; nunca se escucha la misma canción, aunque parezca siempre la misma. El mismo principio vale para el arte más figurativo y el más abstracto. El verdadero significado de todo lo llevamos siempre dentro. video.bobdylan.com/desktop.html g

CGTextures

Webs de interes

ctualmente CGTextures, se esfuerza por ser el mejor sitio de texturas del mundo, contando con una base de datos de más de 103.600 imágenes disponibles en descarga gratuita, que crece día a día. Lo cierto es, que lo sea o no, es una de las mejores elecciones, en lo que se refiere a descargas gratuitas de texturas y fondos de pantalla. Buena prueba de ello es, que sus texturas se han utilizado en creaciones graficas de alto perfil, como Assasins Creed, Quake Wars : Enemy Territory, Grand Theft Auto 4 y Killzone 2. La web, se caracteriza por ofrecer un material de alta calidad, ya que trabaja con un selecto grupo de fotógrafos que emplean los mejores equipos y veteranos ya, en el mundo de la fotografía de texturas. Todo esto se suma a una página con excelente navegación y orden, que nos permite encontrar fácilmente, el tipo de textura deseada. Estas se presentan en tres tamaños diferentes para su descarga: Small (800×600 px), Medium (1600×1200 px) y Large (2240×1680 px). Además, CGTextures, cuenta con una sección

galería en la que podemos contemplar la gran cantidad de trabajos de diseño 3D, ilustración… etc, realizados por los propios usuarios, con el material ofrecido por la web. Como colofón, la pagina se complementa con un completo apartado de tutoriales, que abarcan desde como tomar una buena captura, cambio de color de diferentes texturas, tipos de fusión, consejos para conservar mascaras alpha… y demás. Las formas de pago de CGTextures, se resumen en tres paquetes básicos: Normal, que tiene una limitación de descarga de 100 megas al día por un precio de 59€ al año. Extra, con una limitación de descarga de 250 megas al día, por un precio de 119€ el año y la Corporate, con una limitación de descarga de 750 megas al día y por un precio 249€ año. Se podría pensar que la página solo va destinada a los trabajadores del ámbito 3D, pero las imágenes que contiene, pueden ser empleadas en diferentes círculos del diseño y creación grafica. g

Juan Francisco Casas. Likingvesalius#1.

Juan Francisco Casas El maestro del boli Bic.

Por: Alberto Chao, Isabel Carmona Burgos.

-En primer lugar, darte las gracias, por prestarte a realizar una entrevista para nosotros. Te agradecemos, de veras, tu atención. Consideramos un privilegio el que nos concedas una porción de tu tiempo. En primer lugar comenzaremos con lo más llamativo al observar tu obra. El uso magistral del bolígrafo bic azul. Herramienta inusual en la creación artística y en apariencia más relacionada con la escritura, que combinas con la inmediatez y espontaneidad de la fotografía. ¿Cómo surgió esta idea? En un ámbito más trascendental, el bolígrafo azul nos remite a la analogía del mensaje y la narración. Relacionándolo con lo permanente e indeleble de su tinta y la inmediatez de su ejecución, nos preguntamos ¿Esta relación hace referencia a una captura de instantes autobiográficos, como si de una narración de recuerdos se tratara? Por supuesto. El uso del bolígrafo creo que constituye una relación de coherencia con lo representado, no sólo con lo autobiográfico, sino también con lo cotidiano, incluso lo doméstico: mis fotos son espontáneas, rápidas, sin técnica ni preparación, tan inmediatas como el uso de un boli que tienes a mano siempre en casa. El bolígrafo Bic es el medio más cotidiano que todos usamos, igual que las fotos cutres de fiesta hechas con un flash a las tantas de la noche. En realidad, la temática de mis obras empezó hace unos 15 años con obras de gran formato y de óleo sobre lienzo. En las que quería rescatar esos momentos de la banalidad, dotándolos de la importancia que merecen

a través del esfuerzo consciente de realizarlos pictóricamente y a un formato que inconscientemente nos retrotrae a la pintura de historia. Mucho después vino el boli, a dar un plus de coherencia a la obra, pero en realidad, esos momentos, falsamente banales, al final constituyen lo que somos, no tanto por el hedonismo de la juerga en sí, si no porque lo que nos forma como personas son las relaciones y los recuerdos que tenemos de esos momentos efímeros y pasados de felicidad con las personas que algún momento amamos. -En lo concerniente a la temática, sueles decantarte por momentos cotidianos salpicados de felicidad y diversión pícara, en compañía de amigos. Como tú mismo mencionas, una magnificación de la fotografía de aficionado. ¿Es posible que este tipo de temáticas, algo más banales, hagan las veces de puente hacia un acercamiento más directo con el espectador? De ser así, ¿Piensas que tu obra sirve tanto de canal de expresión del artista, como de reflejo de la realidad del propio espectador? Hay sin duda una identificación empática con lo representado y eso es, creo lo que ha enlazado con el espectador en primer momento, más que el tema del uso del bolígrafo. De hecho, el bolígrafo es como el cebo, que llama la atención en un primer momento, pero es la temática la que es realmente el anzuelo que hace al espectador interesarse por la obra. De hecho, no creo que si pintara, por ejemplo, paisajes realistas a bolígrafo mi obra hubiera tenido tanta repercusión. En uno de los textos favoritos sobre mi obra, el periodista Daniel Capó se refiere a esa identificación calificando a mi obra como “la mirada de toda una época que, en cierto modo, también es la mía. […] La obra de Casas refleja la soledad metafísica de sus protagonistas a tra-

Juan Francisco Casas. ReadymadeIrene

vés del jadeo casi sexual de unos cuadros que quieren quebrar el silencio, fracturarlo para que, a través de sus grietas, penetre la luz. Son cuadros sobrecogedores porque el nihilismo se encuentra allí como un gemido inconsciente, como un anhelo, a menudo truncado, de amor. El uso obsesivo de la tinta azul del Bic funciona también como una plancha nítida y depurada de la realidad; una realidad cotidiana, sucia, intrahistórica en el sentido que Benjamin le daba a los grandes relatos. Quiero decir

En mis obras es muy importante siempre el humor y la ironía, especialmente sobre el arte y todo lo que le rodea. Duchamp firmó un urinario y yo he firmado lo que orina; Duchamp usó una firma falsa y yo también usé una firma falsa, la suya; Manzoni firmó mujeres con su nombre y yo he firmado una mujer con el falso nombre que usó Duchamp; es todo un juergo irónico sobre la autoría de la obra de arte, la identidad y la autenticidad.

Juan Francisco Casas. Serie “Ishartobeananartist/TheDanishAbuse”

que para Casas no somos pobres en historias memorables, sino que los relatos de nuestro tiempo se narran en la soledad cotidiana: una noche de alcohol, un rostro desconocido en la barra de un bar, los ojos de una amante que quizás no volvamos a ver.” Creo que es un magnífico resumen. -En “Ready made Irene (2012)” haces un claro guiño/ready-made a la obra “Fountain” de Marcel Duchamp. ¿Tiene algo que ver con la critica a la institucionalidad y el fetichismo artístico, al que Duchamp hacía referencia en dicha obra?¿Qué significado tiene el versionar este trabajo para ti?

-En relación con la pregunta anterior, y como cuestión de rigor, ¿quiénes consideras que son los referentes artísticos de tu trabajo? Muchísimos. Fotógrafos, pintores, desde Frans Hals hasta Wolfgang Tillmans, y Erwin Wurm, Luc Tuymans, Gerhard Richter… La lista es interminable. -Atendiendo a un aspecto más personal e intimista, del propio autor, ¿podrías desarrollar en más profundidad que es para ti tu obra?

Juan Francisco Casas. Serie “AftherTheArtFair”.

Me interesa el contraste entre la ortodoxia académica, que sólo existe en su carga mimética, y el uso de medios como el bolígrafo; la elección de temas carentes de la menor trascendencia, entendida en términos convencionales; la imposibilidad de extrapolar ciertos conceptos desde la esfera de lo real a la esfera de lo artístico: lo banal se convierte en trascendente dentro del espacio pintado; el “hedonismo doméstico” ; la ironía de la labor artística; los momentos puntuales, de manera separada e independiente del contexto en el que se produjeron; el retrato entendido como un soporte y un medio, pero no un fin. Las caras y los cuerpos de otras personas como medios para contar mi

propia vida… Siempre me interesó la estética de las imágenes que todos tomamos de casa, de nuestra vida, precisamente por esta falta de estética, de pretensiones, por la rapidez e inmediatez y por lo que tiene de real y de vivo, por lo que tiene de deseo de congelar para siempre un momento de felicidad, de tenerlo y detenerlo para siempre. Un fracaso irónico, pues ese momento siempre pertenecerá al pasado. -Conceptos como el hiperrealismo, o al menos el realismo, son una pieza principal en el desarrollo de tu trabajo. Coméntanos, tu uso de los modelos y tu relación con los mismos.

No me interesa el hiperrealismo especialmente y creo que se abusa del término. Desde luego mis dibujos tienen una apariencia real y parto de fotografías, pero no me obsesiono con el resultado, para mí el realismo es un medio para expresarme, no un fin en sí mismo. -Como tu bien dices, solo una pequeña parte de tu obra se basa en el desnudo femenino, sin embargo, nos gustaría saber cómo empezaste a trabajar este tipo de temáticas ¿La inspiración fue repentina, o por el contrario corresponde a una esmerado propósito?

Respecto al desnudo, supongo que enlazo con una tradición clásica de representación del desnudo femenino, tradición que por otra parte tiene unos 40.000 años, así a este respecto no creo que se proponga nada nuevo. Me interesa la idea de representación pictórica tradicional de la mujer, el contraste que supone la nueva imagen de la mujer desde el punto de vista del hombre y cómo, a lo largo de la historia del arte, el sentido de ser de la mujer en su representación artística es suplantado por el hecho de ser apreciada como tal por otro. Evidentemente, las convenciones que han dado lugar a estos esquemas representativos no están superadas, aunque sí están siendo quizá replanteadas. Hasta hace relativamente poco, nacer mujer ha sido nacer para vivir en un espacio, bajo unos comportamientos y una imagen asignados por el hombre y por ello las representaciones pictóricas de éstas también estaban codificadas y planteadas según dichos parámetros. Así, en las obras de arte tradicionalmente el papel de los hombres era muy diferente al de las mujeres, así como su fin. Mientras que en la representación del hombre se plasma la imagen que éste quiere trasmitir, la representación de la mujer es la imagen que el hombre quiere que ésta tenga. Es una imagen subordinada: en palabras de John Berger, en las obras “los hombres actúan, las mujeres aparecen”. La imagen de la mujer ha sido continuamente examinada desde fuera. Su propio sentido de ser ella misma ha sido suplantado por el sentido de ser apreciada como mujer por otro. Las mujeres en mis obras no sólo actúan, sino que además actúan como ellas quieren, es decir, los parámetros de la representación de

su imagen son establecidos completamente por ellas como definición de su propia identidad y en relación a ser presentadas dentro de una obra de arte. También tiene mucho que ver lo que suponen dentro de mis propias circunstancias biográficas. En muchas ocasiones, como parte de mi proceso, es la propia modelo la que elige cómo quiere ser representada e, incluso, la imagen final. -Todas las modelos que intervienen en tus trabajos son atractivas, sin imperfecciones en la piel, ajustándose al estereotipo de canon de belleza actual ¿Maquillas de alguna manera la realidad, o acaso eliges aquella que quieres representar? Las personas que represento son mis amigos y la gente que me rodea, obviamente tienen mi edad, si son hermosas supongo que es mérito de sus padres y de que la suerte de que sean mis amigas, pero son personas normales, no hago castings ni trabajo con modelos profesionales ni nada parecido. Respecto al canon de belleza que dices, no creo que sea así: si abres una revista de moda no creo que tenga que ver mucho con lo que represento. Yo creo que retrato las mujeres que me rodean, jóvenes y bellas, por supuesto, pero ante todo normales. Hay que dejar de obsesionarse con las mujeres de photoshop y pasarela: la belleza real nos rodea, sólo hay que tener ojos para verla. -En lo referente al desnudo femenino y a la carga erótica que este puede contener, tu obra ha sido clasificada, por algunos, de machista y ha recibido comentarios en redes sociales casi censores. ¿Qué opinión te merece, que ciertos espectadores, tengan esta visión de tu trabajo?

Juan Francisco Casas. Click #5.

Es un tema delicado, por supuesto, pero en mi opinión, lo único verdaderamente machista es pensar que las mujeres no son lo suficientemente adultas como para decidir salir en una obra de arte como les de la real gana. No creo que en el siglo XXI las mujeres necesiten ser tuteladas como si fueran menores de edad por los guardianes de la moral políticamente correcta o por un feminismo anticuado. En mis obras ellas son libres para hacer lo que quieren. Pretender que no lo sean es el verdadero machismo. Como he dicho mis modelos son mis amigas, con las que tengo una muy especial relación de colaboración y de intercambio de ideas para las obras. Ellas en todo momento eligen como son representadas. No impongo mi visión y en muchas ocasiones ellas vienen ya con la idea bien clara de lo que vamos a hacer en la sesión fotográfica, que generalmente es un juego y es parte importantísi-

de tu obra. Actualmente, ya como artista reconocido, ¿Continúa esta dinámica o son más las ofertas recibidas, que las buscadas? La mayoría de los premios importantes fueron curiosamente con mi obra pictórica. Ahora es cierto que la dinámica es otra, ya no me presento a concursos desde hace muchos años; el trabajo no me deja mucho tiempo libre y desafortunadamente tengo que decir que no a muchas propuestas. -Muchos de nuestros lectores, estudian o pertenecen al grupo de nuevos creadores. Como artista dedicado, aunque no lejano a las primeras incursiones, ¿darías algunos consejos a las personas que están dando sus primeros pasos en este mundo? Juan Francisco Casas. Click #6.

ma de mi obra final. Una vez una amiga, al ver el resultado me dijo “gracias por dejarme expresarme” y creo que ese es el resumen y éxito, al menos para mí, de mi trabajo. Respecto a la censura, pues resulta molesta, pero uno aprende a vivir con ello. Facebook me censura y bloquea constantemente, Youtube elimina sistemáticamente los videos que alguna gente cuelga sobre mi obra, mi web está bloqueada en Arabia Saudí, Omán, Yemen, Qatar, etc. y hasta en España, Cervezas Brabante se negó a patrocinar la presentación de mi libro por considerar mi obra escandalosa. Es lo que hay, pero no voy a dejar de hacer lo que hago por eso.

Son momentos difíciles para el arte especialmente y más especialmente en España, dónde el coleccionismo es casi nulo, y no se puede aconsejar nada más que los típicos y tópicos: trabajo, confianza en lo que haces y no desfallecer. -Para terminar, y agradeciéndote mucho tu colaboración, comentamos cuáles son tus próximos proyectos y exposiciones. Aparte de ferias y demás exposiciones colectivas el próximo. El 10 de abril se inaugura una exposición individual, la 12ª en mi carrera, en la Galería Fernando Pradilla de Madrid. Su título es (A)UTOPIC y será una especie de juego especular sobre la autorrepresentación y las redes sociales. g

-Repasando tu trayectoria, nos llama la atención la cantidad de concursos y becas con las que has sido favorecido. Esto demuestra el gran trabajo de difusión, que en un primer momento hacías

OYE CERODOCE LÍNEA 1

ellice se presenta como un territorio común, una esfera en torno a la cual giran los trabajos y las propuestas de artistas y asociaciones que desean exponer su obra de forma gratuita para mostrar al mundo su talento, su técnica y sus capacidades. Esta es la razón por la que Bellice ha fundado una galería virtual, de la que podemos formar parte todos aquellos que dedicamos nuestro esfuerzo y tiempo a la creación. un espacio nuevo para difundir las composiciones y acciones artísticas a las que nos venimos refiriendo. Un espacio expositivo en el que nosotros mismos, el equipo de Bellice, nos involucramos, participamos y compartimos. Nuestra iniciativa nace de una necesidad y una oportunidad, que

nosotros mismo hemos buscado y solicitado, y hoy por hoy, queremos ofrecerla a los demás. Queremos brindar nuestra galería, a modo de plataforma de promoción virtual, en la que impulsar el trabajo de jóvenes artistas, que se merecen un reconocimiento, y una divulgación de la labor que llevan a cabo. Esta galería, formada por las colaboraciones de artistas de todo tipo, sin importar la disciplina ni el género que cultiven, tiene un carácter trimestral y un máximo de cuatro obras por usuario. Así pues, cada tres meses las imágenes de los trabajos de los creadores serán publicadas en los diferentes números de “Bellice Magazine”. Y no solo nos quedamos ahí, ésta es nuestra manera de descubrir nuevos talentos, nuevos artis-

tas, con los que no solo confeccionamos una de nuestras secciones, como es el caso de la “galería”, a la vez buscamos nuevos protagonistas para nuestras entrevistas o demás publicaciones. Pretendemos, de esta manera, dar un sentido y una finalidad a las obras de los artistas colaboradores, agrupándolas y mostrándolas a un público especifico interesado en ellas. Ofreciendo el uso final al que esta predestinada la obra: La exhibición o la muestra de cara al público, en formato revista, como producto visual que al fin y al cabo es. De esta manera, tratamos que las obras, convivan tanto en nuestro magazine, como en nuestra galería, dando al proyecto un sentido social y de punto de encuentro de los interesados en la materia. Dando un sentido más

amplio a nuestra web, que el de un mero porfolio contenedor de obras de artistas. Bellice no se queda con los derechos de ninguna de las obras publicadas por los diferentes artistas que colaboran con nosotros, al igual que no nos beneficiamos de ninguna de éstas. Llevamos a cabo esta iniciativa para que tanto los artistas que están empezando o quieren colaborar se den a conocer en otros ámbitos, sea en la red, en nuestras publicaciones vía online o en un futuro impresas. Colaborar y aparecer en nuestra plataforma web, es tan fácil como registrase y una vez estés registrado podrás subir los trabajos que quieras a nuestra Galería. No pierdas tiempo y regístrate ya en www.belliceeditorial.com g

www.belliceeditorial.com

GIOCONDA p

Por: Belén Moreno.

“Gioconda Project” se presento al público en Octubre de 2012 y durante todo un año ha recogido la participación de más de 200 artistas de diferente índole, con procedencia de 51 países diferentes. La acogida del proyecto y la amplia difusión en el campo de las artes graficas y la ilustración ha sido espectacular, unas 220 obras componen esta afable propuesta. Por eso y en recompensa a la gran iniciativa llevada a cabo por su

promotor Pablo Jurado Ruiz, este mes Bellice Magazine quiere dedicarle este espacio con todo el respeto y admiración que se merece, por regalarnos a todos tanta belleza y talento bajo un mismo proyecto, del que nos sentimos orgullosos de presentaros y hermanados por ese carácter colectivo y divulgativo, donde el talento y la calidad se sobreponen a la ambición económica y el renombre personal.

ablo Jurado Ruiz, natural de Málaga, reside desde hace años en Madrid donde trabaja actualmente como director creativo. Tras dedicar sus estudios y formación al marqueting y la publicidad, a día de hoy carga a su espalda una amplia experiencia profesional centrada en campañas, estrategias, concursos, deadlines... Aun así, de forma paralela nos sorprende con su faceta como ilustrador, que teniendo presente su calidad, no podemos apartar a un segundo plano. El sentimiento y la sutileza invaden las composiciones de Pablo, donde sin florituras ni complicaciones nos habla sobre la sencillez del ser humano, sobre el amor, el desengaño o la infancia “como si se tratara de una metáfora de la vida” .A la hora de afrontar “Gioconda Project”, un proyecto donde aúna ambas facetas profesionales, su autor nos confiesa que pensó primero en el propósito y elaboró a posteriori el proyecto. “Gioconda Project” se presenta como un experimento artístico, donde creadores de todo el mundo realizan su propia versión del famoso cuadro de Leonardo Da Vinci “La Gioconda”. La universalidad de esta obra en sí misma, casa a Project” considera ser solo el vehículo para poner en marcha el proyecto, un proyecto que cree y aboga por la colaboración. Las nuevas tecnologías, la comunicación globalizada y la accesibilidad y visibilidad de nuevos talentos y creadores, ha sido un pilar fundamental. El propósito de Pablo era reunir bajo un mismo motivo y experiencia, todo ese talento que día a día le sorprende al explorar la red “admiro a muchos artistas internacionales y con algunos tengo una relación (virtual) muy gratificante […] mi idea era romper todas las fronteras y juntar diferentes estilos, nacionalidades, culturas... y demostrar que el arte no tiene fronteras”. Es un acercamiento al mundo del arte contemporáneo. El arte contemporáneo visto desde la con-

temporaneidad del ahora, lejos de las pre- presentes entre los colaboradores. tensiones artísticas de estilos idolatrados La diversidad de artistas y disciplinas es por su modernidad, como la abstracción. una de las claves de su éxito. Este proyecto personifica realmente el ahora. Una era donde priman las influencias del arte urbano, el diseño y la ilustración. Donde la era digital se abre camino, cobrando esa categoría de obra artística que aun es tan difícil de defender entre algunos círculos. Sin desmerecer las técnicas tradicionales, también muy

Existen Giocondas para todos los gustos y colores, desde la pintura más clásica al oleo, pasado por el fotomontaje, la vectorización o la escultura, hasta la construcción icónica de la Gioconda, llevada a cabo a partir de elementos alimenticios, como macarrones, canela en rama o azúcar.

participación y colaboración ha estado abierta a todos los públicos, sin importar el estilo o la disciplina, el objetivo principal era que los artistas representasen la esencia de la Gioconda. Los artistas podían presentar un máximo de tres obras en diferentes técnicas de su elección. Con el único requisito de que fuesen creadas por los mismos artistas. Descartando retoques simples con Photoshop o retoques fotográficos sobre la obra original de La Gioconda. Se buscaba la multidisciplinaridad tanto técnica como estilística. Y así ha dado sus frutos, con una amplia diversidad en la que priman el talento, la creatividad y los contrastes. A demás de la satisfacción y el gozo de trabajar de forma colectiva “Gioconda Project” ofrece a los jóvenes talentos una divulgación y promoción que no solo es gratuita, más importante aún, es internacional. En la actualidad, y hablando desde nuestro país, esto se ha convertido en algo necesario. La individualidad y el egocentrismo no aportan nada en una época en las que las oportunidades escasean. Apostar por la unión y la cooperación es clave fundamental del progreso y el existo en ámbitos artístico-contemporáneo. Entre los artistas colaboradores destacan personalidades tanto del ámbito nacional como internacional, donde vemos relucir nombres como Olivier DZO, Cheko, Sungwon, Bruno Vergauwen, Naranjalidad, Marta Bielsa, Ariana Pérez, Antonio rodrigues Jr, Rahaf Dk Albab, June Leeloo, Orlando Arocena, Melody Newcomb, Vincent Roché, Dang Duc Viet, Lena Klyukina, Raiber González, Omar Shammah, Jonay Bacallado, Nicolás Castell, Kerby Rosanes y un largo etcétera de artistas admirables, de los que más allá del reconocimiento, destaca el talento que han ofrecido y que los ha unido bajo esta misma experiencia. Sin embargo, las colaboraciones han traspasado el límite de la individualidad, sumándose a la inicia-

tiva diferentes colectivos. Como es el caso de la galería de arte “Modern Eden Gallery” San Francisco (Estados Unidos), que ofreció y colaboró con varios de sus artistas representados. Entre los que encontramos la participación de Paolo Petrangeli, Pascal Leo Cormier o Wendy Gadzuk entre otros. Por otro lado contamos con la hermosa participación de dos escuelas. En primer lugar destacamos la iniciativa llevada a cabo por la maestra Andrea Delgue Arguello en la Escuela Pública de Primaria South Street, Newark – New Jersey, USA. Andrea, amiga y seguidora de “Gioconda Project” decidió incluir en una de sus clases un proyecto creativo vinculado con La Gioconda. En este los niños, al igual que los artistas que ya habían participado en el proyecto, realizarían su propia versión del famoso cuadro a partir de la utilización de diferentes materiales como telas, pinturas, botones… además llevaron a cabo un sinfín de actividades en torno a la Dama, donde han estado involucrados los alumnos, los padres y toda la comunidad escolar. En este tipo de contribución colectiva también cabe destacar la participación de la Escuela de Arte y Diseño Llotja de Barcelona, a través de la profesora Montse Noguera. En la cual se puso en marcha un ejerció de contribución masiva ligado a “Gioconda Project” donde los alumnos realizaron una serie de interpretaciones de La Gioconda partiendo y compartiendo como técnica, la ilustración vectorial. Durante todo un año, desde octubre de 2012 a octubre de 2013, ha estado en marcha la recogida de obras. cada una de las colaboraciones han sido mostradas vía online, tanto en la web personal del proyecto www.giocondaproject.com como en las diferentes plataformas

sociales, twitter, pinterest o Facebook donde más de 2.500 seguidores han estado pendientes de cada nueva obra publicada, dando vida, apoyo y difusión a un proyecto tan cercano como admirable.

Lamentablemente no todo es dedicación e intención, el altruismo de la iniciativa reduce las oportunidades e impiden que los objetivos se desarrollen tan ágilmente como a Pablo y a

Pero esto, no ha terminado ahí, además de poder visualizar y disfrutar de cada una de estas colaboraciones en los diferente portales web anteriormente mencionados, “Gioconda Project” propone una exposición itinerante, fuera de la web, aun sin detallar y abierta a nuevas propuesta y ofertas, de la que pronto recibiremos más información. La intención y el afán de su creador, está en la posibilidad de mostrar el proyecto en diferentes países del mundo, otorgando ese carácter internacional que el proyecto ya representa en sí mismo.

todas las personas involucradas en “Gioconda Project” les gustaría. A pesar de ello, no es un imposible, todo depende de la participación e involucración de más gente. Tanto es así, que gracias a la artista Lisa Moldau, participante del proyecto, se ha cerrado ya la primera exposición en Londres. Un punto de partida que esperamos que suponga el arranque hacia otros países. En dicha muestra, que arrancará el 25 de Febrero de 2014 en W3 Gallery, Londres. Podremos ver lo que se ha denominado “The big mural”, que como su pro-

pio nombre indica, constituirá un gran mural que rodee la sala por completo construido a partir de las reproducciones de las 220 obras de todos los artistas y autores que han participado en el proyecto.

El éxito de “Gioconda Project” traspasa pueblos y fronteras, convertido en un símbolo de unión, que se hace presente en su relación con ACNUR. Actualmente se limita exclusivamente a ACNUR España, tratando de recoger donaciones destinadas a la ayuda a refugiados a través El punto final o la guinda de este pastel de su web www.giocondaproject.com es algo por determinar, sujeta al existo del Con la que terminaremos de dibujar esa proyecto, actualmente indudable. Pablo sonrisa con tanta controversia. nos cuenta que inicialmente no podía cerrar acuerdo alguno con ningún tipo de espacio o galería, esto ha quedado para los últimos momentos, para esta fase final en la que se encuentra actualmente el proyecto, puesto que en sus inicios no sabía la aceptación y participación que este iba a tener. “El proyecto desde el principio ha sido como una criatura desconocida que no tienes ni idea de cuánto puede crecer y si será más o menos bonita. Todos hemos hecho este proyecto juntos sin pedir nada a cambio. El difundir y exponer “Gioconda Project” por el mundo puede sonar complicado y soñador, pero cuando puse el proyecto en marcha también lo parecía” Por otro lado está presente la idea de realizar una publicación en torno al proyecto, donde se recoja todo el proceso de creación, realización y organización, junto con citas y comentarios de los artistas colaboradores, acompañando, como no, a las obras que han dado forma y envergadura a todo esto. Este proyecto, ha nacido y crecido sin ánimo de lucro y desde el primer momento renunció a todos los beneficios que se pudieran obtener con la realización del mismo. Creciendo y desarrollándose como iniciativa altruista.

EMILIO SUBIRÁ Filosofía y plasticidad. Texto: Alberto Chao. Fotografía: Isabel Carmona Burgos.

-Lo primero, agradecerte que hayas accedido a concedernos esta entrevista. Nos gustaría que comenzara con una pequeña presentación. Lo que nos lleva a preguntar: ¿Quien es Emilio Subirá?¿Cómo fueron tus inicios en el mundo del arte?

sigue empleando un sistema no ya academicista, sino enchufista y chanchullero, que va en deprimento de la calidad de la enseñanza y por supuesto, de la propia creatividad.

Gracias a vosotros por confiar en mí para esta entrevista. Emilio subirá se presenta como un joven artista sevillano. Desde pequeño siempre me ha atraído el dibujo. Esta vocación viene influenciada por la idea de querer hacerme dibujante de comic, figura por la que nunca me he sentido obsesionado, pero que me servía de referente en mis inicios. Siempre me he decantado más por este mundo de viñetas y bocadillos, aunque siendo un niño, ya me dedicaba a hacer mis figuras en plastilina o materiales semejantes y se me daba bastante bien. Hice Bachillerato Artístico, lo que me animó a matricularme en Bellas Artes, como desembocadura de esta creatividad intrínseca en mí desde que era un crio. Podría decirse que mi experiencia allí, no fue demasiado agraciada y la clasifico de regular tirando a mala. Básicamente la hice por el título, que hasta ahora jamás he empleado, y rellenar currículo artístico, aunque no pienso que ninguno de los dos vayan a hablar por ti en el mundo del arte. Desde mi punto de vista, Bellas Artes, como muchas otras instituciones en este país, aun

-Como pregunta de rigor, pero necesaria ¿Quien o quienes consideras que son tus referentes? Sabemos, que eres un enamorado del comic underground y la cultura punk ¿Hasta qué punto crees que influye esto en tu obra? Mi manera de verlo es, que salvando las distancias, en cuanto al estilo empleado, mi obra pueda tender al expresionismo. Por lo tanto, considero que este estilo es una influencia en mi trabajo. Si nos centramos en los artistas que considero mis referentes, te podría decir miles, pero resumiendo, Goya, Francis Bacon, Antonio Saura, Munch, James Ensor… Indudablemente la cultura del comic underground y el punk-skate, influyen en mi obra y hasta pueden considerarse un pilar de la misma, ya que he practicado y practico patinaje roller y por decirlo de alguna manera, me he criado en un skate park. Para mí el comic, ni

Emilio Subirรก: Que tu boca no firme cheques que no pueda pagar.

1. Emilio Subirá: Here comes the Hydra. 2. Emilio Subirá: Hood boy.

que decir tiene que es mi influencia principal, a la que siempre he considerado arte mayor y de la que admiro su lenguaje plástico y su idioma metafórico. Pero esta misma influencia-reciprocidad, también la experimento con otras disciplinas. Por ponerte un ejemplo, siempre he pintado en mi estudio y nunca he pintado graffitis, sin embargo mi obra está muy vinculada al arte urbano. Tal vez la cercanía a este tipo de cultura haya impregnado de esta manera mi obra. -En tu caso, ¿Cómo se origina el proceso creativo de una nueva obra?. La curiosidad y el hambre de conocimiento, generan un artista polifacético, que se nutre de la pintura, escultura o serigrafía ¿Sigues una ruta ya establecida como la “óptima” para cada disciplina, o dicha ruta, se ve doblegada a cada creación?¿A qué disciplina das más importancia?.Observamos

que sueles decantarte por la elección de materiales muy inmediatos en su aplicación, que dan lugar a creaciones más dinámicas y próximas a la improvisación ¿Hasta qué punto la experimentación se involucra en tu proceso de trabajo? Por lo general, suelo supeditar la técnica elegida, a la obra y no reparo más en los materiales empleados, que en el resultado que obtengo de ellos. Aquello de “el fin justifica los medios”. Intento que la técnica no le robe protagonismo a la obra en sí, sino que esta se adapte para hacerla crecer en calidad. Con la pintura, este proceso se invierte, pero no deja de ser consecuencia de lo anterior. En este caso, es posible que la técnica cobre más protagonismo, para justificar un trabajo más enfocado a las propiedades pictóricas características de la disciplina. Todo esto depende, en primer término, del tipo de idea y su adap-

3. Emilio Subirá: Un mutante como los de antes. 4. Emilio Subirá: Dyonisos.

tación a un medio u otro. No tendría sentido que el medio para expresar una idea, no fuese el optimo para la misma. No sabría elegir una disciplina como “favorita”. La pintura me es necesaria y quizás disfrute mas con ella, en el sentido de que es más libre e instantánea, frente a lo procesual de la escultura. Digamos que el trabajo de la pintura es mucho mas “intelectual”, en el que no hay porque tener un resultado tan claro, frente a la escultura, en la que siempre está la barrera de “el hay que llevarlo a cabo” y la planificación que esto conlleva. Como anteriormente he mencionado, suelo emplear materiales rápidos en su modo de empleo, pasta de modelar o acrílico para mis pinturas. Es posible, que pudiera obtener mejores resultados con otros materiales, oleo, por ejemplo, pero mi manera de trabajar se ve marcada en gran medida por la inmediatez. Aun así, no sabría decir si eso está vinculado a

la improvisación, algo más allá de una impronta rápida. Por supuesto, sí que es cierto, que el aprendizaje es una máxima en mis obras y se ve reflejado en ellas, ya que este trabajo requiere de una investigación constante y como artista, también me gusta que las obras aporten por sí mismas ese “algo más” por encima de lo que yo haya aportado. -En tu obra, son frecuentes los recursos cínicos, muy cercanos a la sátira de la característica tira cómica, haciendo uso del elemento “hombre” y sobre todo de su cabeza, como icono. Un icono que se representa desfigurado y maltrecho, que sin duda nos remite a nuestro propio “yo” interior. ¿Podrías explicarnos más detenidamente de donde surge la necesidad de expresar esta visión irónica del ser humano? ¿Por qué la mayoría de las intervenciones se centran en la cabeza?

Emilio Subirá: La orla.

Estamos completamente condicionados por nuestros sentidos. Que nos relacionan con el mundo recogiendo una información a todas luces subjetiva y sesgada, que traducida por nuestro cerebro y tras atravesar el filtro de nuestra cultura y vivencias personales, se convierte en el universo de cada una de nuestras experiencias vitales, como seres humanos. “Todo es según el color del cristal por el que se mira”. Cada uno de nosotros somos a lo largo de nuestra existencia, un conjunto de cristales, infinidad de visiones infinidad de opiniones, compitiendo por determinar algo mínimamente veraz entre tanta incertidumbre. La duda que acompaña a nuestra especie desde el principio de los tiempos, es la paradoja inherente a un ser con capacidad para razonar, para ordenar el caos en un entorno que muestra alternativamente destellos de inestabilidad y equilibrio, de sinrazón y lógica a partes iguales. La lucha de los seres del “solo sé que no sé nada”, es la lucha por imponer una estructura de sociedad sólida y ordenada, solo que la idea de “como debería ser esto” es particular en cada individuo y a todos les gustaría imponerla sobre los demás. Así se genera el absurdo. El absurdo es el choque de lo ilógico en una mente racional, es esa idea que te trastoca porque no coincide con la tuya, es el ideal de otro o la mezcolanza de ideales ajenos colisionando con tu propio ideal y la frustración que esto genera.

Todo se produce en la cabeza, en la mente, que lejos de ser algo inmutable está por el contrario en constante movimiento, recojiendo y desechando, construyéndose a si misma; es una pintura de matices y luces, de casualidades y aciertos, de conocimientos e intuiciones. Si profundizamos en él, este pensamiento resulta algo desconcertante, turbador, retorcido tal vez, pero sobre todo muy irónico. El “hombre”, el “ser humano”, es la temática porque soy un “ser humano”. Percibo como tal y trato de examinar nuestra condición. En cabeza se centra la temática y la intervención, porque toda idea surge y nace en ella. Empleo temáticas irónicas, como reflejo de la ironía de la propia vida. -Conocemos tu gusto por la filosofía, considerada por ti, como una segunda pasión aplicada en tu obra. Tu mismo, te

idea inexplicable, sea a través de la imagen. A esto me refiero con el término “filosofía plástica”, puesto que todo el impulso que motiva mi trabajo tiene un caracter filosófico-visual.

refieres a conceptos como “Filosofía Plástica”. ¿Nos hablarías un poco más acerca de ella?¿Hasta que punto, dicha “Filosofía Plástica” se ve reflejada o se vincula a tu trabajo? Reflexionar, tratar de sacar conclusiones sobre nuestra naturaleza, nuestra forma de comportarnos y las pasiones y ambiciones que nos mueven: Filosofar nace de una curiosidad trascendente, un impulso autocrítico y un espíritu reparador. A menudo la filosofía se sirve de metáforas, para hacer entender ciertos conceptos de un modo más profundo y universal. Estás metáforas no son otra cosa que imágenes descritas con palabras, que nos llegan de una forma más profunda, porque de alguna manera estamos más ligados al lenguaje de la imagen, que a cualquier otra forma de lenguaje. Dicho esto, parece lógico que la forma más directa para llegar a conectar de una forma intima con una

-Atendiendo a que nos centramos en un joven creador, en una situación como la que actualmente atravesamos, nos parece inevitable tener que llegar a esta cuestión. ¿Qué visión te da el panorama artístico actual?¿Destacarías algo en concreto, del mismo? Creo que hoy en día la imagen del artista plástico no es en absoluto respetada. El hecho consabido de que el arte es la base de toda la cultura y clave en su desarrollo y maduración, es algo que parece no ser una idea interiorizada en absoluto por la sociedad española. Y digo esto con mucha pena, pero es así. Es solo una minoría, por desgracia, aquella que valora este trabajo como lo que realmente es. La mayoría, siguen estancados en una visión totalmente arcaica y tópica de lo que es o representa un artista, viéndose este como un simple productor de cosas para decorar. Este país que vio nacer a artistas respetados a nivel mundial no hace aprecio del presente, me temo. Pero bueno, esto es España, somos el “hazmerreír” de la comunidad internacional, no descubro nada nuevo creo.

Emilio Subirá: (de Izquierda a derecha) Blanco y negro, Multi faced face, Wet paint, Ex pres, Hueso de manzana, Algo para mirar cara a cara a la vida,.La mirada de siempre, Fluyendo hacia la raiz en espiral, El gran circo universal, Johnny atrás..

Por otro lado, los tratos con las galerías y demás entes de la esfera comercial artística, son a menudo desalentadores y a todas luces injustos; porcentajes desorbitados y costes que siempre corren a cargo del artista. ¿En que negocio te prestan la mercancía (además mercancía cara) para que la vendas, sabiendo que si no la vendes, puedes devolverla (no corriendo tu a veces, con los gastos de esa devolución incluso)? ¿te imaginas que la fábrica de BMW te diera coches en depósito para que tu hicieras negocio con ellos y poder devolverlos sin coste alguno a fabrica, si no te sale bien la jugada? ¿Te imaginas que además al tratar con el dueño de la fábrica de BMW, le hablaras condescendientemente como si además el favor se lo hicieras tu a él?

Esto es el mundo del mercado del arte y a esto es a lo que se enfrenta el artista, un pisoteo constante de su dignidad y una dificultad brutal para vivir de su trabajo en pleno siglo XXI. -Revisando tus exposiciones, hemos observado que sueles codearte entre círculos independientes, como principal contexto. ¿Es posible, que exista algún tipo de relación con ese mundo underground que siempre engloba tu obra? ¿Te preocupa que la comercialización o institucionalización del arte, pueda ligarse de algún modo, al éxito del mismo?

Son las versiones clandestinas las que completan o desenmascaran la “version oficial”. Lo underground para mi, no es otra cosa que

entero, a través de la red determinando así su propio éxito, saltando por encima de las antiguos raseros. -Para terminar, y agradeciéndote mucho tu colaboración, ¿podrías comentarnos, para que lo conozcan nuestros lectores, cuáles son tus proyectos y exposiciones futuras? En este momento, me encuentro inmerso en la exposición “Un mutante como los de antes”, en Espacio California. Lugar, al que recomiendo a los interesados en el arte que vayan, ya que este espacio resulta muy interesante y está más centrado en la comodidad y esparcimiento del artista, que en el beneficio que se obtenido del mismo. la verdad no oficial y por lo tanto más real. La llamada subcultura que no es otra cosa que cultura subversiva. La sabiduría de la calle y de los “locos”, que a menudo están más cuerdos que la “gente normal oficial”, es en realidad el germen de lo que tiene que imponerse, por nacer de una verdad más pura del ser humano. Todo esto va en mi línea de pensamiento y por lo tanto me siento atraído hacia ello de forma totalmente natural. En cuanto a lo segundo, nadie puede saber a que está ligado el éxito del arte, depende de muchos factores en cada caso particular. Pero particularmente pienso que un arte auténtico, uno que hable de la realidad profunda de todos, siempre encontrará su sitio. En cuanto al éxito ligado a las ventas o al mercado creo que con el arte plástico está sucediendo exactamente lo mismo que con la música desde la llegada de Internet. Se está democratizando y ya no es un crítico o un avieso galerista quien decide lo que es bueno y lo que es malo. Promoción millonaria en mano, ahora cualquier artista puede moverse y mostrar su obra al mundo

Recientemente he ultimado, también, un proyecto en el que llevo trabajando desde el 2006. La edición de mi propio libro (Nuevo Habla). Repleto de reflexiones personales, metáforas e historias surrealistas que rozan el absurdo, que se ven complementadas con una serie de ilustraciones propias. Cada capítulo está centrado en una obra que pude haber realizado con materiales tangibles, pero, en este caso, se ven sustituidos por la propia palabra en si, como elemento constructor. Además de lo anterior, por supuesto, continuo trabajando con el colectivo artístico Sickstudio. Que componemos Rafael Jurado y yo. Con el que además de afición, comparto filosofía, curiosidad y gusto por el arte. Gracias a esta agrupación, de la que nos servimos de plataforma de lanzamiento, conseguí realizar mis primeras exposiciones e incluso la publicación de libros y algún que otro fancine. A todo esto, se suma el uso de internet y nuestra página web… En la que compartimos noticias y pretendemos contribuir al impulso de iniciativas artísticas, aportando nuestro grano de arena. g

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