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Cinquecento Miguel Àngel Bounarroti Leonardo Da Vinci Rafael Sanzio
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ARTE RENACENTISTA
Renacimiento
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Miguel Àngel Bounarroti
Mano de Dios, creada por Miguel Àngel en 1508- 1512 Capilla Sixtina Vaticano, Roma dimensiones, generando más exactitud y detalle en la anatomía humana, esta técnica de perspecesde siempre, el tema predilecto por la tiva permitió que los pintores se concentraran pintura occidental ha sido la representación del en cada detalle de la figura humana, más realishombre y de su ambiente. Este también lo tomo mo. En este nuevo arte se utilizó el dibujo como el Renacimiento como su característica funforma característica para recrear personajes y damental. Esta corriente artística buscaba más paisajes estilizados. realismo e innovación en sus representaciones. Dentro de los artistas más representativos de Sus intereses pictóricos iban encaminados haeste movimiento encontramos a: Miguel Ángel cia la figura del hombre y el aspecto de la natuBounarroti, Rafael Sanzio y Leonardo da Vinraleza. ci, maestros revolucionarios de una nueva era Los pintores pueden definirse en dos corrientes, pictórica con gran riqueza de colores, formas para nuestro interés solo tocaremos la primey detalle en sus formas, tal tridimensionalidad ra. Los artistas pertenecientes a esta corriente en sus pinturas permitía presenciar un realismo pueden definirse como innovadores. Se puede puro y estético. calificar de esta forma ya que la riqueza de sus obras tiene gran diferencia con respecto a las del pasado, y se logra expresar con más claridad El Renacimiento fue un movimiento cullos valores de la nueva época. La característica fundamental de sus pinturas tural que se gesto en Europa Occidental esta en la corporeidad de las figuras. En el re- entre los siglos XV y XVI. nacimiento se logro dar forma al cuerpo en tres
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Humanismo
Creaciòn de Àdan, creada por Miguel Àngel en 1508- 1512 Capilla Sixtina Vaticano, Roma
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u estudio lo baso en la corporeidad del ser humano, presentando valoración y expresividad. Tenía un estupendo dominio tanto en el esquema de composición (grandes líneas curvas dejando de lado los bloques geométricos) como en la representación detallada de los cuerpos. En cuanto a su aspecto estilístico, sus figuras son desproporcionadas, monumentales y musculosas, también maneja formulas clásicas, pero lo más importante es la representación de la idea a través de la materia. Las formas cerradas y rígidas son de su preferencia, aun así utiliza de forma compensatoria las abiertas y móviles, líneas rectas, convexas y salientes. Para el autor Flavio Conti en su libro como reconocer el arte en el renacimiento, describe la obra de la Creación del hombre ubicada en 4
la bóveda de la Capilla Sixtina en el Vaticano, Roma. “El paisaje se reduce al mínimo: toda la importancia se concentra en las figuras de Adán y el Creador; para ellas, el artista no tenia modelos: su conocimiento de la anatomía es tal que él “crea” las imágenes llegando a acentuar algunas partes para hacer el tema aún más natural.” La majestuosa obra reproducida en diferentes publicaciones publicitarias y televisivas e incluso recreada de manera animada en programas como The Simpson. Fuera del concepto animado guarda una gran relevancia dentro del arte Renacentista. La composición de esta obra tiene un gran equilibrio en cuando a las masas sin que este resulte estático. Su iconografía revolucionaria que provoco discusiones con el Papa Julio II. Lo que Miguel Ángel pretende representar es el momento en que Dios padre introduce la vida en la figura de Adán.
“En la Edad Media esta escena suele representarse con Adán tumbado en el suelo y en lo alto Dios Padre o la Trinidad, entronizados, enviando el soplo vital, tal y como se describe en el Génesis. Aquí, sin embargo, Dios Padre no aparece a la manera medieval, revestido de los atributos papales e imperiales (manto, cetro, tiara y bola) sino como un anciano barbado y canoso, vestido con túnica (M. Ángel quería ponerlo desnudo pero el Papa se negó), novedad iconográfica destinada a gozar de gran éxito posterior.” Esta obra hace parte de una serie de pinturas ubicada en el techo de la Capilla Sixtina. El tema de la gran pintura era la creación y el pecado del hombre y como consecuencia que da implícita la necesidad de un Redentor. Miguel Ángel toma como referencia las historias anecdóticas de la vida cotidiana y domestica. Todo esto para mostrar al hombre en su faceta más intima su desnudez pura y con la tragedia a cuestas: el destino. Al final la tragedia humana queda resuelta en el Juicio Final sostenida por dos extremos: salvados y condenados. El techo de la Capilla es una explicación teológica de la salvación según la enseñanza de la Iglesia Católica.
Techo de la capilla sixtina, una obra maestra del ciclo de la vida, mide 40,5 m x 14,0 m
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sta obra fue realizada entre 1508 – 1512, la bóveda de la Capilla fue decorada por órdenes del Papa Julio II, quien le encargo esta difícil tarea a Miguel Ángel en Mayo de 1508, la obra empleó un poco más de cuatro años tras numerosas interrupciones. A pesar de que el maestro Bounarroti no quería hacer este trabajo, su grandeza e ingenio mostraron todo lo contrario. Al término de la obra el pintor ya sufría de fuertes dolores de espalda y tenía problemas de visión, la postura incomoda para pintar una bóveda durante 4 años sin ayudantes condujo a que su salud se resintiera. Sin embargo, pese a todas las adversidades Miguel Ángel dentro de su grandeza logro reunir imágenes del Antiguo y del Nuevo Testamento que resumen la historia de la humanidad desde la Creación hasta el Juicio Final, junto a una serie de sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo. En cuanto al estilo pictórico aparecen rasgos escultóricos como (contraposto, rotundidad, monumentalidad y formas cerradas) en general en el diseño predominan la luz y el color, lo que muestra un Miguel Ángel más colorido. En los lunetos o bóvedas sobre las ventanas y en los triángulos por encima de éstos se ubicarían los antepasados de Cristo mientras en las conchas de la bóveda se daría paso a las historias de la salvación del pueblo de Israel. El Juicio Final, la última etapa de la desgracia de la humanidad en cumplimiento de su destino. El camino hacia el fondo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel describe una rendición de cuentas en donde Cristo es el centro acompañado de la Virgen y rodeado por los apóstoles, los cuales ponen en movimiento a todas las figuras. Así lo explica el propio Bounarroti "Sólo el centro de la composición se elige libremente, porque todos los demás elementos giran necesariamente a su alrededor". 6
ARTIST’S BOOK Desde el centro de mando Cristo elige (a la derecha) a sus allegados y merecedores del reino de los cielos y (a la izquierda) a los condenados que pagaran el mal de sus manos, todos separados verticalmente como un camino entre el bien y el mal. Miguel Ángel también toma elementos tradicionales y otros traídos de la mitología griega, por ejemplo: el barquero Caronte que lleva a las almas a través de la laguna Estigia. Aparece San Bartolomé con el cuchillo con el que lo degollaron. Con esta pintura se muestra una nueva faceta del infierno en donde las llamas y el vapor han quedado atrás para darle paso a una llanura desolada a la que caen las almas de los condenados, siendo castigados con sus propios remordimientos. Una obra que se mueve en un aura apocalíptica entre el dramatismo de la vida y la muerte. Miguel Ángel logra crear un mundo real y una historia duradera, crea un imaginario del nacimiento, la vida y el castigo todo plasmado en bóvedas decoradas con frescos, una pintura majestuosa que es considerada como una de las maravillas más alucinantes del arte. El apasionamiento de este Maestro de todas las artes, revoluciono el mundo de la pintura, la arquitectura y la escultura. Su pensamiento desafiante y perfeccionismo hizo que llegara hasta la cúspide del éxito en donde será durante varios siglos el icono del ingenio.
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Leonardo Da Vinci
La Anunciaciòn
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La Anunciaciòn, creada por Leonardo Da Vinci en 1472- 1475 Galeria Uffizi
s uno de los cuadros más celebres del pintor renacentista italiano. Esta obra maestra está pintada mediante la técnica de óleo sobre tabla la madera de álamo sobre la que está ejecutada la obra, posee unas dimensiones de 100 centímetros de alto por 221 centímetros de ancho. La cabeza del ángel aparece pintada con los cabellos de forma compacta y no esfumados, características típicas de Leonardo, también existen características florentinas como que la virgen este a la derecha y el ángel se situé a la izquierda. Posiblemente la Anunciación de Leonardo sea uno de los primeros encargos que el artista consiguió mientras estaba en el taller de Verrochio. Este cuadro presenta la influencia de la pintura detallada de manera realista y del estilo acabado, unas disciplinas adquiridas en el taller de Verrochio. El cuadro simboliza la venida de Cristo a María por el ángel Gabriel, conforme a la biblia cristiana. La escena representada en La Anunciación se desarrolla dentro de un jardín de una villa florentina. Aquí encontramos un rasgo muy moderno y nuevo para la época, ya que en la tradición medieval
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la ambientación era siempre realizada en un interior. Pero Leonardo no se desligará del todo de esta tradición y mantendrá la prudencia del encuentro dejando entrever el lecho y delimitando el jardín a través de un pequeño muro. Leonardo da Vinci emplea en este cuadro la técnica de la perspectiva aérea que si bien no está del todo lograda debido a la juventud del pintor, sí que se aprecia la importancia que se le otorga a este tipo de perspectiva en la que se observa como los detalles más alejados están envueltos en una niebla. Los cipreses del fondo están representados de manera sistemática a través de columnas, algo que parece dividir matemáticamente la escena pintada por Leonardo da Vinci. La figura de la Virgen aparece con un dedo de su mano derecha sobre la Biblia para marcar el lugar donde interrumpe su lectura y con su mano izquierda, saluda al inesperado mensajero. La Virgen se encuentra en una mesa de mármol. Por su parte, otra de las figuras más importantes, el ángel, aparece batiendo sus alas y porta una azucena blanca en una de sus manos, símbolo de la virginidad de María. 9
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Virgen de la roca
Virgen de la roca, creada por Leonardo Da Vinci en 1483- 1486 Museo del Louvre Francia 10
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n ella apreciamos su dominio de profundidad de forma natural. Se emplea la perspectiva aérea y del denominado sfumato, técnica con la que Leonardo capta el ambiente que hay entre figuras y abandona la definición pictórica de contornos, con el paso gradual de la luz a las sombras, que otorga volumen a las figuras, además de darles un aire enigmático . La obra representa a la Virgen arrodillada protegiendo a San Juan Bautista, representado como un niño desnudo y semiarrodillado, que está adorando al niño Jesús, que le responde con un gesto de bendición en sus dedos. Mientras que un bellísimo e inquietante Arcángel señala a San Juan y mira hacia fuera del cuadro, hacia el espectador. Sería el arcángel Uriel, que era el encargado de proteger a las personas que están pasando por una dura etapa de su vida. Estamos ante una escena familiar idealizada, en la que las miradas de la Virgen y de San Juan convergen en el niño Jesús, y las líneas que unen sus cabezas forman un triángulo regular. Leonardo se muestra como gran maestro de la composición triangular o estructura piramidal cuyo vértice sería la cabeza de la Virgen y los lados se unirían con los cuerpos de los niños Jesús y San Juan, que al unirlos formamos la base de ese triángulo imaginario. Este tipo de composición es muy usual en temas religiosos, el triángulo representa la Santísima Trinidad. Pero Leonardo consigue que las figuras se envuelvan en una especie de volumen piramidal gracias a las actitudes y disposiciones de las mismas. La composición es de una pasmosa racionalidad, la cabeza de la Virgen ocupa la parte superior del triángulo, equilibrada y apacible, la luz se centra en el rostro de la Virgen centro de la composición, resplandeciendo con vigor. Además se nos revela como el gran genio de la luz, una luz que se filtra desde arriba por las grietas de las rocas del misterioso fondo, logrando
ARTIST’S BOOK una sublime iluminación, muy tenue. De manera que, todo está dominado por la penumbra y por una sobrehumana sensación de humedad y niebla. Además por medio de esos suaves contrastes de luces y sombras otorga volumen y un aire enigmático a las figuras, con ello hace que las propias figuras sean fuentes de una misteriosa luz. Leonardo crea un ambiente misterioso e irreal, que se ve acentuado por su gran perspectiva aérea y su célebre sfumato, somete al dibujo a un efecto difuminado, que deshace los contornos de las figuras.
Versiòn original dimensiones 199×122 cm.
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Dama de armiño
sta obra pertenece al cinquecento italiano. Esta época se caracteriza por el retorno a los valores del mundo clásico, tanto en arquitectura como en escultura y pintura. Así también, surge de nuevo el humanismo, es decir, Dios ya no es el centro de todas las cosas, sino que lo es el propio ser humano. Una buena muestra de esta vuelta al humanismo es La dama de armiño, pintada por Leonardo da Vinci entre los años 1488 y 1490. En esta obra, está representada una joven noble de la época sosteniendo entre sus brazos a un armiño. Leonardo la pintó mediante la técnica del óleo sobre tabla. La luz llega a la figura desde la derecha, hacia donde ella mira, dejando esta zona perfectamente iluminada, en contraste con la zona de la izquierda, más oscura, gracias a la técnica del claro-oscuro. También se observa el uso de la técnica del sfumatto, inventada por Leonardo, que consiste en que la figura se difumine con el fondo, mezclándose con él, de manera que no se sabe dónde acaba la figura y empieza el fondo. El color toma protagonismo. Leonardo consigue captar los sentimientos de la joven y reproducirlos en la obra gracias a la mirada. De este modo, en esta obra sobresale una aparente sencillez, con la que Leonardo consigue transmitir una sensación de calma infundida por la actitud serena de la representada, que sonríe de manera casi imperceptible. También sobresale la sensualidad y timidez en su mirada. Esta pintura cautiva por la belleza de la joven y la inocencia que Leonardo consigue que de ella irradie. 12
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La Gioconda L
eonardo ha aplicado la técnica del sfumato, que consiste en la difuminación de los contornos de la figura. Los rizos sobre el hombro derecho de la Mona Lisa se funden con los afloramientos rocosos -a los que Leonardo recurrió como tema en otras obras-, como los traslúcidos pliegues del chai que cubre su hombro izquierdo se prolongan sobre las líneas del acueducto. La pintura adquiere así un efecto tridimensional y produce una sensación de movimiento, lo que confiere a la obra su inquietante sensación de vida. La enigmática sonrisa de la Gioconda ha suscitado incontables análisis, tanto técnicos como psicológicos. Uno la relaciona a "los dos fondos" antes mencionados: el de la izquierda arrastra la mirada hacia abajo, y el de la derecha hacia arriba, produciendo un forcejeo visual que se articula en la mitad del cuadro y hace que el ojo vea en las comisuras de los labios ese célebre atisbo de sonrisa. Sigmund Freud dijo que "la sonrisa de la Gioconda despertó en el artista el recuerdo de la madre de sus primeros años infantiles". Muchos expertos consideran especialmente las manos. De un modelado perfecto, su relajamiento subraya la majestuosa calma de la modelo. El brazo apoyado en la silla, casi paralelo al plano del cuadro, acentúa el leve giro de la cabeza y el torso. Una de las explicaciones acerca de la carencia de cejas dice que Leonardo las pintó al final, sobre pintura ya seca, y que su primer restauraLa Gioconda es un pequeño óleo sobre madera pintado dor usó un disolvente inapropiado borrándolas entre 1503 y 1506, mide sólo 77 x 53 cm. y se encuentra para siempre. en el Musée du Louvre, París.
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Rafael Sanzio
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La escuela de atenas
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Hecha entre 1509 y 1510. Famosa pintura elaborada por Rafaell Sanzio
izo parte de la comisión de frescos para decorar las habitaciones conocidas como las estancias de Rafael ubicadas en el Vaticano. Esta pintura se caracteriza por medir 7.70 metros de altura y 5 metros. Se caracteriza por representar la filosofía a través de una escena donde se narra una sesión realizada por los filósofos clásicos de la época. Rafaell en esta obra ordena las figuras de izquierda a derecha. En esta obra se resaltan los filósofos, matemáticos más importantes de la época clásica, la arquitectura que se ve reflejada recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro la cual fue elaborada por Bramante, Platón y Aristóteles quienes eran considerados los principales filósofos de la Edad Media 16
En 1510, Rafael vio el trabajo de Miguel Ángel en la bóveda de la Capilla Sixtina, tras esto lo agregó en su pintura como señal de respeto hacia el artista. Al tiempo, esta figura evita un gran vacío en esa parte del fresco. La descripción de esta obra muestra : En el centro a Platon con Timeo quienes señalan hacia el cielo y Aristóteles presidiendo un gran número de personajes, quienes celebran la investigación racional de la verdad, a la izquierda se encuentra Sócrates conversando con Alejandro Magno, Epicuro y Pitágoras, situados a la izquierda.
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Virgen de la silla
s una pintura al óleo sobre tabla, de forma redonda con unas dimensiones de 71 centímetros de diámetro. Se encuentra en la Galería Palatina del Palacio Pitti de Florencia, Italia. Es una obra renacentista Se caracteriza por mostrar a la Virgen sentada en una silla, abrazando al Niño Jesús mientras que a un costado un joven Juan Bautista los mira con devoción. En esta obra se ve representada la Virgen como una campesina del lugar. L. Bartelli y B. Pallotti y es ahí donde se afirma que Rafael quedó particularmente atraído por la belleza de una madre joven con su hijo, y que no teniendo con él los instrumentos de su oficio, trazo con una tiza el retrato de la mujer con el niño en brazos.. Se puede apreciar que esta Virgen carece de una forma geométrica, Rafaell utilizo para esta obra colores más cálidos parecen sugerir la influencia de Tiziano y de su rival Sebastiano del Piombo. Describiendo un poco la imagen de la virgen en la silla se puede destacar diferentes puntos importantes: Los ojos de la Virgen tienen una mirada inolvidable, que se refuerza por la fuerza centrípeta, se puede decir que la mirada de la Virgen va directamente hacia nosotros creando así una relación casi hipnótica En cuanto al codo del niño Jesús, este ocupa una parte importante en el tondo, se puede decir que es de esta forma como Rafael ejerce la composición natural en sus cuadros. También se puede ver una ilusión óptica debido a que la luz hace que el codo doblado del niño parezca
levemente saliente del cuadro. Se puede ver que el niño está un poco aburrido ya que los movimientos de sus pies delatan esta expresión. Es de destacar que las tradiciones iconográficas de la época y maneadas por los artistas muestran que la ropa de los personajes principales de los cuadros siempre son de colores azules y rojizas y en este caso no es la excepción pues estos colores priman en la vestimenta de estos dos personajes principales del cuadro.
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El retrato de Baltasar Castiglione
Obra realizada por Rafaell, en 1515
s
e caracteriza por ser hecha con oleo sobre un lienzo, mide 82 cm de alto y 67 de ancho y hoy en día aún se conserva en el Museo de Louvre ubicado en Paris, Francia. Se dudaba que esta majestuosa obra podía haber sido realizada por unos alumnos de Rafaeel, 18
pero no , realmente la gente se dio cuenta esta obra si había sido realizada por este importante pintor debido a la alta calidad y magistral combinación de elementos pictóricos que distinguen la pintura , las apagadas tonalidades de la ropa y el fondo el cual es inusualmente ligero. Esta obra muestra la mano de un pintor experimentado y hábil, así como la mirada directa del sujeto, que establece un contacto inmediato e íntimo con el observador. Este importante retrato ha figurado en diversas exposiciones internacionales. Estuvo expuesto del 25 de marzo al 4 de junio de 2006 en el Museo de Capodimonte. En 2012-13 participó en la antológica «El último Rafael», coorganizada por el Louvre y el Museo del Prado, y posteriormente se prestó para una de las exposiciones inaugurales del nuevo Museo Louvre-Lens. La descripción de esta obra nos presentan un hombre mayor quien viste un jubón, este hombre se caracteriza por tener una larga y poblada barba de color gris, pero lo que más resalta en esta obra son los grandes ojos color azul los cuales resaltan y llaman la atención ya que es un cuadro que en su mayoría se presenta en colores tierra opacos, En el rostro del retratado se puede ver un poco acerca de su personalidad su carácter, lo que guara su alma y es asi como se demuestra que Rafaell tuvo una facilidad excepcional de crear retratos. La posición en la que se encuentra este hombre es sentado mirando hacia un lado, sus manos se sujetan entre si formando un triángulo en medio de su cuerpo y brazos. La figura se recorta en tres cuartos ante un fondo neutro para resaltar su volumetría, reforzada con la ubicación de las manos en primer plano. 19
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