Entrevista con Ricardo Basbaum | MODESTA DI PAOLA
El arte se ha abierto definitivamente hacia una proliferación de especulaciones conceptuales que tienen como protagonista absoluta a la palabra. Argumentos, teorías, debates, textos, publicaciones, catálogos, entrevistas, conferencias: La palabra domina el discurso artístico, acompaña a la obra y, en ocasiones, llega a substituirla. Durante el Seminario Guattari no cesa de proliferar[1], el artista y crítico brasileño Ricardo Basbaum menciona William S. Burroughs: “La palabra es ahora un virus. El hombre moderno ha perdido el silencio”. Es una cita dentro de la ponencia que lleva el título “Em Torno do Virus de Grupo”, en la que Basbaum reflexiona sobre el carácter de contacto y de contagio de la obra de arte como virus. La obra de arte se manifiesta como proceso plural determinado por una serie de actores y protagonistas que entran en contacto entre sí. Este proceso se articula en diferentes niveles y cada uno desempeña un papel determinante para la constitución de la obra artística. La resolución formal es sólo una de las fases del proceso colectivo de la obra, nudo entre voces instauradoras de conflictos y complejidades que constituyen una polifonía. Desde 1989 tu proyecto “Novas Bases para a personalidade” (NBP) ha emprendido un largo viaje conceptual y material. Se ha desarrollado dentro de diferentes coordenadas espaciales y temporales. Ha sido procesado, trasformado, modificado, interpretado y traducido por ti y por los participantes del proyecto. ¿Puedes hablarnos de su evolución? La idea del proyecto “Novas Bases para a Personalidade” (NBP) empieza en torno al año 1989-90 como una forma que he llamado “forma especifica NBP”. En este periodo estaba interesado en la idea de trasformación y estaba articulando mi trabajo en contacto directo con la obra de Hélio Oiticica y de Lygia Clark. Empecé a trabajar como artista en los años ochenta, cuando Brasil salía de la dictadura militar y empezaba a implantarse la economía neoliberal. El país entonces pasaba de una dominación estatal a una dominación del mercado. NBP representa el principio de un segundo momento como artista, tras haberme iniciado en el Brasil de los años ochenta y de haber hecho trabajos colectivos, performances, multimedia, intervenciones, algunos trabajos como marcas y logos y también algunos textos críticos y colaboraciones en revistas. El proyecto NBP, por lo tanto, nace como resultado de estas primeras experiencias como joven artista y de la exigencia de organizar la palabra, es decir, las herramientas que relacionan la cuestión visual con el texto y con la comunicación. La primera serie de trabajos dentro del proyecto NBP eran esculturas, objetos y estructuras realizados con diversos materiales, como hierro, formica, tejido, etc. Esta primera serie iba acompañada de un texto titulado “O que é NBP”, que ha sido el primer escrito del proyecto, una especie de manifiesto que presenté por primera vez en mediante una performance (1990) y que fue traducido en diferentes idiomas. En 1994, época en la que vivía en Londres, comencé la serie llamada “Você gostaria de participar de uma experiência artística?”, como parte del proyecto NBP. Mi interés era intentar enfatizar algunos elementos de NBP y llevar la estructura del objeto de uso doméstico (que tiene la forma de un container blanco con una marca azul, como algunos objetos de uso domestico hechos en esmalte), a un proyecto a gran escala. De ese modo NBP iba a entrar en nuevo proyecto con una lógica de utilización de mayor envergadura, e implicando todo un protocolo de uso que en un primer momento se basaba en ofrecer a otro participante el simple objeto con una invitación y una primera versión del diagrama del proyecto. El participante tenía que documentar su propia experiencia NBP que luego yo recogía para insertarlo en el proyecto más grande. Pensaba que una vez terminado el proyecto lo presentaría en una exposición. En realidad, a medida que el proyecto se desarrollaba, se iba visualizando cada vez más gracias a su estructura libre, sin necesidad de galería o un museo. Además el website del proyecto ya es una estructura de exposición. Sólo a partir de 2007 se ha presentado con cierta regularidad en algunas muestras y siempre con alguna transformación. En 2007 “Você gostaria de participar de uma experiência artística?” fue formulada por Paulina Varas y presentada en la Galería Metropolitana de Santiago. Ese mismo año se presentó en la Documenta 12, con el título “Would you like to participate in an artistic experience?” En mayo de ese año NBP vuelve a su nuevo uso: “membranosa-entre (NBP)” que fue presentado en la exposición organizada en la Galería Luciana Brito de São Paulo. ¿Cuánta importancia tiene la trasformación en tu producción artística? Cuando me invitaron a la Documenta 12 propuse presentar el proyecto “Você gostaria de participar de uma experiência artística?” . El primer paso fue la construcción de 20 nuevos objetos NBP, diez de los cuales fueron enviados a Brasil y otros 10 se enviaron a diversos participantes de Europa. Envié una estructura NBP a Paulina Varas, quien hizo su propia experiencia de NBP a finales de 2006. Junto con la contribución de Paulina el proyecto fue presentado en la Galería Metropolitana de Santiago bajo el título “Dominio de Intercambio”. Para la Documenta pensé enriquecer el corpus de la obra añadiendo al proyecto no sólo toda la documentación en forma de vídeos, textos, fotografías y el diagrama del proyecto actualizado, sino también una estructura arquitectónica y escultórica que sería el museo del proyecto, un pequeño museo para proteger mi proyecto dentro de la megaestructura de la Documenta. De ese modo construí esta estructura para crear mi propia situación de contacto con la Documenta y delimitar el espacio interior respecto al exterior. El exterior es representado por las gradas desde las que puedes mirar el espectáculo del arte y el interior es un espacio más intimo con pequeños colchones, archivos de documentos videográficos y fotográficos y un circuito cerrado de vídeo, especie de duplicación del espacio, contraposición entre la experimentación del espacio con el cuerpo y la experimentación con una videocámara. Así se presentó en la Documenta 12 con el título “Would you like to participate in an artistic experience?”. Ya “membranosa-entre (NBP)” es un proyecto arquitectónico que dialoga con la arquitectura de la galería. Es una estructura escultórica y arquitectónica que tiene puertas y obstáculos, para que el cuerpo pueda moverse dentro de ella y sobrepasarla. La intervención prevé un nuevo diagrama con comentarios y todo un vocabulario que voy construyendo. Aquí la idea de membranosa, este término curioso, remite a la idea de contacto, muy cercana a la idea de línea orgánica de Lygia Clark.
Tu producción artística es indistinguible de tu producción teórica. La una parece no existir sin la otra. Tú mismo has tenido ocasión de afirmar que la obra de arte es por un lado inmaterialidad, es decir, idea, discusión y palabra, por otro lado es el objeto concreto y material. En tu última elaboración teórica titulada “Em Torno do Virus de Grupo” has hablado de la obra de arte como virus. Puedes compartir con nosotros esta teoría? En un primer momento el proyecto NBP fue concebido con la idea de que el visitante de la exposición tuviera que guardar la imagen del trabajo en su memoria. La percepción de la obra tenía que circular en su cuerpo como un virus. Esta idea se acerca a lo que Lygia Clark define como metabolismo simbólico al referirse al lenguaje que circula en el cuerpo. En los años ochenta era una idea que circulaba bastante, por ejemplo Baudrillard hablaba de contaminación. Por lo tanto la idea del contagio y de la contaminación estaba presente en mi trabajo desde el principio aunque todavía no utilizaba el termino virus. Con el tiempo me di cuenta de que no conseguía liberarme de este trabajo. Mi proceso tenía algo que ver con el trauma, porque esta forma seguía presente y yo no podía liberarme de ella. Este no era un trauma personal sino profesional, de construcción de mi mismo como artista, relacionado a mi trabajo y a mi profesión como artista en Brazil. Cuando empecé a utilizar esta forma no icónica, más libre, estructural y misteriosa, no era clara, quería abrir un campo discursivo que empezó con el texto “O que é NBP”, primer manifiesto que tenía tres ideas (la inmaterialidad del cuerpo, la materialidad del pensamiento y el logos instantáneo). Con la tesis de doctorado creció la idea de que este texto no fuera sólo un trabajo de teoría y crítica de arte y que llevara la escritura dentro del mismo trabajo, quería que la escritura fuera parte de la obra. Así paso a paso surgió el vocabulario del proyecto, su terminología que pasa por publicaciones, seminarios, es decir que siempre intento crear una conexión entre las ideas que mueven mi proyecto artístico y mi proyecto teórico. No me considero un filosofo o un sociólogo y no tengo la formación de un historiador del arte, sin embargo, me considero un crítico que puede dar juicios y hacer comentarios sobre su obra o la de otros artistas. Mi último trabajo teórico “Em Torno do Virus de Grupo”, es parte de esta conexión entre territorios diferentes de una misma práctica. La misma cuestión poética que está en la base de la ponencia está también en la base de mi trabajo como artista y viceversa. Sin embargo esta conexión entre mundos diversos no es simple y puede provocar una suerte de esquizofrenia, aunque creo que estoy empezando a moverme bien entre ellos porque juntos ofrecen muchas más oportunidades de trabajo. “La palabra es ahora un virus. El hombre moderno ha perdido el silencio”. Quieres comentarnos esta frase? Es una frase de William S. Burroughs que considera el virus como un objeto multimedia que tiene que ver con el sonido, la imagen y la palabra. La obra de arte entendida como objeto de creación autónoma existe solo en la modernidad. Antes el arte existía solo dentro de un sistema religioso o cosmológico. La modernidad ha inventado la autonomía del arte y lo ha hecho a partir de la crítica a la posición muy reverencial que la obra de arte tenía con el silencio. En muchas religiones e incluso sistemas culturales el culto era considerado un conjunto de palabras sagradas que no se deben pronunciar, con el culto básicamente se respecta el silencio. Por lo tanto esta frase es curiosa porque representa como el arte ha perdido el silencio. La obra de arte moderna por el contrario produce elocuencia. El arte moderno es de hecho un productor de discursos. Hay diferentes discursos, maneras de hablar, dicciones, ficciones, escrituras o expresiones de sentido común que llevan a clichés, en definitiva la palabra es un virus. Puedes explicarnos como se manifiesta el proceso virulento en tu obra? Es curioso que utilices el termino virulento que tiene una connotación de agresividad. En mi trabajo lo que intento hacer es combinar el discurso a la obra, por medio de un proceso de contaminación que pasa por la idea de membrana. Mi idea de membrana se acerca a lo que Lygia Clark definía como la línea orgánica, es decir una línea de contacto entre dos superficies diferentes. Lo que intento hacer en mi trabajo es constituir una pequeña retórica que seduzca y capture el otro. Este mecanismo de seducción a veces puede mostrarse de forma perversa o incluso agresiva, en el sentido de que mi trabajo juega con elementos de visualidad agresivos como gradas de hierro, estructuras metálicas, etc. En realidad con esta agresividad no quiero producir repulsión sino despertar la inquietud necesaria para contrastar la anestesia que el mismo cuerpo produce. Una estructura de metal no es agresiva en si misma pero si se utiliza en ciertos canales puede despertar el cuerpo que duerme. Mediante la idea de membrana, de contacto o contagio intento crear un momento de vulnerabilidad con el que superar la anestesia cotidiana. En este momento de vulnerabilidad lo que intento es instalar el vocabulario de mi obra en tu cuerpo. Cuando terminamos de leer un libro no somos los mismos que antes, cuando salimos del cine algo en nosotros ha cambiado. Lo mismo pasa con la percepción de la obra. Al entrar en contacto con la instalación algo te modifica. No es una transformación inmediata y no depende solo de algo relacionado con la percepción de formas de arte, sino también de otras estructuras culturales y de las propias experiencias personales. Mi trabajo funciona como estructuras a las que se van agregando, diagramas, textos, palabras y experiencias. El arte conecta entre sí nuevas percepciones y sensibilidades. Tu obra desde el principio ha apuntado a un mundo donde cada individuo es parte de una red relacional. ¿Cuál ha sido tu estrategia para realizar esta compleja relación de diálogo entre singularidades? En referencia al proyecto “Você gostaria de participar de uma experiência artística?”, en funcionamiento desde 1994, hasta hoy son quince años, he acumulado una cantidad enorme de material. La Documenta, que es una gran maquina de visibilidad, ha ampliado aún más el corpus de la obra. Desde este punto de vista el proyecto tiene una estructura de archivo que quiere presentarse como una membrana de contacto entre diversas experiencias. Por lo tanto Você gostaria es un proyecto de pensamiento colectivo del cual yo me considero el administrador. Cada participante es artista e interviene en el proyecto con propuestas que deben ser consideradas obras de arte. Muchas veces estas obras de arte son enigmas, difíciles de entender porque son historias personales, diferencias culturales muy diversas, problemas que surgen de la comunicación, etc. Como administrador de este proceso colectivo de pensamiento yo intento que el proyecto continúe. Esto dependerá del interés de los participantes, si nadie da respuestas positivas el proyecto termina. Por lo tanto podríamos decir que mi estrategia es aspirar a que la obra viva, sin dejarme obsesionar por ello.
[1] Seminario se llev贸 a cabo en el Auditorio del Macba, los d铆as 27 y 28 de noviembre de 2009 y fue moderato por Suely Rolnik.
Fuente:
http://interartive.org/2010/01/ricardo-basbaum-entrevista/#sthash.IBiMAWy1.dpuf