Billboard AR N°73 Agosto 2019 by Billboard AR

BILLY JOEL DADDY YANKEE AUSTIN MAHONE

RS TO A N I V E

ARIO

COQEEIN GREEICY MALA RODRIGUEZ MIDEL RAQUEL SOFÍA

Glastonbury IN MEMORIAM

João Gilberto ISSN 2344-9276 · Año 7 · Nº 73 Agosto 2019 Argentina: $250 · Recargo interior: $5

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a son tres las semanas que “Con altura” se mantiene, justamente, en las alturas. El single de Rosalía acumula 16 semanas en el chart y, ahora, se encuentra en pleno apogeo. Por debajo, en el N°2 sigue una canción ex N°1, “Otro trago” de Sech y Darell. Completa el podio otro single que llegó a la cima del listado, “Con calma (remix)” de Daddy Yankee featuring Snow & Katy Perry. En el N°7 del Top 10 encontramos al mejor debut de la semana. Se trata de “China”, la super colaboración latina que con Anuel AA como anfitrión reúne también a Daddy Yankee, Karol G, J Balvin y Ozuna.

Además, la base musical de “China” está creada con un sample del clásico de reggae “It Wasn’t Me”, que Shaggy editó en el 2000. A menos de 15 días de su estreno, el videoclip de “China” cuenta con casi 150 millones de reproducciones en YouTube. Sin embargo, el reingreso más importante es el de “Old Town Road (remix)” en el N°77. La canción se instala nuevamente en el Billboard Argentina Hot 100 luego de alcanzar las 17 semanas en el N°1 del Billboard Hot 100 de Estados Unidos. El tiempo de su estadía en el N°1 del listado estadounidense marcó un récord histórico y sin precedentes en la historia de los charts de Billboard.

Con Altura

Rosalia & J Balvin Feat. El Guincho

Otro Trago

Sech Ft. Darell

Con Calma (Remix)

Soltera

No Me Conoce (Remix)

11 PM

China

Calma (Alicia Remix)

Callaita

RIMAS ENTERTAINMENT LLC.

Tal Vez

BIG LIGAS / WARNER MUSIC GROUP

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

COLUMBIA RECORDS

RICH MUSIC LTD

Daddy Yankee & Katy Perry Feat. Snow EL CARTEL RECORDS

Lunay STAR ISLAND INC.

Jhay Cortez, J Balvin & Bad Bunny UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

Maluma SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Anuel AA, Daddy Yankee & Karol G Feat. J Balvin & Ozuna REAL HASTA LA MUERTE, LLC.

Pedro Capo x Alicia Keys x Farruko SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Bad Bunny Paulo Londra

B I L L B OA R D.CO M . A R

variación

Artista

Título

Esta semana

“China” es Top 10

Semana pasada

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS, RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.

MIGUEL DUCOS

Semana del 3 de agosto de 2019

-1

NEW

-2

-1

Billboard Argentina Hot 100

Esta semana

Por Eso Vine

Cristina

TINI & GREEICY

Amanece

Que Pretendes

No Me Acuerdo

Aullando

Semana pasada

Esta semana

Señorita

Te Robaré

Pa Mí

Cuaderno

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

TINI, Greeicy

HOLLYWOOD RECORDS, INC.

Shawn Mendes & Camila Cabello

variación

Artista

Título

La Cobra

Adan Y Eva

Te Olvidare

Despacito (Remix)

Me Vas A Extrañar (En Vivo)

Reggaeton

Créeme

Desconocidos

Sin Pijama

Becky G & Natti Natasha

Feat. Sebastián Yatra & Nicky Jam Date La Vuelta Luis FonsiUNIVERSAL MUSIC GROUP / UMG RECORDINGS, INC.

-9

Contra La Pared

Sean Paul X J Balvin

Aleluya

ESTA COMPILACIÓN / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

CASABLANCA RECORDS & ONE WORLD MUSIC

-3

Boy With Luv

Dalex X Rafa Pabón

Cien Años

-2

La Respuesta

Yankee, Jonas Brothers & Natti Natasha Runaway Sebastián Yatra, Daddy UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

-4

2 Pa' 2

Jam & Farruko Feat. Becky G & Sech Rebota (Remix) Guaynaa,AKNicky ENTERTAINMENT / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

MIA

Que Más Pues (Remix)

Ocean

Bad Guy

Cuando Te Bese

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Billie Eilish

-6

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

DARKROOM/INTERSCOPE RECORDS

Wisin & Yandel & Romeo Santos

RICH MUSIC LTD

-4

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Un Año

Sech Feat. Maluma, Nicky Jam,

Thalia & Natti Natasha

Maluma

Farruko, Justin Quiles, Lenny Tavárez

La Boca

RICH MUSIC LTD

J Balvin & Bad Bunny

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

Secreto

Dalex, Nicky Jam & Justin Quiles

Feat. Sech, Lenny Tavarez, Feid & Rafa Pabon

Anuel Aa, Haze

2018 HOUSE OF HAZE | CINQ RECORDINGS

-1

RICH MUSIC LTD

-4

Tumbando El Club (Remix)

Si Se Da

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Sebastian Yatra

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

-5

Nicky Jam X Ozuna

Paulo Londra

BIG LIGAS / WARNER MUSIC GROUP

Neo Pistea Feat. Cro, Obie Wanshot, Ysy A, Cazzu, Khea, Lucho SSJ, Coqeéin Montaña, Marcianos Crew & Duki

-2

ISLAND RECORDS / UMG RECORDINGS, INC.

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

SONY MUSIC ENTERTAINMENT / I NEED SPONSORS

-1

Karol G & Anuel Aa

-1

Sebastian Yatra & Reik

-1

J. Mena

-11

Paulo Londra

MYA & Pedro Capó

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

UNIVERSAL MUSIC GROUP

DBN

BIG LIGAS

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Luis Fonsi & Daddy Yankee Feat. Justin Bieber UNIVERSAL MUSIC GROUP

Damas Gratis Feat. Viru Kumbieron PELO MUSIC

18 3

J. Balvin

-6

Karol G & Maluma

UNIVERSAL MUSIC GROUP

Mau Y Ricky, Manuel Turizo & Camilo SONY MUSIC ENTERTAINMENT

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

UNIVERSAL MUSIC GROUP

Reik & Manuel Turizo

-3

Myke Towers x Farruko

Mau Y Ricky & Camilo

BTS Feat. Halsey

Abel Pintos

Becky G & Maluma

Rombai

Bad Bunny Feat. Drake

Karol G

-4

Becky G & Paulo Londra

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

BIGHIT ENTERTAINMENT

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

KEMOSABE RECORDS

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

OVO / RIMAS / WARNER BROS. RECORDS

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Semana pasada

Artista

Título

variación

PRESENTADO POR

B I L L B OA R D.CO M . A R

Billboard Argentina Hot 100

Me Niego

Adictiva

Daddy Yankee & Anuel Aa

Taki Taki

DJ Snake Feat. Selena Gomez, Ozuna & Cardi B

Reik Feat. Ozuna & Wisin SONY MUSIC ENTERTAINMENT

EL CARTEL RECORDS

GEFFEN RECORDS

Nicky Jam x J Balvin

X (Equis)

Me Voy

Mujeres

No Te Creas Tan Importante (En Vivo)

Te Vi

Solo Pienso En Ti

Dollar

Amigos Con Derechos

Imposible

Luis Fonsi & Ozuna

Si Supieras

Wisin & Yandel & Daddy Yankee

La Cancion

Dura (Remix)

Ella Quiere Beber

Me Muero De Amor

Leña Para El Carbón Mix

Ed Sheeran Feat. Paulo Londra & Dave Nothing On You AN ASYLUM RECORDS / ATLANTIC RECORDS / WARNER MUSIC GROUP

Baila Baila Baila

X El Chombo X Karol G Feat. Cutty Ranks Dame Tu Cosita JUSTONPitbull RECORDS / PLAY TWO / ULTRA RECORDS, LLC / B1 RECORDINGS GMBH

Sin Culpa (Feat. Drefquila) WARNER MUSIC ARGENTINA / DALE PLAY Duki RECORDS

Delincuente

ME!

Llegaste Tú

Old Town Road

Ya No Tiene Novio

De Cero

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Pretend

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Rombai SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Mozart La Para Feat. Justin Quiles MOZART LA PARA / ROC NATION

Damas Gratis Feat. Viru Kumbieron PELO MUSIC

Piso 21 & Micro Tdh WARNER MUSIC GROUP

Paulo Londra BIG LIGAS / WARNER MUSIC GROUP

5 0

14 3 6 4 -12

UMLE / EL CARTEL RECORDS

J Balvin & Bad Bunny

Artista

Título

Esta semana

UNIVERSAL MUSIC GROUP

Dollar

Semana pasada

Reik & Maluma

BECKY G

X MIK E T OWERS

Becky G X Myke Towers NEW KEMOSABE RECORDS SONY MUSIC ENTERTAINMENT

-5

Shallow

7 Rings

REPUBLIC RECORDS / UMG RECORDINGS

Velitas

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

-40

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Lady Gaga & Bradley Cooper 2018 INTERSCOPE RECORDS

Ariana Grande

7 -1

Darell & Brytiago NEW

Los Caligaris Feat. Ciro Y Los Persas

-39

Queda En Esta Noche

Una Vida Para Recordar

-5

Feat. Nicky Jam Mi Cama (Remix) Karol G & J Balvin UNIVERSAL MUSIC GROUP

-9

Sheeran & Justin Bieber I Don't Care ASYLUM RECORDS / ATLANTIC RECORDSEd / WARNER MUSIC GROUP / DEF JAM RECORDINGS / UMG RECORDINGS

-12

Girls Like You

Maroon 5 Feat. Cardi B

Damas Gratis

-3

Me Gustas Tanto

-27

Happier

-34

Never Really Over

A Partir De Hoy

-6

Quien Empezó (Feat. Cazzu)

J Mena

Punto G

Karol G UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

-36

El Clavo

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

Daddy Yankee EL CARTEL RECORDS

Anuel AA & Romeo Santos REAL HASTA LA MUERTE

PELO MUSIC S.A.

DJ Alex 2018 DJ ALEX

Ozuna VP RECORDS CORP / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Farruko, Anuel Aa & Kendo Kaponi SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Taylor Swift Feat. Brendon Urie TAYLOR SWIFT

CNCO & Prince Royce SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Lil Nas X SONY MUSIC ENTERTAINMENT / COLUMBIA RECORDS

Sebastian Yatra, Mau Y Ricky

B I L L B OA R D A R | AG O STO, 2 0 1 9

UNIVERSAL MUSIC GROUP

CNCO CNCO

HEATHER HAZZAN

Esta semana

FYN S.A.

INTERSCOPE RECORDS (222 RECORDS)

Miranda! SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Marshmello & Bastille ASTRALWERKS / JOYTIME COLLECTIVE / UMG RECORDINGS, INC.

Katy Perry CAPITOL RECORDS

David Bisbal & Sebastian Yatra UNIVERSAL MUSIC GROUP

DBN

Prince Royce 6ix9ine Feat. Anuel AA

-7

BEBE

-3

Mi Persona Favorita

El Efecto

Piso 21 WARNER MUSIC GROUP

UNIVERSAL MUSIC GROUP

Alejandro Sanz & Camila Cabello UNIVERSAL MUSIC GROUP

8 14

-14 -6 -14 6 RE RE RE -5 -20

Rauw Alejandro NEW

DUARS ENTERTAINMENT / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Quedate Conmigo (EN VIVO)

-7

Hitboy

100

Mucha Data

Luciano Pereyra UNIVERSAL MUSIC GROUP

Duki DUKI RECORDS / DALE PLAY RECORDS

Cazzu RIMAS ENTERTAINMENT LLC

-19 -4 -9

Semana pasada

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

variación

Artista

Título

variación

PRESENTADO POR

B I L L B OA R D.CO M . A R

Redes

PRESIDENTE

Jorge R. Arias CEO

Juan Pedro Dondo DIRECTOR

Santiago Torres CONTENIDOS

Santiago Torres Gustavo Serna Jota Ayerza Gabriel Romero Day María Villola COMERCIALIZACIÓN Y MARKETING

comercial@grupoabc1.com 0810 444 ABC1 (2221) Leandro Dahlman Paula Alfaro Luján Acciaresi SUSCRIPCIONES

suscripciones@grupoabc1.com 0810 444 ABC1 (2221) ADMINISTRACIÓN

administracion@grupoabc1.com CONTACTO

info@grupoabc1.com Dardo Rocha 2188 (1640) Martínez, Buenos Aires COLABORADORES DISEÑO

Juan Angel Maldonado TRADUCCIONES

Jorge Luis Fernández FOTOGRAFÍA

Tute Delacroix COLABORAN EN ESTA EDICIÓN

Adrián Mouján, Ezequiel Ruiz, Felix Perret, Florencia Mauro, Patricio Féminis y Walter Garré DISTRIBUCIÓN

Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 1448 (C1286AFH) 011 4301 3601 (líneas rotativas) DISTRIBUCIÓN EN EL INTERIOR

D.G. P. (Distribuidora General de Publicaciones S.A.) Alvarado 2118 / C.A.B.A. IMPRESIÓN

FP Compañía Impresora. Antonio Beruti 1560, B1604BNP Florida Oeste, Buenos Aires, Tel.: 011- 4760-2300 Billboard Argentina es una licencia de ABC1 Sociedad de Editores Dardo Rocha 2188, Martínez. Tel: 0810 444 ABC1 (2221) info@billboard.com.ar · www.billboard.com.ar

EDITORIAL DIRECTOR Hannah

Karp Cook SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT Silvio Pietroluongo SVP BUSINESS DEVELOPMENT & LICENSING Andrew Min CREATIVE DIRECTOR Alexis

EXECUTIVE DIRECTOR OF CONTENT AND PROGRAMMING FOR LATIN MUSIC AND ENTERTAINMENT Leila

Cobo

Billboard Argentina 2019. Prohibida la reproducción total o parcial de los artículos sin la previa autorización del director. El material periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores. RNPI: 5349798

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Contenidos

“Lo que está pasando ahora está más allá de mi comprensión”, dice Billy Joel. “Se supone que las cosas deberían estar yendo cuesta abajo. Y vamos cuesta arriba”. (Página 32)

CHA RTS 3 “China”, la super colaboración latina que reúne a Anuel AA con Karol G, Daddy Yankee, Ozuna y J Balvin debutó en el N°7 del Billboard Argentina Hot 100 I N TRO 13 Lali alcanzó el puesto N°5 del Billboard Social 50

EN LA TAPA

Soledad. Entre sus raíces folklóricas y su expansiva vertiente latina, la cantante se prepara para un nuevo hito de su trayectoria. En octubre presentará su disco La gringa en el Teatro Ópera, con producción de Carlos Vives (página 38) 10

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EN TREV ISTAS Y PERFI LE S 16 Tony Aguilar 24 Midel 26 Lxs Familia 28 Raquel Sofía 30 Camila 48 Flu Os 50 Greicy 54 Nicolás Sorín 60 Oniria 62 Coqeéin Montana 64 Mala Rodríguez 66 Austin Mahone

E S PE CI ALE S 46 15 años de Barrio fino, Daddy Yankee 52 El adiós a Joao Gilberto 56 Bodas de Oro: The Stooges - The Stooges 75 Ed Sheeran & Paulo Londra: el análisis de “Nothing On You” E M E RGE NT E S 58 Fabo, Hijos de Padres, Juan Solo y Sofía Campos VI VO 68 Glastonbury 70 Tomorrowland 71 Premios Juventud 72 El Zar & Ainda Dúo 73 Salvapantallas 74 Indios REVIEWS 76 Ed Sheeran, Homer El Mero Mero, J Balvin & Bad Bunny, Tomasa de la Real, Ms Nina, Rudy, Jaden, Thom Yorke y La Charo

F OTO G R A F Í A P O R M I L L E R M O B L E Y

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EL SUBE Y BAJA

Paulo Londra anunció el show más importante de su carrera. El cordobés se presentará en el Hipódromo de Palermo el 2 de noviembre.

Lali para todos Es la artista latina mejor posicionada en el listado. Mientras, BTS logra su semana N°137 en la cima del chart.

sta semana, lali creció en el billboard Social 50 y finalizó en el N°5 del chart. La argentina se encuentra en el listado por encima de artistas como Camila Cabello y Justin Bieber. Además, acumula un total 119 semanas en el chart de forma no consecutiva. Al mismo tiempo, su colega argentina TINI reingresa al listado en el N°49, y BTS logra su semana N°138 en la cima del chart, una marca histórica que se extiende semana a semana. F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

El Billboard Social 50 mide la actividad de los artistas en la redes sociales a través de su repercusión y en las reproducciones de sus canciones. Además, Lali será parte del line up 2019 del Miami Beach Pop Festival. El evento tendrá lugar del 8 al 10 de noviembre y contará con la presencia de varios artistas de renombre. La joven argentina anunció su participación luego de haber obtenido el galardón a “Artista más flama de Argentina” en los MTV Mille nnial Awards (Miaw).

Salvapantallas anunció su separación. Sin embargo, el punto final se dió en buenos términos y será con una gira despedida. Luego, Gotusso y Celli comenzarán carreras solistas.

J Balvin se convirtió en el primer artista latino en encabezar el Lollapalooza Chicago. El 14 de diciembre regresará a la Argentina y se presentará en el Buenos Aires Arena. B I L L B OA R D.CO M . A R

Industria

Nacho de la Riega

Dos décadas en los controles “El hombre de los mil discos”, como se lo suele llamar en los pasillos de los estudios, devela su forma de trabajo.

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ignacio de la riega es uno de los flamantes productores argentinos que integró el jurado de los premios Gardel 2019. Su convocatoria llegó como consecuencia después de varios años de trayectoria trabajando en el estudio con artistas como David Lebón, Loli Molina, Kevin Johansen y hasta el mismo Gustavo Santaolalla, entre otros. En sus comienzos también trabajó con Gustavo Cerati, Diego Torres y Soledad. De la Riega es también conocido en la industria como “el hombre de los mil discos”, porque ese es el número aproximado de producciones que el productor tiene en su haber aproximadamente. Actualmente, encabeza como productor el sonido de la nueva camada de solistas argentino. En parte por su trabajo con la cantautora Loli Molina, como el gran trabajo que resultó del proyecto Open Folk, un proyecto cultural que genera espacios de difusión para los géneros comprendidos dentro de la música folk. Desde esta plataforma es también de donde se catapultó la carrera de Titi Stier.

Hoy en día los chicos comienzan a hacer música desde una computadora o una tablet en su cuarto, ¿cuál es tu consejo para la nueva generación de productores? - Que le metan muchas horas. Las horas sentados en la plataforma que sea es lo que funciona. No importa si es Garageband, Ableton, FL, Por Tools o el que sea. Muchas horas sentados es la clave. ¿Cómo está conformado tu espacio de trabajo? - Hace más de 20 años que estoy en esto, y tengo un estudio híbrido. Uso mucho plug in y mucho hardware. Trato de combinar la velocidad y flexibilidad de lo digital con la calidad de audio y textura de lo analógico. Agarrar lo mejor de los dos mundos. ¿Qué programa usas para producir? - Uso Pro Tools el 90% del tiempo, pero para programar también utilizo Ableton Live. F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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Voces

Tony Aguilar

“La radio no va a morir jamás”

tony aguilar es un dj, locutor de radio y presentador de televisión de origen español que actualmente conduce LOS40 Global Show, un programa que se emite en Argentina, Chile, Colombia, España, México, Panamá, Paraguay y República Dominicana. Su show fue elegido en la encuesta anual llevada a cabo por Billboard como el show preferido de los argentinos. En este ciclo, cada domingo de 19 a 21 horas, repasa los charts internacionales, los estrenos del momento y lleva a cabo entrevistas exclusivas con artistas. Respecto a la mención especial de su programa, Tony se emociona: “La verdad es que me hizo muchísima ilusión. Para nosotros fue increíble cuando nos enteramos de que los oyentes nos habían escogido. Tiene mucho que ver con el feedback que tenemos de artistas”. Además de su trabajo en la emisora, Tony Aguilar lleva 9 años como director artístico y presentador del Coca Cola Music Experience, un festival puertas afuera que en esta ocasión se llevará a cabo el 13 y 14 de septiembre en el recinto Valdebebas en Madrid, España. ¿Qué sentís de esta actualidad de radio global? -Es muy difícil hacer una emisión global para toda Latinoamérica y España, porque todos sabemos que cada país tiene sus gustos. Por eso tratamos de poner lo que está triunfando a nivel global, y lo que más me gusta del programa es que podemos tener esas cápsulas de lo que está triunfando en cada zona, y eso lo hace más atractivo. Son muchísimos los artistas argentinos que programamos: desde Lali y Tini hasta trap argentino. El secreto no se basa solamente en poner lo que sabemos que está triunfando en todos lados, como Daddy Yankee o Justin Bieber, sino en aportar con un poco de música de cada país. ¿Por qué crees que surgieron Buenos Aires, 16

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Medellín y Barcelona como los nuevos focos de la música? -Estamos viviendo la época dorada de lo latino urbano. Yo he vivido oleadas que aquí en España han traído a artistas de Buenos Aires y México. Eran como los puentes naturales con Latinoamérica. En cuanto a los colombianos, hubo una primera etapa en la que no se hablaba tanto de Medellín sino del sonido de Carlos Vives y todo lo que él trajo. Luego hubo una segunda oleada de artistas colombianos como Juanes, Shakira, y más. Y ahora, lo que estamos viviendo con el nuevo sonido latino urbano. Medellín se inclina más por el reggaetón y el sonido urbano, mientras que en Buenos Aires está más instalado el pop latino, como Ruggero Pasquarelli que ha forjado su carrera en Argentina. En Barcelona tenemos a Rosalía, quien ahora mismo es nuestra embajadora musical internacionalmente hablando, y que nos representa en toda Latinoamérica. Ella era chica de C. Tangana y lo del disco anterior ha sido increíble. No esperábamos una explosión tan brutal como ha sido. Seguimos pensando que es impresionante lo que está pasando con ella, quien estaba muy convencida desde pequeña que quería ser artista.

¿Cómo ves la actualidad de la radio como medio de comunicación? -Lo que está pasando es que las nuevas generaciones no consumen radio ni televisión porque están acostumbrados a elegir directamente lo que más les apetece en el momento. Están habituados al “lo quiero ya” y no saben esperar a que llegue la hora de su programa favorito. Pero yo siempre digo que la compañía y la información que da un locutor de radio jamás te la va a dar un servicio de streaming. Creo que la radio musical no va a morir jamás mientras haya un factor humano que pueda decir “prepárate para lo que te voy a poner ahora porque te va a poner la piel de gallina y te saldrán mariposas en el estómago cuando escuches esta nueva canción”. Creo que esa forma de hacer amar la música y de conocer a los artistas la tiene la radio. Esa magia no se perderá nunca. También depende de cómo seamos los comunicadores y de que tengamos en claro lo que estamos haciendo cuando las nuevas generaciones sintonicen la radio. Yo suelo hablar y trabajar con artistas que le gustan a la gente joven y lo hago precisamente para crear escuela, para que el día de mañana sepan que la radio tiene un Dj que les acerca a los artistas.

GENTILEZA AGUILAR

El fenómeno de la radio global y los desafíos que enfrenta hoy como medio de comunicación fueron algunos de los temas de la charla con el conductor de ‘LOS40 Global Show’ y presentador del Coca Cola Music Experience.

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Kany García

De estreno La cantante acaba de editar Contra el viento, su sexto álbum de estudio, que presentará en Argentina el próximo 2 de noviembre en el Teatro Coliseo. el sexto álbum de estudio de kany García, Contra el viento, la consolida como unas de las cantautoras más influyente de su generación. Sincera, vulnerable y empoderada, la artista puertorriqueña vuelca todo lo que hay en ella en esta producción discográfica. Y con este lanzamiento, García también estrenó el segundo sencillo y video “Remamos” junto a la cantante y compositora mexicana Natalia Lafourcade. El álbum, sencillo y video se encuentran disponibles en todas las plataformas digitales. De las 11 canciones que conforman Contra el viento, ocho son íntegramente de la autoría de Kany. El primer sencillo “Quedate” junto a Tommy Torres es una colaboración autoral entre ambos. “Vivir Contigo” es co-escrita por Kany y el productor del disco Marcos Sánchez, y “Las palabras” es escrita por Fito Páez, con quien Kany la canta. Así como dice Kany: “Caminar contra el viento genera algo maravilloso porque lo que mueve tus pies no es generado por otra fuerza que no seas tú mismo. Que este álbum sea refugio para todo aquel que quiera remar con la valentía delante”.

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Mabel

Superar las expectativas Mabel está sumergida en una extensa serie de fechas en vivo por todo el mundo.

GENTILEZA UNIVERSAL

mabel editó álbum debut, high expectations, con el hit mundial “Don’t Call Me Up” (el single más vendido por una artista femenina del Reino Unido de este año) y el reciente single “Mad Love”, junto con clásicos del futuro como ‘OK (Anxiety Anthem)’. Empoderador, edificante y emotivo, High Expectations se resume en un disco y un estado de ánimo, es el trabajado de toda su vida. Incluso se tatuó la fonética del título del álbum en su cuello cuando lo pensó por primera vez hace dos años, sabiendo firmemente que nunca lo cambiaría. Aún con solo 23 años de edad, Mabel ha escrito con asombrosa sinceridad sobre el amor joven, la identidad, el poder de las mujeres y la salud mental, temas que son llevados a mayores alturas en High Expectations. En lo que va de su carrera, Mabel ha sido nominada para dos premios BRIT, se acerca a 4 millones de ventas individuales solo en el Reino Unido, ha superado los mil millones de reproducciones y ha vendido todas las localidades en un serie de espectáculos por todo el mundo.

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Charli XCX y Christine and the Queens se unen en “Gone” La cantante se une al fenómeno del pop francés Christine and the Queens en la nueva canción “Gone”. El nuevo tema escrito por ambas artistas forma parte del próximo álbum de XCX Charli, que saldrá a la venta el 13 de septiembre. La esperada colaboración entre las dos sensaciones del pop es una oda dinámica y contundente a las complejidades que acarrea ser presa de la opinión de los otros. Tras el debut en vivo del tema en el Festival Primavera Sound Festival, “Gone” se editó con un video en donde se ve a Charli XCX y Christine and the Queens atadas en los extremos de un auto. A medida que avanza el tema, Chris se libera y la libera a Charli de sus ataduras y la pareja se reúne.

22 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

L A N Z A M I E N T O S

“It’s You” es lo nuevo de Ali Gatie Ali Gatie abre su corazón en su nuevo tema “It’s You.” La canción muestra el lado vulnerable del artista canadiense a medida que se abre al amor, arriesgándose a un posible desengaño. “Si alguna vez me enamoro, sé que será de tí. “ Ali canta suavemente sobre una melodía teñida de un tenue tono bajo de R&B. “It’s You” emergió después del éxito de Ali “Moonlight”, que alcanzó casi tres millones de vistas de su video y más de 38 millones de reproducciones en todas las plataformas.

Alec Benjamin estrena single y video: “Jesus In LA” El cantante regresa con un single biográfico y cautivante, esta vez registrando sus buenos y malos momentos en la ciudad de Los Ángeles. “Jesus In LA” también cuenta con un video dirigido por Joey Brodnax. “Jesus In LA” trata sobre el traslado del cantante a California, abandonando a su familia y amigos para perseguir sus sueños. “Cuando llegué a Los Ángeles pensé que encontraría la felicidad que siempre había buscado. Poco después de llegar, firmé mi primer contrato discográfico. Me rescindieron, perdí amigos, gasté todo el dinero y tuve que volver a vivir con mis padres”, revela Alec Benjamin. “Fue entonces que me di cuenta de que lo que buscaba había estado frente a mis narices todo el tiempo: mis amigos verdaderos y mi familia. Aun en mi peor momento, volver con mi familia me hizo realmente feliz. La canción no es literalmente religiosa ni habla sobre Jesús. Es sobre la búsqueda de la esperanza y la felicidad y sobre comprender que esas cosas no siempre están en donde uno piensa encontrarlas.”

GENTILEZA WARNER

M U C H O S

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todo esto y pude reconectar con mi pasión por la música, el hip hop y me volví a encender”. Ese mismo día surgió “Si no fue así”, de un freestyle sobre un beat producido por Tomás García. “Seven se suma después de que se lo muestre rancheando un día cualquiera. Iba a ser un tema mío solo pero con su flow terminó de cerrar la canción y de darme a mí la energía para volver con todo a hacer música. Él hace un tiempo que viene super enchufado y me contagió”, contó sobre el track que llegó al puesto Nº3 de Tendencias de YouTube Argentina en el día de su publicación. Tras sortear las turbulencias del primer aventón del trap, Midel ya encontró un norte en su carrera profesional como rapero. Su leitmotiv es el siguiente: ver lo bueno para atraer lo bueno. “Cuando uno empieza a ver lo malo, eso mismo se empieza agrandar porque le das más atención. Si revertís la ecuación sale lo mejor de adentro tuyo”, explica. Arrancaste de muy chico haciendo freestyle. ¿Cuándo se empezaron a poner más serias las cosas? ¿Fue en 2016 durante El Quinto Escalón? -Yo empiezo a los 13 años en la movida del free pero no había muchos eventos. Empiezan a aparecer Las Vegas en Belgrano, fui alguna vez a Halabalooza, y después nace El Quinto, que justamente se hacía en cinco escalones. Ver esa evolución del free en las que empiezan a surgir esos primeros referentes de la movida como ACRU, nombres por los que se acercaban personas fue muy loco. Con el crecimiento de El Quinto empiezo a resaltar un poco más como rapero. Fue una linda época, había mucha gente reunida por la misma pasión. No había otro interés más que ir a competir.

Midel

El fuego vivo El rapero oriundo de Beccar que arrancó en el freestyle con 13 años viene de estrenar dos featurings, uno con Seven Kayne y otro con Lucho SSJ. Además, mientras guarda colaboraciones con Khea y Duki, prepara lanzamientos propios. P O R J O TA AY E R Z A

“soy una persona muy sensible”, admite rápidamente Midel frente al micrófono de radio que tiene enfrente. El rapero oriundo de Beccar que habla por primera vez con Billboard AR llegó a nuestra casa acompañado de dos amigos –que al igual que él- forman parte de la escena trap argentina: Arse y Buho. La conversación se da en el marco de un podcast en el que se busca explicar porque el trap dese quilibró el estatus quo rockero de país. “Todo 24 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

lo que me sucede está muy ligado a mi música, me cuesta separar el artista de la persona, van de la mano”, continúa de forma catártica. Antes del lanzamiento de su track “Si no fue así” con Seven Kayne, Midel estuvo unos meses fuera del radar de la escena que explotó en 2017 con las apariciones en YouTube –a través de un mismo canal- de canciones como: “Loca”; “She Don’t Give a F.O.”; la inicial “B.U.H.O.”, de la cual forma parte con Khea, Duki, Arse y Klave; o “Millonario” que nuevamente comparte con Khea y Arse. “Estuve apagado por un tiempo después del primer boom de la escena. Pasaron cosas a nivel industria que no estuvieron tan buenas. Estaba lleno de ira y me frustre. Venía muy arriba con la movida del freestyle y, de pronto, todo un sueño que había cumplido parecía que se me estaba derrumbando”, explica sobre todo lo vivido con la escena trap a principios de 2018. Sin embargo, a finales de ese mismo año Midel hizo un “clic”, o por lo menos, así lo describe él. “Una vuelta en diciembre estaba en el estudio y me dije ‘ya fue todo lo malo’. De alguna forma volví a pensar en el amor que le tengo a

¿Cómo fue el paso de salir de las plazas y entrar a un estudio de grabación? -En mi caso, en mi familia nadie nunca tocó ni una guitarra. Nadie tenía una referencia de ningún lado. El amor por la música surgió de adentro mío. Los conceptos de música eran todos muy deformes, muy distorsionados. Cuando llegué al estudio sabía sobre notas o como pararme frente al micrófono, en qué y cómo hacer énfasis. La meta que tiene cualquier artista es transmitir. Hoy me escucho en “B.U.H.O” y digo ‘me gusta’ pero la voz estaba muy lineal, pocas variaciones y esos pantallazos son los primeros que uno tiene cuando pasa de la plaza al estudio. Lo más impactante es eso, llevar todo lo del freestyle al estudio. Todavía compongo desde el freestyle pero también aprendí buscar melodías en un tarareo y después escribir la letra. Otras veces son procesos más vomitivos, es decir, un freestyle que sale, ponele como con “Si no fue así”. En la plaza era diferente, buscaba el golpe o el punchline pero en el estudio empezas a dejarte llevar por las instrumentales. La instrumental marca mucho el sentimiento del tema. F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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Lxs Familia

Lo que uno elige El trío argentino habló sobre su nuevo formato banda, la Bienal y la escena musical local. POR MARÍA VILLOL A

existen dos tipos de familias, la que viene en el paquete al nacer y la que uno elige y forma en el transcurso de la vida. Guido Caruso “Persse”, Julián Cohen “Dalí” y Sofía Caruso “Pollito” armaron la suya propia en el mundo de la música, y así mismo fue como se denominaron: Lxs Familia. En su disco debut xBENDECIDXSx, lanzado a fin del año pasado, la banda atraviesa de forma fluida distintos ritmos como el rap, r&b, cumbia, reggaetón y trap, con una fuerte y profunda impronta en sus letras, a cargo principalmente de Persse, cuyo pasado de poeta se ve plasmado en las rimas y en la metáfora de la canción. Si bien comenzaron hace dos años, hace menos de dos meses incorporaron un nuevo formato, al que denominan “forbato manda”. El trío propone un show desafiante y por momentos indescifrable, donde lo lúdico y los matices juegan un papel central, interpelando a la audiencia. En 2019, sumaron el formato banda a sus shows (solían presentarse en soundsystem), logrando profundizar así, mucho más los arreglos de sus canciones y la sonoridad de los recitales. “Componer desde ese lugar es mucho mejor que hacerlo con un beat como veníamos haciendo. Lo que tiene la banda es que son cinco personas 26 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

nuevas que están dando lo mejor de sí arriba del escenario y eso te desliga un poco a vos del foco”, dice Guido Caruso alias Persse. “No solo en el vivo, sino que también estamos ensayando y nos estamos juntando mucho con la banda. Antes te tenías que amoldar al beat que tenías. Con la banda tenés más flexibilidad porque ellos le buscan la forma y te acompañan en todos los procesos”, agrega la voz femenina de la banda. Este año, Lxs Familia fueron seleccionados bienalistas en la categoría de bandas y solistas. La Bienal Arte Joven se realizará entre el 25 y el 29 de septiembre, con sede central en el Centro Cultural Recoleta, privilegiando un espacio de exhibición en el que los bienalistas de las cinco disciplinas compartirán sus nuevas creaciones y obras con toda la ciudad. ¿Cómo ven la escena musical de hoy? Guido Caruso: Creo que hay mucha gente que a mí me representa mucho, hablando de lo mainstream. Es decir, lo que se escucha hoy en día, a mí me representa. Entonces es más fácil que a uno lo escuchen porque hay gente que está haciendo cosas grandes que abren puertas. Quizás hace cuatro años no pasaba. Hoy hay una industria argentina muy fuerte que a nosotros nos permite que un montón de gente nos escuche.

Recientemente, Lxs Familia estrenó “Oro”, el primer single solista interpretado por Persse, que ya cuenta con videoclip. Este tema narra la cronología de la vida de un niño herido y la progresión del mismo hasta ver la luz de adulto. Intensidad, rabia, solidez y calma son algunos de los sentimientos que abarcan este track. ¿Qué significa la Bienal para ustedes? Guido Caruso: Yo fui el año pasado al cierre, que estaba Louta, y flashee porque era en Recoleta, había un montón de gente, y bandas emergentes también. Teníamos que estar ahí de alguna forma porque me pareció algo muy grande a nivel país y en el continente también. Te das cuenta de la calidad que tiene el evento por cómo te tratan, cómo te reciben y por las instalaciones que hay. La Bienal te da eso: un salto de calidad. Nunca me imaginé estar ahí. Sofía Caruso: Te permite conocer otras bandas que quizás están en la misma que vos y se abre todo un mundo. No solo por lo musical, sino por todos los profesionales que están en la Bienal. Se agranda el universo, porque junta a un artista que está en un gran momento de su carrera con artistas emergentes y eso es una locura, no pasa mucho. F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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Raquel Sofía

Bienvenidas las ideas nuevas La puertorriqueña viene de estrenar “A las rocas” junto al rapero PJ Sin Suela y da comienzo a una nueva etapa compositiva en su carrera. POR FLORENCIA MAURO

la cantautora puertorriqueña raquel sofía, lanzó su single y video “A Las Rocas”. Un material inédito que es una colaboración con el rapero PJ SIN SUELA como coautor e intérprete, con quien –según ella misma aclaró- “se moría de ganas de compartir música”. La canción habla de ese estado de “ebriedad” que da el amor, sin siquiera haber probado un trago; y celebra los sentimientos más hermosos de un vínculo amoroso. El video fue dirigido por Roberto de Jesús y filmado desde una terraza en la Ciudad de México -actual lugar de residencia de Raquel-, donde le da vida a esta canción alegre y caribeña. Con este lanzamiento, la cantautora puertorriqueña, quien estuvo nominada al Latin Grammy y al Grammy por su material discográfico “2:00 AM”, vuelve a dar un paso firme con un tema inédito que la posicionó frente al desafío de haber compuesto, por primera vez, una canción de amor. “Sin dudas, esta canción da un giro y nue28 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

va dirección a mi carrera”, señaló Raquel. ¿Cómo definís ese “estado de ebriedad” que da el amor? -Es como dice la canción, “se te enredan los pies y estás sobrio”. Todo es bonito, alegre, rosado, gracioso y divertido. Yo venía de componer canciones de relaciones más tóxicas, tristes y de desamor. ¿Qué cosas en tu vida han tenido un sabor agridulce? -“Agridulce” fue una canción que escribí para pedir perdón y yo creo que la vida de todos está llena de cosas agridulces. Esa canción la escribí diciendo que soy una persona que se define como tal, y que tiene su costado medio arisco. Todo en la vida tiene lo malo y lo bueno. ¿Cómo llega a vos el reconocimiento que has tenido como cantautora? -El reconocimiento es como una validación de

la gente de la industria, de tus pares y es súper bonito. Yo trato de mantener claro que lo que siempre quise de chica es que la gente escuchara mis canciones y significaran algo para ellos. Entonces, no hay que perderse esperando más y más. Como así tampoco olvidar lo que uno esperaba de chica… yo quería que escuchen mis canciones, y eso es parte del reconocimiento, que la gente las acepte también. ¿Qué expectativas te da a vos un nuevo lanzamiento? -Más que nada tengo un momento más creativo y eso me encanta. Estoy explorando nuevas maneras de escribir, nuevas maneras de producción, y me encuentro en un momento de mucha apertura, libertad y explorando nuevos estilos y nutriendo mi composición. Entonces lo que espero con este nuevo lanzamiento es que sea una plataforma para hacer música diferente, es poder seguir haciendo música libremente.

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Camila

Disfrutar en familia El dúo mexicano encara una nueva etapa de su carrera con nuevas canciones. “Este álbum se trata de sobrevivir”, comentó Mario Domm. POR FLORENCIA MAURO

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¿Qué cosas suceden cuando uno se atreve a mirar Hacia adentro? Mario Domm - Yo creo que cosas maravillosas porque, la verdad, el planeta está lleno de mitos y de mentiras. Hay tantas mentiras implícitas en la realidad que de repente uno se confunde y empieza a buscar saciar los instintos que están a mano. Hoy con mis 42 años me siento feliz de haber buscado en lugares tan internos y descubrir, además, que el verdadero éxito está en tener a mi esposa y a mis dos hijos, por sólo dar un ejemplo. Creo que Hacia adentro es el reflejo de esos cuatro años de conciencia que no existían antes por vivir muy rápido por la edad. En la primera respuesta aparece la familia, ¿creen que el hecho de haberse convertido en padres reivindica ese concepto? Pablo Hurtado - Para mí, la familia siempre ha sido muy importante; claro que la mirada que tenía era desde el papel de hijo. Pero hoy que soy papá puedo decir que es la experiencia más increíble que he tenido, y no se compara con nada más. Es la oportunidad de experimentar el amor más puro y profundo que he

sentido, y creo que eso te empuja a ser la mejor versión de ti mismo. ¿Qué cosas les dan hoy energía? MD - Yo creo que la familia, esa belleza que dan los hijos que antes no existía. Esa enseñanza que te dan los maestros pequeñitos que llegaron ahora, y la música por sí misma. Yo tengo 42 años y me siento de 23, flotando en el éter gracias a ella y muy contento, muy motivado, muy consciente. Yo creo que la música o cualquier pasión siempre hace que estés lleno de energía. ¿Hoy las giras son “con pañales”? PH - Ya no hay chicas en el camarín. Ahora hay carritos y esposas y niños que bailan cuando alguna canción suena; y ese es el show privado de nuestra gira. Es muy linda y diferente esta etapa. ¿En qué momentos sintieron que estaban “Sobreviviendo”? MD - Cuando la industria de la música cambió y lo urbano tomó un sentido diferente. Teníamos la opción de enojarnos o ponernos creativos, y eso hicimos “crear”; incluso, creo que este álbum se trata de sobrevivir.

BERNARDO DORAL

sin dudas camila ha sido a lo largo de los casi quince años de carrera uno de los grupos referentes del pop en español; y con el lanzamiento de este nuevo trabajo discográfico llamado Hacia adentro el dueto sigue afianzando su carrera y manteniendo cautivo un público que -tambiénse ha agrandado a lo largo de estos años. “Hacia adentro es un disco que sigue teniendo una base muy fuerte en la balada, un sonido orgánico y que tiene una evolución natural “, afirmó Pablo Hurtado. El flamante disco cuenta con 10 canciones que fueron compuestas en una nueva etapa del dúo mexicano; que -según ellos mismos manifiestanlo que le da un ‘click’ diferente ha sido el hecho de convertirse en padres. Por eso aparecen canciones como “Nueve meses”, dedicada a la mujer de Mario Domm tras su embarazo. Además, tuvo un protagonismo especial el coproductor del disco Ettore Grenci, “quien aporta un condimento diferente y ayudó a que si bien se actualizaron sonidos no se perdió la esencia de Camila”, contó Mario. Actualmente, Camila se encuentra de gira con Sin Bandera, donde comparten público y se da una interacción que todos disfrutan.

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Billie Joel El éxito después del éxito

Logró un residency show en el Madison Square

Garden, sin editar música nueva en más de 25 años.

“Lo que está pasando ahora está más allá de mi comprensión”, dice el cantante. “Se supone que las cosas deberían estar yendo cuesta abajo. Y vamos cuesta arriba”.

POR DORIAN LYNSKE Y FOTOG R AFIADO POR M I LLER MOBLE Y

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n una tarde de verano salpicada por la lluvia en Oxford, Inglaterra, Billy Joel entra en una habitación con paneles de madera y libros de cuero para conocer a algunos estudiantes fanáticos. Calvo y robusto, con la barba de color claro y un gruñido neoyorkino, Joel remite a un promotor de boxeo con el discurso de un comediante de Catskills. Una admiradora, posando para el fotógrafo, le dice que ella fue influenciada por él. “Yo también”, le responde inexpresivo. “Toda mi vida he sido influenciado por mí”. Dentro de ocho días, Joel se presentará ante un público muy diferente: aproximadamente 58.000 fans en el Estadio de Wembley, Londres. Pero hoy, responderá las preguntas de unos 450 estudiantes en la cámara de debate del Oxford Union, en la histórica universidad cuya lista de ex presidentes cuenta con tres primeros ministros británicos. Joel trae una energía más terrenal a la habitación: cuenta historias, interpreta canciones para ilustrar un punto y hasta bromea con chistes autocríticos, como un cómico haciendo su rutina de stand up sobre la carrera de Billy Joel. ¿Qué hace que un cover de una canción de Billy Joel sea bueno? “El hecho de que me paguen por ello”. ¿Cómo cambió la industria de la música desde el apogeo de la grabación? “El hecho de que ha desaparecido”. ¿Por qué no escribe la segunda parte de “We Didn’t Start the Fire”? “Porque no me gusta tanto la primera parte. Además, tendría que escribir sobre Trump”. Incluso cuando una mujer en el balcón se desmaya, él no vacila. “Esta es la primera vez”, dice. “Nunca he hecho desmayar a una chica antes”. Joel ha estado llevando a cabo estas “clases magistrales” universitarias desde la década del noventa. Son presentaciones no pagas. Dice que no necesitó hacer nada por dinero por un buen rato, así que lo hace tan solo por diversión. “Porque he cometido cada error que puedes cometer y he sobrevivido de alguna u otra forma, y aquí estoy, con 70 años, y esto es más grande que nunca”, me dice antes de la sesión en Oxford, sentado en un magnífico es34 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

tudio, tal como lo es su vestidor. “Es una locura. Debo saber algo, aunque no sepa bien qué” . Hay muchas cosas relacionadas con su aún vital carrera que Joel dice no saber. No entiende por qué sus éxitos más queridos incluyen un vals de Maudlin (“Piano Man”), un pastiche de Frankie Vallie (“Uptown Girl”) y una melodía sobre la historia del mundo que Joel compara “con el sonido de los mosquitos zumbando en tu oreja” (“We Didn’t Start the Fire”). Ajeno a Spotify y a las redes sociales, (“la tecnología se ha salido completamente de control”, clama a la audiencia de Oxford Union), no está muy seguro de dónde vienen sus fanáticos más jóvenes. Más que nada, no sabe por qué, 26 años después de su último álbum de canciones nuevas, el acto final de su carrera como artista es un éxito de taquilla. “Lo que está pasando ahora está más allá de mi comprensión”, dice. “Se supone que las cosas deberían estar yendo cuesta abajo. Y vamos cuesta arriba”. Desde enero de 2014, Joel viene presentándose a modo de residency show en el Madison Square Garden al menos una vez al mes, superando a aquellos artistas que tienen contratos extendidos para presentarse en Las Vegas indefinidamente. En julio de 2015, ya había superado el récord de vida de su compañero de giras Elton John, con 65 shows en el MSG. Tres años más tarde, el número de presentaciones llegó a 100 y todas las fechas están reservadas hasta el 11 de diciembre, que será la 71ª fecha del residency show y su número 117 en el Madison Square Garden. Al mismo tiempo, se ha convertido, por primera vez en su carrera, en un atractivo que desborda consistentemente los estadios: este año tocará en Denver, Boston, Arlington y en Texas. El 26 de julio debutó en el primer concierto de rock en el estadio de béisbol de Camden Yards, en Baltimore. Con ingresos de $896 millones dólares de 13,1 millones de entradas vendidas, Joel es el artista N°13 que más recauda en la historia del Billboard Boxscore, justo por delante de Paul McCartney. También se posiciona en el noveno lugar en la lista del Billboard’s 2019 moneymakers. Para un artista que ya no graba discos y experimentó el retiro hace una dé-

“Mi padre era mejor músico que yo, y no pudo hacer nada. Algunas de las personas que admiro, como la gente del jazz, nadie realmente compró sus discos”. cada, no simplemente es inesperado sino que no tiene precedentes: un cálido verano sin final a la vista. “Es un milagro”, dice Joel. “Mi padre era mejor músico que yo, y no pudo hacer nada. Algunas de las personas que admiro, como la gente del jazz, nadie realmente compró sus discos. En el escenario pienso: ‘¿Me están jodiendo? ¿Cuándo me van a descubrir? ¿Las mujeres me están gritando?’”, dice con cara burlona. “Sé cómo me veo en el espejo”.

na semana más tarde, Joel está arriba del escenario en Wembley disculpándose con su audiencia. Sentado frente al piano, les dice sin vergüenza: “No tengo nada nuevo para ustedes”. Una multitud que abarca tres generaciones lo aclama fervorosamente. “Es básicamente la misma vieja mierda...”, continúa. Otro clamor por parte de la audiencia. Joel sonríe y se encoge de hombros. “Eso es lo que pienso”, responde. Él sabe que este truco siempre funciona. Detrás de escena, en el día, le pregunté a Joel dónde pensó que estaría a los 70 años. En persona, es más reflexivo, utilizando un gorro de baseball del Club of Oyster Bay y agarrando gomitas de caramelo de un bowl. “Pensé que seríamos el diario de ayer, que es lo que estoy tocando, esencialmente. No quería ser un acto antiguo, pero creo que lo somos”.

El show de esta noche se convertirá en el mayor concierto de Joel de una noche. Pero una década atrás, él estaba listo para darse por vencido. Él había acortado su ‘Face to Face Tour’ con John, sus caderas fueron reemplazadas y perdió por completo el entusiasmo. “Simplemente estaba cansado. Ya no me estaba divirtiendo y eso no es una buena forma de trabajar. La audiencia lo nota”. Allí fue cuando le dijo a su banda y equipo que deberían buscar algún otro show. Todos creyeron en él excepto por Dennis Arfa, el agente de booking de toda la vida de Joel, quien comenzó a trabajar con él un tiempo antes del lanzamiento del exitoso álbum The Stranger, en 1977. Joel no trabaja con managers. “Me ha hablado de no trabajar desde que tiene treinta y algo. Es tan solo su estilo”, dice Arfa. “Muchas veces, cómo te sientes con tu trabajo refleja cómo te sientes contigo mismo”. Aún así, el equipo cercano de Joel sabía que no debía tratar de persuadirlo para que continuara. “No es una persona a la que puedes convencer fácilmente”, dice Mark Rivera, el saxofonista de Joel por 37 años. “El consejo que obtuve desde el primer día fue ‘Nunca lo vas a lograr. Olvídalo’”, dice Joel. “Si le hubiera hecho caso, jamás habría logrado todo lo que hice. Entonces, ¿de qué sirve tu consejo? Yo sé de lo que estoy hablando”. Fue un huracán lo que lo hizo pensar dos veces. Cuando Joel accedió a tocar en el 12-12-12, un

SPRINGSTEEN: MYRNA M. SUAREZ/WIREIMAGE. FALLON: KEVIN MAZUR/WIREIMAGE. OXFORD: BRENDAN MCGRATH. ARFA: MARITIME MUSIC.

concierto de beneficio ofrecido por artistas para las víctimas del huracán Sandy, él se encontraba en el medio del lineup, entre medio de Kanye West y Chris Martin. Joel pensó que su set de seis canciones estaba bien, pero el público y las críticas coincidieron en que fue una sorpresa a destacar. The New Yorker expresó que cuando Joel se subió al escenario, “el estado de ánimo de la gente se relajó, como si alguien que realmente supiera cómo tocar en un estadio estuviera a cargo”. “New York State of Mind” y “Miami 2017 (Seen the Lights Go Out on Broadway)” sonaron como himnos: primero hits, luego oldies, ahora estándares de la música. “Ese fue el núcleo de este renacimiento”, dice el director creativo de Joel, Steve Cohen, un miembro del núcleo de decisiones de las operaciones en vivo. “Él pasó de ser este cantante pop de los 80 a ser tomado en serio solo por la magnitud de su éxito, y después de repente era cool ser fanático de Billy Joel”. El éxito de Billy Joel (tiene 42 ingresos en el Billboard Hot 100, incluyendo 13 hits en el top 10) jamás fue predicado sobre lo cool. El artista se volvió famoso como un tipo mainstream con gustos mainstreams y un talento por expresar las aspiraciones diarias y, más aún, las decepciones diarias. Se parecía a los personajes de sus canciones que frecuentaban restaurantes italianos del vecindario o trabajaban en las fábricas de Allentown. “Cuando las personas vienen y cantan, piensan que son él porque no están mirando a una estrella de rock”, dice Cohen. Durante años, los críticos sostuvieron notoriamente que todos los hombres apelan en su contra, y

Desde la izquierda en sentido horario: Springsteen se unió a Joel para celebrar la 100ma presentación de Billie en el Madison Square Garden, en julio de 2018; Joel en el backstage del Garden con (desde la izquierda) Jimmy Fallon, Judd Apatow, Sting, Howard Stern y Paul Rudd en 2014 (Joel adoptó el cachorro, Jack); y tocando en su master class en Oxford Union, en Inglaterra en Junio.

Joel, quien era muy consciente de su voz, su forma de tocar el piano y su apariencia, destruiría las malas críticas sobre el escenario. “Yo era mi peor enemigo”, dice. “Podía obtener cinco buenas críticas y una mala, y me volvía loco. ‘¿Viste lo que dijo este tipo? ¡Ese maldito!’”, ríe. “Y la audiencia diría ‘OK. Creo que alguien piensa que apestas’. Yo era algo tonto”. Para el 2012, sin embargo, estaba lo suficientemente bien adaptado como para prestarle más atención a aquellos a los que no les importaba lo que The Village Voice había dicho sobre él en 1976. Durante su pausa, Joel buscó el consejo de amigos que giraban intensamente como Bruce Springsteen y Don Henley . “Me cuestionaba muchas cosas: ‘¿Por qué siguen haciendo esto?’ Y ellos decían: ‘Esto es lo que hacemos’. Y dije, ‘¿Sabes qué? Tienen razón. Yo sé cómo hacer esto. Esto es lo que hago. Tardas un poco en darte cuenta”. Luego del 12-12-12, estaba listo para considerar seriamente una idea que Arfa había abordado unos años atrás: un residency show en el

Madison Square Garden. Un residency en Las Vegas no tenía atractivo alguno (“Ni siquiera me gusta Las Vegas”), ¿pero el Garden? “Ese es mi estadio”. Para empezar, Arfa anunció solamente seis shows, pero los tickets se siguieron vendiendo, y el venue hizo de Joel, una franquicia, como los Rangers y los Knicks. Según Arfa, solo el 20% de la taquilla de Joel es repetir el negocio. “El público peregrina para ver a Billy Joel”, dice Darren Pfeffer, el vicepresidente ejecutivo de MSG Live. “Se ha convertido más en un evento que en un concierto”. La presencia de al menos un fanático de alto perfil en Wembley, Niall Horan de One Direction, habla sobre la forma en la que Joel y su repertorio apela a aquellos oyentes que ni siquiera habían nacido cuando Joel lanzó su último álbum. Pero independientemente de la edad, hay una audiencia para la cual Billy Joel en el Garden se ha vuelto una atracción esencial en Nueva York, como lo son los shows de Broadway. “Billy es como un adorno de Nueva York”, dice Cohen. Esto tiene beneficios más allá de

lo financiero. Con tan solo un show en el Garden por mes y un puñado de estadios cada verano, Joel puede pasar la mayor parte de su tiempo en su finca de 26 hectáreas en North Shore, Long Island, donde se ocupa de su local de motocicletas y de un negocio de construcción de barcos. “Es un tour muy tranquilo”, dice Joel. “Como una semi jubilación. Solíamos hacer cinco o seis presentaciones en una semana. Cuando recién estás empezando y estás girando con tus amigos por el mundo. Eres como una pandilla de adolescentes. Muy emocionante. Luego de un par de años, eres Willy Loman en Muerte de un Viajante”. En otras palabras, el calendario de un guerrero de rutas exigía un precio. “Este es mi cuarto matrimonio. No es bueno para una relación irse por tanto tiempo”, continúa. “Así que me convertí en una persona hogareña”. Mientras hablamos, la esposa de Joel, Alexis Roderick, se acerca con su hija de un año, Remy. En la prueba de sonido, su otra hija de tres años, Della, se trepa al gran piano y se pone panza abajo con la pera entre sus manos, mientras Joel la mira a los ojos y canta “Don’t ask me why”. Joel pasa la mayor parte del espectáculo sentado frente al teclado: da un paso adelante para tocar la guitarra en unos pocos temas, pero saltando sobre el piano en su juventud le valió unas caderas rotas. Sin embargo, no es un artista B I L L B OA R D.CO M . A R

menos entusiasta ya que intercala los tracks de sus álbumes y covers entre los hits emblema, lo que lo ayuda a mantenerse interesado. A veces, prueba con interpretar sus canciones preferidas como “Laura” o “She’s Right on Time”, pero si no va con la audiencia, “tan solo las sacamos y las pasamos rápido”. En la prueba de sonido en Wembley, la banda recorre los temas de The Beatles para interpolar “River of Dreams”. Joel rápidamente descarta “Can’t buy me love” (“es extraña”), “She loves you” (“No, no lo compro”) y “Twist and shout” antes de quedarse con “I feel fine”. “Esa me gusta”, afirma con un halo de satisfacción. “Es buena”.

ntes de encarar el Oxford Union, Joel quiere salir y fumar un cigarro. Nos sentamos en un banco en un jardín aislado, y enciende un Hoyo de Monterrey. “Tan solo oler un cigarro me recuerda a mi abuelo”, dice. Joel está en un estado de reminiscencia. Recuerda su primer show con una banda, tocando canciones de los Beatles en una iglesia de Long Island en 1965. “Había una chica de la que estaba enamorado y era tímido para hablarle”, dice de aquella mujer a la que luego recordaría con cierta licencia poética en “Only the Good Die Young”. “Y pensaba: ‘Oh Dios, ¡Virginia me está mirando!’ Y los chicos estaban bailando y estaban aplaudiendo. Luego viene el sacerdote y nos da a cada uno 15 dólares. Ni se me había ocurrido: ¿Te pagan por esto? Ese fue el día que decidí que esto era lo que iba a hacer”. Se asombra de que todavía “está haciendo el mismo trabajo que hacía a los 15 años. ¿Cuánta gente puede decir eso a los 70?”. Está feliz de sentir cierta nostalgia sobre su vida como artista. Pero nunca tuvo tanto interés en recolectar sus recuerdos fuera de los escenarios para el público. En 2011, terminó unas memorias con el escritor Fred Schruers y las envió a HarperCollins pero cuando el editor le pidió de aumentar el contenido de los asuntos más escandalosos, Joel pensó: “Vete a la mierda”, y devolvió la cantidad de dinero que había recibido del adelanto de los 3 millones de dólares. Sus canciones 36 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

le proporcionaron la partitura al exitoso show de Broadway Movin’ Out, pero rechazó las ofertas de convertir su historia de vida en un musical (lo llaman el Piano Man) y tiene poco apetito para una biopic del estilo de Rocketman (que seguramente se llamaría Piano Man). “Hay cosas en mi vida que podrían ser buen material para hacer una película”, dice. “Se casó con esta supermodelo, tuvieron un hijo y después se divorciaron, luego se estrelló con el auto, después entró en rehabilitación. Eso fue como cinco minutos en mi vida. No fue todo sensacional. Solo espero que no contraten a alguien de baja estatura, gordo y feo para interpretarme”. Todos excepto Joel mismo parecerían encontrar esto extraño. Contemporáneos como John y admiradores más jóvenes como P!nk lo incentivaron a retomar las grabaciones, pero él se niega a hacerlo. “Yo sé que ciertos artistas luchan con la idea de ser relevantes: ‘Tengo que hacer cosas nuevas y lanzar hits’”, dice. “Yo dejé de comprar eso hace un tiempo”. Le gusta señalar que grabó 12 álbumes como Los Beatles, y no tiene nada que probarle a la gente. “He escrito buen material. También alguna que otra basura. Pero algunas cosas realmente son buenas”. De todos modos, parece que la vida artística de Joel no terminará pronto, aunque cuando pase, piensa que sucederá de repente. “Mi teoría es que una noche voy a apestar”, dice. “No seré capaz de darle a las notas, olvidaré las letras y la música. Amo este trabajo lo suficiente como para no hacerlo bien”. Hay dos canciones en el set de Joel, ambas escritas antes de saltar al estrellato, que ahora muestran cierto contraste. “The Entertainer”, un tema que se posicionó en el top 40 del Hot 100 en 1973, trata sobre un ataque de ansiedad acerca de volverse obsoleto. “Vienna”, un track de The Stranger que nunca fue un single pero que lo sorprendió al convertirse en uno de sus temas más amados y transmitidos, le advierte a un joven ambicioso de ir más lento y ser paciente porque, según dice Joel, “tienes toda una vida por vivir”. Resulta que el hombre de “Vienna” tenía razón. Y aquel de “The Entertainer” estaba equivocado. “Es una ironía”, dice Joel. “Yo era

tan pesimista sobre eso, e igualmente funcionó todo”. Dennis Arfa conoció a Billy Joel en 1967 mientras Joel tocaba en The Hassles. En 1976 se convirtió en su agente de booking y apenas diez años atrás sugirió la idea de hacer un residency show en el Madison Square Garden. “Él estaba siempre pensando: ‘¿Cuál es el próximo paso?’”, dice Joel sobre Arfa, quien fundó el Artist Group International en 1986. Su lista ahora incluye a Neil Young, Elvis Costello, Metallica y The Strokes. Antes del show de Joel en Wembley, Arfa recordó cómo surgió el residency show, el mayor logro de la asociación entre ambos. ¿Cómo se originó la idea de un residency show en el Madison Square Garden? -Yo cené con el presidente de aquel entonces del Garden, Jay Marciano, en Turks and Caicos una noche de 2009 o 2010. Allí fui con esta idea. Habíamos tocado en el Estadio de Shea en Queens, en 2008, que resultó ser una gran presentación. ¿Cómo sigues después de eso? La antena siempre estaba atenta ante lo que podías hacer luego. ¿Y cómo respondió Joel? - Hubo un par de años en los que estaba inseguro. Iba a haber una conferencia de prensa y recuerdo

a Billy llamándome y diciéndome: “¿Estás seguro de que esto es lo correcto?”. Ni siquiera estaba realmente seguro de lo que encaraba. Luego se emocionó sobre todo esto. ¿Ahora está más involucrado? - Billy le tiene mucha confianza a su gente. Básicamente, no lo arruines. Él confiará en mí y en sus confidentes y en los expertos de otras áreas y cederá, pero últimamente, es su decisión el cómo quiere que lo representen ante el mundo. No parecería importar que ha dejado de lanzar nueva música. ¿Por qué crees que ocurre esto? - Creo que mucha gente mayor que lanza nuevas canciones lo hacen más por ellos mismos que por los demás. Las posibilidades de que tengan éxito, excepto dentro de su propio hemisferio, son mínimas o nulas. Solo los más incondicionales quieren escuchar nuevo material. Las masas quieren escuchar los hits. ¿Podría algún otro artista hacer un residency show como este? - Sé que muchas otras personas han hablado acerca de ello. ¿Pero a este nivel? Creo que reconocen la unicidad de lo que está logrando. Él puede tomar un espacio grande y volverlo muy íntimo. Es simplemente una combinación mágica que funcionó. Junto a Dennis Arfa, en el primer show de Joel en el Madison Square Garden, en 1978.

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Entre sus raíces folklóricas y su expansiva vertiente latina, la cantante se prepara para un nuevo hito de su trayectoria. En octubre presentará su disco La gringa en el Teatro Ópera, con producción de Carlos Vives.

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Por Patricio Féminis B I L L B OA R D.CO M . A R

L la gringa aprendió a sonar entre los gringos. En Argentina y más allá de sus fronteras: rozando el pop para permanecer. Trascendiendo su cuna de raíz folklórica, Soledad Pastorutti renueva sus lazos con los sonidos y ritmos latinos. Y de allí se vuelve a proyectar a toda Latinoamérica para garantizar su peso en los oídos urgentes y ansiosos de las nuevas generaciones. ¿Cómo? Con producción del colombiano Carlos Vives estrenará este año su disco La gringa, en el que, sin resignar su impronta madre, acentuará esa veta de latinidad. Sus raíces y su urbanidad. Ya mostró sus primeros productos: la canción “La gringa”, en la que profesa su identidad santafesina con una impronta de cumbia-pop concebida junto a Vives a modo de carta de presentación. “Yo soy La Sole y llevo el poncho a mi manera, porque mi gente siempre me ha tenido fe, y aunque mi piel adora el sol de mi bandera, a mí me dicen ‘La Gringa de Santa Fe’”. Y “Aunque me digas que no”, “una balada hermosísima”, como la define. 40 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

El punto cúlmine de estos anticipos, y de su gira por el país, será con sus conciertos en el porteño Teatro Opera el 5, 6, 11 y 12 de octubre, para presentar su disco. Sus flamantes sonidos de respiración continental. Allí, Soledad hará su paneo de hits en clave de raíz folklórica en distintos ritmos (zambas, chacareras, valses, chamamés, milongas, etc.) y, desde ya, su nuevo segmento de latinidad, en buena sintonía con los charts digitales de este tiempo, en afinidad con las sonoridades de proyección latinoamericana y mundial. ¿Qué representará, allí y aquí, La gringa? “Siempre me gusta tener el apoyo de un productor. De Carlos Vives o también de Cheche Alara, y de Juan Blas Caballero, quien ahora está trabajando con nosotros. Eso sí, no tengo apuro en que salga el disco. Me gustaría llegar al 12 de octubre, que es mi cumpleaños. Mi público valora mucho esa fecha, que es muy importante porque todos los años hago un concierto en Arequito. Este año va a ser en el Ópera, porque agregamos fechas y sería un lindo auto-regalo. A La gringa lo vengo trabajando hace mucho tiempo y estoy con muchas expectativas. No de éxito, sino de aceptación de mi público. Yo deseo que lo mío perviva, aggiornado a estos tiempos”. ¿Soledad es cada vez más una artista pop latina? “Yo soy Sole-

dad. No sé si hoy pueda encasillarme en un género. Lo que sí es cierto es que vengo del folklore y a eso lo voy a tener toda mi vida”, dice. Si bien la idea de tradición sigue en constante renovación, la denominación de “folklore” aún tiene para Soledad un fuerte peso a la par de su creciente veta latina. Lo explica así. “El folklore está en mi manera de cantar y de decir. Yo escucho un chamamé y me largo a llorar. No lo puedo evitar, porque también me crié en la Pampa Húmeda. Pero si te vas más al Norte son otros colores y otra identidad. En un punto, por eso saco La gringa ahora. Yo soy una gringa. No tengo la tez morochita. No sé cómo explicarte… Tengo más características de alguien que es hijo de un inmigrante que de alguien que estuvo acá siempre. Sacar este álbum es como decir ‘bueno, yo soy eso y no lo puedo negar. Mis bisabuelos fueron todos italianos”. Soledad pudo expandir su popularidad dentro de la música de raíz, desde el publicitado “folklore joven” de los años ’90, hasta estos tiempos en que se multiplican las estéticas en la MPA. Su salto paulatino a la música latina hoy tiene otro pie en La gringa. “Yo tengo una ventaja, y que también puede ser una desventaja: soy una artista del campo y de la ciudad a la vez. Y no deja de haber una diferencia entre las elecciones de esos públicos. Siempre digo que para los del

Interior dejé de ser, a lo mejor, la chica campera que empezó con 15 años a cantar y que se vestía de gaucho. Y para los de Capital todavía no dejé de ser del todo ‘la del poncho’. Yo siento que pertenezco a los dos mundos, porque así se generó mi carrera y así es mi vida desde que empezó el éxito. El que me trajo a Buenos Aires y el que sostiene mi trabajo. Yo no lo voy a dejar nunca, porque es lo que mejor sé hacer. Y al mismo tiempo, como soy inquieta, me gusta poder superar el paso del tiempo. La gringa es parte de esa búsqueda, que compartimos en lo creativo con Carlos Vives”. Viviste la transformación de la industria ¿A todas las épocas que pasaron las analizabas como ahora? -Creo que hoy analizo un poco más. Me preocupa más que antes no meterme en una marea y dejar de ser. Trato de hacer una lectura crítica de lo que ocurre. Y yo, ¿a dónde me ubico en todo eso? No digo que todo lo que viví hasta ahora se vaya a cortar. Pero yo necesito reinventarme. Porque lo más lindo que me pasó a mí es que el abuelo o la abuela me fueran a ver con sus nietos. Hoy tengo al nieto o la nieta de público, y ese abuelo o abuela ya no están. Y esos nietos vienen a verme no sólo por lo que hago, sino porque los lleva al recuerdo de sus abuelos. Pero

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esos nietos ya tienen mi edad, y estoy por cumplir 39 años. ¿Qué va a pasar con esos nietos y con los que vengan detrás? ¿Qué te dice Carlos Vives al respecto? -Él es uno de los pocos ejemplos que puedo citar de gente que, pudiendo recostarse en la suya, no deja de ser quién es. Carlos Vives es Carlos Vives cantando con Sebastian Yatra o con quien sea. A Carlos le pasó lo mismo que a mí y nos sentimos identificados. Él me dice: “Yo tampoco era morochito: era blanquito. Era actor de telenovelas y me puse a cantar vallenatos”. A Carlos le costó, pero logró que su música saliera al mundo. En Argentina, no logramos que nuestra cumbia se escuche por todo el mundo todavía. De donde yo vengo, Santa Fe, tenemos a Los Palmeras, Los Lirios, y nos criamos escuchando esas canciones cantadas por gente de acá. Nos parecen nuestras. De hecho, acabo de grabar “La suavecita” con Los Palmeras , que es un clásico, y es increíble todo lo que pasó con ese tema en las plataformas en sólo dos o tres días. Soledad busca una pregunta retórica o jocosa: “‘¿Me tendré que dedicar a cantar cumbia?’. No, se

L 1980

Nace Soledad Pastorutti Zacchino en Arequito, Santa Fe.

Enero 1996

Gana el Premio Consagración de Cosquín. Sony Music edita su primer disco, Poncho al viento, que vende más de 800 mil unidades en poco tiempo.

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mayor dificultad. Para mí, el gran desafío de la música argentina es, justamente, despojarnos de tanto prejuicio y ver cómo abrir fronteras. Por ejemplo, con la española Rosalía o con otros cantantes de su país es un poco más fácil, porque ya el flamenco es la madre y la raíz de muchas de las músicas

trata de la canción. En el caso de Carlos, como digo, él fue siempre el tipo energético, el que le cantó a su gente, al amor, a sus tradiciones. A eso no lo perdió nunca, y es lo que a mí me gustaría lograr. Tampoco lo perdí, pero me parece que los argentinos, con respecto al resto del mundo, tenemos una

Enero 2000

Edita su tercer disco de estudio, Yo sí quiero a mi país, grabado en Miami con producción del cubano Emilio Estefan, y que la proyectó por primera vez a distintos lugares de Latinoamérica, España y Estados Unidos.

Octubre 2001

globales. Incluso de la nuestra. El flamenco está mejor visto que nuestro propio folklore en el mundo, salvo por Mercedes Sosa y otros pocos”. Aquí conecta con Raíz, el disco que hizo en 2014 con Lila Downs y la Niña Pastori. Recuerda Soledad: “Ellas se ponían a cantar y te mo-

Lanza Libre, su quinto disco, con producción de Alejandro Lerner, cuyo tema “Tren del cielo” se vuelve un hit radial. Presenta el disco, con tremendo éxito, en el Teatro Gran Rex.

O Agosto 2005

Presenta su primer disco doble, Diez años de Soledad, con producción de Afo Verde, principal ejecutivo de América Latina y España de Sony Music. Recibe el premio Disco de Oro en noviembre, en su recital en el Estadio Pepsi Music, que luego plasma en el DVD Soledad en vivo en Obras.

Dúos. 1 Con Mercedes Sosa 2 Con Jaime Camil presentando los Grammy Latinos 3 Con Santana 4 Acompañando a Franco De VIta 5 Con Beto Cuevas 6 Junto a Carlos Vives, productor de su último trabajo 7 Con Joan Manuel Serrat 8 Junto a India Martínez.

rías, y no había discusión de que el flamenco era lo más. Aunque hay otras canciones o músicas populares a las que les cuesta un poco más resonar afuera. De hecho, nuestro folklore tiene una división interna, que existió toda la vida, entre lo que es popular y lo que no lo es. ¿Qué fui y soy yo? Popular. ¿A dónde está mi fuerte? En que amo profundamente el estar en contacto con la gente. Yo encontré en esta música una manera de hacer un ida y vuelta”.

Al principio parecía que lo que hacías no tendría una chance de exportación... -Para nuestra manera de pensar, supuestamente no. Pero yo sigo creyendo que es posible. Yo pienso a la música como una rueda: la rueda de la fortuna. Hay gente que está todo el tiempo en el mismo vagón. La rueda va girando y en algún momento le toca estar arriba o abajo. Y luego hay gente que se va cambiando de vagón para ver si logra seguir ahí arriba. Ojo, en ninguno de los dos casos eso te asegura el éxito. Creo que el verdadero éxito de un artista es ser genuino y feliz con lo que propone. En que haga lo que le gusta, sin tener que preocuparse en agradarle al resto.

Abril 2014

Lanza Raíz, un disco de estudio compartido con Lila Downs y Niña Pastori, y que se ubica en el quinto lugar en iTunes. El primer sencillo, “La raíz de mi tierra”, había sido presentado en febrero a través de VEVO. El 20 de noviembre, Raíz gana el Latin Grammy como “Mejor álbum folclórico”.

Marzo 2015

Edita su 15º disco, Vivir es hoy, con una impronta latina, con producción del peruano Gian Marco y de Zapata. En el corte “Dame una sonrisa” colabora cantando el colombiano Carlos Vives.

Septiembre 2016

Sale a la venta el CD y DVD 20 años, grabado en el Festival de Cosquín con múltiples invitados: Abel Pintos, Chaqueño Palavecino, Los Manseros Santiagueños, Luciano Pereyra, Los Nocheros, Los Tekis, Raly Barrionuevo y otros. En 2017 recibe el Premio Gardel como Mejor Álbum Artista Femenina de Folklore.

Octubre 2019

Presenta el disco La gringa los días 5, 6, 11 y 12 en el Teatro Ópera de Buenos Aires.

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¿En algún momento eso te pasó? -Claro que sí. Me pasó y me sigue pasando, porque cuando ya entrás en un nivel masivo hay estrategias que tienen que ver con la actualidad. Hoy ocurre que lo que se ve pesa más, muchas veces, que lo que se escucha. Yo digo “está todo bien, hay que ser visibles”, porque no me puedo atrincherar. Porque vivo de esto, soy mi propia industria y tengo un montón de gente detrás. Pero hay cosas que yo no cambiaría, por más que me aseguraran lo que fuera. Doy un ejemplo: sé que hay determinadas fotos en Instagram que pueden generar tanta cantidad de likes. Pero a mí me sirve que eso se traduzca en que me quieran ir a escuchar en vivo. A lo mejor estemos frente a un cambio de paradigma, porque 44 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

hoy también importa cuánta cantidad de gente te sigue en Instagram y cuál es el negocio ahí. Aún no lo tengo tan claro. Pero cuando lo traduzco a la televisión, ya que estuve en varios realitys, lo capto mucho mejor. ¿Por qué si un programa como La Voz fue número uno de rating, en 2018, todos los artistas que salieron de ahí no tuvieron una mejor posibilidad de sostener una carrera? ¿Por qué les cuesta tanto después? Porque el fuego no está en el artista: está en el producto televisivo. La Voz los validó mucho a ustedes, los del jurado. -Sí, pero porque tenemos un background y venimos de otra época, lo cual es favorable. Nos generó una vigencia. A eso sí lo

tengo muy en claro, y por eso decido estar ahí. Pero hoy creo que hay gente que quiere ser protagonista desde ese lugar. No lo critico. Es lo que está pasando. ¿Cómo percibís a este presente de la industria? -Siento que es un momento de mucha presión para la música. Todo es más efímero. De todas maneras, sigo pensando que lo que es bueno, lo que tiene algo para decir y nace de un sentimiento verdadero, permanece. Toda la vida fue así. Desde que tengo uso de razón hubo productos más volátiles que otros, porque estuvieron pensados y dirigidos a un público que después crece y cambia su gusto. Es natural. Aunque yo no soy de las

que se pongan a criticar o a señalar con el dedo, porque yo fui de las que más sufrió esa crítica cuando empecé en 1996. Me dolió muchísimo, entonces, todo lo que se decía de mí: que mi música era efímera o que era un producto de una compañía discográfica. Y se decía porque fui enseguida un fenómeno de ventas: con el folklore sonaba hasta en las FM, y eso que tocaba acompañada sólo con dos guitarras y con un bombo. Era una cosa rara, y hasta hoy digo “no sé cómo lo logré”. Pero porque eso mismo sucedió, siento que todavía hay muchas oportunidades para nuestra música. Creo que no hace falta camuflarse para llegar. Sí hay que darle con todo dentro de lo que uno es. Y jamás perder la autenticidad.

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Barrio fino de Daddy Yankee

Redefiniendo la música latina A 15 años de ser editado, un análisis de lo que generó el álbum en la carrera del puertorriqueño y lo que significó para la industria musical global. POR LEI L A COBOS

ace quince años, Raymond Ayala estaba sentado escuchando los sonidos de las calles en el pequeño departamento que compartía con su esposa y sus tres hijos en Villa Kennedy, un proyecto de vivienda en San Juan, Puerto Rico. “¡Cómo les gusta la gasolina!”, gritaban las voces debajo de su ventana, burlándose de las chicas guapas que aceptaban los viajes de los chicos con los autos más llamativos. ¡A ellas realmente les gusta la gasolina! “A mi me gusta la gasolina”, Ayala comenzó a cantar rítmicamente, “dame más gasolina”. Me gusta la gasolina, dame más gasolina. El estribillo se quedó atascado en su cabeza. “Tenía la frase, tenía el coro”, dice Ayala, también conocido como Daddy Yankee, la estrella del reggae tón puertorriqueño que en ese momento era poco conocido fuera 46 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

de la isla. “Me senté en mi estudio allí en Villa Kennedy y comencé a armonizar el flujo”. Con la ayuda de los productores Luny, del dúo de producción Luny Tunes, y Eddie Dee, terminaron la canción, agregando versos de fuego rápido, un golpe fuerte y un agresivo bajo el coro casi infantil, más el sonido de los motores en la introducción. Fue una versión eminentemente comercial de lo que entonces era un género subterráneo y subversivo rechazado por las principales discográficas. “El estribillo era tan simple y fácil de recordar”, dice Yankee. “La palabra gasolina la entienden en todo el mundo. Y creo que parte del éxito de la canción fue que las personas buscaban algún significado oculto”. ¿Estaba hablando de alcohol, de drogas? Yankee se ríe. “Esa pista es completamente literal”, insiste. “Es una de las canciones más inocentes que he escrito”.

“Gasolina” se editó hace 15 años, alterando irrevocablemente el negocio, el sonido y la estética de la música latina. Fue el primer sencillo de Barrio fino, el álbum de Yankee repleto de éxitos que combinó el reggaetón con otros ritmos tropicales y artistas como Wisin & Yandel y la estrella de salsa Andy Montañez. El set debutó en el número 1 en la lista de los mejores álbumes latinos de Billboard el 31 de julio de 2004, el primer álbum de reggaetón en llegar a ese lugar. Finalmente se convirtió en el álbum latino más vendido de 2005 y toda la década. Debido a que tan pocas estaciones de radio en español pasaban música urbana en ese momento, “Gasolina” nunca pasó al número 17 en la lista de Hot Latin Songs de Billboard. Sin embargo, se pasó en las principales estaciones, que alcanzó el puesto número 32 en el Billboard US Hot 100, y su ritmo de dembow único le permitió no solo sonar en América Latina sino

en toda Europa y el Lejano Oriente. Como resultado, Daddy Yankee fue repentinamente el Mesías del reggaetón. El género reviviría las ventas de música latina, marcaría el comienzo de un nuevo formato de radio en los Estados Unidos (Latin Rhythm) y establecería la base urbana responsable de muchos éxitos de la radio latina en la actualidad. Las colaboraciones en la música latina eran una rareza cuando apareció “Gasolina”, hasta que los reggae toneros comenzaron a asociarse habitualmente con sus compañeros. Hoy, el paisaje musical latino está dominado por colaboraciones urbanas; de hecho, en la tercera semana de julio, 14 de las 15 mejores canciones en la lista de Hot Latin Songs son colaboraciones urbanas. El hecho de que esta música haya evolucionado mientras se mezcla con otros géneros, como el tropical, el pop y la bachata, solo subraya su singularidad, sin mencionar su capacidad para ser

J KEMPIN

bailable. Alguna vez se pensó que era una moda pasajera pero el reggaetón llegó para quedarse. Y se debe en gran medida a Daddy Yankee. “Daddy Yankee y ‘Gasolina’ desencadenaron la explosión de la música latina urbana en todo el mundo”, dijo Nestor Casonú, presidente de Kobalt Music Latin America, hace cinco años, cuando “Gasolina” cumplió 10. Hace quince años, como MD para EMI Music Publishing América Latina, firmó la publicación de Daddy Yankee. “Puerto Rico estaba viviendo un momento tremendamente creativo”, recuerda. “Fue un caldero de actividad con muchas, muchas personas desarrollando su propia cultura musical. Cuándo ‘Gasolina’ explotó, nos hizo buscar talento para todos ”. Yankee estaba en la punta del iceberg. Con él llegaron personajes como Don Omar, Wisin & Yandel y Tito El Bambino, y la influencia

del género en internet, streaming y en las redes sociales sigue siendo indiscutible. Lo más importante, lo que alguna vez fue un género eminentemente puertorriqueño, se ha desangrado en otros países y ha generado movimientos urbanos autónomos, asegurando su longevidad. Farruko, una de las estrellas más grandes del género, habló con Billboard sobre el legado de Yankee. “Estamos viendo un cambio generacional”, dijo. “Y eso se debe a que los mayores exponentes como Yankee, nos dieron la oportunidad [de colaborar con ellos]. “En otros géneros, como el pop, siguen siendo los mismos nombres antiguos, porque los grandes nunca ayudaron a los pequeños a subir de rango”. A pesar de todo, Yankee ha seguido siendo una fuerza constante. Su sencillo “Con Calma”, con Snow, llegó al N°1 en la lista de Hot Latin Songs de Billboard. De hecho, está en tres de las cinco mejores can-

ciones de la lista (las otras dos son “China” de Anuel AA y “Soltera” con Lunay y Bad Bunny). Para Yankee, incluso en aquel entonces, nunca se trataba solo de la música, sino también de su imagen, marca e impacto cultural. Incluso en los días de “Gasolina”, “tenía una visión realmente diferente”, le dijo a Billboard en 2014. “Pude sentir el impacto que el reggaetón estaba teniendo en las calles de Sudamérica y Estados Unidos. Sabía que estábamos cerca de explotar. Entonces dije: ‘Ok, voy a ser yo quien lo haga’. Y todo el dinero que tenía lo invertí en Barrio fino”. Yankee fue uno de los primeros artistas latinos en gastar tanto dinero para grabar (hasta el día de hoy conserva la propiedad de todos sus masters). Para Barrio fino, trabajó con el director de video y diseñador Carlos Pérez, fundador de la casa de diseño Elastic People, cuya lista de clientes incluye hoy a Romeo Santos, Wisin y Ricardo Arjona.

“Queríamos posicionarlo como uno de los fundadores del movimiento y retratarlo de una forma sofisticada”, dice Pérez. Sugirió una portada en blanco y negro, tomando de referencia los disparos históricos de Muhammad Ali, para lograr algo sofisticado pero “monumental”. “El principal desafío era, independientemente de si alguien lo conocía fuera de Puerto Rico, hacer que sus materiales de marketing fueran tan buenos como los de cualquier artista anglo. Y creo que lo logró”. Yankee pagó US$ 30,000 por el video de “Gasolina”, una fortuna en ese momento. Hasta la fecha, todavía invierte en sus videos. “Sabía que era un jonrón”, dice ahora, de su apuesta “Gasolina”. “No fue solo la canción, fue un movimiento. Barrio fino trajo glamour al barrio. Y les dio a los niños la posibilidad de decir, hombre, si Yankee puede, yo puedo”. Y lo hicieron. B I L L B OA R D.CO M . A R

Flu Os

Desarmar las fórmulas Ángelo y Benicio Mutti Spinetta incursionan en el trap sin productor fijo y buscan dar otros mensajes con sus letras. P O R J O TA AY E R Z A Y M A R Í A V I L L O L A

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los hermanos mutti spinetta, más conocidos como Flu Os, ingresaron en el universo del trap con un “Boleto dorado”, literalmente. Si bien son nietos de un prócer del rock nacional, su música coincide con la efervescente escena urbana local. En su repertorio ya cuentan con tres temas, destacándose “Meidey” por su frescura, letra contundente y producción a cargo de 0-600 en el track. “La frase ‘ponemos el queso en la trampa’ se me ocurrió un día y se la mostré a Ángelo y de ahí salió el estribillo. Igual, siempre deformamos los temas”, cuenta Benicio sobre la creación de “Meidey” y su hermano agrega: “Estamos aprendiendo a permitirnos agarrar cosas del demo que quizás después quedan. Tiene otra frescura”. Luego, Ángelo profundiza sobre la letra del single: “No es que estamos en contra de la guita, para nada. Seríamos unos hipócritas. Pero estamos en contra de la ambición al extremo, la avaricia, esa que te hace mancharte las manos de alguna forma. Y nos rebelamos contra eso”. En su búsqueda se enfrentan a los términos trillados, a la repetición del flow y hasta a la idea de aferrarse a un solo productor. “Si tenés siempre el mismo flow y tus letras se repiten, siempre vas a dar el mismo mensaje, eso nos aburre. Muchas veces es porque no le dedicás el tiempo suficiente o también tiene mucho que ver con querer pegarla”, se expresa Ángelo. A la hora de trabajar como hermanos, Ángelo sostiene que es más fácil porque “nos podemos decir lo que queramos”. “Yo confío más en él que en cualquier persona del mundo. Si él me dice que algo no está bien, puedo tener otra opinión pero confío en que hay que cambiar eso que él me dice”. Aunque no descartan colaborar con otros artistas. “Estaría buenísimo experimentar y poder hacer música con otra gente. Ya va a pasar”, dice Benicio. Su incursión en la cultura hip hop comenzó como organizadores de una competencia de free style en Maschwitz. “En el primer año hicimos como 20 fechas y a todos los competidores de la zona les re cebaba. No fallábamos”. Sin embargo, dejaron de lado el mundo del freestyle hace un tiempo para dedicarse de lleno a la música. Y aunque por herencia familiar parezca raro, la primera vez que grabaron en un estudio fue recién en abril de 2018. “Todas las decisiones dentro del estudio las tomamos nosotros. Las hacemos entre los dos y nos da la posibilidad de aprender y de desarrollar una esencia propia”. Generacionalmente son partes de una ola de desarrollo autodidacta que trajo el avance de las nuevas tecnologías, y que coincidió con el advenimiento del trap. “Es algo cultural”, coinciden. Respecto a la decisión del productor a cargo, “todo se va dando”. “Cuando queríamos hacer ‘Boleto dorado’ cayó Nicky 808 y salió alto beat. Vamos decidiendo con quién hacerlo, según las características del tema”. Y si bien se plantearon el hecho de grabar un álbum, hoy por hoy agradecen ir de a singles. “Menos mal que no lo hicimos, porque seguiríamos produciendo el disco”. F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

9 de octubre - Niceto Club, Bs.As.

11 de octubre - Fauna, Rosario.

10 de octubre - Plaza Mateo, Montevideo, Uruguay.

12 de octubre - Club Paraguay, Cรณrdoba.

TE TRAE LA GIRA DE

CECILIO G

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Greeicy

Levanta su bandera La colombiana viene de estrenar la colaboración “22” junto a TINI, y disfruta del momento de la mujer en la industria, así también del presente de Colombia como polo cultural. POR SANTIAGO TORRES Y MARÍA VILLOL A

Greeicy Yeliana Rendón Ceballos, más conocida como Greeicy Rendón, acaba de lanzar su álbum debut Baila, luego de colaborar con Mike Bahía en la producción de “Amantes” y “Esta noche”. Si bien emprendió su carrera artística como actriz, hoy en día optó por el camino de la música y ya cuenta con colaboraciones de la mano de TINI y Juanes, con quien tuvo la oportunidad de hacer una canción. “Admiro lo que es como persona y lo que transmite a la gente con su mensaje, desde siempre. Y ahora que tuve la oportunidad de conocerlo personalmente, admiro la capacidad de mantener su esencia”, dijo Rendón acerca de Juanes. Greeicy se consagró como cantante con su debut en el Festival HEAT, dejando a un lado su carrera de actriz para volcarse por completo a la música. “Fue uno de los primeros shows que hice. De hecho, estaba dentro de uno de los shows de Mike. Fue increíble. Tener la oportunidad de subir a la tarima me hizo sentir muy afortunada. Recién estaba empezando y ya estaban pasando cosas muy lindas. Así que en tan solo dos años han pasado grandes cosas”, dijo Rendón. “22” alcanzó en el puesto N°10 en Argentina. ¿Esperabas este éxito? 50 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

-Cuando escuché la canción, inmediatamente me pareció un éxito porque es buena, la letra es increíble, la historia es brutal, el ritmo es sabroso y te pone a bailar. Tenía muchas cosas que para mí eran para ser un hit, además de la colaboración de los personajes que están ahí. A TINI la gente la adora. Soy muy afortunada de poder estar ahí porque le ha sumado mucho a mi carrera y le agradezco a ella por hacerme parte. Cuando me la mandaron, pensé que me la estaban mostrando para pedir mi opinión. Yo soy fan de TINI desde hace mucho tiempo y no lo podía creer. Quería conocerla y hablar porque nunca nos habíamos encontrado, para tener un poco de feeling con ella antes de grabar porque es importante que haya química para que salga real. La voz de las mujeres se escucha cada vez más, incluso en una industria históricamente liderada por hombres. -Sí, yo creo que es un momento súper importante para la mujer. Creo que todos somos iguales y tenemos las mismas 24 horas del día y cada quien decide qué hacer con esas horas. Y este momento se dio gracias a las mujeres que llevan años luchando, trabajando y mostrándose, y llegaron a un punto en el que ya están ahí y

dicen “vean cómo todos somos iguales y todos podemos lograr lo que queremos”. Les agradezco a todas esas mujeres que llevan años trabajando, sobre todo en la industria musical que está más liderada por los hombres que por las mujeres, pero ya no tanto. ¿Por qué creés que Colombia impulsó tanta música en los últimos años? -Inevitablemente, el talento está hablando. Yo creo que siempre hay momentos para todo. Que Colombia y Medellín sean una plaza musical tan importante ahora no significa que otros países y otras ciudades no lo sean. Simplemente es el momento de Medellín, que además tiene artistas que en este momento están liderando en la industria y hay productores, compositores y cantantes muy buenos. Realmente hay mucho talento y vienen artistas del otro lado del mundo a hacer música, sobre todo ahora con el género urbano. Así que yo creo que es un momento importante para Colombia y Medellín porque gracias a los grandes artistas como J Balvin, Maluma, Karol G, Juanes, como tantos otros que ahora están sonando fuerte, hacen que el mundo ponga los ojos en Colombia y es un momento que el país está aprovechando. F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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In memoriam

El adiós a João Gilberto

La revolución delicada A menos de un mes del fallecimiento de uno de los creadores del bossa nova, repasamos la extensa trayectoria de un artista que logró atravesar fronteras con la música de su país natal, para llevarla al mundo entero.

joão gilberto, el artista brasileño que murió el 6 de julio a los 88 años, pasó su última década de vida más solitario que nunca. Pero aún recluido en su departamento en Río de Janeiro, adverso a las visitas, y lejos de los escenarios y los estudios en los cuales brilló durante 50 años, no abandonó la música y aún así siguió buscando obsesivamente la canción y el ritmo perfectos. En las notas de Chega de Saudade, el álbum debut de Gilberto lanzado en 1959, Antonio Carlos Jobim, otro genio de aquella época de transformación radical de la música brasilera, fue un visionario: “João Gilberto no subestima la sensibilidad de las personas. Él cree que siempre hay espacio para algo nuevo, diferente y puro que, aunque a primera vista no parece, puede convertirse, como dicen en el lenguaje especializado, en altamente comercial”. Esa sutil ironía era un mensaje a muchos profesionales de la industria discográfica que no comprendían la fascinación que el oscuro cantante y el guitarrista despertaban en la élite de los músicos brasileños. Jobim, el arreglista del primer álbum y autor de tres canciones emblemáticas (“Chega de Saudade”, “Desafinado” y “Brigas Nunca Mais”), tenía razón. A pesar de la resistencia inicial de los programadores, tan pronto como el single “Chega de Saudade” llegó a la radio, se propagó como fuego. João Gilberto se volvió viral. Y su nueva y original forma de tocar y cantar samba, casi como un monje budista, se volvió un patrón a seguir en el bossa nova. Luego, esta estética que alguna vez fue tan sofisticada, conquistaría 52 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

Brasil y a partir de 1960 se extendería en todo el mundo luego de ser adoptado por el jazz y por las estrellas de pop; desde Miles Davis hasta Frank Sinatra. A principios de 1950, a los 20 años, João Gilberto cambió Bahía por Río de Janeiro e intentó encontrar un lugar con una escena musical efervescente y competitiva en la capital de Brasil en aquel entonces. Su talento comenzaba a ser reconocido, pero era opacado por su comportamiento inestable. Casi siempre llegaba tarde a las reuniones o simplemente ni siquiera aparecía. Hasta llegó a desaparecer por casi dos años, cuando pasó cierto tiempo deambulando por los campos de Brasil, hospedándose en casas de amigos o parientes. En 1957, un João Gilberto renovado y confiado regresó a Río. Con un ritmo único de guitarra y una voz suave, sin agitaciones, llevó a cabo su revolución delicada e instantánea. La música brasilera nunca volvió a ser la misma, y comenzó a mencionarse entre los mejores artistas de jazz y de pop en el mundo. Después de ver al papa del bossa nova en noviembre de 1962 en un concierto en el Carnegie Hall que introdujo el estilo en los Estados Unidos, Miles Davis comentó que Gilberto “sonaría bien leyendo una guía telefónica”. Y João Gilberto sonaba muy bien, desde las exitosas canciones de bossa nova que él impulsó a lanzar e interpretó, así como también con los antiguos y memorables sambas y boleros o los temas emblema de Gershwin y Cole Porter. Gracias a sus discos y sus tantos conciertos grabados, João Gilberto continuará embelesándonos.

TOM COPI

POR ANTONIO CARLOS MIGUEL

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Nicolás Sorín

“Es un disco muy autobiográfico y conceptual” Hablamos con Nico Sorín acerca de su nuevo disco y de ‘LAIF’, la Antártida como fuente de inspiración. POR SANTIAGO TORRES Y MARÍA VILLOL A

el curriculum vitae de nicolás sorín es extenso. Y hasta, quizá, contrasta con la figura más rockera que encarnó en Octafonic. Pero es la combinación de los borcegos gastados con su perfil académico lo que hacen su propuesta siempre tan interpelante. Comenzó su carrera musical en Berklee College of Music, donde estudió con Bob Brookmeyer, Maria Schneider y Vuk Kulenovic. En un breve período de tiempo, su música fue interpretada en los Estados Unidos y Europa por orquestas sinfónicas y big bands. Luego trabajó con artistas como Miguel Bosé, Shakira, Alejandro Sanz, Juanes y Jovanotti y dirigió prestigiosas orquestas como la London Session Orchestra, la Mexico Symphony Orchestra y la Henry Mancini Orchestra, entre otras. En el 2018, Sorín fue el encargado de dirigir la orquesta de 60 músicos en el Teatro Colón, interpretando la suite ‘Argentum’ en la Gala del G20. Esta obra se basó en un recorrido por las cinco regiones del país, impregnada por una pluralidad de ritmos y géneros propios de la Argentina. Su proyecto más reciente, LAIF, es una obra viva. Se trata de un compromiso con la vida misma, que, en un juego de palabras, contempla tres conceptos: Def (muerte), lov (amor) y berf (nacimiento). “Es un disco escrito en tres etapas y transcurre en un momento de mi vida 54 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

muy loco. Fue un año de muchas transiciones. Es un disco muy autobiográfico y conceptual, en el cual también quería contar nueve canciones cada veinte días con un videoclip”. Te faltaba llevar a cabo un proyecto solista... -Sí, creo que todo esto nace a raíz de la crisis de los cuarenta. Soy una persona que siempre está metida, un control freak de todo entonces decidí poner mi nombre, porque muchas veces dejo todo. Así que tarde, pero seguro. ¿Qué tiene que ver la Antártida con todo esto? ¿Qué significa para vos ese lugar? -No es fácil llegar. Fue un accidente fortuito, que me invitaron la primera vez y pude volver a través de la presentación en el Colón en el marco del G20. Es un proyecto paralelo, pero que a la misma vez forma parte de todo. Este año lo voy a estrenar en el CCK en noviembre para gente amiga. Es un proyecto que quiero mucho porque para mí, la Antártida es un santuario de la tierra que tiene una energía que hace que pase algo muy groso. Es mi manera de aportar y de mover un poco el mensaje.

La primera vez estuvo dos meses viviendo en la inmensidad de la Antártida, y la última, fueron 21 días en abril. De allí nació ‘Sinfo-

nía Antártica’. “Yo quiero estar el año entero porque es la experiencia antártica. Son doce o catorce meses viendo el circuito de la luna y el sol. Pero es prácticamente difícil por una cuestión de agenda”. Sorín cuenta con un idioma propio: tanto con lo poético, así como también con lo imaginario. “Para mí, lo poético está en lo gestual y en la posibilidad de darle a la audiencia una búsqueda y que saque sus conclusiones. Por eso no me gusta cantar a veces en castellano ciertas cosas, porque es muy explícito. Siento que te estoy diciendo todo en la cara. Por eso me escondo detrás del lenguaje. Obviamente busco letras y un mensaje, pero a la misma vez es un mensaje abierto porque creo que es más abstracto y está más abierto a la interpretación”. ¿Cómo te llevás con lo mainstream a la hora de presentar una obra? -Yo creo que soy un músico frustrado porque quiero hacer algo mainstream y no me sale. Ese es mi objetivo. El día que escriba una melodía sencilla, habré llegado, porque realmente es lo que quiero hacer, pero la complico porque me gusta la música orquestal, buscar las capas. No por el hecho de complicarla sino por el hecho de que justamente tenga muchas lecturas. Esa es la vuelta que un artista tiene que lograr. F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

GISELLE FERREIRO

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The Stooges

Viaje a la vanguardia El álbum debut de la banda formada por Iggy Pop, Ron y Scott Asheton y Dave Alexander. POR EZEQUIEL RUIZ

“W

ell, all right”. Es el 5 de agosto de 1969, baby, Estados Unidos. El hombre acaba de volver de la Luna, suponemos, si nos guiamos por la mitad del relato de la carrera espacial, en plena guerra fría. A propósito, Vietnam era un polvorín desde hacía unos cuántos años y faltaba todavía un lustro más para el final de la guerra. En Detroit, no tan ajenos a las bombas ni tampoco a los hits de la Motown (con quien compartían ciudad de origen), pero embarcadísimos en su propio trip, cuatro chiflados cautivados por la distorsión estaban cristalizando algo a lo que le estuvieron dando forma algunos meses antes. Lo que había comenzado entre cuatro húmedas y oscuras paredes, pasó a un estudio de grabación para ser debidamente editado. Proto-todo: garage, punk, hard. Da lo mismo, porque todas esas etiquetas llegaron después, mucho después de este mil nueve sesenta y nueve. Mejor dicho: nineteen sixty nine. Aquel cinco de agosto vio la luz “The Stooges”, el álbum debut de la banda formada por Iggy Pop, Ron y Scott Asheton y Dave Alexander. A diferencia de otros álbumes editados el mismo año (“Let It Bleed”, de los Rolling Stones; “Abbey Road”, de los Beatles; “I” y “II”, de Led Zeppelin; o “The Soft Parade” firmado por The Doors, por citar solo un puñado de ejemplos), el de The Stooges suena completamente despojado, crudo, naked. Es estridencia pura, ruido con melodía y

sentimiento, un escupitajo para lubricar oídos antes de destruirlos. Sin quererlo, la historia los puso en un lugar y en una circunstancia en la que sentaron las bases y plantaron las banderas que otros izaron más tarde: sin esto, probablemente nunca hubiéramos tenido a The Strokes, a los Ramones, Pixies, Ian Curtis o cualquiera de los artistas relacionados que hoy dictan los algoritmos de las plataformas de streaming. Donde antes no había nada, apareció un todo. Bueno, ni The Stooges era una isla ni tampoco nacieron de un repollo: sin The Velvet Underground, ninguno de estos caracteres se hubieran impreso jamás, ni aquí ni en ninguna otra revista del mundo. Y esto no responde solamente a la producción artística a cargo de John Cale, ni tampoco a los diez sombríos minutos que dura “We Will Fall” (aquí Cale grabó una viola incidental) ni al cuelgue espeso de “Ann”, ambas primas hermanas de “The Black Angel’s Death Song”, del debut del grupo encabezado por Lou Reed. Sino porque, al escuchar este disco de punta a punta y sin respirar, queda en evidencia que se sentían encorsetados en el “formato canción”. Que, si todo dependiera pura y exclusivamente de ellos, si no hubiera un sello grabador por detrás y por adelante, sus músicas derivarían y naufragarían en acordes interminables, ensordecedores. Hasta disolverse y desaparecer completamente. Art-rock, otra etiqueta también posterior a este momento histórico. El ímpetu de The Stooges no cabía

en ningún estribillo. Las crónicas de la época cuentan que, en vivo, los temas que elegían interpretar comenzaban normalmente hasta que se iban deformando en largas improvisaciones que ponían a prueba la atención y la paciencia del puñado que se los cruzaba en un pub. Por eso no suena incongruente la anécdota muchas veces rememorada por Iggy Pop, respecto a este debut en la industria: “En realidad tenemos muchísimas canciones”, les mintió Iggy a los responsables de Elektra Records cuando preguntaron por qué irían a grabar solo cinco, material insuficiente para llenar las dos caras de un long-play. Así que, obligados a un tour-de-force, esa misma noche compusieron tres nuevas que luego serían tocadas por primera vez en el estudio neoyorquino The Hit Factory: “Real Cool Time”, “Not Right” y “Little Doll” fueron las últimas en llegar. Lo que había hasta ese entonces es lo que se entiende como el sistema nervioso central del álbum, que incluso Iggy Pop hasta el día de hoy suele reinterpretar en sus shows: “I Wanna Be Your Dog”, “No Fun”, “1969” y las ya citadas “We Will Fall” y “Ann”. Ya con eso bastaba para ser la piedra angular de algo, aunque en aquel momento ese horizonte parecía brumoso: los críticos de la época coincidían con que se trataba de un disco infantil, sin un contenido que podría ser tomado en serio. Es cierto: es algo llano, primitivo, por momentos redundante, pero no por eso menos vital. Todo lo contrario. Tampoco fue un éxito rotundo de

ventas: alcanzó el puesto 106 en el ranking Billboard al momento de su edición. Pero esa falta de visión de la crítica y las bajas ventas fueron reparadas históricamente y, visto en perspectiva, aún sigue siendo un esencial para entender la época, sobre todo quienes no la vivieron. Un testimonio de menos de 35 minutos de duración, que con los años resonaron en distintas partes del mundo y en incontables artistas que no sólo ejercieron el punk como sonido, sino como método. Aquellas canciones se hicieron fuertes en Argentina no sólo en las visitas de Iggy Pop o la histórica de The Stooges, en 2006. Aquello ocurrió ya sin Dave Alexander (reemplazado por Mike Watt, gloria alternativa por su trayectoria con Minutemen) pero antes de que fallecieran los hermanos Asheton. Ese show tuvo épica, no sólo por el diluvio soportado por veinte mil personas en estado de pogo, sino también por la intensidad inagotable del grupo. El histrionismo de Pop, que parecía estar copulando con sus canciones y con el público, quedó marcado a fuego en la memoria al igual que la descarga punzante de Ron y el aporreo imparable de Scott. La resonancia llegó incluso al repertorio de algunas bandas locales: Attaque 77 y Massacre solían invocarlos en sus shows de los tempranos 90s y, más acá en el tiempo, grupos como los extintos La Armada Cósmica y Banda de la Muerte supieron apropiarse de “I Wanna Be Your Dog”. Gestos de este tipo permiten que esa llame no se apague jamás. B I L L B OA R D.CO M . A R

Sofía Campos

Fabo

Lejos de toda la mutación que está viviendo la música popular en nuestro país y en el resto del mundo, la canción romántica continúa creciendo más fuerte que nunca. Cantar sobre cosas simples en afán de elevarlas sin caer en lugares comunes no es una tarea sencilla. Sofia Campos es un ejemplo de esto. La cantautora suena como un paseo lento y bello por las calles de alguna ciudad a esa hora en que el naranja del atardecer avanza sobre todo y nos conmueve. Sofía nació en Argentina y vivió su infancia en Brasil. Desde chica estuvo en contacto con el canto y con la guitarra, haciendo clases y tocando covers. Encontraba la mayor satisfacción al momento de cantar en vivo. Fue en Brasil que se dió su primer contacto con la música popular brasileña, especialmente con la bossanova. Dice haber sido influenciada por artistas como Elis Regina (de ella sus interpretaciones y su voz) y Caetano Veloso (de él sus letras y melodías), aunque sospechamos, deben haber muchas otras. niverso son las playas, la selva, los lugares gastados por el tiempo, todo lo bueno que hay en lo malo. Es una de esas artistas que buscan contagiar algo de luz donde no la hay, involucrar a la gente en el trance momentáneo que solo los géneros más orgánicos pueden lograr. Su EP debut, Rosa Laranja, fue lanzado en Marzo del 2018 como primer intento de presentar material propio, ya que hasta el momento había sido más performer que otra cosa. Sus cuatro canciones: “Tanto”, “Dos Ríos”, “Cafuné” y “Rosa Naranja” surgen de la urgencia por explicar su pequeño pedazo de mundo, sus influencias principales y el espíritu general de su música. El EP fue producido y grabado por Lalo Larrosa. Rosa Laranja sirvió como forma de comprobar que la creación de su propia material era lo que le estaba faltando para sentirse completa. Así fue que el año pasado, con disco en mano y ganas de seguir explorando el mundo, se fue a vivir a México, donde contactó a Gustavo Guerrero, productor de (entre otros) Natalia Lafourcade, otra de las grandes influencias de Sofía. Con él estableció una suerte de amistad que los llevó a grabar su próximo disco en el estudio El Desierto. El resultado son once canciones que siguen construyendo el universo de Sofía. El 2 de agosto se publicó el primer single: “Salvar el fuego”. Para el disco completo habrá que esperar a fines de octubre de este año. Primero lo presentará en Ciudad de México junto con un grupo de músicos de allá. Luego, volverá a Buenos Aires el 12 de diciembre para presentar el álbum en La Tangente, también con banda. A pesar de que su voz y guitarra alcancen, Sofía busca siempre incorporar la sensibilidad de otros músicos, ya que para ella, es eso lo que termina de definir la fuerza y alma de su proyecto.

En plena vorágine del trap y la música urbana, hay artistas que, provenientes de ramas diversas, saben crear un sonido propio. Uno de ellos es Fabo: cantante, músico y productor. Ex sesionista en bandas como Barco, Bröther o In Corp Sanctis, Fabo también conoce el sentido de la palabra rock, tanto el clásico como uno de orden psicodélico o indie. Desde 2018, a partir del lanzamiento de su primer single: “No me la cuentes” su carrera como solista comenzó a florecer. Su repertorio actual consta de seis singles, cada uno especial en su propio género y forma: No me la cuentes, En todos lados, La estas rompiendo Feat. Emme, Amores como el nuestro Feat. Valen Madanes y Evar, Basta Feat. Evar y Mentime ke me gusta Feat. Cúrcuma y Della. Fabo es un artista ecléctico que, jugando con los limites del trap, el pop y la música urbana, describe las cosas de su cotidianidad con una frescura destacable. En sus temas colaboraron artistas como Emme, Valen Madanes y Evar, entre otros. La versatilidad de Fabo como productor es su principal virtud. Puede pasar de producir un trap low-fi, a una suerte de bachata reformulada o hasta un reggaeton apto para todas las pistas u oídos. Fabo sabe captar a los conocedores como a los que están lejos, una cualidad muy necesaria hoy en día. En “Amores como el nuestro” recrea el espíritu del clásico de salsa de Jerry Rivera, lo trae a la actualidad y lo hace sonar como si fuera nuevo. En consonancia con sus lanzamientos como solista, vale la pena remarcar su participación en Bröther, proyecto del músico multifacético Alejando Saporiti, como también en las antes nombradas Barco e In Corp Sanctis. Esto muestra la forma en que Fabo se lanza hacia lo nuevo con la inercia creativa de alguien que necesita descubrirse y redescubrirse una y otra vez. Se esperan muchos aportes de este gran artista. Luego de su última presentación el 9 de junio en el Festival Provincia Emergente (La Plata), Fabo se estará presentando en Camping el 27 de Septiembre.

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La versatilidad de Fabo como productor es su principal virtud. Puede pasar de producir un trap low-fi, a una suerte de bachata reformulada o hasta un reggaeton apto para todas las pistas u oídos.

GENTILEZAS CAMPOS Y FABO

Emergentes

GENTILEZAS HDP Y JUAN SOLO

Por Felix Perret

Hijos de Padres

Juan Solo

Hijos de Padres está dando vueltas en el circuito del rock/indie argentino desde hace un rato largo y, al parecer, continuará haciéndolo por un tiempo más. Hijos nace en el año 2012 en la localidad de Acassuso y está conformada por Sam Roca (guitarra y voz), Pedro Figuerola (Teclados, sintetizadores y voz), Luis Reguero (batería) y Blas Maldonado (bajo y voz), cuatro vecinos amantes del rock y muchas de sus variantes. Desde aquel comienzo se han presentado en muchos de los escenarios más importantes de Buenos Aires: Niceto Club, M.O.D, El Emergente de Almagro y Abasto, Jalea (Cultural Factory BA), Centro Cultural Matienzo y su más recurrente, el Centro Cultural San Isidro. La banda fue creciendo siempre junto a los cambios que la música supo proponer, surfeando entre el rock clásico, el blues, la psicodelia, el synth pop y muchas otras influencias más. Al escuchar su discografía completa de atrás hacia delante uno descubre nuevos ambientes, nuevas formas de comprender al mundo y a la música. Este detalle no es algo menor, habla de las exigencias que una banda se pone, o tal vez habla simplemente de su capacidad para adaptarse al cambio. Comenzaron en el año 2013 con el disco A Lo Mono, diez canciones más relacionadas al rock de las décadas anteriores que al del actual, una manifestación musical bien spinettiana. Luego le siguió Figuras Del Sol Naciente en 2016, tres años más tarde, que continuó con la línea del primer disco. En 2018, sacan su tercer disco: Oye Niño, que partió de su single Chicas Freak. Acá ya se siente un poco más la influencia de lo Indie, y de lo que estaba sucediendo en la escena local de aquel momento. El álbum recuerda al sonido de bandas como Virus o Los Abuelos de la Nada pero traídos al presente y combinados con la estética rockera de Hijos de Padres. Tan solo un mes atrás lanzaron “Relámpago”, su nuevo single, producido y grabado por Brian Taylor (productor de Marilina Bertoldi, Gardel de Oro 2019). El single se grabó en el Estudio Le Palm (teclados y sintetizadores), en el estudio de Brian y en el Polo Cultural Saldias (baterías). Cortando con el clásico formato de disco y adaptándose a la fugacidad actual, “Relámpago” es una demostración de lo que se viene por parte de Hijos de Padres. Su próxima presentación es el 7 de septiembre en el Centro Cultural Richards. El fuerte de Hijos de Padres está en la solidez y electricidad de sus shows en vivo.

Dentro de todas las facetas del under porteño, la que se permite crecer más rápido y sin pedir permiso es, definitivamente, la del trap y la música urbana. Ahí, dónde mejor se ve representado el nuevo sentido de la música actual, es donde aparecen, día tras día, nuevos artistas con gran futuro. Juan Solo es uno de ellos. Juan forma parte de la llamada New Wave, corriente de artistas con una visión propia sobre el sentido próximo de esta gran movida. También forman parte de ella artistas como Kidd Samu, I’ll Quentin, Grodays, Hwii, Broke Carrey, Dillom, Odd Mami, Saramalacara, Sayi y productores como Kuribo y LESTON6k. Conocer la procedencia de Juan es vital para comprender su mundo y el de sus letras, ese crudo amalgama de vicios, violencia y realidad. Juan nació y creció en Villa Soldati, en el núcleo de una familia humilde. Desde muy chico se interesó por el canto y la música en general. Bandas como Korn, System of a Down, Limp Bizkit o Marzo del 76 (acá en Argentina) marcaron su interés por las letras en una canción. Ahí vio bien representada la crudeza en cuestiones cercanas a su propio universo: los problemas por dinero, por drogas, en la casa, en la calle. No fue hasta los catorce años que, al conseguir su primer netbook, comenzó a enfocarse directamente en su música, aún sin tener demasiado tiempo para ello. A los diecisiete conoce a Grodayz y juntos hicieron “Maldito”. Ahí comienza a presentarse en vivo y a aumentar su participación en soundcloud, plataforma de su elección a la hora de difundir su contenido. Hoy en día, Juan está trabajando en un EP de Trap Hard llamado “Fumadores Satánicos” junto a Romeo La Gota, referente del under local. En los próximos meses, de la mano de Taiu (su manager y productor), se esperan muchas fechas que darán mucho para hablar. Estén atentos.

Conocer la procedencia de Juan es vital para comprender su mundo y el de sus letras, ese crudo amalgama de vicios, violencia y realidad. Juan nació y creció en Villa Soldati, en el núcleo de una familia humilde. B I L L B OA R D.CO M . A R

Oniria

El sonido de una escena El hombre detrás de los beats de artistas como Duki, Ysy A, C.R.O y Neo Pistea habla sobre el rol del productor, el autotune y el bajo 808. El 21 de agosto presentará un DJ set en Niceto Club previo al show de Neo Pistea. P O R J O TA AY E R Z A

el responsable detrás de los beats de #ModoDiablo y el álbum Antezana 247, Tomás Díaz, a.K.a ONIRIA, se ganó su lugar en la historia del trap argentino. Actualmente, prepara una series de singles de electrónica junto a C.R.O, trabaja en el álbum de Duki y termina de darle forma a su propio debut discográfico. Entre discos de Dr. Dre, 50 cent y hasta Tupac, desde adolescente le llamó la atención como la cultura hip hop era tan grande afuera y en Argentina no lograba hacer mella mainstream. En la curiosidad del final de la adolescencia su oído se acercó a los mundos de James Blake y el post-dubstep, las propuestas del sello Hyperdub y hasta las extravagantes rarezas del venezolano Arca. “Los productores de la escena argentina vienen más de ese lado, de la electrónica y el post-dubstep. Y eso hace que el género no tenga una tradición muy marcada en su sonido, el trap en argentina no es tan lineal. El explosión de El Quinto y los freestylers fue el disparador pero el sonido vino desde otro lado”. Su desembarco en la escena trap argentina fue, precisamente, cuando los primeros cimientos comenzaban a construirse. Sobre finales de 2016 y 2017, presenció las últimas pinceladas de gloria del certamen de freestyle que se fundó sobre cinco escalones, y fue ventana para raperos como Duki, Ysy A, Lit Killah, Lucho SSJ y hasta Paulo Londra. “Fuimos un par de veces y no me gustó mucho 60 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

para ser sincero, sentía que era muy deporte. A mi del hip hop me gusta la música, no tanto la cuestión competitiva, y el freestyle también tiene cosas misóginas en sus rimas que no me cierran. Igual, la re flasheaba con las rimas y la habilidad mental para decir cosas en el momento”, explica. Su acercamiento a Duki se da a través de otro de sus socios en Neuen Arte, el colectivo artístico que lleva la vanguardia del sonido trap argentino. “Taiu Heredia nos hizo conocer a Duki. En esa época los pibes [Duki, Ysy] estaban muy verdes en sus shows en vivo, y Taiu me sumó como DJ”.Para la primera fecha que hicieron juntos en La Plata, ONIRIA junto a Yesan y Ferlflame (otros miembros de Neuen) hicieron de banda del Duko (al igual que casi un año después en el Luna Park). Poco a poco empezaron a trabajar más fuerte con Duki, Ysy A y Neo Pistea. Hasta inventaron en la Argentina la figura del “Tune Doctor” (como la llaman ellos) para poder aplicar el efecto de autotune en los shows en tiempo real. Sin embargo, el enamoramiento final de ONIRIA con la escena trap se dio en la afamada mansión, donde vivían Ysy A junto a Duki. “Me acuerdo de entrar la primera vez, pasar una nube de porro y ver al Ysy con su computadora y dos parlantes de boliche como monitoreo de estudio al palo, pero absolutamente al palo, escuchando el último tema que habían grabado. Ya todo era demasiado co-

lorido, sentía mucha pasión en el ambiente y me enganché enseguida”, cuenta. Ese mismo día nació “Pastel con nutella” de Ysy A. La canción surgió de un freestyle, una toma entera que hizo el rapero y que Oniria junto Yesan hicieron canción. ¿Qué diferencia a un productor de un beatmaker? Hay una gran diferencia entre un beatmaker y un productor. Un productor es un músico que está pensando más allá de lo que él tiene que hacer, sino también piensa en lo que tiene hacer el artista y el concepto que quiere transmitir. El productor tiene que saber leer al artista para representarlo en forma de canción. Después como productor uno va desarrollando una dinámica para cada artista con el que trabaja, la clave está manejar las energías. Los productores son responsables por el éxito de una canción, no es solo el artista. Y lo bueno del hip hop como género es que viene a remarcar esa labor. Como productor, y al estar tan cerca del trap, ¿qué pensás del bajo 808? -Para mí es el sonido de esta época. En los 70’ era el timbre de la guitarra eléctrica, en los ‘80 era un tacho con reverb o los sintes analógicos. Los timbres de esta generación son el 808 y el autotune. Son los elementos que hacen época musical actual. F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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Coqeéin Montana

“Estuve acá cuando nadie sabía del trap” Pionero del género en el país y parte del remix de “Tumbando el Club”, viene de estrenar “Picheo” junto a MikeSouthside y el 21 de agosto se presentará en 21G en Niceto Club, ciclo de trap que encabeza Neo Pistea. P O R J O TA AY E R Z A

cuando se repasa cómo se forjó y consolidó el trap en Argentina, entiende que es imposible dejar de nombrar a Coqeéin Montana como uno de los pioneros del movimiento. No solo por sus primeras incursiones en el género con los crudos y voraces mixtapes de Codeína junto a Neo Pistea con la KMD. Sino también, porque en su esencia siempre vivió el freestyle, una disciplina del hip hop que es responsable de la explosión de la música urbana argentina. Con el reciente estreno del álbum Fino y vulgar y tras su participación en “Tumbando el club (remix)”, Coqee se suelta y dice: “Estamos en la cúspide, surfeando la ola”. Sin embargo hay que viajar al 2012 o hasta más atrás para entender la historia del rapero y su incidencia en los cimientos del trap. Con 16 años, Coqee se acercó al freestyle por el rancheo en las plazas de Rosario, y cuando se quiso dar cuenta ya estaba compitiendo. “Me acuerdo que la primera vez que competí fue en la Cara de Perro, llegué a la final y perdí con el Kódigo. Al año siguiente llegué a la final de nuevo y volví a perder. Alto cebollita. Pero después gané la Masacre y me llamaron de Red Bull”, comenta. “Cuando me llamaron de Red Bull yo vivía en la calle, y de la nada me mandan un pasaje y me reservan un cuarto en un hotel para estar re berraco en Capital Federal. Yo no lo podía creer. Que el hip hop me de algo así me llenaba el alma”, continúa. Ese año llegó a la final nacional 62 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

de la Batalla de los Gallos pero perdió frente a Tata, y luego de eso decidió retirarse paulatinamente del free. Tras la Red Bull se fue a Mar del Plata, y en su regreso a Rosario tuvo que parar en Capital Federal. Por un inconveniente previo a subir al colectivo pudo conocer a Neo Pistea y, desde entonces, cambió el rumbo de su vida. “Tenía que tomarme un bondi de Retiro a Rosario, y por esas cosas de cuando uno es pibe me metí en la 31. Me robaron la billetera con el pasaje. Me quedé toda la noche en Retiro abriendo puertas de taxis para hacer una moneda y, al otro día, me fui a un cyber. No me molestó mucho porque yo en Rosario también estaba en la calle. Pero en Retiro me sentía solo”, cuenta. Ya en el cyber se contactó con el Chino Aka CNO por Facebook, “sensei del freestyle argentino”, quien le pasó el contacto de Neo diciéndole que él lo podía ayudar. “Cuando caí a Merlo, a lo de Neo, me la hicieron flashear corte Bronx porque los pibes super calle, estaban ranchando abajo de un puente con litros de pintura. Fumando churro, pintando y rapeando. Me trataron de lujo y me quedé bastante tiempo parando con Neo, juntos empezamos a proyectar música”, explica. Con sus primeros mixtapes, la fundación de la KMD junto a Neo, el Negro Zanto y MikeSouthside, y el primer tour de trap argentino junto a La Cofradía (Ysy A y SCXLVRY), Coqeéin resultó ser un pilar inamovible de la

fundación del género en el país. Acabás de lanzar Fino y vulgar, ¿qué balance haces del trabajo? - Estoy re feliz con ese trabajo. El sonido que logramos es una locura. Me encerré en el estudio a laburar en serio, lo hicimos con los chicos de HotPlugs. Los números están creciendo; después de Tumbando El Club cambió la ecuación. Estoy muy agradecido con Neo por llamarme. Se me abrió un juego nuevo gracias a eso. Ahora Artillery Music está preparando un disco con Anuel AA, Arkangel, la Cazzu, y varios más, y entre ellos estoy yo. ¿Qué te genera que la industria tenga los ojos puestos en el trap? - La industria no miraba a la Argentina hace mucho. Hoy en día sale un nuevo hit por mes. El trap es el nuevo rock. Antes todos querían ser rockeros, ahora todos quieren ser traperos. Yo no me considero trapero, ni rapero. Yo hago música. Pero hay que entender que esto es un proceso, un trabajo. No por cantar con autotune y pagarte un estudio la vas a pegar o vas hacer algo que esté bueno. Yo estuve acá cuando nadie sabía lo que era el trap, y ver todo lo que está sucediendo ahora me enorgullece. El trap en Argentina logró lo que pocos soñabamos, y quizá, ni soñabamos porque pensábamos que no iba a llegar a suceder. F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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Mala Rodríguez

“La mujer debe permitirse el placer” La española viene de lanzar un nuevo sencillo y video, colaborar con Dellafuente y adelantó que editará un álbum para fin de año. P O R WA LT E R G A R R É

tal como lo ha hecho en la mayoría de las canciones que produjo a lo largo de su exitosa carrera, el nuevo lanzamiento de la Mala Rodríguez centra su atención en el empoderamiento femenino. “Aguante” es un tributo a las mujeres que están cansadas de esperar para recibir lo que se merecen y no quieren aguantar nada de nadie. Al contrario, están dispuestas a luchar por obtener lo que quieren. En esta charla telefónica, Mala nos contó detalles de la canción y los planes para el resto del año.

Es un mensaje interesante, porque históricamente las mujeres siempre aguantaron aun cuando les hacía mucho mal. - El aguante es una buena cualidad, pero hay unos límites, y muchas veces por educación creemos que debemos aguantar todo. Pero no, hay cosas que están cambiando en el mundo y este es un cambio significativo. Hay que entender que no todo vale. Hay cosas que no se deben aguantar, tenemos que poder marcar el límite para estar bien con nosotros mismos y fortalecer nuestra autoestima. A veces permitimos más de lo que nos toca y eso nos hace mucho daño. 64 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

¿Cómo te sienta el lugar de referente de la lucha por el empoderamiento femenino? ¿Tenés contacto con tus fans por las redes? - Yo empecé en esto de bastante pequeñita, y a medida que fui creciendo me di cuenta que había muchas chicas que me seguían y les importaba lo que yo estaba cantando. En ese momento sentí que de alguna manera las estaba representando y fue muy bonito. A mí me encanta estar en contacto directo con mi público, las redes sociales son como una mirilla de mi habitación, donde me pueden ver un poquito más, algo más íntimo, mi vida sin filtro. Sin intermediarios, hablar con la gente. Después de tantos años, ¿cómo ves el cambio de paradigma que permite a las mujeres posicionarse en el lugar por el cual tanto lucharon y continúan luchando? - El hecho es que por mucho tiempo la mujer

cantaba letras que le escribía un hombre. Entonces veo un logro de que hoy hay muchas mujeres contando su experiencia; ahí es donde está la verdadera revolución. Estamos comunicando, contando nuestras historias, experiencia y vivencias. Si miras para atrás hay pocas letras de mujeres, pocas compositoras. Hoy hay un contexto que favorece para que la mujer alce su voz. Veo que hay mucha riqueza de todo tipo de estilos, en cada uno de ellos ahora hay mujeres haciendo cosas. ¿Que se viene de La Mala en el futuro? - Comencé a lanzar sencillos y ese era el plan al principio, pero luego fue más encaminado hacia un nuevo álbum, así que seguramente antes de que termine el año el disco estará en las calles También un nuevo disco es una buena oportunidad para que nos vuelvas a visitar. - Claro, siempre es un buen motivo para volver.

SHARON LOPEZ

¿Cuál es la génesis de “Aguante”? - Comenzó en el estudio improvisando un poco. A veces me pasa que escribo sin parar y luego cuando freno y leo me doy cuenta de lo que escribí. La verdad es que me gustó mucho la letra, sobretodo como me hacía sentir. Tiene mucho encerrado; para mí hablar de alguien que tiene aguante es algo positivo, pero entiendo que encierra algo tóxico a la vez. Decir que tenés aguante es poderoso, porque tenés fortaleza, pero hay ciertas cosas que no se deben aguantar, y de eso es de lo que habla la canción. Ok, está todo bien pero esto no lo aguanto. La mujer debe permitirse el placer, porque no tiene que ser todo dolor y dolor. Está bien soportar, pero también decir hasta aquí llegamos. Y eso va para mujeres, hombres, ranas y perros, es para todos.

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Austin Mahone

El desafío de adaptarse El cantante visitó la Argentina y habló sobre el cariño de sus fanáticos, su nuevo single “Dance with Nobody” y el próximo álbum que abarcará diversos ritmos.

“estoy tratando de encontrar el balance entre seguir siendo un buen modelo a seguir para los chicos, y también llegar a la gente de mi edad”, reflexiona Austin Mahone, el cantante nacido en San Antonio, Texas (Estados Unidos), que saltó a la fama gracias a sus covers de Justin Bieber y Jason Mraz en Youtube. Hoy ya cuenta con repertorio propio y una fiel base de seguidores en todo el mundo que lo siguen desde 2010, aunque se está adaptando a los nuevos ritmos y demandas musicales. El desafío está en no sonar tan joven, pero tampoco crecer tan rápido. Su single más reciente “Dancing with Nobody”, es uno de los tantos que fue lanzando en los últimos tiempos. “Es sobre encontrar a esa persona con la que estás cómodo y podés ser 100% vos”, se sincera. Su último álbum data de 2016 y ya lleva aproximadamente tres años componiendo temas que recopilará en el próximo. A la espera de su nuevo material discográfico, Mahone admite que está seleccionando las canciones cuidadosamente, ya que en los últimos 3 años grabó aproximadamente 200 canciones. Ahora resta la parte de elegir cuáles se adaptarán 66 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

mejor a las demandas tanto internas como las del público. Pero las canciones están, y pronto lo escucharemos. “Hay muchas que tienen un estilo latino”, adelanta. E inevitablemente confirma la ola de música latina que cada día se afianza más a nivel global. “Quiero que todas las canciones en mi proyecto pertenezcan a diferentes lugares del mundo”, dice. Lo latino, urbano, R&B y country convivirán en el nuevo álbum de Mahone, bajo un mismo concepto: “Todas las canciones van a ser diferentes, pero van a tener la misma energía y ritmo acelerado”. A la hora de trabajar en un tema, cada proceso de composición es diferente, dependiendo del día. El artista asegura que estudia lo que la gente va escuchando a través de los años y está sumamente atento a las opiniones. A partir de esto, decide qué tema entra en su proyecto y cuál queda afuera, quizás, para lanzar como single. “Tienes que tomar nota”. Conocer del medio, ya que comenzó su camino artístico en 2010 en Youtube, le aconseja a los que recién empiezan: “Sigan creyendo en

ustedes, porque nadie más lo va a hacer como lo hacen ustedes mismos”. Para eso, señala, que es importante seguir trabajando día a día en mejorarse. Austin Mahone no le tiene miedo al qué dirán porque es muy difícil complacer a todo el mundo, habiendo tantas opiniones diversificadas. “Siempre habrá gente a la que no le gustará”. Mientras él y su equipo estén conformes, el trabajo será bueno. “En realidad, me importa mi opinión y el cómo yo siento la canción, porque al final del día yo tengo que cantarla en vivo”. Es por esto que, si bien su próximo álbum tiene canciones lentas y acústicas, Mahone apuesta al tempo arriba, energético y divertido para la puesta en escena, “así puedo estar siempre de fiesta con mis fans”. En su visita a la Argentina, Austin elogió a los fanáticos locales y les agradeció porque si no fuera por ellos, él no estaría pisando suelo argentino. También admite que sintió aquel cariño apenas aterrizó en el país. “Definitivamente amo a mis fans de Argentina, y no he sentido este tipo de afecto en mucho tiempo”.

GENTILEZA PRENSA MAHONE

POR SANTIAGO TORRES Y MARÍA VILLOLA

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Vivo

Glastonbury, la madre de los festivales glastonbury es el festival. el brillo en los ojos de Robert Smith lo demuestra. Su banda The Cure acaba de dar un espectacular show de dos horas en The Pyramid Stage y Smith sonríe agradecido frente a 50.000 personas que lo despiden con una ovación. Para Smith, como para todos los participantes de este festival, Glastonbury no es un recital más. Además del prestigio que da el mero hecho de tocar aquí, está la peculiar química que se produce con la audiencia. The Cure fue la síntesis perfecta de clase, aplomo y un set armado con esmero: una primera hora con algunos temas clásicos junto a canciones de culto que aman los fans más estoicos, y sesenta minutos finales donde dispararon hit tras hit, como cuadra a un grupo orgulloso de su historia, con el inevitable gran final de “Boys don’t cry”. Glastonbury es diferente. A hora y media de Londres, rumbo oeste, el cemento urbano cede, la autopista queda atrás y comienza un camino serpenteante, entre suaves colinas, campos en varios tonos de verde y pueblos con nombres de leyenda medieval: Yeovil, Shepton Mallet, Cannard’s Grave, Pilton. De repente aparece el 68 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

tejido multicolor de miles de carpas de asistentes tempraneros y se revela la inmensidad de la Worthy Farm. Es la granja de Michael Eavis, el visionario que concibió el festival que en 2020 celebrará su primer medio siglo de vida. Año tras año, por sus diez escenarios principales y una innumerable cantidad de tablados en los bares y cafés esparcidos por todo el predio, artistas de rock, folk, reggae, blues, jazz, electrónica, hip-hop y World Music desfilan ante un público de 140.000 personas que agota las entradas el día que se ponen a la venta, nueve meses antes, sin saber el nombre de un solo artista. Glastonbury no defrauda. La Pyramid Stage es el escenario de los consagrados: tuvo al rock elegante de The Killers y a Stormzy, revelación inglesa del hip-hop, y fue testigo de la inmensa popularidad de Kylie Minogue. También guardó un espacio para Liam Gallagher –acompañado por un coro multitudinario en clásicos de Oasis como “Wonderwall” y “Champagne Supernova”- y ratificó la estrella ascendiente de Tom Odell, cuya voz, piano y gen baladístico recuerdan al temprano Elton John. A espaldas de la Gran Pirámide está la Other Stage, bastión de músicos de larga

trayectoria, por caso The Chemical Brothers y el ex Smiths, Johnny Marr, y también de artistas que están “a punto de” como Fantastic Negrito y su rhythm and blues californiano. The Other Stage también se atiborró con el fenómeno popular de Billie Eilish, quien con apenas 17 años, embelesó a miles de coetaños con su pop confesional. Glastonbury es exploración. Los espíritus curiosos van a las carpas del John Peel Stage y de William Green’s buscando el empuje de las nuevas generaciones. Las chicas de Goat Girl con su rock filoso y letras ácidas sobre la sociedad que discrimina y aísla; los irlandeses Fontaines DC, un cruce de neo-punk con un oscuro guiño a Joy Division; y Let’s Eat Grandma, pop misterioso con un toque gótico; tres momentos salientes en una programación que incluyó a Amyl & the Sniffers, nueva revelación de Melbourne, Australia; la austera trovadora Sharon Van Etten y el rock desbordante de Idles. Caminar cuesta arriba cansa, pero el esfuerzo tiene recompensa: enclavado en una colina panorámica, al escenario The Park le cabe tanto el rock guitarrero de Lukas Nelson & Promise of the Real como la usina sonora de Fat White Family: Dos guitarras, dos teclados,

ANDREW ALLCOCK

Tres días de música y estímulos infinitos, en medio de una enorme granja verde. Suena demasiado bello para ser verdad. Pero el lugar existe y todos los años, a fines de junio se enciende de magia. Es un festival de rock, pero es mucho más. Se llama Glastonbury. P O R A L F R E D O R O S S S O

Vivo

Stormzy.

ARRIBA: IWONA PINKOWICZ. CENTRO: SAT CAPALDI. ABAJO: JASOM BRYAN.

Liam Gallagher.

Billie Eilish.

saxo, bajo, batería y la figura magnética de Lias Kaci Soudi surfeando sobre el público mientras desgrana canciones del álbum “Serf ’s Up”; temas intrincados pero curiosamente accesibles. Glastonbury es variedad: el West Holts Stage abarca el jazz experimental de Kamasi Washington y también la fusión de música occidental y sonidos tradicionales de Mali de Fatoumata Diawara. Cerca, en el Acoustic Stage, Nick Lowe seduce con sus canciones de corazones rotos y otras zancadillas de la vida. Brújula al sudeste y llegamos al Avalon Stage, donde brilló el folk rock de Steeleye Span –celebraron 50 años de carrera- y el retorno de The Blue Aeroplanes, distinguida banda de culto de los ’80. Glastonbury es estímulo constante. Hay cine, teatro, circo, comedia y poesía. Y hacia el sureste, los campos temáticos: Shangri-la, Bloque 9, The Common y The Unfairground; visiones extremas de nuestra sociedad, encapsuladas en ciudades en miniatura con slogans provocadores, edificios que arden y enormes bebés pesadillezcos. Cada área distópica tiene su pista de dance para bailar sin culpa. Cuando el vendaval de los sentidos resulta demasiado están los Green Fields para descansar la vista y el espíritu. Jardines con símbolos de los elementos invitan a relajarse con un té de hierbas; en un bar alimentado con energía solar suena un ignoto grupo folk, y a pocos pasos de allí los puestos de Greenpeace, WaterAid y Extinction Rebellion postulan cómo hacer del planeta un lugar sustentable mientras queda tiempo. Algunos suben hasta el Círculo de Piedras, mojón arcaico de origen misterioso, para ver todo el valle Glastonburiano en su gallarda majestad. Claro, siempre se vuelve a la música. Pero no conviene forzar la marcha con el estómago vacío y Glastonbury también es generoso en este sentido, porque los miles de puestos diseminados por la granja de Eavis ofrecen platos variopintos: currys de todo tipo, un manjar Thai o una paella española. Y, claro, la infaltable oferta de comida chatarra. Cae la noche del domingo y The Cure toma posesión del escenario. En un par de horas todo habrá concluido, excepto para los devotos que exprimen hasta la última gota de sensación del festival, bailando en las discos de trasnoche hasta que asome el sol. Es conmovedor contemplar las caras de quienes marchan hacia las salidas, con las carpas desarmadas al hombro, cumpliendo con el lema de “no dejar rastros” del festival. Es obvio que algo les pasó. Sería pomposo hablar de recuperar memorias ancestrales de ritos tribales y esas cosas. Pero fueron tres días de vibraciones positivas, con la música como atractivo principal, y mucho más alrededor. Es cierto: hay un antes y un después de Glastonbury, la fiesta inolvidable. B I L L B OA R D.CO M . A R

Shows internacionales

El Aniversario número 25 del Vans Warped Tour 6

La Primera Semana de Tomorrowland

1. Drew Taggart, de The Chainsmokers, escribió en Instagram luego de cerrar el set el 19 de julio: “Recuerdo mirar el stream en vivo diez años atrás rezando por algún día estar tocando en este espacio”. 2. La presentación de Bebe Rexha el día 2 culminó con fuegos artificiales. Luego, se le unió a The Chainsmokers sobre el escenario. 3. Shaq se presentó como DJ Diesel el 19 de julio y fue visto en un pogo. “Antes de ser DJ, fui un fanático”, escribió acompañando el video que subió en Instagram.

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RECORTADAS: 1, 3, 8: IMAGESPACE/SHUTTERSTOCK. 2, 4, 6: TIM MOSENFELDER/GETTY IMAGES. 5, 7: CHRISTOPHER VICTORIO/IMAGESPACE/SHUTTERSTOCK. TOMORROWLAND: 1-3: CORTESÍA DE TOMORROWLAND. PREMIOS: 1, 2, 4, 5: JASON KOERNER/GETTY IMAGES. 3, 6: CORTESÍA DE UNIVISION. MISC: 1: JERRITT CLARK/ GETTY IMAGES. 2: MICHAEL BUCKNER/VARIETY/SHUTTERSTOCK. 3: GONZALO MARROQUIN/GETTY IMAGES. 4: CHRIS HOLLO/GRAND OLE OPRY.

1.Machine Gun Kelly (izquierda) se sumó a Yungblud para una interpretación sorpresa de su colaboración “I Think I’m Okay”. 2. Sydney Dolezal de la banda Doll Skin de Arizona. 3. Jason McCaslin (izquierda) y Deryck Whibley de Sum 41. 4. Travie McCoy. 5. Monique Powell, la frontwoman de Save Ferris. 6. The Aquabats. 7. El fundador del Warped Tour, Kevin Lyman, quien se tomó el tiempo de agradecer a los fans por asistir al final del festival. 8. Tyson Ritter de The All-American Rejects, que lanzó sorpresivamente su nuevo EP, ‘Send Her to Heaven’, el 16 de julio.

Premios Juventud 2019 2

Maluma (segundo desde la derecha), el artista más nominado de la noche, trajo a sus padres (izquierda) y a su hermana al escenario mientras aceptaba el premio al Agente de Cambio por su trabajo humanitario. “Fui capaz de llegar a este punto por los valores inculcados por mi familia”, dijo. 2. Natti Natasha interpretó su canción “Oh Daddy” con un setup ambientado en un colegio. 3. Amor y Hip Hop: La estrella de Miami Amara La Negra. 4. Anuel AA y Karol G aceptaron el premio a Parejas que Encienden las Redes, con la confesión de Anuel en un discurso lleno de afecto: “Es el amor de mi vida”. 5. Los CNCO, que fueron co-anfitriones del evento, fueron nominados para el premio Del Reality al Stage. 6. Frank Reyes (izquierda) y Romeo Santos interpretaron un medley de canciones del álbum más reciente de Santos, Utopía.

Iggy Azalea celebró su álbum In My Defense en el Teatro Fonda de Los Ángeles el 19 de julio. 2. Los fundadores de Quality Control, Coach K (izquierda) y pee en el Legends Celebrity Basketball Game en Los Ángeles el 16 de julio. 3. Lil Wayne debutó en su colaboración con American Eagle en Nueva York el 15 de julio. 4. Desde la izquierda: El CEO de Sony Music Nashville, Randy 3 Goodman, Sophia Sansone, manager de Luke Combs; el fundador de River House Artists Lynn Oliver-Cline, Combs y la General Manager de Grand Ole Opry, Sally Williams, el director de operaciones de Sony Music Nashville/ vicepresidente ejecutivo Ken Robold y el fundador de Make Wake Artists Chris Kappy en la inducción de Combs en el Opry el 16 de julio. 4

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Vivo E L Z A R Y A I N DA DUO Niceto Club 19 de julio

el zar y ainda dúo se unieron para un show único en Niceto. Dos bandas que comparten situaciones de crecimiento y consolidación de un público luego de varios años de trabajo. Esmeralda Escalante y Yago Escrivá presentaron un repertorio conformado en gran parte por canciones de Animal, disco que editaron el año pasado. Además, contaron Cande Zamar como invitada. Más tarde, llegó el turno de El Zar, que abrió su set con “La inmensidad”, canción de su último álbum A los amigos. Facundo Castaño Montoya y Pablo Giménez completaron la formación con Bruno Dante en batería, Fran Nicholson en bajo, Mateo Dufour en teclados y Maxi Sayes en percusión. Tras repasar todo su discografía y presentar su último single “Año nuevo”, el cierre llegó con “Pensarlo de nuevo”. GENTILEZA

Arte en colaboración

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Vivo SA LVA PA N TA LL AS Niceto Club 27 y 28 de julio

MATÍAS TUTE DELACROIX CASAL

Mensajes el dúo que forman zoé gotusso y Santiago Celli presentó su álbum SMS en recinto palermitano con dos shows totalmente agotados. Tras ser parte del Lollapalooza Argentina 2019 y girar por diferentes puntos del país, Salvapantallas desembarcó en Capital Federal y la respuesta del público fue inmediata. El show logró el balance entre un recital pop y festivo, con una presentación íntima y acústica. De a ratos se bailó con la impronta de sus canciones en formato banda completa pero también hubo lugar para Zoé y Santiago cantarán entre el público con dos guitarras acústicas sus canciones más tranquilas.

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Vivo I N D I OS Teatro Vorterix 5 de julio

Íntima sensualidad

TUTE DELACROIX

frente a un teatro vorterix colmado de gente, Indios presentó oficialmente Besos en la espalda, su material discográfico más reciente. El grupo logró una gran conexión con su público a través de un show cargado de sensualidad. Pasadas las 21 horas, la noche comenzó al igual que el álbum, con “Ritmo y percepción” seguida por “Perdiendo la cabeza”, y así se fueron sucediendo e intercalando las nuevas canciones con los clásicos de siempre como “Ya pasó”, “Geografía” y “Jullie”. Uno de los momentos más emotivos del show fue cuando Joaquín Vitola cantó solo con su guitarra el tema “Dos galaxias”, sin micrófono y con el acompañamiento de las voces del público. Otro highlight de la noche fue cuando subió al escenario Goyo Degano de Bandalos Chinos, para interpretar junto a Indios el tema “Tardes de melancolía”. Otra invitada de lujo fue Esmeralda de Ainda Dúo para cantar “Quiero verte”.

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Reviews

“Nothing On You”: Paulo Londra junto a Ed Sheeran

La colaboración anglo-latina más importante del año Con colaboraciones en español, Ed Sheeran se suma a la camada de artistas que con canciones anglo-latinas están marcando la historia. La afirmación es categórica y puede interpelar a más de un melómano. Pero cuando se toman en cuenta todos los condimentos de “Nothing On You” las dudas comienzan a disiparse. P O R J O TA AY E R Z A

“despacito” con justin bieber, Luis Fonsi y Daddy Yankee; “Taki Taki” con Ozuna, Dj Snake, Cardi B y Selena Gómez; las recientes “Con Calma” nuevamente con Daddy Yankee, Snow y Katy Perry; “Medellín” de Madonna & Maluma; “Calma” de Pedro Capó en el remix del remix sumando a Alicia Keys y Farruko o los tracks de J. Balvin “Safari” & “Mi Gente” con Pharrel primero y Beyoncé después marcaron previamente esta era. Con respecto a Sheeran, el británico convocó al artista latinoamericano de mayor crecimiento en los últimos años: Paulo Londra. No es un dato menor comprender que hace tres años el cordobés todavía seguía rapeando en plazas

y lanzaba en YouTube su primer single “Relax”. Con su participación en “Nothing On You” Londra se consagra definitivamente como un artista pop mundial, y se perfila como un artista de estadios. Hace falta tan solo ver el resto de nombres que Sheeran convocó en No. 6 Collaborations Project para entender cuál será el destino del cordobés. Van de Justin Bieber a Eminem, pasando por Travis Scott y Cardi B, hasta nuevos talentos del pop mundial como H.E.R. o Camila Cabello. Ahora, ¿será un hit “Nothing On You”? Bueno, eso lo determinarán los fans, pero en cierto punto, ya se decidió. El track superó el millón de reproducciones a las seis horas de ser publicado y con tan solo una escuchada se puede especular que cualquier programador de radio incluirá el track en su rotación, más allá de la curiosidad noticiosa del featuring. Es decir, musicalmente el “Nothing On You” cumple con las expectativas. El track comienza con una una línea melódica de un sintetizador que se repite durante los 3 minutos y 20 segundos, y se convierte en el leitmotiv de la canción. Tras las primeras estrofas con Sheeran al mando y el primer estribillo, Londra ataca el beat. Su entrada a la base melódica denota el oficio de un rapero ya profesionalizado en el estudio. Pareciera que el cordobés se hubiese prepara para este momento desde sus días de freestyler, sin siquiera saberlo. El rapero inglés Dave le da el cierre al flow que abre Londra, intercalado por el estribillo. Para que luego Sheeran, con su cadencia melódica responsable de los hits más grandes de los últimos años, lleve la canción a su culminación. Todavía es temprano para saber que generará “Nothing On You” en el puente de colaboraciones anglo-latinas (cada vez más transitado) pero la unión del artista pop por excelencia con el artista latino de mayor crecimiento ya dejó su huella en la historia de la industria musical. B I L L B OA R D.CO M . A R

Reviews

THOM YORKE Anima

yorke llevaba un año presentando las canciones de este disco, al que anuncio como basado en una teoría de Carl Jung sobre “imágenes arquetípicas de lo eterno femenino en el inconsciente de un hombre”. El líder de Radiohead narra en las letras de este disco episodio de psicosis urbana, odio contra las máquinas, la alienación de la posmodernidad y todo ese tipo de “white people problems”. El disco está hecho en colaboración con el afamado productor Nigel Godrich. “Twist” y “Dawn Chorus” se destacan por sobre el resto que navega una medianía taciturna, ya que Yorke elude el groove y el disco se acerca más a una electrónica ambient, eso sí cargada de angustia existencial. El disco abrirá polémicas ya que los fans de Radiohead lo amaran y sus detractores dirán que es otra demostración del tedio y el aburrimiento en el que ha caído la banda de Abingdon-on-Thames.

ED SHEERAN N° 6 Collaborations Project

EN PROCESO 76

Tras lanzar el single “Suéltate el pelo”, que ingresó en el Billboard Argentina Hot 100, TINI adelanta lo que será su tercera placa discográfica. “Lo escribí en un año en el que me separé, hice el duelo y me volví a enamorar: pero estar sola también es increíble”, dijo sobre el sucesor de Quiero volver. B I L L B OA R D A R | AG O STO, 2 0 1 9

El cantautor británico decidió esta vez encarar duetos y featurings con artistas de todo el globo que incluyen al cordobés Paulo Londra en “Nothing On You” -donde también participa Dave-. El álbum comienza con “Beautiful People” junto a Khalid en un ritmo R&B romántico que va envolviendo y que seguramente sonará mucho por la noche en las casas. Los ritmos latinos se apoderaron de Sheeran y así convocó a Camila Cabello y a Cardi B, hija de colombianos, para que lo rodeen en “South of border”, donde ambas le explican al británico que al sur del Río Grande, no hay

salvajes, sino toda una cultura rica y compleja. “Cross Me” es un R&B donde el pelirrojo canta de manera dulce y suave, mientras que Chance The Rapper y PnB Rock rapean y le colocan la cuota de hip hop necesaria, que seguramente con el correr de los días sumará millones de reproducciones en las tiendas digitales. La timidez del autor de “Perfect” es puesta en evidencia en “Antisocial” donde Travis Scott aporta funk negro y hip hop para que ambos describan las fobias de los famosos. “Remember the name” los incluye a Eminem y 50 Cent en un rap puro y crudo, donde Sheeran también se anima a rapear en una letra con contenido explícito. En “Put it all on Me” colabora la cantante compositora inglesa Ella Mai y entre ambos conjugan otro medio tempo romántico y seductor.

JADEN Erys

nuevo disco del hijo de will Smith, que lleva tiempo incursionando en la música y lo hace de una manera arriesgada. El disco es no solo en su título un anagrama de su anterior trabajo “Syre”, sino un anticipo de la sorna en la que Smith se toma la vida, ya que Jaden parece burlarse de muchas cosas. El disco arranca con cuatro canciones que llevan por título una letra que luego juntas forman la palabra “Pink”. El primer tema es un himno electro religioso, casi sacro donde se lucen varias voces y una guitarra. En la canción “I” Jaden canta bien en el estilo hip hop, pero la música va cambiando de manera muy climática. En “N” esa línea se va profundizando, mientras que en “K” aparece el productor y rapero Lido para una balada con cierta melancolía con un buen trabajo instrumental y el aporte de coros femeninos y con un intermezzo a puro ruidos urbanos que le da paso a Jaden rimando y

dándole rienda suelta a la ironía con la que se burla de quienes lo atacan en las redes por sus labores ecológicas y su veganismo. Ese espíritu burlón sigue en pie en “Noize” muy distorsionado donde, junto a Tyler The Creator, se toma a sorna los comentarios que hablan de un romance entre ambos. El disco incluye una colaboración del rapero Trinidad James en “Mission” para un hip hop muy bien vestido por arreglos electrónicos.

HOMER EL MERO MERO En Punga

nuevo trabajo del rapero neuquino integrante de Barderos junto a CRO, Chulu y Lil Troca. El disco abre con la “Intro” que es casi una presentación de Lucas Giménez, que se diferencia de los traperos por darle aires de hip hop a la canción, con una batería, un bajo y una trompeta sonando de fondo. El estilo es un gangsta puro como se manifiesta en “Original Gangsters” donde se permite criticar a los que perdieron la esencia por dinero. Las bases son puro G Funk, aquel movimiento que iniciaron Dr Dre, Warren G, DJ Quick, Daz Dillinger y que tuvo como voces destacadas a Tupac, Snoop Dogg, Easy E, Ice Cube y Notorious Big, pero Homer lo traslada a la realidad argentina con una lengua rápida y rimas bravas. Además sitúa sus historias en los barrios obreros más duros de la petrolera Neuquén, que tiene alto nivel de desocupación, y eso le da mucha autenticidad. En “Corazones rotos” cuenta como fue abandonar Neuquén y venir a la metrópoli monstruosa que es Buenos Aires. Con un gran trabajo de los samples por parte de su DJ, Homer se mete de nariz en “Basado en hechos reales” junto a Duki, donde los dos cuentan sus noches de rap, cocaína, alcohol y shows en discotecas y tugurios raperos.

POR ADRIÁN MOUJÁN

J BALVIN Y BAD BUNNY Oasis

trabajo conjunto de dos de las figuras más ascendentes de la música urbana latina. Juntos decidieron expandir sus límites con pizcas de folclore caribeño, jazz y otros estilos, al mezclar bases electrónicas con instrumentos orgánicos. Así en “Mojaita” mezclan reggaetón con dustep de forma veraniega y sexy. El álbum llegó a número 1 en los charts latinos sin que mediara publicidad. “Yo le llego” la inicia Bunny para mezclar lo urbano con una cumbia bien cadenciosa. El material es rupturista, ya que ambos se cargan a la ortodoxia del género y van mucho más allá en su búsqueda. “Cuidao por ahí” es picaresco y juguetón y bien clásico, donde invitan a bailar y que le den duro al twerk. En “Que pretendes”, queda en evidencia, a la decisión de ambos de dejar atrás las bases del género y estirar los límites y tirarse a la pileta con propuestas nuevas. En “La canción” muestran un trap romántico, cargado de arreglos. El rasgueo de un ukulele abre “Un peso” una canción sobre una ruptura que incluye la par- ticipación de un argentino: Marciano Cantero, el líder y vocalista de los Enanitos Verdes.

MS NINA Perreando por fuera, llorando por dentro”

la cordobesa jorgelina torres propone baile, guarradas y mucho erotismo y así arranca con la “Intro” que invita a bailar de entrada y propone puro twerk. La línea sigue con “Coqueta” junto a Kabakasi donde habla de perrear toda la noche en donde tempos, uno más lento y más cachondo y otro más ve-

loz, ideal para el twerk. “Resaca” es el leit motiv del disco, ya que la cordobesa pasó un tiempo harta de las fiestas y las trasnochadas totalmente alcoholizada como ella misma explicó a varios medios. En su letra, la cordobesa toma la posta, va al frente y provoca con un erotismo muy pícaro, casi porno en linea dura, una característica del colectivo Neoperreo al que pertenece. “En “Te doy” con un ritmo demoledor que hace bailar a full, Ms Nina habla de que “su culo es admirable”, no lo tiene nadie” y así dan vuelta la moneda y son las mujeres las que se ponen cachondas y dan vuelta el discurso sobre la cosificación. A esta altura de la escucha, podemos decir que el álbum no solo es para bailar sino para hacer el amor salvajemente. En “La Diabla”, decide no llorar por nadie más, mientras la base coquetea con la cumbia caribeña. La línea cuasi porno regresa en “Gata Fina” donde cita a Daddy Yankee y su “Gasolina” y le pide a su novio que vuelva a su casa luego de acabar.

TOMASA DEL REAL TDR

reggaetón, trap y ritmos urbanos para bailar twerk. Ese parece ser el leit motiv de la escudería Neoperreo que tiene a la argentina Galanjah y a la chilena Tomasa del Real como máximas figuras. En “TDR”, la chilena Valeria Cisternas arrasa con todo, hace del baile y el cachondeo su fuente de inspiración. El disco arranca dispuesto a romper pistas con “Neoperreo bailoteo” y sigue con “Ella quiere culiar” que es puro porno urbano y bailable con Tech Girl y DJ Sustancia, la argentina que acompaña en escena a TDR. Con una base bien de reggaetón pero con arreglos de sintetizadores y teclados que recuerdan a los toques característicos de Pablo Lescano. Y al escuchar las canciones de Tomasa, Ms Nina y de Galanjah, queda claro que el Neope-

rreo es el lado Triple X de la música urbana. Con la leyenda de “Explicit lyrics”, “Perrea conmigo” la muestra a Tomasa con DJ Blass y Maicol Superstar cantándole a la noche urbana, bien acompañada de marihuana, alcohol y mucho sexo. La argentina Galanjah, el chileno Ceaese y Fabien aportan para “Los Dueños del Perreo”, un trap con arreglos de bronces más cumbieros que convierten a esta canción en la versión under de “Tumbando el club” por lo que significa para esta camada de artistas urbanos. En “Braty Puti” Tomasa suma la portorriqueña Eli Fantasy para un ritmo arrasador, bien cachondo y provocativo.

RUDY Corredora del desierto

Segundo disco de la interesante cantautora cordobesa Pamela Rudy, que gusta del blues, el country y el folk con una impronta eléctrica densa y con un gran trabajo de su voz para darle brillo a las historias que gusta contar en cada melodía. Rudy trabajó como backing band con los Nautilus, cordobeses amantes del stoner instrumental, que le dieron una impronta guitarrera, eléctrica, densa y desértica la disco, que además contó con la producción de Tomás Ferrero, de los pop Rayos Láser. Este disco comienza con la rockera “Lejos”, donde la voz de la cordobesa se apodera del centro de la escena con mucha fuerza y colores, al igual que la guitarra de Nacho Sánchez que le otorga un tono de blues deforme cruzado por los climas western, caminando por sobre el noble trabajo del bajo de Juan Ludueña y la batería de Santiago Ludueña. Sobre el final Sánchez encara un duelo con la guitarra de Tomás Ferrero. “Dinamita” trae acordes rockabilly y una base ligera, rápida, que invita al baile y a correr junto al tren, mientras que Rudy habla de una chica explosiva y trae muchos problemas, recordando el paso de Imelda May por el rockabilly.

LA CHARO Legado

la folclorista argentina charo Bogarin decidió homenajear a Mercedes Sosa pero lo hace desde la modernidad y desde una mirada inteligentemente for export, porque justamente la Negra fue durante muchas décadas la artista argentina que más tickets vendía en el Resto del Mundo. Y hoy el folklore argentina que más curiosidad despierta en Europa y en Asia, es el que se cruza con la electrónica como lo hacen Chancha Vía Circuito, Tremor, Tonolec, King Coya y otros combos. Por eso, la Charo toma la versión que la Negra hacía de “La Colina de la Vida”, el hit de León Gieco para dárselo a Chancha Vía Circuito para que lo vista con ropajes de World Music que le permitan agitar festivales como el Womad, Roskilde y Glastonbury y lo logra de gran forma. La vara se mantiene alta con “La maza” escrita por Silvio Rodríguez, donde los charangos y los bombos se cruzan con voces procesadas y samples muy bien logrados. “Cantora” la escribió Víctor Heredia para Mercedes Sosa y la tucumana nunca llegó a grabarla, por lo que la Charo recibió el presente y lo hizo de la forma más orgánica y posible, jugándose la voz con grandes resultados. “Soy paz, soy pan, soy más” la escribió Piero para el regreso del exilio de Mercedes Sosa en los tiempos de la efervescencia del regreso de la democracia y la Charo lo procesó junto a los Tremor y logró una gran versión. “Celador de Sueños” lo escribieron los mendocinos Orozco y Barrientos, y la Charo cruza su voz con cintas de Mercedes Sosa, mientras que con buen gusto se mezclan sonidos orgánicos bien criollos con electrónicos de la mano de King Coya. “Volver a los 17” es una joya de la música latinoamericana escrita por la chilena Violeta Parra que Mercedes Sosa transformó en un himno y lo grabó en mármol para el cancionero latino. B I L L B OA R D.CO M . A R

Gracias x venir 1

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F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

1 Jimena Barón (+ fans) La intérprete de “La cobra” visitó nuestra casa para una preescucha exclusiva de su nuevo álbum con fans. 2 Malena Nayar La actriz y cantante acaba de estrenar el single “Dos copas”. 3 Nanni Viene de estrenar el single y videoclip de “Abrázame”, ya disponible en todas las plataformas digitales. 4 Terapia “Drag Queen” es la nueva propuesta audiovisual del grupo, mostrando nuevos sonidos que representan la transición entre ‘Miel’ y el próximo disco que está en camino 5 Frijo Frijoyw acaba de lanzar “420” junto a Zanto. 6 Adso El rapero venezolano visitó el país para abrir el show de Lucho SSJ y pasó por nuestra casa para hablar de la escena trap argentina. 7 Felipe Peláez Visitó el país para presentarse en La Trastienda. 8 Lucas & The Woods El cuarteto se presentará en Niceto Club el jueves 22 de agosto y viene de estrenar el single “Friendzone”. 9 Olivia La cantante acaba de editar su single “Se nos hizo tarde” y pasó por nuestra casa para hablar de la canción y todo lo que se viene con su carrera. 10 Horacio Lavandera El consagrado pianista se presentará en el Teatro Coliseo como director y solista en un evento único junto a la Orquesta Clásica Argentina, será el 23 y 24 de agosto. 11 El Club del Rifle Hizo un balance sobre su álbum debut Escenas del capítulo anterior. B I L L B OA R D.CO M . A R

FRANK MICELOTTA/PICTUREGROUP/SHUTTERSTOCK

il nas x con “old town Road” (featuring billy ray cyrus) cabalga hacia la historia de la música mundial con sus más de 16 semanas en el cima del Billboard Hot 100. Solo dos canciones habían alcanzado esa marca: “Despacito” de Luis Fonsi y Daddy Yankee feat. Justin Bieber en 2017, y “One Sweet Day” de Mariah Carey feat. Boyz II Men’s en 1996. “Road” también gobiernó en el Streaming Songs Chart por más de 16 semanas, igualando a “Despacito”. Además, el remix de Young Thug y Mason Ramsey del track lo ayudará a permanecer en lo más alto. La última vez que alguien además de Lil Nas X fue N°1, Avengers: Endgame todavía no se había estrenado en cines y la última temporada de Game of Thrones aún no había comenzado. Es mucho tiempo para un N°1, y la permanencia de Lil Nas X en la cima ha estado lejos de ser amenazada. Desde que llegó a la cima, siete canciones separadas han alcanzado su punto máximo en el N°2, un lugar debajo de él, y muchos otros grandes éxitos y lanzamientos de eventos han subida y bajado en la lista sin siquiera poner en duda su permanencia. Mientras tanto, aunque su ubicación en las listas se ha mantenido estable, Lil Nas X apenas ha descansado en sus laureles con “Old Town Road”, lanzó nuevos remixes y videos de la canción, así como un EP. 80 B I L L B O A R D A R | A G O S T O , 2 0 1 9

Caballos de fuerza: “Old Town Road” logra récord en el N°1

TECCA: ORLANDO IV. SHEERAN: CORTESÍA DE ATLANTIC RECORDS. CHESNEY: RICK SCUTERI/ INVISION/AP IMAGES. BEYONCÉ: ROBYN BECK/GETTY IMAGES. SWIFT: KEVIN MAZUR/GETTY IMAGES.

¿Qué te inspiró a publicar tu música en SoundCloud en 2017? El rapero Knockerz comenzó esta ola melódica. Me inspiró para hacer música melódica y hacer mis propios ritmos. Cuando comencé a rapear, estaba haciendo música que me gustaba escuchar. Muchas veces, cuando las personas están en el estudio, se sienten inseguras sobre lo que están haciendo. Solo estoy siendo libre con esto.

¿Cómo sabías que “Ran $ om” sería un éxito? Noté una diferencia en el ritmo: [los productores de Internet Money] lo hicieron pegadizo. Sabía que había algo allí. Mi

madre me despertó con una captura de pantalla que hizo [el Hot 100] temprano en la mañana, por lo que no pude procesar ese momento. Estaba realmente orgulloso de mí mismo. Estoy en los charts Billboard. Firmaste con Republic Records en mayo. ¿Cómo has navegado toda esta atención a tan temprana edad? Es algo a lo que me tengo que acostumbrar. Internet es un lugar donde es muy fácil llamar la atención. Es algo bueno, pero puede ser malo. Por eso no hablo de cosas tontas en Instagram. Hay tanta gente mirando. —MICHAEL SAPONARA

Es el track N°18 de Swift en llegar al Mainstream Top 40 airplay chart. De esta manera empata a Justin Timberlake.

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Con su nuevo sencillo, que es el número 16 en la lista Hot Country Songs, Chesney extiende su racha de lograr al menos una entrada en el Hot 100 cada año desde 1998.

A medida que la banda sonora de la nueva versión de Disney de The Lion King ruge en el Billboard 200 en el número 31, la balada de Beyoncé del set aumenta en un 352% a 7,8 millones de streamings en los Estados Unidos.

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El nuevo álbum de Ed Sheeran, No. 6 Collaborations Project, se lanza como su tercer número 1 en el Billboard 200. Además, el sencillo principal del LP, “I Don’t Care” (con Justin Bieber), ahora gobierna la lista Airstream Top 40. Sheeran anota su cuarto N°1 en la lista y Bieber su sexto. En el Hot 100, Sheeran ingresó ocho canciones del nuevo álbum.

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