Billboard AR N°71 Junio 2019 by Billboard AR

TINI BILLIE EILISH PAULO LONDRA

ISSN 2344-9276 · Año 6 · Nº 71 Junio 2019 Argentina: $200 · Recargo interior: $5

espués de 10 semanas en la cima del Billboard Argentina Hot 100, “Con calma (remix)” de Daddy Yankee feat. Snow & Katy Perry desciende al N°2 del chart. En su lugar, Sech y Darrel se coronan como los nuevos reyes del chart con su featuring “Otro trago”. La canción que venía en alza en el listado saltó del N°5 al N°1. Es la primera vez desde el lanzamiento del Billboard Argentina Hot 100 que Sech y Darrel logran llegar al primer puesto. La canción superó las 100 millones de reproducciones en YouTube en menos de un mes. En el tercer puesto se encuentra “La cobra”, el single con el que Jimena Barón se rebautizó como J Mena

y adelantó su segundo álbum de estudio. La canción debutó en el chart dos semanas atrás y en su tercera semana dentro del listado ya se ubicó en el N°3. “Quise levantar a esta tonta del piso y ahí nació ‘La cobra’”, le dijo Jimena a Billboard. A pesar del lanzamiento de su álbum debut Homerun, Paulo Londra retrocedió dos lugares en el chart con “Tal vez”, que terminó en el puesto N°4. Sin embargo, el cordobés también protagonizó el mejor crecimiento de los últimos siete días con “Sólo pienso en ti” featuring De La Ghetto y Justin Quiles, que saltó del N°93 al N°16. Cierra el Top 5 “Pa mí (remix)” de Dalex y Rafa Pabón featuring Sech, Cazzu, Feid, Khea & Lenny Tavarez. La canción descendió del N°3 al N°5.

Otro Trago

Con Calma (Remix)

La Cobra

Tal Vez

Pa Mí

Con Altura

Calma (Alicia Remix)

Soltera

Tumbando El Club (Remix)

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Sech Ft. Darell RICH MUSIC LTD

Daddy Yankee & Katy Perry Feat. Snow EL CARTEL RECORDS

J. Mena DBN

Paulo Londra BIG LIGAS / WARNER MUSIC GROUP

Dalex X Rafa Pabón RICH MUSIC LTD

Rosalia & J Balvin Feat. El Guincho COLUMBIA RECORDS

Pedro Capo x Alicia Keys x Farruko SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Lunay STAR ISLAND INC.

Maluma SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Neo Pistea Feat. Cro, Obie Wanshot, Ysy A, Cazzu, Khea, Lucho SSJ, Coqeéin Montaña, Marcianos Crew & Duki SONY MUSIC ENTERTAINMENT / I NEED SPONSORS

B I L L B OA R D.CO M . A R

variación

Artista

Título

Esta semana

Sech y Darrel a la barra

Semana pasada

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS, RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.

Semana del 1 de junio de 2019

-1

-2

-3

-1

Billboard Argentina Hot 100

Que Mas Pues (Remix)

Te Vi

SEBASTIÁN YATRA

Créeme

Cristina

Leña Para El Carbón Mix

No Me Acuerdo

Amanece

Bad Guy

Baila Baila Baila

Boy With Luv

Adictiva

Si Se Da

Date La Vuelta

7 Rings

Taki Taki

Sin Pijama

Sin Culpa

Cien Años

La Respuesta

B I L L B O A R D A R | M AYO, 2 0 1 9

Esta semana

Te Robaré

Secreto

Un Año

Adan Y Eva

Solo Pienso En Ti

Cristina

Aullando

RICH MUSIC LTD

-4

Piso 21 & Micro Tdh

Karol G & Maluma

DJ Alex

-5

Thalia & Natti Natasha

Anuel Aa, Haze

Billie Eilish

Ozuna

BTS Feat. Halsey

Daddy Yankee & Anuel Aa

-7

Myke Towers

WARNER MUSIC GROUP

UNIVERSAL MUSIC GROUP

2018 DJ ALEX

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

2018 HOUSE OF HAZE | CINQ RECORDINGS

DARKROOM/INTERSCOPE RECORDS

VP RECORDS CORP / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

BIGHIT ENTERTAINMENT

EL CARTEL RECORDS

CASABLANCA RECORDS & ONE WORLD MUSIC

Luis Fonsi Feat. Sebastián Yatra & Nicky Jam UNIVERSAL MUSIC GROUP / UMG RECORDINGS, INC.

Ariana Grande

REPUBLIC RECORDS / UMG RECORDINGS

DJ Snake Feat. Selena Gomez, Ozuna & Cardi B GEFFEN RECORDS

0 6 -8

Becky G & Natti Natasha

Duki Feat. Drefquila

-1

Abel Pintos

Becky G & Maluma

-14

Kingz Verte Ir Cumbia (Remix) HEAR THIS MUSIC / SONYMambo MUSIC ENTERTAINMENT

-3

variación

Semana pasada

Título

Sech Feat. Maluma, Nicky Jam, Farruko, Justin Quiles, Lenny Tavárez

Amigos Con Derechos

Reik & Maluma

Me Vas A Extrañar (En Vivo)

-2

Contra La Pared

Me Niego

Sebastian Yatra & Reik

Me Voy

Paulo Londra

-3

Delincuente

Paulo Londra

I Don't Care

Sebastian Yatra

MIA

Wisin & Yandel & Romeo Santos

Olvidala

Artista

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Nicky Jam X Ozuna

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Karol G & Anuel Aa

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

Tini, Greeicy

HOLLYWOOD RECORDS, INC.

UNIVERSAL MUSIC GROUP

BIG LIGAS

BIG LIGAS / WARNER MUSIC GROUP

UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

WARNER MUSIC ARGENTINA / DALE PLAY RECORDS

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

KEMOSABE RECORDS

Damas Gratis Feat. Viru Kumbieron PELO MUSIC

-11

Sean Paul X J Balvin

-8

Reik Feat. Ozuna & Wisin

Rombai

-6

Farruko, Anuel Aa & Kendo Kaponi

Ed Sheeran & Justin Bieber

Bad Bunny Feat. Drake

-7

Los Palmeras Ft. Axel

UNIVERSAL MUSIC GROUP

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

ASYLUM RECORDS / ATLANTIC RECORDS / WARNER MUSIC GROUP / DEF JAM RECORDINGS / UMG RECORDINGS

Reggaeton

J. Balvin

-3

Cuaderno

Turizo & Camilo Desconocidos Mau Y Ricky, Manuel SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Despacito (Remix)

UNIVERSAL MUSIC GROUP

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

OVO / RIMAS / WARNER BROS. RECORDS

LEADER MUSIC / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Dalex Feat. Nicky Jam, Sech, Justin Quiles, Feid, Lenny Tavárez, Rafa Pabón RICH MUSIC LTD

Luis Fonsi & Daddy Yankee Feat. Justin Bieber UNIVERSAL MUSIC GROUP

TUTE DELACROIX

Esta semana

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

NUEVO NEW 8

Semana pasada

Artista

Título

variación

PRESENTADO POR

Billboard Argentina Hot 100

Semana pasada

Esta semana

Forever Alone

Eclipse

Cuando Te Bese

Ya No Tiene Novio

11 PM

BEBE

Ella Quiere Beber

Dura (Remix)

Lindo Pero Bruto

X (Equis)

Puntos Suspensivos

Somos Amantes

2 Pa' 2

Mi Persona Favorita

Imposible

Shallow

Lady Gaga & Bradley Cooper

Tan Bien

Lit Killah Feat. Agus Padilla

Ocean

No Lo Trates

Girls Like You

Esclavo De Tus Besos

No Te Creas Tan Importante (En Vivo)

Baby

Rebota

Me Muero De Amor

Llegaste Tú

Punto G

Swing

Recalienta

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Paulo Londra BIG LIGAS / WARNER MUSIC GROUP

Lit Killah WARNER MUSIC GROUP

Becky G & Paulo Londra SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Sebastián Yatra, Mau Y Ricky UNIVERSAL MUSIC GROUP

100

0 -9

JONA S B ROTHERS

-4

Sucker

-4

Maluma NUEVO NEW

UNIVERSAL MUSIC GROUP

Anuel AA & Romeo Santos REAL HASTA LA MUERTE

Daddy Yankee EL CARTEL RECORDS

Thalía & Lali SONY MUSIC ENTERTAINMENT

2 9 1

Artista

Esta semana

Título

Semana pasada

Nicky Jam x J Balvin

-1

Ni Bien Ni Mal

-6

Ríos De Lava

Kill This Love

Pretend

-2

Oh Daddy

-2

Quedate Conmigo (EN VIVO)

-21

R.I.P.

Toda (Remix)

Si Me Das Tu Amor

Dame Tu Cosita

Feat. Nicky Jam Mi Cama (Remix) Karol G & J BalvinUNIVERSAL MUSIC GROUP

Amor (MTV Unplugged)

Manuel Turizo & Ozuna

PPP

-12

Happier

Dancing With A Stranger

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Piso 21 WARNER MUSIC GROUP

Lali SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Rombai SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Alejandro Sanz & Camila Cabello UNIVERSAL MUSIC GROUP

Luis Fonsi & Ozuna UNIVERSAL MUSIC GROUP

2018 INTERSCOPE RECORDS

WARNER MUSIC GROUP

Karol G UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

Pitbull, Natti Natashaa & Daddy Yankee NUEVO NEW MR. 305 RECORDS

Maroon 5 Feat. Cardi B INTERSCOPE RECORDS (222 RECORDS)

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Damas Gratis

Feat. Mon Laferte

PELO MUSIC

Amenazzy x Nicky Jam x Farruko RIMAS ENTERTAINMENT LLC

Guaynaa AK ENTERTAINMENT / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Damas Gratis PELO MUSIC S.A.

CNCO & Prince Royce SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Karol G UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

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Danny Ocean ATLANTIC RECORDING CORP.

Emilia SONY MUSIC ENTERTAINMENT

GRABADORA / DISTRIBUIDORA

Bad Bunny RIMAS ENTERTAINMENT LLC

Estelares FYN S.A.

Blackpink YG ENTERTAINMENT / INTERSCOPE RECORDS

CNCO SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Natti Natasha PINA RECORDS / SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Luciano Pereyra UNIVERSAL MUSIC GROUP

Sofía Reyes Feat. Rita Ora & Anitta WARNER MUSIC GROUP

Alex Rose, Cazzu & Rauw Alejandro OIDOS FRESH / GLAD EMPIRE

Feat. Lenny Tavárez & Lyanno

Carlos Vives SONY MUSIC ENTERTAINMENT

El Chombo, Pitbull & Karol G Feat. Cutty Ranks JUSTON RECORDS Los Auténticos Decadentes

Feat. Mon Laferte

POP ART DISCOS

Kevin Roldan UNIVERSAL MUSIC LATINO / UMG RECORDINGS, INC.

Marshmello & Bastille ASTRALWERKS / JOYTIME COLLECTIVE / UMG RECORDINGS, INC.

Sam Smith & Normani UNIVERSAL MUSIC GROUP

Karol G & Anuel Aa

-6

Culpables

-4

ME!

Sin Querer Queriendo

AA X Arcangel Ven Y Hazlo Tu Nicky Jam X J Balvin X Anuel SONY MUSIC ENTERTAINMENT

8 -17

100

Calypso

100

Sucker

UNIVERSAL MUSIC GROUP

Taylor Swift Feat. Brendon Urie TAYLOR SWIFT

Lali Feat. Mau & Ricky SONY MUSIC ENTERTAINMENT

Luis Fonsi & Stefflon Don Or Karol G UNIVERSAL MUSIC GROUP

Jonas Brothers UMG RECORDINGS, INC. / JONAS BROTHERS RECORDINGS

variación

6ix9ine Feat. Anuel AA

MICHAEL LOCCISANO/GETTY IMAGES

SONY MUSIC ENTERTAINMENT

-11 6 2 3 9 -34 -9 -13 -36 7 -12 -2 -2 REIN RE GRESO -3 -54 1 NUEVO new 1 -46

Artista

Título

variación

PRESENTADO POR

B I L L B OA R D.CO M . A R

Redes PRESIDENTE

Jorge R. Arias CEO

Juan Pedro Dondo DIRECTOR

Santiago Torres CONTENIDOS

Santiago Torres Gustavo Serna Jota Ayerza Gabriel Romero Day María Villola COMERCIALIZACIÓN Y MARKETING

comercial@grupoabc1.com 0810 444 ABC1 (2221) Leandro Dahlman Paula Alfaro Luján Acciarresi SUSCRIPCIONES

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administracion@grupoabc1.com CONTACTO

info@grupoabc1.com Dardo Rocha 2188 (1640) Martínez, Buenos Aires COLABORADORES DISEÑO

Juan Angel Maldonado TRADUCCIONES

Jorge Luis Fernández FOTOGRAFÍA

Tute Delacroix COLABORAN EN ESTA EDICIÓN

Adrián Mouján, Alfredo Rosso y Patricio Cerminaro DISTRIBUCIÓN

Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 1448 (C1286AFH) 011 4301 3601 (líneas rotativas) DISTRIBUCIÓN EN EL INTERIOR

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EDITORIAL DIRECTOR Hannah

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Cobo

Billboard Argentina 2019. Prohibida la reproducción total o parcial de los artículos sin la previa autorización del director. El material periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores. RNPI: 5349798 8

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Contenidos

CH A RTS “Otro trago” de Sech y Darrel es el nuevo 3 N°1 del Billboard Argentina Hot 100 I N T RO Marilina Bertoldi es la segunda mujer en 13 las história de la premiación en ganar el Gardel Oro

“No quiero que nadie sepa mis objetivos, porque entonces intentarán ayudarme. Quiero hacer esta mierda yo misma”, dice Billie Eilish (Página 32)

E NT RE V ISTAS Y P E RF I L E S Cristian Vanadia 16 Descemer Bueno 24 Anitta 26 iLe 28 Hall and Oates 30 Neo Pistea 46 Miranda! 48 Bersuit Vergarabat 50 Tini 52 Francisca Valenzuela 60 J Mena 62 E S P E CIA L E S Bodas de Oro, A Salty 56 Dog - Procol Harum Paulo Londra: 75 Un acertijo en sí mismo E M E RG E N T E S PUM, Todo El Verano, 58 Muere Joven y Lucy Patané Festival Nuestro Aurora Ximena Sariñana Chano Diego Torres Anitta

EN LA TAPA

V IVO 68 70 71 72 73 74

REVIEWS David Lebón, 76 iLe, Los Tipitos, Indios, Greeicy, Maluma, Karol G, Vampire Weekend y Lewis Cappaldi

Hernán Cattáneo. Antes de debutar en Glastonbury y mientras la ‘Cattaneomanía’ que comenzó con sus shows en el Teatro Colón se mantiene viva en el Sunset Trip, el DJ construye una escena electrónica nacional de excelencia y explica porque a sus 54 años se encuentra en el mejor momento de su carrera. 10

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F O T O G R A F Í A P O R H E AT H E R H A Z Z A N

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Intro EL SUBE Y BAJA

BTS se convirtió en la primera banda en acumular cinco semanas en el N°1 del Billboard Artist 100.

Premios Gardel 2019

TUTE DELACROIX

Marilina es de oro

or primera vez en su historia, los Premios Gardel se realizaron fuera de Buenos Aires. El Auditorio Ángel Bustelo de la provincia de Mendoza recibió al encuentro que celebra a lo mejor de la música de Argentina. Marilina Bertoldi se llevó la máxima estatuilla en esta edición, es decir, el Gardel de Oro. La artis-

ta se impuso en la categoría Álbum del año por Prender un fuego, mientras que Lali Espósito se llevó el premio a Canción del año por “Sin querer queriendo”. “La única mujer que ganó este premio en la historia fue Mercedes Sosa y hoy lo ganó una lesbiana. Lo festejo como un artista nuevo que viene a decir cosas. Desde estos premios vamos a cambiar la

música”, destacó Bertoldi cuando recibió el premio. Además, Paulo Londra se llevó dos premios: Mejor canción/álbum de música urbana con “Adán y Eva”, y Mejor colaboración de música urbana/trap con “Cuando te besé” feat. Becky G. Entre los grupos independientes, Bandalos Chinos obtuvo el premio a Mejor álbum grupo pop con BACH.

Justin Bieber publicó un posteo en Instagram en defensa del rapero Chris Brown, denunciado por violencia de género contra Rihanna, a quien golpeó hasta desfigurar cuando eran pareja, en 2009. “La gente que ha ignorado el talento de este hombre por un error que cometió ¡necesita reevaluarse! Te amo, Chris Brown”, escribió el canadiense.

Katy Perry está de regreso. Después de sumarse al remix de “Con calma”, la cantante publicó su primera canción desde 2017. Se trata del sencillo “Never really over”. B I L L B OA R D.CO M . A R

Industria

España: la música que suena en las disco casi no llega a las radios Un estudio realizado por la empresa barcelonesa BMAT concluyó que en 2018 los boliches y las salas musicales aumenta el ‘long tail’ de la industria.

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a lo largo de la última década, el mundo de la música se ha beneficiado del auge de tecnologías de monitorización de canciones en la radio, en la televisión, y también en las discotecas. Estas tecnologías automatizan el reporte de cuales canciones son las más populares en los espacios públicos. Un estudio realizado por la empresa barcelonesa BMAT, líder en soluciones de monitorización de música, concluyó que, en el 2018, un 63% de la música utilizada en discotecas de España no llegó a sonar en las radios. Lo que significa que las discotecas apuestan por una mayor variedad en su repertorio, dándole visibilidad a un mayor número de artistas y sellos y, en consecuencia, aumenta el long tail -la cola larga- de la industria.

Mientras en las discotecas el 25% de las canciones que suenan son únicas, es decir, que 1 de cada 4 que escuchás no ha sonado antes en ningún otro boliche ese año, en las radios ese porcentaje es mucho menor y sólo un 7% de las canciones emitidas en radios son diferentes entre sí. Es por eso que el auge de géneros de música alternativos encuentra lugar en las discotecas y/o salas musicales en el punto de mira. Por último, destacan que dista cada vez más la música emitida en las radios comerciales y la reproducida en locales bailables. Esto implica que las muestras extraídas de las radios no son representativas de lo que suena en discotecas. Entonces el estudio realizado por BMAT en marzo de 2018 da muestras de la importancia de emplear sistemas de monitorización en discotecas.

Voces los viernes a la noche, donde todos los fines de semana teníamos un artista diferente, agarrábamos a todo el público y éramos trending topic. Todo esto mientras estaba terminando el secundario. Ahí fue cuando el productor general me dijo que tenía que estudiar locución. Yo ya hacía radio online desde mi casa y siempre escuchaba Los 40, mientras que mi papá siempre escuchaba Aspen. Y tengo los clásicos desde pibito, hasta que empecé a hurgar un poco y encontré Los 40, que me encantó. Pero sabía que para trabajar ahí tenía que ser locutor, así que ni lo dudé y apenas terminé de estudiar, fui a la radio y me presenté con un demo en un sobre y mi CV. No me llamaron. Así que volví y estaba la misma mujer de seguridad en recepción. Nos pusimos a hablar, pegué buena onda y me pasó el número de teléfono de mi jefe actual, Juano Sirvén y me dijo que lo llame aquel lunes. Lo llamé y me dijo que le pase todo por mail. Ahí murió todo, y a los tres meses me llamó para que vaya a un casting, en el que quedé para ser locutor suplente. Estuve medio año haciendo suplencias, medio año haciendo fines de semana y ya llevo dos años con ‘El Regreso’.

Cristian Vanadia

Nuevo protagonista El locutor de ‘Los 40’ y conductor de ‘Dale Like’ y ‘Los 15 Mejores’ habla acerca del vínculo entre los medios tradicionales y las redes, la inmortalidad de la radio y los desafíos de adaptarse a las nuevas reglas. cristian vanadia es el nexo generacional entre la tradición de la radio y la disrupción de las redes. Con tan solo 24 años, Vanadia es la voz millennial que conduce ‘El Regreso’ en Los 40, de 18 a 21 horas y de lunes a viernes. Lo que caracteriza a este joven es su versatilidad y multimedialidad. Si bien comenzó en la radio Los 40, hoy en día conduce ‘Los 15 Mejores’ en Quiero, así como también los fines de semana conecta a la televisión con las redes sociales de 18 a 20 horas en Canal 9, en el programa ‘Dale Like’. “Con este programa estoy experimentando algo que no estaba en mi zona de confort”, admite. 16

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¿A qué viene semejante versatilidad a la hora de trabajar en distintos medios? “Si te vas a quedar en la estructura de ser el locutor convencional, no evolucionás”. Es que, su diferencial no solamente es su calidez y frescura con el público, sino también su capacidad de conectar lo tradicional con lo no tan convencional. ¿Cómo llegaste a trabajar en Los 40? -Yo soy locutor, terminé la carrera en 2015, aunque hago radio desde los 15 años, en Montegrande. Yo tenía en la cabeza que quería trabajar en Los 40. Tuve un programa con amigos

¿Cómo ves la radio hoy en día? -La realidad es que la radio no tiene la misma repercusión e impacto en la gente que antes. Me hubiese encantado hacer radio en los 80 o en los 90, hasta en el 2000. El tema acá es que hay un montón de opciones. Creo que la radio no va a morir porque se la viene bancando desde que salió la televisión y se sigue reinventando. Como ocurre con la televisión, que no se mira tanto pero va a seguir y va a buscar el formato para que se consuma en vivo y en directo. Hay que darle lugar a las redes sociales porque hoy en día todo pasa por ahí. Yo creo que la radio está muy metida en los autos y en los comercios. Está este fenómeno de la globalización del idioma español donde muchos artistas anglo cantan con hispanohablantes. ¿Sentís que la música mainstream es criticada? -Hay un poco de rechazo por parte de la gente grande con la música urbana, pero creo que ya se venció esa barrera. En Quiero lo vemos porque es música en nuestro idioma y el público ama esas canciones. Y las radios que están midiendo mejor son aquellas que pasan música latina. ¿Te interesa incursionar en la política? -Si estoy preparado para hacer periodismo político y se me da la oportunidad, lo hago. Me gustaría seguir estudiando para nutrirme más en eso. Una de las claves es decir que sí y estar preparado para lo que viene. Yo me veía haciendo radio y trabajando en Los 40, y de repente la televisión me cayó de casualidad, sin buscarla. F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

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Lil Nas X

Llegó un sheriff al pueblo “Old Town Road” feat. Billy Ray Cyrus lleva ocho semanas en la cima del Billboard Hot 100 y no quiere bajar.

con cameos de chris rock, Vince Staples, Rico Nasty, Diplo, Ha Ha Davis, Jozzy y el productor Youngkio, Lil Nas publicó el video de “Old Town Road” junto a Billy Ray Cyrus. El clip fue dirigido por Calmatic y muestra a Lil Nas X y Cyrus como forajidos del lejano oeste en una aventura salvaje en el tiempo. Pasando del 1800 a la modernidad, su viaje es una mezcla de motines, humo de armas y movimientos de baile que prendieron fuego a la antigua ciudad. Dando la vuelta a la industria y rompiendo las listas, “Old Town Road” continúa su reinado en el N°1 del Billboard Hot 100 por octava semana consecutiva. La canción fue logró un alcance de 99 millones en audiencia total de radio. Junto con los remixes de Billy Ray Cyrus y Diplo, “Old Town Road” acumuló más de mil millones de streams en todo el mundo hasta la fecha y vendió más de 4 millones de unidades combinadas solo en los Estados Unidos.

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GENTILEZA SONY

POR ADRIÁN BOUJÁN

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Halsey

No tan dulces sueños En su nuevo video y single lanzado por Capitol Records, “Nightmare”, Halsey examina las presiones y expectativas puestas en las mujeres en nuestra sociedad, y luego las destruye.

TUTE DELACROIX GENTILEZA UNIVERSAL

el nuevo clip está basado en un concepto de Halsey y presenta un elenco totalmente femenino, y ofrece cameos de Cara Delevingne y Debbie Harry. Fue dirigido por Hannah Lux Davis (Ariana Grande, Ciara), quien anteriormente trabajó en el video de Halsey para “Alone”. El 2019 de Halsey viene en alza. En marzo se convirtió en la primera artista en la historia en reemplazarse a sí misma en el N° 1 del Billboard Pop Songs Chart cuando “Without Me” destronó a “Eastside”, su colaboración con Benny Blanco y Khalid, del primer lugar. “Without Me” es la canción de una artista femenina que más tiempo ha permanecido en el Top 10 del Billboard Hot 100 y una de las 9 canciones que han pasado más de 28 semanas en el Top 10. Además, la cantante logró otro top 10 en el Hot 100 durante el 2019 con su participación en “Boy With Luv” de BTS.

20 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

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Ed Sheeran

Jugar con todos a esta altura escuchar a ed Sheeran trabajar con algunos de los pesos pesados del hip hop ya no es algo raro. El británico grabó canciones con Eminem y Future, y hasta se animó a escupir algunas rimas rapeadas en temas como “Don’t”. Sin embargo, escucharlo junto a gigantes como Chance The Rapper y Pnb Rock en “Cross Me” demuestra lo natural que es para Sheeran atravesar géneros. Duran22 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

te el track, su voz funciona como la de un crooner de R&B sobre un cálido beat que toma espesor cuando entran los raperos. El single formará parte de su nuevo álbum de puras colaboraciones llamado No. 6 Collaborations Project. “Antes de firmar mi contrato en 2011, hice un EP llamado No.5 Collaborations Project. Desde entonces, siempre quise hacer otro, así que comencé el N° 6 en mi laptop mientras estaba de

gira el año pasado. Soy un gran fan de los artistas con los que he colaborado y ha sido muy divertido hacerlo”, comentó Sheeran sobre el nuevo proyecto. El No. 6 Collaborations Project estará disponible en forma global el 12 de julio. Además, el primer single “I Don’t Care” con Justin Bieber trepó directo al puesto N°1 en Reino Unido, el N°2 en el Billboard Hot 100 y el puesto N°83 del Billboard Argentina Hot 100.

GENTILEZA WARNER

El británico reveló el tracklist de un nuevo álbum de puras colaboraciones. El primer adelanto fue “I Don’t Care” junto a Justin Bieber.

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Descemer Bueno

El cantante y compositor de origen cubano desembarca por primera vez en el país para presentar todos los hits de su autoría. POR MARÍA VILLOLA

con cuatro grammys latinos gracias a una extensa trayectoria y nueve premios Billboard, Descemer no deja de cosechar éxitos de la mano de artistas de la talla de Enrique Iglesias, Marco Antonio Solís, Juan Luis Guerra, Thalía, Fonseca, Ricky Martin, Jorge Villamizar, Wisin & Yandel, Pitbull, Romeo Santos, y más. “Cuando me enamoro”, “Loco”, “Lloro por ti”, “Súbeme la radio”, “Bailando” y “El perdedor” son algunos de los 24 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

la música latina llegue a donde la gente no entiende el idioma español.

¿A qué le atribuís este fenómeno del español en la industria musical? -Se lo atribuyo a una fusión de la música latina con la música europea, que ha cautivado al mundo. Canciones como “Bailando”, que es una de las canciones hispanas que más visitas tiene, se debe a que los latinos e hispanoparlantes hemos interactuado muchísimo. Y eso finalmente ha hecho que

¿Cómo te llevás con los premios? -Los premios son una consecuencia del trabajo. En Billboard tengo varios número uno, un premio anglo y varios en el mercado latino. Entonces, para mí significa mucho Billboard, porque es un marcador del origen y del futuro de la música latina. Y estoy muy contento de ser parte de la historia de la música latina.

¿Cómo es tu relación con Luciano Pereyra? ¿Cómo se complementan artísticamente? -Nos conocimos escribiendo canciones y todavía nos queda una canción que no hemos editado. Tenemos una química muy especial. Una que cantó con Bisbal también la escribí junto a él. Es una gran persona y un excelente anfitrión. ¿Tenés algún proyecto en mente para hacer en Argentina? -Estamos abiertos a colaborar con muchísimos artistas argentinos, como también seguir trabajando junto a ellos. Me encantaría hacer una colaboración con Paulo Londra.

GENTILEZA

Ser parte de la historia

temas que compuso que tuvieron su paso por los charts mundiales. En su paso por Argentina, Descemer repasará todo el repertorio que le valieron el éxito y la popularidad tanto en Cuba como en los Estados Unidos, Europa y Latinoamérica. Recientemente editó “Nos fuimos lejos”, tema en el que une voces con Enrique Iglesias –y Bebe en su versión acústica-, será la primera vez que se encontrará con el público argentino como Descemer Bueno. Respecto a la universalización del idioma, que hoy en día muchos artistas anglosajones quieren unir voces con artistas hispanohablantes, el compositor agrega: “Eso verdaderamente es algo bien bonito que ha ocurrido para nosotros y los artistas latinos y verdaderamente me siento muy orgulloso de haber sumado”.

B I L L B OA R D.CO M . A R

Anitta

“El éxito está dentro de ti” Al poco tiempo de estrenar su álbum ‘Kisses’, Anitta se presentó por primera en el país el 12 de mayo ante un Teatro Ópera repleto. Con Billboard habló sobre Caetano Veloso, el empoderamiento femenino y las reproducciones.

luego de lanzar kisses -un álbum multilingüe en el que canta en español, inglés y portugués- no hay tiempo de descanso para Anitta. Es que en este trabajo discográfico la artista brasileña reúne a artistas de diversos géneros y se adapta en cada uno de los diez temas que interpreta, sin perder la esencia que la caracteriza. “Hay gente que piensa que tengo un clon mío que va por unos lugares y yo por otros, porque hago muchas cosas”. ¿Cómo fue cantar con Caetano Veloso en “Você mentiu”? -Es una canción mía y me encantó que le haya gustado. La gente también está encantada con ella. Yo lo admiro mucho a Caetano y tenerlo de amigo, además de ídolo, es muy lindo. Tener en un mismo álbum a Snoop Dogg y a Caetano es algo que no hay igual. Alesso, Prince Royce, Be cky G. Tenemos gente de todo tipo. ¿Qué es para vos el empoderamiento y 26 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

cómo fue traspasar esa barrera? -Es complicado porque si miras al pasado, no hace tanto tiempo las mujeres no podían votar, ni trabajar ni estudiar. Hoy en día lo logramos, gracias a la lucha de muchas mujeres y luego de unirnos y de engrandecernos. Yo creo que es importante tener a más mujeres en la política. Para todas las que intentan lograr algo nuevo es siempre un desafío. Pero con unión, lo lograremos. En la música Madonna fue una de las grandes impulsoras. ¿Qué podés decir de ella? -Tuve el placer de poder decírselo en persona. Es responsable de toda la libertad femenina y sexual, por su manera de ser. El entretenimiento modifica el comportamiento de la gente. Ella sufrió muchas cosas por los prejuicios y aún así aguantó firme. Hoy podemos aprovechar todo lo que logró por nosotras. Gracias a su fuerza, por aguantar tanto, hoy tenemos la libertad de bailar y de vestirnos como queremos.

¿Le das importancia a los números de reproducciones, seguidores, vistas? -Yo creo que uno nunca tiene que trabajar por los números. Si lo haces nunca vas a ser feliz, porque los números son infinitos. Entonces, si te pones a buscar más y más números, también hay más y más artistas. No hay cómo lograr números del pasado si hoy ya ha cambiado todo; tu historia es diferente de las personas con las que te estás comparando. Yo no puedo compararme con ninguna otra cantante en español porque tengo mi trabajo en portugués, ni puedo compararme con los números de Brasil, porque tengo mi trabajo fuera del país. Las comparaciones son complicadas. No es así que vas a lograr la felicidad sino que el éxito está dentro de ti. Lo que es éxito para ti tiene que ser diferente de lo que es éxito para los demás. Lo que tenés que hacer es estar orgulloso de lo que vos hiciste. Los números son una consecuencia que pueden hacerte feliz y ya.

GENTILEZA

POR SANTIAGO TORRES Y MARÍA VILLOL A

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iLe ¿Cuál es el hilo conductor entre iLevitable y Almadura? -Mi primer disco mostraba más las vulnerabilidades que todos tenemos dentro y la importancia de reconocer esas vulnerabilidades como fuerzas. En este segundo disco se trata de tomar esa fuerza, junto con el coraje, y exteriorizarla, para que ella nos ayude a enfrentar todo lo que vivimos. ¿Esta secuencia en los álbumes fue predeterminada o surgió espontáneamente? -Yo simplemente estaba conectada con el momento. Fue algo que surgió. Pero son esas cosas que surgen de una forma tan interna que uno las entiende después de que las saca. Precisamente porque en el disco anterior también tuve una conexión personal conmigo misma. Así que yo creo que ya que ambos vienen de mí, de una forma natural.

A la carga La cantante puertorriqueña se refirió a su material discográfico más reciente, Almadura, del proceso de composición y el rol de su familia en la música. POR MARÍA VILLOLA

ileana cabra llegó a la escena musical como la voz femenina y hermana menor de Residente y Visitante, de Calle 13, y emprendió una carrera en solitario que ya cuenta con dos álbumes de su autoría: iLevitable y Almadura. Creció en un entorno familiar rebosante de música y fue absorbiendo cada nota que sus hermanos le regalaban. Si bien pasaron los años, hoy la situación no es muy distinta, ya que la misma música sigue siendo nexo y eje de la familia: “Todos estamos involucrados siempre de alguna forma. Nos damos mucha crítica constructiva y crecemos mucho juntos”. Los días que le sucedieron al estreno de su álbum más reciente, Almadura, la encontraron a iLe atenta en las redes. “Me gusta recibir críticas constructivas y observaciones. Simplemente las atiendo, las escucho y las recibo bien”. Y es que, en todo este trabajo, le puso una melodía a todo lo que tenía que decir, ya que nada de lo que escribe es al azar. “Se siente bien. Es como mudar una piel y seguir hacia adelante”.

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¿Te pesa preocuparte por todo lo que sucede a tu alrededor? -Creo que ahora mismo es muy fácil ignorar lo que nos rodea. Hay mucha distracción y es mucho más fácil ignorar porque son cosas de nuestra sociedad que nos duelen y nos afectan. Pero es importante que conversemos sobre eso, porque las cosas siguen ahí y no van a cambiar a menos que empecemos a cuestionarnos y a llevar un mensaje que todo el mundo eventualmente pueda entender. Creo que, desde que nacemos, todos buscamos seguridad y sentirnos amados, ese el mundo al que aspiramos vivir. Y hay que cuestionarnos si hemos llegado a ese momento o si todavía nos falta. Personalmente creo que nos queda mucho por aprender. Y desde ahí, desde esa inquietud personal mía viene una necesidad de hablar y de hacer este disco. ¿Qué rol ocupabas en tu casa? -Creo que fui una sorpresita para todos y alegré mucho a la familia. Hasta tuvimos que mudarnos a otra casa porque donde estábamos ya quedaba pequeño, así que la mudanza fue a la calle 13, y de ahí es que viene todo. Siempre tuvimos una conexión desde chiquitos muy bonita y unida. Ahora de adultos nos seguimos buscando y nos necesitamos mucho, como base y soporte. Con mis hermanos aprendo todo el tiempo y gracias a esos momentos tan inesperados que de adolescente pasé con ellos, creo que aprecié un poco lo que es cantar y estar en escena. A tal modo que ya saqué mi segundo disco, que nunca imaginé que pasaría, pero estoy muy contenta de que se haya dado así. Calle 13 era para mí un proyecto familiar, pero más era de mis hermanos. Yo no sabía si quería hacer un disco, hasta que pasaron los años y empecé a soltar poco a poco y a tener esa necesidad real de querer trabajar en un álbum.

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Hall & Oates

Dialogamos con el cantante Daryl Hall sobre su debut en Sudamérica, su programa de TV y cómo a sus 72 años nada lo detiene. P O R M A RC E LO F E R N Á N D E Z B I TA R

uno de los dúos más famosos en la historia del pop-rock llega por primera a la Argentina en junio. Se trata de Hall & Oates, que no pararon de meter hits en los rankings entre fines de los años ’70 y mediados de los ’80. Por ejemplo “Sara Smile”, “Kiss On My List”, “Private Eyes” y “Maneater”. 30 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

¿No sentís que fuiste a muchas ciudades del mundo y no las pudiste conocer realmente bien porque siempre estuviste un día o dos? -Sí. Por eso en esta oportunidad me voy a tomar estos días extra. Lo que pasa es que estando de gira nunca tenés la posibilidad de ese tiempo extra en cada ciudad. También creo que es difícil tomarle el pulso a una ciudad en una primera visita. ¿Cómo la pasaste de gira con Hall & Oates el año pasado? -Hace tiempo que salimos de gira cada año. Siempre está bueno y el show que vamos a hacer ahora es levemente diferente, pero bastante similar. ¿Seguís haciendo el programa de televisión online Live from Daryl’s house? -Sí. Ya grabé dos episodios para la nueva temporada, y después de la gira voy a continuar grabando más programas.

¿Qué es lo que más te gusta de ese proyecto: entrevistar y tocar con gente que ya conocés, o con músicos nuevos que no conocés? -Las dos cosas. Me gusta conocer artistas nuevos e interactuar con ellos, porque eso siempre es interesante. Pero también juntarme o reconectarme con gente de mi generación. Lo genial del programa es que nunca sabés qué es lo que va a suceder, porque todo es espontáneo y no hay nada ensayado. Me encanta el programa, es muy divertido de hacer y no pienso parar de hacerlo. Leí que estás muy metido en la restauración de casas históricas. ¿Cómo surgió eso? -Es algo así como mi otra gran pasión. Me gusta hace mucho, tanto las restauraciones como las reconstrucciones de casas antiguas. Incluso hace unos años me pidieron filmar para un programa de televisión todo el proceso de restauración de una casa muy vieja. Justamente ahora tengo una casa empezada, pero lo hago cuando tengo tiempo. Por lo visto andás con varias cosas a la vez… poco tiempo para el ocio. -¡Hago eso todo el tiempo! Tengo pequeños momentos donde no hago absolutamente nada.

STUART BERG

“Siempre está bueno salir de gira”

Conversamos con el cantante Daryl Hall sobre sus diferentes y variados proyectos paralelos. Tiene 72 años y no se detiene, con grabaciones, giras y programas de televisión sobre música y restauración de casas.

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Billie Eilish

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Rebelde con un plan

C Ó M O U N A J OV E N D E 1 7 A Ñ O S S E G A N Ó L A AT E N C I Ó N D E T O DA L A I N D U S T R I A . W H E N W E A L L FA L L AS L E E P, W H E R E D O W E G O?

S U Ó P E R A P R I M A , E S E L P R I M E R Á L B U M D E U N A R T I S TA N AC I D O E N E L S I G LO X X I E N A LC A N Z A R L A C I M A D E L B I L L B OA R D 2 0 0.

P O R LY N D S E Y H A V E N S FOTOGRAFIADA POR H E AT H E R H A Z Z A N

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katy perry trajo snacks: una bolsa de plástico transparente con papas y Pedialyte, precisamente. Es el segundo día del primer fin de semana de Coachella y Perry está acurrucada entre un grupo de concurrentes al festival en el escenario ‘Outdoor Theatre’. Ahí está el actor Orlando Bloom, pareja de la cantante, James Corden, presentador de Late Late Show; el omnipresente productor Diplo, el CEO de Apple, Tim Cook; y el director creativo global de Apple Music y conductor de Beats 1, Zane Lowe; además de gran parte del personal de Interscope Records. La única persona que falta es la estrella que todos vinieron a ver: Billie Eilish. Dos semanas antes, Eilish, la cantante y compositora de 17 años que fue aclamada desde niña prodigio hasta el futuro del pop, lanzó su álbum debut, When We All Fall Asleep, Where Do We Go? Inmediatamente se posicionó en el puesto N°1 en el Billboard 200, lo que convirtió al fenómeno Eilish en el primer artista nacido en el siglo XXI en alcanzar la cima del chart. Luego regresó al N°1 un mes después. Hoy es su primera presentación en vivo desde su lanzamiento. Eilish estaba programada para subir al escenario hace casi 30 minutos, pero su equipo todavía está haciendo ajustes de último minuto en su piso con paneles de LED. Katy grita: “¡Al diablo con la pantalla!”, mientras que el equipo de Eilish susurra con ansiedad ante el imprevisto. Pero fuera del área del público reservada para los amigos y familiares de Eilish, la creciente multitud parece inmutable. Una artista solo puede hacer su debut en Coachella una vez, una idea profundamente comprendida por las decenas de miles que quieren decir alguna vez “Yo estuve allí”, y la propia Eilish también. Desde que salió When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, la fama de Eilish ha alcanzado la estratos34 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

fera de una superestrella. Tegan & Sara, Hayley Williams, Niall Horan y Demi Lovato elogiaron públicamente el álbum en Twitter e Instagram. En privado, Eilish ha estado recibiendo miles de mensajes de fanáticos que van desde raperos que prefiere no nombrar hasta Avril Lavigne. La cantante le envió un mensaje a Eilish para felicitarla y sugerirle verse en Los Ángeles para recordarle que ella también comenzó su carrera en la industria desde muy temprana edad y siempre estuvo allí para hablar. “Eso me hizo colapsar”, dice Eilish. Cuando le pregunto el día previo al festival sobre cómo estuvo procesando todo esto, me contesta que empezó a hablar de sí misma en tercera persona. “No sé cómo mirar esto, pensando que soy yo”, dice. “Todo lo que dicen de mí y de lo que he creado, que cantaré en Coachella, que estoy haciendo esto y aquello. Sigo pensando en ello como si no fuera yo, porque es tan

Pero otros temas, como los singles “Bury a Friend” y “You Should See Me in a Crown”, emplean una forma completamente diferente y más que explosiva con un estilo que abandona cualquier estructura de canción estándar. Dice O’Connell: “Siempre trato de lograr la singularidad al no alejarme de lo extraño”. Aunque Eilish creció en la edad de oro del streaming, (alcanzó los 1000 millones antes de lanzar un proyecto completo, y ahora acumula 3.79 mil millones de transmisiones on demand en los Estados Unidos, hasta la semana que finaliza el 25 de abril, según Nielsen Music), ella valora “las piezas de arte completas”. Because the Internet de Childish Gambino es uno de sus álbumes preferidos y ella siempre quiso hacer su propio álbum con una visión compartida por su equipo. Y mientras que el éxito meteórico de When We All Fall Asleep cegó a muchos, es, en realidad, el resultado de años de trabajo meticuloso del

DESDE QUE SALIÓ WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?, LA FAMA DE EILISH HA ALCANZADO LA ESTRATOSFERA DE UNA SUPERESTRELLA. solo un nombre. Es como una marca, de la cual soy dueña y tengo los derechos, pero también es otra cosa. Es una sensación muy extraña”. Nada de esto sucedió de la noche a la mañana. La artista nacida como Billie Eilish Pirate Baird O’Connell estalló en noviembre del 2015 cuando su balada de ensueño, “Ocean Eyes”, escrita por su hermano mayor, Finneas O’Connell, actualmente de 21 años, explotó en SoundCloud. Eilish tenía tan solo 13 años. Ese mismo mes, consiguieron un manager: Danny Rukasin, conocido de O’Connell que vio el potencial de Eilish y se acercó a ella. Brandon Goodman también se unió luego como co-manager. Un puñado de temas de When We All Fall Asleep recuerdan aquellas voces precoces y aireadas, y la oscura y profunda producción de O’Connell.

desarrollo de un artista y de un esfuerzo importante y calculado para construir una carrera que perdurará en el tiempo. Al arrojar tantos sencillos previos al lanzamiento, ninguno de los cuales suena demasiado similar y muestran las habilidades camaleónicas de la artista, ella pudo finalmente aterrizar en múltiples listas de reproducción basadas en el género y “estar en todas partes a la vez”, dice Rukasin. “Hubo un momento en el que los artistas y las canciones vivían y morían según la lista de reproducción en las que podían estar”, explica. “Nos aseguramos de ser lo más destacado dentro de cada lista diferente” Como dijo Justin Lubliner, quien firmó a Eilish con su sello de The Darkroom/Interscope en agosto de 2016. “Hicimos el plan de cómo ser un artista de álbumes

en una era de streaming”. Aún así, hubo un momento en que casi Eilish no lo lanza públicamente. El día previo al estreno de su álbum, ella se encontraba grabando en ‘Jimmy Kimmel Live!’, con muchas dudas. “Nunca me había sentido así”, recuerda, “dónde está mi hijo y no quiero que nadie ponga sus manos sobre él”. Hasta le preguntó a su equipo si podían no sacar a luz el álbum y recuerda no querer hacerlo más. Durante tres años, solo había sido ella y O’Connell, haciendo música juntos en su dormitorio como estudio. “Es raro realmente joder con lo que haces y creas”, dice Eilish. “No quería que el mundo pudiera decirme cómo se sienten acerca de lo que amo”. Levanta la vista para mirarme fijamente. “Pero la respuesta fue una locura”. A juzgar por los gritos ensordecedores cuando finalmente toma el escenario de Coachella, “loco” no es una palabra que realmente describe la escena. Al abrir el set con su último single, el animado y melancólico “Bad Guy”, Billie Eilish destila la confianza de una experimentada headliner. Solo un puñado de estrellas pop adolescentes antes que ella alcanzaron ese nivel tan alto en sus carreras, y como bien saben ambos hermanos, Billie y O’Connor, se derrumbaron bajo el peso de la fama. “Hay tanta presión y tanta expectativa, y es tan público”, dice. “Es increíble que alguien lo haya navegado, especialmente alguien tan joven como Billie”. Eilish es más modesta. “Estoy en los buenos tiempos en este momento”, dice ella. “¿Quién sabe si este es mi pico y luego me muero o pasa algo? O mi carrera muere y me voy y a nadie le importa”. Hace una pausa, considerando otra opción: “O se vuelve más loco”.

ilish sale de su habitación de hotel en el Hyatt Regency Indian Wells Resort & Spa en un scooter, que maneja en círculos alrededor de la mesa en la que estamos a punto de sentarnos a hablar. Es el día previo a su debut en Coachella y ella luce un estilo tomboy-chic lujoso, con una camisa oversize azul de Louis Vuitton y con unos pantalones que le hacen juego. Lleva un anillo en cada dedo y varias cadenas caen por su cuello, incluido un col-

gante de diamante con el logo de un baño de hombres torcido que representa su marca, Blōhsh. “Siento que, de alguna manera, todos saben lo que está pasando conmigo”, dice Eilish con un suspiro. Generalmente suspira entre pensamiento y pensamiento, como si atravesara una mezcla de agotamiento y shock que, definitivamente, todo el mundo quiere saber qué está pasando con ella ahora. Generalmente culmina sus frases con un “es extraño”, una frase que se repite 26 veces durante nuestra charla. Y es que lo es. Eilish es una adolescente con el tipo de éxito precoz abrumador que pone todo a su alcance. Al crecer en una casa de dos habitaciones en el vecindario de Highland Park, en Los Ángeles, con su hermano, mamá y papá, y de no poder acceder a la entrada para ir a Coachella, a estar arriba del escenario, es extraño. Todavía no tramitó su licencia de conducir pero ya tiene en su dominio un Dodge Challenger negro mate completamente nuevo. Y mientras ella solía manejar un scooter Razor por su pequeña cuadra, ahora maneja un Unagi “azul cósmico” alrededor de las habitaciones de hotel, fiestas lujosas, terrenos del festival y por los

salones de artistas en el backstage. Mucho antes de todo esto, Eilish acababa de ingresar a su adolescencia y ya estaba respondiendo a un frenesí de solicitudes de una industria ansiosa por capitalizar el éxito de “Ocean Eyes” y su singular atractivo de chica cool. A los 14 años, contrató a una publicista llamada Alexandra Baker, que la ayudó a establecer una imagen, entre otras cosas, introduciéndola a Chanel, que la reservó para presentarse en un evento en noviembre de 2017. A medida que crecía la demanda de Eilish, O’Connell, que mantiene una carrera en solitario como cantautor independiente bajo el nombre de FINNEAS, su hermano continuó siendo su único co-escritor y productor. Un año después de que “Ocean Eyes” aterrizara en SoundCloud, la canción se lanzó como un single de su ‘Don’t Smile at Me EP’, que llegó al N°14 en el Billboard 200 en enero. Siquiera antes de estrenarlo, ambos habían comenzado a trabajar en When We All Fall Asleep, primero escribiendo “Listen Before I Go” en mayo del 2016. Terminaron en enero. Goodman dice que When We All Fall Asleep prueba que el álbum no está muerto. “Con Billie, todo pare-

ce que pertenece”, desde las visuales de la gira al hecho de que, inspirada en Because the Internet, Eilish se aseguró de que ciertas canciones hagan referencia a otras. “Todo se siente como si este fuera el momento”, agrega Goodman. Eso es porque lo es. Luego del lanzamiento del álbum, 12 de sus 14 temas llegaron al Hot 100, incluyendo la colaboración de Khalid de Eilish “Lovely” y “Ocean Eyes”, que batió el récord entre las mujeres que más alcanzaron el Hot 100 con hits en el chart en simultáneo. Los 16 integrantes del equipo de Billie Eilish pasaron casi ocho meses ideando una estrategia de lanzamiento, siempre en coordinación con la fecha de estreno del set en Coachella. A cada paso en el camino, era claro que estaba promocionando un álbum. Lubliner evitó enfocarse en una pista ya que quería que cada tema se convirtiera en un nuevo punto de entrada para los fanáticos. Recordó haber visto cómo Travis Scott y Chance the Rapper ingresaron en el streaming: no a través de una canción, sino con un cuerpo de trabajo y una imagen bien definida. “Hay un poco de ese espíritu del hip-hop en este proyecto”, dice Rukasin. Scott y Chan-

ce pueden tener sólo 28 y 26 años respectivamente, pero para Eilish, tienen la edad suficiente para dar ejemplo. “Ese fue siempre el tipo de artista con el que quería trabajar, y Billie era el tipo de artista que quería desarrollarse de esa manera”, explica Lubliner. Antes de construir su equipo, Eilish trabajó brevemente con A&R, con sede en Londres, y la compañía de servicios creativos Platoon (una asociación que O’Connell había forjado), que Apple adquirió en 2018. Aunque era la artista Up Next de Apple en septiembre de 2017, tiene un show en Beats 1 denominado ‘Groupies Have Feelings Too’, y escribió una canción con O’Connell para el comercial de vacaciones de Apple en 2018, su equipo no mostró favoritismo hacia Apple o plataforma alguna, frustrando a algunos ejecutivos de streaming que esperaban obtener más crédito por su éxito en el camino, según comentaron fuentes a Billboard. En febrero se asoció con YouTube para el lanzamiento de su iniciativa original de una serie de mini-películas y en Coachella, la plataforma le regaló una placa, una torta temática de Louis Vuitton y una carta de su CEO por llegar a los 10 millones de

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suscriptores. En marzo, Spotify creó una experiencia interactiva en el centro de Los Ángeles, en la que 14 habitaciones representaban sus 14 álbumes. A nivel internacional, trabajó con Amazon Music y Deezer. “Ella realmente trabajó duro y le dijo que sí a todas las oportunidades que pudo”, dice Lubliner. Desde el principio, Eilish realizó una gira implacable (acompañada por O’Connell y sus padres) para subirse al escenario y hacer prensa, creando una base de fanáticos en cada mercado. Últimamente, dice Eilish, solo tiene tiempo de inactividad cuando va al baño, donde ve ‘The Office’ en su teléfono para alivianar el estrés. Actualmente, según su equipo, la demanda de Eilish es tan innegable que otros sellos comenzaron a estudiar su estrategia. “Si me diera cuenta de que alguien hizo un buen trabajo desarrollando a un artista, por supuesto, me gustaría saber qué es lo que hizo diferente”, dice John Janick, presidente y CEO de Interscope Geffen A&M. “Lo bueno de esto es que Billie es tan especial que es difícil replicarlo. Puedes hacer tantos estudios de casos como quieras, pero solo hay una Billie Eilish”.

revio a su presentación en Coachella, Eilish escuchó la discografía de Britney Spears. “Pensé, oh esta pobre niña, esta pobre niña”, dice ahora. “No es que me compadezca de nadie, eso es condescendiente. Yo simplemente los entiendo”. Al mismo tiempo, Billie y Ariana Grande comenzaron a mensajearse. “Tuvimos este extraño sentimiento la una por la otra”, dice Eilish. “Nuestras carreras son completamente distintas y estamos en diferentes lugares, pero nos entendemos. Creo que es así en este momento con artistas, especialmente con mujeres en la industria musical. Todos lo sentimos”. Goodman dice que Eilish oye constantemente que está “viviendo la vida “, pero porque ha seguido las carreras de tantos artistas antes que ella simplemente desde la perspectiva de un fanático. Está familiarizada con la montaña rusa de la fama. Y sin miedo de enfrentarlo. “Mi música intenta confortar y trata sobre ‘sé cómo te sientes y no estás solo’”, dice Eilish. Tan solo

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G LO B A L I Z A RS E

En una industria dominada por las estrategias de lanzamiento experimentales y los álbumes solamente hechos en formato digital y estrenados en el momento, Billie Eilish demostró el poder de adherirse a un plan de marketing global cuidadosamente planeado: reivindicar a los devotos en el desarrollo de artistas de la vieja escuela y en la escala de grandes sellos. “Nuestro enfoque siempre fue tratarla como una artista global, utilizando todas las plataformas como socias para darles muchas ventanas para captar fanáticos”, dice el vicepresidente de Interscope Geffen A&M (IGA), Steve Berman. Así es como ella y su equipo lograron eso.

ENFOQUE CENTRAL

Cuando Spotify presentó por primera vez “Ocean Eyes” en su lista de reproducción de New Music Friday, la canción no resonó como lo hizo el hip-hop en aquel entonces. Pero las métricas, dice Mike Biggane, jefe de los grupos mundiales de géneros, recordaron a Post Malone, cuyos fanáticos centrales impulsaron su participación en la plataforma antes del gran impacto que tuvo “Rockstar”. Cuando se estrenó “Lovely”, con Khalid, todo el catálogo de Eilish explotó. “Así es como se ve la verdadera reactividad en una economía de atención”, dice Biggane. “Ella siempre se ha centrado en su base

presionando un botón, ella puede conectarse con sus 21.3 millones de seguidores en Instagram. Pero un rápido escaneo de su cuenta en Instagram, donde las fotos de Eilish sin filtro reflejan ese “soy lo que soy”, más que cualquier foto en pose, no parecería demostrar que recientemente se presentó en Coachella. “Experimenté cosas en Coachella que me acompañarán durante toda mi vida”, explica Eilish dos semanas después. “Y quiero que esos recuerdos sean mis recuerdos, no los de todo internet. Obtuve lo que tengo a través de SoundCloud e Instagram, y no puedo enojarme con eso, aunque a veces lo estoy. No en el hecho, sino en las redes sociales en general”. Ella admite que conoció a “algunas de las mejores personas gracias a Internet”, incluyendo a su amigo Crooks, el rapero de Londres que conoció a través de Instagram, quien prestó su voz para “Bury a Friend”, así como también apareció en su video. En estos días, Eilish se encuentra saludándose con personas de alto perfil, aunque dice: “Conocer a alguien en la vida real es muy extraño”. Se ha hecho gran amiga de Tierra Whack (quien esperó detrás del escenario después del set de Eilish) y de Jessie Reyez; se reunió con Lana Del Rey (con quien fue comparada por su inquietante voz) y con Sam Smith. También se sacó una foto con una Polaroid con

de fans. El crédito se debe a su equipo por maximizar la oportunidad a medida que su audiencia creció”.

I N T E L LO CA L

Lubliner se conectó con figuras clave en los mercados individuales para preguntarles: “si firmas con un artista local, ¿cuáles son las cinco cosas que harías fuera del streaming?”. El resultado se tradujo en consejos acerca de todo, desde qué publicaciones usar, en qué estaciones de radios universitarias para acercarse y qué sesiones adquirir alrededor del mundo. “Entonces -dice- pasaríamos mucho tiempo cuando ella iría a cada mercado haciendo todas esas cosas”, pero siempre con la opinión de Eilish. “Ella ha sido fiel a sí misma desde el primer día”, dice Lindsey Fell, gerente de relaciones con artistas de YouTube.

V I S I Ó N M AYO R

Al permitir que Eilish y a su hermano, Finneas O’Connell, se tomen su tiempo para crear un álbum en su habitación fue, según el presidente y CEO de IGA, John Janick, “apoyar lo que querían hacer porque tenían una visión. En ese sentido estábamos actuando como indies”. Mientras, utilizaban la influencia del sello principal para encontrar socios globales. “Billie está completamente involucrada en toda su creatividad, hasta en los detalles más pequeños”, dice Zane Lowe, de Apple Music. “Ella está surfeando la ola de su propia creación”.

Ariana Grande en Coachella, y al día siguiente de su presentación, conoció a su ídolo, Justin Bieber, encuentro que su manager Scooter Braun inmortalizó en un video (se viralizó con más de 2 millones de reproducciones). “Estoy en este lugar donde conozco a todas las personas de las que soy fan”, susurra. “Es muy raro”. Recientemente, cuando conoció a Timbaland en el estudio, él había publicado un video en las redes sociales de su reacción de “Bury a Friend”. La artista le dijo que le gustaron los ritmos que tocó para ella. “Ya ni siquiera sé lo que es bueno”, respondió el productor sorprendido. Tal podría ser el efecto posterior a Eilish: abandonó el tipo de álbum que cambia las reglas del juego y obliga a los artistas emergentes y establecidos a igualar la vara que elevó. De estos tantos encuentros recientes, fue su conversación con Mel C, también conocida como Sporty Spice, la que cambió la forma en que Eilish piensa acerca de su carrera. “Cuando eres joven y esto está sucediendo, todo lo que estás tratando de hacer es sobrellevarlo y sobrevivir”, le dijo Mel C. Y luego, cuando se termina, dices: ‘¿Qué acaba de suceder?’” Eilish confiesa que no ha dejado de pensar en eso. “Sólo estoy tratando de sobrevivir”, dice. “Durante mucho tiempo, me he estado quejando de

muchas cosas porque hay mucho de qué quejarme, pero necesito asimilarlo y ver realmente qué tan sorprendente y raro es esto”. Vivir el momento es parcialmente una necesidad. Pensando en el futuro, ella dice: “me hará vomitar, honestamente. Hoy estoy aquí y mañana haré lo que tenga que hacer mañana. Las cosas que tengo que hacer en mi vida son realmente grandes trabajos, y todos son míos. Eso es mucho para pensar”. Aún así, Eilish a menudo ha dicho que solía llorar porque quería todo esto con tanto fervor. Y hora que lo tiene, se aferra en su silla y después de una extensa pausa, llega a una conclusión: “No quiero que arruine toda mi vida”. Es un nivel de conciencia iluminada para su edad y una prueba, tal vez, de que está preparada para sobrevivir al estrellato. “A la gente le encanta hablar sobre cómo construimos nuestro trabajo por nuestros propios medios, y lo hicimos, porque grabamos de forma aislada, sólo entre nosotros dos en una habitación”, dice O’Connell. “Pero nos tomó un montón de gente que apoyara nuestra visión”, una visión que todavía Eilish está revelando al mundo. “No quiero que nadie sepa mis objetivos, porque entonces intentarán ayudarme”, dice ella. “Quiero hacer esta mierda yo misma”. Habla como una verdadera adolescente.

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Hernán Cattáneo

Desintoxicar la electrónica Antes de debutar en Glastonbury y mientras la Cattaneomanía que comenzó con sus shows en el Teatro Colón se mantiene viva con el Sunset Trip, el DJ construye una escena electrónica nacional de excelencia y explica porque a sus 54 años se encuentra en el mejor momento de su carrera. Por

Santiago Torres y Jota Ayerza Fotografiado por

Tute Delacroix

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de forma categórica, sin dudar, Hernán Cattaneo define en la casa de Billboard AR, en Buenos Aires, que el mejor año de su carrera fue 2018. Casi irónico si se piensa que en 2004 el DJ de 54 años ocupó el Nº6 del Top 100 de DJ Magazine, el reconocido medio británico de música electrónica. Es más, durante toda la primera década del nuevo milenio también fue el mejor DJ de hispanoamérica. Pero Cattaneo tiene razón. Su pico de popularidad llegó con los cuatro shows agotados en el Teatro Colón durante el verano de 2018, al punto tal que se habló de una “Cattaneomanía”. Todo confluyó en lo que fue su show sold out en el Campo Argentino de Polo para más de 12 mil personas, en el que se inspira su próximo álbum, Sunset Trip. Y si todavía faltaba algo, a fin de junio se presentará en Glastonbury (el monstruoso festival británico) junto a su colega y amigo Nick Warren en un B2B. La explicación del crecimiento de su carrera se la podría explicar en términos futboleros. El deporte más popular del mundo es -debajo de la música- su segunda pasión. En 1998, Cattaneo era un reconocido DJ de la escena electrónica argentina, un género que históricamente vivió en el underground. En una suerte de fichaje de caza talento, y tras hacer el warm up de su show en una visita al país, el DJ Paul Oakenfold decidió invitarlo a ser parte de su gira. “Fue el punto de quiebre de mi carrera. De un día para el otro me fui de gira por Estados Unidos y 40 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

Europa. Con el tiempo me hice muy amigo y empecé a trabajar con las mismas agencias que él”. De pinchar en la discoteca de la costanera porteña, Pachá, Cattaneo pasó a girar en el bus de Lenny Kravitz -vecino de Oakenfold en Los Ángeles-, hanguear con Moby en camarines e instalarse en Inglaterra. “Algo impensado para la época, yo no era algo especial”, dice humildemente. Pero el DJ ya estaba jugando en la “Liga de campeones” de la electrónica mundial. Casi se inhibe cuando se lo compara con embajadores argentinos como Lionel Messi o Emanuel Ginóbili. Salvando las distancias de popularidad, y hasta económicas, su figura, al igual que estos dos deportistas de élite, representa la de personas abocadas a su pasión; que a pesar del dinero y la fama siempre mantuvieron un eje de disciplina y valores. El ámbito de la electrónica tiene indirectamente una relación con la noche, las fiestas y los excesos. Pero los vicios no hicieron mella en su determinación. “Quizá para los 18 o 20 años, que eran los momentos donde podía tener tentaciones, ya estaba muy entusiasmado y enloquecido con la música, trabajaba full time de DJ. No tuve tiempo ni para mirar para ese lado”, explica. “El alcohol y las drogas son cosas que los chicos buscan porque todavía no tienen algo que los motive, a veces, puede ser una forma de tapar un vacío. Yo ya estaba totalmente lleno con lo que hacía. Además, en esa época lo que hacía no tenía mucho éxito y me entusiasmaba la idea de hacerlo crecer”, continúa. Durante 30 años, la vorágine del circuito electrónico lo tuvo entre festivales y aeropuertos. Pero en su cabeza, siempre idealizó con una escena techno y house argentina que juegue mano a mano con la europea. “Nunca tuve ídolos hasta que ví durante seis años al Barcelona de Pep Guardiola. Viví en la ciudad cuando el equipo ganó trece de los quince campeonatos, fue una revolución futbolística”, cuenta con los ojos encendidos, y entre líneas, se ve su afán por llevar la excelencia que representa Guardiola a una escena tan golpeada y llena de prejuicios como lo es la electrónica argentina.

En parte, a eso debe su regreso al país, que significó el primer triunfo de esta cruzada que encarna -junto a su socio Cruz Pereyra Lucena- con cuatro sold outs en el mítico Teatro Colón. “Cuando Cruz me comentó de la posibilidad de tocar en el Colón casi vuelvo nadando al país. Era la oportunidad perfecta para mostrar la mejor cara de la electrónica”, explica. El diseño del show fue también todo un desafío técnico. Pinchar en un recinto como el Colón, donde el set debe ser combinado con una orquesta sinfónica, requirió un trabajo que hasta tuvo que vencer prejuicios en su preparación. “Para mucha gente meter la música electrónica en un lugar así era una herejía. Además, más allá de lo musical, después de la tragedia de Time Warp directamente fue mala palabra, sinónimo de todo lo que está mal”, contextualiza. Sin embargo, fue una oportunidad que el DJ no dejó pasar. “Nosotros sabíamos que podíamos llegar hasta 85 decibeles para aprovechar la gran acústica del teatro y que si ponía el típico kick de la música electrónica nos comía la mitad. El truco fue sacarle presión sonora al kick, para que la orquesta suene adelante y nos concentramos en lo mántrico”. Sin dudas, la puesta fue todo éxito. No solo por los cuatro sold outs (fue él único artista del ciclo Únicos en lograr hacerlo), sino también porque se mostró otra cara de la electrónica, una con lo musical por sobre todo el resto. “Cuando Richard Coleman empezó a cantar acapella ‘Enjoy the Silence’ de Depeche Mode se creó un ambiente único. Cada uno de esos pequeños momentos fueron triunfos ante la gente que dice ‘la música electrónica es ruido’. La Directora del Colón no estaba tan segura de esto y después del primer show no lo podía creer”.

El segundo triunfo de Cattaneo y compañía llegó con la presentación del Sunset Trip, un show de ocho horas que comienza al atardecer. Antes de presentarlo en el Campo Argentino de Polo para más 12 mil personas, tuvo su debut algo más pequeño en José Ignacio, Uruguay. “Hicimos una fiesta de electrónica como si fuera el Cirque Du Soleil, donde todo es espectacular. Es la única forma de barrer con todos esos prejuicios que tienen sobre el género. Y las vamos a seguir haciendo así”. El show ofreció agua gratis todo el tiempo y espacio de sobra para la gente. Al punto que decidieron vender 2500 tickets menos para que el público esté más cómodo, una decisión que muestra una clara bajada de línea conceptual tanto a nivel artístico como de producción. En el Sunset Trip se pudo apreciar más que nunca el secreto del arte de Cattaneo, aunque para él tan solo sea sentido común. “Si te invito a comer a mi casa no te voy a dar helado de entrada”, dice. Mezclar música de forma progresiva lleva más trabajo que eso, hay que entender como dos canciones pueden entrar dentro de una sin alterar el groove y maximizar sus melodías. Básicamente, el DJ conoce a la perfección todas las canciones que selecciona dentro de su set. “Yo tomo mis sets como si fueran una película larga, donde la intensidad aumenta gradualmente”. Cada performance de Cattaneo es única, es decir, no hay dos show iguales y para eso mantiene intacto el entrenamiento de buscar nuevas canciones todo el tiempo. “Todos los días dejo a mis hijas en el colegio a las 8 y ya estoy sentado en mi escritorio con más 500 tracks nuevos para escuchar, y de esos selecciono solo cinco quizás”, cuenta. “El mejor momento para escuchar música es en los aviones.

“A los 30 estaba en el top 10 del mundo, sin embargo, el 2018 fue el mejor año de mi carrera”.

En un vuelo de 12 horas no hay interrupciones de ningún tipo, no hay WhatsApp, no hay mail, no hay nada. Ahí, generalmente, defino los sets”. Hay una sola condición para que una canción forme parte de su show: que le guste a él. “Cuando mezclo en vivo estoy haciendo una propuesta, no importa si es en Los Ángeles o Tokio, suena lo que yo quiero. Si no sería una rockola donde la gente me dice quiero esto o lo otro”.

Cattaneo comenzó a pasar música de adolescente en plena explosión de la escena disco a comienzos de los ochenta. “Los DJs ni siquiera estaban en los flyers de la fiesta”, contextualiza. El house en Argentina era todavía era un anhelo y recién a comienzos de los noventas se creó un pequeño circuito. “En vez de ir a jugar al fútbol me pasaba el día en la discoteca Cinema prac-

“Hicimos una fiesta de electrónica como si fuera el Cirque Du Soleil, donde todo es espectacular”. ticando enganches para el sábado tener un mejor set. Algo así como el futbolista que se queda entrenando tiros libres después de entrenar”. Mentor de la disciplina y de la competencia con uno mismo. El DJ entiende que son pocos los tocados por la varita que llegan sin una constante insistencia. “Soy un obsesionado. Lo único que quería era mejorar. Competía contra mí. Lo único que quiere un DJ es convencer a la gente que se divierta con la música que te gusta a vos”, explica. Con el avance de la tecnología el oficio de DJs sufrió más cambios que casi ningún otro en la música. Con la sincronización digital para

enganchar canciones (sync), la práctica manual quedó obsoleta. Aún así, Cattaneo todavía lo hace con sus dedos y se reconoce old school. Pero no es una cuestión purista o snob lo que lo lleva a hacerlo sino el riesgo de sentir que se puede equivocar. “Me genera adrenalina”, admite. Estás trabajando en nuevo álbum, ¿con qué nos vamos a encontrar? -Aprovechando que el disco va a ser escuchado en distintos lugares, es decir, no solo de noche, me gusta ampliar el panorama. La primera parte es más lenta, más

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Tenés 54 años, te podrías haber aburguesado. ¿Por qué tenés necesidad de seguir siendo DJ cuando podrías ser un ejecutivo? - Yo creo que primero me encanta lo que hago, tengo mucha pasión por esto. Es el principal motor que me trajo hasta acá. Los domingos de chico yo me ponía a escuchar los rankings, buscaba las Billboard de Estados Unidos y miraba los charts, buscaba discos por todos lados, me gastaba toda la plata en

música. Esa pasión es la que me trajo hasta acá. Todos los DJs que llegan a cierto nivel es porque han tenido una pasión enorme. Cuando nosotros arrancamos no era como ahora que hay más herramientas. Si vos te ibas a dedicar a DJ ibas a tener una vida bastante hippie, feliz por tu amor a la música pero no ibas a ganar un mango. No era el glamour que mucha gente se imagina con los DJs de hoy en día, y que hoy tampoco lo es tan así. Pero ahora hay una escena y hay DJs que son estrellas.

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“El show en el Teatro Colón fue un triunfo ante la gente que dice ‘la música electrónica es ruido’”.

L 1965

1990

Comienza a pasar música en la FM z95, radio enfocada en la difusión de música electrónica en Argentina, la cual, años más tarde, pasaría a ser conocida como Metro.

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Hernán Cattáneo nace en el barrio porteño de Caballito, el 4 de marzo de 1965.

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A 1998

Se convierte en el DJ residente de Clubland, ciclo que se desarrollaba semanalmente en la discoteca Pachá de Buenos Aires. Cattáneo abre para Paul Oakenfold en Pachá y el reconocido DJ decide incluirlo en su gira mundial. Entre 1998 y 1999 giró por los Estados Unidos y se presentó en festivales como el Burning Man y el Red Rocks Amphitheatre.

T 2004

Con un nombre propio en la escena electrónica mundial, el DJ ocupó el puesto N°6 en el ranking de la DJ Magazine.

M 2005

Hernán inició una gira en la que tocó en un promedio de cuatro ciudades por semana. Durante ese año estuvo en Coachella, compartió cartel con artistas como Coldplay, Nine Inch Nails, The Prodigy y Kasabian.

D 2008

Fue el encargado de cerrar el club Yellow en Tokio, Japón, con un set de más de 10 horas.

e 2009

Cattáneo crea su propio sello, Sudbeat, con el cual editó lanzamiento de DJs y productores como Danny Howells, Guy J, Henry Saiz y Marc Marzenit.

á 2017

Tras vivir en Londres y Barcelona, regresa a Buenos Aires para preparar su show en el Teatro Colón.

a 2018

Gana el premio al mejor DJ en Progressive House otorgado por DJ Awards de Ibiza. Agota cuatro shows sinfónicos en el Teatro Colón y se comienza hablar de una “Cattaneomañía”.

2019

Presenta el Sunset Trip en Punta del Este, Uruguay y en el Campo Argentino de Polo para más de 12 mil personas. A fin de junio se presentará en el Festival de Glastonbury en un B2B junto a Nick Warren.

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Algunos creímos que quizás tomarías un camino como el que en tomaron, por ejemplo, Calvin Harris o Steve Aoki. Fusionarte en el elemento cancionero pop actual y darle tu propia impronta desde la electrónica... -Si bien tengo una buena cantidad de seguidores en todo el mundo, a nivel mainstream sigue siendo un nicho, y yo me siento muy cómodo ahí. No quiere decir que nunca haga un remix de pop, lo podría hacer pero en este momento como DJ me siento bien con esto. Quizá el día de mañana como productor me llamen para hacer un remix y lo haga. En todo caso, estoy más cerca de hacer versiones de temas clásicos que me gustan, como hago en mis sets, donde cada tanto aparecen Pink Floyd, Cerati o Depeche Mode. Probablemente termine haciendo más remixes porque hay un momento en el que voy a dejar de viajar tanto, hoy tomo una cantidad inexplicable de aviones al año. Ponele que dentro de unos años mi hija mayor me pida que le haga un remix a tal o cual artista pop que le gusta, y quizá lo haga pero creo que tiene que ver más con la coyuntura. No quiero tener que ir explicando porque hice las cosas. En su momento me ofrecieron hacer un remix de artistas latinos famosos y justo las canciones que me ofrecieron no eran las que yo hubiese querido hacer. Puede suceder pero no me da ansiedad. Hay artistas nacionales que si me atraen más remixar, desde Virus a Los Fabulosos Cadillacs pero se tiene que dar orgánicamente. Tu carrera se desarrolló en una industria muy diferente a la ac44 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

“El alcohol y las drogas son cosas que los chicos buscan porque todavía no tienen algo que los motive, a veces, puede ser una forma de tapar un vacío”. tual, ¿que rescatás del pasado y que destacás del presente? - Afortunadamente, la escena electrónica desde hace mucho tiempo es totalmente global y democrática, y eso es gracias a las nuevas tecnologías. Yo todo el tiempo recibo música de productores de todo el mundo. Tampoco sé si es justo comparar. Hoy estamos en una época de transición a algo nuevo. La gran ventaja que veo de antes es que un sello discográfico grande invertía en bandas sin desarrollo si veía talento. Las ponía en un estudio de grabación con

Trevor Horn para ver qué salía. Hoy solo van a llevar a un artista con un productor mega top si ya tuvo al menos dos o tres hits. Cuando ves cómo hicieron todos los primeros discos de Pink Floyd entendés que había un interés por desarrollarlos, les cerraban Abbey Road por todas las horas que hacían falta. Hoy en día es imposible eso. No hay dudas que en los últimos años la música electrónica tomó un nivel de preponderancia mucho mayor, al punto que varios DJs son headliners de

festivales mega populares, ¿a qué se lo atribuís? -Hoy en día hay mucha más música global o popular. La música electrónica de antes estaba más dividida. Hace un tiempo muchos de los DJs más populares están trabajando con bandas y artistas como Coldplay, Pharrell Williams o Bruno Mars. Y es porque la música electrónica le dió un valor agregado al pop que antes no estaba. Creo que el EDM fue en parte responsable de esto, agarró al pop y lo hizo electrónico, fue un bombazo. El impacto que tuvieron a nivel global fue tremendo y ayudó a que la gente se anime a escuchar a los que veníamos haciendo techno, progressive y house. A los 30 estaba en el top 10 del mundo, sin embargo, el 2018 -a mis 53- fue el mejor año de mi carrera. No tiene mucho sentido. ¿Fue mérito solo mío? No, entra a la ecuación que estos DJs hayan multiplicado por 100 a la escena electrónica. Si hubiera sido por mí o los DJs que a mi me gustan eso nunca hubiera sucedido.

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suave, va a ir a 110 bpm y la segunda va a ir a 122 que es la velocidad clásica de club. Se llama Sunset Trip porque está inspirado en los shows que hicimos en el Campo de Polo Argentino y Punta del Este, que son fiestas que arrancan de día y terminan de noche. Al principio es más melódico y cinemático, con algunos vocales y muchos efectos. Después es más parecido a escucharme a mí en una discoteca un sábado a la noche en cualquier parte del mundo.

Adam Levine

Perfume de hit

GENTILEZA YSL

Yves Saint Laurent presentó a Adam Levine como el nuevo embajador de “Y”, la icónica fragancia masculina de la marca.

rockstar, actor y ahora, embajador internacional de “Y”, es uno de los nuevos títulos de Adam Levine, el líder de Maroon 5. Sin miedo a tomar decisiones audaces y siempre auténtico, el cantante personifica la esencia de “Y”, la icónica fragancia masculina de la marca Yves Saint Laurent. Enriqueciendo el universo de la fragancia, la campaña de Adam para “Y” fue rodada por Colin Tilley, y abre un nuevo capítulo en la historia del perfume. Yves Saint Laurent encapsula la esencia del rock en “Y”, que pertenece a la familia de las amaderadas aromáticas, con notas de jengibre, salvia, cedro y almizcle. Más allá de su elaboración, es una fragancia para el hombre libre, de espíritu innovador, espontáneo y seductor. En la nueva campaña, Adam continúa la historia de “Y” pero esta vez se trata de un hombre que se atrevió a creer el sueño y que logra todo lo que se ha propuesto. Al igual que la propia fragancia, el líder de Maroon 5 representa los sueños y las pasiones de los hombres que quieren hacer sus propios caminos a través de la vida.

“Damos la bienvenida a Adam Levine a la familia internacional de embajadores de YSL. Verdaderamente talentoso, pero con una naturaleza afable, y un sentido de estilo al que nos relacionamos, aporta una energía añadida al mundo de YSL Beauty, que estamos entusiasmados de poder compartir ahora su nuevo papel como embajador global de Y”, dijo Stephan Bezy, presidente de Yves Saint Laurent Beaute. Hablamos con Levine sobre su rol de embajador de la icónica fragancia. ¿Qué significa compartir una plataforma global con YSL? - Siempre fui un fan de YSL, por lo que la oportunidad de ser parte de una marca que he respetado y disfrutado durante tanto tiempo significa mucho para mí. Tan pronto como recibí la llamada dije que sí. ¿Qué piensas acerca de “Y”, y por qué crees que ustedes dos encajan naturalmente?

- “Y” tiene una verdadera elegancia, pero hay fuerza. Esa dualidad es relatable para muchos chicos. Aunque me encanta la moda de gama alta, al mismo tiempo, creo que mi estilo es un poco más simple y directo, no tan llamativo ni tan loco. Soy un tipo de hombre con camiseta y pantalones vaqueros. Como una fragancia clásica, “Y” agrega ese toque final de refinamiento a cualquier look. ¿Cuáles son los valores de esta campaña? - “Y” se destaca sin tratar explícitamente de hacerlo. Me encanta eso. Es silenciosamente difícil. Esos valores definen la campaña. Ese es un mensaje que me complace promocionar y compartir. También es un icónico. Con una letra, “Y”, transmite toda esta filosofía y mentalidad. ¿Por qué crees que YSL Beauty te eligió a ti como músico? - YSL Beauté tiene una energía de rock and roll. Tenemos eso en común, por lo que estamos comenzando juntos este capítulo genial. B I L L B OA R D.CO M . A R

Con 24 a ñ os, e l au to r d e “ Tu m ba n d o el cl ub ( Re mi x) ” es p i on e ro y p res ente d e u n a esce n a q ue se g a n ó l a ate n c i ó n d e toda l a i n d u st ri a mu s ical hi s pa n o pa rl a nte. Mi ent ra s g i ra po r Es pa ñ a y M éx i co p re pa ra u n á l b u m pa ra l a se g u n da pa r te d e 2 0 19. Por Jota Ayerza

NEO PISTEA LA PIEDRA ROSETTA DEL TRAP 46 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

en 1799 el soldado francés pierre-François Bouchard encontró un fragmento de una estela egipcia de granodiorita, es decir una piedra, sobre la que había tres escrituras distintas (jeroglíficos egipcios, escritura demótica y griego antiguo), hecho que significó la clave para el desciframiento moderno de los jeroglíficos y sirvió de llave a la cultura egipcia. Más de doscientos años después, en Caballito, Buenos Aires, el encuentro de Duki e Ysy A -dos populares freestylers en plena mutación artística- con Sebastián Chinellato devino en la última revolución musical argentina y un cambio en el paradigma del consumo de streaming. Salvando distancias históricas y científicas, Neo Pistea es la piedra Rosetta del trap argentino. Comencemos a explicar la arriesgada analogía. Año 2012, Buenos Aires: Sebastián Chinellato escucha todo el día Wiz Khalifa y Young Thug, casi como una obsesión. “El trap en Estados Unidos ya se había pegado con ‘Black and Yellow’ y acá todavía escuchábamos los wachiturros”, explica. Con una computadora del plan Conectar Igualdad y un micrófono casero que “compraron entre varios”, Neo produjo sus primeros temas. Pero no solo a él, grabó a todos a sus amigos. Entre ellos, personajes como Coqeein Montana y Obiwanshot, a quienes Tony incluyó en el remix de “Tumbando el club”, hoy himno del trap argentino que reune también a Duki, Ysy, C.R.O., Cazzu, Khea, Marcianos Crew y Lucho SSJ. “Yo grababa todo con un Cube Ace y con una página online editaba las fotos de los singles. En esa época empecé a moverme con los Basura Crew, que era algo así como el WuTang de acá”. Para el desprevenido, el Wu-Tang Clan fue un colectivo de raperos que nació a principios de los noventa en Staten Island, Nueva York, y del cual salieron artistas como GZA, Ol’ Dirty Bastard y Ghostface Killah.

Poco a poco, el camino en el trap de Neo se fue profesionalizando. En 2015 fundó KMD Label junto a Mike Southside, Coqeein y el Negro Zanto, y empezaron a grabar en un estudio por Palermo donde Pistea produjo Codeína Mix Tape 2, un relato crudo y descarnado de su vida en aquel entonces, y que hoy solo se encuentra en YouTube. Al año siguiente graba junto al productor 808GOD “Elvira”; una canción clave en la popularización del trap en Argentina. No solo por superar las cien mil reproducciones en YouTube (un número casi inalcanzable en aquellos tiempos) sino porque también sirvió de puente entre Neo y las prominentes estrellas de El Quinto Escalón: Ysy A, su creador, y Duki, compositor de “No vendo trap”. “Los traperos de acá éramos un asco para los raperos. Éramos todo lo que estaba mal, lo que no había que hacer. Que un rapero de la escuela del boom bap, que escuchaba Cypress Hill se ponga a escuchar Wiz Khalifa o A$ap Rocky... era como ‘¿Qué? No, el rap es un mensaje, no son las cadenas de oro y las fiestas. El rap es protestar, Nach Scratch, SFDK’”, cuenta y luego agrega: “El mundo del freestyle siempre nos trató así, lo único que pudo derrocar eso fue que unos freestylers se pongan a hacer trap”. Durante parte de 2016 y 2017, a través de Neo Pistea, se fundaron las bases del trap argentino que explotó el streaming en 2018 y puso la atención de Latinoamérica en nuestro país. Por un lado, Ysy A y Duki cruzaron sus caminos con el de Neo Pistea y fundaron el trío #ModoDiablo, responsable de canciones como “Xanax”, “Quavo” y “Trap N’ Export”. “Que ellos hayan visto esto a la par fue clave. Duko e Ysy ya tenían público por el freestyle, solo era cuestión que les guste, porque el talento ya lo tenían”. Hasta el momento el trap en Argentina no podía salir del underground, y aunque lo estuvo un tiempo más, con esta unión pudo tomar vuelo. “No había mucho trap en castellano, éramos nosotros y en España los PXXR GVNG. Yo tengo la mejor con ellos de hace años, cuando vinieron a tocar yo cante con ellos”.

Por el otro lado, en 2016 con el boom de “Elvira”, Franco Ferrari de I Need Sponsors invitó a Neo al estudio, lo que significó un antes y un después en la producción de sus tracks. “Estoy súper agradecido con los chicos de INS por la mano que me dieron. Me presentaron a 0600 y cuando escuché lo que hacía pensé: ‘No puede ser, esto es lo que quiero’. Yo venía de escuchar Young Thug todos los putos días, y a mi gusto musical, en el trap nadie lo supera. Quería hacer algo de su estilo sin que sea un type beat, y no podía pagarle a un productor por eso. Con 0600 fuimos más allá todavía”. En su primer sesión juntos, el dúo grabó “Medusa”. “Te lo cuento y se pone la piel de gallina”, cuenta. Hoy, su carrera −especialmente tras la explosión de “Tumbando el club (remix), canción que llegó al Nº3 del Billboard Argentina Hot 100− gozan de muy buena salud. Firmado por Sony Music Argentina, en mayo agotó un Groove, actualmente se encuentra en su primera gira por España y luego viajará a México. Al mismo tiempo prepara su primer LP, en el que trabaja con diferentes productores de la escena: 0600, Oro Dembow, Lil Coca, los Neuen (Oniria, Yesan y Ferflame), Halpe y Dimeloasan, entre otros. “Está bueno darle lugar a más gente. Se viene con mucha variantes y muchas ideas mías, estoy volviendo a la producción”. Abanderado de una escena que volvió a poner a la Argentina en el mapa internacional, Neo explica qué es el trap, esta palabra que desequilibró el status quo rockero del país. Para él lo que la gente entendió como trap no es real. Rapear arriba de una base con un bajo 808 no te hace un trapper. El trap es una forma de expresarse, por eso se puede hacer arriba de cualquier base de música. “¿Viste ‘DOMINGO’ el tema de Ysy y Homer? Bueno, cualquiera te diría que eso es boom bap pero para mí es trap, por la emoción con la que carga”. “Yo no reduzco al trap a un género musical, puede hacer trap arriba de una chacarera. Para mi el trap es una forma de vivir, una cultura”. Luego frena un segundo y reformula su respuesta: “Tendría que mostrartelo para que lo entiendas realmente”. B I L L B OA R D.CO M . A R

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MIRANDA! CÓMO CONVERTIRSE EN UN CLÁSICO

El dúo conformado por Ale Sergi y Juliana Gattas se presentará en el Gran Rex. Adelantan el show y explican la razón de su estilo que los llevó a perdurar en el tiempo y ser parte del cancionero popular argentino. P O R S A N T I A G O T O R R E S Y J O TA AY E R Z A

GISELLE FERREIRO

Antes de su show del 17 de mayo en el Teatro Gran Rex, donde el dúo repasó sus dos primeros álbumes Es mentira y Sin restricciones (menos de un año atrás presentaron el mismo show en el Luna Park) hablamos en los camarines del teatro sobre su presente, su trayectoria y cómo su estilo perduró en el tiempo.

¿qué es lo convierte a un artista o grupo en un clásico? No es fácil saberlo. Hay quienes convierten la cuestión en algo mensurable, como la ventas de álbumes o tickets, y hay quienes se lo atribuyen a la propuesta artística y lo que genera en escena. Miranda! cumple las dos teorías. Pero para ellos, ser un clásico o convertirse en un clásico está más relacionado a la insistencia y perdurar. Mientras cumplen 19 años como grupo, y con kilos de hits en sus espaldas, Ale Sergi y Juliana Gattas se ganaron un capítulo en la historia de la música popular argentina. Queda en manos de ellos la cantidad de hojas que escribirán pero su nombre ya quedó inmortalizado en el cancionero nacional.

¿Qué estaban conquistando en ese momento y qué están conquistando ahora? - Ale Sergi: Hace 19 años estábamos comenzando y conquistando nuestra ansiedad. Miranda es un grupo de impulso, no hubo mucho de organización al principio. Y ahora no sé si es conquistar la palabra, pero de alguna manera estamos reafirmándonos. Me sorprendo gratamente que haya gente que siga y quiera escuchar esta música que salió hace tanto tiempo. Sentimos que hemos pasado a la categoría de grupo clásico. La gente al principio no entendió de dónde veníamos y ahora sí; en el fondo siempre fuimos lo más claros que pudimos. Con el tiempo se entendió de qué iba el grupo, si bien no inventamos nada nuevo, cuando comenzamos no había nada como nosotros en la escena. Ahora se abrió un casillero que es el de Miranda!

¿Por qué lo perciben como clásico? - Juliana Gattas: Entiendo que se perciba así pero tiene que ver con una insistencia de estilo, más que de hacer lo mismo. Sentimos que fuimos avanzando, evolucionando y nos movimos mucho con las influencias que aparecieron. Escuchamos todo el tiempo música nueva -sobre todo Alejandro- que nos entusiasma y nos divierte. - Ale Sergi: Cuando digo clásico me refiero a que el grupo no deja dudas en cuanto a su trayectoria. Después cuando te miran de costado, les guste más o menos, la gente reconoce que hace mucho tiempo están y que generan interés. A mi me da ilusión pensar que en la historia de la música argentina que nos gusta, tenemos nuestro lugarcito. En ese sentido, ¿cómo hicieron para mantener el ADN Miranda! sin repetir la fórmula? - Juliana Gattas: El ADN tiene que ver con que nunca plantearnos cambiar. Por alguna razón seguimos apasionados con la idea genética del grupo, que fue hacer una banda de baile, de discoteca, vistosa, divertida y entretenida en todos los sentidos. No sabes la ansiedad que tengo de salir a cantar, estoy que me

muero. Y el público está esperando algo más que canciones una tras de la otra. Buscamos brindar eso, una experiencia. Nunca nos cansamos de nosotros. Quizá en Es imposible fuimos algo más rockeros pero la discoteca, el baile y lo visual siempre está presente y es lo hace nuestra idiosincrasia. Ustedes giraron por Latinoamérica en el último tiempo, y estamos viviendo un gran presente de la música latina, ¿hay un plan regional del grupo? - Ale Sergi: Nunca fuimos de planificar, somos más de ir canción a canción, disco a disco. Nosotros ya veníamos haciendo cosas por afuera, de alguna manera. Pero ahora que sacamos Fuerte, el primero con Sony, tuvimos un apoyo grande y visitamos de vuelta casi todo Latinoamérica. No tenemos un plan de conquista. ¿Les tentó sumar ritmos como el dembow? - Ale Sergi: En el 2008, cuando editamos El templo del pop sacamos un reggaetón, “Chicas”, que fue justo en el momento que el género empezó a pegar y nos divirtió hacerlo. Pero porque siempre fuimos muy curiosos. B I L L B OA R D.CO M . A R

Bersuit Vergarabat

Tres décadas de la cabeza La banda reestrenó “Un Pacto” y regresó a Obras el 11 de mayo para darle broche de oro a los festejos por los 30 años, que inmortalizó con un álbum en vivo. Hablan de su legado, su desprejuicio y hasta su relación con Andrés Calamaro. P O R WA LT E R G A R R É

¿Cuál es la primera reflexión que les viene a la cabeza con 30 años de carrera? Daniel Suárez: Reflexiono que mis hijos empiezan a descubrir nuestras canciones ¡y ven que tengo pelo! Ahí es cuando te das cuenta de la distancia del tiempo. Es para agradecer, es como una pintura que no se desgasta, ni pierde color. Cóndor Sbarbati: Pasa mucho con el público, nos dicen frases como “te escucho desde la panza” o “mi mamá me trajo por primera vez

cuando yo tenía 10 años a un recital de la Bersuit”. Disfrutamos mucho de esas cosas, nos encanta que la música trasciende generaciones y siga intacta, formando parte de nuestra historia y del rock nacional. Entendemos que trascender es importante, porque nosotros estamos de paso, las canciones quedan. Ustedes nunca se casaron con ningún género, pueden tocar una chacarera, una canción pop, una de rock, y eso que antes era la excepción hoy es la regla. Me imagino que se sienten muy cómodos con todo lo que está pasando. CS: De alguna manera con algunas bandas, por ejemplo Los Decadentes, fuimos precursores en esto de tomar varios estilos y tomarlos como propios. Hay un seguidor nuestro, el fan número 1 (el facha de Boedo) que nos dice: “Ustedes me gustan porque son la banda más distinta; no es ni la mejor, ni la peor, son distintos”. Nosotros creemos que somos distintos porque somos desprejuiciados de la música. Desde el momento en que hacer una escala que te remita a la cumbia para un rockero era mala palabra, para nosotros era sumergirse de una a eso. Relanzaron un “Pacto” ¿Por qué deciden

volver a grabar una canción tan importante en su historia? CS: “Un Pacto” se había quedado afuera de Libertinaje, incluso también estuvo en los demos de Don Leopardo y tampoco entró. Fue una canción que quedó rezagada, no tenía estribillo. Hasta que le encontramos el coro del estribillo con el “oh oh oh” y le dió ese toque de magia, ese punto de emoción que la convierte en un icono de la banda. El público es el que decide que canciones van a ser hit, y eso pasó con “Un Pacto”. Andrés Calamaro, recientemente hizo un posteo en las redes sociales agradeciéndoles por haberlo rescatado en sus momentos difíciles. CS: La historia con Calamaro es de amor, sucedió en un momento en que confluyeron muchos factores. Amigos suyos cercanos coincidieron en que había un cierto grupo de gente que podía contenerlo, entre los que estábamos nosotros. Andrés llegó un día lleno de miedos, inseguridades y oscuridad; hacía seis años que no estaba arriba del escenario. Finalmente se relajó y se reencontró con sus propias canciones, y nosotros se las hicimos vivir nuevamente. Corrimos nuestros egos a un costado y nos pusimos al servicio de él.

GENTILEZA BERSUIT

pocas bandas conocen tantas variantes y situaciones desparejas como la Bersuit Vergarabat. Desde el under porteño más recalcitrante a la consagración llenando el estadio River Plate (2007), del reconocimiento popular con el álbum Libertinaje (producido por Gustavo Santaolalla), el éxito De La Cabeza y La Argentinidad al Palo, a la salida de Gustavo Cordera de la banda. Del parate de dos años al regreso fortalecidos. Sin duda la resiliencia podría ser uno de los mejores calificativos para un grupo que, con casi 31 años de carrera, ensaya todos los días, asiste a terapia de grupo, y mantiene la amistad entre sus integrantes pese a los altibajos de la vida. En esta entrevista, El Cóndor Sbarbati y Daniel Suárez nos llevan de paseo por el particular mundo de la Bersuit.

TINI

Abrir el juego La artista visitó la casa de Billboard en mayo para escuchar su último single “22” con algunos fanáticos. Su nuevo track, junto a la colombiana Greeicy, adelanta su próximo álbum y la acerca a la cumbia con el aval de Pablo Lescano. POR SANTIAGO TORRES.

“voy a tener varios invitados”, adelantó TINI en la casa de Billboard sobre su próximo show en el estadio Luna Park que anunció para el 18 de octubre. Recientemente, la cantante estrenó “22”, canción con la que adelanta su tercer álbum de estudio y en la que trabaja con la colombiana Greeicy y el ícono de la cumbia villera Pablo Lescano. “Con Greeicy teníamos el remix de ‘Lo malo’ y pegamos muy buena onda, siempre hablábamos de hacer algo de nuevo juntas”, comentó sobre el featuring. “Tenía muy claro que quería hacer una cumbia. Forma parte de las raíces argentina, desde que nacés escuchás cumbia”, agregó. El videoclip del tema cuenta con la participación del futbolista de la Selección Argentina y el Manchester City, Sergio “Kun” Agüero. “Le escribí por Whatsapp no tan segura de que acepte pero enseguida me dijo que sí”, dijo sobre el pedido para que se sume al video. “Es un genio, se tiró unos pasos buenísimos”. Ante la pregunta si eran pareja en el clip, TINI contestó: “Ellos dos como que se gusta pero no son pareja, se cuenta una historia de seducción”. Luego, la cantante habló sobre su relación con el colombiano Sebastián Yatra, quien fue tapa de Billboard en mayo. “Me pasó las fotos que hicieron, las vi hace poco”, reveló TINI. Desde su primera colaboración juntos en 2016, la argentina mantiene una relación muy cercana al cantante de “Un año”. “Lo respeto y admiro mucho. Tenemos una complicidad super natural para hacer cosas juntos. Nos tenemos un gran cariño y nos apoyamos en nuestros proyectos”, comentó respecto a la relación que año

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a año fue creciendo en exposición y camaradería. Por ejemplo, TINI es la protagonista del último video de Yatra “Cristina”. Durante la entrevista, la cantante también contó cómo vivió la explosión de la música en español desde sus comienzo en la tira juvenil Violetta. “Me acuerdo estar de gira y que los franceses o polacos no solo cantarán en español, también querían hablar el idioma”, dijo. “Hoy los artista anglo están buscando a los latinos para hacer colaboraciones”. Además, adelantó que hace poco grabó una canción con DJ Alesso en Estocolmo. “Estamos muy contentos con el resultado. Supongo que dentro de poco me juntaré a grabar el videoclip”. No hay más que una infinidad de proyectos nuevos por delante en la carrera de TINI. Su próxima parada es otro show en el Luna Park, esperemos que sea con muchas canciones nuevas.

F OTO G R A F Í A P O R T U T E D E L AC RO I X

Brenda Asnicar

Su propia musa La artista habló con Billboard en la antesala de la presentación íntima de su ópera prima, Vos sos Dios, ya disponible en plataformas digitales.

el día previo al estreno de la ópera prima de Brenda la victoria estaba asegurada. “Ya sentimos que está todo ganado, porque disfrutamos tanto el proceso que esto es un evento para compartir este disfrute con todos los que vienen”. El viernes 17 de mayo finalmente llegó y la cantante protagonizó un evento íntimo en Unísono –el estudio de grabación que construyó Gustavo Cerati–, para todos aquellos que formaron parte y confiaron en su proyecto. El show contó con la participación especial de Charly García, quien también forma parte del álbum. Juntos cantaron “You Are So Vain”, una canción de Carly Simon editada en 1973 que juntos versionaron para Vos sos Dios. Luego, en forma de zapada hicieron clásicos de García como “El día que apagaron la luz” y “Pasajera en trance” para los pocos afortunados que asistieron. “Ya pasó el proceso de gestación de todo esto y lo más lindo es disfrutar el proceso”, dijo la artista antes de presentar su trabajo discográfico 54 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

entre sus más cercanos. “Es muy importante en el arte cuando tiene que salir, poder encontrarse con uno mismo. A veces al entorno le cuesta entender. Fue tan importante poder abstraerse de todo y encontrarse con uno mismo adentro, porque esas cosas te hacen entender un poco el proceso, hacia dónde vas; el por qué y el para qué hacés estas cosas”. La actriz y cantante no dejó ningún detalle librado al azar. Hasta los tonos del set tienen su razón de ser. El azul y el violeta son dos colores sumamente importantes en el disco que se ven reflejados también en la escena. La naturaleza fue fuente de inspiración y materia prima a la hora de diseñar la tapa, elegir la música y seleccionar el equipo de trabajo. “Lo natural es que fuera fluido”. Y así lo fue, porque la excusa de la reunión fue la música, “que es lo más importante”. Nada más. Y agrega: “La idea es que puedan venir a disfrutar y a sentir lo que fue el proceso”. Asnicar habló de las dificultades a la hora de

hacer un disco independiente. “A veces llamás a músicos a cantar y te dicen que no tienen tiempo o que están ocupados. Y, de repente, que haya venido Charly a grabar las canciones fue como una enseñanza de lo que es él realmente”. Desde temprana edad lo escuchaba, gracias a su papá, quien le inculcó el amor por su música. “Nosotros estábamos trabajando en nuestro templo y que haya venido él a ponerle la cerecita al postre, fue increíble. Siempre voy a estar agradecida de todo lo que me enseñó y ahora más todavía. Eso es magia”. Para concluir, la artista dejó un mensaje en concordancia con la importancia de disfrutar del proceso y del trabajo creativo que nace de una conquista interna, del arte de fluir y de la importancia de encontrarse con uno mismo a la hora de componer. “Si uno sigue su corazón y su sueño, y hace lo que uno quiere, no se deja ensuciar porque a veces te dicen ‘tenés que hacer esto y esto’. Y uno tiene que seguir siempre su corazón”.

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A Salty Dog · Procol Harum

El encanto de un viejo lobo de mar POR ALFREDO ROSSO

rimero que nada, una pregunta: ¿por qué debería interesarnos Procol Harum? Respuesta corta: porque es una de las bandas más originales y sutiles del rock progre-sinfónico inglés. Luego, en tren de explayarnos, podríamos considerar los elementos que respaldan semejante afirmación, en base a lo que muchos consideran la formación clásica de la banda. A saber, un cantante, pianista y compositor como Gary Brooker, de envidiable rango vocal, único miembro constante de la formación a través de las décadas; Robin Trower, un guitarrista de finura y potencia; y Matthew Fisher, un tecladista, compositor y arreglador de formación clásica. Estos tres músicos, junto a la base rítmica que componían el baterista B. J. Wilson y el bajista David Knights, más el aporte crucial del letrista Keith Reid, fueron la columna vertebral de la banda en sus años formativos y los responsables de esta obra maestra que ahora cumple cincuenta años: el tercer álbum de Procol Harum, A Salty Dog. Procol Harum se formó en 1967 y enseguida tuvo un gran hit con “A whiter shade of pale”, una balada con aires de música clásica que se transformó en suceso mundial. Pero había una historia previa: Brooker, Trower y Wilson habían tocado juntos en The Paramounts, un combo de rhythm and blues nacido en 1964 la localidad marítima de Southendon-Sea, que registró un puñado de covers de rhythm and blues para el

sello EMI, con poca repercusión. Después de tres años de recitales frecuentes y grabaciones esporádicas, Gary Brooker dio un golpe de timón y se dedicó a la composición: el resultado fue una música sofisticada en la que el rock, el pop psicodélico y las referencias sinfónicas se aunaban en una mezcla novedosa. Tras el éxito de “A whiter shade of pale” (con Brooker, Reid, Fisher, Knights y un par de músicos de estudio), los viejos compañeros de The Paramounts regresaron con Brooker para darle al naciente Procol Harum una estructura más sólida y estable, plasmada en los dos primeros álbumes, Procol Harum y Shine On Brightly, editados en 1967 y 1968, respectivamente. A Salty Dog salió en junio de 1969. Grabado en los estudios Abbey Road con producción artística del tecladista Fisher, el álbum le brindó un nuevo impulso a Procol Harum, especialmente en Estados Unidos, donde llegó al puesto N°32 en el ranking de Billboard. A Salty Dog es una muestra cabal del talento de Procol Harum para moverse en diferentes estilos sin sacrificar la identidad de su música. De haber un concepto unificador entre las diferentes canciones, bien podría ser el del mar y la distancia. El tema que le da título habla de un viejo lobo de mar; un capitán que llevó a su tripulación por todas las latitudes, desafiando los peligros de oceánicos confines, hasta que la valiente embarcación y sus marinos deciden que han tenido suficiente. El relato de semejantes travesías está enriquecido con un arreglo orquestal a cargo del propio Brooker.

La gama de estímulos y referencias de A Salty Dog tiene mucho que ver, también, con el cúmulo de emociones, a menudo contrastantes, que disparan las letras de Keith Reid. El oyente se sumerge en el clima de despecho que rodea a una traición entre amantes en “The milk of human kindness” y enseguida lo envuelve la melancolía de un romance al que separa un mar de distancia (“Too much between us”). El primer tema tiene una estructura musical que no desentonaría en un álbum de The Band, mientras que el segundo posee un singular arreglo acústico. “The Devil came from Kansas” es un relato de terror y perdición, inspirado, según Brooker, en una canción de Randy Newman acerca de un senador corrupto, proveniente de ese estado sureño. El tema se enriquece con un sólido riff de Trower, “paneado” de un extremo a otro del plano sonoro. El lado uno concluía con “Boredom”, un aire de calipso con un auténtico despliegue de Fisher, quien canta, toca guitarra acústica, marimba y melódica, mientras Wilson pone un toque exótico en congas y tabla india. La importancia de tener varios compositores en la banda se hace evidente una vez más al comenzar el lado dos con “Juicy John Pink”, prueba de la reverencia de Robin Trower por el blues tradicional. Enseguida llega una muestra del sonido clásico que muchos identifican con Procol Harum: “The wreck of the Hesperus”, compuesto y cantado por Matthew Fisher, con gran marco orquestal. “La idea era combinar a Phil Spector con Tchaikovsky”,

dijo su autor. El título reproduce el de un poema del escritor estadounidense Henry Wadsworth Longfellow; la historia de un padre y su pequeña hija que mueren cuando su embarcación encalla en medio de una tempestad. El provechoso contrapunto entre el gen baladístico de Brooker y el amor por el blues de Trower aflora en “All this and more”, con un final dramático en la mejor tradición Harum. A continuación, el guitarrista continúa su exploración blusera en “Crucifiction Lane”, cuyo título deriva de “Crucifix Lane”, una calle de Bermondsey, barrio del sur de Londres donde estaba la sala de ensayo de los Rolling Stones. Debido a su naturaleza épica y/o barroca, varias canciones de Procol Harum han recibido el adjetivo de himnos. “Pilgrims progress”, de Fisher, concuerda con esa descripción, pero el secreto de su atractivo, paradójicamente, es su falta de solemnidad. “Me senté a escribir una simple historia”, comienza diciendo la letra, “que quizás al final se transformó en canción”. Reflejo perfecto del espíritu del tema que marca un epílogo ideal para A Salty Dog. Procol Harum continuó su camino con otros discos memorables como –entre otros- Home, Broken Barricades y Exotic Birds and Fruit, con varios cambios en su formación, mientras que Gary Brooker se ha encargado de mantener viva la llama de la banda en pleno siglo XXI. Entretanto, por su balance ideal entre riqueza temática y excelencia musical A Salty Dog sigue siendo un hito fundamental en su discografía, medio siglo después. B I L L B OA R D.CO M . A R

PUM

Todo El Verano

La cuestión genética es maravillosa y misteriosa: cómo es, cómo puede ser posible que en el encuentro químico de una serie de compuestos codificados en un ADN también se transmita la música. Esa misma música que, como los rasgos más finos del cuerpo humano, se traspasa de generación en generación. Los Baglietto son la demostración científica de esta idea: ahora, con el éxito de Huevo –a cargo de Julián Baglietto- ya consolidado, su hermano pequeño, Joaquín, encara el mundo del sonido y la creatividad como si le perteneciera toda para sí. Y PUM surge como una banda potente, con identidad propia y, aunque con códigos genéticos similares, autónoma de su pasado y su deber ser. Sin embargo, incluso su propio génesis lo hermana con su linaje: fue en un show de Huevo cuando todo comenzó. Santiago González era stage de la banda y Joaquín era habitué de sus conciertos. La música, claro, ¿qué más?, los imantó: casi como si fuera un fluir natural, la escena de un primer encuentro funde a negro y en un fade-in los ilumina en un camarín cantando canciones de Jorge Drexler. Seguramente menos poético pero igual de efectivo fue el encuentro de González con el resto de los integrantes: él fue la celestina que trazó los lazos con Nehuen Chumbita (bajo y voz) y Alan Castillo (batería). De ahí en más, su sonido creció como crecen las relaciones sinceras: ganó en seguridad y en sentido, con raíces fuertes y alta proyección. Suena como un golpe en la cara, suena como la onomatopeya que les da nombre. En 2015 apareció su primer EP, “Presente Universo Música”, pero recién luego de varios años de consolidar un estilo y un público en el under llegó el momento del primer disco. “Un nuevo comienzo” se publicó en julio del año pasado y significó la gran aparición de un sonido conocido pero particular, desprendido de ataduras de género. Y en su groove, en sus beats potentes y sus melodías cuidadas, en su audio de corte espacial se plantan como parte de una generación: son la descendencia de Eruca Sativa, Marilina Bertoldi, de Sig Ragga y, claro, de Huevo. Sin embargo, se ha dicho y se repetirá: aunque es cierto que la genética es fuerte y que parece imposible escapar al legado, pero más cierto aún es que la voluntad y el deseo pueden serlo todavía más. PUM, con Joaquín Baglietto a la cabeza, solamente toma de su pasado aquello que lo sirve y lo representa. Lo demás, es todo personal: el ADN también se puede moldear.

Hay tantos motivos para hacer música como músicos. sin embargo, existe una razón noble, sencilla y permanente en el tiempo: motivar el baile. Bailar, como si se acabara el mundo, como si se estuviera enamorado, como bailan los que no saben bailar. Todo El Verano encara ese objetivo con vocación de maestro de ceremonias y lo consiguen con pasta de hit-makers. Fue a fines de 2015 cuando todo comenzó. Y desde entonces, el beat nunca se detuvo. Por el plus que supone el hecho de ser una banda conformada por hermanos, la producción de los Lamastra se revela al mundo como una sinergia creativa que no admite medias tintas y solamente produce grooves con altos niveles de coerción rítmica: el pie, obligatoriamente, siempre debe marcar el pulso de la música. Y su presente los revela en un espacio creciente del under porteño: hace poco participaron de un festival en la factoría creativa del Polo Cultural Saldías junto a Ca7riel, Bandalos Chinos y Marilina Bertoldi. Además, compartieron escenario con artistas como Benito Cerati y Rocco Posca, en una sociedad que los instala como parte nuclear de la nueva generación. Sin embargo, un gran paso hacia la consagración llegó cuando el pasado 30 de abril abrieron el show de Jungle en Vorterix. Y su presente se justifica en años pasados cargados de trabajo: desde su fundación han publicado, al menos, una novedad por año. Y si su EP homónimo del año 2016 fue solo el despegue, una muestra gratis de un futuro prometedor, “Danza” (2017) fue la declaración explícita de aquella vocación mencionada: el baile por sobre todas las cosas. Aunque, sin embargo, el objetivo debe surgir de un camino consciente y cimentado en la búsqueda explícita: su estilo surge de un análisis concienzudo del pop más fino y cuidado y el rincón más cuidado de los ritmos urbanos. En su tercera producción, el EP “Calor” funciona como una síntesis de un pasado veloz y mutante, que aleja a los Lamastra de la formación tradicional de cuarteto rockero clásico y los hermana en un trío apoyado por pistas y programaciones. De ahora en más, su futuro los esperará con la certeza de que las fórmulas pasadas han funcionado. Sin embargo, ese pasado también los muestra como cultores del cambio y la búsqueda por hacer del beat, el beat perfecto. Pero una cosa es segura: el pulso nunca se detendrá. La gente quiere bailar. Y ellos saben cómo motivarlos.

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GENTILEZAS PUM Y TODO EL VERANO

Emergentes

PATANÉ: YESICA MASTROMANO. MUEREJOVEN: @NODUERMO

Por Patricio Cerminaro

Lucy Patané

Muerejoven

Hacer, hacer, hacer. Parar. No, parar no: hacer, hacer, hacer. Como un loop o como una obsesión: así se presenta la carrera de Lucy Patané en sus años de trabajo en el under porteño. Y, sin embargo, un día paró. Pero no para descansar, sino para enfocarse en una introspección creativa, más centrada en el yo que en el nosotros: luego de años y años en proyectos colectivos o bajo otras direcciones, la multi-instrumentista publicó su primer disco solista. Y, debe decirse, todo su pasado se condensa allí. A modo de repaso: su carrera la llevó por Las Taradas, La Cosa Mostra, El Tronador, la banda de Diego Frenkel, proyectos varios con Paula Maffía y también con Marina Fages. Además, también ha sido la encargada de componer bandas sonoras para películas y documentales y produjo a artistas como Los Rusos Hijos de Puta y la mencionada Maffía. También ha sido una de las fundadoras de la disquería Mercurio. Y esto es solo el resumen. Lo cierto es que su línea argumental se remonta hasta sus cinco años de edad: fue entonces cuando se acercó por primera vez a un instrumento, la batería precisamente. Desde aquella vez, nunca paró. Ahora, varios años después de sus primeros trabajos y tantos otros más de aquella infancia auspiciosa, recién ahora decidió ponerse definitivamente en el centro de la escena. Y su álbum debut, homónimo, se presenta como una verdad de esas que son ineludibles: este es el disco que debe escucharse en este 2019. Es un disco del aquí y ahora. Y no por su carácter coyuntural –que escasea- o por su capacidad para sintetizar corrientes musicales de su entorno. Su importancia radica más bien en la sinceridad de un sonido que se presenta dual: potente pero aterciopelado, veloz pero paciente, auditivo pero visual. Y (casi) todo surgió de su cabeza: en su propio estudio, “Sale La Luna”, y bajo su propia producción, Patané encaró la grabación de su álbum con el objetivo de tocar todos los instrumentos. Y, en esencia, lo cumplió: más allá de los convites con músicos amigos, estructural y espiritualmente el álbum funciona –si es que eso es posible– como la representación sintética de una identidad musical construida con paciencia y trabajo. Y de ahora en más, un solo trabajo en solitario tal vez resulte escaso. Cuando un álbum debut funciona tan bien, la inercia y el entusiasmo piden más. Y ella tiene con qué.

En la lógica de la juventud subyace una verdad, una obsesión: nunca parar de generar novedades. Y en esa búsqueda constante por el descubrimiento, una inquietud: convertir aquello en valor. Muerjoven trabaja con el gusto por lo nuevo y con vocación comunicacional: desde el vamos, su objetivo es darle algo más a la escena del trap. Darle una visión global y total. De hecho, así lo comentan sus integrantes al ser consultados por sus influencias. Y así se revela en su sonido, que condensa desde lo más trash del estilo europeo hasta la lógica pop del producto norteamericano. Entonces, en su audio hay reminiscencias a Fat Nick, Yung Lean, Nav, Kinder Malo y Pimp Flaco, Trapani, Dheformer, Nene Fresco. Y, ahí donde producir, generar y crear es la gran obsesión de la nueva generación, la lógica colaborativa se impone como hermana de esa idea: Muerejoven –que en realidad se llama Nicolás- funciona también gracias a las cabezas creativas de sus productores, Halpe, Quinibill y Youknowrama. Ahí, en el encuentro de diversas influencias en mancomunión, es donde un sonido que podría ser plano y bidimensional adquiere nuevas cualidades. Es cierto, el proyecto todavía trabaja bajo una lógica que el trap –a partir del cambio de rumbo de algunos referentes-, de a poco parece abandonar. Entonces, aborda el simple como la unidad de medida central de su producción. Y desde los comienzos de su trabajo en 2016 han cosechado un puñado de buenas canciones coronadas por la reciente “Fredo”, un mantra nervioso y de beat profundo. Sin embargo, aunque el trap le pone límites y le dicta reglas del deber-ser, sus palabras -¡y sobre todo su sonido!- se presentan más bien como un león enjaulado, como un tipo musculoso en ropa ajustada. Y entonces el trap es sólo el punto de partida para perseguir una visión que va más allá, una búsqueda que quiere más que una simple etiqueta. Porque en esa declaración de intenciones que es el nombre, el hombre vive rápido y muere joven, explora urgente y curioso los límites de su sonido y, obligatoriamente, debe escapar de aquello que le ha sido dado. En algunos pocos simples, Muerejoven ha demostrado que su potencial da para mucho. Ahora, es tiempo de demostrarlo. B I L L B OA R D.CO M . A R

Francisca Valenzuela

Un nuevo compromiso Antes de editar su cuarto álbum y su presentación en el Festival Nuestro en Tecnópolis. La artista sobre su presente que se asoma al mainstream y su participación en el homenaje a Yoko Ono. P O R S A N T I A G O T O R R E S Y J O TA AY E R Z A

Tu gran presente es un signo de estos tiempos, donde las propuestas de las cantautoras, a nivel continente, están tomando preponderancia, ¿lo considerás así? -Absolutamente, al fin se está abriendo la figura de “lo que se considera importante”. Cuando comencé mi carrera lo que se consideraba “música de verdad” estaba enfocado en un solo tipo de artistas, y hoy, eso se ha ido ampliando. Era un cambio súper necesario, que haya una real diversidad de voces, estilos, colores. Por suerte, están cobrando fuerza y protagonismo estas voces, y esa es la verdadera representación 60 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

de la sociedad. Estoy contenta que haya espacio para nuevas voces y otras que han estado hace tiempo, y recién ahora se les abre el juego. Hace poco estuviste en el homenaje a Yoko Ono, ¿cómo fue la experiencia? -Yoko es una artista que la convirtieron en un demonio con poder de separar una banda. Yo soy fan suya como artista visual, y cuando me invitaron a participar de este homenaje con la filarmónica de Los Ángeles me puse a investigar más su obra y me fascine. Por lo atrevida, lo lúdica, nunca pide disculpas y hace lo que ella realmente quiere; me inspiró mucho. Siempre usa la plataforma creativa como un vehículo de transmisión de algo real, un reclamo social o una historia cruda e inspiradora. Había un montón de artistas en el homenaje así que fue una experiencia muy emocionante. Con la explosión de la música latina en los últimos años, muchos artistas pop han sumado elementos de los ritmos latinos a sus canciones, ¿lo has considerado? -Es una pregunta desafiante. Muchas veces uno se va guiando intuitivamente con lo que conecta contigo. En mi carrera siempre he explo-

rado de forma ecléctica, con este nuevo disco creo que renové mi compromiso con la música. Siento una convicción e intuición muy fuerte con lo que conecta conmigo, y puede tomar diferentes formas, pero todo tiene mi identidad. Al final del día, lo que rige conmigo es lo que se siente cómodo, puede ser un bolero como hice para Américo o un pop electrónico. En ese sentido, me siento promiscua con los géneros. Estás en un juego súper mainstream y tu obra no pierde la esencia cultural, ¿cómo te llevas con el mundo de las millones de reproducciones y los premios? -Yo vengo de una carrera que ha nacido de forma súper independiente. Y siempre trabaje con ese espíritu. Sería mentira decir que no pienso en las reproducciones y los números porque sí lo hago, de alguna manera u otra. Una siempre piensa en el éxito mensurable. Esas inseguridades existen. Pero por otra parte, al final del día, me doy cuenta que he escrito y compuesto para mí y por mí. Es un impulso innato y natural que existe dentro mío. Es el punto de origen de todo, lo que me mantiene motivada y concentrada. No le hago asco a la masificación pero necesito que todo tenga mi sabor.

MILES PETTENHILL

francisca valenzuela está viviendo un semestre cargado de actividades. Después de actuar por tercera vez en el festival Lollapalooza Chile fue nominada en los premios Pulsar; los galardones que distinguen lo mejor de la música chilena. Su más reciente single “Ya no se trata de ti” fue reconocido en la categoría “Canción del Año”. La balada moderna y confesional adelanta lo que será su cuarto álbum de estudio que la artista editará en 2019. La canción llega acompañada de un video que nuevamente fue dirigido por ella tras su debut como directora en el clip de su anterior sencillo: “Tómame”.

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J MENA MUDAR LA PIEL

La cantante habló sobre su postura acerca de los singles, la deuda con sus fans y el fenómeno de las colaboraciones entre artistas latinos y estadounidenses. POR SANTIAGO TORRES Y MARÍA VILLOL A

JUSTINA BURBARELLA

apenas pasaron semanas del estreno del sencillo y videoclip de “La cobra”, de Jimena Barón, y el tema ya se posicionó en el puesto N°6 del Billboard Argentina Hot 100. Tal éxito se tradujo en el fenómeno de viralización en las redes, donde los usuarios publicaron videos caseros imitando el baile del video oficial, que inmediatamente replicó la artista en sus redes personales. “La cobra” se devoró a “La tonta” y cambió de piel para dar lugar a una J mena más empoderada, que se erige del suelo y se muestra más fortalecida que la “tonta” que se amoldaba a la rutina. El estreno del sencillo se presenta como antesala del segundo álbum. “Yo me negué un poco a la modalidad de singles y a esa velocidad un poco cruel que tiene la música: Siento que a veces si entrás en esa perdés un poco la identidad. Es necesario frenar

también, a desaparecer y volverse a hacer preguntas sobre por qué funcionó ‘La tonta’”. “La tonta” fue lo primero pero tuvo un éxito inesperado. Las chicas se lo adueñaron y lo cantaron. Yo se los debía en un punto y decidí hacerme responsable de esa deuda de generar que todas estemos en el mismo equipo estando en ‘La tonta’, para pasar a ser ‘La cobra’”. Quise levantar a esta tonta del piso y ahí nace “La cobra””, dice Jimena. ¿Qué vas a hacer ahora en Latinoamérica y en los Estados Unidos? -Lo que atrae afuera es que somos argentinos, entonces yo tengo pánico a ceder en el qué es lo que se escucha afuera y amoldarme a eso. No va a suceder. Este show, más que nada, es el show de una artista argentina. Encontré que es atractivo porque es medio tanguero. Está genial decir “bebé”, es algo bien argentino. Y eso creo que está resultando. Estoy muy en sintonía con el equipo en que está bueno probar cosas de afuera, pero nosotros somos de acá. Y creo que es lo más atractivo que podemos tener.

¿Qué está ocurriendo con los artistas latinos? -Creo que están los artistas americanos buscando al latino, que es una locura. Se dio vuelta un poco la torta. Antes era el latino rogándole al americano y ahora los latinos y toda esta movida está muy fuerte. Ahora tenés a Justin practicando “Despacito”. Me parece fantástico. Celebro Latinoamérica porque aparte nosotros somos Sudamérica y estamos abajo de todo. Creo que hasta es más difícil porque geográficamente estamos muy lejos, pero tengo colegas súper exitosas como Lali, que la está rompiendo; Tini también. Yo estoy en camino. ¿Con qué artista anglo compartirías escenario? -Yo la extraño a Rihanna y me pregunto por qué hace bombachas. Todo bien con su ropa interior pero necesito sus canciones. Me parece de lo mejor que hay. -¿Te ves colaborando con alguno de los artistas de trap locales? -Me gustaría. Para mí los kings son Khea, Cazzu y Duki. B I L L B OA R D.CO M . A R

Grandes anuncios para el segundo semestre BABASÓNICOS, HALL-OATES, MONTANER, OVO Y EL MOVISTAR FRI MUSIC DE FITO PÁEZ Ya se están dando justo este mes buena parte de los grandes anuncios del segundo semestre de las promotoras líderes, con el viento a favor del flujo de artistas que vendrá del Rock in Rio. De ese flujo, por su vínculo societario con LiveNation que se irá profundizando con el tiempo tras la integración vertical de ese gigante, el que más contenido va a captar es DF Entertainment, que ya anuncia sus nuevos shows, entre muchas reservas para el corredor de avenida Libertador y reflotando sponsors. Mientras tanto, en su asociación con MTS inauguró el estadio Hípico —ya con el naming de Allianz—para posicionarse entre los venues más importantes de Capital y empieza a anunciar shows como Megadeth el 18 de septiembre y Whitesnake con Europe el 4 de octubre. Pero ahora en junio el líder es Fénix Entertainment Group de Marcelo Fígoli con un gran mes G U ST A R liderando que incluye Ricardo Montaner que O TE VA N agregó fecha el 20 y 21 en el Luna Park y a su gran Cirque de Soleil Ovo en Tecnópolis con gran temporada de vacaciones. PopArt siempre golpea distinto evitando la competencia—como indicó en su exposición Matías Loizaga en el seminario en InOut organizado por Eduardo Rocca antes del Festival Nuestro en Tecnópolis— y suma valor al mercado con sus ideas. Este mes acaba de hacer el Movistar Fri Music con Fito Páez y traerán el festival latino de más nombre como destacaremos en la próxima edición. Tuvo el Hipódromo de Palermo de Babasónicos el 1 de junio, además de extender la serie de Gran Rex de los Auténticos Decadentes. De cara al segundo semestre, Move Concerts tiene lo más grande anunciado hasta ahora con IronMaiden el 12 de octubre en Vélez, y suma a Natalie Pérez además de reforzar Move Management con Abel Pintos. Tuvo a Darryl Hall y John Oates en el Luna Park el 6 de junio y se vienen el WWLive el 6 de septiembre, Dido en el Teatro Coliseo el 30 de ese mes y otro sold out con Shawn Mendes en el nuevo Buenos Aires Arena. LAURIA se mantiene entre los que más producen; tuvo a Vanesa Martin el 7 de junio en el Luna Park en gran gira, y Reik el 31 de agosto en el Luna Park, ambos con Rapipago y el Banco Comafi. Eso además de volver fuerte para los chicos en las vacaciones con PJMasks y Peppa Pig en el Metropolitan con Banco Makro, que está armando 64 B I L L B O A R D A R | J U N I O , 2 0 1 9

su plataforma para anunciarla el mes próximo y también acompaña a Diego Torres —también Rapipago— en su gira nacional. Fuerte entre los líderes, Ake Music tuvo también grandes anuncios. MonLaferte el 15 de septiembre, Seal para el 3 de octubre, King Crimson el 8 y 9 de octubre todos en el Luna Park y a Tini con GTS/Universal el 18 de ese mes y el Banco Supervielle. Naming del BA Arena, NTVG en el Gran Rex y Nocheros en el Opera Orbis Además, en la pujante línea de productoras locales, tenemos el aprovechamiento ya del nuevo estadio de Buenos Aires Arena que sigue invicto con más Sold outs y este mes dará a conocer su verdadero naming. A los shows mencionados de Move se agregan 6 Pasos —es socio minoritario del estadio— con dos fechas de Chayanne, Serrat-Sabina con seis fechas de Alberto Miguel/Arenas/Blueteam —hace también a los Monjes Shaolín— acordados con el Banco Patagonia y el nuevo show de Andrés Calamaro para el 5 de diciembre con Alfiz y Banco Provincia. Gonna Go está por lanzar su nuevo festival en la Ciudad de los Niños cerca de La Plata, para principios de octubre. El siempre imbatible Luna Park destaca a La Beriso acompañados por su propia Cerveza —de Rabieta—, Ulises Bueno el 8 de agosto, La Resistencia el 9, a Ciro y los Persas de 300 el 15, y las Pastillas del Abuelo el 23 de ese mes. De B&M el Cuarteto de Nos el 20 de septiembre y a Jorge Drexler el 26 y 27 de ese mes. Además, de Preludio de nuevo Sebastián Yatra el 10 de octubre además de la serie de Luciano Pereyra desde el 26. El Gran Rex destaca de Pirca a NTVG en muy buena serie en el Gran Rex en junio sumando ya 8 fechas entre junio y agosto, Divididos el 3 de agosto y El Puma Rodríguez el 24 de agosto de AGTE. Además, termina con Jairo el Fetival de Otoño —Randazzo— en el Opera Orbis, Topa vuelve allí en julio y Los Nocheros harán su serie de shows desde el 30 de agosto –Smusic-. Los Caligaris harán Obras el 12 de octubre, PFG de Cristian Arce hace a Amaia Montero en el Coliseo y otro venue que se relanza es el Auditorio Belgrano con Generarte; tendrá a Les Luthiers. A nivel Gobierno, este mes estuvo el Provincia Emergente el 7, 8 y 9 de Junio en el Estadio Único de La Plata con Ángela Torres, Julián Serrano, MYA y muchos más.

Ranking

SPONSORS DESTACADOS Marzo - Abril - Mayo 2019 BBVA Francés

Roberto Carlos, Daryl Hall/Oates, IronMaiden, Nataly Pérez, Shawn Mendes – Move

Banco Patagonia

Serrat/Sabina – AM/Arenas/BlueTeam Aurora – T4f

Banco Macro

PJMasks, Paw Patrol, Diego Torres – Lauría

Movistar

Movistar Fri Music - PopArt

Banco Comafi

Carlos Rivera, Vanesa Martin, Reik – Lauría

Banco Provincia

Andrés Calamaro – Alfiz

Banco Supervielle Tini – Ake Music

Rapipago

Carlos Rivera, Vanesa Martin, Reik, Diego Torres – Lauría

Coca-Cola

Plataforma Coca-Cola for Me NTVG - Pirca

www.prensariomusica.com

‘LOVE’ de Cirque du Soleil

El legado de Los Beatles vive en Las Vegas

MATT BEARD

El espectáculo que le rinde tributo al cuarteto de Liverpool ya lleva más de una década conjugando el arte de John, Paul, George y Ringo con la magia del circo.

‘the beatles love’ es una coproducción de Apple Corps y Cirque du Soleil que celebra el legado musical de los fab four, una obra que perdura en el tiempo, aún después de varias décadas. El espectáculo, que ya cuenta con 13 años de trayectoria, se lleva a cabo exclusivamente en el hotel The Mirage, en Las Vegas. Fue la primera y única vez que la compañía del cuarteto más famoso de Liverpool, Apple Corps Ltd, se asoció con la mayor productora de teatro del mundo.Y es que, todo comenzó gracias a una relación de amistad y de mutua admiración entre George Harrison y el fundador de Cirque du Soleil, Guy Laliberté. “‘LOVE’ trae la magia del Cirque du Soleil junto con el espíritu y la pasión intacta de Los Beatles, recreando una experiencia de entretenimiento tan poderosa, así como también íntima. El show captura perfectamente el amor que John, Paul, George y Ringo inspiraron en lo que fue su aventura conjunta, con el agregado especial de los efectos visuales efectuados por cada uno de los acróbatas y personajes que le dan vida a la música que todos conocemos”, destacan. Sir George Martin, el productor original de

la icónica banda británica -también denominado como el quinto Beatle-, trabajó con su hijo, Giles Martin, con todo el archivo de los Beatles para crear el componente musical de ‘LOVE’. El resultado fue una aproximación sin precedentes a la música original destinada a una producción teatral. “Creo que logramos combinar auténticamente el drama con la música, a tal nivel que la audiencia se sentirá como si realmente estuvieran compartiendo la escena con la banda. La gente va a estar deleitada por lo que escucharán”, dijo Giles. “También quisimos poner canciones interesantes y no tan conocidas y utilizar algunos fragmentos de temas. El show es una experiencia única y mágica”, agregó Sir George. La banda sonora de ‘LOVE’ fue premiada dos veces en los Premios Grammy en las categorías de Mejor Álbum de Compilación de Banda Sonora para Película, Televisión u otro Medio Visual y en Mejor Álbum de Sonido Integrado en 2008. Mismo Ringo Starr, Sir George Martin y Giles recibieron el premio de Mejor Álbum de Compilación y en el discurso de agradecimiento, el baterista de la banda dijo: “George Martin y su hijo Giles estuvieron siempre involucrados. Hicieron

un gran trabajo con la música y junto con Cirque du Soleil, la convirtieron en un hermoso sueño”. Dominic Champagne, quien dirigió y escribió el concepto original del show, explicó su visión del espectáculo: “Yo quería crear una experiencia de Los Beatles más que una historia, llevando a la audiencia a un viaje emocional más que uno cronológico. La idea era explorar las escenas y las experiencias que marcaron la historia de la banda”. ‘LOVE’ es un poema de rock & roll, un tour misterioso y mágico al corazón de la música de Los Beatles a través de una exploración de las tendencias estéticas, políticas y espirituales de los sesenta. Inspirado en la poesía de las letras, el equipo creativo diseñó una serie de escenas repletas de personajes coloridos vestidos con disfraces extravagantes. “Quise rendirle tributo a la creatividad de Los Beatles con mis diseños, y para lograr eso, intenté ser tan creativo como lo eran ellos”, dijo Philippe Guillotel, el diseñador a cargo de los trajes escénicos que, junto con los demás integrantes de la producción beatlemaníaca, se alinearon para homenajear a una de las bandas más emblemáticas de la historia de la música. B I L L B OA R D.CO M . A R

Billboard Music Awards

La noche de Champagne Papi

drake arrasó en los billboard Music Awards 2019 al llevarse a casa 12 trofeos, hecho que lo llevó a superar a Taylor Swift (que recibió 23 premios en su carrera) y lo convierte en el artista más premiado en la historia de los BBMAs. Mientras recibía el premio del Álbum Billboard 200 gracias a su álbum doble, Scorpion, Drake cerró su discurso con una sonrisa gigante y una mención especial en relación al personaje de ‘Game of Thrones’, Arya Stark, por haber hecho un gran trabajo en la serie. Luego invitó a los demás artistas y fans difundir el optimismo una vez que regresó al escenario a recibir el galardón por mejor artista masculino. “Hemos sufrido una serie de pérdidas desafortunadas en nuestro

negocio”, dijo. “Quiero incentivar a todos a que los artistas sepan lo que sienten por ellos”. Por otra parte, surgieron varias colaboraciones deslumbrantes como la de Taylor Swift con Brendon Urie en “ME!”, así como también, “Medellín” de Madonna y Maluma con debut en vivo incluido. Pero uno de los mejores momentos de la noche fue cuando Mariah Carey recibió el premio Icon y le regaló al público un repaso por varios momentos de su carrera, interpretando sus clásicos temas, de la mano de un discurso emotivo y sentido. Hasta Taylor Swift la acompañó cantando desde su asiento. “A todos los que me dijeron que alguna que otra canción que escribí les salvó la vida”, dijo Mariah. “Gracias, porque ustedes salvaron la mía”.

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1 Urie (izquierda) y Swift llenaron el teatro de color con su debut en vivo de “ME!”, hecho que marca el regreso de Swift con tema nuevo desde su interpretación en 2017 de “Reputation”. 2 Juice Wrld en el backstage. 3 Para dar inicio a su segundo año consecutivo como anfitriona, Kelly Clarkson inauguró el show con un medley de los hits del Billboard Hot 100. 4 Cardi B recibió el premio por la Mejor Canción de Rap gracias a “I Like It”. 5 Paula Abdul cerró el show con un set lleno de hits y una coreografía épica. 6 Yung Miami de City Girls. 7 Drake posó con todos los premios que obtuvo.

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8 Mariah Carey fue pura sonrisa cuando recibió el premio Icon. 9 Desde izquierda: Dan Smyers, Tori Kelly y Shay Mooney interpretaron el hit de Dan y Shay: “Speechless”. 10 Desde izquierda: Los Jonas Brothers, Nick, Joe y Kevin Jonas dieron un show ardiente de su primer tema en el hot 100, “Sucker”, así como también Nick cantó “Jealous” y Joe interpretó el tema de DNCE, “Cake by the Ocean”. 11 Diplo se vistió como cowboy para promocionar su proyecto de country que viene en camino: Thomas Wesley. 12 La directora de marketing de Endeavor, Bozoma Saint John. 13 Halsey (centro) interpretó el tema en el que colabora con BTS, “Boy With Luv”, del último álbum de la banda K-pop: Map of the Soul: Persona. 14 Maluma se subió al escenario con Madonna, quien bailó a la par de sus múltiples versiones de realidad aumentada.

1, 8, 14: KEVIN MAZUR/GETTY IMAGES. 2: CHRISTOPHER POLK/NBC. 3, 4, 13: ETHAN MILLER/GETTY IMAGES. 5: JEFF KRAVITZ/FILMMAGIC/GETTY IMAGES. 6: STEVE GRANITZ/WIREIMAGE. 7: AMY SUSSMAN/ GETTY IMAGES. 9, 11, 12: JOHN SHEARER/GETTY IMAGES. 10: KEVIN WINTER/GETTY IMAGES.

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Vivo F E ST I VA L N U EST RO Tecnópolis 18 de mayo

10 momentos del Festival Nuestro 2019

nathy peluso Sin dudas, “La Sandunguera” fue el plato fuerte de la noche. Vestida de blanco y con banda completa en sintonía jazz, Peluso desplegó un show como nos tiene acostumbrados: pasional y festivo. Además, aprovechó para presentar su último single “Nattikillah”. dakillah La trapera volvió a decir presente en el Festival Nuestro. Un año más tarde, Dakillah llegó a Tecnópolis con un repertorio más grande y consolidado.

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PELUSO, MISS BOLIVIA , SEÑORITA BIMBO, PRANA Y EL CUELGUE: MICA GARATE. DAKILLAH Y BILLBOARD: VICTORIA MOURELLE

En su quinta edición, el festival convocó más de 15 mil personas. Fue un día de encuentro en Tecnópolis para escuchar artistas emergentes y consagrados de la escena local como también de Uruguay, Chile y Colombia.

Vivo francisca valenzuela La cantante no solo fue parte del cupo femenino, sino también aportó internacionalidad. La chilena aprovechó su espacio para presentar su último single “Ya no se trata de ti”, que adelanta su cuarto álbum de estudio. señorita bimbo Este año, el Festival Nuestro incluyó stand up en su grilla y la comediante y referente feminista desplegó todo su humor. prana peluquería Además de un ecléctico line up, el festival contó con diferentes activaciones, entre ellas, se destacó Prana con sus cortes de pelo a los asistentes. miss bolivia Ganas de bailar y protestar, todo al mismo tiempo genera Miss Bolivia en sus shows. billboard argentina En los espacio de relax del festival podías encontrar todos los números de Billboard para leer y llevarte de forma gratuita.

VALENZUELA Y LAS PASTILLAS: MATÁS CASAL

juana molina Su propuesta fue una de las más hipnóticas de la jornada. Pasan los años y su obra toma cada vez más importancia no solo para su público, sino también para sus colegas. el kuelgue Julián Kartún y compañía tuvieron la tarea de cerrar el Festival Nuestro, que a pesar de la lluvia, no impidió que el final sea una fiesta. “Vamos hacer un poco de Stand Up y Trap, Stand Trap”, bromeó Kartún antes de utilizar autotune. las pastillas del abuelo La presencia del grupo liderado por Piti Fernández ya es un clásico del festival, fue su tercera participación en cinco ediciones. B I L L B OA R D.CO M . A R

Vivo AU RO R A Teatro Ópera Orbis 25 de mayo

Tardó en llegar pero al final hubo recompensa la talentosa artista noruega Aurora por fin pudo presentarse en la Argentina. La joven compositora trajo consigo su último material de estudio: A Different Kind of Human. Un trabajo en el que descomprime las angustias y las dudas de una joven que poco entiende de los actos hirientes de los seres humanos y las convierte en canciones. Su presentación en el país se hizo desear. En 2018, Aurora entró por la ventana al Lollapalooza Argentina, luego que Tyler, The Creator se bajará del cartel. Pero su show en el festival se vio frustrado por condiciones climáticas. Finalmente, ante un Teatro Opera colmado de fans, el sábado 25 de mayo por la noche la compositora noruega demostró porque sus comparaciones con Enya o Björk no son erróneas.

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Vivo X I M E N A SARI Ñ A N A Niceto Club 9 de mayo

Hermanas latinoamericanas Durante el show en el venue palermitano, la cantante contó con la participación de dos artistas argentinas durante su set. Natalie Pérez subió al escenario para tocar “Si tú te vas”, canción perteneciente al último trabajo de la mexicana, y Silvina Moreno apareció para cantar juntas “Pueblo abandonado”, track que originalmente Sariñana grabó junto a la chilena Francisca Valenzuela.

GENTILEZA LAURÍA DALE PLAY

“quería escribir canciones para bailar y sufrir”, comentó Ximena Sariñana a Billboard en diciembre de 2018 durante una gira promocional, y eso mismo demostró cuando se presentó por primera vez en Argentina el pasado 9 de mayo en Niceto Club. La artista mexicana trajo consigo las canciones de su último material de estudio “¿Dónde bailarán las niñas?”, en el que le rinde tributo a la femineidad, con colaboraciones de artistas tales como Girl Ultra, Francisca Valenzuela e Iza.

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Vivo CH A NO Teatro Gran Rex 9 de mayo

No hay otro como él

GUIDO ADLER

santiago moreno charpentier, mejor conocido como Chano, presentó principalmente los temas de su álbum solista debut, El Otro, el pasado 9 de mayo en el Teatro Gran Rex. El ex Tan Biónica venía de cerrar el 2018 con un show sold out en el Luna Park en el que debutaron sus singles: “La noche”, “Carnavalintro”, “Naistumichiu”, “Claramente”, y varios más. Con el recital en el Gran Rex, Chano demostró que su carrera como solista todavía tiene tela para cortar, aún cuando sus fans le exigen regresar de a ratos los hits que compuso con Tan Biónica. En el fondo, a él también le gusta esa melancolía que lo mantiene vigente en la escena pop argentina.

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Vivo D I E GO TO RRE S Luna Park 7 de abril

Tercer sold out en menos de un año Con invitados como Lali, Manuel Wirzt, Angie Cadenas y Jorge Villamizar de Bacilos, el argentino agotó nuevamente el mítico venue porteño.

diego torres se presentó nuevamente en el mítico Estadio Luna Park con entradas totalmente agotadas varios días antes del concierto. “¡Cómo disfrutamos esta noche! El Luna Park se encendió, emocionó, cantó y bailó…gracias a ustedes, sin ustedes no hay música”, dijo el cantautor sobre el cierre. En noviembre del 2018 el artista había agotado dos Luna Park consecutivos y por la demanda se sumó un tercer show para este año; la espera concluyó con un nuevo sold out. Con todo su carisma, Diego Torres llevó adelante un espectáculo con una puesta en escena impactante, acompañado de una talentosa banda de 9 músicos y un set de bailarines. Entre las casi dos horas de show, el intérprete argentino

presentó temas de su nuevo disco como “Esa mujer” y “Un poquito”; sus infaltables hits “Color Esperanza”, “La última noche”, “Alba”, “Tratar de estar mejor”, una versión acústica de “Penélope” y hasta un homenaje a Carlos Gardel. También hubo grandes sorpresas entre sus invitados, la primera fue Lali Espósito -juntos interpretaron “No lo soñe” con un divertido guión de apertura y cierre abordado con el humor que los caracteriza a ambos-, Manuel Wirzt, Angie Cadenas y Jorge Villamizar del grupo “Bacilos”. El músico adelantó a su vez que muy pronto se vendrá el gran cierre del año en Buenos Aires pero antes llegará el turno de Rosario, Córdoba, Tucumán, Salta, Mendoza y San Juan. B I L L B OA R D.CO M . A R

Vivo A N I T TA Teatro Opera 12 de mayo

Debut y sold out anitta se presentó por primera en el país el pasado 12 de mayo ante un Teatro Ópera colmado. La brasileña desplegó un show a puro movimiento, hits y baile. Versátil y atrevida, durante casi dos horas de show Anitta cantó sus más exitosas canciones como “Downtown”, “Veneno” y “Vai Malandra”. El setlist también incluyó varios de sus últimos singles como “Banana” y “Rosa”, que son parte de Kisses. “Que emoción, Argentina. Muchas gracias por tanto amor y cariño en el concierto de ayer. Completamente sold out, todos cantando, y tanto cariño conmigo. Gracias a todo el equipo de Argentina que confiarán en nosotros. LOS AMO”, comentó la brasileña en un post de Instagram tras el show.

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Paulo Londra: un acertijo en sí mismo El misterioso freestyler cordobés de 22 años, devenido en estrella pop latinoamericana, presentó su álbum debut que funciona como pista para descubrir uno de los debuts más importantes de la industria de la canción en español de los últimos tiempos. “ahora sí que estoy consciente”, con esta frase abre Paulo Londra su álbum debut Homerun. A dos años del lanzamiento de su primer single, “Relax”, el cordobés recién ahora puede frenar la pelota, mirar el marcador y percibir todos los triples que anotó. Hasta el momento, la corta carrera del rapero no tuvo pasos en falso: a base de singles y pocas pero certeras colaboraciones creció lo suficiente como estar en un horario central del Lollapalooza Argentina 2019. En el medio logró dos N°1 en el Billboard Argentina Hot 100, con “Cuando te besé” feat. Becky G y “Adán y Eva”. De los 18 tracks, 8 funcionaron como singles y entre ellos suman más de 2 mil millones de reproducciones en YouTube. Además, Londra es el artista nacional con más oyentes mensuales en Spotify, más de 16 millo-

nes. Todo esto invita a pensar que Homerun es el debut de un disco argentino más exitoso a nivel streaming y, por qué no, del nuevo milenio. Ahora, las nuevas canciones del cordobés ayudan con su letras a develar, en parte, todo el misterio que crece día a día alrededor de su figura. Londra es un acertijo hasta para sí mismo. Y por ahora, lo único que llegamos a comprender es que su acelerado crecimiento de freestyler a estrella pop latinoamericana se condensa en este primer disco. Durante gran parte del álbum, el discurso parece ser el siguiente: él es un chico tranquilo, introvertido y que encuentra en sus amigos y familia un refugio. La apertura con “Homerun”, “Tal vez”, “Forever alone” y “Querido amigo” defiende esta faceta del cordobés que coinciden

con sus historia de Instagram: asados y fernets con amigos, muchas risas y hasta cierta timidez para filmarse en selfie. En otro tramos del álbum, el rapero de 21 años utiliza elementos del trap, dembow y reggaetón para cantar serenatas, y convertirse en una suerte de Romeo centennial disparando frases como: “Beba, ven conmigo y ya no hagas más caso / A los comentarios de to’ lo’ payaso’” en (justamente) “Romeo y Julieta”. Otro ejemplo está en “Solo pienso en ti” feat. De La Ghetto y Justin Quiles, donde también logra empatizar con su propia generación creando imágenes del día a día centennial: “Ella no sueña con un castillo / Sueña con algo má’ complicado / Ver pelis y comer mil Doritos / Con un hombre que no sea un tarado”. Y el discurso se refuerza en “Por eso vine” cuando dice: “Traje chocolates y una buena charla”. Sin embargo, en el misterio que encierra su imagen algunos de sus nuevos tracks ayudan a mostrar un costado más rabioso y picante del cordobés. Hasta el momento “Condenado Para el Millón” era casi el único track que lo mostraba con soberbia (“La hienas nunca pueden con el Rey León / Lobas locas por verme en el club”). De a trazos Paulo infla el pecho y esconde al chico “aburrido, perezoso y dormilón”. Por ejemplo; en “So Fresh”, uno de los tracks más hiphoperos, dispara: “Ey, mami, no me muero hasta mi Grammy”; sobre el final de “Maldita abusadora” haciendo referencia al dibujo animado Bob Esponja comenta: “Después le damos la receta de la cangreburguer”. Enseguida, su pana Ovy On The Drums responde: “Nosotros somo los jefes de Don Cangrejo”. En el cierre del disco que trae “Sigan hablando de mí” redobla la apuesta diciendo: “En mis temas yo soy el compositor / Ustedes para eso a alguien le pagan / Entonce’ no fronteé con eso / Yo tengo talento, ustedes plata”. Homerun tiene una columna vertebral sonora que no abandona en ningún momento al inconfundible color de voz y a la personal forma de frasear de Paulo. En ese aspecto, existen puntos en común con obras que representan un concepto concreto a lo largo de los tracks, que se van sucediendo con más o menos capas, como pueden ser Views de Drake o % de Ed Sheeran. Además, el fino trabajo del colombiano Ovy On The Drums en la creación de beats y producción artística invita a una obligada segunda pasada, que descubre los detalles y arreglos de canciones que marcan un estilo propio bajo el aura de Big Ligas, el management que lo ampara. Actualmente, y tomando consciencia de la magnitud de este debut, el universo de Paulo se asemeja a la atmósfera que rodeó -y todavía rodea- las carreras de artistas como Justin Bieber o Luis Miguel. Fenómenos culturales y mega populares, que a pesar de los enigmas que cargan, lograron romper desde sus comienzos cualquier tipo barreras y prejuicios. Homerun es tan solo el primer pincelazo de una obra de inimaginable desarrollo para la industria musical mundial. B I L L B OA R D.CO M . A R

Reviews EN PROCESO 76

Tras editar “La cobra”, canción que alcanzó el N°3 del Billboard Argentina Hot 100, J Mena se prepara para editar su segundo álbum de estudio. La cantante adelantó que el álbum contará con featurings de la jefa del trap argentino, Cazzu, y el clásico grupo de cumbia Ráfaga. B I L L B OA R D A R | J U N I O, 2 0 1 9

DAVID LEBÓN Lebón & Co.

el trabajo que pone valor a la carrera de uno de los músicos más interesantes del rock argentino, uno de esos que tocó con todos, es decir, con Luis Alberto Spinetta y Charly Garcia. Además de ser uno de los magos de las seis cuerdas de la música argentina, David Lebón es el autor de un rico cancionero tanto solista como en bandas esenciales como Seru Giran, Pescado Rabioso, La Pesada, Color Humano y Polifemo, entre otros. El trabajo elude los hits de esas bandas como “Seminare”, “Cuanto tiempo más llevara”, “Esperando nacer”, “Nena boba” y otros clásicos de Pescado Rabioso y rescata hermosas canciones de este músico que tocó la batería, el bajo y luego la guitarra en los tiempos iniciáticos del rock argentino. Y aún quedan invitados y canciones para un Volumen 2 que puede también evitar estos temas radiados hasta el hartazgo. Lebón se puso bajo las órdenes de Gabriel Pedernera, baterista de Eruca Sativa, quien produjo el álbum, compuesto por duetos, entre los que se destacan dos: el de Andrés Calamaro y el de Fito Páez. Con El Salmón versionan “Parado en el medio de la vida”, una de las pocas canciones que Lebón compuso para Seru Giran que Pedernera eligió. Páez tomó “El tiempo es veloz” del álbum solista de 1982 y ambos lo tocaron a dos pianos en formato beatle y cruzaron afecto y emociones en la rica versión.

ILE Almadura

segundo disco de ileana cabra Joglar, ex corista de Calle 13, que en este álbum profundiza lo insinuado en su primer trabajo, al buscar y navegar en los ritmos folclóricos del

Caribe, a los que le suma salsa y merengue, entre otras cosas. Al leer el booklet queda en claro que los Cabra Joglar son un clan muy musical, aunque en este álbum no participaron ni Ren ni Eduardo, sino que la dirección musical corrió por cuenta de otros hermanos de Ileana: Milena y Gabriel. El disco abre con un canto de guerra, una declaración de principios “Contra todo”, donde Ile luce su voz sobre una base solo de percusiones y se manifiesta a luchar contra todo. La sigue “Invencible” con un trabajo instrumental bien vintage. Y “Temes” es un bolero contra el machismo, puro empoderamiento femenino con aires musicales sombríos. “Sin masticar” arranca con tambores bien africanos y la voz de Ile manifestándose en contra de los gobernantes que quieren pueblos analfabetos. La base africana se reafirma en la durísima “Odio” que recuerda un episodio independentista en Puerto rico: la masacre del Cero Maravilla, ocurrida en 1978 cuando jóvenes independistas fueron asesinados en una emboscada policial y la presión de EEUU impidió que el hecho fuera publicado en los medios de la Isla. Esta canción recuerda por su letra a “La canción del odio” que Nacha Guevara público en argentina en 1985.

KAROL G Ocean

la colombiana que se convirtió en una figura arrasadora en el género urbano y el pop acaba de editar su segundo álbum signado por su enamoramiento del puertorriqueño Anuel AA. Por esa razón abre el disco con la balada “Ocean” donde le declara su amor al trapero. Karol G es una de las artistas que encabeza la oleada de empoderamiento feminista que se apoderó de la música urbana y la liberó de su machismo y su conservadurismo, y por esa razón la segunda canción es la cachonda y bailable “Punto G”, donde la nacida en Medellín se muestra al control

de la situación con su amante. El primer feat importante es con Damian Gong Marley que le da mucho color a un playero dancehall, muy bailable. En su decisión de convertirse en una mujer clave en la música latina, Karol cruza la guitarra con bases urbanas en “Baby”. El amor por Anuel la llevó a invitarlo a participar de una hermosa balada acústica “Dices que te vas”, que los muestra luciéndose en ritmos alejados de lo urbano. Y para dedicarle “Bebesita”, un reggaetón bien clásico y cachondo, donde describe los juegos del amor en la cama. Pero también muestra su capacidad como productora al tomar la kizomba, un ritmo angoleño de los años 70 para cantar con las brasileñas Simone y Simaria para entregar un bonito medio tempo con aires de hit primaveral.

MALUMA 11:11

nuevo álbum del galán colombiano que tiene al público femenino como destinatario en casi todas sus canciones. Abre con “11 PM”, donde con una base urbana y una guitarra armando la melodía juegan a la historia del príncipe y mendigo para que el chico de los morros de Medellín se quede con la niña hermosa en detrimento del tipo con auto deportivo y la cuenta bancaria bien cara. Su costado más explícito, Maluma lo saca a relucir en el hit “HP”. Esa línea más explícita también se destaca en “Tu vecina” que arranca con aires salseros para un urbano en spanglish con la participación del estadounidense Ty Dolla Sign. La triada de canciones explícitas se cierra con la movediza “Déjale saber” que cierra el álbum. El segundo feat más ilustre es “No se me quita” con Ricky Martin, con un pegadizo estribillo y buen ritmo. El feat más notable es la inclusión de “Soltera” con Madonna que tiene arreglo más electrónicos, surgidos del dance europeo, pero la base es bien del urbano latino. La canción es pura química entre ambos. Ahí nomás mete “Sin descanso” con Ozuna,

POR ADRIÁN MOUJÁN

una canción romántica medio tempo urbano. Nicky Jam participa en “No puedo olvidarte” con un estribillo pegadizo y también aires de medio tempo. Los boricuas Zion y Lennox le ponen un color bien caribeño a “Extrañándote”, mientras que el panameño Sech juega un dueto romántico. está dispuesta a perdonar. Entre los productores, virtuales reyes Midas del género urbano, Maluma trabajo con su socio Edge, Madmusick, Tainy y Tezzel, confirmando que los creadores latinos de beats son muy buscados inclusive en el mercado anglo.

VAMPIRE WEEKEND Father of the bride

cuarto disco de estos neoyorkinos que invita a escucharlo de manera aleatoria para no perderse las gemas que esconde. Es el primer disco del vocalista y guitarrista Ezra Koenig, el baterista Chris Tomson y el bajista Chris Baio sin el multiinstrumentista Rostam Batmanglij, que aportó desde su rol de compositor y productor. En esta ocasión, los VW decidieron bucear en las influencias de artistas como Paul Simon y Fleetwood Mac, entre otros. Y en este trabajo quien parece haberse convertido en la cuarta Vampire es Michelle Haim, integrante del trío femenino Haim. Desde la iniciática “Hold You Now”, con aires folkies y coros angelicales, surge la voz de Haim para acompañar y darle más dulzura a los tonos de Koenig. Otro colaborador es el productor y multiinstrumentista Steve Lacy. Para “Harmony Hall”, Koenig parece seguir el camino de la cruza del pop, el folk y la world music tal como lo hizo Simon, mientras que “This Life” recuerda al pop placentero y playero de Jack Johnson, al igual que “Big Blue”. “Married in a Gold Rush” no solo le arroja un guiño a Neil Young en el título de la canción sino también en los vericuetos vocales que teje Danielle Haim. En “Sympathy” la banda se pone cruda y valvular para un blues deforme, aunque retoma el camino del rico pop de

los 70 con la hermosa “Sunflower” donde aporta Steve Lacy y los arabescos de su guitarra.

LOS TIPITOS De mi flor

cultor de la canción argentina hasta la médula, el ahora trío se metió de lleno en el folclore argentino y para sonar como corresponde buscó a un experto Lucho González, quien trabajó para grandes artistas como Mercedes Sosa y Chabuca Granda, para que les diera un color bien criollo a las canciones. Raúl Rufino, Federico Bugallo y Walter Piancioli eligieron dos temas de Atahualpa Yupanqui: “Canción para Doña Guillermina”, “Los hermanos” y luego le pusieron música al poema “Las cruces” de una de las figuras centrales del folclore argentino. También interpretaron canciones de Robustiano Figueroa Reyes, más siete temas inéditos compuestos en letra y música por la banda. El disco parece abrir las puertas a una búsqueda que la banda amplié a ritmos folclóricos de toda América Latina, siguen los caminos trazados por Carlos Vives, Vicente García, Soledad Pastorutti y Abel Pintos en Argentina. El disco está repleto de colaboración desde el comienzo con el Chaqueño Palavecino para “Los Hermanos” de Yupanqui. La banda eludió los lugares comunes y los tópicos vulgares del género ya que buscaron canciones no tan difundidas. El santiagueño Peteco Carabajal le pone su voz y el violín a “La Sanatera” una hermosa chacarera, con una emotiva cita a Pappo.

LEWIS CAPALDI Divinely uninspired to a hellish extent”

de las islas con el sentido del humor más duro y negro del mundo, llega este escocés que en esta era de

egos descomunales se permite burlarse de él mismo y tomarse todo en broma en su primer disco. Capaldi debuta con este disco por el que ya recibió elogios y se posiciona en la liga de Ed Sheeran y Shawn Mendes. Con una voz y un timbre muy interesante y muy buenos arreglos, Capaldi arranca bien fuerte con “Grace”, amaga con ponerse serio en “Bruises” hasta desgarrarse, aunque al leer el booklet vemos que solo se trata de su particular humor escocés. Para “Hold me while you wait” elige aires musicales épicos y se pone honesto y se muestra asustado por las dudas de su pareja. De los pubs de Glasgow a los grandes estadios llega el vozarrón de Capaldi para lucirse en “Someone you Loved”, mientras que en “Maybe” gana en resultados positivos en sus dramas de pareja. “Forever” es una emotiva balada a piano, mientras que en “One” y en “Don´t Get me wrong” usa una guitarra bien trabajada para acompañarse. “Hollywood” es un pop más optimista por parte de un cantante que pierde toda la esperanza en “Lost on you” de la mano de un piano dramático. “Fade” es bien sombría como su nombre lo indica, mientras que el disco cierra con “Headspace” con Capaldi jugándose las cuerdas vocales en un desgarrador final.

INDIOS Besos en la espalda

tercer disco de los oriundos de la localidad rosarina de Fisherton que ofrecen canciones elegantes que fluctúan entre el electro pop y el new romantic de los años 80 con la poderosa influencia de Roxy Music y Virus. El combo está formado por Joaquín Vitola en voz, Nicolás de Sanctis en guitarra, Patricio. La influencia de Virus se nota en la melancolía “Ritmo y percepción” con la voz en falsete de Vitola, acompañado por elegantes arreglos de teclados y sintetizadores a cargo de Majdalani, que le dan paso a una buena intervención de la guitarra. “Borracho en París” tienen una atrapante melodía y mantiene

esos aires de new romantic elegante de los 80’ en la línea de Bryan Ferry, Duran Duran y Spandau Ballet y obviamente Virus. La base conformada por Montironi en bajo y Pellegrini en batería le pone un cuidado groove a esta bonita canción. La banda descansa en el talento de Nicolás de Sanctis, guitarrista, tecladista y compositor de la mayoría de los temas. La influencia del Virus de Relax y Superficies de Placer desde sus teclados se puede encontrar también en “Ya lo sé”, “Todo es cruel en el amor” y “Estoy perdiendo la cabeza” donde también es sutil el aporte del otro guitarrista Patricio Sánchez Almeyra.

GREEICY Baila

primer disco de esta colombiana nacida en la ciudad de Cali, que comenzó su carrera participando en varios realities y concursos para luego actuar en varias novelas, tiras infantiles y juveniles. El disco cumple con lo que exige el nuevo pop urbano que incluye una gran diversidad de estilos. Luego de comenzar bien arriba con “Más fuerte”, que ha logrado más de 330 millones de reproducciones desde su lanzamiento; Greeicy se pone romántica con “Ya para qué” a puro piano. Los puntos fuertes del disco son los feats con la brasileña Anitta en la sensual “Jacuzzi”, donde la colombiana provoca y hace subir la temperatura junto a la carioca. La base bien urbana está acompañada por un acordeón que homenajea lo mejor del folclore colombiano. Nombrada por Billboard como uno de los 10 artistas latinos a seguir en el 2019, la cantante colombiana se abre paso con su talento, energía y sensualidad como la nueva promesa del pop urbano femenino. En “Destino” junto al venezolano Nacho, la colombiana arma un bailable medio tempo. En canciones como “Mentira” y “Que lio”, la caleña se manifiesta como una mujer orgullosa y empoderada que toma el control de la situación. B I L L B OA R D.CO M . A R

Gracias x venir 1

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F OTO G R A F Ă? AS P O R T U T E D E L AC RO I X

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1 Tini La cantante almorzó con fans en nuestra casa y escuchó con ellos “22” , su nuevo single junto a Greeicy, un día antes de su lanzamiento. 2 Victoria Bernardi Mientras sigue presentando su álbum debut, contó cómo fue abrir para Paul McCartney en el Campo Argentino de Polo. 3 Osky Vlk En su visita nos regaló una versión acústica de su single “Clarissa”, disponible en nuestro canal de YouTube. 4 Barbi Recanati La ex Utopians acaba de editar un nuevo single solista: “Que no”. 5 Bigger El grupo se prepara para lanzar ‘El otro lado’, su cuarto álbum de estudio. 6 The Final Stage Los platenses nos contaron todo sobre su EP debut: Atracción. 7 Double Trouble feat. Sarah Lenore Los mellizos Nayar hablaron sobre su nuevo single “Let’s Be Friends” junto a la cantante estadounidense. 8 Michelle Blindman La cantante se encuentra presentando su álbum debut ‘Intuición’, que grabó junto a músicos como Javier Malosetti, Fernando Samalea y Hernán Jacinto, entre otros. 9 Big Menú El trío catalán de hip hop visitó la Argentina para ser parte del Festival Ahora en el Konex. 10 Rocío Igarzábal “Sin tu querer” es el nuevo single de la cantante tras su álbum debut ‘Entre los árboles’. 11 Antonio José El español acaba de estrenar el video en vivo de “Cuando te enamores” junto a Luciano Pereyra en el estadio de Velez. 12 Rombai El grupo se encuentra presentando su último single “2 pa’ 2”. 13 Sebastián Javier El cantante argentino radicado en Canadá dio un show sold out en Niceto Club. 14 Nico Reydel El multifacético artista estrenó su nuevo single “Matafuego”. 15 Isla de Caras A un año del lanzamiento de Chango, se prepara para lanzar su segundo álbum de estudio. 16 Leo García El compositor acaba de lanzar el single “Todo lo que tengo”. 17 OnOff Diez maneras fáciles de volver las cosas más difíciles es el álbum debut del dúo. B I L L B OA R D.CO M . A R

l track de taylor Swift con la colaboración de la voz principal de Panic! at the Disco, Brendon Urie, dio un salto cuántico desde el puesto N°100 al N°2, marcando un hito histórico en la trayectoria del chart. “ME!” acumuló 193.000 descargas en la primera semana del lanzamiento, posicionándose en el primer lugar de las ventas digitales de canciones, según Nielsen Music. Es la mejor suma que acumula Swift luego de “Look What You Made Me Do”, que en 2017 alcanzó las 353.000 descargas vendidas en la

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primera semana. “ME!” acumula 50.7 millones de streams en los Estados Unidos. El salto abismal de 98 puestos de la pista, que los intérpretes cantaron el 1 de mayo en los Billboard Music Awards 2019, es el mayor ascenso en los 60 años de historia del Billboard Hot 100. Supera así la marca original de la anfitriona de la edición de este año de los premios, Kelly Clarkson, cuando “My Life Would Suck Without You” ascendió 97 lugares en febrero del 2009. Aún así, “Old Town Road” de Lil Nas X bloqueó a “ME!” de alcanzar la cima, acumulando 104 millones de streams. —GARY TRUST

Lo que Taylor Swift y Brendon Urie “ME!” hicieron hacer

¿Qué te inspiró en “Don’t Call Me Up? Estaba sintiéndome muy triste luego de una ruptura amorosa y diciéndome a mí misma que en seis meses ya no me importarían sus llamados, aunque todavía no estaba en ese momento. Esta canción cambió mi perspectiva y me hizo sentir confiada. Cuando la escuchamos por primera vez en el estudio, sentí mariposas. ¿Por qué creés que esta canción está llegando a la audiencia estadounidense? Mis otras canciones fueron hechas para el público local. Por un tiempo, estaba enfocada en ser parte de la música en el Reino Unido. Con “Don’t Call Me Up” yo

quería empezar a hacer música para que se extendiera un poco más. Es un tema pop que suena distinto a todo lo que hice anteriormente, pero sin perder mi relato. Ahora recibo mensajes como “escuché tu canción en Filipinas”. El tema me está llevando a todo el mundo. ¿Qué querés lograr con tu LP debut, High Expectations, a estrenar el 12 de julio? Quiero ser una artista global. Soy tan reacia a no ser un artista de un solo hit. La grabación es uptempo y hay mucha actitud. Adquirí confianza escribiéndola y quiero que la gente haga lo mismo. —TAYLOR WEATHERBY

La oda del rapero a Suge Knight se convirtió en su primer tema dentro del top 40 del Hot 100 y en el top 10 de las canciones en streaming. DaBaby inaugurará la gira de 21 Savage ‘Am > I Was’ con fecha de inicio el 21 de julio.

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El tema de ‘For the Throne: Music Inspired by the HBO Series Game of Thrones’ (‘Por el Trono: Música inspirada en la serie de HBO Juego de Tronos’) se lanzó con 7.8 millones de streams en los Estados Unidos.

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Luego de posicionar la canción en el puesto N°24 en el Hot 100, lo que se traduce en un récord para Ellie Goulding y Diplo logrado en el 2015, el Dj y Swae Lee obtuvieron su lugar en el chart, mientras que Goulding registra un tercer tema en la lista luego de “On My Mind” (2016) y “Love Me Like You Do” (2015). Mientras tanto, “Hollow Crown” aparece en ‘For the Throne: Music Inspired by the HBO Series Game of Thrones’, que debuta en el top 40 del Billboard 200.

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