Bindi No. 4 by Bindi

Aﾃ前 UNO - SEPTIEMBRE 2013 - NO. CUATRO

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Catapulta: Encuentro de sorpresas escenicas

Chiles en nogada: Una leyenda con gran sabor

Cecilia Beaven: Aventuras de una ilustradora

Tﾃ｡pame con tu rebozo: Prenda que no pasa de moda

® Director Editorial Braulio Bribiesca Arreola

Sub Director Raúl Arenas Trujillo

Diseño editorial Sandra Flores González

Editor en Jefe Andrea Cuevas

Colaboradores Goretti Muñoz Huerta, Manuel Roldán, Izachar Peñafiel, Ricardo Hernandez, Leticia Ibarra Bobadilla, Elena Hernández, Daniel Méndez Cárdenas, Juan José Calva Ramos, David Flores Rubio, Capitán Beluga (Rodrígo Hernández), Daniela Alva Zárate.

Redes Sociales Daniela Alva Zárate

En Portada Ilustración por: Juan José Calva Ramos

En Contraportada lustración por: Juan José Calva Ramos El contenido de los artículos, anuncios, y/o publicidad son propiedad y responsabilidad de los articulistas y/o anunciantes, y bajo ningún motivo o circunstancia representan la opinión o posición de la publicación Bindi en los diversos tópicos incluidos en la presente publicación.

Bindi - Año 1 - No. 4 Fecha de publicación: 28 de Septiembre del 2013 Página Web: www.bindi.com.mx Facebook: https://www.facebook.com/bindimag Twitter: @BindiMx contacto@bindi.com.mx eventos@bindi.com.mx

Septiembre 2013 - BINDI

Carta del Editor. Bindi No. 4 Hola y bienvenidos de nuevo a una edición más de ésta su revista Bindi. Por primera ocasión puedo escribirles unas palabras y poder introducirlos a éste maravilloso viaje que creamos para ustedes. Y quiero agradecerles por parte de todo el equipo de Bindi el apoyo y el seguimiento que tienen hacia nosotros y el tomarse el tiempo para leer los artículos, ya que nos inspira y motiva mes con mes a brindarles éste gran espacio. En éste número tenemos sorpresas escénicas que podrán disfrutar con la lectura que tenemos para ustedes, pasaremos por unos tips de edición de foto para aquellos que gustan de la fotografía, platicamos con una ilustradora que le encantan los comics y las artes visuales en general, tocaremos un tema particular dentro de piel de durazno y tendremos una recomendación musical que no podrán perderse. Viajaremos por la historia retomando un poco de nuestro México tan querido, rico cualtural y gastronómicamente donde les presentaremos un alimento que desde nuestros antepasados los aztecas lo han disfrutado y lo tomaron como parte de rituales que es el pulque una delicia para algunos paladares, para otros no tanto pero tan característico de nuestra cultura y de nuestros sabores, pasando también por la historia sobre de la moda en México que pueden apreciar en la sección Shabby Chic, y Pata de Perro nos llevará a un evento singular que para aquellos que lo conocieron les remontará al tan famosos “ Festival de Rock y Ruedas”. Por último queremos invitarlos también al cierre de la muestra audiografica “Panoram New Wave Soundies” que será el próximo 16 de Octubre en el auditorio del Museo Carrillo Gil donde estaremos participando y apoyando éste gran proyecto, así como invitarlos a leer la reseña que tenemos para ustedes. Esperamos que disfruten de leer éste número así como nosotros hemos disfrutado de crearlo para ustedes.

Bienvenidos. Braulio G. Bribiesca A. Director Editorial

BINDI - Septiembre 2013

Cobertura Especial 6 - Panoram New Wave Soundies

Cazadores de emociones 10 - CATAPULTA

La vida através del lente 15 - #tipsdefotografía

Street Writing 17 - Samuraiceci en Casa Vecina

Piel de Durazno 22 - # Piel de durazno 24 - Disco Del Mes

De los bocadillos 27 - Introducción 28 - Leyenda de los Chiles en Nogada 30 - El Pulque

Shabby Chic 34 - Historia de la moda

Pata de Perro 36 - Avandaro en Marti 39 - Tápame con tu rebozo

Septiembre 2013 - BINDI

Panoram new wave soundies Escrito por:

Daniel Méndez Cárdenas Fotografía:

Daniela Alva Zarate

¿La música se puede ver? ¿Las artes visuales se pueden escuchar? Hay un grupo de artistas que opinan que sí. Y lo demuestran a través de una serie de presentaciones en las que el arte sonoro, la música contemporánea y las artes visuales convergen para traer a los espectadores una experiencia fuera de lo común que seguramente encantará a más de uno. Las propuestas empalman entre sí para llevar al escucha a través de una montaña rusa auditiva en la que cada vuelta se convierte en una sorpresa. Desde los algoritmos de Wayfarer hasta las notas alegres y juguetonas de Stripsody, pasando por el pequeño muestrario de arte pop comprendido en Digital Sensation y, por supuesto, del trabajo de artistas sonoros mexicanos que buscan colocar en nuestro país una escena que se desarrolla desde hace más de medio siglo en Estados Unidos (principalmente) y en Europa. Las nociones tradicionales de tiempo, estructura y dirección se ven transgredidas al romperse el pentagrama como herramienta casi intocable de composición. Los parámetros del sentimiento generado por las notas musicales se amplían e invaden la vista, contrarrestando los excesos de la música electrónica masiva. La tecnología rompe los paradigmas cuadrados que le envuelven y coopera para expandir la creatividad de sus usuarios, convirtiendo la experiencia en un deleite a más de un sentido del espectador. Nos platica sobre esto Alejandro Casales:

BINDI - Septiembre 2013

¿Cómo se origina el concepto de Audiográficos – Panoram New Wave Soundies? Para ubicar estos conciertos en el Museo de Arte Carrillo Gil, se formaron una serie de actividades y vivencias que permitieron crear un modelo de significación global para el arte sonoro, la música contemporánea, las artes visuales. El concepto de los conciertos “Audiográficos - Panoram New Wave Soundies” se presenta como una reflexión sobre una morfología estética de fenómenos por los cuales es posible reflejar una serie de propuestas multidisciplinarias e interdisciplinarias para el público local. Además esta idea surge del modelo de la interdisciplina, donde sucede lo complejo y todo se reorganiza en sincronía. Todo esto nos llevó a una serie de reflexiones sobre los soportes de las artes visuales y la permanencia del aura, así como su función para otras disciplinas artísticas, también sobre la interconexión que transmite un nuevo arte para los medios que se transforman a múltiples formatos y que puntualmente no han dejado de ser audiovisuales, a pesar de que tengan su origen en el arte de la música. Es decir, el aura artística se distribuye en el intercambio a través de partituras, sonidos, ruidos, armonías y melodías que permiten dar el paso al ser en la escucha. ¿Cuál es el criterio para elegir las piezas que componen esta obra? El criterio se basó en la organización de muestras y conciertos dedicados a la producción audiográfica más significativa del siglo XX, XXI, además de agregar la producción de maestros y noveles se formaron apoyos en difusión y encuentro con distintas propuestas estéticas, tecnológicas, sociológicas y de diversos tópicos que atañen al fenómeno artístico dentro de un proceso de composición, escucha y transmisión de sentido.

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Estas piezas, ¿forman un trabajo conceptual, o es posible disfrutar de ellas de manera individual sin perder el hilo de lo que se desea proyectar? Son obras de autores que fueron seleccionadas para esta muestra y todas se desprenden individualmente a otros lugares, en su origen algunas son parte de colecciones privadas, otras pertenecen al dominio público y otras son partes de investigaciones artísticas que en su mayoría, son provenientes de distintos lugares de América y escritas durante la mitad del siglo XX e inicios de este siglo XXI. Como lo escribe acertadamente la musicóloga Ana Alonso: “Algunas pertenecen a las llamadas grafías musicales, donde el compositor se convierte en inventor de signos visuales que llevan al intérprete a emitir respuestas sonoras. En este proceso, el resultado auditivo no es parámetro de reconocimiento de la obra, sino el producto de co-creación. Tanto Treatise (1963-67), del inglés Cornelius Cardew y Digital Sensations (2007) de Scott Wollschleger son muestras de la notación gráfica que hace posibles innumerables realizaciones sonoras a un estímulo visual. Otras de las obras aquí incluidas se centran en la manipulación del sonido a través de medios electrónicos.” (Dr. Ana R. Alonso Minutti / Musicóloga en la Universidad de Nuevo México. Albuquerque, E.U.A. Septiembre 2013) ¿Qué hace del Museo de Arte Carrillo Gil, el escenario idóneo para este evento? Bueno, la propuesta tuvo que esperar mucho tiempo para que lograra su propósito en el Museo y en el foro polivalente de la Biblioteca de México, donde se presentarán obras para interpretarse en concierto, principalmente a que todas son contemporáneas, es decir, se han creado en una forma académica y principalmente post-tonal, en esta parte las artes sonoras y el desarrollo de la tecnología han permitido que los medios de expresión sean cada vez más diversos y que se logren obras conjuntas entre distintas disciplinas. ¿Qué expectativa tiene el museo de estas presentaciones? Las expectativas son el exponer una serie de obras importantes para el arte sonoro y música contemporánea en conjunto de los autores nóveles y vivos. ¿Qué impacto esperan tener los artistas sonoros participantes en el evento, dentro de las nuevas tendencias musicales de nuestro país? Conformar un espacio para sus obras e investigaciones, reabrir el debate artístico entre los compositores, artistas y creadores contemporáneos en el marco del Museo Carrillo Gil y el Foro Polivalente de la Biblioteca de México.

BINDI - Septiembre 2013

¿A qué problemáticas se ha enfrentado este proyecto tanto en ejecución como en difusión? Ninguno, de hecho quiero agradecer enormemente a todas las instituciones e involucrados en estos conciertos y muestra audiográfica. Y con estas palabras de uno de los participantes y creadores de la muestra audiográfica los invitamos al cierre de éste gran evento el próximo 16 de Octubre la cita como bien lo saben será en el Museo de Arte Carrillo Gil (MACG) en punto de las 19 horas, donde se estarán presentando diferentes propuestas actuales con visuales y música en vivo y donde estaremos presentes apoyando a ésta gran proyecto que nos regala una experiencia única que deleita los sentidos para cerrar una gran noche.

Septiembre 2013 - BINDI

CATAPULTA Escrito por: Goretti Muñoz Fotografía: David Flores Rubio

de FotoColectivo MX

ENCUENTRO DE SORPRESAS ESCÉNICAS 5 de las mejores propuestas escénicas mexicanas Septiembre, mes patrio, busqué entre los compañeros artistas obras que durante éste mes hablaran sobre México, sin embargo, al arte también ha llegado un malestar general sobre la situación actual de nuestro país y pareciera que los intentos de festejo han sido opacados por desgracia e incertidumbre. El arte tampoco ha sido el más favorecido con tantos cambios y sucesos sociales, político y ambientales por lo que éste mes se ha ido en la supervivencia y la defensa de una vida digna. Supongo que en lugar de hacer obras que ni festejaran ni se quejaran nos dedicamos a impulsar todos los esfuerzos que si se hacen, todas las manos que si se entrelazan y toda la potencia creadora y transformadora a través del cuerpo. Ésta vez los cangrejos mexicanos si se ayudaron para salir. Así sucedió con el proyecto Catapulta organizado por Isabel Aguerrebere (Querétaro) y Eduardo Esquivel (Monterrey), Fernando Tristán como asistente, María Daniela González y Yaroslav Villafuerte como colaboradores/mecenas. Los cuales impulsados por la necesidad de la existencia de foros donde presentar sus investigaciones y creaciones decidieron hacer un encuentro donde hubiera apertura para todas las áreas artísticas basadas en procesos de investigación del cuerpo. Sonará fácil pero en realidad hay pocos espacios en los que se abra una convocatoria que por ser tan sencilla logra ser incluyente. Lanzaron una convocatoria nacional para elegir 5 de las mejores nuevas propuestas escénicas de creadores desconocidos del país que a su criterio cumplieran con la mayor sencillez posible sin exceso del uso de utilería, escenografía o elementos que distrajeran o rellenaran el trabajo expresivo corporal, tomando las ideas originales como valiosas y necesarias. Esto con la finalidad de sorprender a través de lo “sencillo” a un público acostumbrado a lo “complejo”, retomando al cuerpo como principal herramienta de creación.

BINDI - Septiembre 2013

Participaron 103 obras con propuestas innovadoras de cerca de 300 nuevos creadores e intérpretes del arte escénico mexicano en teatro, danza, clown, circo, pantomima y performance. Después de un detallado proceso de selección, los elegidos presentaron sus proyectos en una misma función el 22 de septiembre en La Cantera-Foro Chilango de México, D.F., y el 23 y 24 de septiembre en el Teatro de la Ciudad de Querétaro. Además de la convocatoria para los creadores, también se lanzó una convocatoria para patrocinadores y padrinos mostrando que la unión hace la fuerza. Convocaron: CONACULTA-INBA, LA CANTERA Estudio de danza y PROYECTO TR.EX. Patrocinaron: Lek.eTikoto Ropa de danza, FotoColectivo MX, D3SIGNA y ECLÉCTICO. Apadrinaron: Wendy Platas, Jaime Camarena, Rocío Reyes, Alberto Rodríguez, José Corral, Luica Arnaiz, Samuel Borbola, Roberto Aguerrebere, Magdalena Gómez y Laura Dueñas. Ahora viene el momento de contarles sobre las obras de los seleccionados: “LA ISLA” de DuoKaravan provenientes de Monterrey, N.L. teniendo como creadores e intérpretes a Albar Ramírez y Carlos Álvarez crearon una propuesta desde la Pantomima Clown profesional manejando a la perfección expresión corporal, ritmo, atención en el público y sin necesidad de decir una sola palabra expresaron con todo el cuerpo, gestos y sonidos momentos cotidianos entre dos personas que se encuentran y se permiten jugar a las dinámicas comunes llevadas a su lado cómico y ligero, nos mantuvieron atentos y en la risa encarnando diferentes personajes de manera fluida y divertida. Búscalos en Youtube como DuoKaravan.

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“ESTANCANDOS” de Danza Viral Colectivo Escénico de Mazatlán, Sinaloa. Sus creadores son Guillermo Magallón y Kimberly Medina y sus intérpretes las fabulosas bailarinas Diana Vizcaya y Kimberly Medina. Éstas hábiles bailarinas hicieron coreografía con un gran equilibrio entre limpieza, agilidad física y expresión haciendo referencia a los momentos de estancamiento en una situación entre dos personas en la que sus movimientos confluían como un remolino del cual no podía escapar ninguna de ellas. Teniendo como slogan “Moviendo el cuerpo, el espacio y la imaginación...” éste colectivo está formado por alumnos de la Escuela Profesional de Danza de Mazatlán; todos artistas multidisciplinarios que exploran espacios alternativos y convencionales. Encuéntralos en danzaviral.com o en Facebook como Danza Viral.

“HOTEL FAUNA” Es un trabajo de los co-creadores e intérpretes NatashaBarhedia, Thalía rodríguez y Oscar Ortega, integrantes de Esfera Teatro México de Guadalajara, Jalisco. Un grupo de artistas escénicos interdisciplinarios que buscan generar una reflexión crítica sobre el presente a través del teatro. Ésta pieza (la cual es el inicio de una obra más grande en proceso) trata de manera muy divertida e interesante las diferentes situaciones que ocurren dentro del Hotel Fauna, logrando hacer sentir al espectador que puede observar la intimidad de diferentes personas en su habitación. Se puede observar una investigación desde el teatro hacia el cuerpo completo logrando cambios de ambientes, de personajes y naturalidad para expresar emociones. Más sobre ellos en su Facebook como Esfera Teatro México.

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“RÁFAGA” Es una coreografía de Esteban E. Hernández interpretada por él mismo y Enrique Melgarejo, los dos de México D.F. Ellos no son una compañía de danza sino son un par de amigos bailarines que van trabajando los proyectos o ideas que les surgen aprovechando la química que tienen para bailar y crear en conjunto. Su coreografía denota un manejo preciso de las dinámicas de movimiento, del uso del ritmo y trabajo en pareja. Guiados por la música sus movimientos eran fluidos y como de ninjas por el espacio, avanzando y deslizándose ágil y ligeramente. Fue tanto el encanto del público que al final al elegir el público la coreografía preferida (elección muy difícil por la calidad y variedad de todos los trabajos) ellos fueron los elegidos. Puedes encontrar algunos de sus videos en la cuenta de Quique Melgarejo de Youtube.

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“JUECES A…” Proyecto llamado Zapateo Contemporáneo del creador Miguel Pérez García, interpretado por él mismo y por Edson Alberto Garza con música en vivo de Álvaro Rubio. Ellos son parte de Don Cañalero Producciones un grupo de música y danza en México (Folk/Fusión). La propuesta de Zapateo Contemporáneo es la experimentación de distintos ritmos musicales y técnicas de danza con zapateo. Como se podrán imaginar tienen una fuerza impresionante ya que su preparación interdisciplinaria les permite mantener durante toda la obra una tensión muy interesante dejando que cada expresión del cuerpo y que cada zapateo sean significativos tanto interpretativa como musicalmente. Puedes encontrarlos en Facebook como Don Cañalero y en Youtube como Miguel Pérez García (Zapateo Contemporáneo).

Para cerrar los artistas de todas las obras hicieron una coreografía colectiva improvisando y jugando con las diferentes expresiones y detalles de cada obra. Fue un momento muy feliz para artistas y espectadores en donde sin protagonismos expresaron un momento de humildad y sencillez unidos por el arte. Ésta fue la primer selección de Catapulta esperemos siga surgiendo el apoyo para que las nuevas generaciones de creadores, los lazos de hermandad entre los gremios y las ganas de transformarnos juntos a partir del quehacer de cada uno, vayan fortaleciendo a nuestro hermoso país y abriendo caminos. Puedes encontrar más información en www.encuentrocatapulta.com y en su facebook como Catapulta.

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#tipsdefotografía

Les tenemos una breve explicación de las funciones básicas de lightroom 5 y un par de trucos en photoshop cc, este es para nivel intermedio/avanzado. Pueden revisar el video en nuestro perfil de Vimeo en el siguiente enlace: https://vimeo.com/76002990

Escrito por: Manu Roldán Fotografía y edicion de video por: Manu Roldán

No olviden dejarnos sus comentarios y seguirnos por el fanpage de tips de photo.

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BINDI - Septiembre 2013

Samuraiceci en Casa Vecina Amo el “Io veo, veo”, se escribe así por que mi sobrinito no sabía pronunciar la “y” de yo y me gritaba siempre que prendía la TV para ver las caricaturas: “IO VEO, VEO” y con esta frase decidí profundizar mi pasión por la ilustración, dibujos, diseños y graffiti. Me encanta ver esa es la realidad. Cuando era pequeña y hasta la fecha, ver las caricaturas es algo que me gusta mucho, el dibujo es una de las cosas que más amo en esta vida y por ende a sus creadores. Un día conocí a una chica llamada Cecilia Beaven quién sería la encargada de llevar a cabo un proyecto para una marca de la empresa en la que yo solía laborar Tiempos aquellos, en fin. El proyecto era nada más y nada menos que ¡subir a esta chica a pintar!. ¡Sí! Ceci Beaven era ilustradora e iba a pintar un mural. Yo claro toda feliz de conocerla y sobre todo de poder estar a su lado y ser espectadora del proceso creativo para la construcción de este proyecto me fui involucrando en platicas con la artista hasta conocer a Samuraiceci, personaje que da vida a Ceci Beaven en dibujo y dibujo que a su vez personifica a la mismísima Samuraiceci amante del dibujo y las caricaturas como yo. Y sí ya los confundí pues acá les dejó una pequeña entrevista con Ceci para que conozcan más de ella y todo lo relacionado con la Expo que presentó en “Casa Vecina” un espacio con fines culturales que forma parte de la Fundación del Centro Histórico de la Ciudad de México. Y abre sus puertas a mi ya bien conocido “Io veo, veo” todo lo que quiero.

Escrito por: Izachar Peñafiel Fotografía: Capitán Beluga

(Rodrígo Hernández)

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¿Quién es Cecilia Beaven y quién es Samuraiceci? Cecilia Beaven es una chica de 27 años que nació en la Ciudad de México y disfruta mucho dibujar en diferentes formatos. Le gustan las caricaturas, los cómics, el cine y las artes visuales en general, especialmente cuando tienen un enfoque narrativo. A Cecilia le gusta mucho la idea de los personajes de caricaturas y decidió convertirse en uno: Samuraiceci. Samuraiceci es un personaje que dibuja y es un personaje dibujado. Al ser un personaje tiene más aventuras porque puede pasar lo que sea, tiene espada samurái, se multiplica, pelea con monstruos y muchas veces se muere. A que te dedicas ¿Estudias aún o trabajas? Me dedico a dibujar. Estudié Artes Plásticas y Visuales en la ENPEG “La Esmeralda”, terminé hace unos años y ahora trabajo de manera independiente, haciendo mis proyectos y a veces proyectos comisionados. El dibujo es un medio muy flexible y me permite hacer muchas cosas diferentes, he hecho series de dibujo como tal, murales, animación, ilustración, intervención de objetos, etc. ¿Por que elegiste la ilustración como profesión? Siempre quise hacer algo relacionado al dibujo porque es una actividad que disfruto y necesito. En prepa estudié en una escuela en donde había un enfoque muy fuerte hacia las humanidades, nos hablaban mucho de estética y eso me gustaba muchísimo. Decidí estudiar Artes Visuales porque quería experimentar con diferentes medios y aprender de historia del arte y estética. Mis proyectos muchas veces comparten métodos y formas visuales con la ilustración y el diseño (que me fascinan), pero mi formación es de artista visual.

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¿Qué es lo mejor del trabajo que realizas y que puede ser lo más complicado? Lo mejor es que hago lo que quiero y es algo que disfruto. Yo hago mis horarios, decido mis tiempos, pongo mis reglas y así. Aún cuando hago proyectos comisionados siempre tengo una carga grande de libertad creativa. Pero es difícil trabajar por cuenta propia, hay que ser muy organizado (que es algo medio anti-natural en mí) y trabajar un buen (eso sí me sale), no hay quincena segura, ni seguro médico, ni prestaciones, ni nada de eso; soy mi propio jefe y no siempre me ofrezco las mejores condiciones de trabajo (al menos por ahora). ¿De donde viene tu inspiración? De las caricaturas que vi de chica (creo que toda la programación de los 90s de Cartoon Network y Nickelodeon, además de Los Simpson), las novelas gráficas que leo ahora y los artistas visuales que me gustan (de todos los tiempos). Y también me interesa mucho la biología (visual y conceptualmente, porque el arte tiene un comportamiento muy orgánico), desde las ilustraciones naturalistas del s. XIX hasta los descubrimientos más recientes de nuevas especies, me gusta mucho investigar sobre esas cosas. ¿Cuál es tu proceso creativo? La forma de trabajo varía según el proyecto y las necesidades específicas, pero la verdad es que me cuesta trabajo ser ordenada y en general mis procesos son un poco caóticos (que no es tan malo, creo, porque muchas veces gracias a eso encuentro nuevas soluciones creativas). Lo que se mantiene es que siempre colecciono imágenes (todo el tiempo guardo recortes o imágenes digitales, revistas, cuentos, cómics, etc.), apunto todas las ideas que se me ocurren o los datos de todo tipo que me interesan y siempre estoy haciendo dibujos en libretas. Todo esto me sirve de base para empezar a armar algo, lo difícil es ordenar y depurar para hacer algo con sentido.

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¿A quién admiras y por qué? A muchísimos... Artistas de cómic o novela gráfica como Chris Ware, Jim Woodring, James Kochalka, Ron Regé Junior, David B., Brecht Evens, Liniers y Gabrielle Bell. Artistas visuales como David Shrigley, Chris Johanson, Miss Van, Barry McGee, HuskMitNavn y Gary Panter. Y últimamente mi persona admirada favorita es Pendleton Ward (el creador de Adventure Time y Bravest Warriors), porque me gusta mucho cómo piensa, me intriga mucho su cabecita loca y las cosas que pasan ahí, me encanta su forma de expresión, que es muy simplificada y que (creo) viene mucho del anime. ¿Qué sigue para Cecilia Beaven? En Octubre voy a participar en Entijuanarte en una expo colectiva que se llama “Yo. Contenido” y también voy a hacer una intervención grande de manera individual. También tengo pendientes un par de videos para unos amigos músicos. Fuera de eso y un poco más a largo plazo, me gustaría estudiar más y tengo que hacerme tiempo para hacerlo, quiero aprender más de animación y también leer mucho de estética.

Película: Kill Bill (los dos volúmenes) Libro: El Palinuro de México, de

Fernando del Paso

Canción: Suedehead, de Morrisey.

Y mientras tanto en Casa Vecina… Una chica que pinta, pero ¿qué hace? ¿qué dibuja? ¡Una máquina de Goldberg! Que no es más que un mecanismo muy complicado a través del cual se realiza una tarea muy sencilla mediante una reacción en cadena. El nombre viene de Rube Goldberg, un caricaturista que fue famoso por dibujar estas máquinas. La pieza se trata de eso, de cómo nos complicamos todo el tiempo y nos mostramos como una máquina de Golberg como personas y como sociedad. Es un dibujo en el que Ceci trata de mostrar que nuestra naturaleza absurda es bella por eso mismo.

BINDI - Septiembre 2013

¿Cuál fue tu referente imaginario? Me basé en las máquinas de Goldberg con las que crecí y he visto desde siempre. Aparecen en caricaturas, películas y series como Animaniacs, Looney Tunes, La gran aventura de Pee Wee, ScoobyDoo, Ferris Bueller’s Day Off, entre muchas otras. Y en el ámbito del arte contemporáneo han sido referencia de artistas que me gustan mucho como Tim Hawkinson, Peter Fischli y David Weiss. Cuéntanos las experiencia que te dejo Casa Vecina. Estuvo bonito trabajar en Casa Vecina, quedé contenta con la experiencia. Es un espacio en el que siempre están pasando cosas, mientras estuve ahí me tocó ver la presentación de un libro, exposiciones, el desarrollo del proyecto “Todos queremos ser rockstars” y un taller de elaboración de bicicletas de bambú. Me da mucho gusto que existan lugares así en la ciudad, creo que tenemos que aprovecharlos lo más posible y me da gusto haber sido parte de ello. En particular me gusta el espacio donde yo trabajé (Fuera de Sala) porque es un cuarto con una pared completa de ventana que da a Regina, así que mi pieza está expuesta y dialogando con un montón de gente todos los días. Expo que aún pueden visitar en “Casa Vecina” ubicada en 1er callejón de Mesones 7 Esq. Regina Centro Histórico en la Ciudad de México. Y ella es Ceci Beaven una chica sencilla pero con un gran contenido espiritual y talento que desborda por sus manos, una chica sincera, entregada y con gran espíritu humanista que se ve reflejado en su trabajo; una persona con muchas ganas de crecer en su ámbito laboral y artístico el cual regala sonrisas y una gran satisfacción al poder estar frente a sus obras que dejan ver a detalle texturas, formas y sensaciones que representan sus personajes. Samuraiceci una artista con carisma, sencillamente una muy buena amiga.

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#PielDeDurazno Escrito por: Ricardo “Pichie”

Hernández

Fotografía: Ricardo Hernández

Ya estamos a nada de despedir este 2013, no por eso podemos empezar a echar flojera como ya es costumbre de todos en estas fechas, todo es culpa desde que entramos al kínder y hasta que salimos de prepa, nos acostumbran a vacacionar y descansar en determinadas fechas del año pero al estar en la universidad y ya como personas trabajadoras nos cambian todo el show y de pronto nos vemos trabajando en días que la familia se reúne a comer, el cumpleaños de mamá, papá, herman@, novi@ etc. y es cuando nos damos cuenta que ya no somos unos bebés cualquiera. ¿A qué viene todo esto? Bueno, todo esto se me ocurre al momento de ir llegando anoche a nuestro hermoso México DF, después de haber andado en Guadalajara echando “RakenRual” y pensando en todas las bendiciones que vivimos como músico al trabajar de algo que amas pero que a la vez te aleja de momentos especiales de tu vida, mencionaba lo de fin de año y demás festividades ya que es cuando vienen los fiestononones loquísimos muy de la época; pero es justo cuando los músicos trabajamos en verdad, siempre he pensado en la frase “Los músicos trabajamos mientras los demás celebran”, recuerdo esta frase de un maestro de la universidad y al poquito tiempo me di cuenta en lo cierto que estaba ese señor; he logrado generar expresiones de sorpresa como “¿Vas a trabajar, en Navidad…en 15 de Septiembre?” en fin no acabaría la lista de festividades. Todo esto lo saco porque la otra vez platicando con mi novia sobre “Trabajas en algo que amas, que es la música pero, ¿no llega el punto en que el cansancio los haga querer parar de tanto trabajo?” a lo que si mal no recuerdo contesté algo como: “Pfff…si claro que te cansas después de unos días sin dormir, te cansas de tanto mezclar en el estudio, de componer, de tocar… es algo natural, lo que hace que sigamos adelante es el hecho que por ejemplo, antes de tocar uno puede estar súper cansado pero la vibra de la gente, el amor a lo que haces, esa sensación de que a pesar de ser el mismo Set-List de la noche pasada la gente es otra, las reacciones serán distintas, yo como músico no tocaré lo mismo que la vez pasada, me equivocaré en una nota distinta, pero esos momentos y más, habrán hecho que valga la pena cada segundo sin dormir o cada hora de carretera.

BINDI - Septiembre 2013

No importa que hora sea para componer algo nuevo, para mezclar algo en el estudio, el resultado final habrá sido mas que satisfactorio, aún mayor a la última vez que lo hiciste; podrás decir con satisfacción y con un tallón de ojos: “Por fin acabé y quedó mejor que nunca”, ese momento en el que te das cuenta que tu trabajo es una extensión de tu alma y que hay gente que depende de ti para poder cantar como nunca y gritar a todo pulmón, no tiene precio, dar una nota sobre el escenario o en el estudio y recordar esa primera canción que te provocó un escalofrío por todo el cuerpo y te hizo preguntar ¿Cómo le hacen, qué hacen para provocar esto? Justo ahí fue que decidiste a dedicar tu vida a investigar ¿Cómo le hacen? y es así como tomaste un instrumento musical dándote cuenta que ya no existía mejor manera de vivir y debías tratar de provocar esos mismos escalofríos a la gente, es en esa memoria que tú por fin aprendes a respetar la música y la disfrutas cada segundo de tu vida, trabajas en uno de las mejores y mas nobles profesiones en este mundo, aparte ¡eres feliz trabajando! Y fue así como terminé de contestarle a mi nenita la pregunta inicial “¿no llega el punto en que el cansancio los haga querer parar de tanto trabajo?” Así que a la siguiente que vean o conozcan a un músico, podrán entender un poco más sobre él ¿por qué?, pregúntenles su versión, yo solo les platico la mía, compártanme lo que les cuente ¿va? Amigos, sea cual sea su trabajo, debemos dar todo a cada segundo que pasa y no se trata de ser mejor que el de a lado porque siempre habrá quien lo haga mil veces mejor, se trata de hacer la diferencia en el mundo, con la gente que te rodea, de ser feliz con lo que haces y transmitir ese sentimiento, “Ay pero es que a mi ni me gusta mi trabajo…”, si puede ser pero hay veces que no te queda de otra, ya estas dentro y solo queda hacer las cosas bien para que con el esfuerzo de tu trabajo logres conseguir otros sueños que tengas, no guiado por la satisfacción monetaria (eso ya es de cajón si no, no hay comida) si no por la felicidad de alcanzar todo lo que planeamos, guiados siempre por ser felices en el proceso, así será mas fácil se los aseguro. Amigos me despido de ustedes pero no olviden que seguimos en contacto a través de Twitter y demás redes sociales las cuales siempre serán las mismas, PichieBass.

#Pieldedurazno

Septiembre 2013 - BINDI

Disco Del Mes Pero…¿Qué está pasando con la música en estos días?

Escrito por:

Ricardo Hernández

En verdad en los últimos meses la industria musical se ha visto muy bien gracias a los lanzamientos de discos que se han convertido en los de rigor para “¡De aquí hasta la muerte!” -El Mamilas. Este mes quisiera hablarles un poquito (para dejarlos picados y que vayan a comprar el disco o lo escuchen legalmente en línea) de unos discos que para mi han sido de lo mejor que ha salido en los últimos años, opinión muy personal, el primero del que quisiera hablar es ni mas ni menos que:

-REINCARNATED – SNOOP LION ¡Tsss! No, no, no… es una experiencia “Rastafari” audio visual y hablo de audio visual por que este disco se complementa de un documental el cual te lleva de la mano con casi todas las canciones de este disco y te ilustra perfecto el origen de este disco, el alma de todos los involucrados en su producción, entre otras cosas muy curiosas que ocurren a lo largo del documental y las bendiciones que tanto Snoop como sus anfitriones en esta aventura suelen otorgarse los unos a los otros (vean el documental y entenderán), ambos (disco y documental) pueden encontrarse bajo el mismo nombre, “Reincarnated”. En este disco Snoop Lion (antes SnoopDog) se aventura a probar las bendiciones de las tierras Jamaiquinas de propia mano, dando como resultado un disco de reggae aunque con ciertos toques de pop, electro y un poquito de hip-hop te mantiene al fondo de tu asiento ya sea de tu casa o del coche con un movimiento de cabeza lateral compás tras compás del disco entero. ¿Pero por qué Snoop ahora es rastafario? Esas y mas preguntas serán respondidas en el documental. Un sonido “vintage” en ciertos pasajes del disco hacen recordar 24

BINDI - Septiembre 2013

el sonido crudo de Bob Marley, ¿A caso así sonaría si él siguiera vivo? nunca lo sabremos pero lo que sí sabemos es que éste disco se volverá un disco básico en la colección de cualquier amante de la música que esté dispuesto a sorprenderse y escuchar algo distinto con coros bastante “buena onda”. Las canciones a resaltar son: “The Good Good”, “No Guns Allowed”, “Smoke the W#%$”, “Lighters up”; pero por mencionar algunos ya que es de esos discos que deben ser escuchados de principio a fin, una y otra vez.

Septiembre 2013 - BINDI

-RANDOM ACCESS MEMORIES – DAFT PUNK Trippy, alucinante, funky, motown… ¿De qué otra manera podría describir este disco? deberíamos sentarnos a tomar un café toda la tarde para que pudiera describir como quisiera este disco, pero mientras les platico que en este disco escucharemos a un Daft Punk totalmente dispuestos a hacer lo que les plazca en la industria, logrando un disco que nos recuerda la prestigiosa época de la música disco, el sonido funk y motown que escucharemos a lo largo del viaje nos lo darán las guitarras que corren a cargo de NileRodgers guitarrista ni mas ni menos que de Aretha Franklin y Chic, lo groovy del bajo corre a cargo de Nathan East que nada más ha sido bajista de unos que se llaman Clapton y a otro que le dicen Lionel Richie creo… “jajajajajaja”, bueno todo esto se acompañará de atmósferas que provocan un viaje como no había escuchado desde Pink Floyd, seguro algo así andarían haciendo los maestros de Pink Floyd, refiriéndome a los sintetizadores. Otro disco que debe de escucharse de principio a fin, aprovechar el tráfico, la lluvia, la carretera, donde sea y dejarse llevar y no saltar ninguna canción, así sea “Get Lucky”, déjala correr, verás que dentro del disco juega un papel muy importante, total ya la has escuchado millones de veces en el radio, TV y a cada lugar que vayas, que mas da escucharla una vez mas, pero en esta ocasión dentro de una historia muy bien llevada que mas parece un mensaje proveniente de otro planeta, con decirles que hasta la grabación de un piloto describiendo un OVNI encontraremos a lo largo de este disco. Solo porque tengo que mencionar algunas canciones hablaría de “The game of love”, “Giorgio by Moroder”, “WITHIN”, “Contact” y todos, la verdad van a disfrutar éste disco de la 1-14 y hasta querrán bailar en la comodidad de su asiento, se los aseguro.

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De los bocadillos Introducción En esta ocasión vamos a hablar de dos productos, insumos y/o alimentos bien mexicanos, ya que este mes debemos de celebrar mas que nunca nuestras raíces prehispánicas enalteciendo nuestra historia y que mejor que a través de la comida y la bebida, elementos que no pueden faltar nunca en nuestros festines desde épocas antiguas y que hoy en día siguen siendo parte de nuestras tradiciones. “En un país donde las ideas siempre han sido inferiores a los milagros, donde las catástrofes han sido más sabias y oportunas que las victorias, donde el pasado es el único futuro que los gobernantes han podido planear y donde el caos es el equilibrio lógico de todo, solo hay tres cosas que mantienen la cohesión entre una desbordante multiplicidad de rostros: la comida, la música y la bebida. Y también son estas las únicas democracias en una sociedad que se aferra desquiciada a sus contrastes.”1 En esta edición de Septiembre escarbaremos en el pasado para conocer la historia de cómo surgió uno de los platillos más representativos a nivel mundial de nuestra cocina “Los chiles en nogada“ y para acompañar este viaje a través de la historia conoceremos los inicios del pulque, ¿qué es?, ¿de dónde viene? y ¿cómo fue que se comenzó a consumir como bebida alcohólica?. Así que alístense para dar un paseo a través de nuestro pasado y nuestras raíces para comprender mejor de que se trata nuestra cocina y poder sentirnos cada día más orgullosos de ser mexicanos. Y por supuesto todo esto vendrá acompañado de deliciosas recetas que los harán deleitar su paladar y darle sabor al sabor mexicano.

Escrito por:

Leticia Ibarra Bobadilla

Cocina Regional Mexicana “Bebidas Mexicanas”.Martha Chapa. Edit. Everest.

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Leyenda de los Chiles en Nogada Escrito por:

Leticia Ibarra Bobadilla

El 2 de agosto de 1821, año de la consumación de la Independencia, México vistió por primera vez los tres colores de su bandera ya que los insurgentes habían ganado ya la guerra de independencia de México, y se dirigían entonces a la ciudad de Córdoba, Veracruz, para firmar el Acta de Independencia representados por su caudillo, Agustín de Iturbide. Al enterarse el obispo, Antonio Joaquín Pérez Martínez, del paso de tan importante personaje por Puebla, decidió junto con el Ayuntamiento, recibirlo con flores, oficiando una ceremonia en la catedral, para más tarde en la casa del obispo, disfrutar de un gran banquete. Para este festín se mandaron a hacer 14 platillos diferentes a distintos conventos femeninos poblanos, pidiendo a las monjas agustinas recoletas del Convento de Santa Mónica, el platillo conocido como “Chiles rellenos bañados en salsa de nuez”, receta que existía desde 1714 y que por su preparación, se habían hecho famosas. Al saber ellas sobre la nueva bandera de los Insurgentes, decidieron adornar éste platillo con el color verde del perejil y el color rojo de las semillas de la granada, sobre el blanco de la nogada. Almendra, piñón, acitrón , durazno, pera, manzana y plátano macho; eran los ingredientes con los que se preparaba este manjar que probablemente se comía como postre. Es así como la gastronomía poblana se enriqueció, obteniendo uno de los platillos más representativos de este estado. El chile en nogada (el nombre más común es chiles en nogada, en plural, a pesar de que suele servirse no más de un solo chile) es uno de los platillos típicos de la gastronomía mexicana. Ha sido considerado internacionalmente uno de los más finos y representativos platillos de la alta cocina mexicana. Características Este platillo esencialmente consiste en un chile poblano relleno de un guisado de carne de res y puerco, todo ello mezclado con fruta (plátano, manzana, pera, durazno, etc.) entre otras cosas. Los chiles en nogada, son considerados un platillo de temporada, que se sirve durante los meses de julio, agosto y septiembre, en virtud de que la característica que los distingue, es el empleo de la nogada que es una salsa que se prepara con nuez de castilla, ingrediente que se cosecha durante estos meses. Si bien es cierto que la nuez es un producto que se puede almacenar, y utilizar en cualquier época del año, es de gran importancia que la nuez que se utiliza para la elaboración de esta receta sea de cosecha reciente, pues esto resalta el sabor de la nogada, esta situación condiciona el alto costo del platillo. Este platillo se elabora con más de veinte ingredientes, aunque la sofisticación del plato exige hoy hasta cincuenta.

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Simbolismo Según la tradición, el local donde se agasajó a Agustín de Iturbide en su onomástico, fue engalanado con los tres colores de la naciente bandera mexicana ideada por el propio personaje: verde (independencia), blanco (religión), y rojo (unión). Hasta el día de hoy este platillo continua siendo un agasaje para la vista y el paladar ya que prepararlo es todo un arte, reflejando también una parte de lo que somos como nación. A continuación encontraran lugares en el DF en donde pueden disfrutar de este delicioso manjar. Recuerden que es un producto de temporada. Así que alístense para dar un paseo a través de nuestro pasado y nuestras raíces para comprender mejor de que se trata nuestra cocina y poder sentirnos cada día más orgullosos de ser mexicanos. Y por supuesto todo esto vendrá acompañado de deliciosas recetas que los harán deleitar su paladar y darle sabor al sabor mexicano. Restaurante “Los Girasoles”. Tacuba 8A, Plaza Manuel Tolsá, Col. Centro Frente al MUNAL, Palacio de minería y al Edificio de correos. Teléfonos: (55) 5510 0630 y (55) 5510 3281

“Los Danzantes” Plaza Jardín Centenario 12, Col. Villa Coyoacan, México, D.F. Teléfonos: (55)5554-1213, (55)5554-2896

“Restaurante Azul y Oro” Torre de Ingeniería, UNAM Lunes a viernes, en el calendario laboral de la UNAM de 9:00 a 18:00 horas. Teléfono: 56233500 Ext. 1065

“Antigua Hacienda de Tlalpan” Calzada de Tlalpan 4619 Tlalpan, México DF. Teléfonos: 56557888 y 56557315

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Escrito por:

Leticia Ibarra Bobadilla

Diosa del maguey

El Pulque

Han pasado mas de 380 años desde que la conquista de la ciudad de Tenochtitlan llegara a trastocar las costumbres y la vida de los pueblos mesoamericanos. Ya no se cumplen libremente ritos a Mayáhuel (náhuatl: mayahuel, ‘lo que rodea el maguey’ ‘metl, maguey; yaual, lo que rodea’) es la diosa mexica del maguey de la que se extrae el pulque, usado en las ceremonias como bebida ritual y ofrenda para los dioses, en el proceso de la obtención del pulque. De acuerdo a las historias indígenas toltecas, durante el reinado de Tecpancaltzin, un noble llamado Papantzin descubrió cómo extraer el aguamiel de la planta de maguey; y a las personas que fabricaron el pulque se les denominó como “tlachiquero” (del náhuatl “rasguño”) ya que tallaban las pencas de maguey para extraer su fino líquido. En los tiempos prehispánicos, los aztecas consumían el pulque en las ceremonias religiosas. Se le recomendaba también a mujeres cercanas al parto y lactantes. Durante la época prehispánica, el pulque era usado en ceremonias principalmente por los sacerdotes, para poder tener una mejor concepción de los mensajes que enviaban los dioses, usado principalmente en la región del altiplano mexicano. En tiempos de los mexicas el pulque se llamaba iztacoctli (“el licor blanco”). El nombre actual parece ser una mala interpretación española de octlipoliuhqui (“licor descompuesto”), el término náhuatl para un pulque demasiado fermentado, causante de embriaguez. El abuso del octli o pulque era severamente reprobado en el México prehispánico.

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La embriaguez era considerada “causa de toda discordia y disensión, como una tempestad infernal, que traía consigo todos los males”: sólo podían emborracharse los enfermos y los viejos, cabe sospechar que tales normas fueron cada vez más transgredidas con la pérdida de identidad y la nueva ambigüedad moral de los conquistadores españoles. La principal zona de consumo y producción es la antigua región de los Llanos de Apan, o Altiplano hidalguense, donde surgió la charrería. En México al pulque se le considera, junto con el tequila y el sotol, como bebida nacional. A menudo son confundidas el pulque, el tequila y el mezcal o bacanora, las especies con las que se elaboran y sus formas de elaboración. El pulque es obtenido principalmente de la fermentación del aguamiel de dos especies de maguey, Agave salmiana y Agave atrovirens sin destilación, lo que es semejante a la elaboración de los vinos y cervezas pero el del pulque es más artesanal. El maguey es una de las plantas más sagradas en México y tiene un lugar prominente en la mitología, rituales religiosos y en la industria. Una tradición la relaciona con Quetzalcóatl: el dios le pide a Mayáhuel que lo acompañe al mundo y al estar en la tierra ambos se convierten en un árbol de dos ramas, lo que sugiere una fusión plena de las dos divinidades. La abuela de Mayahuel llegó al lugar con las Tzitzimime, entidades temibles de los aires, se acercaron al árbol, cortaron la rama que correspondía precisamente a Mayáhuel y la comieron. Cuando Quetzalcóatl recobró su forma, recogió los restos de Mayáhuel y los enterró: de ellos surgió el maguey.

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Fray Bernardino de Sahagún refiere una versión más: Mayáhuel es el nombre de la primera mujer que perforó los magueyes para extraer el aguamiel, base del pulque. Fernando de Alva Ixtlixóchitl agrega otra: a Quetzalcóatl se le conoció como Ce AcatlTopiltzin, último rey de Tula; en esta versión es hijo de Tecpancaltzin, cuya mujer fue Xóchitl, considerada también la descubridora del pulque. Pero sin importar cual sea la historia verídica la realidad es que el pulque se ha convertido en un símbolo mexicano y las pulquerías han sobrevivido a los cambios, a las modernidades y al menosprecio. Ya que en la antigüedad se reunía un abanico generoso de la sociedad, desde obreros y campesinos, pasando por aspirantes a toreros, frailes y gendarmes hasta ladronzuelos y dicharacheros. El pulquero ambulante era también un personaje usual de la ciudad y los caminos durante el siglo pasado. Decían que era semejante al cura, ya que ambos bautizaban con agua: el uno para quitar el pecado y el otro, para aumentar el mandado. Las pulquerías que antes fueron tan comunes por la calle, decían los más exagerados- hoy en día son casi piezas de museo. Fotos, versos, letreros y decoraciones murales se han perdido. Hoy la gente toma otras bebidas, no pulque. El pulque se produce casi todo para consumo local y los intentos por enlatarlo o envasarlo no ha tenido gran éxito. Pero nadie deja de añorar un buen curado con la barbacoa y en la memoria se conserva el grato olor de la salsa borracha o el pan de pulque. Sin embargo, el Centro Histórico, que siempre guarda en sus calles sorpresas, ha conservado cuatro de estos tradicionales expendios que han sobrevivido a la cerveza, al vino, a las cubas libres, a los jaiboles y ante todo, al tiempo; ellos son:

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LA HERMOSA HORTENSIA Callej贸n de la Amargura No. 4, Garibaldi Fundada en 1936 Arandas No. 28 Fundada en 1912 Rep. De Per煤 No. 38 A Fundada en 1905 LAS DUELISTAS Arandas No. 28 Fundada en 1912 LA RISA Mesones No. 71 Fundada en 1903

Vis铆telos, son testigos vivientes del pasado glorioso de este nuestro querido Centro Hist贸rico y no dejemos morir nuestras tradiciones y mantengamos viva la memoria del Teoctli, el vino de los dioses hoy llamado Pulque.

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Escrito por:

Elena Hernández

Historia de la Moda Como era de esperarse no podemos dejar de dedicar la sección Shabby Chic a la vestimenta que se utilizaba en México durante la época de la Colonia y la Independencia de México. A lo largo del tiempo la ropa ha sido un modo de mostrar a la sociedad el status social a la que cada persona pertenece. Así es que durante nuestra Independencia, las mujeres mexicanas trataban de demostrar mediante su indumentaria, donde predominaban los cuellos de encaje, las famosísimas enaguas, sombrillas, botines, zapatos de razo, guantes, sombreros y medias de seda, el éxito económico que su padre o esposo tenían. La mayoría de los atuendos venían de Europa, si estaban dentro de sus posibilidades económicas hacerlos traer, o eran copiados de diseños europeos, como era de esperarse, ya que durante dicha época el desarrollo textil en nuestro país se encontraba muy por debajo al europeo, así es que se dificultaba importar telas o accesorios, por lo cual el algodón y el lino eran las fibras más utilizadas. Mientras que las mujeres de la clase alta se dedicaban a presumir estos diseños, el sector femenino de la clase trabajadora cumplía con labores como la elaboración de textiles, cerámica y actividades agrícolas por lo que su vestimenta se basaba en faldas de manta amplias y largas, blusas con bordados típicos, huaraches, cabello trenzado y recogido en la nuca adornado con listones y rebozos. Los tres estilos representativos de la mujer en la época de la Independencia, Doña Josefa Ortiz de Domínguez el claro ejemplo del estilo totalmente mexicano junto con Gertrudis Bocanegra de Lazo de la Vega, y el contraste de la Opulencia con María Ignacia Rodríguez de Velasco y Osorio Barba, mejor conocida como “La Güera Rodríguez”. Por otro lado, los hombres también adoptaron la moda europea, al estilo Napoleón Bonaparte, y aunque eran prendas sumamente recargadas, el pantalón acompañado de botas les permitía montar a caballo. Seguramente deben de tener ahora en mente a José María Morelos y Pavón, Antonio López de Santa Anna o Agustín de Iturbide. Los hombres del campo utilizaban camisas de manta, chaquetas según su actividad, jorongos y muy frecuentemente botas o huaraches.

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En el mes patrio, recordamos a todos nuestros héroes, como el Cura Don Miguel Hidalgo, que en once años de movimiento acabaron con casi tres siglos de dominio Español. De ahí la importancia de conservar nuestras raíces y qué mejor que utilizando una de las prendas que desde antes de nuestra independencia, ya figuraba como parte de nuestros atuendos representativos, el rebozo, ahora utilizado como accesorio y considerado una pieza de México alrededor del mundo en pasarelas. Las indígenas mexicanas ya lo utilizaban mucho antes de la Conquista de los españoles. Y es en el siglo XVIII cuando se dictan leyes y reglas para la elaboración del rebozo en cuanto al tamaño, tejido, clase de hilo y dibujo. Actualmente el rebozo no solamente es una pieza fundamental en la vestimenta de las mujeres indígenas a lo largo de todo el país, sino que se ha agregado al guardarropa de muchas mujeres y de figuras públicas como Frida Kahlo, Margarita Zavala, Beatriz Paredes y en el medio artístico Belinda. Los principales estados en donde se fabrican estas hermosas piezas artesanales son Querétaro, Oaxaca, Michoacán y San Luis Potosí en donde podemos encontrar una amplia gama en rebozos. Los invito a comprar y regalar productos 100% mexicanos para que ¡Viva México! Mi nombre es Elena H, nos leemos en el siguiente artículo. Pueden comentar con el hashtag #shabbychic y también pueden seguirme a través de @shabbychic_bin.

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Avandaro en Marti Escrito por:

Daniel Méndez Cárdenas Fotografía:

Daniel Méndez Cárdenas

Cuando menos idea tienes sobre qué hacer para matar el día, es cuando las oportunidades más disfrutables aparecen. El 21 de septiembre andaba de pata de perro como a mediodía en el centro; se suponía que iría a cierto museo al que le traigo ganas desde hace un tiempo, pero al pasar cerca del metro Hidalgo, frente a la iglesia de San Judas Tadeo, algo atrapó poderosamente mi atención: unas bocinas al otro lado de la avenida lanzaban inconfundibles sonidos rockanrolleros sesenteros, y, como a los lemmings del cuento aquel, me llevaron hacia el foco de tan encantador escándalo. En la explanada del Centro Cultural José Martí, alrededor del mediodía, una peculiar banda de rock hacía de las suyas. Se llaman Papa’s Son y, pese a que cualquiera de ellos rebasaría los 65 o quizás los 70 años de edad, le echaban unas ganas que cualquier banda de chavitos envidiaría. El vocalista intercalaba toda su energía y prendidez con la voz del bajista (quien, dicho sea de paso, traía un slap buenísimo) para rifarse clasicazos como Blue suede shoes, Honkytonk woman, La grange, Roadhouse blues o Johnny B. Goode, mientras la gente se congregaba poco a poco alrededor de ellos, atraída por la curiosidad que despierta ver a tan poco usuales personajes rockeando con tal maestría.

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Tuve la intención de seguir mi camino hacia el museo en cuanto Papa’s Son terminó su actuación, pero decidí quedarme después de leer la manta que anunciaba el evento, colgada de uno de los muros del Martí: se trataba de la sexta edición de homenaje al Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, que por estas fechas conmemora 42 años de haberse celebrado en aquel mítico otoño de 1971. Planeado originalmente como un evento automovilístico al que se invitaría a doce bandas para amenizar y poner el ambiente, terminó convirtiéndose en EL referente del rock por excelencia en nuestro país, mucho antes de que existieran Vives latinos, Corona fests y demás eventos de corte rock en nuestro país. Llegó a ser llamado, y sin sonar tan disparatado como podría pensarse en primera instancia, el “Woodstock mexicano”. En Avándaro la juventud dio rienda suelta a la búsqueda de una identidad que trataba de encontrar desde hacía tiempo y con cierto atraso respecto a otros países donde el rock y su espíritu de rebeldía ya habían hecho contacto con las mentes jóvenes, cambiándolas para siempre, y lo digo sin exageración alguna: la prueba fue la congregación de nostálgicos que estaban alrededor mío. Todos lo disfrutaban en grande: los cuarentones (y los de más edad también) que recordaban aquellas épocas de desenfreno ahora acompañados por sus hijos o incluso nietos, los teporochitos que bailoteaban al ritmo de los riffs totalmente en su onda y sin molestar a nadie, los curiosos que nos quedamos atrapados en ese breve viaje en el tiempo descubriendo cosas que quizás a las generaciones anteriores de nuestras familias les gustaron y que, gracias a bandas como las dos que se presentaron después de Papa’s Son, no se quedan en el olvido.

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Enigma tenía un encargo especial además de deleitar a los escuchas: homenajear a Pablo Cáncer (se hacía llamar así porque cada uno de los integrantes de la banda cambió su apellido por un signo zodiacal, no porque sufriera la enfermedad homónima), vocalista fundador de la misma que falleció en abril de este año y que, para las presentaciones actuales, es sustituido por su hijo. Emotivamente tocaron No tengo nada, 69, El llamado de la hembra, Sweet home Chicago y Bajo el signo de Acuario, rola favorita del fallecido y coreada con ganas por los asistentes previo a la presentación de la banda estelar. Tinta Blanca fue la única banda de esa tarde que estuvo presente en el Festival de Rock y Ruedas Avándaro y, por lo que pude apreciar en los documentales que consulté para empaparme más en el tema, parecieran ser todavía chamacos de veinte años; por lo menos los dos cantantes y el tecladista, únicos miembros originales de la banda (el batería, el guitarrista, y el bajo completan esta banda intergeneracional de un modo más que satisfactorio). Ambos vocalistas hacen gala de un carisma innato bailando, animando al público, incluso peleándose un tanto cómicamente por el micrófono para ver a quién le toca cantar la siguiente pieza. Una vez puestos de acuerdo (o casi) sobre quién tendría la voz principal, se rifaron con deliciosos covercitos a rolas de la talla de Jumpin’ Jack Flash, Summer in the city o Vehicle para cerrar una tarde repleta de rock, baile, calor, sudor, recuerdos para algunos y descubrimientos para otros. Vale la pena asistir a este tipo de eventos, pese a que muchos de ustedes, queridos y precavidos lectores, probablemente dudarían en hacerlo dado que la mayoría se realizan en colonias populares donde es fácil exponerse a un buen susto. Sin embargo, de verdad, ¡no teman! la banda teporocha es muy tranquila, incluso una amiga mía que llegó al evento se coló así sin más hasta adelante para ponerse a bailar con quien se dejara, siendo el elegido un tipo que andaba con su monita en la mano y que, debo puntualizar, jamás fue impertinente con ella ni le faltó al respeto. El sábado 28 hubo una tocada-tributo al gran Rockdrigo González en el mismo Centro Cultural José Martí, y el 5 de octubre, en Tacubaya, un homenaje a la legendaria (pero no tan conocida) banda de punk Los Panchitos. Dense la oportunidad, sáquense de encima el prejuicio y estén al pendiente de la cartelera a través de la página de Facebook del Centro Cultural José Martí: Facebook.com/ccjosemarti. Les apuesto una ronda de chelas a que les va a gustar.

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Tápame con tu rebozo

¿Quién de nosotros, queridos lectores, no conoce un rebozo? El rebozo es mucho más que un simple pedazo de tela, o una prenda que sirve a las mujeres para cubrirse del frío o para envolver a los niños mientras les arrullan sobre su regazo hasta que caen rendidos ante el calor de la tela y el amor maternal. Esta famosa prenda mexicana ha formado parte de la indumentaria femenina a todos estratos al transcurrir de los años, aunque, debido a a los caprichosos cambios dentro de la moda y las usanzas que han llegado al punto en que la modernidad nos ha colocado actualmente, además de su humilde origen entre los pueblos indigenas de nuestro país, se le ha relegado paulatinamente a ser utilizado, principalmente, por la población de escasos recursos o bien, en estrambótica contraparte, a ser visto como una especie de mexicancurious, una más de las bellas artesanías que componen cierta importante parte de nuestra idiosincrasia pero que necesitan urgentemente un ángulo de revaloración.

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Daniel Méndez Cárdenas Fotografía:

Daniel Méndez Cárdenas

Habría que darle al rebozo una justa y merecida oportunidad de levantar la mano y decir “!hey, mírenme! ¡aquí sigo!”; y eso es precisamente lo que se pretendió con la exposición Tápame con tu rebozo, montada en el Museo Nacional de Culturas Populares entre el 12 y el 15 de septiembre pasados. Contó con representantes de varias poblaciones de los estados de México, Chiapas, Guanajuato, Guerrero, Michoacán, Morelos, Oaxaca, Puebla, San Luis Potosí, Tlaxcala y Veracruz, quienes desplegaron el arte que dominan desde hace tantas generaciones en una superficie de no más de cincuenta metros cuadrados antes los ojos de los visitantes que, maravillados ante el colorido y la variedad, se arremolinaban en torno a los stands para apreciar la belleza del trabajo de los expositores.

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Aunque la técnica para crear un rebozo tiene una especie de tronco común que hermana a todos nuestros pueblos, hay variantes que hacen del producto una joya única en cada uno de ellos. Por ejemplo, no es lo mismo armarlo en un telar de pedal que en uno de cintura; mientras en el primero es posible fabricar varios ejemplares consecutivamente partiendo de una misma pieza de tela, en el segundo el proceso final de tejido puede prolongarse hasta dos meses. Y es que no es cualquier cosa; primero hay que urdir el algodón para ver cuántas piezas saldrán de la tela; luego viene el pepenado, lo cual se traduce como elegir los hilos que se utilizarán para confeccionar la prenda. Después hay que almidonar y bolear, o separar en cordones el algodón para poder trabajarlo. Se pone secar al sol para que seque y se le pueda dar el diseño tan colorido que le caracteriza. Luego hay que amarrar y volver a remojar la tela para azotar y despegar los hilos que han hecho cohesión entre sí debido a la humedad; enseguida viene el tejido la definición en los contornos del diseño elegido, y entonces sí, a trabajar con el telar; todo esto en Tenancingo de Degollado, Estado de México. Como dije hace un momento, la técnica puede variar entre los distintos rincones de nuestro hermoso país. Así, por ejemplo, mientras en la mayoría de las locaciones se utilizan tinturas como el azul añil, la grana cochinilla, la flor de zempasúchitl, el nanche, la cáscara de nuez o la corteza del árbol palo de águila, en Santa María Tlahuitoltepec, un pueblito mije ubicado en la sierra norte de Oaxaca, dominan los colores areniscos debido a la corteza del árbol que se utiliza para colorear la tela, combinada a través de la fermentación con tintes frutales que dan una bella variedad de tonos que van del ocre al amarillo: flor de josefina y zapote

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dan origen a la peculiar belleza de estas piezas. Sobre la misma costa del Pacífico, pero unos kilómetros más al oeste, en estado de Michoacán, se sigue el procedimiento común de urdimiento, pepenado, almidonado, boleado, secado y la utilización del telar de cintura, para después añadir a la tela plumas de distintas aves en lugar del clásico barbeado de hilo. Pavorreal, quetzal, incluso gallina, dan a las prendas un toque distinguido, bonito y elegante que aumenta el de por sí elevado valor del trabajo de estos artesanos, que cada vez cuentan con menos elementos entre sus filas para continuar con tan colorida tradición. Tápame con tu rebozo es un evento de periodicidad anual que se ubica en una sede distinta cada edición; sin embargo, ¿por qué esperar al verano del 2014 para apreciar tales bellezas? las tenemos al alcance de la mano, sobre cualquier carretera, a pocos kilómetros o a una distancia que quizás amerite una escapada de fin de semana. Cualquiera que sea el caso, vale la pena armarse de ganas y espíritu aventurero (amén de una buena cantidad de dinero, que estas artesanías tienen una gama de precios que va de los 250 a los 6500 pesos, dependiendo del nivel de complejidad de su elaboración) para visitar a todos esos artesanos anónimos, así como las tradiciones y costumbres que muchas veces se quedan encerradas en los rincones más inesperados de nuestro bello país.

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