Aquí y Ahora V REVELAR Y REBELAR by Blanca Soto Arte

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AQUÍ Y AHORA

REVELAR Y REBELAR

CV’s INTRO

EMI ANRAKUJ

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ÁLVARO CAMPO

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ADRÍAN CASTAÑERA

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YASSINE CHOUATI

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JON GOROSPE

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JULIA MARTOS

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JORGE PÉREZ HIGUERA

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ANTONIO SAMO

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SANTIAGO SIERRA

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En esta edición, la quinta, y continuando con el posicionamiento estratégico político-social del programa Aquí y Ahora cuyo objetivo fundamental es manifestar y evidenciar la verdadera utilidad, aplicación, uso y funciones de la investigación dentro del ámbito de la creación contemporánea, hemos elegido el lema Revelar y Rebelar. Como tal, son palabras homófonas, esto significa que se pronuncian igual, pero que se diferencian en la manera de ser escritas. Revelar significa descubrir o manifestar aquello que se ignoraba, que estaba oculto o era secreto. Se revela una verdad, una pista, un indicio... En su forma pronominal, revelarse, puede adquirir el significado de mostrarse y sacar a la luz algo latente, que permanecía escondido y/o pasaba desapercibido. Rebelar significa sublevar o levantar a alguien contra algo o alguien. En su forma pronominal, rebelarse es equivalente a resistirse, insubordinarse o negarse a obedecer determinados hábitos u órdenes. La rebelión, como una certeza y convencimiento profundo de cambio y desobediencia civil.

De ahí hemos propuesto una nueva palabra inventando una nueva letra que adquiriese la doble función de V y B para aglutinar toda esta significación en un solo sonido unido a la letra T relativo a la interpelación e introspección individual del hecho de auto revelarse (revelar-T) en una búsqueda del autoconocimiento e identidad propia y personal, y que como consecuencia y evidencia, se deduce la acción de rebelar-T. Rebel arT Concepto completado con la lectura sobre la idea de arte-rebelde, marginal, periférico y disidente al mismo tiempo que reclama al arte, revel-arTe, su auténtica y verdadera función primigenia de mostrar, enseñar y revelar el conocimiento profundo y continuo del devenir del tiempo.

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Intervención de Ima en la fachada de la Galería Blanca Soto Arte Stencil

EMI ANRAKUJI Emi Anrakuji, nacida en Tokio en 1963, se representa a sí misma como un alquimista de imágenes y un catalizador de sueños y deseos. Las viñetas parecen rompecabezas, algunas son fotografías de sí misma y otras borran las fronteras entre el documental y la fotografía escenificada. Posando desnuda, vestida o parcialmente vestida, Anrakuji tiene un interés exclusivamente obsesivo por su propio cuerpo. Sus piernas, brazos, dedos de los pies, labios y cabello crean composiciones sorprendentes y ambiente erótico. La obsesión de Anarakuji con el cuerpo humano es el resultado, en parte, de sus largos períodos de hospitalización: tras graduarse en la escuela de arte de Tokio a mediados de los años ochenta, sufrió un tumor cerebral, el cual le impidió hacer arte durante más de una década. Durante su recuperación gradual, comemzó a hacer grabados en bloque, luego fotografías. El trabajo de Anrakuji es un proyecto continuo de autorretrato, un trabajo totalmente autorevelador pero, al mismo tiempo, oculta mucho dejando volar la imaginación del espectador.

O Mapa 2013 Gelatin silver print 24,1 x 17,8 cm (imagen) 22 x 17,8 cm (papel) Ed. 1/5 En última instancia, Anrakuji crea un mundo paralelo fascinante que es a la vez íntimo y remoto. En O MAPA (“El mapa” en portugués), presenta una persona femenina vulnerable y sensual como el alter ego del artista, que aparece en una serie de misteriosos escenarios urbanos y rurales. Fragmentarias y oscuras, la actividad y/o ubicación del sujeto se deja deliberadamente para que el espectador la identifique. El artista se refiere a estos retratos simplemente como “acciones” que son necesarias para vivir y tan esenciales como respirar, parpadear o dormir. El uso por parte de Anrakuji de ángulos particularmente bajos o altos recuerda la naturaleza anónima de las fotografías de vigilancia, lo que permite al espectador leer las fotografías como un mapa con múltiples perspectivas. O MAPA libera un flujo de emociones filtradas no por la lógica sino por la intuición que surge de los sueños inventados del artista. 14

Vista exposición Aquí y Ahora en la Galería Blanca SotoArte, 2016

Emi Anrakuji es una fotógrafa japonesa obsesionada por el cuerpo humano en su forma más íntima. Es el resultado de largos períodos de hospitalización. Después de graduarse en la escuela de arte en Tokio en los años 80, Anrakuji sufrió un tumor cerebral que le impidió desarrollar su creatividad durante más de una década. Durante largos periodos de tiempo tuvo que estar convaleciente en cama. Esta serie fotográfica es el reflejo de esa época. El uso constante de su propio cuerpo desnudo ha hecho que algunos describan la fotografía de Emi Anrakuji como erótica, la artista insiste en lo contrario. Esas interpretaciones demuestran una tendencia a posicionar el cuerpo desnudo de la mujer como un objeto sexual, reflejando una deriva androcéntrica interiorizada. Hay además en Emi, cierta inclinación a simplificar problemas de sexualidad y género en primeros planos de obras de arte realizadas por mujeres. Por esta razón, se echa de menos, la falta de representación de la mujer en historias fotográficas androcéntricas, a pesar del hecho de que la fotografía en comparación con otros medios, ha sido históricamente más accesible a la mujer. Paralelamente, surgen problemas para interpretar la fotografía no occidental; por la falta de conocimiento de esta expresión fotográfica en la actualidad, así considera Anrakuji, que las representaciones del arte Japonés, son criticadas por utilizar el exotismo y la descontextualización. Para abordar estos problemas, presentamos este trabajo que refleja la identidad compleja de Anrakuji en su serie más reciente “1800 millimeters is the size of my bed”. Frente a estas interpretaciones erróneas de su trabajo, Anrakuji, deconstruye estratégicamente el género y la sexualidad, y los utiliza para adentrarse en problemas más profundos que tratan la identidad y existencia humana. A través de la objetivación del cuerpo humano en continuas imágenes, Anrakuji encarna varias dualidades relacionadas con género, sexualidad y humanidad. Su trabajo deliberadamente subvierte las reglas sociales, forzando al espectador a confrontar la especificidad socio-histórica de estereotipos atribuidos al cuerpo humano. Este análisis no solo permite un entendimiento más preciso de la obra de Anrakuji (que refleja visiones más amplias en la exploración de la fotografía contemporánea japonesa), sino también aspira a conocer y compartir fotografías de mujeres no occidentales con un análisis de contexto similar.

1800 millimètre 2015 Gelatin Silver Print

El título 1800 millimètre es una alusión al ensayo del poeta japonés del siglo XIX Shiki Masaoka titulado «Byosho Rokushaku» que se traduce como «Lecho de 1800 mm». Masaoka terminó el ensayo justo antes de su muerte prematura a la edad de treinta y un años. «La cama de 1800 mm» era todo el universo para Masaoka, al igual que para Anrakuji, que pasó la mayor parte de sus 20 años confinada en una cama de hospital donde renació como artista. Volviendo a sus raíces, en 1800 milimetros, se encerró en una habitación cerrada, sola, como se sentía cuando estaba en la cama del hospital, lejos del mundo exterior del hospital. Aparece detrás de una cortina donde la luz a través de la ventana es la única fuente para iluminar su entorno. 1800 milimetros era todo lo que tenía para experimentar la vida, tanto el dolor físico como mental, la soledad, la agonía, la frustración y el miedo a la muerte.

ÁLVARO CAMPO Me interesa particularmente intentar comprender los diferentes niveles de la realidad, de qué se componen, qué los soporta y qué los crea. En definitiva, que existe y que no; qué acuerdos hacen que digamos que algo es “real” o “ficticio”. Este interés está muy presente en mis proyectos de arte digital, medio en el que me siento muy cómodo. El arte digital me permite crear ficciones (¿o realidades?) en las que se puede jugar a romper las reglas con suma facilidad, puedo crear un altísimo nivel de interacción con el usuario, que ayuda a que se implique en el proyecto de una forma que otras disciplinas no permiten. El hecho de que gran parte de su soporte sean líneas de código y lenguajes de programación me apasiona, ya que acerca mis proyectos a otro tema de mi interés: la codificación y recodificación de la información. Lo que nos rodea y “es” es tan sólo un intercambio de información, una constante recodificación, un intangible sobre el que se construye lo tangible.

PILDORIZADO 2016 Interactivo: 26 x 15 cm Impresiones: 3 imágenes impresas de 35 x 35 cm. Impresión Inkjet en papel fotográfico satinado mate de 200 gr sobre cartón negro de 1 mm de alta densidad. Nos hemos acostumbrado a un consumo rapidísimo de la información, y demandamos cada vez más inmediatez y sencillez en el consumo de datos, parece una droga intangible, una adicción conveniente. Esta demanda se percibe con claridad en el auge en redes sociales de formatos de noticias en vídeo, con poco texto y de menos de un minuto. La palabra “píldora” no había sido tan utilizada nunca antes en la historia: píldora de información, píldora musical, píldora de esto, de lo otro… Esta sencillez por fuerza va en detrimento del tiempo dedicado a entender los problemas en profundidad. Lo que puede suponer un serio peligro para la sociedad y las humanidades: ciudadanos manipulables, ligeros, “fáciles”. Eso sí, bien cargados de píldoras que se disuelven tan rápido como se ingieren. Pildorizado es una obra interactiva (una aplicación Android) que muestra un texto que es “tapado” por un vídeo si el nivel de concentración del observador cae. La atención se mide con un lector EEG; si el nivel de atención cae el vídeo oculta el texto, si se recupera, vuelve el texto. Tanto el texto como el vídeo hablan del mismo tema. Las dos codificaciones de la misma idea. Invita a reflexionar entre las características de dos sistemas de codificación en la era de las redes sociales y explora las relaciones entre las características de dos sistemas de codificación de información: • el texto: una codificación compleja para el cerebro, pero sencilla para la máquina (pocos bytes) que alberga mucha información abstracta. • el vídeo: una codificación sencilla para el cerebro, pero compleja para la máquina, (muchos bytes), pero puede contener escasa información abstracta. Link: http://logotomia.net/portfolio/pildorizado/

¿Por qué Pildorizado? La forma de mantenerse al tanto de la actualidad, desde el cotilleo a la prensa seria, se está transformando de manera radical desde que vivimos hiperconectados. De la revista en la peluquería a mirar facebook en el móvil, del periódico en la cafetería con café y croissant de media hora a mirar facebook en el móvil, de encerrarse en el despacho leyendo un artículo de 15 páginas de Scientific American a… mirar facebook en el móvil. Momentos de lectura e información que antaño tenían sus tiempos y espacios muy marcados se están disolviendo en la nada, mantenerse “al día” es ahora una experiencia ubicua, deslocalizada. Esta ubicuidad tiene sus consecuencias, el nivel de atención prestado a la experiencia de la lectura cae en picado al verse interrumpida por otras distracciones. Perder el espacio y el tiempo antes reservados para la lectura en exclusiva, hace que ésta se vea atacada constantemente por otras actividades que nos desvían de ella. Los dinosaurios de la comunicación tardan en adaptarse a estos nuevos contextos de lectura, lo que ha favorecido que salgan al campo nuevos jugadores muy conocedores del mundo digital y de sus particularidades, que han sabido cómo llegar al nuevo usuario de actualidad. Playground, Upscl, HuffigtonPost…. Contenido de consumo rápido, poco texto, muchos videos, muchos links: PÍLDORAS DE UN MINUTO. No son pocas las voces que empiezan a alertar de la situación: ya no somos capaces de centrarnos en nada más allá de un instante. Yo no sé si esto es bueno, es malo, o simplemente es así - al fin y al cabo todo cambia siempre fue acogido con recelo - per la pérdida de atención parece evidente y sería imprudente no estar atento tanto a los pros como a los contras.

Entre estos últimos hay uno evidente: la banalización de la información. La llegada de internet parecía abrir una brecha en el muro de la información sesgada, un rayo de luz al n para el libre intercambio de ideas libre de censuras… Nada más lejos de la realidad. En vez de convertir internet en un nuevo espacio para profundizar en la información nos hemos vendido (si, la culpa es nuestra, de los usuarios) al caramelo fácil y ligero que nos han dado las redes sociales; sencillo y dulce, per de escaso valor nutricional. El bombardeo de imágenes parece ser adictivo y no nos deja ni tiempo ni ganas de profundizar en nada. Hoy no da vértigo el vacío, sino “el lleno”, es decir, un artículo de un blog con más de dos “scroles” y sin foto en medio. Tenemos una sociedad hedonista y mal informada que además así lo ha querido. Es el escenario perfecto para el control mediático, parece sacado de una novela distópica, pero no, es la realidad de occidente. Al menos hasta que una tormenta solar se salte a la torera el campo magnético de la tierra y fría todos los servidores de Google, Facebook, Instagram, Snapchat, Twitter, Donger, Chombler y Monger… que es lo que parecemos todos: un poco mongers. Aunque igual este fenómeno no sea nuevo. Esta preocupación ya se refleja en “Primera Plana” la comedia genial de Billy Wilder ambientada en el Chicago de 1929, cuando Walter Matthau - un redactor jefe sin atisbo de ética - le recuerda a gritos a su mejor reportero: ¡NADIE SE LEE EL SEGUNDO PÁRRAFO!

ADRIÁN CASTAÑEDA La posición del intelectual Actualmente las grandes luchas se llevan a cabo en el territorio de lo simbólico y para ello son fundamentales las universidades, el arte, la religión o los medios de comunicación, que consolidan ese poder invisible que se ejerce con la participación de quienes no saben que lo están sufriendo, o que lo están ejerciendo. En esta batalla simbólica los intelectuales tienen un valor fundamental, dado que son ellos quienes pueden destruir o participar de las fábulas que estos poderes generan en afán de continuar sometiendo. A partir del siglo XVIII, en que el campo intelectual se separa del religioso, del político o del económico, surgen dos vías: la del compromiso político o la del repliegue sobre el mundo cerrado del conocimiento y su abandono de la posición política. Es evidente que lo que el intelectual ha de ser y hacer no está dado como norma y de una sola vez, y que siempre dependerá del estado de su campo. Y es que los intelectuales vienen a ser los tesoreros del capital cultural, pero siempre padeciendo difíciles relaciones con otro capital; el económico. Un sector dominado de la clase que domina.

Hoy son necesarios intelectuales que generen un contrapoder, ya sean vivos o muertos. Toda producción intelectual será política siempre y cuando sea autónoma, es decir: si investiga, crea, teoriza o piensa desde un lugar independiente podrá desvelar las artimañas del poder. Una autonomía que se ha visto muy deteriorada con el crecimiento de las políticas neoliberales, y no es que hayan sido personificadas en un individuo dictador, sino mediante la fuerza del mercado; una fuerza que se materializa con distintas figuras, como la del profesor que asume el pensamiento posmoderno, o el economista que describe la economía como única y global a base de matemáticas. Y es que históricamente, los autores que producían con esa idea del “arte por el arte”, eran los que provenían de las clases adineradas. Las clases populares han acabado cediendo al mercado, produciendo con menos exigencia pero buscando más rentabilidad. Como apuntaría Bourdieu en su trabajo Contrafuegos, hoy artistas e intelectuales han de apostar por la lucha política en pro de construir una resistencia contra la apremiante invasión neoliberal de nuestro tiempo. 33

Yo soy la ley 2016 Instalación, bastones policiales 800 x 65 x 10 cm

¿Heces o enriqueces? 2016 Escobilla y bastón policial 50 x 15 x 15 cm

La siguiente obra corresponde a la necesidad de proclamar el abuso de poder al que ha sido sometida la sociedad española a partir de la aprobación de la Ley de seguridad ciudadana de 2015, o Ley Mordaza. Una ley aplicada desde el poder coercitivo, que recorta y sanciona derechos fundamentales en un estado democrático, buscando reprimir las voces que luchan en favor de una justicia económica y social, unos derechos dignos, una liberación de las instituciones o cualquier otra cuestión que implique ejercer el derecho a la libertad de expresión. Un paso adelante que da el poder, tratando de imponer la voluntad de unos pocos e implantando el miedo en sus ciudadanos, consiguiendo que la gente deje de actuar ante las injusticias y de ejercer su derecho a expresarse libremente en el espacio público, vendiendo una seguridad, sinónimo de control, de la que desgraciadamente llevamos largo tiempo acostumbrados a ella. Y es que dentro de las numerosas medidas que presenta la ley se penaliza de manera contundente manifestarse junto a congreso o en senado, fotografiar policías o parar desahucios, y vuelve legales acciones vergonzosas como las devoluciones en caliente en Ceuta y Malilla, una medida criticada entre otros por el Comisario en Derechos Humanos del Consejo de Europa, Nils Muiznieks.

Mayoría silenciada 2016 Instalación Brazos resina de poliéster + objeto 1000 x 135 x 30 cm 38

TODOS PARA UNO 2015 Casco antidisturbios 130 x 40 x 40 cm El establecimiento del panoptismo, la organización de la policía y la instauración del sistema de archivos, configuraron una nueva física de los cuerpos que junto al surgimiento de una tecnología que clasifica, diferencia e individualiza, sumado a la instauración de intervenciones correctoras que aúnan la terapia y el castigo, han logrado una nueva redistribución de la sociedad en términos de docilidad y rentabilidad. Este factor más el de la delincuencia son algunos de los dispositivos de coerción que ha adoptado el estado en su empeño por mantener la autoridad. La obra todos para uno denuncia el adoctrinamiento de los cuerpos y fuerzas de seguridad del estado por parte del poder político, cuestionando el uso de la fuerza para contener, detener o castigar con violencia, tratando así de imponer la voluntad de unos pocos. Todos para uno descontextualiza un famoso eslogan Con cabeza y corazón, que el Partido Popular empleó en la campaña electoral de 2008: un lema con el que el propio partido pretendía resumir "las principales características de Mariano Rajoy”. Esta clase de consignas electorales que tratan de generar confianza, seguridad y garantías cuando las vemos expuestas por la vía pública, en prensa o Internet, mutan de concepto al ser descontextualizadas, ofreciendo al espectador una segunda lectura de libre interpretación.

Podemos leer tres eslóganes electorales adoptados por distintos partidos políticos en la última década de la democracia española. Al encontrarlos descontextualizados, mutan por completo el concepto del mensaje invitando al espectador a hacer una segunda lectura. 43

YASSINE CHOUATI Tras superarse la idea del arte por el arte, la actividad artística puede interpretarse como catalizadora de las inquietudes de la sociedad. Llamado por Foucault “la muerte del sujeto” basándose en la crítica de Heidegger a Descartes, consiste en sacar al hombre de la centralidad donde lo había puesto Descartes y mantenido Sartre, para situarlo dentro de un estructura social y política. Es allí donde me sitúo como artista marroquí expatriado en Europa, procedente de Tánger, ciudad que más sufrió las consecuencias de los Años de Plomo del régimen de Hassan II, forzado a abandonar mi país debido a la precaria situación socioeconómica y la falta de derechos básicos. Podríamos decir que el arte, desde el punto de vista del artista forastero como es mi caso, se dibuja como un vehículo de concienciación ciudadana capaz de modificar la percepción del mundo tanto en el país de acogida como en el de origen.

REVOLUTIO 2016 Revolutio surge de la necesidad de cuestionar asuntos como lo sagrado en el Mundo Árabe, la relación entre los gobiernos autoritarios y el pueblo llano, los mitos políticos sobre los cuales se legitiman las dictaduras contemporáneas o la indulgencia ante los crímenes de guerra. El proyecto parte de un juego semiótico basado en el origen del término “revolución”, que expresa la idea de “dar la vuelta a las cosas”, de “poner arriba lo que está abajo y abajo lo que está arriba”. De esta forma, las banderas, que supuestamente debieran ondear, se disponen consecutivamente sobre el suelo, creando una línea que recuerda a las alfombras rojas con las que se honra el paso de los jefes de estado en sus visitas oficiales. Estas están flanqueadas por dos montajes audiovisuales compuestos a partir de retazos de videos de manifestaciones estudiantiles, protestas revolucionarias contra ciertos regímenes árabes y de grabaciones realizadas por los propios manifestantes de manera clandestina. Revolutio se materializa en un proyecto artístico que analiza el fenómeno de la revolución en el mundo árabe y sus consecuencias, haciendo referencia a la realidad socio-política de la mayor parte de los países árabes. Países donde, a pesar de darse las circunstancias que todos conocemos, sin embargo, tal vez empujados por la inercia de la globalización, los jóvenes tienen cada vez más posibilidades de acceso a la educación y reciben mejor formación. En contraste, estos mismos jóvenes tienen dificultades para acceder a puestos de responsabilidad en sus sociedades. En el ámbito político, la renovación generacional solo se ha producido a medias. Los líderes políticos en el mundo árabe han ido envejeciendo mientras sus sociedades se iban haciendo cada vez más jóvenes; no obstante, parece difícil que las nuevas generaciones puedan alcanzar las estructuras del poder político hasta que la “vieja guardia” se retire. La idea de renovación navega de trasfondo en este proyecto, que se materializa en la producción de 22 banderas de los países que actualmente forman la Liga Árabe, serigrafiadas sobre tela de algodón.

Instalación 22 serigrafías sobre tela de algodón 53 x 70 cm cada una dispuestas longitudinalmente sobre el suelo del espacio expositivo y dos videos mostrados en bucle: Alfombras rojas (de 00:03:26 segundos de duración) y La Marseillaise (de 00:01:40segundos). 47

La producción de las banderas no se planteó con idea de realizar simples copias, por el contrario, aunque resultan identificables, lo que se ha hecho es estamparlas libremente, interviniendo en ellas, realizando modificaciones en los símbolos nacionales y añadiendo en todas el mensaje “yo soy el pueblo” (en diferentes idiomas, en concordancia con la lengua del país occidental por el que fue colonizado cada uno de los países árabes representados). No en vano, “yo soy el pueblo” fue el lema utilizado en las primeras revueltas de la Primavera árabe, y esas cuatro palabras simbolizan el poder del pueblo en manos de los miembros más débiles de la sociedad, de los ciudadanos de a pie. Por otra parte Revolutio propone una combinación entre lo gráfico y lo audiovisual con la proyección de dos videos enfrentados a cada extremo de la línea de banderas. Cada uno de esos videos está compuesto en base a una serie de filmaciones que se solapan visualmente - como las de las protestas estudiantiles que se desarrollaron en la mayor parte de las capitales árabes, las grabaciones de algunas de las numerosas agresiones de la policía hacia ciudadanos librepensadores o el paso de gobernantes en visita de estado sobre alfombras rojas -. Realidades que hacen alusión al estancamiento democrático en el sur del Mediterráneo (véase el enlace a la página web). Este paralelismo entre cosas aparentemente opuestas coincide con el juego simbólico que plantea Revolutio como herramienta para hacer partícipe al espectador.

Adaptación de la obra Revolutio para la exposición Aquí y Ahora 2016, Galería Blanca Soto Arte, Madrid 50

Welcome 2016 14 piezas: 12 óleos sobre tabla - 30 x 30 cm cada uno 2 óleos sobre lienzo - 20 x 20 cm cada uno Welcome sitúa al espectador en el estrecho de Gibraltar. Compuesta por 14 piezas, esta suerte de poesía jeroglífica nos habla del fenómeno migratorio. Zapatos, pasaportes o fotografías provenientes de documentos de identidad se presentan como una colección de objetos perdidos durante el viaje. Alusiones directas a las - casi siempre traumáticas experiencias que sufren quienes arriesgan sus vidas para alcanzar nuevos horizontes, para acceder unas condiciones de vida mejores o, sencillamente, para sobrevivir. La parquedad de este muestrario de imágenes monocromáticas invita a que el espectador supere los primeros niveles de lectura - informativo y simbólico - para adentrarse en un tercer nivel de lectura más complejo, el de la significancia, que abre el terreno a la compresión infinita y que nos hace preguntarnos qué historias esconden los objetos aquí representados.

Welcome 2016 Óleo sobre tabla 30 x 30 cm cada uno

JON GOROSPE “La manera en que nos aproximamos a la ecología define en lo fundamental el modo en que hoy construimos la ideología. Ideología en el sentido clásico de una forma ilusoria de pensar y percibir la realidad. La ideología se refiere a problemas muy reales, pero los mistifica.” Slavoj Žižek

Environments Environments es un ensayo visual en el que documento las decisiones estéticas que tomamos - como sociedad - para alejar de nuestra vista el desecho que producimos. La opacidad es la estrategia, funciona como telón que cubre el suceso, el archivo de lo que somos. Como si de un bloqueo psicológico se tratase, utilizamos esta técnica para transportamos de un lugar a otro alejando de nuestro ambiente el desastre del que somos participes. Desde las bolsas de basura, donde almacenamos el desperdicio en nuestro ambiente más próximo, pasando por los containers o camiones, que transportan el mismo, hasta acabar su trayecto en basureros o escombreras, siendo estas la arquitectura colateral del proceso. Las imágenes funcionan como puntos de señalización en el recorrido. Señalado como la pesadilla, efectivamente, no está delante, si no detrás de nosotros. Se compone de: - Primer movimiento: Oceans, Película HD, formato 21/9, (1920 x 822 px, 25 fps), duración 11:46 minutos. - Segundo movimiento: Midair, Película HD, formato 21/9, (1920 x 822 px, 25 fps), duración 12:53 minutos. - Coda: Garbage bags, 12 fotografías; Containers, 6 fotografías; Trucks, 6 fotografías; Dumpsites, 10 fotografías.

Environments serie en collage Garbage bags, 2014

Un sistema de balizas para el desperdicio Forma parte del instinto de nuestra especie apartar y enterrar los residuos que producimos. Se trata de un gesto higiénico fundacional: arrinconamos lejos de nosotros lo que, con toda probabilidad, podría enfermarnos. Lo enviamos a un espacio misterioso y opaco con la esperanza de que allí desaparezca. Desplazamos los excrementos a una realidad paralela que, en palabras del filósofo y psicoanalista Slavoj Zizek, percibimos como un mundo subterráneo, caótico y primordial. Un mundo-sumidero, un mundo-desagüe del que esperamos que nada regrese. Las series que conforman Enviroments son el resultado de mirar no tanto los desperdicios como el modo en que los movemos de un entorno a otro, expulsándolos de nuestro contexto más inmediato para integrarlos en ese ámbito - o punto ciego - del que no deben volver. Así, Enviroments puede entenderse como un sistema de balizas que Jon Gorospe hubiera dispuesto a lo largo del recorrido que los desechos emprenden hacia su exilio definitivo. Su vuelta, el potencial retorno de los mismos solo es posible imaginarlo como una catástrofe: la pesadilla del asco. Sin embargo, cabría plantear una hipótesis no por desmesurada menos probable, y es que la catástrofe quizá no esté delante sino detrás de nosotros. En consecuencia, aquello que el trabajo de Gorospe nos presenta tal vez no sea otra cosa que la deriva natural del escenario postapocalíptico en el que habitamos - sin saberlo - desde hace tiempo. Acercarse, entonces, a las plantas de desechos, a los basurales y escombreras no solo es acercarse al gran museo de la negación o al repertorio más completo del enmascaramiento sino también al paisaje más probable, a la arquitectura que nos espera y que ya está aquí.

Enviroments, tríptico de la serie Trucks, 2014

De la bolsa de basura al vertedero, nos encontramos ante un tenaz proceso de ocultamiento. Se oculta aquello que no se asume, se oculta la obscenidad de lo decrépito y de la muerte, se encubre aquello que, del otro lado, continúa con su proceso de putrefacción, con su toxicidad incrementada y amenazante: no hay bolsa, contendor o camión de residuos transparente. Como en la culminación de un truco óptico, asistimos a la desaparición de lo traumático en forma de camuflaje, de escamoteo o veladura. En las imágenes que siguen no veremos los desperdicios, la inmundicia, la hez, sino el oscuro abismo que nos protege de ellas: la opacidad que las oculta. Algo que, por el contrario, no va a dejarnos tranquilos pues ocurre, como sabía Nietzsche, que «cuando miras largo tiempo a un abismo, también éste mira dentro de ti». Ese es el riesgo - el peaje - que el espectador de Enviroments deberá asumir. Rubén Ángel Arias Octubre de 2016

Vista exposición Enviroments serie Dumpsites, 2014, en Aquí y Ahora 2016, Galería Blanca Soto, Madrid 60

JULIA MARTOS (Córdoba, 1989) Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y máster en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia. Especializada en el terreno audiovisual y fotográfico, su trabajo bascula del cuerpo a la escena y de la escena al cuerpo, conservando como eje el poder discursivo del montaje en su uso hacia una nueva resignificación de la imagen. Varios de sus proyectos toman forma a través de colaboraciones, como la que mantiene como parte del colectivo SCC, centrado en las prácticas cinematográficas experimentales, la videocreación y las nuevas narrativas audiovisuales; o con la coreógrafa Helena Martos, desarrollando una investigación sobre las relaciones existentes entre lenguaje videográfico y coreográfico. Actualmente centra su trabajo en cómo el propio dispositivo cinematográfico se convierte en un modelo de producción capaz de encontrar también su representación en el ámbito escénico.

Tordera Park (Arquetipos de lo real en la ciudad ficticia), 2014, Fotografía y montaje digital 63

Tordera Park Tordera es un municipio de Barcelona, situado en la comarca del Maresme, al este de Cataluña. Es el municipio de la comarca más grande en extensión, y más del 50% de su territorio habitado pertenece a urbanizaciones de reciente creación, surgidas entre los años 60 y 70. Estas edificaciones no pertenecen a ningún plan del gobierno, ni responden a ningún patrón urbanístico, e irrumpen con fuerza en el contexto natural donde se enmarcan. Sus habitantes, en su mayoría propietarios de segundas viviendas, iniciaron su sueño de vida rural en parcelas ilegales y en consecuencia, precarias. Es por ello que han luchado a lo largo de las últimas décadas por equipararse a la ciudad oficial, algo que ha conseguido la mayoría, mientras que otras se mantienen desde hace 40 años en la inestable condición de “temporales”. Esta ciudad secundaria (aunque protagonista en extensión) se distribuye en las afueras del pueblo a lo largo de sólidos barrios o se dispersa en solitarias viviendas. Salpica el monte con decorados domésticos, que reivindican su valor mediante vastos esfuerzos de arquitectura incontrolada. Construcciones que se sitúan a medio camino entre la casa de tus sueños y la que tus medios te han proveído, cuyos propietarios dan forma importando modelos de arquitectura oficial. En definitiva, arquetipos de lo real en un proyecto urbanístico inexistente. En Tordera Park, adecuándose a la personalidad de estas escenas, las imágenes hacen uso de su poder discursivo para convencer al espectador de que esas instalaciones son veraces. Presentan la posibilidad de que esta escenografía forme parte de la realidad del pueblo, a la misma vez que evidencian que tan sólo se trata de una simulación. Montajes fotográficos que reiteran la condición postiza de una ciudad surgida a posteriori por y para cumplir el sueño de posesión de una segunda vivienda. Escenarios que utilizan la incertidumbre para iniciar un diálogo entre el registro de la ciudad oficial y la ficción de la ciudad ansiada.

Tordera Park (Arquetipos de lo real en la ciudad ficticia), 2014, Fotografía y montaje digital 65

Escorzo en tres actos 2013 Video monocanal 4' 53" Full HD, sound, B/N, 16:9 https://vimeo.com/70621050 Sinopsis: Recorrido por la reconstrucción de un recuerdo. Realizada combinando parte de material apropiado y parte de original, reúne material sonoro obtenido de una de las últimas películas de Jean Luc Godard titulada Autorretrato en Diciembre (1995). Sobre éste, se realiza todo un ejercicio de reconstrucción y reformulación de una nueva narrativa a través de la composición original de imágenes y subtítulos.

Escorzo en tres actos, 2013 Fotogramas

Vista de la obra Escorzo en tres actos (2014) en la exposición de Aquí y Ahora, 2016, en la Galería Blanca Soto Arte

Swap Footage Cero (Clara Luz, Manuel Horn, Raquel Planas, Tana Garrido, Julia Martos y David Cantarero) 2015 Vídeo monocanal, 18‘ Un proyecto de SCC Es éste un proyecto donde se subvierte, manipula y remezcla la imagen. Es un experimento fruto de la intertextualidad. Con el término swap footage queremos hacer referencia a un material audiovisual específicamente creado y seleccionado para generar un archivo común a partir del cual producir nuevas piezas.

Esta metodología de trabajo desemboca en una multiplicidad de miradas y lecturas, en una aproximación caleidoscópica a un mismo material audiovisual, fruto de un viaje de lo colectivo a lo individual y de vuelta a lo colectivo. Swap footage toma el found footage como punto de partida o referente hacia el que poder mirar. Pero a su vez abre nuevas posibilidades: Swap es puesta en común, intercambio, barajeo y trueque.

JORGE PÉREZ HIGUERA Mi trabajo trata de centrarse en la descontextualización de la cotidianidad basada en la observación y análisis del comportamiento humano y de sus arquetipos. Mis obras, en su mayoría fotografías, tratan de plasmar el fruto de mi observación a través de escenificaciones, centrándome en la verosimilitud por encima de la realidad. Con referentes muy diversos prefiero los procedentes de la cultura popular (cine, televisión, cómics, literatura…) por su poder de generación de nuevas personalidades con las que la sociedad se identifica.

En observación 2011 Trabajando con la ilusión del espejo, la visión se centra en los pequeños botones que existen en los urinarios públicos, ampliando el espacio visual que queda más allá del público, es decir, a sus espaldas. Este pequeño espejo cóncavo, tiene la peculiaridad de ofrecernos una imagen alterada de la realidad, y al mismo tiempo accede a multitud de situaciones muy dispares y, en ocasiones, hasta disparatadas. Como ojo que todo lo ve es inevitable preguntarle qué situaciones habrá visto. Si pudiera hablar, qué historias nos revelaría como gran voyeur que es: ¿qué acontecimientos se originan en un baño? Este proyecto trata de dar algunas respuestas a todas esas preguntas, pudiéndolas observar con paciencia y detalle, dejando un margen abierto para la imaginación de quien interpreta la escena. Por suerte podemos acceder a todo esto sin la presión de sentirnos “En observación”.

En observación, 2011 en exposición en Aquí y Ahora, Galería Blanca Soto Arte, Madrid

The Other Side 2015

El estudio de la Historia se ha caracterizado por ser un modelo basado en el relato de acontecimientos centrados en fechas. La Nouvelle Histoire surgió como oposición al modelo anterior, asumiendo el reto de centrarse en individuos comunes, poniéndoles rostro y personalidad a aquellas gentes que habrían caído en el olvido. «La vida cotidiana es la vida de todo hombre […] no hay hombre alguno, por “insustancial” que sea, que viva sólo la cotidianidad, aunque sin duda ésta lo absorberá principalmente. La vida cotidiana es la vida del hombre entero […] » Heller A., 1977. Sociología de la vida cotidiana. Barclona, Ediciones Península. Bordieu proponía que los habitus, aquellas prácticas diarias que conforman un estilo de vida, deben clasificarse en función de la clase social a la que se pertenece. Así, la clase obrera basa su vida cotidiana en la elección de lo necesario mientras que, las clases altas lo hacen atendiendo a sus gustos y sus necesidades culturales. Thornstein B. Veblen, ante tales diferencias, postuló que debía existir otra clase social, “la clase ociosa”, definiéndola como aquella que consigue que otros realicen las tareas menos gratificantes para poder dedicarse a las más atractivas. The Other Side representa la rutina de distintos individuos, para poner de manifiesto la importancia de la vida cotidiana a través de la descontextualización de un personaje de ficción y su adaptación a nuestro mundo.

Impresiones cromogénicas sobre papel baritado mancha de imagen de 30 x 45 cm sobre dibond de 50 x 70 cm vitrina y marco blanco

Ahogados 2011 Con una crisis económica y financiera global como contexto mundial, los jóvenes son los peores parados. Ellos se adentran en un futuro negro, incierto, en el que no se atisba ninguna salida cercana. Contratos basura, incertidumbre, precariedad laboral, paro, salarío mínimo... son palabras que se han convertido en vocabulario habitual. Ante esto, a todos y todas, jóvenes y mayores sólo nos queda reaccionar pues nos sentimos Ahogados por una hipoteca y un futuro que nos ha sido impuesto.

Adagios 2011 “La ausencia absoluta de carga hace que el hombre se vuelva más ligero que el aire, vuele hacia lo alto,se distancie de la tierra,de su ser terreno, que sea real solo a medias y sus movimientos sean tan libres como insignificantes” Milan Kundera, La insoportable levedad del ser.

Conectad@s 2012

Con un ritmo de vida cada vez más frenético, nuestro apego a la tecnología es cada vez más patente. Desgraciadamente, cada poco tiempo, nuestra atención se centra en titulares como: “Actualizan su estado de Facebook antes que llamar a los bomberos”, o “Ladrón detenido después de comprobar su Facebook en la casa de la víctima y no cerrar sesión”, que parecen sacados de una película. Sin embargo, aunque no hasta tal extremo, todos hemos vivido alguna acción en la que la tecnología se ha visto involucrada… ¿Por qué nos hemos vuelto tan adictos? ¿Por qué nos estamos volviendo cada vez más insociables, gracias a las redes sociales? ¿Por qué no podemos dejar de describir lo que nos sucede en Twitter? ¿Qué necesidad tenemos de estar siempre “Conectad@s”?

ANTONIO SAMO Mi proceso de creación empieza caminando y observando. Me fijo en la ropa que lleva la gente y en concreto en algunos símbolos. Iconos que el ser humano lleva usando durante cientos de años y que hoy continua haciéndolo. Esto me hace reflexionar sobre como mediante ellos, el ser humano intenta construir una identidad solida y al mismo tiempo como esta masificación de productos le condicionan. Los resultados son piezas únicas talladas en madera de tilo que muestran al ser humano con el rostro apático y una postura hierática. Seres que se encuentran semidesnudos, sin dejarnos claro si se visten o desvisten. Mirándose a un espejo imaginario y dudando qué hacer, quien ser. La ropa es como una piel que cada día nos ponemos y quitamos. Las esculturas son de una belleza idealizada ya que me interesa que todos podamos vernos reflejados en ellas.

CHICO CON CALAVERA y CHICA CON LEOPARDO 2016 Madera de tilo 63 x 15 x 9 cm Este proceso de creación empieza caminando y observando. Fijándose en la ropa que lleva la gente y en concreto en algunos símbolos. Iconos que el ser humano lleva usando durante cientos de años y que hoy continúa haciéndolo. Esto hace reflexionar al autor sobre como mediante ellos, el ser humano intenta construir una identidad sólida y al mismo tiempo como esta masificación de productos le condicionan. Los resultados son piezas únicas talladas en madera de tilo que muestran al ser humano con el rostro apático y una postura hierática. Seres que se encuentran semidesnudos, sin dejarnos claro si se visten o desvisten. Mirándose a un espejo imaginario y dudando qué hacer, quien ser. La ropa es como una piel que cada día nos ponemos y quitamos. Las esculturas son de una belleza idealizada ya que me interesa que todos podamos vernos reflejados en ellas.

Quizá debería volver a replantearse aquella expresión de vita activa primogénita que rescata Hannah Arendt de la tradición griega y medieval antes de sucumbir a los tiempos modernos: al animal laborans. Pero integrar la contemplación a la acción no deja de ser una de las capacidades que se exigen al trabajador permanente: al trabajador actual. Es imposible dibujar un afuera de los modelos preesstablecidos, pero podemos volver a cuestionar la condición humana desde este lugar.

Los personajes de Antonio Samo se paran a observar un periodo de incertidumbre: no saben qué hacer, no saben quién ser, no saben cómo vestirse o, es que quizá, no saben vestirse. Cada modelo interpreta esta única condición de agotamiento. Una expresividad análoga a la postura con la que nos enfrentamos al mundo, desde donde se demandan nuevos modelos referenciales. Mia Coll

SANTIAGO SIERRA (Madrid, 1966) Un artista contemporáneo español conocido por usar la instalación, la performance y la fotografía como medio artístico. Sus obras artísticas son de contenido crítico y político. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, completó su formación en Hamburgo (Alemania) entre 1990 y 1991, donde estudió con los profesores F. E. Walter, S. Browm y B. J. Blume. Amplió sus estudios en la Escuela de San Carlos de la Universidad Autónoma de México (1995-2006), e Italia (2006-2010). Actualmente vive y trabaja en Madrid. Sus inicios están vinculados a los circuitos artísticos alternativos de Madrid (El Ojo Atómico, Espacio P), pero gran parte de su carrera posterior se ha desarrollado en México. Ha expuesto en importantes museos, centros de arte y galerías de todo el mundo, como en el Museo Kiasma de Arte Contemporáneo ARS 01 (Helsinki), en el Kunst-Werke (Berlín), en la Kunsthaus Bregenz (Austria), en el PS1 del MoMA (Nueva York) o en el Artium (Vitoria), y su obra está representada por importantes galerías como Helga de Alvear (Madrid, España), Team Gallery (Nueva York, USA), Lisson Gallery (Londres, Reino Unido), Prometeo Gallery (Milán, Italia) y Greenaway Art Gallery (Adelaida, Australia

NO, Global Tour 2009 Contrachapado marino negro en varios tamaños Diversas localizaciones en Italia, Alemania, Holanda, Canadá, Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Islandia, Polonia, España, y Japón. 98

El NO, Global Tour de Santiago Sierra consiste en un viaje que se inició en Julio de 2009 a través del primer mundo. En él, una gran escultura formada por la sencilla y contundente palabra NO - una estructura de contrachapado marino negro, con unas dimensiones de 3,20 metros de alto por 4 metros de ancho y un peso total de media tonelada - recorre diversos países y continentes, emplazada sobre la plataforma de un camión. En la película que el artista ha realizado sobre el proyecto y que se estrenó en la Berlinale (sección oficial Forum Expanded 2011), Santiago Sierra plantea una síntesis que va de la escultura minimalista, al viaje y el road movie. Una forma y una palabra en constante movimiento que recorrió distritos financieros, zonas industriales, barrios de trabajadores y edificios emblemáticos a lo largo de Europa, EE.UU. y Canadá. El largo viaje del NO se inició en Lucca, para después continuar hacia Berlín, donde recorrió áreas habitacionales, industriales y mineras a través de la antigua República Democrática Alemana. A continuación la escultura pasó por edificios emblemáticos de Dortmund, Rotterdam, Maastricht, Bruselas, Londres y Greenwich, entre otros. De allí se trasladó, por vía marítima, a Nueva York, donde formó parte del festival Performa 09, visitó Wall Street, el edificio de Naciones Unidas, el Rockefeller Center y otros destinos turísticos. Finalmente, la obra partió hacia Miami donde fue parte de Art Basel y, posteriormente, a Washington donde dijo «NO» al Katzen Arts Center del American University Museum of Art. Por otra parte, otro «NO» se construyó en Toronto y fue presentado durante el evento Scotiabank Nuit Blanche, para después iniciar su viaje en dirección a EE.UU., donde visitó las ciudades de Hamilton, Buffalo, Detroit, Cleveland y Pittsburgh, pasando siempre por zonas industriales y barrios de trabajadores. Un tercer «NO» fue construido en Lucca a comienzos de 2010. Desde ahí, partió hacia Livorno, donde dio su negativa a una acción de enterramiento de un grupo de inmigrantes. Después hacia Génova, donde pasó por el puerto marítimo para después llegar a Monte Carlo, deteniéndose ante el Palacio del Príncipe de Mónaco y el Casino. Desde allí viajó hasta el vecino Saint-Jean-Cap-Ferrat, para continuar hasta Marsella, donde visitó refinerías de petróleo y una fábrica de armamento militar, prosiguió por Montpellier, Lourdes y Madrid, durante la feria de ARCO. Posteriormente viajo a Japón para participar en la Trienal de Aichi y finalmente a Katowice, Polonia. El NO global de Sierra es, como indica Javier San Martín en el catálogo de la exposición, “un rechazo profundo, más difícil de expresar e imposible de especificar: un rechazo a la propia idea de mejora, a la ilusión vana de la esperanza; un colapso de las creencias. (...) Sierra (...) ha llegado con el NO a una estética de esperanza cero, que le permite denunciar todo ese ejército de pequeños sueños, de brotes de futuro, con el que el poder del Estado intoxica a la población...”. 99

TRABAJADORES QUE NO PUEDEN SER PAGADOS REMUNERADOS PARA PERMANECER EN CAJAS DE CARTÓN 2000 Kunst Werke, Berlín, Alemania Esta obra es una adaptación de las realizadas en Guatemala y Nueva York, en las que se introducía a trabajadores en cajas de cartón bajo diversas circunstancias. En este caso seis trabajadores permanecieron cuatro horas diarias, por seis semanas, en estas cajas, debiendo cobrar su sueldo de manera secreta por su condición de exiliados políticos. La legislación alemana otorga al exiliado 80 marcos por mes, unos 40$, y prohíbe que trabaje bajo amenaza de devolución del perseguido político a sus país de origen. Los detalles de esta obra no pudieron, por tanto, hacerse públicos en su día. Los exiliados procedían de Chechenia.

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La lona 2015 15 personas jóvenes debajo de una lona LABOR, Ciudad de México Homenaje a los estudiantes normalistas desaparecidos en Ayotzinapa

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Palabra Tapada 2003 Pabellón español, Bienal de Venecia, Italia La palabra ESPAÑA que existe como relieve a la entrada del pabellón español de la Bienal de Venecia tapada con plástico negro y cinta de embalar.

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Edificio Iluminado 2003 Arcos de Belén, 2, Ciudad de México, México Esta acción consistió en iluminar con varios reflectores el edificio que se ubica en el centro de la ciudad de México, el cual se dañó durante el terremoto del 1985 y que a partir de entonces fue abandonado. En la actualidad es empleado como almacén para vendedores ambulantes y alojamiento de indigentes.

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100 personas escondidas 2003 Calle Doctor Fourquet, Madrid, España 100 desempleados fueron escondidos en diferentes puntos de la calle durante un periodo de 4 horas.

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CV’s

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EMI ANRAKUJI 1963, Tokyo, Japan EXPOSICIÓN INDIVIDUAL 2017 1800 Millimetres Past Rays, Yokohama 2015 1800 Millimètres Camera galerie, Paris "1800 Millimètres" MIYAKO YOSHINAGA, New York 2013 O MAPA Past Rays, Yokohama, Japan O MAPA MIYAKO YOSHINAGA, New York 2012 A Decent Life, Gallery Past Rays, Yokohama, Japan 2011 A Decent Life, MIYAKO YOSHINAGA, New York 2010 CHASM - Sakeme Past Rays, Yokohama, Japan 2009 CHASM - Sakeme MIYAKO YOSHINAGA, New York 2008 Gallery Past Rays, Yokohama, Japan, Charles A. Hartman Fine Art, Portland, Oregon, Rat Hole Gallery, Tokyo, Japan 2007 MU Project, Washington D.C., Gallery Past Rays, Tokyo, Japan, Gallery EPSITE, Tokyo, Japan 2006 EASE, MIYAKO YOSHINAGA, New York A Selection from HMMT? MIYAKO YOSHINAGA, New York 2005 HMMT? Gallery Pastlays, Yokohama, Japan, Gallery Imago, Curated by Kotaro Iizawa, Japan 2004 White Cube Gallery, Kyoto, Japan, White Cube Osaka, Osaka EXPOSICIÓN COLECTIVA 2016 Aquí y Ahora“ fifh edition, Blanca Soto Arte, Spain 2015 Shikijo: erotism in Japanese photography, Blidspot Gallery, Hong Kong 2014 Intimacy Camera Gallery, Paris 2013 Japanese Art Photographers 107, Special Exhibition, Art Fair Tokyo 2008 Daegu Photo Biennale 2008, South Korea, Gallery Past Rayas, Yokahama, Japan 2005 Video Screening by Toshiharu Ito, Japan. 2004 Yokohama Photo Studio, BanKART, Yokohama, Japan 2002-04 Exhibitions at Gatwick Airport, London 2002 Inside Space Gallery on Selfrige’s, London, Christie’s, London Web: http://www.miyakoyoshinaga.com/

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ÁLVARO CAMPO Vitoria, 1976. He trabajado en: 2004 - 2012

Enia Publicidad,como diseñador gráfico y creativo.

2012-2013 2014

Niquelchrome, como director de arte. Diga33!,como director de arte.

Estudiando un master de UX Algo de formación extra… Curso de desarrollo de video juegos de 30 horas UNITY 3D (cursado en CICE-Madrid) Curso de 21 horas JQUERY (cursado en CICE-Madrid) Curso de 25 horas de REAL FLOW 5 (cursado en CICE-Madrid) Curso de 25 horas de iluminación avanzada con V-Ray 1.5 (cursado en CICE-Madrid) Curso de 200 horas de catia, 2d, 3d, superficies, sólidos Web: http://logotomia.net/

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ADRIÁN CASTAÑEDA Salamanca, 1990. Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Máster de Producción Artística en la Universidad politécnica de Valencia.

2017 Residente en la Fundación BilbaoArte Fundazioa. Bilbao. Exposición colectiva Futuro-Presente. Sala Amadís, Injuve. Madrid. Proyecto Hogar, dulce hogar. Arteshop Bilbao. Bilbao. 2º Concurso Villalart. Villalar de los Comuneros, Valladolid. Exposición colectiva J.A.C.A 2017. ABM Confecciones, Vallekas. Madrid. 2016 Exposición colectiva AQUÍ Y AHORA “Revelar y Rebelar”. Galería Blanca Soto. Madrid. Exposición colectiva KAPITAL 02 / NO-SEXISM, Las Naves, Espai d’Innovació i Creació. Valencia. EAN VI. Encontro de Artistas Novos. Santiago de Compostela. Exposición colectiva The Urban Game [BETA]. Piraeus, Grecia. PAM!16. Facultad de Bellas artes de San Carlos. UPV. Valencia. Exposición colectiva En ascenso, Sala Fonoteca, Universidad de Salamanca. Salamanca Exposición colectiva Como el perro y la lima, en la facultad de Bellas artes. UPV. Valencia. Exposición colectiva Una mirada Sustractiva, en la facultad de Bellas artes. UPV. Valencia. 2015 2º Premio y exposición en el concurso de Jóvenes Creadores. Espacio Joven. Salamanca. Mención de honor + Selección. Exposición y catálogo en los premios San Marcos XIV Bellas Artes. Salamanca. Exposición colectiva Reality & Show; en Espacio Zink, Sala Unamuno. Salamanca 2014 Primer premio en el 1ºConcurso “Esculturiza tus residuos”, proyecto de construcción con materiales reciclados. Salamanca. Exposición colectiva “Para empezar” y catálogo en el palacio Quintanar. Segovia. Mención de honor, exposición y catálogo en los premios San Marcos XVII Bellas Artes. Salamanca. Exposición colectiva “el enemigo soy yo”, Espacio Joven. Salamanca. Mención de honor, exposición y catálogo en los premios San Marcos XVI Bellas Artes. Salamanca. Exposición colectiva “Sobre la esencia humana”. Obra social Caja Duero. Salamanca. Selección y exposición en el concurso Jóvenes Creadores. Salamanca.

Web: http://adriancastaneda.wixsite.com/adriancastaneda/work

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YASSINE CHOUATI Tánger (Marruecos), 1988. FORMACIÓN: Máster Universitario en Arte: Idea y Producción (España). Grado en Bellas Artes de Sevilla, Universidad de Sevilla (España). Diplomatura Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetuán (Marruecos). EXPOSICIÓN INDIVIDUAL: 2017 Fundación Tres Culturas, Sevilla Espacio la Araña Facultad de Bellas Artes de Sevilla 2016 Casa de la Provincia, Sevilla 2015 Galerie Les Insolites, Táger 2013 Galería Kandisha, París 2012 Medina Art Gallery, Tánger 2010 Museo de Arte gráfico Gilena, Sevilla 2009 Galería d’arte Dar, Tánger

EXPOSICIÓN COLECTIVA: 2017 Hybrid Fair, Madrid. 2016 Galería Blanca Soto Arte, Madrid. CAAC dentro del Proyecto Atelier, Sevilla. Espacio Turina, Sevilla. Espacio la Araña, Sevilla. CAS (Centro) de las Artes de Sevilla. Essaouira Nuits Photographiques, Instituto cultural francés, Essaouira. 2015 Artsevilla, I Feria Internacional de Arte Contemporáneo, Sevilla. COLABORADO+CREADO, Espacio Sótano 2, Universidad de Sevilla. 2012 Sala de Exposiciones SADUS, Universidad de Sevilla. 2011 Palacio de Congresos de San Fernando, Cádiz. 2010 Museo de la Kasbah de Tánger. Escuela de Arte de Sevilla. Web: https://yassinechouati.com/ 110

JON GOROSPE Vitoria, 1986 EDUCACIÓN 2014 2013

Grado universitario en la ESCUELA DE ARTE Y SUPERIOR DE DISEÑO EASD del País Vasco (España). Programa de intercambio en la FACULTAD DE ARTE DE VILNIUS (Lituania). Proyecto final en Malta.

Estudios complementarios con diferentes autores del mundo de la fotografía y el cine como: Antoine D‘Agata, Xabi Rivas, Juan Valbuena, Matías Costa, David Jimenez, Jose Luís Guerín, Javier Rebollo, etc. EXPOSICIÓN INDIVIDUAL 2016 Environments. Premio Galicia de Fotografía Contemporánea. Lugo (España) Almost Black. Vault Studios, Bergen (Noruega). Le Projet Amateur. Centro Cultural Montehermoso, Vitoria (España). 2015 Velocidad de las ventanas. BegiraPhoto, Durango (España). Almost Black. Sala Amárica, Vitoria (España). 2014 Environments. Montehermoso museum, Vitoria (España). Almost Black. Festival BilboArgazki, Fnac Bilbao (España). EXPOSICIÓN COLECTIVA 2017 Environments. Nada Sobra, Galileo Cultural Center, Madrid (España). “Un Cierto Panorama” Reciente Fotografía Española, Canal de Isabel II, Madrid (España). 2016 Environments. Aquí y Ahora, Blanca Soto Arte Gallery, Madrid (España). Environments. Echoes of Eco, Sochi (Rusia). 2014 Diary of a tour. Edificio Opera, Vitoria (España). 2013, Feria Viphoto. Vitoria (España). 2012 Almost Black, Casa de la Cultura. Vitoria (España). 2011 Live in Bars. Galería Kutxa Bank, Vitoria (España). Nuestro lado de la cama. Pabellón Universitario, Vitoria (España). Link: http://www.jongorospe.com/

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JULIA MARTOS Cordoba, 1989. 2012-13 2007-12

Máster en Producción Artística, Universitat Politècnica de València Licenciatura en BBAA, Universidad de Granada.

EXPOSICIÓN: 2017 Proyecto Montaña Negra, C3A, Córdoba. Cartografías Derivadas, Sala Albéitar, León. 2016 Exposición colectiva AQUI Y AHORA, galería Blanco Soto, Madrid. 2015 Cartografías Derivadas, Espacio Puerta, Bilbao. Cartografías Derivadas, Festival DANZAMOS, Conde Duque, Madrid. Exposición colectiva CIUDAD SUBTERRÁNEA en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona. 2014 Exposición colectiva EUFÒNIC URBÀ en Arts Santa Mònica, Barcelona. Exposición colectiva FOURTH UNDER THE SUBWAY VIDEO ART NIGHT en The Local NYC, New York, EEUU. Exposición colectiva Festival EUFÒNIC Arts sonores i visuals a les Terres de l’Ebre, Tarragona. Exposición colectiva MALAGA CREA en la Caja Blanca, Málaga. Exposición colectiva STRAIT, en el LIA, Leipzig International Art Programme, Alemania. Exposición colectiva AL RASO EN PALACIO, Palacio de los Condes de Gabia. Granada. 2013 Exposición colectiva REGION 0, en el MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo. Exposición colectiva BENIBEACH, en Espai d’Art Ayuntamiento de Benidorm, Valencia. Exposición colectiva SELECTA en la galería Set Espai d’art, Valencia. Exposición colectiva PAM, I Muestra de Producciones artísticas y multimedia, Univesidad Politécnica de Valencia. Muestra cultural de arte joven MALAGA CREA,CAC Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. 2012 Exposición colectiva de fotografía Centro de Arte Contemporáneo Francisco Fernández, Jaén. Exposición colectiva ALRASO 2012, Granada. Exposición colectiva CIRCUITOS, Facultad de Bellas Artes de Granada. Link: http://www.juliamartos.com/

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JORGE PÉREZ HIGUERA Guadalajara, 1989. FORMACIÓN: 2015 Máster en Fotografía, Arte y Técnica. Universidad Politécnica de Valencia. 2012 Licenciatura en Bellas Artes con especialidad en Artes de la Imagen, Universidad Complutense de Madrid. EXPOSICIÓN INDIVIDUAL: 2017 The Other Side. Space Place. Nizhny Tagil. Rusia. JustMad 8. Madrid. 2015 The Other Side. El Moliné. Barbastro Foto Festival. Barbastro.

EXPOSICIÓN COLECTIVA: 2017 Concurso de pintura y fotografía. Sala Parés. Barcelona. Carpetes Obertes. Escuela Superior de Arte y Diseño. Valencia. Work in progress. Fundación La Posta. Valencia. 2016 Aquí y Ahora, Galería Blanca Soto, Madrid. XXXII Muestra de Arte Joven La Rioja. Sala de Exposiciones de la Escuola Superior de Diseño de la Rioja, Logroño. XII Festival Internacional Paraty Em Foco. Paraty, Brasil. Just Madrid 7. Universidad Complutence de Madrid, Madrid. 2015 Atlántica Colectivas. FotoNoviembre 2015. TEA. Tenerife. Force be with you: A tribute to a Galaxy far far away. Studio Sohy. Washington DC. Miradas de futuro. Iberencontros. Castelo Branco. Portugal. 2014 Sólo Lujuria. Galería Modus Operandi, Madrid.

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ANTONIO SAMO Valéncia, 1984 EXPOSICIÓN INDIVIDUAL: 2017 El Parque, Set Espai D´Art, Valencia, España 2014 Onoff, Galería Artevistas, Barcelona, España. Fragilidad y Silencio, Sala de la juventud de Orriols, Valencia, España. EXPOSICIÓN COLECTIVA: 2016 Aqui y Ahora, Galeria Blanca Soto, Madrid, España 2015 Vision, Gallery C.O.A, Montreal, Canada. 2014 LXIII Exposición internacional de otoño, Real Academia Santa Isabel, Sevilla, España Eco-Ego- Sum, Las Naves, Valencia.2014 Huellas In-Ciertas, Ca‟Lambert, Xàbia, Alicante, España Simposio internacional de escultura “ARTIFEX”, Gilena, España Selecta Suma, Mueso de Las Atarazanas, Valencia, España Franqueados II, Cuarto interior, Madrid, España Huellas In-Ciertas, Universidad de Ciencias Sociales, Valencia, España Incubarte VI, Festival internacional de arte, Valencia, España CARA, Centro cívico Antic sanatori, Puerto de Sagunto, Valencia, España Premis Senyera, Museo de la ciudad, Valencia, España 2012 Juegos gráficos, Universidad nacional autónoma metropolitana de México D.F. UNAM y ENAP. Proyectos expositivos 2011-12: Investigación de la estimulación temprana mediante la ilustración de obra gráfica: La funcionalidad de las estampas ilustrativas en el libro, Museo de Arte. Mexico D.F 2011 Premis Senyera, Galería del Tossal, Valencia, España. 2010 Exposición colectiva, Universidad de Varsovia, Polonia. Exposición colectiva, Galería Zepter, Varsovia, Polonia. Simposio de escultura, Rudnik nad Sanem, Polonia. Link: http://antoniosamo.com/

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SANTIAGO SIERRA Madrid, 1966. EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2016 25 veteranos/2205 crímenes de estado, Helga de Alvear, Madrid, Spain. L’abbeveratoio, Prometeo Gallery, Milan, Italy. Black Flag, Kunsthallen Nikolaj, Copenhaguen, Denmark. 2015 The Debt, Oldtown of Arnsberg, Arnsberg, Germany. 583 Hours of Work, Skulpturenpark Köln, Cologne, Germany. Athens Stray Dogs Project and The Trilogy of Pigs Eating Peninsulas, Kappatos Athens Art Gallery, Athens, Greece. Santiago Sierra. Galerie Thomas Zander, Köln, Germany. Veterano de la guerra de México cara a la pared, SOMA, Mexico City, Mexico. Veteranos de las guerras del Paquisha y Perú cara a la pared, Galería Encarnación González, Madrid. Four Black Vehicles with the Engine Running Inside an Art Gallery, National Gallery of Arts, Tirana, Albania. La Lona, LABOR, México D.F., Mexico. 2014 The Flock, Team Gallery, New York. Lucia and the Prisioners, Zentralle Halle, Krems, Austria. 2013 Veterans/Psychophonies, Void Gallery, Derry 40 m3 of Earth from the Iberian Peninsula, KOW, Berlin El trabajo es la dictadura, galería Ivory Press, Madrid. Veteran of the Allied Ocupation in Germany, Kunstverein Arnsberg, Arnsberg, Germany. Veterans of the wars of Afganistan, Irak and Vietnam, 13 Rooms, Sidney, Australia. Santiago Sierra. Skulptur, Fotografie, Film, Kunsthalle Tübingen; Deichtorhallen – Sammlung Falckenberg, Hamburg Santiago Sierra, Kunstverein Arnsberg Santiago Sierra, Greenaway Art Gallery, Adelaide Veterans, Team Gallery, New York Destroyed Word, Te Tuhi Center for the Arts, Auckland Los Encargados (con Jorge Galindo), galería Helga de Alvear, Madrid Pigs Devouring the Hellenic, Italic and Iberic Peninsulas, Prometeo Gallery, Milano

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2012

2011

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2009

2008 2007

2006

2005

Dedicated to the Workers and Unemployed, Lisson Gallery, London Santiago Sierra. Hafnarhús, Reykjavik Art Museum, Reykjavik No proyectado sobre el Papa (con / mit / with Julius Von Bismarck), PhotoEspaña, Off Limits, Madrid NO, Global Tour, Artium, Vitoria / Ars Cameralis, Katowice CMX 04, galería Helga de Alvear, Madrid Santiago Sierra, Prometeo Gallery, Milano Santiago Sierra / Cady Noland, KOW, Berlin NO, Global Tour, verschiedene Orten / several locations 7 formas de 60 x 60 x 600 cm, construidas para ser sostenidas en perpendicular a la parad, Queensland Art Gallery, Queensland Enterramiento de diez trabajadores, Chiesa del Luogo Pio, Livorno NO, Global Tour, Milano NO – European Tour Departure, Lucca Santiago Sierra, MARCO, Vigo 34 cm, Prometeo Gallery, Milano Santiago Sierra, Magasin 3 Stockolm Konsthall, Stockholm Los Penetrados, galería Helga de Alvear, Madrid Remake of Group of Persons Facing the Wall and One Person Facing into a Corner, Lisson Gallery, London Centro Cultural Matucana, Santiago de Chile Santiago Sierra, New Works, Lisson Gallery, London 1549 Crimenes de Estado, Antiguo Edificio de la Secretaría de Relaciones Exteriores de la Plaza de las Tres Culturas, Tlatelolco, Mexico City Himnos, Cabildo de Montevideo, Montevideo Proyecto Caracas, Sala Mendoza, Caracas Concierto para Planta Eléctrica a Diésel, Salon Experimental de la Fundación Chacao, Caracas Sumision, Proyecto Juárez, Mexico City Santiago Sierra, Prometeo Gallery, Milano Santiago Sierra, Galerie Peter Kilchmann, Zürich Santiago Sierra, CAC, Málaga The Punished, Art Frankfurt, Hall 9, Frankfurt 245m3, Stommeln Synagoge, Pulheim 89 Huicholes, San Andrés Jalisco, Jalisco Under Destruction # 2. The Corridor in the House of the People, Muzeul National de Arta Contemporana, Bucuresti Una persona, Galleria Civica di Arte Contemporanea di Trento, Trento Intercambio en las posiciones de dos volúmenes de tierra de 30m3 cada una, Nordkorea – Südkorea / North Korea – South Korea Loudspeakers, Arsenale, Biennale di Venezia, Venezia Haus im Schlamm, Kestnergesellschaft, Hannover 116

2004

2002

2001

2000

Santiago Sierra – Acciones 2001–04, Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria 120 horas de lectura continua de una guía de teléfono, galería Helga de Alvear, Madrid Santiago Sierra, NRW-Forum Kultur und Wirtschaft, Düsseldorf Santiago Sierra, Lisson Gallery, London Klassenkampf, Claudio Poleschi Arte Contemporanea, Lucca Santiago Sierra, Galerie Peter Kilchmann, Zürich 300 Tons, Kunsthaus Bregenz, Bregenz Santiago Sierra, Centre d‟art contemporain de Brétigny, Paris Pinturas, galería Enrique Guerrero / Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City 2003 100 personas escondidas, galería Helga de Alvear, Madrid El Degüello, Battery Park, New York Edificio iluminado, Arcos de Belén, Mexico City Palabra tapada, Pabellón de España, Biennale di Venezia, Venezia 12 parapets, Herzliya Museum of Art, Herzliya Hiring and arrangement of 30 workers in relation to their skin colour, Kunsthalle Wien Part 1 / Part 2, Lisson Gallery, London 3.000 huecos de 180 x 70 x 70 cm cada uno, Montenmedio Arte Contemporáneo, Vejer de la Frontera 9 forms 100 x 100 x 600 cm each, constructed to be supported perpendicular to a wall, Deitch Projects, New York Documents, Galerie Peter Kilchmann, Zürich Spraying of polyurethane over 18 people, Claudio Poleschi Arte Contemporanea, Lucca Construction and installation of 12 forms of 75 x 75 x 800 cm organized in two spaces, Carlier-Gebauer, Berlin The history of the Foksal Gallery taught to an unemployed Ukrainian, Fundación Galería Foksal, Warsaw Project Room, ARCO, Galerie Peter Kilchmann, Madrid Santiago Sierra. Works: 2002–1990, Ikon Gallery, Birmingham 2 maraqueros, galería Enrique Guerrero, Mexico City 430 personas remuneradas con 30 soles la hora, galería Pancho Fierro, Lima 20 trabajadores en la bodega de un barco. 3 intervenciones urbanas, Barcelona Art Report 2001, Barcelona Banner held outside the entrance to an art fair, Art Unlimited, Art Basel, Galerie Peter Kilchmann, Basel Object measuring 600 x 57 x 52 cm constructed to be held horizontally to a wall, Galerie Peter Kilchmann, Zürich Miami Art Fair, Project Room, galería Enrique Guerrero, Miami Workers who cannot be paid, remunerated to remain inside cardboard boxes, Kunst-Werke, Berlin A person paid for 360 continuous working hours, P.S.1. New York 8 combinaciones para una puerta de 2 hojas, Proyecto Zapopan, Jalisco Muro de una galería arrancado, inclinado a 60 grados del suelo y sostenido por 5 personas, Acceso A, Mexico City 12 workers paid to remain inside cardboard boxes, ACE Gallery, New York Documents, ACE Gallery, Mexico City Público transportado entre 2 puntos de la ciudad de Guatemala, Belia De Vico Arte Contemporáneo, Ciudad de Guatemala 117

1999

1998 1997 1996

Línea de 250 cm tatuada sobre seis personas remuneradas, Espacio Aglutinador, La Habana 465 personas remuneradas, Museo Rufino Tamayo, Sala 7, Mexico City 24 blocks of concrete constantly moved during a day’s work by paid workers, ACE Gallery, Los Angeles Obstrucción de una vía con un contenedor de carga, Arte In Situ, La Torre de los Vientos, Mexico City Traslación de un automóvil, Galería BF 15, Monterrey Fardo de 1.000x400x250 cm, Galería Art & Idea, Mexico City 15 hexaedros de 250 cm de lado cada uno, Museo Carrillo Gil, Mexico City 1994 86 módulos de soporte publicitario metálico de 300 x 80 cm cada uno, galería Ángel Romero, Madrid Dos cilindros de 250 x 250 cm cada uno compuestos de carteles arrancados, Espacio P, Madrid

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2017 Primary Structures. Masterworks of Minimal Art, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt, Germany. 2016 The Others, König Galerie, Berlin, Germany. Militant Nostalgia, Nuit Blanche, Toronto, Canada. For an Image, Faster than Light, Yinchuan Biennale, China. Antimusée/Antimuseum. Une retrospective d’expositions fermées, FRI ART, Centre d‟Art de Fribourg, Switzerland. What People Do For Money, Manifesta 11, Zurich, Switzerland. Thomas Hirschhorn & Santiago Sierra: Radical Democracy, Asakusa, Tokyo, Japan. Performer, Audience, Mirror, Lisson Gallery, London, United Kingdom. El excusado, Galería Parque, Zona Maco, Mexico City, Mexico. 2015 Arte y propaganda libertaria, Encarnación González, Madrid, Spain. FAAC, Festival de Arte de Acción de Cuenca, Cuenca, Ecuador. Under the Mountain. Jerusalem Season of Culture, Old Jerusalem, Israel. Motherlode. 35Esima edizione Drodesera, Centrale Fies, Trento, Italy Workers Leaving The Studio. Looking Away From Socialist Realism, National Gallery of Arts, Tirana. Say What? / Ne dedin en?, GaleriZilberman, Estambul. Cross Section of a Revolution, Lisson Gallery, Londres. 2014 The Copenhagen Declaration. Jens Haaning / Santiago Sierra, Farschou Foundation, Nordhavn. Monte de Estépar, Espacio Tangente, Burgos. 14 Rooms, Messe Basel, Basilea. Corpus – Zacheta, National Gallery of Art, Warsaw. Das Ende 20. Jahrhunderts. Es jommt noch besser, Hamburger Bahnhof, Museum fur Gegenwart, Berlin. Smart new world, Kunsthalle Düsseldorf, Düsseldorf. Places of Transition, freiraum quertier21 INTERNATIONAL, Museum Quartir, Viena BOOSTER. Kunst Sound Machine, Marta Herford, Herford. 118

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2007 2006

El arte del presente. Colección Helga de Alvear, Centro Centro, Madrid Performance Now, ICI, New York Together / Apart, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw Kunst und Migration, Kunsthalle Bahnitz, Berlin 13 Rooms, Kaldor Public Art Projects, Sidney El cuerpo fragmentado, LIMAC, Madrid Turn off the Sun, ASU Art Museum, Phoenix Believers, KOW, Berlin Tireless Refrain, Nam June Paik Art Center, Yonguin Internationales Sommervestival Hamburg 2012, Kampnagel, Hamburg Kochi Muziris Biennale, Kerala 30 Artists / 30 Spaces, Institut für moderne Kunst, Nürnberg Aproximaciones I. Arte español contemporáneo en la colección Helga de Alvear, Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear, Cáceres 12 Rooms, Ruhr Triennale, Museum Folkwang, Essen Proyecto Juárez, Matadero Madrid, Madrid Historias de la vida material. Personas, lugares, cosas, acontecimientos, ficciones, Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear, Cáceres 11 Rooms, Manchester International Festival, Manchester Márgenes del silencio, Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear, Cáceres El ángel exterminador. A room for Spanish Contemporary Art, Center for Fine Arts, Brussels Moralische Fantasien, Museum Morsbroich, Leverkusen Viva la muerte, Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria The living Currency (La Monnaie Vivant),Tate Modern, London Political / Minimal, KW Institut for Contemporary Art, Berlin All Inclusive. A Tourist World, Schirn Kunsthalle, Frankfurt Madrid Abierto. Intervenciones Arte Público, Madrid. Entre fronteiras/Between Bordes. MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, Vigo 2nd Moscow Biennale, Moscow The Grand Promenade, National Museum of Contemporary Art, Athens Paranoia, Leeds City Art Gallery, Leeds Pasión/Provocación – fotografia & video en la Colección de Teofilo Cohen, Centro de la Imagen, Mexico City TRANSIT, ART Frankfurt AUTO-NOM-MOBILE, Kunstverein Kassel La Monnaie vivant, CAC Brétigny

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2005

2004

The Hours. Visual Arts of Contemporary Latin America, Irish Museum of Modern Art, Dublin Hasta pulverizarse los ojos, Sala de Exposiciones BBVA, Madrid; Sala BBVA, Bilbao Biennale de Lyon, Lyon Art Takes Place. A Lucky Strike, Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen Pursuit of Happiness, Leidsche Rijn Police, Ober-Österreichisches Landesmuseum Graz 14ª Feria Iberoamericana de Arte, Caracas De la crítica y los nuevos compromisos, IV Encuentro Iberoamericano de Fotografía, Sala Mendoza, Caracas; Centro Cultural Chacao, Caracas 51ª Biennale di Venezia, Venezia Minimalism and After IV, Daimler Chrysler Contemporary, Berlin En attente, Casino Luxembourg Bienal de Praga 2, Sección Acción Directa: Latin American Social Sphere, Prague Bienal Internacional de Sharjah, Sharjah, United Arab Emirates Nothingness, Galerija Gregor Podnar, Kranj/Ljubljana Eco. Arte contemporáneo mexicano, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid Emergencias, MUSAC, León Laocoonte devorado. Arte y violencia política, Artium, Vitoria; DA2 Domus Artium, Salamanca 1 Moscow Biennale of Contemporary Art, Moscow Nothingness, Galerie Eugen Lendl, Granz The Real Royal Trip, P.S.1 Contemporary Art, New Yorlk; Museo Patio Herreriano, Valladolid VideoZone 2, Video Festival, Tel Aviv Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, Sevilla Bienal de São Paulo, São Paulo Bienal de Liverpool, Liverpool Seven Sins, Museion, Bolzano/Bozen Gegen den Strich, Staatliche Kunsthallen Baden-Baden Climats, Cyclothymie des paysages, Centre national d‟art, Vassivière Produciendo Realidad. Arte e resistenza latinoamericana, Prometeo – Associazione per l’arte contemporanea, Lucca I need you, Centre Pasqu'Art, Biel/Bienne Die Zehn Gebote, Deutsches Hygiene-Museum, Dresden Made in Mexico, UCLA Hammer Museum, Los Angeles Social Capital, Art Gallery of the CUNY Graduate Center, New York Brainstorming. Topographie de la morale, Centre national d'art, Vassivière Cremers Haufen, Westfälisches Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte, Münster Soziale Kreaturen. Wie Körper Kunst wird, Sprengel Museum, Hannover Werke aus der Sammlung Boros, ZKM Museum für Neue Kunst, Karlsruhe Material Witness, Museum of Modern Art, Cleveland, OH Made in Mexico, Institute of Contemporary Art, Boston, MA

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2003

2002

2001

Repertorio sistemático de consulta rápida para el estudiante y profesional con definiciones acordes con la realidad del mundo actual, CANAIA, Mexico City

Auto-nom. Das Automobil in der Zeitgenössischen Kunst, NRW Forum Kultur und Wirtschaft, Düsseldorf Nuevos Proyectos, Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo, Vejer de la Frontera Hardcore, Palais de Tokyo, Paris Witness, Barbican Art Centre, London Mexico Attacks!, Associazione Prometeo per l‟Arte Contemporanea, Lucca M_ARS. Art and War, Neue Galerie Graz, Graz Segundo encuentro de arte experimental de Madrid, Artistas Visuales Asociados de Madrid, 2003. 20 Million Mexicans Can’t Be Wrong, South London Gallery, London Corpi Dispersi, Castello Comunale di Barolo, Barolo Mexico City: An Exhibition about the Exchange Rates of Bodies and Values, PS1, New York Protest/Respect, Kunsthalle Sankt Gallen La Canción del Pirata, Centro Cultural Andratx, Mallorca Art & Economy, Deichtorhallen Hamburg The Hall of Lost Steps, Borusan Art Gallery, Istanbul Trans Sexual Express, Mucsarnok Kunsthalle, Budapest The Hall of Lost Steps, Borusan Sanat Galerisi, Istambul Marking the Territory, Irish Museum of Modern Art, Dublin ARS 01 - Unfolding Perspectives, Kiasma, Helsinki Loop, Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, München; PS1, New York Angst, Kokerei Zollverein, Essen Aftersun, Cala San Vicente, Mallorca Complicidades. Aspectos retóricos de la fotografía actual, Centro Nacional de Fotografía José Manuel Rotella, Torrelavega Políticas de la diferencia. Arte iberoamericano de fin de siglo, Valencia; Pernambuco, Recife, Brasil; Consell General del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana; Governo do Estado de Pernambuco, Centro de Convençoes de Pernambuco Pay Attention, Please, Cerdeña Trans Sexual Express: A Classic for the Third Millennium, Centre d'art Santa Mònica, Barcelona Comunicación entre las artes, Bienal de Valencia, Valencia Plateau of Humankind, 49ª Biennale di Venezia, Venezia Neue Welt, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt

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2000

1999

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Pervirtiendo el minimalismo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid Extramuros, La Habana Novena Muestra Internacional de Performance, Ex Teresa Arte Actual, Mexico City Puerto Rico 00 (paréntesis en la ciudad), San Juan de Puerto Rico Leaving the Island, PICAF, Metropolitan Museum of Pusan, Pusan Documentos, ACE Gallery, Los Angeles A Shot in a Head, Lisson Gallery, London Friends and Neighbours, EVA 2000,Limerick Galería BF 15, FIAC, Paris Plaza G & T, Ciudad de Guatemala Representar/Intervenir, Ex Teresa Arte Actual, Mexico City México Nuevo, Centre d‟arts plastiques de Villefranche-sur-Sâone; Museé de la Vallée de Barcelonnette Paradas continuas, Museo Carrillo Gil, Mexico City Made in Mexico - Made in Venezuela, Art Metropol Gallery, Toronto Galería BF 15, VI Expoarte Guadalajara, Jalisco Regina 51, VI Expoarte Guadalajara, Jalisco Cambio II, Museo Universitario del Chopo, Mexico City Después del cuerpo, Galería 127, Mexico City Cambio I, Sandra Gehring Gallery, New York Shopping, galería Art & Idea, Mexico City Opening, galería Art Deposit, Mexico City Documentos, galería Art Deposit, V Expoarte Guadalajara, Jalisco New Text from Mexico, galería Art Deposit, New York A otro lugar muy lejos de aquí, IV Expoarte Guadalajara, Jalisco Fundación Joan Miró, Barcelona El ojo atómico, Madrid Trabajos de los 80, galería Ángel Romero, Madrid

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Almadén, 13 28014 Madrid T + 34 91 402 33 98 F + 34 91 360 09 82 galeria@galeriablancasoto.com www.galeriablancasoto.com