Aquí y Ahora VII - The Wrong Way by Blanca Soto Arte

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AQUÍ Y AHORA THE WRONG WAY

CV’S INTRO

ENAR DE DÍOS RODRÍGUEZ

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YONE ESTÍVARIZ

119

ESMERALDA GOMÉZ

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MARIO GUTIÉRREZ CRUZ

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ELENA JIMENEZ

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IRMA MARCO

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GORDON MATTA-CLARK

ALSIRA MONFORTE

129

ACAYMO S. CUESTA

131

IANIRE SAGASTI

134

DAVID SALCEDO

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TONDO SMILING

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VERÓNICA VICENTE

105

144

YVES KLEIN

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AQUÍ Y AHORA EVENTO DE EXHIBICIÓN Y PROMOCIÓN DE ARTE Y PENSAMIENTO ACTUAL Vivimos tiempos convulsos y de cambios profundos en la mentalidad social y también en el arte. Parecen haber caído ideas y valores que pensábamos eran eternos e inmutables. Todo se cuestiona en una estructura social, política y económica exponencialmente, cada vez más veloz y cambiante donde los parámetros de certeza y seguridad mutan al ritmo vertiginoso de las comunicaciones y la transmisión de las ideas. Una nueva realidad virtual más plural y diversa parece empezar a formar parte sustancial de nuestra cotidianeidad transformando la apariencia y estructura social donde parece no existir ni el pasado ni el futuro… solo el aquí y el ahora, del momento vivido día a día de una sociedad cada vez más opaca, difusa, ambigua y caótica.

Pero estos momentos de tensión general precipitan ciertos resortes en nuestro sistema nervioso y emocional. Activan la resistencia y el pensamiento moviente y creativo. Provocan cambios y producen movimientos a nivel individual y por defecto, lentamente, también empujan y se filtran en la conciencia colectiva. Las estructuras están cambiando también en el arte. Es por eso que a través de la pluralidad de nuevos canales de comunicación surjan alternativas, nuevos modos distintos de producción de arte o más bien pensamiento creativo. Modos diferentes también de ser comunicados en espacios periféricos y divergentes creando nuevos discursos alternativos y abiertos que conviven con los modos habituales de difusión dentro del mercado y estructura del arte. Esto determina también la forma, el método y el significado del arte en nuestro tiempo. Redefine su ámbito de actuación e influencia en otros espacios o comunidades que antes eran ajenos a este o que ni siquiera existían hasta hace poco, en contextos distintos, mixtos e interrelacionados con otros lenguajes y modos de comunicación. Este evento trata de manera modesta y muy limitada, en la medida de lo posible, reflejar esos matices y cambios en el pensamiento creativo de los artistas que viven esta realidad y este cambio, que tanto determina su forma de trabajar y pensar “Aquí y Ahora”. 4

AQUÍ Y AHORA 2018 THE WRONG WAY La nueva edición número 7 del “evento de exhibición y promoción de arte y pensamiento actual” se desarrolla bajo el lema The Wrong Way. La forma incorrecta, el camino equivocado, la dirección prohibida, estas son algunas traducciones posibles de The Wrong Way. Se pretende visibilizar una vez más los usos, aplicaciones y utilidades de las investigaciones que realizan los creadores contemporáneos. El otro lado oculto, “The dark side”, la raíz o fundamentos esenciales más significativos de la creación, son camuflados, silenciados y tergiversados por sus connotaciones de progreso y cambio social. Líneas de crecimiento que inevitablemente divergen de las convenciones, intereses y parámetros socio-económicos preestablecidos. Un conocimiento que no debe ser explicado, entendido, ni comprendido por la masa social. Conceptos que no deben ser utilizados en la educación o marco de “instrucción” social preparatoria para la correcta inserción y acoplamiento en la estructura o engranaje. Alejarse de la corriente hegemónica principal unidirectiva supone “equivocarse de dirección” y caminar por los límites o bordes marginales de lo “underground”.

ENAR DE DIOS RODRÍGUEZ Licenciada en Traducción e Interpretación por la Universidade de Vigo, Enar de Dios Rodríguez estudió Fotografía en la University of Applied Arts de Viena y se graduó con un Máster en Bellas Artes por la San Francisco Art Institute. Su trabajo ha sido expuesto en el Contemporary Jewish Museum (San Francisco), el Künstlerhaus (Viena), la mochila de un amigo, el Laznia Centre for Contemporary Art (Gdańsk) o en festivales como el Ars Electronica (Linz). Entre las becas y premios que ha recibido se encuentran el Murphy and Cadogan Contemporary Art Award (Murphy and Cadogan Foundation). Ha dado charlas y conferencias en instituciones como el Maryland Institute College of Art (Baltimore) o el festival Radical Networks (Nueva York). Enar es la fundadora del Bay Area Online Exhibitions Archive, la directora de exposiciones del Museum of Capitalism (Oakland), y la co-fundadora de la National Gallery of San Francisco. Es una artista ourensana cuyo trabajo interdisciplinar incluye la fotografía, el vídeo, la poesía, el dibujo y la instalación. Partiendo como base de investigaciones y archivos, su práctica artística examina los elementos que construyen determinados contextos o límites. Su obra se sirve de la reconfiguración de información existente para realizar una exploración de lo poético y desarrollar su potencial político. Colabora con otros artistas, trabajadores culturales y pensadores, una prueba de ello es el proyecto SEEC Photography, en el que, junto con tres físicos, ha desarrollado la manera de observar fotográficamente el movimiento de la luz. Como comisaria, ha realizado numerosos proyectos expositivos experimentales que abogan por una circulación libre y gratuita de la cultura, atendiendo a movimientos artísticos que complican los estándares museísticos.

THE MORE COMPLICATED THE BORDERS (2018) Técnica mixta: escultura, vídeo, fotografía y pintura Las dos piezas que propongo para la exposición grupal "AQUÍ Y AHORA - The Wrong Way" forman parte de un proyecto interdisciplinar titulado The more complicated the borders. Este proyecto investiga la industria privada que se esconde y beneficia de las fronteras exteriores de la Unión Europea. Reflexionando sobre temas como las nuevas tecnologías de securización, la producción del espacio y sus consecuencias, esta instalación interdisciplinaria cuenta también con las siguientes piezas: General admission y You are here: una entrada (General admission) y una pegatina (You are here) se dan al visitante antes de que entre al espacio expositivo. El/la visitante debe colocarse la pegatina en un lugar visible durante el tiempo que dure su visita a la exposición. General admission funciona como un pequeño ensayo introductorio a la producción del espacio de la institución. You are here hace referencia a los puntos que se encuentran en mapas de ciudades, en este caso la obra en forma de pegatina sirve como elemento situacional de la mirada del visitante y a la vez posibilita la localización de un cuerpo con la presencia incontrolable del otro. Fortress Europe: esta pieza es una catenaria que bloquea el paso a la salida de emergencia del espacio expositivo, estampada con logotipos de distintas empresas que hacen de la “seguridad” su (gran) negocio. Todas estas empresas son financiadas por la Unión Europea (Frontex) para realizar productos relacionados con la securización de las fronteras externas europeas. [Updated] Views of the Mediterranean Sea: es una serie de “pinturas” célebres intervenidas con más pintura que representan vistas del mar Mediterráneo. De hecho, en su estricta noción conceptual, esos cuadros son más agudos collages que pinturas, son falsas pinturas pues la única pintura de la que constan es el acrílico negro que esconde las figuras humanas de los cuadros originales (el lienzo es una impresión digital). Este proyecto comenzó a realizarse durante la residencia Creadores 2018 en La Térmica (Málaga) y ha recibido el apoyo de esta institución para parte de su producción.

GENERAL ADMISSION General admission es una obra en forma de entrada institucional a un lugar y que en este caso se da a cada visitante que entra al espacio expositivo donde se muestre la pieza. Esta obra, que de alguna manera es performativa e incontrolable espacialmente, funciona como un pequeño ensayo introductorio a la producción del espacio de la institución, de ahí que su logotipo cambiará dependiendo de donde se muestre. General admission forma parte de un proyecto interdisciplinar titulado The more complicated the borders que investiga la industria privada que se esconde y beneficia de las fronteras exteriores de la Unión Europea y que reflexiona sobre temas como las nuevas tecnologías de securización, la producción del espacio y sus consecuencias.

General admission 2018 Entradas en papel impreso 7 cm x 10 cm cada una

YOU ARE HERE (2018) You are here forma parte del proyecto The more complicated the borders. You are here es una obra performรกtica: una pegatina que se da a cada visitante de la exposiciรณn antes de que entre al espacio expositivo. El/la visitante debe colocarse la pegatina en un lugar visible durante el tiempo que dure su visita a la exposiciรณn. You are here hace referencia a los puntos que se encuentran en mapas de ciudades, en este caso la obra en forma de pegatina sirve como elemento situacional de la mirada del visitante y a la vez posibilita la localizaciรณn de un cuerpo con la presencia incontrolable del otro.

You are here 2018 Pegatinas impresas ร 3 cm (cada una)

FORTRESS EUROPE (2018) Presentado sobre una catenaria, al igual que se suelen presentar diferentes avisos de advertencia en espacios expositivos, este vídeo está realizado con found footage de vídeos promocionales de empresas que hacen de la “seguridad” su (gran) negocio. Todas estas empresas son financiadas por la Unión Europea (Frontex) para realizar productos relacionados con la securización de las fronteras externas europeas. Este vídeo-poema es un collage de los textos que aparecen en esos vídeos y que, gracias a su reorganización, re-escriben el mensaje que se esconde detrás de la industria de seguridad y las ideas delirantes que usan como estrategias de márketing.

Fortress Europe Vídeo - 04:04 min Catenaria 128 x 31 x 36 cm Link vídeo: https://vimeo.com/266694454

Fotogramas del vĂdeo https://vimeo.com/266694454

Fortress Europe 2018 Catenarias, pintura textil 97 x 300 x 36 cm

A BUSINESS MODEL A business model es una serie de fotografías de negocios, que se llaman Europa. Las fotografías se tomaron en Málaga.

A business model 2018 Fotografía sobre dibond 20 x 25,5 cm

YONE ESTIVARIZ Fotógrafa, desde el día en que mirar pasó de ser un acto inconsciente a consciente. Pasé a observar los detalles que componen una escena e integrar la luz como fiel compañera de viaje. Del 2008 al 2011 comencé mis estudios de fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria y en ID-Arte. En el 2009 fui una de las ganadoras del concurso de fotografía Gaste klik. De ahí, marché unos cientos de kilómetros más al sur, a Madrid, para formar parte de la plantilla de EFTI, donde tuve el placer de colaborar con Luis Malibán y Miguel Oriola entre otros. Tenía tantas ganas de volar lejos que acabé trabajando en la India, en Anantapur. Un lugar donde pude fotografiar la realidad de varias mujeres en diferentes hospitales, gracias a la Fundación Vicente Ferrer. Y comencé a contar historias, a través de fotografías. En 2011 llegué a Londres, donde realicé una formación en la escuela LSP. Comencé a trabajar de fotografa social, haciendo reportajes a familias, bodas… trabajo que continuó a día de hoy a través de mi sello Nimbo, lifestyle photography. Desde el 2018 trabajo también para la Fundación Vital y para la plataforma digital del ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz , siendo la encargada de realizar las fotografía. En 2019 fui seleccionada por Artgia para realizar una residencia artística de fotografía en el proyecto Nomadak, el trenico y a finales de ese mismo año, fui una de las ganadoras de la beca EMart. El proyecto seleccionado fue expuesto en 2020 en la galería ARTgia sorgune artetoa. Con varias exposiciones individuales y colectivas por diferentes lugares de Vitoria, Madrid, Tarazona y Londres, destaco exponer en el 2017 Metamorfosis en la Sala Amarica de Vitoria-Gasteiz y en 2018 en la Galería Blanca Soto Arte de Madrid a través del proyecto Aquí y Ahora.

EL ORDEN DEL CAOS Nos gusta el orden porque es predecible, estable, inmutable. Por eso intentamos imponerlo, ya sea en nuestra habitación como en el gobierno de una nación. Pero es una batalla perdida, pues la naturaleza es cambiante, inestable e impredecible. Irritados, la describimos como caótica solo porque no la podemos entender.

Sin el caos no existiría el orden

Nos gusta el orden porque es predecible, estable, inmutable. Por eso intentamos imponerlo, ya sea en nuestra habitaciรณn o en el gobierno de una naciรณn. Pero es una batalla perdida, la naturaleza es cambiante, inestable e impredecible. Irritados, la describimos como caรณtica, solo porque no podemos controlarla.

REBAÑO Cartón pluma Los girasoles están destinados a seguir la luz del brillante astro. Nosotros, los humanos, no somos mucho más libres, programados para seguir los sucedáneos de esa luz natural o artificial que nos muestra “el camino” a través de brillantes mentes o iluminación divina. Como un rebaño que sigue la mano que le da de comer. Pero cuidado, primero rebaño, después jauría.

ESMERALDA GÓMEZ Desarrollo mi práctica artística en las ciudades que recorro y habito, prestando atención a la especificidad de su contexto urbano. Procuro interrumpir el hábito en el habitar y el automatismo en el recorrido. A través de una práctica transdisciplinar, analizo el campo de relaciones posibles entre cuerpos y espacios urbanos y trato de ampliarlo. Caminar, como una acción cotidiana que puede convertirse en herramienta política y estética, es una estrategia clave en dicho propósito, en tanto permite nuevas formas de experimentar el fenómeno urbano y difuminar fronteras materiales o simbólicas existentes en la ciudad.

URBAN TRACES CONTRA EL MURO Berlín, 2017. Acción en el espacio público, con vídeo y 9 postales.

El proyecto comienza a partir de una colección comercial de postales de la RDA titulada Hinter der Mauer (detrás del Muro) encontrada en un Flohmarkt en Berlín. Muchos de los lugares representados en las postales han sido desplazados, han desaparecido o se ha abandonado su conservación como consecuencia de una pérdida de legitimidad política. El desplazamiento lingüístico detrás-contra dio pie a una acción en distintas localizaciones del Muro el 13 de agosto de 2017, aniversario de su construcción. La acción fue documentada en vídeo en tres escenarios: Bornholmer, Bernauer y Warschauer Strasse. Vídeo: https://vimeo.com/240491110

Ernst -Thälmann Park, 2017, Postal erosionada, 10 x 15 cm

Brandenburger Tor

Palast der Republik

2017 Postal erosionada 10 x 15 cm

Fotogramas del vĂdeo Contra el Muro 2017 VĂdeo - 28 min

NO RAIN. NO WORK. (A PUDDLE) Dundee (Escocial) 2016. Proyecto de investigación site-specific. El proyecto No rain. No work. fue desarrollado durante una estancia académica en el Duncan of Jordanstone College of Art and Design bajo la tutoría del artista Scott Myles. Es una propuesta site-specific con un enfoque transdisciplinar que incluye fotografías, vídeos, acciones en el espacio público y un libro de artista. A Puddle sigue unas instrucciones mínimas: secar un charco con hojas de papel y hacer un libro con ellas. Las páginas del libro materializan una reflexión sobre la presencia, la ausencia y la huella en la ciudad. En la portada aparecen las coordenadas del charco antes de su transformación a formato libro.

Vista de la instalación, 2016.

Documentaciรณn del proceso.

A Puddle 2016 Libro de artista 20 x 26 cm

TWO YELLOW LINES Dundee (Escocia) 2016. Acción el espacio público y documentación en vídeo. Caminé por las calles de la ciudad siguiendo las dos líneas amarillas pintadas en el borde de la calzada hasta que estas llegaran a su fin por alguna razón. Los seguimientos fueron documentados en fotografía o en vídeo. Con estas derivas condicionadas interrogo los difusos límites entre espacios peatonales y aquellos diseñados para el tráfico motorizado.

Fotograma del vídeo Two Yellow Lines, 2016. Vídeo con sonido, 58’’.

MARIO GUTIÉRREZ CRU Artista, curador de arte y docente desde el 2000. Su obra se ha podido ver en exposiciones, festivales y encuentros de performance en España, Francia, Portugal, Holanda, Italia, Austria, Bélgica, México, Perú, Brasil, Cuba, República Dominicana, Eslovenia, Marruecos. El proyecto presentado a esta convocatoria, a pesar de ser un trabajo procesual que podrá tener alteraciones, parte de un lenguaje, de una estética muy clara, sencilla y limpia. Se grabará con cámaras profesionales de vídeo que permitan una grabación en máxima calidad. Con un buen micrófono y grabadora para poder capturar todos los pequeños detalles de estas activaciones de espacios donde serán grabadas estas acciones. La estética será, como decía, muy estoica; en principio un sólo punto de vista fijo, grabado con trípode. Aunque no se descarta hacer pruebas con varias cámaras, desde varias tomas y con distintas posiciones y formatos como pueden ser vertical, horizontal, multicámara que permita videoinstalaciones para cada uno de los espacios intervenidos. Por lo tanto será una pieza totalmente site specific para la propia galería, aunque basada en otras similares como dejo en este ejemplo realizado en el espacio ABM Confecciones. https://www.youtube.com/watch?v=Z3K81az-0X4

Hundidos

CORTINA DE HUMO Francis Alÿs aludía al carácter que lo poético puede tener de político y viceversa. El proyecto se centra en la investigación de conceptos relacionados con la revolución, la memoria y el vacío. Este proceso fue iniciado en Atenas durante la pasada Documenta. La idea era sencilla, consistía en una intervención espacial, visual, sonora, olfativa de muy corta duración, al igual que corto es el tiempo de la mayoría de los movimientos revolucionarios. Unos gobiernos son sustituidos por otros, pero su memoria permanece en las personas, los objetos y la documentación que de ellos se ha desprendido. Las primeras acciones fueron realizadas con bombas de humo blanco que inundaban el propio espacio expositivo. Conseguían crear la ilusión de hacerlo desaparecer al igual que ocurre con los lugares de contienda, mutando el espacio artístico a uno de iguales características: un invisible espacio de contienda. Quizás un espacio de arte debería ser precisamente esto: un espacio para afrontar los conflictos. La propuesta es en una acción similar a la anterior, cuyo fin es generar una ceguera momentánea con bombas de humo o con humo de teatro. Esta acción será documentada en vídeo y se presentará mediante proyección o monitor vertical en la propia sala para crear otra ilusión, la sensación de adentrarse y compartir un estado de vigilia, de no visión, de introspección. La única impronta de todo el proceso será la fílmica, así como los cercos del impacto de la pólvora en torno a los botes de humo y el olor, que quedará impregnado en los soportes de los botes y en la propias estancias. Se trata de un proyecto en proceso de Mario Gutiérrez Cru perteneciente a otro mayor - el estado de la nación - en que se han realizado varias piezas que planteaban cuestionamientos del papel del individuo en la sociedad y de la autoridad política, judicial, estatal como único órgano de poder. Mediante instalaciones, intervenciones, acciones, videoinstalaciones... todas ellas creadas casi site specific para los lugares que acogían la pieza (galerías, espacios independientes, festivales y espacios en desuso). Este trabajo parte de varios conceptos con los que el artista lleva tiempo investigando como son: “humo”, “cortina de humo”, “vender humo”, “memoria”, “vacío” o “revolución” para adentrarse en ese estado de ceguera, de invisibilidad que permite ciertos movimientos sin ser percibidos, trabajar con los límites de la legalidad o más bien con la alegalidad, en ese vacío en donde es posible alterar este mundo en el que nos situamos mediante una transformación, un empoderamiento social o una pequeña revolución personal. Interactuar, cambiar nuestro presente, partiendo de nuestra memoria reciente.

CONCEPTOS Humo Suspensión en el aire de pequeñas partículas sólidas que resultan de la combustión incompleta de un combustible. El tamaño de estas partículas oscila entre 0,005 y 0,01 μm. Es un subproducto no deseado de la combustión, producido en fogatas, brasas, motores de gasolina y diésel. Cuando una combustión es correcta y completa, los únicos subproductos son agua, dióxido de carbono y compuestos de diversos elementos. La inhalación del humo es la causa primaria de asfixia y muerte en las víctimas de los incendios. El humo mata por intoxicación debido a sus componentes tóxicos, como el monóxido de carbono y las pequeñas partículas sólidas que taponan los alveolos pulmonares y asfixian a la víctima. El humo puede contener varias partículas carcinógenas y provocar cáncer después de largo tiempo. Por eso se recomienda no usar estufas o calderas dentro de hogares, ya que pueden tener alguna rasgadura. Puede ser peligroso y riesgo de asfixia.

Cortina de humo 1. Una cortina de humo conjunto de hechos o circunstancias con los que se pretende ocultar las verdaderas intenciones o desviar la atención de los demás. Todo aquello que sirva para evitar que la gente sepa o vea lo importante, constituye una cortina de humo. 2. La cortina de humo es un tipo de distracción para encubrir una acción. De esa manera se disimula la verdad en forma intencional. Las cortinas de humo están diseñadas para engañar, confundir o distraer a los demás. 3. Estas técnicas son muy empleadas por gobiernos, medios de información y grandes empresas. 4. Como se consigna en el origen de la palabra, proviene de una antigua táctica militar que consistía en generar humo para que el enemigo no pudiera ver. 5. Ejemplo de uso en contexto: “Un participante acusa al Estado español de fomentar la repatriación de inmigrantes y de utilizar el tema migración como «cortina de humo» para desviar la atención de la población de otros temas.” - Migración e interculturalidad en Gran Bretaña, España y Alemania - pág. 289, Úrsula Birsl, Carlota Solé, Renate Bitzan - 2004. 6. Otro ejemplo de uso: “El político calificó ayer como una cortina de humo y un circo mediático la denuncia”. 7. Origen de la palabra: (hace referencia a la táctica militar que consiste en crear humo -literalmente- para impedir que el enemigo pueda ver sus propios movimientos).

Vender Humo Para la población en general, el que “vende humo” es aquel que, basándose en sus dotes verbales y en algunos trucos no muy creíbles, se exhibe ante los demás queriendo demostrar lo que realmente no sabe o no posee. El “vendedor de humo es esa persona que hace alarde de conocimientos, talentos, experiencias o riquezas que no puede constatar, razón por la cual es alguien al que no se le debe prestar atención o, al menos, no se le debe creer. Al decir que “se vende humo” se está queriendo expresar que se ofrece un producto de escaso o nulo valor. Vender humo es una expresión que se utiliza para caracterizar a aquellas personas que no demuestran sus dichos con sus actos o quienes proponen ciertas cosas que luego no son capaces de cumplir. Últimamente se ha puesto de moda esta frase en el ámbito del fútbol para describir a jugadores o directores técnicos como que hablan mucho y hacen poco. También puede utilizarse muchas veces para el misticismo, ya que lo escépticos que no creen en estos dichos catalogan de esa manera a quienes hablan, creen o fomentan lo paranormal.

Memoria 1. f. Facultad psíquica por medio de la cual se retiene y recuerda el pasado. 2. f. Recuerdo que se hace o aviso que se da de algo pasado. 3. f. Exposición de hechos, datos o motivos referentes a determinado asunto. 4. f. Estudio, o disertación escrita, sobre alguna materia. 5. f. Relación de gastos hechos en una dependencia o negociado, o apuntamiento de otras cosas, como una especie de inventario sin formalidad. 6. f. Monumento para recuerdo o gloria de algo. 7. f. Obra pía o aniversario que instituye o funda alguien y en que se conserva su memoria. 8. f. Fil. En la filosofía escolástica, una de las potencias del alma. 9. f. Inform. Dispositivo físico, generalmente electrónico, en el que se almacenan datos e instrucciones para recuperarlos y utilizarlos posteriormente. 10. f. pl. Relación de recuerdos y datos personales de la vida de quien la escribe. 11. f. pl. Relación de algunos acaecimientos particulares, que se escriben para ilustrar la historia. 12. f. pl. Libro, cuaderno o papel en que se apunta algo para tenerlo presente. 13. f. pl. Saludo o recado cortés o afectuoso a un ausente, por escrito o por medio de tercera persona. 14. f. pl. Dos o más anillos que se traen y ponen de recuerdo y aviso para la ejecución de algo, soltando uno de ellos para que cuelgue del dedo.

Vacío 1. adj. Falto de contenido físico o mental. 2. adj. Dicho de la hembra del ganado: Que no está preñada. 3. adj. Dicho de un sitio: Que está con menos gente de la que puede concurrir a él. 4. adj. Hueco, o falto de la solidez correspondiente. 5. adj. vano (‖ arrogante, presuntuoso). 6. adj. p. us. Vano, sin fruto, malogrado. 7. adj. p. us. Ocioso, o sin la ocupación o ejercicio que pudiera o debiera tener. 8. m. Concavidad o hueco de algunas cosas. 9. m. Cavidad entre las costillas falsas y los huecos de las caderas. 10. m. Abismo, precipicio o altura considerable. 11. m. Movimiento de la danza española, que se hace levantando un pie con violencia y bajándolo después naturalmente. 12. m. Falta, carencia o ausencia de alguna cosa o persona que se echa de menos. 13. m. Fís. Espacio carente de materia. 14. m. desus. vacante (‖ cargo o empleo sin proveer).

Otras piezas de la misma serie

CAĂ?DOS

REVOLUCIÓN Una revolución (del latín revolutio, "una vuelta") es un cambio social fundamental en la estructura de poder o la organización que toma lugar en un periodo relativamente corto o largo dependiendo la estructura de la misma. Aristóteles describía dos tipos de revoluciones políticas: 1. Cambio completo desde una constitución a otra. 2. Modificación desde una constitución existente. Los expertos aún debaten qué puede constituir una revolución y qué no. Estudios sobre revoluciones suelen analizar los eventos en la Historia de Occidente desde una perspectiva psicológica, pero también más análisis incluyen eventos globales e incorporar puntos de vista de las ciencias sociales, incluyendo la sociología y las ciencias políticas. Sus orígenes pueden tener motivos de diversa índole, un cambio tecnológico, un cambio social o un nuevo paradigma basta para que una sociedad cambie radicalmente su estructura y gobierno. Las revoluciones pueden ser pacíficas aunque en general implican violencia, al enfrentarse grupos conservadores con el anterior régimen y aquellos que aspiran al cambio, o incluso entre los que aspiran a un nuevo sistema, varias facciones enfrentadas. En la actualidad las revoluciones son consideradas los puntos de inflexión de la historia, de los que parten la mayoría de sistemas políticos y sociales actuales. Revoluciones decisivas en la historia mundial serían Revolución de las Trece Colonias, la Revolución francesa, las revoluciones independentistas de Latinoamérica o la Revolución de Octubre. En la historiografía se habla generalmente de tres tipos de revoluciones: Revolución política, Revolución social, Revolución económica. Sin embargo, también existen otros tipos como: Revolución científica, Revolución tecnológica, Revolución Industrial.

APUNTALADOS

ELENA JIMÉNEZ Arte múltiple, Arte público, Violencia y sociedad y consumo, Instalaciones específicas arte postfeminista, Collage; Arte y vida, Mapeado y Archivo; Arte y sentimientos: Síndrome, y obsesiones, Coleccionismo El proyecto “no puedo decir que no he roto un plato” habla sobre la identidad y representación. Reflexionando sobre la individualidad a partir de elementos que conforman un entorno urbano domesticado. Las imágenes intervenidas sobre las que trabajo se realizaron con material impreso reutilizado de espacios culturales. El material impreso al ser intervenido, modifica su información real por la interrelación de sus mensajes y las sinergias cinematografías o literarias que se desprenden de la narración. El proyecto que presento es parte de una instalación de piezas de cerámica estampadas por procedimientos calcográficos, impresión serigráfica y procesos de transferencias sobre cerámica.. Características de resistencias físicas y distintos grados de fragilidad, pero con la capacidad de ser fragmentadas por un golpe, una caída, martillazos u otro tipo de agresión, fragmentos que Ilustran la tensión de la rotura, residuos tras una pelea, un desahogo sentimental o una frustración, el paisaje de la ruina, de la arquitectura caída. Huir de la línea marcada del yo no he roto un plato, es decir no tengo la culpa, yo no he sido, no me he equivocado yo estoy dentro de los parámetros de lo que se espera como correcto.

no puedo decir que no he roto un plato Cerámica (piezas montadas en pared)

Huir de la línea marcada del yo no he roto un plato, es decir no tengo la culpa, yo no he sido, yo estoy dentro de los parámetros de lo que se espera de mí.

En los últimos años mi obra reflexiona, sobre representación e identidad, creando un discurso para mostrar una visión personal del dialogo entre la naturaleza y el hombre. Ayudada por el uso fronterizo de procesos multidisciplinares, investigación sobre procesos de reproducción y serializacion, buscando no perder la capacidad “áurica” de la obra única. Empleo en la creación de mi obra diversos procedimientos/procesos, la instalación, obra gráfica, fotografía o pintura, habitualmente mediante proyectos específicos tanto urbanos como dentro de la salas exposiciones Trabajos en un contexto fronterizo, simultaneando abstracción y representación, serialización y repetición, conformando estratos de planos, como si un campo de arqueología de imágenes pudiésemos convertir la obra. Imágenes de referencia figurativa que toman forma y apariencia mediante la apropiación de iconografía clásica y contemporánea a modo de ilustración sociológica. Proyectos que predisponga al espectador al viaje de la mano de la curiosidad. Creando desde el análisis de la subjetividad en el campo de visión y el desarrollo tecnológico contemporáneo una metáfora sobre la violencia física y cultural. En estos viajes los espectadores, se aventuran a los cambios de su entorno y lo subjetivo. La mirada, el dominio de lo visual, el juego de la representación, son medios de creación de nuevos espacios y descripción de nuevas situaciones capaces de cambiar la realidad.

IMÁGENES INSTALACIÓN CERAMICAS PATCHWORK

PATCHWORK PAPERS, PAPEL, RETRATO DE UNA CULTURA “Bueno, me atraen los objetos abandonados, por eso trato de rescatarlos cada vez que me es posible” Rauschenberg El proyecto esta inscrito en el marco de la investigación sobre obra grafica contemporánea y técnicas de reproducción de imágenes. Un trabajo con pretensión nómada, pretende estudiar la cultura local y reutilizar su imaginería. Este proyecto habla sobre la precariedad vinculada a la creación contemporánea y doblemente, sobre el posapropiacionismo, al sustraer imágenes y diseños creadas por otros, en el soporte utilizado y en la iconografía clásica de las imágenes impresas. Patchwork es un work in progress en forma de labor de retales, un proyecto interdisciplinar que pretende ser un retrato de la ciudad que trascienda las convenciones de la actividad expositiva. entendiendo el entorno urbano como hábitat natural de la cultura. Con un formato de grafica expandida, fusiona, impresiones serigrafías y digitales sobre soportes rígidos grabado, fotografía, offset, transferencias y troquelado; las piezas forman un mural, como paredes callejeras, pensado para exponer es espacios cerrados. En este proyecto la obra se realiza con material impreso reutilizado de espacios culturales para publicitar sus convocatorias y exposiciones. Sobre estos soportes se interviene mediante Impresiones gráficas como la serigrafía xilografía e impresiones digitales. Instaladas junto a piezas bajorrelieves recortadas. Este proyecto tiene una similitud con el sistema de las muñecas rusas pero invertido, una imagen pequeña se encuentra en el interior de la siguiente, modificando su lenguaje y resultado, da paso al siguiente, hasta llegar al proyecto definitivo. Patchwork esta relacionada en nuestro imaginario, con un trabajo muy concreto, colchas o edredones, y otros elementos del ámbito de lo domestico, con el trabajo, que intenta reutilizar, reciclar el retal. Los retales son trapos con historia, alguna vez han sido otra cosa, un vestido, un chaleco, cualquier prenda familiar, y por ello cada labor de patchwork es un retrato de la casa a que pertenece. El trabajo sobre papel, el ensamblaje, el dibujo, la grafica son recursos, utilizados mayormente por mujeres vinculadas o no al arte de género o al feminista, que creaban a partir de retales o con materiales accesibles o personales. Un proyecto de creación y experimentación sobre obra serida que habla sobre identidad y representación y que reflexiona sobre la individualidad, a partir de elementos que conforman un entorno urbano domesticado. El desarrollo comienza, con un estudio la cultura visual y modos de producción para seleccionar los temas que más interesen, buscando un espíritu crítico o lúdico, teniendo en cuenta el carácter portátil que tiene esta propuesta. En el proceso de representación se interviene en diferentes entornos, con publicaciones recogidas en instituciones públicas, culturales, con una estética y un acabado representativos de la cultura impresa local; seleccionadas tanto por el tipo y calidad del papel, tipografía, diseño, tintas, colores, como por su contenido. Las obras se instalan en la ciudad, tanto en espacios públicos y privados como urbanos, y se documentan estas intervenciones con un trabajo fotográfico. Finalizadas estas acciones, Las fotografías se imprimen en diversos formatos y materiales se realizo una muestra con las fotografías y el resto de las obras impresos en el papel original y los troqueles de las figuras representadas.

Los métodos y procedimientos empleados para alcanzar los objetivos de este proyecto es plural y abre las posibilidades de interpretar las imágenes utilizadas. El troquelado es una técnica de producción digital, tanto de obra seriada gráfica como escultórica que permite el aprovechamiento de los espacios internos y externos que forman las piezas. Las piezas de obra se monta mediante espetones a la pared, las realizadas de material rígido recortado junto a las de papel. Este sistema de montaje abre las posibilidades de adaptar el proyecto Patchwork al espacio expositivo, permitiendo mayor libertad en la relación del artista con el espacio. El uso de herramientas de dibujo, como la representación grafica, la perspectiva, la redefinición de la escala, son medios de creación de nuevos espacios, planos superpuestos que dan sensación de movimiento y el uso de diferentes técnicas como estampación, serigrafía, impresión digital, collage, Intervenciones directas, produce una forma nueva con reminiscencias constantes a sus orígenes, el arte americano de los 60 y el arte urbano experimental Labor de retales. El proyecto Patchwork, nació durante una estancia en Nueva york en 2008 en Lower East Side Workshop Prinmaker que me concedió un open accest a sus instalaciones para realizarlo. En 2009 el proyecto continua en el taller London Print Studio en Londres y 2010 en las instalaciones de impresión Letterprest en el espacio Kulturwerk Bethanien de Berlin. En este proyecto se consume iconografía local imágenes y cultura y la ciudad un gran espacio expositivo. Patchwork se relaciona con trabajos realizados anteriormente: Memoria de un carpintería (1995), proyecto en el que el pone se retrata un espacio familiar abandonado, usando objetos allí encontrados y otros como muestras de aguas de los mares del mundo (1996-2000), donde coleccionar fragmentos geográficos y Rosal de Narciso (2001-2004) que reflexiona sobre, las dinámicas de poder, la identidad individual y colectiva. Un retrato a través de los objetos cotidianos de la ciudad. Una obra por la que se transita, son éstas las que debemos explorar como si fueran parajes desconocidos., invitando al encuentro de los detalles impresos. El trabajo se convierte en un puzzle, un mapa, el que se introduce el espectador a reflexionar sobre la relación entre individuos y sociedad. Nuevos caminos para relacionarse con lo real y de redefinir su uso del lenguaje, abriéndose a temas sociológicos o metáforas narrativas y paisajes de la vida cotidiana. En todas ellas que se ofrece como tema, en una reflexión sobre la subjetividad contemporánea, una composición cercana dando inicio a un trabajo donde se cuestiona la autoría y otros conceptos clave de la historia del arte contemporáneo. Imprentas, trabajos gráficos de artistas, impresores y escritores que confluyen aquí por el carácter personal de sus creadores, adscritos corrientes culturales y que elaboraran una renovación estética de la creación en papel. Esta búsqueda se concibe como un retrato donde se alude a la idea como impulso de la creación y a través de la exposición se cuestionan prácticas artísticas Este largo recorrido por su creación plástica presenta medios de expresión clásicos como la pintura y el dibujo, pero también se observan cambios en su técnica abriendo nuevas vías como lo en algunas de sus últimas exposiciones que se incluyen en este dossier: Papers of NY, Paper from London. donde combina herramientas digitales bajo un contenido lleno de alusiones al clasicismo haciendo referencias a la historia del arte.

COLOR Y MEDIDAS VARIABLES Patchwork CMYK

IRMA MARCO En mi trabajo parto de elementos pre-existentes (sonidos, imágenes, discursos o contextos particulares). Creo nuevos contenidos sobre materiales que ya tienen un pasado, una presencia. Durante el proceso se generan nuevos significados que ponen en cuestión el concepto de sentido original. Me interesa la pluralidad con que se narran y se registran los acontecimientos. Me atraen los espacios, los colectivos y las ideas no hegemónicas, así como la manera en que sus discursos pueden cuestionar lo establecido. Confío en el ruido, el apropiacionismo, la colaboración y el intercambio como estrategias combinadas que abren un espacio de posibilidad y nuevos pliegues desde los que significarse. Enfoco mis proyectos con una perspectiva site-specific. Utilizo el contexto como cuestión fundamental para definir procesos y resultados. Mi práctica se mueve entre la experimentación sonora, la instalación, las acciones e intervenciones en el espacio y el objeto editorial entre otros.

ELSEWHERE Estandarte para una nación contemporánea Todo empieza con una nota en el móvil, un post-it digital, versión aséptica de la clásica anotación con bolígrafo sobre el dorso de la mano -¿Qué llevas ahí escrito? Como decía, versión aséptica y callada de un proceso que posteriormente desemboca en el limpio resultado de algo, o tal vez no. En algún lugar he visto esta palabra. Término anglosajón que en castellano se traduce como “en otra parte”. Empiezo a relacionarla con mi práctica artística, con mis intereses e incluso posicionamientos políticos. Pienso en que, de un modo u otro, siempre creo estar en otro lugar, en otra posición de la que se espera, fuera de foco, en la habitación de al lado... Internet y la vida en las pantallas pueden ser un buen ejemplo de ese (otro) lugar, también lo son los espacios no hegemónicos, eso a lo que nos gusta llamar underground. Y entonces, ¿por qué no jugar a inventar una bandera, un estandarte para ese lugar en el que una puede temporalmente sentirse representada? ¿Y si la identidad es el resultado de un juego de contrastes donde el sentido no está en la cosa sino en su diferencia con respecto a lo otro?

ELSEWHERE, 2018, Tela y varillas de madera, 65 x 65 cm

ESTANDARTE PARA UNA NACIÓN CONTEMPORÁNEA Pieza basada en dos premisas: La hiperubicuidad de las pantallas en la vida cotidiana, que hace que los espacios virtuales se conviertan cada vez más en el lugar de nuestra identificación, y la reivindicación de los márgenes como espacio donde ser y significarse. Memes, avatares y virtualidad co-existen en lugares físicos (barrio-ciudad-país-mundo), en los que nuestros cuerpos (aún) habitan. Elsewhere, aquello que queda fuera de foco, lo que sucede en la habitación de al lado, sería ese lugar que, sin ser tangible, nos representa e identifica cada vez más.

DELETE PROFILE Instalación y Performance con Toni Jodar y Francesc Bravo Audio, uniformes, intervención mural y acción Barcelona 2018

Instalación + performance especulativa sobre el uso de redes sociales digitales y el impacto socioemocional en sus usuarios. Utiliza el propio lenguaje de los medios y la voz de diversos usuarios para mostrar la saturación de mensajes e imperativos con la que convivimos actualmente. A la vez, propone un futuro alternativo a esta situación, en el que los códigos y los imaginarios colectivos no estén reducidos a un catálogo de expresiones y comportamientos dictados de manera mediada por intereses específicos. Fragmento de la performance: https://youtu.be/CE68seJohVc

DELETE PROFILE Instalaciรณn y Performance con Toni Jodar y Francesc Bravo Audio, uniformes, intervenciรณn mural y acciรณn Barcelona 2018

EL VACÍO Instalación - Caucho, cinta americana y audio Barcelona, 2018 Instalación basada en una canción del mítico grupo de los 80 “Los Iniciados”. Tras una investigación sobre esta banda, cuyos miembros actuaban siempre ocultando su identidad, consigo localizar a uno de ellos. Establezco un hilo de conversación con él, que posteriormente y de manera cifrada, será incluido en la versión musical que realizo de la canción original. Audio: https://soundcloud.com/irmaeme/copia-oculta-el-vacio

XTA (XARXA TEMPORALMENT AUTÒNOMA) Instalación Vídeo, audio, intervención mural y publicaciones Girona 2018 Proyecto producido en colaboración con alumnos de 1º de bachillerato, centrado en la construcción de identidades a través de las redes sociales y las nuevas tecnologías. Se opera desde la reflexión, pero también desde la espontaneidad y desde aquello más lúdico, para crear un espacio construido en función de la voluntad de sus usuarios y no de las imposiciones del mercado o los mecanismos de control. En sintonía con la TAZ de Hakim Bey, llevada a nuestras realidades digitales contemporáneas, nos proponemos construir nuestra propia red social, una red temporalmente autónoma. A través de la unión de diferentes perspectivas, construimos un relato sin autor definido, hablando a la vez de todos y de nadie en particular.

OBSOLESCENCIA HUMANA Intervención mural - Cinta americana e imán Sabadell, 2017 Intervención mural que forma parte del proyecto Will you miss me when I’m gone? Yes-No. En este, se hace un análisis libre de cuestiones vinculadas a la tecnología y a la vida útil de los formatos, conectando ideas que tienen que ver con la evolución del cuerpo humano y su propia finitud. Con ello se argumenta que cualquier medio de producción, en tanto que dirigido por personas o dispositivos en constante cambio, será eventualmente transformado para dar paso a algo diferente 63

GORDON MATTA-CLARK (ARTISTA INVITADO) Gordon Matta-Clark, el ‘anarquitecto’ que destruía edificios

El artista neoyorquino creaba a partir de la destrucción cortando casas o abriendo huecos en bloques a punto de ser derribados. Murió en 1978, pero su obra está más vigente que nunca. A principios de los años setenta Manhattan no era un lugar glamuroso. Una fuerte crisis urbana azotaba la ciudad debido a los desajustes financieros y la desindustrialización; según en qué zonas, brotaba el abandono, las ruinas, la suciedad, el crimen, las bandas juveniles. En aquellos años la ciudad llegó a pedir un rescate al gobierno federal, pero el presidente Gerald Ford la mandó, en principio, a paseo, como reflejó el célebre titular del Daily news (Ford to the city: drop dead). En este contexto sucedía la obra del joven artista Gordon Matta-Clark. “Gordon se veía a sí mismo como un alquimista que transformaba la basura de la ciudad en algo más”, en palabras de su viuda Jane Crawford. Nacido en 1943, fue un artista hijo de artistas: su padre, con el que tuvo una relación problemática por su ausencia como figura paterna, era el pintor surrealista chileno Roberto Matta. Su madre, la artista estadounidense Anne Clark. Una fuerte influencia fue otro artista, Marcel Duchamp, amigo de su padre y de cuya mujer era ahijado. “Gordon vio durante toda su infancia a su padre y a Duchamp hacer travesuras y dijo: “yo quiero ser como ellos, quiero ser un artista”, según el relato de Crawford. Sus obras más célebres son los cuttings: cortes realizados en los edificios, como franjas interdimensionales que abren la posibilidad de nuevos espacios, nuevas perspectivas, nuevos significados y mucho asombro. Son cortes a mano, con sierra o cincel, donde se involucra el propio cuerpo del artista. No está claro si construye o si destruye, si agujerea la materia o esculpe la luz. Por ejemplo, Splitting (1974) es el corte de una vivienda en un barrio negro de Nueva York, un edificio no monumental, que estaba siendo demolido y que el artista partió en dos partes por la mitad. Desde fuera tenía un aspecto insólito y al transitar por el interior proporcionaba nuevos juegos de luces e impresiones: ahora solo se puede pasear por el interior de las obras de Matta-Clark a través de los videos experimentales que realizó. “Se le suele conocer como el artista que cortaba edificios, pero es una visión simplista”, explica Harold Berg, coleccionista (y fanático) de Matta-Clark. “Hay que mirarle como alguien que está abriendo espacios, visiones, contextos que antes no existían. Y que teníamos miedo a explorar”. El coleccionista ha cedido piezas de su colección a museos como el Macba de Barcelona o el Whitney de Nueva York (que, por cierto, trabaja con el artista David Hammon en un proyecto de “monumento fantasma” a la figura de Matta-Clark cerca de sus instalaciones). Berg aprecia la versatilidad a la hora de mezclar disciplinas (lo arquitectónico y lo performático, el audiovisual y el texto, la fotografía y el dibujo) o a la hora de colaborar con otros artistas como la coreógrafa Trisha Brown o el director teatral Bob Wilson.

Vídeo Conical intersect, intervención de 1975. https://www.youtube.com/watch?v=W8_laap8y5c&feature=emb_logo&ab_channel=PublicDelivery Otro ejemplo de esos espacios descubiertos es la excavación de un hueco cónico en un edificio de París (Conical intersect, 1975) que estaba a punto de ser demolido, en el solar donde ahora se asienta el centro cultural Pompidou. En los videos de la época se ve a los transeúntes parisinos alucinados ante la acción de aquellos señores que, sierra en mano, horadaban de forma inverosímil la mole arquitectónica. “Es una experiencia muy física. Cuando nos ves quitar una esquina de un edificio hay resoplidos, escalada y pequeñas acrobacias. Además, pasamos semanas enteras con herramientas en las manos, como una extensión de nuestro propio cuerpo. Es como una performance con casco de obra, produciendo una brutalidad de línea clara”, según dijo el propio artista en una entrevista recogida en el catálogo Collecting Matta-Clark, de una exposición de la colección de Berg en la Accademia Nazionale di San Luca, en Roma. Desde dentro del edificio, las fotografías muestran un mundo lisérgico y escheriano donde los diferentes espacios de los apartamentos y de la calle se suceden como en un milhojas raro. “El voyeurismo y los juegos del lenguaje son muy evidentes en la obra de Matta-Clark, probablemente de inspiración duchampiana, y también el compromiso político habitual en los artistas chilenos de la época”, explica la crítica Gloria Moure, que comisarió la exposición de Matta Clark en el Museo Reina Sofía en 2006 y ha realizado estudios sobre el artista, como el libro Gordon Matta-Clark. Obras y escritos (Ediciones Polígrafa). “Además, es un artista que utiliza el espacio en un momento de cambios paradigmáticos en la cultura occidental: hay una generación de artistas que entienden el arte como algo espacial, ya no está en el cuadro bidimensional”, añade la comisaria. Matta-Clark se fue en 1962 a París, donde estudió literatura francesa en la Sorbona y entró en contacto con las corrientes filosóficas y artísticas del momento, aunque la capitalidad mundial del arte estaba pasando en aquella época de París a Nueva York. Hay quien ve en su obra una impronta situacionista, su intervención en los edificios como un détournement de los que practicaban Guy Debord y sus secuaces; además de la influencia de la deconstrucción de Jacques Derrida. Un vídeo introductorio de la muestra Anarchitecte en Jeu de Paume, París (2018) https://www.youtube.com/watch?v=uH0RQuidVUM&feature=emb_logo&ab_channel=JeudePaume Cuando regresó a Nueva York, Matta-Clark estudia arquitectura en Cornell, entra en contacto con el Land Art (otra posible influencia) y se convierte en uno de esos artistas exploradores y pioneros urbanos que se adentraron y afincaron en la degradada zona del SoHo, llena de talleres y almacenes industriales abandonados donde los artistas, por lo general pobres, tenían espacio para crear y para vivir. “Los propietarios desesperados hacían tratos con los artistas desperados para alquilar aquellos lofts como estudios, y hacían la vista gorda si vivían allí de forma ilegal”, explica la bailarina Carol Gooden en el libro Collecting Matta-Clark.

Aquella era aún la auténtica bohemia artística, en la prehistoria de los procesos de gentrificación, cuando la palabra SoHo señalaba para el gran público un lugar del que huir más que una manera de designar los barrios cool de todo el planeta. No deja de ser paradójico que un artista comprometido con los problemas urbanos y arquitectónicos estuviera en los inicios de unos procesos de mercantilización y elitización de la ciudad que probablemente hubiera repudiado.

En 1971 Matta-Clark abrió en el SoHo, junto con Gooden y algunos de los que serían miembros del colectivo Anarquitecture (que viene de anarquía y arquitectura) el restaurante Food, que era más que un restaurante: allí cocinaban diferentes artistas, según el día, y se celebraban eventos y performances. De hecho, Matta-Clark se inició en la intervención de edificios a la hora de acondicionar este espacio para la actividad artística. Una muestra del ambiente que se respiraba se encuentra en el breve documental Food (1972), obra del propio artista. El documental Food (1972), de Gordon Matta-Clark. https://www.youtube.com/watch?v=WhB8riHoueA&feature=emb_logo&ab_channel=RootsRoutes Por ahí pasaban artistas como Robert Rauschenberg y Donald Judd, bailarinas como Trisha Brown o músicos como Phillip Glass o John Cage. Harold Berg recuerda visitar Food durante su infancia neoyorquina: “Era muy pequeño para enterarme muy bien qué era aquello y todavía no sabía quién era Matta-Clark, pero recuerdo el ambiente relajado, lo extraño de la comida, de la forma de servirla… Era una experiencia diferente a lo que estaba acostumbrado. Fuera, las calles estaban desiertas”. Matta-Clark y los anarquitectos estaban interesados en otros espacios. “Por ejemplo, los lugares donde te paras a atarte los cordones de los zapatos, lugares que solo suponen una interrupción en tus movimientos cotidianos”, según el propio artista. En este sentido, una de las obras más interesantes de Matta-Clark se titula Fake estates. El artista compró 15 terrenos pequeños e inútiles en el distrito neoyorquino de Queens: parcelas entre edificios, tierras baldías, espacios intersticiales de la ciudad, los lugares olvidados y sin uso que interesaban, precisamente, a los miembros de Anarquitecture. Como una constelación de la inutilidad urbana. “En esos lugares donde no se puede edificar, no se puede especular, que no le interesan a nadie, es donde puede brotar la libertad”, concluye Moure. Matta-Clark murió en 1978 de un cáncer de páncreas fulminante. Toda su vida y su obra solo habían durado 35 años. https://elpais.com/elpais/2020/09/28/icon_design/1601294292_724675.html

SOUS SOL DE PARÍS Cibachrome impreso de un fotograma de película. 60 x 50 cm. 23 ½” x 19 ½” pulgadas Firmado por Jane Crawford (su esposa), con el sello del Estado de Gordon Matta-Clark Numerado 4/25 ejemplares. 1977-1999

ALSIRA MONFORTE Pensar “Aquí y Ahora” manifiesta la literalidad de mi vida cotidiana en un contexto social que es difuso y significativamente tedioso. Mi trabajo ha tenido siempre un carácter autobiográfico, familiar, doméstico. Hablo del paso del tiempo de forma constante y quizás obsesiva. Así, los elementos con los que construyo y sigo construyendo, están marcados y definidos por ese paso del tiempo. Se revela aquí, subjetivamente, mi vida; en mis relaciones con los objetos o con las personas de mi entorno, mostrando un relato corriente y privado. Desde la perspectiva de una chica de veintiséis años que vive en una ciudad muy pequeña, con un contrato laboral de tres semanas en la campaña de Navidad de una gran franquicia envolviendo regalos y que, a su vez, cuando acaba la jornada, se emplea en modelar, dibujar y colorear, se construyen estas narraciones, aparentemente insustanciales, que en verdad encarnan muchas de las capas y complejidades de un ciclo existencial basado en el consumo, la frustración, la banalidad y el aburrimiento. En esta maraña de vida y creación me pregunto qué es el tiempo y cómo lo vivo. Hasta qué punto proyecto y vida están ligados.

Any Day 2018 Libro y bolsa, bordado con hilo rosa sobre terciopelo / Impresiรณn digital 15 x 23 cm

¿Qué se llama cuanto heriza nos? Se llama Lomismo que padece nombre nombre nombre nombreE. Soy una chica de 26 años, de la generación fantasma. Mi trabajo diario es, en gran medida, echar currículos a InfoJobs y ver LinkedIn, aún no he obtenido grandes resultados. Mi día a día es sencillo, me levanto, me hago el desayuno, hablo por teléfono con Miguel, desayuno, miro nuevas ofertas de empleo, aplico en algunas, me lavo lo dientes, me ducho, salgo a la calle, doy un paseo, tomo un café con mi madre, vuelvo a casa, hago la comida, como con mi abuela, descanso, leo un poco, voy a inglés, estoy una hora, regreso a casa, hago los deberes de inglés, veo mis candidaturas de empleo en el ordenador, no meriendo, dibujo o leo o modelo depende del día, hago la cena, veo la televisión, si es domingo veo MasterChef, de nuevo hablo por teléfono o Whatsapp con Miguel, me acuesto, leo Poirot y me duermo, así hasta al día siguiente.

Pensar “Aquí y Ahora” en mi caso manifiesta la literalidad de mi cotidianidad y de mi tiempo diario en un contexto social que es difuso y significativamente tedioso. Mi trabajo siempre ha tenido un carácter autobiográfico, familiar, doméstico. Hablo del paso del tiempo de forma constante y quizás obsesiva. Por eso, quiero reflejar tal cuestión, a modo de diario subjetivo, con un lenguaje mainstream, revelando mi rutina diaria, la cual esta mezclada casi de forma intrínseca, con el nuevo proyecto que estoy realizando. Su nombre es Lomismo*. Simplemente presento un cuaderno, donde se muestran una serie de archivos como selfies o retratos que me hacen amigos o familiares, mezclados con dibujos y textos que estoy realizando para Lomismo, así como cosas que me llaman la atención, puede ser una canción o una imagen que he visto en Instagram. De alguna forma, enseño un día aparentemente sencillo pero que encarna muchas capas y complejidades dentro de este ciclo existencial de consumo, frustración, banalidad y aburrimiento, todo esto, desde la perspectiva de una chica de 26 años que vive en una ciudad muy pequeña. Lo curioso, es que Lomismo, aunque va en paralelo, tiene un componente muy significativo a la hora de plantearme qué es el tiempo y cómo lo vivo: vida y proyecto están ligados. La composición es caótica y roza el absurdo. No tiene ningún sentido, es indiferente pero a la vez es un “todo” que exhibe lo vital y un proceso de creación que está en plena gestación y que tampoco se sabe a dónde va a llegar o qué finalidad va a tener. Es un limbo de situaciones de un día, como puede ser otro cualquiera o de cualquier otra persona. *Lomismo, pertenece a una estrofa del II poema del poemario Trilce de César Vallejo. El poema alude al aburrimiento y somnolencia de la tarde, sugiere gastar tiempo, beber tiempo, achicar tiempo. Sella la importancia del hombre condenado a sufrir larga y monótonamente algo que no entiende y que ni alcanza a nombrar. Lomismo es una locución pronominal que determina un nombre en el poema, pero no un nombre concreto sino uno neutro e indeterminado. Vallejo propone el tiempo como tedio, algo arrítmico, de desesperanza y muerte, de desarticulación e inestabilidad. El nombre es la profunda herida del tiempo en la realidad, todo lo que hiere se llama Lomismo, una identidad unitaria y banal que plantea al tiempo como una paradoja, la diversidad del tumultuoso devenir. Véase en VALLEJO, CÉSAR: Trilce, II (poema), Ediciones Cátedra, Madrid, 1991. 71

“DESVANES DE LA INFANCIA” pretende explorar la casa natal y su herencia familiar a través de la acumulación y el abandono del objeto. Se trabaja con el objeto antiguo, viejo, marginal; analizando su significado de tiempo que evoca un periodo, una esencia o un sujeto, convirtiéndose en un agente de memoria y portador de vivencias. Así, mediante la instalación se recrea una “escenografía de olvido” con el objetivo de activar recuerdos dormidos y extrayendo experiencias subjetivas del espacio doméstico.

S/T de la serie Desvanes de la infancia (2018) Impresión digital sobre papel, hilo sobre tela. Bandeja 22 x 40 cm. Marcos 5 x 6 cm. Cada uno.

S/T de la serie Desvanes de la infancia (2018). Cera natural e hilo sobre tela. 20 x 15 cm.

S/T de la serie Desvanes de la infancia (2018). Estopa, escayola y esmalte sintĂŠtico. Dimensiones variables.

S/T Serie Desvanes de la infancia 2018 Impresiรณn digital sobre tela. Dimensiones variables.

S/T Serie Desvanes de la infancia 2018 Hilo y tela sobre percha. 35 x 100 cm.

ACAYMO S. CUESTA Estamos condicionados por nuestro entorno, tanto a nivel familiar como social y, en especial el político. Y es que la historia y las vivencias forman/constituyen una parte activa muy importante en la construcción del individuo, ya que todo lo que nos rodea se presta a ser partícipe en una suerte de pulsiones que lo van construyendo o destruyendo. En este sentido y partiendo de la concepción corpórea Lacaniana, entiendo la configuración del sujeto y la historia como un contenedor de pulsiones irracionales provocadas por agentes externos. Me interesa la utilización de la palabra en cuanto a la conformación del individuo se refiere, y de como esta puede ser utilizada como herramienta para controlarlo, adoctrinarlo, amansarlo o distraerlo. Bajo estas premisas, mi trabajo trata sobre las tensiones entre individuo, cuerpo, sociedad y palabra; materializadas mediante el desarrollo de piezas que combinan técnicas multidisciplinares y que en última instancia buscan despertar una actitud critica o de reflexión en el espectador

POSVERDAD “La realidad está definida con palabras. Por lo tanto, el que controla las palabras controla la realidad”. Si reflexionamos sobre esta frase de Antonio Gramnsci evidentemente nos conducirá a su concepto principal, la hegemonía, en el cual se parte de la idea de que las clases dominantes imponen su idea de sociedad a las clases oprimidas, según Gramsci la mayor parte del poder hegemónico se ejerce a través de la cultura y este a su vez se instrumentaliza mediante la religión, el sistema educativo y los medios de comunicación. “Posverdad” habla sobre la importancia que tiene el control político y las macro-empresas sobre los medios de comunicación, y de como se valen de estos medios para conformar una conciencia colectiva maleable mediante distracciones alejadas de la realidad. “En un estado totalitario no importa lo que la gente piensa, puesto que el gobierno puede controlarla por la fuerza empleando porras. Pero cuando no se puede controlar a la gente por la fuerza, uno tiene que controlar lo que la gente piensa, y el medio típico para hacerlo es mediante la propaganda (manufactura del consenso, creación de ilusiones necesarias), marginalizando al público en general o reduciéndolo a alguna forma de apatía” Noam Chomsky Un periódico donde el texto no es legible, puesto que el papel ha sido tintado de negro para hacer alusión a la verdad tergiversada, al control y la manipulación de la información y al juego de la “desorientación” por falta de nitidez y exceso de ruido inducido por parte de los que poseen el Poder de la Palabra. La palabra posverdad esta conformada mediante canutillos de papel en cuyo interior se encuentran un cúmulo de palabras del mismo campo semántico y sus respectivas definiciones según la RAE, palabras tales como: dolo, timo, bulo, chisme, treta, farsa, estafa, engaño, fraude, injuria, patraña, insidia, falacia, calumnia, cotilleo, manipular, persuasión, difamación, tergiversar, triquiñuela. Jugar a la desinformación con la ayuda de todo tipo falacias, mentiras y neologismo creando una realidad alterna se ha convertido en la estrategia de muchos medios de comunicación, donde el lector-espectador no es capaz de realizar el trabajo de contrastar los hechos y la realidad. Y es que como decía Joseph Goebbels “una mentira repetida mil veces se convierte en verdad”, con lo cual nos enfrentamos a multitud estafas encubiertas con el término políticamente correcto y eufemismos de las relaciones públicas y la comunicación estratégica como instrumentos de manipulación y propaganda.

EL PODER DEL DICTADOR “FRANCISCO FRANCO” Siguiendo la línea conceptual y estética llevada a cabo en obras en proyecto anteriores, El poder del dictador “Francisco Franco”, alude directamente a este poder de la palabra mediante la realización de un retrato parcial del dictador en actitud irónicamente sonriente. Se trata de un retrato “pulsionado” que ha sido construido mediante canutillos de papel realizados a partir de todos los discursos oficiales, al completo, que dio Franco durante la dictadura. Asistimos pues a la representación del dictador como objeto de poder, en tanto que con sus discursos modificó y moldeó a la sociedad según sus ideales e intereses, conformando esa idiosincrasia que marcó al pueblo español durante casi 40 años, y que acabó por cristalizar en ese franquismo sociológico y hegemonía cultural que en cierta medida ha llegado hasta nuestros días, como ese lastre que mantiene a buena parte de la sociedad española e instituciones políticas ancladas en el pasado.

IANIRE SAGASTI A nivel plástico parto de la obsesión de crear un territorio de encuentro entre los dos lenguajes con los que me identifico y que me definen: Pintura y Poesía; para lograr un statement en formato de imágenes y palabras. Busco una retroalimentación constante, de manera obsesiva y compulsiva, entre ambos universos. Me identifico así, con una línea de trabajo que explora maneras expresivas vinculadas al Punk y a las metodologías Do It Yourself. Ello desemboca en unas propuestas llenas de urgencia que acaban adoptando una estética ruda y desenfadada emanando cierta agresividad en pro de la descarga asociada al Punk, que responde, en todo caso, a una necesidad de expresión que queda abierta a nuevos paradigmas que prescinden de las cuestiones técnicas y formales. Utilizo ambas propuestas (pintura y poesía) como recursos de expresión y reflexión, partiendo de inspiraciones vitales, acompañada por la preocupación existencial, por la reflexión acerca de la condición humana, por la indagación en la memoria personal y por obsesiones que corresponden a cada momento vital, abordando una dimensión poética como nexo de unión en una concepción transdisciplinar de la experiencia artística.

A cara de cerdo (Autorretrato) AcrĂlico, collage y tinta sobre papel. 90 x 60 cm.

LA CARNE VERBORREICA (SO FUCKING...) La carne verborreica (so fucking...) articula un proyecto que nace de la la relación creada entre ciertos poemas y los materiales de uso cotidiano. Partiendo de esta idea se crea una analogía entre materiales reciclados, acotados únicamente a ropas de cama y ciertos poemas. Un proyecto que se vertebraba como una instalación compuesta por obra pictórica sobre varias sábanas recicladas, una performance registrada en vídeo, un colchón y una serie de cuadros de técnica mixta, creando una articulación entre los versos, las imágenes y las representaciones (véase selección de imgs. siguientes). AMOR VAGINAL quiero mudar esta piel para poder así coserla a la cruz que edificas cuando te abres para acoger el amor vaginal que te regalo bebe de entre mis nalgas ellas te salvarán de la sequía has roto tantas veces el himen que soy más joven cada vez me rindo ante estas manos precipitadas en este colchón de muelles habitado pues sé que se aproxima el sabor solitario de la carne

The lovers that we are (díptico)

The lovers that we are (díptico),

126 x 80 cm, escayola, tela y marco reciclado

126 x 80 cm, tela, escayola, fibra de vidrio, espinas de árbol y marco reciclado

La carne verborreica 2014 VĂdeo digital - 19' 21''

My love for your sex acrílico, posca y grafito sobre sábana reciclada, 240 x 200 cm

Llegado el momento hibernaré como los osos espray, tránsfer sobre sábana reciclada, 200 x 150 cm

DAVID SALCEDO Lo cotidiano en fotografía es, a pesar de todos los libros que se han hecho, algo muy difícil de representar. Normalmente siempre cabe la duda de saber si el día a día del autor puede representar algún interés para alguien ajeno. En este libro, David riza el rizo. Del tema más sobreexplotado de las redes y a base de cotidianidad, nos cuenta una historia personal con la que se identificaría todo el mundo: el objetivo de todo fotógrafo de “diario íntimo”. Lu Lantana.

La vida nos juntó una mañana. A ella, a mí y a él. Desde ese momento ninguno quiso pasar frío ese invierno.

13 x 18 cm. Impresión sobre Hahnemühle PhotoRag Baryta 315 g. Enmarcación kraft.

Y ella lo eligió a él.

13 x 18 cm. Impresión sobre Hahnemühle PhotoRag Baryta 315 g. Enmarcación kraft.

Soy hijo de la inmigración interior que hubo en España. Aquella a la que miran preguntándose si son colonos, vecinos bien integrados, dignos ejemplos de una mayoría silenciosa o unos golpistas. Un interrogante para todos, el cual intentan resolver superponiendo sus plantillas de respuestas. Así, durante mucho tiempo he dejado que me digan otros qué soy respecto al lugar en el que puedo estar.

Hubo un momento en el que entendí que esto no podía ser, ninguna de esas respuestas era mía. Solamente yo puedo definir el resultado de la interacción que tengo con los lugares que me relaciono. Así inicié un camino, casi mágico, en el cual las incógnitas tienen más peso que las soluciones, y donde los presentimientos son mejores guías que los pensamientos. De esta manera he tejido “El hilo del enredo” un conjunto de brechas, dudas, silencios y extrañezas, que son el murmullo de mi boca manifestando su deseo de no estar. Una suerte de magia sucede cuando se escribe, la levedad de las ideas se ve transmutada en la pesadez de lo físico. Nuestros pensamientos se convierten en certezas a ojos de otros, y no existe mayor miedo para quien habita en la duda. Cuando retrato pasa algo parecido, porque no fotografío yo retrato, pero la velocidad de las decisiones en la toma casi hacen desaparecer los temores de la indecisión. Así la intuición aflora y lo que pienso se retrata con facilidad y parece estar bien, como siempre las apariencias engañan. La fotografía convive en el mismo territorio del fracaso y cualquier elemento, que no sea tenido en cuenta, está apunto de destruirla o convertirla en algo sublime. Por eso es necesario un profundo análisis técnico, estético, filosófico y espiritual de lo obtenido; todo ha de acompañar para que quién lo mire entre en el hechizo. La edición es tan importante como la toma, un autor se define decidiendo que tiene qué ver con él y qué no, con las respuestas se presenta ante el mundo. Para los que vivimos en la duda es el tramo más difícil de recorrer, mostrar ante todos quienes somos cuando la mayoría de las veces no lo sabemos. Por suerte el camino te hace aprender cuatro cosas de ti, para darte cuenta en el siguiente cruce que las has olvidado, obligándote a hacer otra vez el viaje para recordarlas. En mi caso siempre camino en círculos entre lo que me es cercano y el silencio.

TONDOSMILING TondoSmiling, dúo formado por Lucía Cristóbal Marín y Ramón López de Benito, proponen una revisión crítica sobre la experiencia de la imagen como mito en la era post-internet. La obra suscita el debate sobre los nuevos paradigmas de la imagen y de la tecnificación. Así como la capacidad del individuo para reconocerse en una nueva sociedad tecnificada y en confrontación directa con la turbulencia de su época. Trabajando con material de internet ya existente, focalizan su atención en la capacidad del individuo para reconocerse en una sociedad conectada y en confrontación directa con la turbulencia de su época. El trabajo de TondoSmiling reflexiona sobre el espectador y su entorno en un mundo digital y conectado que cambia nuestra forma de pensar e interactuar a nivel global. Su obra construye a partir de documentos solo y exclusivamente extraídos de internet (textos, imágenes, videos, capturas de interfaces digitales, o semiótica). Dicha información es manipulada digitalmente adquiriendo un nuevo orden y lenguaje en sus trabajos, para proponer espacios de pensamiento sobre la sociedad conectada donde el mito, el control y lo irracional son constantes que se repiten en cada obra. En el siglo XIX el artista decide salir del estudio para captar en el lienzo la realidad en la búsqueda de un contacto más directo con lo representado. Las vanguardias del siglo XX deciden volcarse hacia una mirada más subjetiva. En el siglo XXI, con la expansión de internet, se abre un nuevo ámbito de realidad virtual desconocida hasta el momento, que plantea cuestiones que afectarán a la definición del hombre y de la sociedad que habita. La imparable expansión de información a través de la red, revela una nuevo modelo de sociedad que plantea nuevos retos frente al arte. Las series a tratar abordan la idea de mito a través de los selfies; la interrogación del presente a través del pasado; la sociedad de consumo; la información viral; la conversación global y la imagen global; el significado de la semiótica en internet a nivel económico y psicológico través de los likes y los emojis; lo privado frente a lo público; o, el absurdo, lo banal, la superficialidad o el glamour, como signos de inteligencia frente a la maquina. La investigación trabaja con lo aparentemente inconexo de la información en internet, para construir una investigación que cuestiona la sociedad conectada. Se captura la información en la red, se manipula y se descontextualiza; y se transforma en obras que trabajan como dispositivos y que plantean una pregunta y soportan una idea crítica. Las obras se componen de diferentes lenguajes, así como materiales, donde se matiza la tensión de uno o varios hechos concretos a tratar. Pintura, imagen, escultura, video y texto dialogan para crear espacios de reflexión. El proyecto trabaja con la información desmaterializa e intangible de internet y con el espectador. La obra tiene que ser un dispositivo donde es el espectador se vea reflejado y con el que pueda interactuar. En una época donde todo tiene que ser rápidamente metabolizado. El mito ya no es Marylin sino no un youtuber.

POSVERDAD Y LA SOCIEDAD CONECTADA La obra aborda la influencia de los medios y redes sociales, en la era de la posverdad, así como la experiencia estética de la imagen como mito en la época de postinternet. La investigación suscita el debate sobre los nuevos paradigmas de la imagen y de la tecnificación. Así la capacidad del individuo para reconocerse en una nueva sociedad tecnificada y en confrontación directa con la turbulencia de su época. Always smiling (la felicidad virtual), se presenta como paradigma del nuevo modelo de individuo, resultado de una sociedad conectada. A través de ella se reflexiona sobre la nueva identidad global de dicho individuo, donde líderes que se comunican por twitter y estrellas de youtube (youtubers), se alzan al mismo nivel de influencia debido a la democratización de la imagen que proporcionan las redes sociales. “Against the like” and “Art is an issue of the past”, aborda la transformación así como percepción de la información por la utilización de modelos estándar de comunicación. El término postverdad, en relación directa con la idea de desinformación, se asume como herramienta de influencia social gracias a la inmediatez en la propagación de información en las redes sociales. La estrecha relación que históricamente han acompañado poder y mentira adquieren en la sociedad tecnificada matices desconocidos hasta el momento.

Las obras a presentar proponen generar un espacio de incertidumbre con la conformación de imágenes pixeladas de grandes dimensiones. Los pixeles a modo de post-it pegados en la pared, hablan de la imagen digital. La proximidad a la imagen, impide una lectura de la misma. Por otro lado el post-it nos recuerda a lo efímero y vulnerable de esa imagen. A mayor distancia se propone una segunda lectura de la imagen, pudiendo entender en ella a dos personajes vinculados a la idea de poder. Estos protagonistas se carcajean con un texto sobre escrito y también desdibujado “Art is an isuue of the past” (el arte es un asunto del pasado). En la obra “Against the like”, se construye el mismo proceso de percepción. En este caso un Like sobredimensionado en su tamaño, aparece como un elemento totémico por su valor en la sociedad virtual.

IMÁGENES GOOGLE Serie Always smiling / Art is an issue of the past, 2017 Post-it sobre pared - 170 x 340 cm

IMÁGENES GOOGLE Serie: New danger spaces / Against the like, 2017 Acrílico sobre pared y post-it sobre pared - 200 x 400 cm

Su obra aborda la experiencia estética de la imagen como mito en la era postinternet, cuestionando la capacidad del arte contemporáneo de dar respuesta a los nuevos paradigmas de la imagen en un mundo tecnificado y en confrontación directa con la turbulencia de su época. Ellos construyen una estética neopop que tiene que ver con el individuo. El mito ya nos es Marilyn sino un youtuber Proponen una reflexión sobre la capacidad del individuo para reconocerse en una nueva sociedad conectada. Buscan la mirada que tiene la gente y lo que hacen es analizarlo y convertirlo en arte. Trabajan con imágenes y material que viene de Internet así como la forma que tenemos de consumir información en el siglo XXI. Las capturan las manipulan y las descontextualizan, y se convierten en obras que trabajan como dispositivos que plantean una pregunta y soportan una idea crítica ante la sociedad. En el siglo XIX el artista decide salir del estudio para captar en el lienzo la realidad en la búsqueda de un contacto más directo con lo representado, las vanguardias del siglo XX deciden volcarse hacia una mirada más subjetiva, en el siglo XXI, con la expansión de internet, se abre un nuevo ámbito de realidad virtual desconocida hasta el momento que plantea cuestiones que afectarán a la definición del hombre y de la sociedad que habita. La imparable expansión de información a través de la red revela una nuevo modelo de sociedad que plantea nuevos retos frente al arte. Las series a tratar abordan la idea de mito a través de los selfies; la sociedad de consumo; la conversación global y la imagen global; el significado de la semiótica en internet a nivel económico y psicológico través de los likes y los emojis; lo privado frente a lo público; o el absurdo, lo banal, la superficialidad o el glamour, como signos de inteligencia frente a la maquina.

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VERÓNICA VICENTE La cultura popular nos dirige hacia un sistema mimético resuelto a través de imágenes reproducidas en masa; imágenes impactantes y de ligera digestión que reciben de inmediato el feedback de miles de usuarios. Pensemos por ejemplo en el actual tributo al cuerpo y la consecuente pérdida de identidad derivada de la excesiva estetitación de la figura humana. La procura de un canon estereotipado desvirtúa el carácter genuino de cada cuerpo como ente singular, generando un modelo único donde el cultivo de la personalidad queda relegado a un segundo plano. Figuras decorativas plantea un acercamiento al cuerpo desde una orientación contemporánea. En esta ocasión, Verónica Vicente propone convertir el cuerpo literalmente en objeto decorativo. Los límites corporales quedan definidos no como entidades humanas sino como materia propia de los objetos. A través de una puesta en escena adecuadamente seleccionada y una composición equilibrada, sobresale un elemento por encima del resto; una figura extraña que destaca sobre el fondo y permite advertir cierto perfil antropomórfico oculto bajo un estampado téxtil. El resultado es completamente estético, atractivo, el cuerpo se cincela para adaptarse al medio tomando una postura que no le es propia y renunciando a su estado anterior. La artista reincide en la cuestión identitaria acudiendo a la gestualidad para resaltar la condición humana oculta bajo ese cuerpo (di)simulado. El gesto se vuelve ahora definido y concreto, reivindica su espacio a modo de sutil coreografía, busca la huida como una lucha interna por despojarse de la pieza de ropa que le oprime. La quietud de la imagen solo es interrumpida por el ritmo de la figura oscilante que se muestra ante la cámara vacilando entre lo vivo y lo inerte, a medio camino entre lo físico y el ornamento. En un tiempo en el que el cuerpo ansía la metamorfosis y la virtualización del yo se perpetúa, si trascendemos las connotaciones socio-culturales adivinamos en el trabajo de Verónica Vicente una imponente carga emocional. Sus imágenes nos sitúan en el mundo como objetos mientras su mensaje nos reivindica como sujetos; como individuos sensibles. Texto de Sara Donoso

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Los temas capitales de mi trabajo son la identidad y el cuerpo como sujeto vulnerable. Hay una preocupación constante sobre la fragilidad humana, la eterna búsqueda existencial, la relación con el otro y el contexto que me rodea. Me interesa el carácter escultórico del cuerpo, su apariencia, estética o imagen y las diferentes capas que oculta el verdadero yo. Mi espacio de trabajo es aquel que oscila entre dos realidades opuestas, espacios fronterizos que no terminan de definirse y se balancean continuamente en función del punto de vista. Utilizo como medio la fotografía, el vídeo y la performance pero con una importante presencia de la escultura. Formalmente me interesa conexionar disciplinas donde no queda claro cuál es la más importante, los contornos se fusionan y se retroalimentan, del mismo modo que en la formación de la identidad absorbemos con mayor o menor intensidad todo aquello que está a nuestro alrededor.

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UNA ESTRATEGIA DE LA APARIENCIA Una estrategia de la apariencia es una investigación sobre la ausencia de la sociedad, del propio individuo, en la ciudad contemporánea. Provista de un jersey del mismo color que el entorno me he metido literalmente dentro de él en un acto de autorreconocimiento, de búsqueda de mí misma. Pero con lo único que me he encontrado ha sido con mi propia ausencia ante la monstruosidad del espacio contemporáneo, espacio inmensamente frecuentando y, sin embargo, vacío, impersonal, trágico. Camino entre la multitud y desaparezco bajo el anonimato, soy alguien más. Camino entre un continuo tránsito de horarios de oficina, miradas perdidas e ignorados itinerarios de hormigas en cadena. Me paro, el tránsito continúa. Me sitúo y desaparezco entre el gris hormigón, me camuflo. Se trata de una estrategia de la apariencia o quizás de una forma de hacerse ver, de querer llamar la atención en una ciudad homogénea, en una sociedad teledirigida.

Una estrategia de la apariencia #03. (2011) Fotografía digital impresa en papel baritado sobre dibond 60 x 90 cm.

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Una estrategia de la apariencia. (2011) Videoperformance. Full HD. 6â&#x20AC;&#x2122;14â&#x20AC;? https://vimeo.com/46938471

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UNA ESTRATEGIA DE LA APARIENCIA EN EL MUSEO Una escultura humana que ya prรกcticamente ha dejado de serlo: absorbida, atrapada y despersonalizada, ahora formo parte de lo material.

Una estrategia de la apariencia en el CaixaForum de Madrid. 2011.

Una estrategia de la apariencia en el Centro Torrente Ballester, Ferrol.

Papel baritado sobre dibond. 90 x 60 cm.

2011. Papel baritado sobre dibond. 90 x 60 cm.

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UNA ESTRATEGIA DE LA APARIENCIA II En un intento por destacar y sobresalir de entre la multitud, me subo a una peana con el fin de llamar la atención, ser el centro de miradas. Sin embargo, mi presencia se ve reducida a volumen, forma y luz. La identidad y la personalidad quedan ocultas bajo una apariencia púramente material. Soy escultura.

Una estrategia de la apariencia II. 2012. Videoperformance. Full HD. 4’52” https://vimeo.com/110016825

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YVES KLEIN Fue en una calle estrecha de las afueras de París, en 1960: Harry Shunk fotografió a Yves Klein arrojándose (figuradamente) al vacío en la Rue Gentil-Bernard de Fontenay-aux-Roses, para un proyecto que el artista llamó El hombre en el espacio. El pintor del espacio se arroja al vacío, y con el que pretendía escenificar un autorretrato de su universo artístico. De paso, convirtió la imagen en un icono del s XX. Tres años antes se había lanzado al espacio el Sputnik, el primer satélite puesto en órbita; con él, la astronaútica parecía invalidar las leyes físicas y el destino impepinable del hombre de ser más pesado que el aire. Ante aquel acontecimiento, la inspiración artística de Klein para la representación de un hombre volando en el espacio, un año antes de que se enviara a la luna la primera nave espacial tripulada, adquiere un sentido pictórico nuevo. El montaje fotográfico de El hombre en el espacio activaba a la vez la memoria natural del antiguo sueño de volar y además respondía al espíritu de su tiempo, a las posibilidades de futuro de un arte por venir. El pretexto formal de la publicación de esta imagen en el periódico Dimanche fue la invitación oficial de Jacques Poliéri a Klein para que participase en una acción en la Puerta de Versalles, en el marco del tercer festival parisino de arte vanguardista en el Palais des Expositions. Klein aprovechó intuitivamente la situación para impresionar al público con la publicación de un periódico sobre el tema Teatro del vacío y para imprimir, de forma casi imperceptible, de pasada, su retrato inusitado en la portada de un periódico dominical que había creado adrede para presentar sus ideas espontáneas para el teatro como si fueran informaciones de actualidad. Empleando el mismo formato que la edición dominical de France-Soir, publicó un único número para el 27 de noviembre de 1960, describiendo en él sus escenarios teatrales hasta entonces sin publicar. Con la ayuda de amigos, lo distribuyó y vendió en los quioscos de París.

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Hay que pensar más sobre esto: incluso a día de hoy, cuando la información se transmite a alta velocidad, sigue siendo apreciable el talento inventivo de este artista en relación a los medios de comunicación. El hecho de que hace cincuenta años Klein conquistara un nuevo terreno para el arte de la pura imaginación mediante un autorretrato publicado en los medios explica la importancia mundial y actual de este Salto en el vacío. Kosuth lo elogió como fundador del Arte Conceptual y Fluxus, el happening, la performance o el body art remiten a él. Un año antes de saltar al vacío, en 1959, había ya formulado el credo que lo explica: He tomado conciencia de aquello que llamo la sensibilidad pictórica, que existe más allá de nosotros y pertenece todavía a nuestra esfera. Nosotros no detentamos ningún derecho de posesión sobre la vida misma. Solamente mediante nuestra toma de posesión de la sensibilidad podemos adquirir la vida. La sensibilidad que nos permite perseguir la vida al nivel de sus manifestaciones materiales de base, en los cambios y el trueque que son el universo del espacio, de la totalidad inmensa de la naturaleza. ¡La imaginación es el vehículo de la sensibilidad! Transportados por la imaginación tocamos la vida, esa misma vida que es el arte absoluto en sí mismo. Hasta aquel año, Klein se había ganado la vida como maestro de judo (se dice que sus compañeros en el ejercicio de esta disciplina fueron los que lo sostuvieron en este salto al vacío antes de caer). Seguramente influyó en si idea de la impronta corporal su entrenamiento en el judo en caída libre, pues el cuerpo al caer sobre el tatami siempre deja huellas visibles. Ya el 27 de junio de 1958 hizo Yves el primer experimento de este tipo en la casa de Robert Godet, que también era maestro de judo: hizo rodar a una modelo desnuda y embadurnada de pintura azul sobre un papel extendido en el suelo. Aunque para Klein esta propuesta no era completa por no tratarse de “arte consciente”, la idea de pintar con “pinceles vivientes” ya no le abandonaría y presentó por primera vez sus ideas, en febrero del 59, en presencia de Pierre Restany, Rotraut y el historiador del arte Udo Kultermann: la modelo Jacqueline se desnudó a una seña del artista, Rotraut la embadurnó en pigmento azul y, siguiendo las indicaciones de Yves, imprimió su cuerpo cinco veces sobre un papel colgado en la pared. Yves Klein. ANT 74, 1960

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Yves Klein. ANT 79. Hiroshima, hacia 1961

Fue Restany quien, espontáneamente, exclamó: ¡Estas son las antropometrías de la Época Azul!, y así nació el título de estas obras. Las formas del cuerpo femenino se habían reducido a la dimensión esencial del tronco como símbolo antropométrico, de la energía vital. Las Antropometrías llegaron en marzo de 1960 a la Galerie Internationale d´ Art Contemporain del conde Arquian y causaron sensación. El aire distinguido de las salas de la calle Saint-Honoré se adaptaba bien, por el contraste, a este proyecto arriesgado: representar ante un público escogido una situación solemne con un programa inusual del que formaban parte modelos desnudas y una orquesta de veinte solistas. Al proceso, que duró cuarenta minutos y se acompañó por la llamada Sinfonía monótona, siguió un animado debate sobre la función del mito y el ritual en el arte. Aquella presentación antecedió a medio centenar de antropometrías sobre papel y unas treinta sobre seda. La morfología de cada una dependía de la anatomía, expresividad y talento de cada modelo: las hay estáticas y dinámicas, positivas o negativas (en estas últimas, la pintura se pulverizó alrededor de las modelos con una pistola, dejando las formas de los cuerpos en blanco). Se trata siempre de huellas, pero en estas obras se elimina la intervención directa de la mano del artista y las impresiones se llevan a cabo en un ritual privado o público, según instrucciones precisas. La ingravidez resultó un asunto central en estas Antropometrías, también en 1961, después del Salto al vacío. Sobre todo en los grandes formatos. Es un tema que hace alusión a las pinturas rupestres, remiten al deseo de una especie de regreso al Edén. Cuando las fotografías de Hiroshima aún conmocionaban al mundo, Klein y otros artistas decidieron que ya no era posible dedicarse a las cuestiones planteadas por la tradición artística, sino que había que afrontar el futuro; defendieron un salto utópico hacia donde aún se pudiera respirar libertad. 113

Las antropometrías significaban para él una energía vital, real y portadora de vida, no una vuelta a la figuración. Por eso solo podrían configurarse por individuos reales en el acuerdo común de un ritual, sin contacto personal o directo, en un trabajo creativo conjunto. Si contemplamos Personas echándose a volar (1961), apreciamos cómo, sin la base visible de un soporte material, las improntas corporales parecen levitar. Atendiendo a la tradición iconográfica, podría tratarse de representaciones angelicales, pero Salto en el Vacío y antropometrías como esta ilustran hasta nuestros días la posibilidad de imaginarnos una autosublimación armónica, el saber y el sentido profundo en torno al antiguo sueño alquimista de la ingravidez universal. Klein llegó a vaticinar esto: Nos convertiremos en seres aéreos, conoceremos la fuerza de atracción hacia lo alto, hacia el espacio, hacia la nada y el todo a la vez… Entonces nosotros, los humanos, habremos adquirido el derecho a evolucionar en plena libertad, sin ningún tipo de trabas físicas o espirituales. Existe un lienzo de seis metros de largo, ANT SU 11, realizado en noviembre de 1960, con la impresión de los cuerpos de un grupo de artistas unidos por la misma opinión que se presentaron al público como Nuevos Realistas. La impresión de una idea flotando libremente en el espacio, colgada de la Puerta de Versalles, resultó tan provocadora que alguien desgarró un trozo de una esquina inferior con las firmas de los creadores. Desde entonces, la pieza ha entrado en la historia con el título de ¡El atentado! https://www.youtube.com/watch?v=gj9nHa7FtQQ&feature=emb_logo &ab_channel=Tate https://masdearte.com/especiales/cuando-yves-klein-salto-al-vacio/

Yves Klein. Personas echándose a volar, 1961

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CVâ&#x20AC;&#x2122;S

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ENAR DE DIOS RODRÍGUEZ Educación Mayo 2016: Máster en Bellas Artes, San Francisco Art Institute (San Francisco, USA) Octubre 2011-Junio 2014: Estudios de Licenciatura: Bellas Artes – Fotografía, Universität für angewandte Kunst (Viena, Austria) Julio 2011: Máster en Traducción Multimedia, Universidade de Vigo Julio 2009: Licenciatura en Traducción e Interpretación, Universidade de Vigo Septiembre 2007-Junio 2008: Estudios de Licenciatura: Filología Inglesa y Francesa, University Jagiellonski (Cracovia, Polonia) Exposiciones 2018 Traslación Ctrl+Shift (Oakland, USA) Creadores 2018, La Térmica (Málaga, España) Other Places Art Fair, Pretend Gallery booth, Opaf 2018 (Los Ángeles, USA) 2017 Muestreo: Cañonazos de la Piratería, Centro Colombo Americano (Bogotá, Colombia) Beyond one’s own territory, RAUMSCHIFF (Linz) [AT] Radical Networks, Chem Creative (Nueva York, USA) Now Open, Pretend Gallery (Los Angeles, USA) DISSOLVE #4 FraenkelLAB (San Francisco, USA) BYOB, R/SF Projects (San Francisco, USA) 2016 The Yud Video Project Contemporary Jewish Museum (San Francisco, USA) Exercises in Style, StoreFrontLab (San Francisco, USA) The Infraordinary, Adobe Books (San Francisco, USA) Ars Electronica Festival, Ars Electronica (Linz) 299792458, Aggregate Space Gallery, (Oakland, USA) L’OEil d’Oodaaq, St Malo y Nantes (Francia) Writ Large festival, University of California Santa Cruz (Santa Cruz, USA) SFAI MFA Exhibition, Herbst Pavilion at Fort Mason (San Francisco, USA)

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2015 Writ Large, Great Wall of Oakland (Oakland) in/tension, Diego Rivera Gallery (San Francisco) latent, Swell Gallery (San Francisco) Murphy and Cadogan Contemporary Art Awards, SOMArts (San Francisco) Little Obsessions, Diego Rivera Gallery (San Francisco) Art=2o, Nando Argüelles Art Projects (Cádiz) 2014 The absence of art, Paul Sack Gallery (San Francisco) BeLong, Diego Rivera Gallery (San Francisco) Pretty raw, Vordere Zollamtsstraße (Viena) Performativität des Widerstands, Lisabird Contemporary (Viena) San Antón nas Panateneas, Museo Municipal (Ourense) busy lines,Galerie Z (Hard) Cabin #99, The Redwoods in Yosemite (Wawona) Unter Strom, Semperdepot (Viena) FLECHA 2014, Art Madrid (Madrid)

2013 Das Exponential, AUSARTEN e.V. (Viena) Etwas mit Geste, Galerie Z (Hard) Exposure huffak, Offspace (Viena) Festival IN OUT, Laznia Centre for Contemporary Art (Gdansk) 2012 REALM, Heiligenkreuzerhof (Viena) The essence 2012, Künstlerhaus (Viena)

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Proyectos de comisariado

Charlas, conferencias y talleres

2018 “Current signs” en das weisse haus (Viena) [AT] 2017 “Unsolicited exhibition” (online desde Berkeley y Viena) [US/AT] 2017 “Unauthorized SFMOMA Show” en SFMOMA (San Francisco) [US] 2016 “Language to be Looked at @ Things to be Read” (online desde Berkeley) [US] 2016 “The Artist Talk Fest” en Residence/SF (San Francisco) [US] 2015 “Desktop show II” en Mills College (Oakland) [US] 2015 “The Reader” online para KADIST (San Francisco) [US] 2015 “UNSHOWN” en Noroof Gallery (San Francisco) [US] 2014 “Desktop show” (online desde Berkeley) [US]

2018 Academy of Fine Arts (Viena) [AT] 2018 Plataforma (Bogotá) [CO] 2017 Radical Networks (New York) [US] 2017 San Francisco Art Institute (San Francisco) [US] 2017 University of San Francisco (San Francisco) [US] 2016 Stanford University (Palo Alto) [US] 2016 Aggregate Space Gallery (Oakland) [US] 2016 Ars Electronica Festival (Linz) [AT] 2016 San Francisco Art Institute (San Francisco) [US]

Becas y premios

Selección de publicaciones

2018 Beca de residencia artística AIR en Melbourne (Niederösterreich, Austria) 2018 The poetics of landscape (a presentation) - Libro de poesía en formato PPT 2018 Beca de Creadores 2018 (La Térmica, Málaga) publicado por Gaus PDF 2018 Plataforma beca de residencia (Art-lab Plataforma Bogotá) 2017 Unauthorized SFMOMA Show - Catálogo de la exposición editado y publicado en 2017 Beca de apoyo (Austrian Cultural Forum New York) colaboración con Lasse Scherffig y Ana María Montenegro Jaramillo 2017 Beca para realización de conferencia (Radical Networks New York) 2017 Exercises in Style - Libro de artista como documentación del proyecto, en 2016 Beca proyecto artístico y exposición StoreFrontLab (StoreFrontLab) colaboración 2016 Premio final de carrera (San Francisco Art Institute) con Ana María Montenegro Jaramillo y la ayuda de StoreFrontLab 2015 Murphy and Cadogan Contemporary Art Award (Murphy and Cadogan Foundation) 2010 Caderno dun retorno ao país natal - Boletín Galego de Literatura Nº43 [ISSN 0214 2015 Beca de estudios SFAI (San Francisco Art Institute) 9117] - Traducción del francés al gallego del libro de poesía Cahier d’un retour au 2014 Beca BMWF (Austrian Ministry of Science and Research) pays natal de Aimé Césaire 2014 Beca de estudios SFAI (San Francisco Art Institute) 2012 Premio de excelencia académica (Universität für angewandte Kunst, Viena)

Residencias 2019 RMIT University (Melbourne) [AU] 2018 Creadores 2018, La Térmica (Málaga) [ES]

http://www.enardediosrodriguez.com/wp/

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YONE ESTIVARIZ FORMACIÓN ACADÉMICA Graduado escolar E.S.O y BACHILLER 2008: Ciclo Formativo de Grado Superior de Fotografía Artística Arte Eskola ID-Arte 2007-2010: Estudios de Fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Vitoria-Gasteiz 2013-2014: Master fotográfico en LSP Londres 2018: Curso de Fotoreportaje con Rafa Badía en Blackkamera, Bilbao. 2020-2021: CFC Bilbao Master fotografía documental EXPERIENCIA LABORAL 2010: Profesora de Fotografía Digital iniciación Taller Gauekoak en Vitoria-Gasteiz 2010-2011 Encargada de material en EFTI (Madrid) escuela de fotografía y centro de imagen. 2012: Asistente de fotografía de publicidad en el Estudio Luis Malibrán. 2013: Fotógrafa en el restaurante “Criterion Restaurant” , Londres. 2015: Actualmente freelance en NIMBO fotografía. 2019: Plataforma Digital Go Gasteiz Kutura – Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz 2020: Comisaria de proyecto artístico “InSitu ArtFestival” ( en proceso ) 2020: Comisaria adjunta Gazte Klik Klak

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EXPOSICIONES DESTACADAS 2009: “PROTOCOLOS DE ENVEJECIMIENTO” Sala Luis de Ajuria. Escuela de Artes y Oficios 2010: “TETRAPACK” Premio del concurso de “Gazte Klik”. 2010: “LA PRESENCIA DEL OTRO” Sala Luis de Ajuria. Escuela de Artes y Oficios 2011 Persiscopio “Mujeres del siglo XXI” Hospital Santiago 2012: “CUATRO HISTORIAS” Tarazona. Comisario José Latova. 2014: “THE 6TH FLOOR” The Blackhall studios (Londres) 2017: “Metamorfosis” Sala Amarika Vitoria-Gasteiz 2018: “Enfocando Subjetividades” Sala Espazioa “El orden del caos” Galería Blanca Soto / Aquí y Ahora 7. Comisario Imanol Marrodán. Madrid 2019: “gu, LATXA” galería Artgia, Vitoria-Gasteiz 2020: RE, sala Araba, Fundación Vital. Colectiva

PREMIOS: 2010: Gazte Klik Klak 2019: Residencia Artística “Nomadak, el Treniko” 2019: Beca EmArt 2020: Finalista BAFFEST festival de fotografía Barakaldo 2020: Beca CFC Master Fotografía documental 2020: 1er premio Foto Arte. Vitoria-Gasteiz https://www.facebook.com/yone.estivariz

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ESMERALDA GÓMEZ Exposicionesindividuales 2018. Emplazamiento. Desplazamiento. El cuarto de invitados. Madrid. 2018. Dirty Surfaces. Sala d’Art Jove Bocanord. Barcelona. 2018. Caminos de ida y vuelta. Lamosa, Laboratorio Modulable Artístico. Cuenca. 2016. No rain. No work. Duncan of Jordanstone College of Art and Design. Dundee (Reino Unido). Exposiciones em-vm 2019. The Green Book. Sala la Capilla. Murcia. (Upcoming) 2018. +CODE. Espacios y territorios. Buenos Aires. 2017. JRAD: el desafío del lenguaje. Sala Baliero, Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo. Buenos Aires. 2016. Yellow. Facultad de Bellas Artes. Cuenca. 2016. People make Glasgow, Facultad de Bellas Artes. Cuenca.

Exposiciones colectivas 2018. IV Mostra Art Emergent Sabadell. Acadèmia de Belles Arts de Sabadell. 2018. Art desmaterialitzat. Centre Cultural Casa Planas en la Nit del Art. Palma de Mallorca. 2018. XXX Certamen de Artes Plásticas Fernando Zóbel. Centro Cultural Aguirre, Cuenca (España). 2017. Landscapes. Oficina. Cuenca. 2016. Se alquila/Margen. VI Muestra de creación contemporánea en espacios en desuso. Madrid. 2016. XXVIII Certamen de Artes Plásticas Fernando Zobel, Centro cultural Aguirre. Cuenca. 2016. Cuenca goes to Cracow, Galeria Wydziałowa. Cracow (Polonia). 2016. El dibujo en la creación artística contemporánea, Facultad de Bellas Artes.Cuenca. 2016. Generator’s members show, Generator Project. Dundee (Reino Unido). 2015. Materia Oscura (participación), Centro de arte complutense. Madrid. 2013. En contexto, Comisariado: Ana Carceller. Facultad de Bellas Artes, Cuenca.

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Festivales y encuentros 2018. C.A.L.L.E. Festival de intervenciones artísticas en el espacio público del barrio de Lavapiés. Madrid. 2017. 4º Festival Internacional de Videoarte. LAMOSA, Laboratorio Modulable Artístico. Cuenca. 2017. Fieber Festival 2017. Mein Blau Projekraum. Berlín. 2017. Art after Research: convergencias entre la investigación y las prácticas artísticas contemporáneas. Universidad de Castilla la Mancha. 2016. La Situación 2016. Universidad de Castilla la Mancha..

Talleres y conferencias 2018. Paint it White. EL cuarto de invitados. Madrid. 2018. El Muro de Berlín: miradas críticas desde el arte y la arquitectura. En Bartleby & Co, Berlín. 2018. Caminos de ida y vuelta. Presentación en la Escuela de Arte José María Cruz Novillo. Cuenca. 2017. Resituándonos. La escritura y la práctica artística. Taller impartido en el MUIPAV. Universidad de Castilla la Mancha. 2017. Specifi-cities. Conferencia en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.

Residencias, becas y premios 2018. Residencia de artes visuales en L’estruch. Sabadell. Upcoming. 2018. Residencia Puerta Abierta II. El cuarto de invitados. Madrid. 2018. Convocatoria de proyectos expositivos Bocanord 2018. Barcelona. 2018. Ganadora de la convocatoria Espacio Disponible. Lamosa, Laboratorio Modulable Artístico. Cuenca. 2017. Beca Erasmus Prácticas. Vesselroom Project. Berlín. 2016. Beca de colaboración UCLM. Asistente de organización en La Situación 2016. Cuenca. 2016. Selección en el XXVIII Certamen de Artes Plásticas Fernando Zobel. 2016. Beca Erasmus Estudios. Universidad de Dundee (Reino Unido). 2015. Beca a la excelencia académica para estudiantes de máster UCLM.

Formación 2017/_ Doctorado en Humanidades, arte y educación, UCLM. 2016. Estancia académica en el Duncan of Jordanstone College of Art and Design (Reino Unido). 2015 /16 Máster de investigación en prácticas artísticas y visuales, UCLM. 2012 /_ Grado en Filosofía, UNED. 2011 / 15 Grado en Bellas Artes, UCLM.

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Formación complementaria 2017. Laboratorio Interdisciplinar. Memoria, subjetividad y archivo. Thais Vera y Karina Villavicencio. Citicen K center, Berlín. 2017. Editar como práctica artística. El libro como espacio de experimentación. UNED. 2016. Performance Master Class with Richard Layzell, Dundee (Reino Unido) 2016. Exhibition Project Planning Workshop with Andrew Dodds at the Cooper Gallery Dundee. (Reino Unido). 2015. Presupuestos epistemológicos para la creación artística. Alberto López Cuenca, Facultad de Bellas Artes de Cuenca. 2015. For copyright reasons this image is not available. Rogelio López Cuenca, Facultad de Bellas Artes Cuenca. 2014. Cuerpos que aparecen: performance y feminismos en el tardofranquismo. Maite Garbayo. Facultad de Bellas Artes Cuenca.

https://esmeraldagomezgalera.com/

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MARIO GUTIÉRREZ CRU Artista, curador de arte y docente desde el 2000 Su obra se ha podido ver en exposiciones, festivales y encuentros de performance en España, Francia, Portugal, Holanda, Italia, Austria, Bélgica, México, Perú, Brasil, Cuba, República Dominicana, Eslovenia, Marruecos.

Espacios y festivales Internacionales:

Palais Tokyo - París; Festival Marrakech Digital - Marruecos, Fundación IDFX y INTERFERENCE de Breda Holanda; Centro Cultural de España - República Dominicana; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca-MACO, de México; Museo ARAD, Rumanía, Centro Cultural Correios, de Rio de Janeiro - Brasil; Museo Chateau Carreras, Buenos Aires - Argentina; Fundación Telefónica, Lima - Perú; Festival FONLAD, Gif. Fábrica Braço do Plata, Encontro IMERGÊNCIA 2011, Portugal; Festival de Coutures y Le Syndicat Potentiel, Strasbourg - Francia.

Espacios y festivales Nacionales:

Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía, Centro Arte José Guerrero de Granada, Museo de Arte Contemporáneo de Madrid; C. C. Conde Duque. Madrid; Canal de Isabel II, Madrid; C.C.C.B., Barcelona; Fundación BBVA, Bilbao; Museo La Neomudéjar; Feria Just Madrid III, Feria Marte 2015, Castellón; Centro Cultural CajaGRANADA, Bienal FotoGranada, Granada; Feria ARTJaén 2013-117, Museo Provincial de Jaén, Fundación CajaSur y Bienal FotoJaén, Jaén; Centro de arte Joven de la Comunidad de Madrid; Espacio Tangente, Burgos; Minimadelia, Ferial de la Casa de Campo, Madrid; Feria Madrid Tentación 08, Casa de vacas; Optica Festival, Gijón; Scarpia VI, Córdoba; Festival LOOP, Barcelona; Festival MEM, Bilbao; Galería La Zúa; El Patio de Martín de los Heros, Madrid; Espazo Miramemira, Santiago de Compostela; Quinta del Sordo, Madrid.

Comisario:

Director de la Plataforma de Videoarte PROYECTOR , 2008-18, la muestra de videoarte DVD Project , 2008-18. Presidente de KREÆ [Instituto de Creación Contemporánea] , 2010-18. Coordinación de Audiovisuales de Abierto de Acción ,2012-18. ARTJaén 2012-17 . Ha coordinado Espacio Menosuno , 2000-10. La muestra de arte sonoro e interactivo IN-SONORA , 2005-10. Comisario y/o colaborador de Interference en los Países Bajos, Saout Meeting en Marruecos, Sound Res en Italia, Nit´s de Aielo i art , A RTe SONoro . Encuentro de acción IMERGÊNCIA en Portugal.

Docencia:

Talleres, charlas y conferencias especialmente relacionadas con el videoarte, las instalaciones site specific, las artes vivas y los proyectos independientes. Para mencionar algunas sedes: El Validadero Artístico, Bogotá, Museo Ex-Teresa Arte Actual en México DF, Universidad Bellas Artes UCM de Madrid, Centro Cultural Las Cigarreras en Alicante, Museo de Huelva, La Decanatura en Bogotá, FONLAD Espaço Arte, Multimedia e Performance en Coimbra, Centro Cultural de España de Santo Domingo, CentroCentro, Madrid, Universidad Europea de Madrid, feria ART Lima en Cuzco-Perú, SACO Festival de Cine de Oviedo en Asturias, ArtJaén 2015 en el Museo Provincial de Jaén, Universidad de los Andes en Bogotá, Centro Cultural de España en Buenos Aires, Mostra Espanhola en Museu Nacional Soares dos Reis de Oporto, IED de Milán... http://www.mariogutierrez.com/

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ELENA JIMÉNEZ Técnico superior de artes plásticas. Reside en Madrid, a lo largo de su trayectoria ha empleado en sus trabajos instalación, dibujo, obra gráfica, fotografía y pintura. En los últimos años centra en instalaciones procesuales de procesos sobre grafica expandida. Ha sido galardonada con I premio en las convocatorias: Bienal Iberoamericana de grafica de Cáceres, Colegio de España en Paris, “Carmen Arozena” Madrid, “Rafael Canogar” Pinto, “Luis García Ochoa”,” José Caballero” Las Rozas“, San Lorenzo del Escorial, Los premios “Pilar Banus” Y “Teresa Toral” Museo del grabado de Marbella. Y Adquisiciones de obra EACC Diputación de Alicante. “Juan Luis Vasallo” Cádiz, Royal Premier, entro otros. Ha recibido importante becas de apoyo institucional a su trabajo de investigación, como las Ayudas a la producción de artes plásticas de la Comunidad de Madrid y de la Promoción de las Artes del Ministerio de Cultura así como seleccionada en residencia El Ranchito Matadero del Ayuntamiento de Madrid y realizado residencias y talleres de investigación arte actual, tanto internacionales como nacionales como: Taller experimental de La Habana. Lower East Side Workshop Printmakers. NY, London Print Studio. Londres, Kulturwek Bethanian, Berlín, en Círculo de Bellas artes de Madrid, Fundación Miro, Mallorca, Museo de Electrografía en Cuenca. Y Casa Encendida Ha realizado exposiciones individuales en galerías privadas e instituciones como Sala Brocense de Cáceres, Colegio de España en Paris ,Palacio Pimentel en Valladolid, Casa fuerte Bezmiliana Málaga , Centro arte Tomas y Valiente, Fuenlabrada Madrid, Sala La Lonja en Alicante, Museo del Carmen deValencia, Casa Bardin del Instituto de cultura Juan.Gil‐ Albert

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Destacaría su participación en muestras colectivas como: Festival INGRAFICA, Cuenca. MUA Universidad de Alicante. ARTENAVAS, Certamen El Brocense Cáceres, Diputación de Ciudad Real, Centro Torrente Ballester Ferrol, Museo de Marbella, Bienal Ciudad de Cáceres. Premios Villa de Madrid. C. Conde Duque, Premio Bancaixa. IVAM. Valencia. *Convocatoria de Artes Plásticas. Diputación de Alicante, Bienal de pintura Estella‐Lizarra, Bienal Villa de Mislata. Valencia, Exposición de Artes Plásticas Valdepeñas. Ciudad real.* Shanghái Express, China. UCR, Costa Rica. ISOCRONIAS. Calcografía Nacional. Madrid. , AKIYOSHIDAI Japón, Centro de las artes Alcorcón, Círculo de Bellas artes. Madrid, Instituto Cervantes en Rabat, Taller Experimental de Grafica. La Habana. Festival de Gravura. Evora. Portugal. Bienal Internacional de Ljubljana. Ministerio de Cultura. Trienal de Arte Gráfico. Palacio Revilladiego. Gijón y l Bienal de Grafica Iberoamericana. Cádiz, Certamen Maximo Ramos en Centro de arte Torrente Ballester entre otros. Como muestra de sus investigaciones, la selección del Ministerio de Cultura para representar a España en la Bienal Internacional de Ljubljana y en el instituto Cervantes en Rabat, la portada de Generación 2001 de la fundación Caja de Madrid y la instalación Ángel por un día en el espacio Tentaciones de Feria Internacional Estampa

Su obra forma parte de la colección de museos e instituciones: Colegio de España en París. Museo de Grabado Marbella. Taller experimental de Grafica. La Habana., Fundación Pilar y Joan Miro. Mallorca, Calcografía Nacional Madrid, Gobierno de Cantabria, Dirección Gral. De la Mujer, Centro de arte 2M Comunidad de Madrid. Diputación de Alicante, Cabildo Canario, Comunidad de Madrid. Caja de Madrid. Congreso de los Diputados. Museo Municipal Contemporáneo de Madrid. Fundación Mapfre Fundación Repsol. Biblioteca Nacional, Ministerio de Justicia. Madrid. Banco de Santander. Asociación Española de Banca. Banco Bilbao‐ Vizcaya, Lower East Side Workshop NY Y Ayuntamientos de Madrid, Alicante, Mislata. Valencia, Pinto, las Rozas y Cádiz. http://www.elenajimenezart.com/

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IRMA MARCO FORMACIÓN ACADÉMICA 2018 · Cursando Doctorado, programa Estudios Avanzados en Producciones Artísticas · UB, Barcelona 2010 · Máster Oficial en Producción Artística. Facultad de BBAA · UPV, Valencia 2005 · Licenciada en Bellas Artes. Facultat de BBAA · Universidad Politécnica de Valencia SELECCIÓN DE PREMIOS, BECAS Y RESIDENCIAS 2018 · Residencia Artística en Fabra i Coats, Fàbrica de Creació, Barcelona 2018 · Residencia Artística Programa Bòlit Mentor, Bòlit Centre d’Art Contemporani, Girona 2018 · Finalista en Convocatoria UNZIP / Arts Visuals, modalidad Arte y Educación, Barcelona 2018 · Residencia Artística Can Timoner, Santanyí, Mallorca 2017 · Seleccionada en la muestra Recorreguts Sonors del Convent de Sant Agustí, Barcelona 2017 · Premio MAU2017, Roca Umbert Fàbrica de les Arts, Granollers 2017 · Residencia en Vivero de Proyectos Culturales, proyecto FFF, Fabra i Coats, Barcelona 2017 · Residencia Artística Nau Estruch, Fàbrica de Creació de les Arts en Viu, Sabadell 2016 · Seleccionada en la X Mostra Visual i Sonora del Convent de Sant Agustí, Barcelona 2011 · Beca residència artística I Beca Tardor-Hivern, Centre d’Art La Rectoria, Cataluña 2010 · Premio ART-30, Sala Parés, Barcelona 2008 · Selección de obra en Muestra de Artes Visuales CREACIÓN INJUVE, Círculo de BBAA, Madrid SELECCIÓN DE INTERVENCIONES SITE SPECIFIC 2018 · Seismes, Fabrica de Creació Fabra i Coats, Barcelona · Performance / Instalación 2018 · Plaga/desert, Mostra Internacional de Films de Dones, Sala Apolo, Barcelona · Performance 2018 · Primera Volada, Cinema Zumzeig, Barcelona · Actuación musical 2017 · Recorreguts Sonors, Convent Sant Agustí, Barcelona · Instalación 2017 · Yami-Ichi, The Influencers Festival, CCCB, Barcelona 2017 · MAU, Mostra d’Art Urbà de Roca Umbert, Granollers 2017 · Tot en Doina, Escola Massana, Barcelona · Acción / Instalación 2016 · La Plaza en Primavera en Matadero, Madrid

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SELECCIÓN DE EXPOSICIONES 2018 · SWAB, Barcelona Art Fair, Programa Ephemeral, Barcelona · feria 2018 · Nacionalismes d’un mateix, Bòlit, Centre d’Art Contemporani, Girona · expo colectiva 2017 · Recorreguts Sonors, Accions i Mutacions Sonores, Convent de Sant Agustí, Barcelona · expo colectiva 2017 · Ruidos, silencio, acciones, poesía. Música experimental y arte sonoro, 1950-2017 · expo colectiva 2017 . Programación del SÓNAR Festival, Galería Juan Naranjo, Barcelona 2017 · Hybrid Matter, Arts Santa Mònica, Barcelona · expo colectiva 2016 · 1, 2, 3... ¡Grabando!, Fundación Telefónica, Madrid · expo colectiva 2016 · X Mostra sonora i Visual, Convent de San Agustí, Barcelona · expo colectiva 2016 · Autoedit II: Lenguajes Plásticos y Autoedición, Centro Huarte, Navarra · expo colectiva 2013 · One day you will find me, Cyborg Foundation, Barcelona · expo colectiva 2012 · MIMAA, Muestra Internacional de Música y Artes Avanzadas, Espai Rambleta, Valencia · expo colectiva 2011 · The Heart of the Matter, Espai Tactel, Valencia 2011 · expo colectiva 2010 · ART-30, Sala Parés, Barcelona · expo colectiva 2010 · Noise Reduction Off, Sala Campoamor, Valencia · expo individual 2010 · Cartografías de la Creatividad. 100% Valencianos, Museu del Carme, Valencia · expo colectiva 2008 · Muestra de Artes Visuales INJUVE, Círculo de Bellas Artes, Madrid · expo colectiva 2007 · Histórias para levar nos bolsos, FABRICA FEATURES Lisboa · expo individual https://www.irmamarco.com/

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ALSIRA MONFORTE (Zamora, 1992). Estudios 2015/16 Máster de producción artística, UPV, Valencia. 2011/15 Grado en Bellas artes, USAL, Salamanca. Becas 2017/2018 : Beca en la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores, Córdoba. (Obra en fondos/ Catálogo). 2017: Fundación C.I.E.C, Betanzos, A Coruña. (Obra en fondos). 2016: aLfaRa StuDio, Salamanca. (Obra en fondos) 2014: Jóvenes Pintores Pensionados, Palacio de Quintanar, Segovia (Obra en fondos/Catálogo). Exposiciones individuales/colectivas 2018 XVI Promoción de Jóvenes Creadores Fundación Antonio Gala, Fundación Antonio Gala, Córdoba. (Colectiva). XVI Promoción de Jóvenes Creadores Fundación Antonio Gala, Ateneo de Málags, Málaga. (Colectiva). 2017 (De)construcción del hogar, Colectivo (De)construcción del hogar, Rizoma gallery, Madrid. (Individual).(De)construcción del hogar, Colectivo (De)construcción del hogar, La Salchichería, Salamanca. (Individual).aLfaRa StuDio 2016, Sala Pintores, Cáceres. (Colectiva). 2016 Imperfecta morada, Lemon y Coco, Cáceres. (Individual).Deconstrucción del hogar, LaSalita, Noche Blanca, Gijón. (Individual).En Ascenso, sala Fonoteca del Patio de Escuelas, Salamanca. (Colectiva).Orriols Registros gráficos, Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Valencia, Valencia. (Colectiva). Collita gràfrica, Espai.inf, UPV, Valencia. (Colectiva).aLfaRa StuDio 2016, Palacio de la Salina, Salamanca. (Colectiva). 2015: Galería Luis Méndez, Salamanca. (Individual). Concursos/Exposiciones 2018: Selección Archivo de artistas, Suburbia Granada, Granada. 2017 Selección en la X Edició Setba Jove 2017, Fundació Setba, Barcelona. (Catálogo). Selección en La Carbonera Espacio de Cultural II Aniversario, Madrid. Selección en VILLALART , Valladolid.Selección J.A.C.A. 17, ABM confecciones, Madrid. 129

2016 Primer premio en la convocatoria Como en casa, LaSalita, Gijón. 2014 Selección de pintura en la Bienal Internacional Arte no Morrazo, Pontevedra. (Catálogo). 2013 Selección de escultura en el concurso de San Marcos XIII de la Universidad de Bellas Artes de Salamanca. (Catálogo)Selección de dibujo en la Galería Artis, Salamanca. 2012 Selección en la categoría de escultura en Jóvenes Creadores XII, Espacio Joven, Salamanca. (Catálogo). Ferias/Eventos 2018 II Encuentro de Artistas de Castilla y León Fundación Villalar, La Casona del Pinar, Segovia. 2017 ALMA GRÁFICA, (Feria de Arte Gráfico Contemporáneo Ciudad de Oviedo), Colectivo (De)construcción del hogar, Oviedo. LA NAU (2º Mostra de llibres i llibres d’ artista autoeditats), Colectivo (De)construcción del hogar, Terrassa, Barcelona. 2016 Masquelibros, “La Leonera” de la Casa de Fieras del Buen Retiro, Madrid. (L’Horta Gràfica).Arts Libris (Feria Internacional de la Edición Contemporánia), Arts Santa Mònica, Barcelona. (L’Horta Gràfica).Russafart 2016, IN SITU, Plataforma per Russafa, Valencia. (Catálogo).Papelcontinuo, LA TÉRMICA, Málaga. (L’Horta Gràfica).Noche Blanca, LaSalita, Gijón. 2014 Dos contribuciones en la revista HLC (Horizonte Literario Contemporáneo), Bucarest, Rumania. http://alsiramonfortebaz.com/

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ACAYMO S. CUESTA Formación 2010 · Máster en Producción Artística en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia. 2008 · Licenciado en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna. Tenerife. Exposiciones individuales 2018 · La imposibilidad de la ascensión, S.A.C. (Sala de Arte Contemporaneo), Tenerife. · Aktive Neutralität, Residency.ch, PROGR Art Center, Berna, Suiza 2017 · El Pilar fundamental, CAAM (Centro Atlántico de Arte Moderno). Las Palmas de Gran Canaria. · W, intervención Site Specific dentro del Fate Festival 2017, San Potito Sannitico, Nápoles, Italia. · NO|ON, Centro de Artes Plásticas comisariado por Adonay Bermúdez, Las Palmas de Gran Canaria. · NO|ON, Centro Cultural Pérez de la Riva comisariado por Adonay Bermúdez, Las Rozas de Madrid, Madrid. · One Project Art Madrid 2017, Galería La Isla (Madrid) comisariado por Carlos Delgado Mayordomo, Madrid. 2015 · Retratos pulsionados ( Ecuador ), Galería No Lugar, Quito, Ecuador. 2014 · Estadios_introversos, Galería de Arte U.L.P.G.C. Las Palmas de Gran Canaria. 2013 · Estadios_introversos, Fundación Canaria Mapfre Guanarteme. La Laguna, Tenerife. Exposiciones colectivas 2018 · En medio de su orgullo. Comisariado por Adonay Bermúdez, Cabrera Pinto, Gobierno de Canarias, Tenerife. · In money we trusth, FAC IV (Feria de Arte en mi Casa). Madrid. 2017 · Lenguajes en papel 8, Galería Fernando Pradilla. Madrid. · Me duele España, Espacio Dörffi, Arrecife, Lanzarote. 2016 · IX Bienal Internacional de Arte SIART, comisariado por Francis Naranjo, La Paz, Bolivia. · ¿Quién es ese hombre?, TEA Tenerife Espacio de las Artes, comisariado por Adonay Bermúdez, Sta. Cruz de Tenerife, Tenerife. . Coincidencias abiertas, Comisariado por Solar acción cultural, Camino Largo 31, La Laguna, Tenerife. 2015 · Lujurias, visiones entorno al erotismo. Sala exposiciones Club La Provincia, Las Palmas de Gran Canaria. · La cena, Galería S/T, Las Palmas de Gran Canaria. · La cena, Estudio Andrés Delgado, Madrid. · Diálogos al Norte III, Centro Cultural, Agaete, Las Palmas de Gran Canaria. · Equivalencia, Galería S/T, Las Palmas de Gran Canaria.

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2014 · Catarsis “La maldición del cuerpo”, comisariado por Adonay Bermúdez, Galería U.L.P.G.C. Las Palmas de G. C. · Equivalencia, Sala de Exposiciones Luján Pérez, Sta. Mª de Guía, Gran Canaria. · En estado físico, Ciclo de videoarte, El Pasaje de Tucumán, San Miguel de Tucuman, Argentina. · En estado físico, Ciclo de videoarte, TEA Tenerife Espacio de las Artes, Sta. Cruz de Tenerife, Tenerife. · Diálogos al Norte II, Sala de Exposiciones Teatro Viejo, Sta. Mª de Guía, Gran Canaria. · Nello stato físico, Ciclo de videoarte en Laboratorio21. Lucca, Italia. · Aphyxia, comisariado por Adonay Bermúdez, Hardy Tree Gallery. London, U.K. · En estado físico, Ciclo de videoarte en Espacio AB9. Murcia. · [DE MANIFIESTO], Comisariado por Dalia de la Rosa, Solar acción cultural, Sta. Cruz de Tenerife, Tenerife. · Arte y un Café, Veo Arte en todas partes, Sala Sol de York, Madrid. 2013 · Art grows a moustache, The Vyner Studio, London, U.K. · En estado físico, Ciclo de videoarte, Gran Canaria Espacio Digital, Las Palmas de Gran Canaria. · En estado físico, Ciclo de videoarte, Salón Indieras, Tías, Lanzarote. · El Charco ART F.A.C.E, Sala El Charco de San Ginés, Arrecife, Lanzarote. · Atrium 2012, 5º Certamen de Artes Plásticas, Fund. Canaria Mapfre Guanarteme. Las Palmas de Gran Canaria. 2012 · Atrium 2012, 5º Certamen de Artes Plásticas, Fund. Canaria Mapfre Guanarteme. La laguna, Tenerife. · III Bienal de Escultura Luján Pérez, Sala de Exposiciones Teatro Viejo, Sta. Mª de Guía, Gran Canaria. 2011 · El cuerpo y el esperpento. Proyecto Solariegos, Odra-Pisuerga, Burgos. 2010 · Figurama 2010. Praga / Valencia / Pilsen / Nitra / Banská Bystrica / Písek. 2010 · I.GRAU / R.MORATA / A.PARDO / A.CUESTA, Valencia Fashion Week. Feria de Valencia, Valencia. 2009 · El sentido de lo inútil, Escuela técnica Superior de Diseño de la Universidad Politécnica de Valencia, Valencia. Becas, residencias y premios. 2018 · Residencia artística en Residency.ch, Centro de producción artística PROGR, Berna, Suiza, becado el Centro de Arte La Regenta y el Gobierno de Canarias. · Asistente de PSJM en el proyecto de arte participativo La hoya horizontal, Las Palmas 2017 · Residencia artística en Al jallo-Lanzarote. · Seleccionado en Meeting Point 2017 , encuentro de Galerías con artistas, organizado por el Centro de Arte La Regenta. Las Palmas de Gran Canaria. · Seleccionado en VII Encontro de Artistas Novos, Santiago de Compostela, Galicia. · Residencia artística dentro del Festival Fate en Nápoles, Italia, becado por el Gobierno de Canarias y San Potito Sannitico. · Seleccionado en el Programa Artistas en Residencia CAAM 2017, Centro Atlántico de Arte Moderno. Gran Canaria. · Asistente de PSJM en el proyecto Formas para un mundo perfecto. · Ayuda Canarias Crea, Canarias Cultura en Red, Gobierno de Canarias. 132

2016 · Intervención site specific en conjunto con la artista Luna Bengoechea, mural en homenaje a Mara González dentro del Proyecto Arte y Participación Ciudadana comisariado por el colectivo PSJM, Las Palmas de Gran Canaria. 2015 · Residencia artística en No Lugar, Quito, Ecuador. · Ayuda a la promoción artística en el exterior. CAAM. Las Palmas de G. C., Gran Canaria, España. · Asistente de Eli Cortiñas en“What about tropical delights in neoliberal times?” en el C. de Arte La Regenta y San Antonio Abad CAAM, Las Palmas de Gran Canaria. · Asistente de PSJM en el proyecto ANCAPS: Total market , Las Palmas de Gran Canaria. · Beca de Residencia en el Estudio 7. Centro de Arte de La Regenta, Espacio de Producción Artes Visuales, Las Palmas de Gran Canaria. 2014 · Ayuda a la promoción artística en el exterior 2014. CAAM. Las Palmas de Gran Canaria, Gran Canaria. · Ayuda de producción y promoción artística. Fund. Canaria Néstor Álamo y el Excmo. Ayto de Sta. Mª de Guía, Gran Canaria. · Pimer premio de Pintura “Peace one day”, Las Palmas de G. C. Gran Canaria. · Beca de Residencia en el Estudio 7. Centro de Producción Artes Visuales del Centro de Arte de La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria. 2013 · Beca de Residencia en el Estudio 7. Centro de Arte de La Regenta, Espacio de Producción Artes Visuales, Las Palmas de Gran Canaria. 2012 · 1º Premio de la III Bienal de Escultura Luján Pérez. Sta. Mª de Guía, Las Palmas de Gran Canaria. · Beca de Residencia en el Estudio 6. Centro de Arte de La Regenta, Espacio de Producción Artes Visuales, Las Palmas de Gran Canaria. · Proyectos expositivos 2012, Seleccionado por la Fundación Mapfre Guanarteme para desarrollar el Proyecto Estadios_introversos. Obras en colección. · Colección Ofelia Martín y Javier Núñez. · Fundación Cine nómada para las Artes. La Paz, Bolivia. · Excmo. Ayuntamiento de San Potito Sannitico, Napoles, Italia. · Fundación Artística de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. · Fundación Canaria Luján Pérez. Sta. Mª de Guía. Gran Canaria. · Fundación Canaria Néstor Álamo. Sta. Mª de Guía. Gran Canaria. · Excmo. Ayuntamiento de Sta. Mª de Guía. Gran Canaria. · Colecciones privadas en Barcelona, Madrid, Tenerife, Gran Canaria, Lanzarote y Milán. https://acaymoscuesta.wixsite.com/acaymoscuesta

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IANIRE SAGASTI FORMACIÓN ACADÉMICA 2018 Doctora Cum Laude en Bellas Artes. “Lo punk como referencia expresiva en determinada pintura contemporánea occidental”. Universidad del País Vasco. 2010 - 13 Beca Predoctoral. Programas de Formación del Personal Investigador. Gobierno Vasco. 2010 DEA Diploma de Estudios Avanzados. “Desarrollo y evolución del fenómeno underground en la pintura contemporánea”. Facultad de Bellas Artes. Universidad del País Vasco. 2009 Posgrado. Cursos doctorado Investigación y creación en Arte. Universidad del País Vasco. 2006 Licenciada en Bellas Artes. Universidad del País Vasco. 2006 Programa de Cooperación educativa entre la Facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU y Museo Guggenheim Bilbao Museoa. FORMACIÓN COMPLEMENTARIA 2018 1er Congreso Internacional Hacking the System? How to hack!! Akmeka 2018. Universidad del País Vasco. 2011 Curso de Arte Contemporáneo Objetos, Javier San Martín. Fundación Bilbao Arte Fundazioa. 2013 Beca Residente. Fundación Bilbaoarte Fundazioa. 2009 Encuentro Taller Tercer Paisaje. Etxebarri-Ibiña. Inmersiones09. Vitoria-Gasteiz. 2007 III Talleres Internacionales de Arte Contemporáneo TAC Córdoba 2007. 2006 Fundación Norte Encuentra 06, Encuentro de Artistas. Uncastillo, Zaragoza. 2005 II Talleres Internacionales de Arte Contemporáneo 05 Córdoba. PREMIOS/ DISTINCIONES (Selección) 2015 1º Premio Federico García Lorca a la Poesía. Universidad de Granada. 2014 2º premio VII Certamen Nacional Transformarte Fundación Caja Rioja. 2014 Seleccionada Proyectos artísticos para alumnado C. C. Montehermoso. 2013 3º premio, III Certamen de Poesía Joven “Premio Miguel Gutiérrez García”. Alicante. 2012 Seleccionada, Festival Incubarte, por Okazi Gallery. Berlín, Germany. 2010 1º premio Pintura, II Concurso Internacional de Artes Plásticas y Audiovisuales IKAS ART. 2010 Seleccionada/Participación, La Memoria en el Laberinto, Homenaje Internacional de Creadores Plásticos y Literarios al escritor Miguel 134 Hernández. Elche, Alicante.

2008 1º premio Artista Emergente, Salón Internacional de Arte Contemporáneo en Museos. Barcelona. 2007 Seleccionada/Participación ESTAMPA’07, Tentaciones 9ª edición, XV Salón Internacional del Grabado y ediciones de Arte Contemporáneo (Madrid). 2006 Accesit, Encuentra 06, Fundación Norte. Uncastillo, Zaragoza. 2006 1º premio Artista Local, I Certamen de Poesía Asociación Victoriano Crémer. Basauri, Bizkaia. 2005 Mención de Honor, XXIX Premio de Poesía Félix Francisco Casanova . Tenerife. 2005 1º premio, XXXVIII Concurso de Cuentos “Colegio Mayor Hernando Colón” (Sevilla). EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2015 Mono(s), 6 nov- 6 dic, Torre de Ariz (Basauri, Bizkaia). 2012 Snow Globes, 10-31 de enero, Kultur Birika (Derio, Bizkaia). 2011 La Folie, 8 sep- 23 oct, Hotel Ercilla (Bilbao). 2009 Expodistrito 09, 26 ene- 3 abr (Bilbao). 2008 Calles Bajas, 18 marz-12 abr, Sala Torre de Ariz (Basauri, Bizkaia). EXPOSICIONES COLECTIVAS 2018 Bienal de Poesía Experimental de Euskadi Ex!poesía (intinerante). 2017 - 2018 Transformarte X Aniversario Centro Fundación Caja Rioja (intinerante). 2015 Transformarte. Centro Fundación Caja Rioja. Arnedo y Logroño, La Rioja. 2014 Momentos. Museo Orús, Zaragoza. Ampliación del campo de batalla. Centro Cultural Montehermoso Kulturunea. Vitoria-Gasteiz. 2013 Rollo Vasco/ Euskal kontua, Expotronik (intinerante). Bizkaia, Araba, Gipuzkoa. 2012 Tripas, Apetit Gallery. Bilbao. V Festival Internacional de Arte Independiente Incubarte, L' Institut Français. Valencia. 2011 Certamen de Pintura Hotel Carlton. Bilbao. Art-Madrid (stand Ikas-Art). La Memoria en el Laberinto, MUBAG Museo Bellas Artes Gravina. Alicante. 2010 Ikas-Art 2010 - II Encuentro de Arte Universitario, Bilbao Exhibition Centre BEC. La Memoria en el Laberinto, Centro de Congresos Ciudad de Elche, Alicante. 2009 INM 09, Sala Amárica. Vitoria-Gasteiz. GetxoARTE 09, Salón de las artes emergentes. Getxo, Bizkaia. 2007 Sala de Exposiciones Belia. Belchite, Zaragoza. ESTAMPA’07, Tentaciones 9ª edición, Feria de Madrid. Galería Carmen del Campo (Córdoba).

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2008 1er SIACM, Lamoa Latino Art Museum Of America. Pomona, California. 2007 Sala de Exposiciones 4º Espacio. Zaragoza. 2006 Fundación Uncastillo Centro del Románico. Uncastillo, Zaragoza. GetxoARTE 06, Salón de las artes emergentes. Getxo, Bizkaia. 2005 Posada del Potro. Córdoba. OBRAS EN INSTITUCIONES Centro Fundación Caja Rioja-Bankia (La Rioja) Factoryart. Fundación BilbaoArte Fundazioa (Bizkaia). Fundación Norte (Zaragoza). Latino Art Museum of América (California, USA). TAC, Talleres de Arte Contemporáneo (Córdoba). Centro de Estudios Hernandianos (Orihuela, Alicante). Patrimonio de Enkartur (Enkarterri, Bizkaia). https://www.ianiresagasti.com/

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DAVID SALCEDO Individuales 2018 Más centro de arte contemporaneo las Bernardas. 2018 Diez historias y un cuento galería Art Deal Proyect Barcelona. 2017 Rendición Centro Pati LLimona Barcelona. 2016 Uno más uno, FNAC de Sevilla. 2016 S’amorra amorra Fundació Cuixart. 2016 Uno más uno, FNAC de Valencia. 2016 Uno más uno, FNAC de Bilbao. 2016 Uno más uno, FNAC Callao de Madrid. 2015 Uno más uno, FNAC Nueva Condomina de Murcia. 2015 Uno más uno, FNAC El Traingle Barcelona 2015 S’amorra amorra, Sala Cava de Can Basté Barcelona. 2015 La vida es sueño, PA-TA-TA Festival de Granada. 2015 S’amorra amorra, Prisión de Lladoners 2014 Argos, El Claustre de Torroella de Montgrí. 2014 Argos, galería MediAvanced Gijon. 2014 Argos, galería Cadaver Exquisit Barcelona. 2013 Rendición, Autono Fotográfico Gallego en Ourense y A Coruña. 2013 1994, galería Kowasa Barcelona. 2011 Rendición, galería Kowasa de Barcelona. 2008 En el Parque, galería Kowasa Barcelona. Colectivas 2018 Fotografía solidaria española Escuela TAI de Madrid 2018 AliBaba 2017 espacio Espositivo Madrid. 2018 Arles Street photography awards LENSCULTURE. 2018 KONTENPORANEA 2018 Irún. 2018 AliBaba 2017 Festival Internacional de Alicante. 2018 AliBaba 2017 Fundación Gabarrón. 2017 “Exposición de Fotolibros Iberoamericanos” Feria del libro Lisboa. 2017 Octubre Un cierto panorama Fundación Centro Andaluz de la fotografía comisionada por Jesús Mico.

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2017 Mayo Un cierto panorama Fundación canal Isabel II de Madrid comisionada por Jesús Mico. 2015 Pasaporte territorios libres, Centre Riu Santa Coloma de Gramanet. 2014 PhotoBooks, The Folio Club Barcelona con Argos. 2014 PhotoBooks, Festival SCAN de Tarragona con Argos. 2014 A menos de 1000 pies, cuartel de artillería Murcia. 2014 Escales, Passanant foto Tarragona. 2013 Con calle 35 en el Festival Internacional de Fotografía callejera de Miami E.E.U.U. 2013 Arbres, Passanant foto Tarragona. 2013 15 de 35, con Calle 35 en la galería Cadaver Exquisit Barcelona. 2007 Exposicion colectiva Clic muestra de fotoperiodismo joven de Catalunya en Visa Pour la image Perpignan. FESTIVALES 2018 Exposicion colectiva Street photography awards LENSCULTURE en los Les Rencontres d’Arles. 2018 Exposición colectiva en el festival KONTENPORANEA 2018 Irún. 2017 Proyecion de Más, Festival Santander Photo, Santander. 2017 Exposición colectiva Un cierto panorama Fundación canal Isabel II de Madrid comisionada por Jesús Mico dentro del festival PhotoEspaña. 2016 Exposicion S’amorra amorra Fundació Cuixart en la IX Bienal de Fografía Xavier Miserachs. 2016 Proyección de Más, Festival Visions de A’Coruña. 2015 Exposicion La vida es sueño, PA-TA-TA Festival de Granada. 2013 Exposicion Rendición, Autono Fotográfico Gallego en Ourense y A Coruña. 2015 Visionados Festival de fotografía Emergente de Granada. 2015 Proyección de Pasos, Docfield festival de Barcelona. 2014 Fórum Fotografic de Barcelona. 2014 Descubrimientos del Festival Photoespaña. 2014 Exposicion colectiva PhotoBooks, del Festival SCAN de Tarragona con Argos. 2013 Festival da Imagen de Braga (Portugal). 2013 Exposicion colectiva con calle 35 en el Festival Internacional de Fotografía callejera de Miami E.E.U.U. 2007 Exposicion colectiva Clic muestra de fotoperiodismo joven de Catalunya en Visa Pour la image Perpignan.

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PREMIOS Y BECAS 2018 Selecionado para Suburbia Archivo de Artistas 2018 de Suburbia Contemporary Art. 2018 Street photography awards LENSCULTURE finalista. 2018 CUARTO LÚCIDO Centro José Guerrero de Granada. 2018 PANORAMA1 del Centro de Documentación y Estudios Avanzados sobre Arte Contemporaneo CENDEAC. 2017 Beca AliBaba Photo 2017 del ICA (Instituto de Industrias Culturales y Creativas de Murcia) 2016 Premio Proyecta del Centro Andaluz de la fotografía 2016. 2016 Finalista del Festival Visions de A’Coruña. 2015 Premio Nuevo Talento FNAC de fotografía 2015. 2014 Mención de honor en el Fórum Fotografic de Barcelona. 2014 Beca Seminarios de Fotografía y Periodismo de Albarracín. 2013 Finalista de las becas Fotopres de La Caixa. 2013 Premio del Festival de Fotografía Emergente de Granada PA-TA-TA Festival.

https://www.salcedofoto.com/

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TONDOSMILING RAMÓN LOPEZ DE BENITO 2015 Doctor en Bellas artes, Universidad Complutense de Madrid, España 1995 Licenciatura en Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid, España. Ramón López de Benito es doctor de Bellas artes por la Facultad de Bellas Artes de Madrid. Actualmente ejerce como profesor en dicha universidad en el área de nuevas tecnologías aplicadas a la creación artística. Paralelamente ejerce como creador desarrollando proyectos con nuevas tecnología y focalizando su estudio en el entorno digital. Recibiendo premios y reconocimientos a nivel nacional. Del mismo modo es autor de diferentes libros y publicaciones de carácter didáctico e investigativo. LUCÍA CRISTÓBAL MARÍN 2011-2016 Master en Arquitectura y Arte con el Profesor Carlo Baumschlager y Jean Marc Bustamante, Akademie der Bildenden Künste, Múnich, Alemania 2004-2011 Licenciatura en Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid, España 2004-2008 Diplomatura en Arquitectura de Interiores, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnicade Madrid, España. Lucía Cristóbal Marín es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de Madrid, arquitecto con el Profesor Carlo Baumschlager por la Akademie der Bildenden Küsnte München y cofundadora del grupo artístico Tondo Smiling. Durante los últimos años ha desarrollado su carrera artística en la ciudad de Múnich, habiendo participado en numerosas exposiciones y becas a nivel Europeo. Recibiendo premios y reconocimientos.

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EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2017 Drei Lirisyher, Múnich, Alemania 2015 Encuentros y Comienzos. Galería Filser und Gräf, Múnich, Alemania 2015 Un ensayo de Múnich, Banco BHF, Alemania 2014 Artemis Group, Múnich, Alemania 2013 Galería WasserTurm 39, Múnich, Alemania 2012 Moments, Galería Arte Vista, Barcelona, España 2011 Looks and Reflections. Montón de Trigo Montón de Paja, Segovia, España EXPOSICIONES COLECTIVAS Y SELECCIONES 2017 ZIMMER FREI, Hotel Mariandl, Múnich, Alemania 2017 Benefiz-Kunstauktion, Sotheby’s, Viena, Austria 2017 Open Art, Galería Filser und Gräf, Múnich, Alemania 2017 Factory Art, Alicante, España 2017 Open Ateliers Super +, Múnich, Alemania 2017 Go to paradise, Kunstarkaden, Múnich, Alemania 2017 Go to paradise, Kunstarkaden, Múnich, Alemania 2017 FORM-A( R )T, Kunstverein, Hamburgo, Alemani 2017 Karlsruhe Kunstmesse 2015, Galería Filser und Gräf, Múnich, Alemania 2016 PIN Auktion, Christie´s auction House, Pinakothek der Moderne, Múnich, Alemania 2016 Junge Kunst, Marktoberdorf, Alemania 2015 Kleines Format, Galería Filser und Gräf, Múnich, Alemania 2015 Accrochage&Sommerfest, Galería Filser und Gräf, Múnich, Alemania 2015 Karlsruhe Kunstmesse 2015, Galería Filser und Gräf, Múnich, Alemania 2015 First View, Galería Filser und Gräf, Múnich, Alemania 2014 Dreiklang, Galería Filser und Gräf, Múnich, Alemania 2013 Sammlung Campoi, Dusseldorf, Alemania 2013 Stille SPKTKL. Munikat, Múnich, Alemania 2012 Hello A.G., Múnich, Alemania 2012 Premios BMW, Casa de Vacas, Madrid, España 2012 Galería WasserTurm 39, Múnich, Alemania 2011 JungArt Berlin, Berlin, Alemania 2011 Beca del Palacio del Quintanar, Real Academia de San Quirce, Segovia, España 2011 Trojan horse, Riga, Lituania

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2010 Visión de Futuro, Galería Nolde, Madrid, España 2010 Exposición colectiva Instituto Cervantes, Múnich, Alemania 2010 Beca de Ayllón 2010, Palacio del Vellosillo, Ayllón, España 2010 A Love History, Galería Two Head Chicken, portugal, España 2009 Corpórea 2008 Museo de la Universidad de Alicante, España 2009 Sala de exposiciones Ca la Villa, Llíria, Valencia, España 2009 Sala de exposiciones Palacio La Audiencia, Mujeres de este mundo. Soria, España 2008 Casa de América (III Concurso de escultura figurativa 2008), Madrid, España 2008 Fundación Fran Laurel, El Poble Espanyol, Barcelona, España 2008 Sala de exposiciones O.T Oropesa del Mar, Castellón, España 2008 Galería de arte L´Arcada, Girona, España 2008 Sala de exposiciones Palacio La Audiencia, Soria, España 2007 Thyssen Bornemisza (II Concurso de escultura figurativa 2007), Madrid, España 2007 Galería Cuatro Diecisiete, Madrid, España 2005 Premio Universo del Quijote. Alcalá de Henares, España 2003 Feria de Arte Independiente de Madrid, España 1993 LIV Exposición Nacional de Artes Plásticas. Valdepeñas, España 1993 Exposición Premios Villa de Madrid, España 1993 III Mostra Unión Fenosa. La Coruña, España 1992 Salón del Debutante. Holanda, España 1991 Facultad de Bellas Artes, España BECAS 2017 Arteles, Tampere, Finlandia 2017 Ateliermietzuschüsse, Landeshauptstadt Múnich, Kulturreferat, Alemania 2012 Sommer Akademie Salzburgo, Austria 2011 Beca de Pintura, Exhibition of the grant holder of Palacio del Quintanar, Segovia, España 2011 Artista invitado, International Mosaic Symposium, Riga, Lithuania 2010 Beca Erasmus, Akademie der Bildenden Künste, Múnich, Alemania 2010 Beca de Pintura, Beca de Ayllón, Universidad Complutense, Madrid, España 2010 Beca de colaboración, Universidad Complutense de Madrid, España, Guyarat, India

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PREMIOS 2017 1º Premio, Artward, Alemania 2009 Mención de Honor III Concurso de Pintura y Escultura Figurativas, 2008 Finalista en el III Concurso de Pintura y Escultura Figurativas, 2008 Primer premio “Certamen de Escultura Oropesa del Mar” 2007 Finalista en el II Concurso de Pintura y Escultura Figurativas, 2005 Primer premio pieza única “Universo del Quijote”, Comunidad de Madrid. 2004 Finalista en el premio de investigación Fundación Picasso Málaga (2005) DOCUMENTAL 2014 “La Sombra de la Madre”, formato digital, 73 minutos 2010 “Color en Matruchaya”, formato digital, 45 minutos 2009 Pieza videográfica “Procesos” Museo Nacional de Escultura, Valladolid

PRENSA 2015 Deuca Tuco Magazine 2011 Adelantado de Segovia 2011 Extracrew COLECCIONES 2016 Bayerische Architektenkammer, Múnich, Alemania 2011 Real Academia de San Quirce, Segovia, España 2011 Universidad Complutense, Madrid, España 2010 Palacio del Vellosillo de Ayllón, Segovia, España, Alemania 2008 “Encuentro” Escultura publica en Oropesa del Mar (Castellón) , Alemania 2008 Adquisición de obra “Búsqueda” Centro de Arte Contemporaneo MEFIC, Alemania 2007 Conjunto escultórico Parador Nacional de La Granja, Segovia, Alemania https://www.tondosmiling.com/

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VERÓNICA VICENTE Formación · Máster en Arte, Museología y Crítica Contemporáneas, Universidad de Santiago de Compostela, 2012. · Máster Internacional de Fotografía Conceptual y Artística, EFTI, Madrid, 2011. · Grado en Bellas Artes, Universidad de Vigo, 2010. Beca Erasmus, École Supérieure des Beaux-Arts de Angers, Francia, 08/09. Becas y premios · Premio adquisición. XX Bienal Internacional de Arte de Cerveira. Vila Nova de Cerveira, Portugal, 2018. · Premio adquisición, XX Certamen de Artes Plásticas Sala el Brocense, Diputación de Cáceres, 2017. · Premio adquisición, XV Certamen de Artes Plásticas Isaac Díaz Pardo, Diputación de A Coruña, 2017. · Beca Formarte, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Residencia en Colegio de España, París, 2016. · Segundo premio, IX Premio Auditorio de Galicia para Novos Artistas, Santiago de Compostela, 2016. · Primer premio, I Concurso Internacional de Fotografía de Escultura. Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes (Ministerio de Educación, Cultura y Deporte) y Museo Nacional de Escultura, 2013. · Beca II Encontro de Artistas Novos, Ciudad de la Cultura, Santiago de Compostela, 2012. · Premio Novos Valores 2011, modalidad de Fotografía, Diputación de Pontevedra, 2011. Exposiciones individuales · Sujeto vulnerable, Galería La Gran en Valladolid y Nocapaper en Santander. 2017. · Una estrategia de la apariencia, Festival Outono Fotográfico, Casa de la Cultura, Pontedeume, 2013.

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Exposiciones colectivas (selección) · Contextile 2018. Bienal de Arte Têxtil Contemporânea. Palácio do Centro Cultural Vila Flor. Guimarães, Portugal. 2018 . El mejor diseño del año. Premios ArtsFAD 2018 a la creación artística. A-FAD. Edificio Diseño HUB, Barcelona. 2018 · XIV Mostra de Arte Gas Natural Fenosa, Museo de Arte Contemporáneo, A Coruña, 2016. · Magical girls. Novas narrativas da muller vernácula. Comisaria María Marco, Casa das Artes, Vigo, 2016. · Keep calm and carry on. Comisaria Nerea Ubieto, La Fragua, Tabacalera, Madrid, 2016. · XVII Premio Joven, Centro de Arte Complutense, Madrid, 2016. · Reverberaciones. Comisario Luis Mosquera, Centro Cultural de Cali, Colombia, 2015. · XVIII Bienal de Cerveira. Vila Nova de Cerveira, Portugal, 2015. · 11th Athens Digital Arts Festival. Centro Histórico de Atenas, Grecia, 2015. · Olladas. A miña familia, Museo Provincial de Lugo, 2015. · 9ª Biennal Leandre Cristòfol. Comisaria Gloria Picazo, Centre d’Art La Panera, Lleida, 2015. · Espazo público / Espazo privado. Comisaria Mónica Maneiro, Centro Torrente Ballester de Ferrol, 2014. · Oscilaciones. CEART, Centro de Arte Tomás y Valiente, Fuenlabrada, Madrid, 2014. · El museo imaginario de la escultura, Museo Nacional de Escultura, Valladolid, 2013. · Európolis, fotografía urbana en Europa. Círculo de Bellas Artes, Madrid, 2013. · FIVAC V, Museo San Juan de Dios y Galería Alejo Carpentier, Camagüey, Cuba, 2013. Obra en colecciones Diputación de Cáceres | Diputación de A Coruña | Centre d’Art La Panera, Lleida | Diputación de Pontevedra| Museo Nacional de Escultura, Valladolid | Colegio de España, París, Francia | Fundação Bienal de Arte de Cerveira, Vila Nova de Cerveira, Portugal.

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www.airplace.org info@airplace.org

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