Ensayo / Aylen Crusta by Boho Cotton

[Vivencias, estímulos, respiros y vacíos]. [Ensayo. Análisis visual y teórico de operaciones pictóricas].

AYLEN CRUSTA Trabajo Final Licenciatura en Pintura

Departamento de Artes Visuales Facultad de Artes Universidad Nacional de C贸rdoba Directora Carina Cagnolo

C贸rdoba - Argentina Marzo 2015

.INDICE. Introducción……………………………………………………………………………..9 Manifiestos previos o simultáneos en el hacer artístico. Distintas visiones o consideraciones de la poética…………………………………...10 Datos técnicos y procesuales de la propuesta…………………………….………......12 Piedras Argentinas Representación de Representación Problemáticas de sistema. Enumeración de esquemas sociales que me provocan intranquilidad………………28 A. El sujeto ensimismado de amor. Simulacro de nado sincronizado, un simulacro de enamoramiento B. Las arduas dictaduras de cotidianeidades en una sociedad capitalista. Un arcoíris sobre mi / Elecciones / La vida en horas de sol C. Machismo chimpancé D. Espontaneidad premeditada. Piedras Argentinas E. Representación de Representación / Porque la pintura / Porque el video F. Il título Divague de referentes…………………………………………………………………..39 Registro de Pinturas ……………………………………………………………………40 Bibliografía……………………………………………………………………………...60 Agradecimientos……..…………………………………………………………………61

.INTRODUCCIÓN. En este escrito se presentarán distintas postulaciones o pensamientos del accionar artístico, del mundo que lo envuelve, catarsis, análisis de los ensayos postulados en la presentación matérica, postulación de otros planetas, bajar a la tierra, volver a irnos. Una propuesta perceptiva, visual, vivencial, de respiros y vacíos. Porque los recuerdos se deshabitan de sentido y contexto y al volver a pasar por la conciencia ya me inventé una nueva vida. Y así se presentan, representaciones ilusorias que se desconectan de su contexto, una agrupación de símbolos distintos unidos por un significante, el de reinventar espacialidades, anhelos interiores y pensamientos de análisis del sistema que solo con el arte puedo materializar. Y así se ven, quietos, tiesos objetos que navegan en un cosmos que no cumplen con las leyes de gravedad, molestan porque no te hablan, molestan porque no son reales, molestan porque ni las piedras ni las obras representadas son así.

.MANIFIESTOS PREVIOS O SIMULTANEOS EN EL HACER ARTISTICO. .DISTINTAS VISIONES O CONSIDERACIONES DE LA POÉTICA. El productor de arte eleva su condición y o pensamiento de vida como reflexiones, a tal punto de considerarlo material interesante para ser consumido por otro o siendo ésta una satisfacción personal, realizable, propiamente individualista y privada. Hablar de experiencias sensitivas provoca incomodidad en la cabeza de la academia. ¿Pero no es en sí la vivencia, el motor de cada elección y toma de decisión de lo que materializaremos o investigaremos promoviéndolo luego como interesante para el consumo y en su más alter ego como obra? Dos corrientes bases en la producción de obra son: las de carácter ideológicas por lo tanto estructurantes o direccionales (arte político1). Y un arte con pretensiones de alterar o trasladar sentimientos o frustraciones (arte de expresión2) que concentran uterinamente un divague subjetivista frente al público. Aquí, es donde se presenta la génesis del proceso, en el sentido de elecciones o consideración de mostrar algo que se va a enmarcar en alguno de estos dos modus operandis que abrirán puertas a mundos donde todo es posible medianamente si se presenta una “calidad”3 en el oficio.

Tiene un perfil definido, modos estrictos de operar en técnica, estilo, programa. Lo cual ya mantiene una afirmación intrínseca dentro de sus estilemas de lenguaje y “creación” de símbolos, por lo tanto historia. Un sentido medianamente más concreto y directo al espectador ávido en los saberes del arte por el arte. Ej, bordes netos, arte geométrico, ¿abstracto?. 1

Arte de expresión, un mestizaje realista y del interior consiente e inconsciente. Donde se aprecia la experimentación, el error y variación de posibilidades matéricas para la búsqueda de diferentes percepciones de una misma cosa. Modo subjetivo y medianamente azaroso. 2

4¿Cuáles

son las premisas básicas para que algo sea arte?: I/ Hoy si no es que en la historia del arte, rige como un pésame, una voluntad de que cualquier cosa bajo el techo de la institución o espacios con pretensiones culturales o circuito artístico elevar la cosa a obra, en vez de permitir mostrarse como espacios de experimentación o procesos de lo que podría ser en algún momento obra y en la mayoría de sus casos más rica e interesante que la idea acabada. II/ Tipos de obras que estén en el top ten del momento, street art, realismo cordobés, expresionismo liviano, algunos intentos de conceptualismo. III/ Obras que dialoguen únicamente con referentes del arte, por su carácter asociativo con el campo. IV/ Perfeccionamiento técnico, conocimiento artesanal, el oficio. V/La persistencia en el campo, relaciones y habladurías. Cada soporte, como la materialidad y la forma en que éstos serán manipulados, pide al creador transitar una constante búsqueda y experimentación. Cada modo tiene su particularidad y tener conocimiento demanda estudio de los diversos oficios hasta encontrar el que se conecta con la mano del productor y el que hace concreta la idea que se quiere materializar.

Percepción que el público tiene del mismo, es una fijación mental del consumidor que asume conformidad con dicho producto o servicio y la capacidad del mismo para satisfacer sus necesidades. Calidad, conocimiento práctico de los materiales. 3

No voy a detallar cada ítem mencionado ya que la postulación de los mismos no tiene una importancia sustancial para el escrito, más que de señalar la realidad de mi visión de lo que se promueve en el campo cordobés. 4

.DATOS TÉCNICOS Y PROCESUALES DE LA PROPUESTA. El modo procesual que llevo a cabo en la realización de mis pinturas, prima de importancia el registro. La cámara debe estar presente en cada momento que se vislumbra una silueta que impulsa la imagen concreta de lo que el lienzo contendrá. De no ser así, la práctica del dibujo genera memoria visual permitiendo recordar la gestualidad de ese instante para luego ser retomado en una nueva sesión fotográfica programada y concisa. Esta imagen es trasladada al cpu, para ser despegada del contexto en que se tomó y crear la ilusión, el montaje junto a otras imágenes que se sometieron al mismo proceso. Así, a partir de un collage digital, recrear la idea que se pretende plasmar. Lo que hago con lápiz no será pintura, nunca lo dudo. En mi forma de proceder a la pintura, el dibujo ha sido un mundo paralelo, son ejercicios como materialidades distintas que me predisponen a reconocer la bipolaridad que encarno. Una obsesiva manía por el color, por ausentar la huella de las pinceladas, por los contornos. La digitalización previa me atenúa la crisis que causaría poner un gramo de grafito en el lienzo. Igualmente son los gajes de encontrarse con algo que realmente combine o trabaje bien con uno. Esto pasa con el óleo, nos entendemos, nos permitimos el tiempo de cada uno, el detallismo que cargamos, las historias que llevamos y las horas en que nos las contamos. El pintar un soporte en óleo es trasladarse a lo más profundo de la psiquis, te desmiente la coraza que con el día toma nuevamente su dureza…aunque no es ni cerca una terapia. El boceto digital me permite realizar la multiplicidad de cambios convenientes para la resolución que busco. Ésta, siempre varía dependiendo del motivo y experimentación visual a la que quiero llegar. Igualmente nunca el boceto y la pintura son gemelos y a veces eso me frustra aunque en otras descubro un placer del que debiesen experimentar los expresionistas del permitirse mostrar su intimidad a otros ojos, permitirse el error y así contener un grado más del “ser” humano.

Es ineludible la fascinación por el montaje en mi producción. Montar, construir, juntar, unir, añadir, combinar, vincular, alzar, organizar, a fin de intervenir en el mundo, no reflejar, sino cambiar la realidad. De modo inconsciente vuelvo al juego de eternizar la imagen. Situar estas pinturas en marco del Arte Contemporáneo, es plasmar una unión con las maneras o procesos de realización en contacto con la tecnología, un replanteamiento del artista creador [mago] – maquina magistral [en tanto posibilidades de experimentación no físicas]. Pero manteniendo la premisa que ni maquina/artista pueden sustituirse pero si acompañarse en el desarrollo de un arte más cercano a la forma de consumo y aprendizaje de hoy.

Programa: Piedras Argentinas Collage de fotografías propias Boceto digital copiado desde pantalla de pc Formato de bastidor cuadrado de 100 x 100 cm Pintura al óleo La composición debe contener figuración humana y repetición en forma modular de las piedras.

Detalles técnicos: Estructura de bastidor, marco cajón de pino 4,5cm interior rebajado. Variación de Lienzos, preparados y granulados. Óleo Alba, aceite de lino Eterna. Piedras argentinas nace de lo experiencial, de espacios y situaciones que me gustaron registrar, particularmente es la exaltación de las piedras del territorio argentino tomadas de distintos museos que transité y de gente conocida en distintas circunstancias.

En ella la utilización de la imagen, tomada de registros fotográficos, son trasladadas a programas de diseño para manipularlos en tamaño y limpieza, como también para mixturar las piedras con la figuración humana. Al realizar este proceso, los objetos piedras dejan de presentarse en su hábitat, transfigurando su sentido, el de piedras, minerales, suelo, porción de tierra. Se ven exaltados en su dimensión y por su repetición modular5. No hay una búsqueda hiperrealista de la transición fotográfica a la pictórica, simplemente sirve como registro para la realización estructural de la pintura. En esta serie, comienzan a abrirse abanicos de posibilidades en el programa para dar privilegio a la composición y a los juegos de imagen fondo. Podría decirse que tomo elementos prestados del mundo que pasan a un contexto completamente transformado, la consciencia aguda de la realidad unida al alejamiento de la realidad o podría decirse de un “…doblamiento de la empíria que pierde el gusto por la ficción al punto que produce y reproduce un mundo interior con sus propias leyes y realidades, dejando de ser fantástico.” (Adorno, 2011, p.33). En la visualización de las pinturas, se presenta una yuxtaposición y fractura de la unidad dentro de las mismas. Ya que su conformación a partir del montaje de objetos o mejor dicho del collage de porciones de realidad, encarna en los objetos una disposición que se plantea inconexos o extrañas en su relación. Los fondos comienzan a variar, desde la presentación del mismo paño donde se registró alguna piedra, a fotos de otros tiempos que tomé de cielos, ríos, etc. también dejando el lienzo en blanco o jugando con planos de fondos geométricos. La búsqueda de estos es resaltar las imágenes planteadas y reforzar la imagen collage.

Una red modular es una estructura en la que se relacionan una serie de figuras iguales o semejantes. 5

El blanco también aparece en algunos de los cuerpos de la figuración humana, resolviéndolos con un contorno continuo y limpio, a modo más gráfico, dejando entrever el esqueleto de la pintura, la línea. Como así también, sutilmente, comienza a aparecer tipos de pinceladas con un poco de empaste para jugar con otro tipo de posibilidad del acabado sin huella y del esfumado que mayormente es el que me representa.

Programa: Representación de Representación Imagen tomada de internet, cambio de escala y cromatismo. Boceto digital impreso. Formato de bastidor rectangular de 150 x 100 cm y 25 x 40 cm. Centralización de la imagen. Figuración al óleo. Fondo blanco en acrílico. Repetición iconográfica de 2 a 4 veces. Alteración de colores en cada reproducción.

Datos técnicos Estructura de bastidor, marco cajón de pino 4,5cm interior rebajado. Tela Seurat granulado 3. Óleo Alba, aceite de lino Eterna. Acrílico EQ Arte blanco 210. Técnica sfumato en su interior, contornos netos en los límites del icono. Es una serie de pinturas/instalación que comienza en 2010 hasta 2013. Utilizo una técnica similar al sfumato6 al óleo, aunque despegando la imagen del fondo con contornos definidos, con una paleta de colores que intenta plasmar nuestra visión en pantalla, al diseño o a la psicodelia. Atravesada con la lectura de imágenes o tipo de aprendizaje del arte de hoy, la virtualidad, reproduciendo artistas contemporáneos, pesos pesados de gran circulación en la internet. Es una experimentación apropiacionista relacionada a la iconografía contemporánea y, a la vez, una búsqueda en el campo de las tonalidades donde, mediante la repetición, se articula

No quiero confundir en la técnica, no es la utilización de la old school del sfumato con tanta veladura, aquí aplico finas capas de colores que contrastan difuminando sus límites para que aparezcan los tonos intermedios. 6

un compendio de variantes de contraste, efectos ópticos y resoluciones más o menos efectivas para dicho régimen escópico7 La realización de las pinturas está vinculada con el cruce de la tecnología, primeramente la internet como medio de aprendizaje para el estudio de visualización de obras, o mejor dicho, representación de obras, imágenes fotografiadas por usuarios que transitaron las muestras o producidas por el techo de la institución en la que fueron presentadas que surcan diferentes caminos en las redes. Tanto el contexto (espacio virtual) que poco habla de la obra y la imagen (fotográfica) plana de la pantalla no logran resolver las caras restantes de los objetos, por lo cual presentan una visión de libre interpretación de los trabajos. De esa imagen central y plana de la pantalla es de la que me apropio. También debo hacer hincapié, en los diversos contextos que trascurren las imágenes, estas comienzan a surcar acompañadas de textos de carácter aleatorios alterando, profundizando y/o desembocando en nuevas lecturas que dispara la imagen en los usuarios. Otro cruce de referencia es el boceto y la experimentación digital utilizando programas de diseño para el tratamiento de la imagen, su color, limpieza, etc., para luego ser trasladado al lienzo, intentando una aproximación entre los pigmentos y la visualización en pantalla o de efectos que dichos programas promueven [saturación, alto contraste, sin rastros del pincel, desvinculación de paleta tradicional de la pintura]. A la vez el acercamiento de artistas que facilita la internet sumado a los tejidos de relectura por parte de los usuarios, me permite recurrir a obras como Fort he Love of God, Damien Hirst, There’s alot of money in chairs de Tracey Emin y demás artistas que tomo de referencia, para mantener una lógica de apropiación de las imágenes de sus obras y atravesarlas por un programa previamente fijado que facilita una coherencia en lo que respecta a la utilización de las mismas para hacer más visible la reproducción y las diferencias que surgen en la traducción del soporte digital al pictórico.

Espectro de imágenes característico de una cultura particular en un momento particular. (Jay), 1996, pp. 1-14. 7

El ya nombrado tratamiento pictórico (técnica del sfumato dentro de contornos definidos)8, y los distintos cromatismos conjugados generan en la imagen la sensación volumétrica, otorgando diferentes escalas planimétricas y vibraciones oculares, dando la sensación de movimiento en algunos sectores de la obra (pp.50-54). Esto último, es parte del estudio pictórico de la serie en donde se manifiesta la utilización de una paleta construida a partir de la aproximación a la visual de pantalla/monitor, a la cual nombro como paleta ácida. Cabe resaltar que el fondo blanco está pensado a modo que la imagen se abstraiga de toda contextualización, que flote en ese abismo de información, dando prioridad al reconocimiento puramente referencial de las obras de los artistas trabajados9. Aunque esto no quiere decir que refleje su intención. Es de suma importancia, la referencia de los nombres de cada pintura. La repetición de las R. (representación) supone la cantidad de veces que reproduje la imagen desde que tomé o descargué la fotografía de internet. En la misma se describe un nombre no siempre acorde a la obra, pero este es el link directo que te llevará a la imagen descargada y de la cual surgen las futuras pinturas. La excepción de la serie y a modo experimental de la percepción que esta tendría, es la utilización de la fotografía de Lennon y Yoko Ono tomada por la estadunidense Annie Leibovitz y reconocida a nivel mundial por la tapa de la revista Rollingstone. Acá se pierde la representación de obras de artes tridimensionales, como de artistas puramente del campo. Pero mi duda se presentó en el poder que tiene esta imagen de dos íconos de los ´60 y ´70 que mantienen aún, en el 2015, un reconocimiento increíble, pocos los que no saben la apariencia de esta pareja. Así es como me permití más libertad en la Los distintos modos de operar van acompañados de lo que la iconografía exige; se percibe más el movimiento en la representación de Damien Hirst que en los sillones de Tracey. 8

Tracey Emin y Demian Hirts (young british artists, británicos), Banksy (británico), Ron Mueck (australiano), Maurizio Cattelan (italiano) y la fotógrafa Annie Leibovitz (estadounidense). 9

manipulación de la imagen, simulando con los pequeños bastidores pixeles y seleccionando solo una porción de la fotografía donde la otra presente se iba a referenciar a partir de audios en conversaciones de ellos dos. Esto nunca fue llevado a cabo (pag.45). Los registros del proceso de esta serie no fueron conscientes en ese entonces, por lo cual es escaso y mal fotografiado

Títulos: r.r.r.r.r damien-hirst-calavera-y-diamantes.jpg, oleo s/lienzo, 400x150cm r.r.r.r Theres_alot_of_money_in_chairs.jpg, oleo s/lienzo, 300x150cm r.r.r elephant-in-the-room.jpg, oleo s/lienzo, 200x150cm r.r.r.r.r maurizio-cattelan-12880_11.jpg, oleo s/lienzo, 100x40cm r.r.r 521043_com_maskiismall, oleo s/lienzo, 75x40cm r.r.r.r.r mona-lisa-bum.jpg, oleo s/lienzo, 50x40cm r.r John-Lennon-y-Yoko-Ono.-Circus.jpg, oleo s/lienzo. 142 bastidores de 10x10cm. Tamaño total 180x160cm

.PROBLEMÁTICAS DE SISTEMA. .ENUMERACIÓN DE ESQUEMAS SOCIALES QUE ME PROVOCAN INTRANQUILIDAD. A. El estado creativo permanece con la soledad. Luego de cada instante de éxtasis mental compartido o provocado por una agudeza sensitiva colectiva, el momento de materialización se ve consumado en varias horas y meses de un continuo dialogo entre el productor y la futura cosa. * El sujeto ensimismado de amor: La energía se concentra en el otro, que no es su obra de arte pero la vive como tal, la respira horas y lunas, concentra tal energía, divagaciones y expresiones dedicadas puramente al otro que el momento de conectar con la obra merma a lo fugaz. Uno está flotando y el mundo es tan maravilloso que no hace falta llenarlo de cosas. Lo fantástico es el nacer de la molestia y los pies que no paran de moverse, también el ataque de insomnio. Despierta la claridad y la producción. No hay nada que llene lo que la obra te da. Uno de los videos que me hubiera gustado presentar para esta puesta se titula Simulacro de nado sincronizado en el living de casa, un simulacro de enamoramiento10. Hace referencia al deseo de un otro, desde una visión relacionada a la tragedia griega, el delirio11 y del psicoanálisis Lacaniano12 Circulando por el espacio de la transparencia, la masa es convertida en flujo, pero al mismo tiempo, con su opacidad y su inercia, pone fin a este espacio «polivalente». Se la invita a participar, a simular, a jugar con modelos, pero hace algo mejor: participa y manipula tan bien que borra todo el sentido que se quería dar a la operación y pone en peligro incluso la infraestructura del edificio. De este modo, una especie de parodia, de hipersimulación en respuesta a la simulación cultural, transforma a las masas, que no debían ser más que el ganado de la cultura, en el agente exterminador de esta cultura. (Baudrillard), 1978, p. 86. 10

En la Grecia clásica el término delirio designaba la forma en que los dioses enloquecen a los hombres a través de sus pasiones, cegándolos a través de ellas... Este delirio no es un error de juicio, hamartía, sino un enceguecimiento pasional. (Rabinovich), 2007, p.5. 11

Ambos simulacros se presentan de maneras distintas, lo visual a través de la danza y un relato en off sobre elucubraciones de un enamoramiento o del deseo o del yo. Pero ambos manifiestan la necesidad del público, la necesidad de él para cumplir sus anhelos o caprichos, un juego que tiene reglas y prácticas.

La tragedia pone en escena, de manera particularmente vívida, la fragilidad del sujeto humano en su búsqueda de la felicidad. El paradigma del deseo humano como deseo del otro. Ibíd 12

Texto: Simulacro de enamoramiento En sentido corográfico, el simulacro de enamoramiento presupone la búsqueda de un espectador. No cualquiera que por ávida sensibilidad o hábil olfato pose la mirada. Generalmente el deseo llega tarde en la percepción presuponiendo un esfuerzo irrisorio de horas y trabajo. Así comienzo a subir al escenario buscando en la multitud mi deseo, al adorado por sus detalles, por algún gesto que hizo, por algún color que lleve, él me hace sucumbir en la actuación. Olvido mis intereses, trabajo sin tener salario, cada momento que pasa dudo pero no puedo frenarlo. Mis discursos toman un tinte naif, todo se tiñe de los más diversos colores que me aturden. Luego de encontrarte y de alguna manera perdernos en una charla, me coloco cerca de vos, te respiro para conocer o inventarme tu perfume. Cada rose casual, que no lo es, me provoca vibraciones en el vientre, escalofríos y piel naranja. Me creo ese mundo dentro, canto, te grito, te pienso en las más diversas escenografías y estados. Te hago a mi imagen, te doy actitudes y respuestas. La realidad generalmente no condice con la ilusión de vos, pero no me importa, me dejo enceguecer, ahora solo dejo que pase. B. Los dinamismos de construcción y sus horarios de mayor eficiencia son inherentes al reloj interno y biológico de cada individuo. Relacionado con lo artístico, las personas que ejecutan la creatividad pertenecen al mundo pero generalmente para crear se ausentan de él. *Las arduas dictaduras de cotidianeidades en una sociedad capitalista: Mi creación vive de noche y el mundo y su capital se mueven de día. El hambre no

aparece cuando produzco. Es tanto el enfoque, que puedo vivir a cigarrillos y agua durante unas 14 horas seguidas. De día el movimiento es tanto que la concentración es difusa, te suena el teléfono, las demandas de la convivencia, la limpieza, las cuentas. El trabajo, más de 8 horas, no me permite dedicarme plenamente a la obra. Salir de la puerta de casa presupone una fuerte baja de estímulos y de dinámica de producción. Detesto interrumpir el momento de ejecución. Es tan delicado ese momento. Uno no vuelve a casa y automáticamente tira colores. No, no funciona así… Un arcoiris sobre mí, es un registro en soporte video de una performance que grita en búsqueda de huir de tal determinada realidad, esa realidad que hastía o mejor dicho me hastía, pero es real y no puedo evadirla, pero si crear desde lo que me produce. Se desenmascara nuevamente el deseo, esta vez desde el lado de conectarse con lo esencial de la pintura, los colores, la materia pura bajando desde el cielo, como una cascada que nos limpia bruscamente, nos refresca, nos renueva. Intentare concretarla visualmente para la presentación de este trabajo aunque el tiempo nos corre… *Elecciones: Elijo permanecer y construir dentro del campo, por mí y para todos. El arte permite ver que todas las realidades son posibles, no hay una ni dos, sino miles de formas de afrontar la vida y de caminarlas, como también de sentirlas. Sabemos que la concepción del trabajo del artista en la esfera social cordobesa no es vista como tal, una realidad que hay que afrontar y por lo tanto cambiar. El arte no es un hobby, ante todo, es una decisión de vida. Pero los cimientos de nuestra provincia no se lo toman en serio, ni la misma institución museo te da aportes por muestras que hagas bajo su techo. Las mismas galerías te piden un porcentaje de tu obra, mientras que su compromiso como galeristas es mínimo. No hay

una conciencia seria del trabajo que requiere el galerismo parece más una estrategia para luego postularse de artistas. Y es aquí donde se me viene la imagen de varias cabecillas cordobesas e inevitablemente la postulación de la obra de Franco Vico “Todos Arties”.

C. Las especies que transitan el cuadro inaugural de las exposiciones tienen un comportamiento calamitoso. Allí dejan de ser personas, amigos, artistas, público… no tengo la palabra justa para describir tal tipo de extrañeza. *Machismo chimpancé: en el marco de la exposición Arte Avanzado (Museo Emilio Caraffa), a la cual fui invitada como artista expositora, recuerdo a un personaje “…esa es tu obra?. Pensaba que era de un hombre…” “…vos vas a quedar embarazada en cualquier momento y vas a dejar la producción…” (un ju juuuu inevitable) una de las tantas frases que tuve que escuchar de uno de los pocos coleccionistas cordobeses en su misión

de acercamiento o “posible interés de obra”. Realmente calamitoso. Su cara se deformó, sus facciones comenzaron a tomar rasgos animales, luego de esta frase el sonido que despedía era gutural. No me asustó pero mi risa creo que lo espantó. Y sí voy a hacer la diferencia, las mujeres en el campo corremos la desenfrenada brutalidad de parte del mismo género como de hombres de escuchar primitivismos que toman a la mujer como débil, poco inteligentes y demás factores que parecieran olvidar las grandes artistas en la historia del arte. Más aún la mujer, tiene que ser el doble de fuerte de carácter y de grandes ideas para transitar como una más dentro de la institución facultad como del arte cordobés. D. La creencia del artista como individuo hábil de concreción de los saberes del dibujo y la pintura como también de la espontaneidad de realización, no siempre se cumplen y esto no presupone ser un mejor o peor artista. Cada persona tiene singularidades que se empiezan a percibir continuamente a partir del estudio y el propio conocimiento interior que promueve la elección de la forma de realización de su obra, esto se vincula íntimamente con su alma. *Espontaneidad premeditada: Un mural tiene boceto, el video una puesta, la perfomance pequeñas reglas, la instalación una programación, el concepto una investigación. Esto no quiere decir que uno no pueda hacer algo “lindo” espontáneamente, pero no es más que eso, un gesto lindo inundado de cariño. Pocos muy pocos son los talentos que pueden espontáneamente crear sentido y una buena obra a modo técnico. Creo igualmente que no hay una búsqueda de complacencia o de simpatía en todas las obras y en los artistas ejecutores de las mismas, sino seriamos decoradores de interiores o miss mundo. Creo que lo que se refleja en la obra son los sentimientos inquietos,

reflexiones o pensamientos de la vida, del sistema, el oficio, la investigación y hasta quizás postulaciones de otro planeta. Las pinturas de Piedras Argentinas, tienen su génesis en un viaje al norte jujeño, allí es tierra de cactus, llamas, cementerios en lo alto inundados de flores y cerros coloridos por minerales que contrastan con la planicie de la floresta. Es por este potencial en el paisaje que las piedras comienzan a ser parte del lienzo entremezcladas con representación de amigos que en un principio fueron participes de esa experiencia y otros que se fueron sumando. Así comienza la indagación a través de museos que presentan varias piedras semipreciosas extraídas de argentina. Las piedras pintadas son trabajadas con distintos zooms, convirtiéndolas en imagen modular que se va a ir repitiendo cuantas veces sea necesario para la composición. Igualmente éstas no siempre son reconocibles por la variedad tan amplia de formas de las mismas, quizás también por la manipulación de tamaño y descontextualización de uso o espacialidad, aunque sus títulos hacen referencia directa al nombre de cada piedra. Esta serie pretende exaltar la conexión con la tierra y lo poco que conozco de ella, abriendo un abanico de posibilidades y libertades en el uso de disposiciones de la imagen y la relación entre figuración humana (pp. 41- 45). E. No son los artistas personajes extraños, menos que menos seres iluminados. ¿No será que el arte vuelve a sus constructores personas enajenadas de realidad y de “…ejercicios de voluntad obsesiva.” (Tesis de Paz Chasseing, citando a Juan Gugger). Representación de Representación es una puesta ideal para el enunciado postulado anteriormente. Esta serie de pinturas, tiene un grado de enajenación con el mundo para concentrarse en

una determinada realidad social, la de los usuarios y la manipulación por parte de ellos de imágenes de internet. Esta voluntad obsesiva se ve reflejada en la producción y reproducción en las pinturas realizadas, intentando ser fiel al programa establecido y ya mencionado. Es de tener en cuenta los beneficios y problemáticas que surgen de la interacción de obras que están pensadas para espacios físicos o por su misma materialidad real el de ser presentadas en plataformas virtuales. Las variaciones de sentido que toman son infinitas, pero a la vez su acotada visualización por necesidad física deja de ser restrictiva y se globaliza. La apropiación por parte de los mismos usuarios de los registros de las obras, promueve una restructuración de la obra anulando su contexto, temporalidad y materialidad, siendo principalmente lo reconocible la imagen planimetrica, éstas, las imágenes poseen altas cargas de contenido político, así como diferentes niveles y posibilidades interpretativas. Estos registros de obra que surcan virulentamente el espacio de redes sociales, blogs, tumblr, Facebook, etc convirtiéndose en una cadena infinita de producción creativa, basada en la apropiación, la intertextualidad y la relectura13 , a una obra relacional. Primeramente con las vanguardias y su fin total con la era cibernética, el aura, la autoría y demás estilemas que el arte de otras épocas consagraba son abolidas. Los significados se pueden, por tanto, cuestionar, superponer, multiplicar, modificar, tergiversar. R. r. pretende a través de la apropiación de estos registros de artistas polémicos con gran visualización en pantalla, plasmar este mecanismo contemporáneo de la lectura fotográfica y su variación de contextos en el marco de plataformas de red.

La obra artística deja de ser algo acabado, para pasar a ser una obra postproducida indefinidamente a través de la cadena infinita y rizomática de contribuciones. Los usuarios son consumidores de contenidos, al tiempo que los producen y a su vez aluden a otros objetos culturales, quedando abolido el copyright y proponiendo la colectivización de la propiedad intelectual (Creative Commons). (Eco), 1991, p.58. 13

*Porque la pintura Puedo hacer mil cosas pero no puedo dejar de pintar, es mi sujeto individuo, mi espacio de individualidad. Dentro del abanico artístico la pintura quizás sea una de las formas de expresión primeras y hoy en día, dentro de la esfera, la más “tradi”. Pero pese a toda su historicidad y características algo interior me pide esporádicamente sentarme y consumirme en el túnel del modulado del color. Cuando esto pasa, las horas se desvanecen. El tipo de pintura que ejerzo demanda exactitud, esfuerzo técnico y toda la meditación, con esto no quiero decir que sea perfecta ni puramente lograda pero si es compleja en su realización. El carácter de la pintura promueve la inmortalidad, lo estático, aunque el mundo gire repetidamente más de 180° ella va a perdurar en el tiempo. La contradicción de la misma deriva en que su contexto y seguramente su contenido queden fuera del mundo que les camina, como a cualquier cosa que se detiene. A la vez su necesidad de espacialidad, porque es materia y en cierto modo es real, presupone un acercamiento del público, en cuanto interés y movimiento físico al espacio donde se exponga o sino hoy en día, será presentada como registro en internet suponiendo el mismo juego del que hablamos en Representación de Representación (pp.21-22; 35). En la presentación de estas obras se manifiesta la búsqueda de jugar con la reproducción de lo ya hecho, lo ya observado y trasladarlo a la bidimensionalidad de la imagen materia presentando otra realidad de las cosas. Aunque al ser piezas únicas construidas a partir de la pintura, como así también ser presentadas en diversos espacios varios de ellos institucionales al arte, le siguen corriendo algunos fantasmas de carácter histórico de la pintura. Sí se presenta una desaparición del artista magistral. Toda obra es reproducible desde la gestualidad pero la unión de idea, composición visual y oficio son a mi percepción el toque único para la elaboración de una gran pintura.

*Porque el video Cada soporte me estimula de una manera distinta. Siempre me gustaron mucho las imágenes en movimiento a pesar de que en mis pinturas y dibujos todo sea tan tieso. Con la cámara logro presentar un proceso de símbolos que van apareciendo a lo largo del tiempo, secuenciar la transformación, o un instante que luego deja de serlo o estirarlo hasta mas no poder. Es asincrónica en referencia al suceso que no tiene lugar en total correspondencia temporal con otro suceso. El receptor no es pasivo, elige visualizar o no el total del video. La recepción no está restringida a la ubicación aunque esta pueda generar un extra sentido, pero su contenido y tiempo serán los mismos. Otro carácter que difiere con la pintura es el de distribución, la retribución económica es la adquisición de un derecho de acceso, no de propiedad. Es innegable su carácter más sociable.

F. Los papeles van y vienen, pero la molestia no desvanece hasta poder cerrar ciclos, así la cabeza deja de pensar en esa última instancia del recorrido de facultad. Recibirse o no, nunca nos bautizó de artistas. Acá la voluntad de artisticidad se contempla en la continua insistencia y producción dentro del campo. *Il título: Creo que el trabajo de tesis es algo tedioso y hasta irritante, pensar que uno para recibirse tiene que presentarse frente a un jurado (con todo el respeto hacia los mismos), llevar a cabo una presentación formal y exponerse hasta más no poder. Varios, no todos, se lo toman más tranquilos. Mi crisis con este proyecto fue supremo y en varios de los procesos frustrantes. No por el hecho del hacer, sino más bien por el de estar tan expuesta a un nivel, quizás, más que la obra. Rehíce mi tesis una y otra vez. Pasa por la seguridad y por lo que realmente esta presentación va a valer o sentirse en el jurado, en

mi directora, en la academia. Las anteriores tesis que escribí se constituían de una presentación puramente individualista, en el sentido que no me hacía preguntas sobre nada más que de la obra por la obra misma. Pero no podía presentar algo así, no estaba cómoda de esa manera. Ahora creo que la producción es tan personal, cargada de historicidad de los pasos de cada uno y los cruces que en ellos se encuentran, así se ha vuelto real y eso me gusta.

.DIVAGUE DE REFERENTES. Me gustan varios artistas como canciones y en su máxima diversidad14, puedo estar observando horas y horas algunas obras, preguntarme sobre ellas, de la alevosía de cómo están hechas, quienes las miran y si alguien más sentirá o pensará lo mismo que me está produciendo. De igual manera me pasa con la música, un día entero escuchando la misma melodía, pero nunca sentí el querer pintar o tocar como ellos, me interesó poder sumergirme en esas creaciones, saber porque lo hacían, realmente percibir lo delicado que somos a las percepciones. Perderme en los mundos literarios, postergar mi vida para ellos crear la vida, postergar el sueño para que esos mundos se inunden de los detalles que dictan las palabras y con ellas mi imaginario. Como todo esto puede despertar recuerdos de un perfume, una textura o inventarnos todo. Nunca me aprendí una canción ni los integrantes completos de una banda, una de las razones obviamente se da por mi falta de concentración la cual me conlleva mil veces más esfuerzo que lo natural. Pero sin darle causa completa a la dislexia nunca me interesaron realmente más que lo que habían logrado en su producción. A que voy con esto, es imprescindible tener noción de la historicidad del arte y de autores que han profundizado tan fervientemente en la dialéctica del lenguaje, de la existencia de las obras y los artistas, los ensayos más polifacéticos y filosóficos que desenmascaran los impulsos creativos de miles de años. Pero entre tanta información cual es el lugar donde nos ubicamos hoy, la creencia de arte que tenemos, las virtudes y las cegueras con que hablamos, los medios para trasmitirlos y las razones de porque lo hacemos.

La relación dada es meramente activa en lo perceptible, acá no hablamos de historicidad ni teoría de ninguno de los dos campos. 14

REGISTRO DE PINTURAS

Cuarzo rosado, 贸leo s/lienzo, 100x100cm, 2015 42

El descanso del cuarzo, 贸leo s/lienzo, 100x100cm, 2015 43

La elevaci贸n del cuarzo, 贸leo s/lienzo, 100x100cm, 2014 44

Cuarzos r铆tmicos, 贸leo s/lienzo, 100x100cm, 2015 45

Raz贸n rodocrosita, 贸leo s/lienzo, 100x100cm, 2014 46

r.r John-Lennon-y-Yoko-Ono.-Circus.jpg, oleo s/lienzo, 180x160cm, 2013 47

r.r.r.r Theres_alot_of_money_in_chairs.jpg, oleo s/lienzo, 300x150cm, 2010-2012

r.r.r.r.r damien-hirst-calavera-y-diamantes.jpg, oleo s/lienzo, 400x150cm, 2010-2013

r.r.r elephant-in-the-room.jpg, oleo s/lienzo, 200x150cm, 2011 57

r.r.r.r.r maurizio-cattelan-12880_11.jpg, oleo s/lienzo, 100x40cm, 2010-2011 58

r.r.r.r.r mona-lisa-bum.jpg, oleo s/lienzo, 100x40cm, 2010 59

r.r.r 521043_com_maskiismall.jpg, oleo s/lienzo, 75x40cm, 2012 60

.BIBLIOGRAFIA. Adorno, Theodor Ludwig Wiesengrund. (2004) Teoría Estética, obra completa, 7, editorial AKAL. Barthes, Roland. (1997) Fragmentos de un discurso amoroso, editorial Siglo XXI. Baudrillard, Jean. (1978) La precesión de los simulacros, editorial Kairós. Brea, José Luis. (2009) Cultura Ram, mutaciones de la cultura en la era de su distribución electrónica, editorial GEDISA. Brea, José Luís. (2008) La era de la e-image. Nuevos regímenes escópicos, Conferencia en el marco del Taller-Simposio Internacional Interactivos: Juegos de la visión. Eco, Umberto. (1991) Obra abierta, 2º, editorial Planeta. Jay, Martin. (1996) Vision in Context: Historical and Contemporary Perspectives on Sight, editorial Routledge. Rabinovich, Riana S.. (1992) Modos lógicos del amor de transferencia, editorial Manantial. Vita, Dolores Furió. (s.f.) Apropiacionismo de imágenes, found footage. <https://riunet.upv.es/bitstream/handle/10251/37019/APROPIACIONISMO.pdf?sequence=1&is Allowed=y>

.A la luna, a los compañeros de juegos. .A la flía y sus construcciones. .Al arte. .A Gabriel, Nahuel, Héctor, Mildred, Vale, Juan.