Art's Vice / New Edition n°8 - Select Art Book - selected places / Session N°2

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PARIS - LYON - GENEVE - MONACO - CANNES - NICE - ST TROPEZ - MEGEVE - COURCHEVEL

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Villas Prestiges & Services

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S A I N T- T R O P E Z

Plages,83Km1 Saint Tropez Villas Prestige & Services - Saint-Tropez - 5 bis rue Route Josephdes Quaranta, 99083990 Saint-Tropez - France Villas Prestige et Services 3 Tel. +33 97 30 78 - info@villa-prestige-service.com - www.villa-prestige-service.com Tel: 04 94 97 30 78 Fax: 04 94 97 38 07 Meeting Point4 -94 Office info@villa-prestige-service.com

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ARTSViCE© éDiTé pAr les ÉDiTiONs ABL EDITIONS© DiffUSé à paris, LyON, COURCHEVEL, MEGèVE, annecy, st tropez, cannes, nice, GENèVe, monaco ...

CONTACT PUBLICATION - regie publicitaire / ABONNEMENT contact@artsvice.com

Toutes les images photos diffusées sur Art’sVice appartiennent à leurs auteurs respectifs.

Direction d’édition & publication Hervé Leger Direction Artistique ByLip© / L.PerrinDomecq Conception Artistique Pierre-Erick Durand Ont collaboré à ce numéro Olivier Servanin - Production artistique international Stéphanie Tiby - Contribution artistique international

LES ÉDITIONS arts vice© NE SONT PAS RESPONSABLES DES DOCUMENTS QUI LUI SONT SPONTANEMENT ADRESSES. TOUTES LES PHOTOS DE CE MAGAZINE SONT “DROITS RESERVES” de leurs auteurs. LA REDACTION N’EST PAS RESPONSABLE DES DOCUMENTS QUI LUI SONT SPONTANEMENT ADRESSES Art’s Vice © Copyright 2010 - Tous droits réservés Toutes les images photos diffusées sur Art’sVice appartiennent à leurs auteurs respectifs NUMErO iSSN & accreditation ojd presse gratuite : ISSN : 2258-1766

iMprESSiON

Imprimerie fot - N°201307.0139

Photo Couverture : ©Nick Meek courtesy Florence Moll & Associée

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Art’s Vice © Copyright 2016 - Tous droits réservés

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Une édition limitée de prestige, peinture, sculpture, photographie, architecture, événements et rencontres ...

Art’s Vice est avant tout le magazine de l’art de vivre. Il est destiné à un public exigeant, curieux et ouvert sur le monde. il présente chaque trimestre “L’art” dans tous ses états, une sélection exclusive d’artistes internationaux, les dernières tendances du marché de l’art, un agenda des événements majeurs dans les principales capitales européennes.

A prestigious limited edition presenting painting, sculpture, photography, architecture, events, meetings ...

Art’s Vice is above all the “art of living magazine” and is intended for an open and curious public. It presents each quarter “Art”in all its forms, an exclusive selection of international artists, the latest market trends in the art, a calendar of major events in major European capitals.

An invitation to step into the universe of emerging or established artists, and to share the emotion of refinement and elegance.

A set of values related to artistic heritage, knowhow, creativity and innovation : values of art that are the best strength and success for our “Artbook” partners.

Art’s Vice is exclusively distributed in a European network. A selection of fine hotels and gastronomic restaurants, luxury boutiques, jewelers, watchmakers, golf courses, spas, art galleries, business offices ... The insurance of a selective vision and the desire to satisfy a targeted audience of art lovers.

Une invitation à se glisser dans l’univers d’artistes émergents ou confirmés, à partager l’émotion du raffinement et de l’élégance. Un ensemble de valeurs liées au patrimoine artistique, aux savoir-faire, à la créativité, à l’innovation ; des valeurs d’art qui constituent le meilleur atout et succès aux partenaires de notre ”ArtBook”.

Art’s Vice est exclusivement diffusé dans un réseau européen. Une sélection de grands hôtels et restaurants gastromoniques, boutiques de luxe, joailleries, horlogeries, golfs, spas, galleries d’arts, cabinets d’affaires… L’assurance d’une vision sélective et l’objectif de combler un public ciblé d’amateurs d’arts.

Enjoy ! The NEW “Art’s Vice Team”

www.artsvice.com “ L’Art est un jeu entre les hommes de toutes les époques ! ” «Art is a game between men of all ages ! « Marcel Duchamp

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AGENDA CREDITS

Frieze New York 5-8 mai 2016

Chris Labrooy© Chris Labrooy Jakub Geltner© Jakub Geltner Gee Bird & Bamby© Gee Bird & Bamby Ashish Patel© Ashish Patel Matthew Porter© Matthew Porter Thomas Allen© Thomas Allen Fiora Borsi© Fiora Borsi Renaud Marion© Renaud Marion Azuma Makoto ©Azuma Makoto - Crédits photos Shinoki/AMKK Ivan Venkov© Ivan Venkov Cinta Vidal© Cinta Vidal Lorenzo Mattotti Images© Lorenzo Mattotti Gerhard Richter© Gerhard Richter Gérard Fromanger© Gérard Fromanger Peter Stämpfli©Peter Stämpfli - Crédits photo André Morain David Schnell© David SchnellCrédits photo Uwe Walter - Courtesy Galerie EIGEN+ART Leipiz/Berlin Hervé Di Rosa© Hervé Di Rosa - Crédits photos Adam Rzepka- Courtesy Galerie Louis Carré & Cie Mike Clapton© Mike Clapton Paul Cadden© Paul Cadden Franco Clun© Franco Clun Mike Dargas©Mike Dargas Luis Perez©Luis Perez - Courtesy Angel Art Servanin Raphaella Spence© Raphaelle Spence Courtesy of Raphaelle Spence and Bernarducci Meisel Gallery Bertrand Meniel©Bertrand Meniel Cheryl Kelley© Cheryl Kelley Courtesy of Cheryl Kelley and Bernarducci Meisel Gallery Cesar Santander©Cesar Santader Terry Rodgers© Terry Rodgers Terry Rodgers Painting Courtesy Terry Rodgers Aeroplastics Contemporary, Brussels Torch Gallery, Amsterdam Roberto Bernardi©RobertoBernardi JKB Fletcher© JKB Fletcher Victor Rodriguez©Victor Rodriguez Kazuhiro Tsuji©Kazuhiro Tsuji Duane Hanson© Duane Hanson- Images Courtesy of the Saatchi Gallery London Chow Chun Fai© Chow Chun Fai François Boisrond- Crédits photos Adam RzepkaCourtesy Galerie Louis Carré & Cie Alain Bublex© Alain Bublex Courtesy Alain Bublex et galerie GP & N Vallois, Paris Enoc Perez©Enoc Perez Paya Poyandeh© Paya Poyandeh Philippe Waty© Philippe Waty Bretch Evens© Brecht Evens Jules de Balincourt© Jules de Balincourt Crédits photo Philippe Servent Courtesy Galerie Thaddaeus Ropac, Paris/Salzbourg Nina Childress©Nina Childress Courtesy Galerie Bernard Jordan, Paris/Zurich France de Ranchin©France de Ranchin - Crédits photo Pierre Schwartz FAILE©FAILE - crédits photo KaMantse for Times Square Arts Odeith©Odeith.com Ron English© Ron English POSE© POSE Speedy Graphito© Speedy Graphito - Courtesy Fabien Castanier Gallery Insook Kim© Insook Kim Just Jaeckin© Just Jaeckin - Courtesy Galerie Anne & Just Jaeckin Stephanie Kloss©Stephanie Kloss, www.Lumas.com Cédric Rouillat©Cécric Rouillat Philippe Shangti© Philippe Shangti Thierry Bounan© Thierry Bounan Mathilde Perrin© Mathilde Perrin Barbara d’Alessandri© Barbara d’Alessandri - Courtesy Secret Art Place Clark Little© Clark Little Valentina Ryabova© Valentina Ryabova Greg Klassen© Greg Klassen Modscape© Modscape

Art Basel 16 au 19 juin 2016 Berlin Art Week 13-18 sept.

2016

Frieze LONDON 6-9 OCTOBRE 2016 6

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AGENDA ART CHINOIS CONTEMPORAIN 27 JANVIER au 2 mai 2016 Exposition CarambolageS au Grand Palais 2 maRS AU 4 JUIL. 2016

MAC DE LYON YOKO ONO

Printemps de l’Art Contemporain à Marseille 9 MARS AU 10 JUIL.2016

9 MARS AU 10 JUIL.2016

Picasso « un génie sans piédestal » MUCEM Marseille 27 avril au 29 Août 2016

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how much

NEO RAUCH BON SI - 2006 peinture, huile sur toile 300 x 420 cm

1 128 400 M€

Zhang Enli

DANCING NO. 2 - 2000 peinture, huile sur toile 215 x 147 cm SOTHEBY’s Hong kong

624 219 €

Peter doig CY TWOMBLY

(Untitled) NY peinture pour intérieur, crayon gras sur toile 172 x 228 cm SOTHEBY’s New York

65 733 960 M€

CABIN ESSENCE - 1993/1994 peinture, huile sur toile 230 x 350 cm Christie’s Londres

12 994 103 M€

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Brice marden Blue horizontal - 1986/1987 peinture, huile sur toile 213 x 300 cm

9 144 687 M€

amadeo MODIGLIANI nu couché - 1917/1918 peinture, huile sur toile 60 x 92 cm

158 715 217 M€

RICHARD PRINCE

Heartbreak Nurse #2 - 2002 Technique mixte (ink jet, acrylic) sur toile 182 x 113 cm

4 117 719 M€

FERRARI 335 SPORT

SCAGLIETTI DE 1957 • CHASSIS N°0674 PROVENANT DE LA COLLECTION PIERRE BARDINON

32 M€

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how much

Gerhard richter

monstein - 1081 peinture, huile & acrylique sur panneau 101 x 151 cm Christie’s NY

3 797 824 M€ GILBERT & GEORGE cherry blossom N°5 - 1974 Tirage argentique (hand colored) 182 x 113 cm

1 129 139 M€

PABLO PICASSO

jules DE BALINCOURT

La Gommeuse - 1901 peinture, huile sur toile 83 x 54 cm

1 000 000 M€ 10

new sensitivity - 2003/2004 peinture, huile & acrylique sur panneau 120 x 127 cm

81 472 €

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roy LICHTENSTEIN ROTHKO

NO. 10 - 1958 peinture, huile sur toile 237 x 160 cm

NURSE - 1964 Technique mixte sur toile 121 x 121 cm

88 822 961 M€ LUCIAN FREUD

73 126 265 M€

THE BRIGADIER - 2003/2004 peinture, huile sur toile 223 x 138 cm

32 432 584 M€ domenico GNOLI Shirt collar size 14 1/2 - 1969 peinture, Acrylique sur toile

6 145 551 M€

KEITh HARING peinture, acrylique sur toile

947 894 €

ANISH KAPOOR BLOOD MIRROR - 2000 Inox et laque 198 x 198 x 47 cm

1 122 337 M€ 11

how much TAKASHI MURAKAMI

Louis vuitton cosmic blossom wisdom - 2010 Acrylique / Platinum 172 x 104 cm

580 000€

CHAGALL

VIOLONISTE SOUS LA LUNE - 1975 Huile sur toile 135 x 113 cm

2 320 500 M€

FERNANDO BOTERO Boxer - 1992 Pierre 150 x 84 x 112 cm

644 500 €

aston martin “Spectre” DB10 MATISSE

3 M€

la leçon de piano- 1923 Huile sur toile - 65 x 81 cm

14 250 000 M€

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EDMONSON

boxer - 1936 Pierre 43 x 17 x 22 cm

720 000 €

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sigmar POLKE

Druckhehler- 1999 Acrylique - 100 x 80 cm

1 000 000 M€

JM BASQUIAT

Untitled / head of madman - 1982 Acrylique 100 x 80 cm

7 970 700 M€

Kazuo Shiraga kajouka - 1990 Huile sur toile 130x 192 cm

2 011 700 M€

robert LONGO

untitled / tiger head / N°8 - 2012 Fusain / papier 233 x 177 cm

1 086 500 M€

andy WARHOL large campell’s soup - 1964 Acrylique - sérigraphie

5 130 000 M€ 13

Brèves

Chris Labrooy Tales Auto Elasticity Chris a commencé à utiliser la 3D comme un outil simple pour visualiser des idées pour les meubles et les produits qu’il ne pouvait pas se permettre de produire. Chris LaBrooy a exposé au musée du design à Londres et a été présenté dans de nombreuses publications portant sur ​​la conception, les produits, la typographie et illustration clients comprennent: Nike, AT & T, British Airways, Time Magazine, Mcdonalds, T-mobile, Transport for London, Ted Baker, Target, Prudential.

Chris began using 3D as a simple tool to visualize ideas for furniture and products that he could not afford to produce. Chris LaBrooy exhibited at Design Museum in London and has been featured in numerous publications on design, products, typography and illustration customers include: Nike, AT & T, British Airways, Time Magazine, Mcdonalds, T -mobile, Transport for London, Ted Baker, Target, Prudential.

Jakub Geltner Les visiteurs de la sculpture serpentent le long du chemin sinueux menant à la magnifique plage de Bondi de Sydney, un inhabituelle mât les accueille à leur arrivée. Un faisceau dense de caméras de vidéosurveillance, pointant chacun leur objectif d’espionnage au passage piétons pâssant dessous !.

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Visitors to the sculpture by the sea wind along the winding path to the beautiful beach of Bondi Sydney, an unusual mast hosts on arrival.

A dense bundle of CCTV cameras, each pointing their espionage lens to the pedestrian crossing below!

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Ashish Patel

Gee Bird & Bamby Le nouveau monde Geebird & Bamby est une entreprise de Robert G. Achtel (1980) et Jens Bambauer (1981). Le partenariat a été initié en 2009 avec l’objectif principal de créer, fabriquer et distribuer «The New World» comme conception visuelle originale. Il est basé sur la photographie d’architecture de la Californie, Nevada et Floride.

Geebird & Bamby is a venture of Robert G. Achtel (1980) and Jens Bambauer (1981).

The partnership was initiated in 2009 with the primary objective to create, manufacture and distribute «The New World» as an original visual design product. It is based on the partnership’s architectural photography from California, Nevada and Florida.

Matthew Porter

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Brèves

MINIATUR ART

Thomas Allen Allen’s signature use of cutting and repurposing book illustrations has not vanished. Instead of the pulp fiction genre, Allen plays with 50’s era versions of clean cut youths and domesticated moms. His unmistakable talent for creating the illusion of 3D in photography with his deft cuts and crimps, establishes a magical world in which a boy and girl play tag creating their own kind of electricity, a milkman makes a very special delivery in space, young toughs play marbles with the solar system and a mother busily sews her own version of “string theory.”

Allen’s signature use of cutting and repurposing book illustrations has not vanished. Instead of the pulp fiction genre, Allen plays with 50’s era versions of clean cut youths and domesticated moms. His unmistakable talent for creating the illusion of 3D in photography with his deft cuts and crimps, establishes a magical world in which a boy and girl play tag creating their own kind of electricity, a milkman makes a very special delivery in space, young toughs play marbles with the solar system and a mother busily sews her own version of “string theory.”

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Fiora Borsi

Renaud Marion

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Azuma Makoto Azuma Makoto started his career as a flower artist.

Every activity of Azuma Makoto focuses on elevating value of flowers and plants by finding unique and mysterious forms that they posses.

Respecting the existence of nature and keeping its dignity, he converts and expresses these beautiful elements to aesthetic level of artwork. .

Azuma Makoto started his career as a flower artist.

Every activity of Azuma Makoto focuses on elevating value of flowers and plants by finding unique and mysterious forms that they posses.

Respecting the existence of nature and keeping its dignity, he converts and expresses these beautiful elements to aesthetic level of artwork.

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Ivan Venkov Ivan Venkov specializes in complex aesthetics, luxury design and brand positioning. His objects are a junc¬ture of artistic thinking and design aesthetics. Their visual appeal is based on complex and pro¬foundly considered systems, both in shape and material.

Ivan Venkov specializes in complex aesthetics, luxury design and brand positioning. His objects are a junc¬ture of artistic thinking and design aesthetics. Their visual appeal is based on complex and pro¬foundly considered systems, both in shape and material.

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Cinta Vidal Cinta Vidal is working in her own original works with un-gravity constructions. She wants to show that we live in one world, but we live in it in very different ways – playing with everyday objects and spaces, placed in impossible ways to express that many times, the inner dimension of each one of us does not match the mental structures of those around us.

Cinta Vidal is working in her own original works with un-gravity constructions. She wants to show that we live in one world, but we live in it in very different ways – playing with everyday objects and spaces, placed in impossible ways to express that many times, the inner dimension of each one of us does not match the mental structures of those around us.

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Lorenzo Mattotti Après avoir terminé ses études d’architecture, Lorenzo Mattotti publie ses premières bandes dessinées à la fin des années 70 et, a début des années 80 , fonde avec d’autres auteurs le collectif d’artistes « Valvoline ». L’univers de Mattotti se meut désormais dans toutes frontières abolies entre la bande dessinée, la peinture et l’illustration.

After his studies in architecture, Lorenzo Mattotti started off in the late 1970s as a comic strip artist and in the early 1980s created the Valvoline collective together with other artists. Mattotti’s universe by now seamlessly ranges over comics, painting and illustration.

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InauguratIon du Musée des ConfluenCes

festIval InternatIonal des roses Fontaine des Jacobins Lyon 2ème

grand lYon fIlM festIval luMIère 2014

sérénade 2014 dubaï festIval of lIgHts

Corazon – lux HelsInkI.2014 festIval des luMIères /Agatha Ruiz de la Prada - VDC/

foruM des MétIers de la Mode et du desIgn du CaMeroun - Yaoundé

/Marion Chauvin/

InauguratIon darse quartIer ConfluenCes

festIval d’été «île utopIe» île Barbe

/Yves EYA/

www.d-facto.eu 23

ARTIST STUDIO

chuck close

norman

rockw ell

daniel

Yue Minjun

arsham

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roy lichtenstein

andy warhol

OCK L L O P N JACKSO

jr

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ARTIST STUDIO

LYNCH D I V A D

RON MUECK

KAWS

MARK US LU PERTZ

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salvador

dali

TAKA SHI M URAK AMI

KEITH HARING Phil Akashi

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Gerhard Richter LE TRIOMPHE DE LA PEINTURE Gerhard Richter est un artiste majeur du vingtième et du vingt-et-unième siècle; son travail s’étend sur près de cinq décennies.

Cet artiste de renommée mondiale dont les oeuvres se vendent aujourd’hui à des prix records, en fait l’un des artistes vivants les plus chers au monde, il sait aussi faire preuve de beaucoup d’humour. Ainsi a t-il déclaré dans une interview « J’ai une santé moyenne, une taille moyenne (1,72 m), je suis moyennement beau. Si j’évoque ceci, c’est parce qu’il faut avoir ces qualités pour pouvoir peindre de bons tableaux. » Exposition Museum Frieder Burda, Baden-Baden, Allemagne du 6 Février au 29 Mai 2016 The triumph of painting Gerhard Richter is a major artist of the twentieth and twenty-first century; his work spans nearly five decades.

This world-renowned artist whose works are now selling at record prices, making himself the most expensive living artists in the world, is also known to have a lot of humour. Thus he said in an interview «I’m in a healthy, average size (1.72 m), I’m moderately good. I mention this because you need those qualities to be able to paint good paintings ».

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champagne-bdr.com ARt’sVice | artbookmagazine

CHÂTEAU LAFITE ROTHSCHILD

CHÂTEAU MOUTON ROTHSCHILD

CHÂTEAU CLARKE EDMOND DE ROTHSCHILD

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L’ A B U S

D ’ A L C O O L

E S T

D A N G E R E U X

P O U R

L A

S A N T É ,

À

C O N S O M M E R

A V E C

M O D É R A T I O N

Gérard Fromanger Très jeune, dès les années 1960, Gérard Fromanger se fait connaitre comme peintre, il se joint très rapidement au mouvement pictural de la Figuration Narrative (1964), mouvement qui se développe à Paris. Pour Fromanger l’actualité puis le présent le plus banal deviennent le sujet du tableau. Le peintre à partir de photographies prises dans la rue parisienne invente une «Nouvelle Peinture d’Histoire. » Gérard Fromanger est un des peintres «révolutionnaires» qui occupe l’Atelier des Beaux-Arts de Paris en mai 68. Il prend activement part à la production de milliers d’affiches (activisme-militantisme-affichage-diffusion).

Pendant cette lutte contestataire Jean-Luc Godard expérimente des films «picturaux» et tourne avec Fromanger des films-tracts.

Very young, from the 1960s, Gérard Fromanger spread his name as a painter, he joined very quickly the pictorial movement of Narrative Figuration (1964), a movement that developed in Paris. From Fromanger point of view, current events and then the most banal present time become the subjects of the painting. The painter invents a «New History of Painting » with photographs taken in the streets of Paris.

Gérard Fromanger is one of the «revolutionary» painters who occupy the Atelier des Beaux-Arts in Paris in May 68. He is actively involved in the production of thousands of posters (activism-militancy-display-diffusion).

During this protest struggle jean-Luc Godard experimented «pictorial» movies and shot film-tracts with Fromanger .

Exposition Museum Frieder Burda, Baden-Baden, Allemagne du 17 Février au 16 Mai 2016

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Peter Stämpfli Préfaçant le catalogue de la rétrospective de Stämpfli, Daniel Abadie écrivait alors: “Stämpfli a été tour à tour, sans que personne ne souligne ces glissements successifs, celui qui peint des voitures, celui qui peint des roues, celui qui peint des pneus. Il est, aujourd’hui, celui qui peint des traces.” Désormais, on s’aperçoit que l’unité du sujet n’a été pour Stämpfli que le moyen d’interroger,sans jamais se répéter, toutes les techniques et les moyens de la peinture.

Préfaçant le catalogue de la rétrospective de Stämpfli, Daniel Abadie écrivait alors: “Stämpfli a été tour à tour, sans que personne ne souligne ces glissements successifs, celui qui peint des voitures, celui qui peint des roues, celui qui peint des pneus. Il est, aujourd’hui, celui qui peint des traces.” Désormais, on s’aperçoit que l’unité du sujet n’a été pour Stämpfli que le moyen d’interroger,sans jamais se répéter, toutes les techniques et les moyens de la peinture.

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David Schnell The landscape painting of David Schnell reflects the manifestations of a nature, which is getting undercut by our direct, urban surrounding. Thereby architectural pieces capture more or less dominantly the image area of the landscapes. David Schnell uses places such as the cultivated landscape around Leipzig, his domicile and place of study as master student of Prof. Arno Rink, as sources of motive for his pictures.

The landscape painting of David Schnell reflects the manifestations of a nature, which is getting undercut by our direct, urban surrounding. Thereby architectural pieces capture more or less dominantly the image area of the landscapes. David Schnell uses places such as the cultivated landscape around Leipzig, his domicile and place of study as master student of Prof. Arno Rink, as sources of motive for his pictures.

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Hervé Di Rosa Hervé Di Rosa déplace son atelier à travers le monde : à Sofia, à Kumasi au Ghana, à Binh Duong près de Ho Chi Minh City, à Mexico DF, à Miami, à Séville, à Porto Novo, à Addis Abeba, à Lisbonne… L’oeuvre est conçue et dessinée par Hervé Di Rosa, mais fabriquée selon les principes intellectuels et techniques locaux. Les tailleurs de sculptures bamoun de Foumban dans les hauts plateaux de l’Ouest camerounais lisent les dessins à leur manière : ils respectent scrupuleusement les éléments indiqués, mais négligent totalement les rapports de proportions. Ils inscrivent les formes dans le tronc qu’ils sculptent. Les données d’Hervé Di Rosa se forment dans la masse et s’adaptent aux exigences monoxyles qui caractérisent la sculpture africaine. FOUMBAN PAR JEAN SEISSER

Herve Di Rosa is moving his studio all over the world: in Sofia, in Kumasi (Ghana), in Binh Duong (close to Ho Chi Minh City), in Mexico City, in Miami, in Sevilla, in Porto Novo, in Addis Abeba, in Lisbon ...If the piece is mastered and drafted by Herve Di Rosa, it is made while following local aesthetics and technical principles.

The Bamoun woodcarvers from the high plateaux of West Cameroon interpret the drawings in their own ways: if they respect scrupulously the indications, they are totally neglecting the scale ratios. The shapes are inscribed into the tree trunk they are carving. The data given by Herve Di Rosa are included but adapted to the basis requirements of African woodcarving.

Exposition à la Maison Rouge du 22 octobre 2016 au 22 Janvier 2017 En permanence à la Galerie Louis Carré & Cie - 10 avenue de Messine 75008 Paris

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Meubliers & AmĂŠnagements Conptemporain H A B I TAT - B U R E A U X & C O L L E C T I V I T E S

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24 rue jarente - 69002 lyon www.arrivetz.com /

tel / 04 72 41 17 77 info@arrivetz.com

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HYPERREALISME présente

CE Cahier Special vous est offert par :

FOCUS SUR: Luis Perez

Mike Clapton 43

Crayon / Pencil

Mike Clapton Mike Clapton is heavily influenced by both music and film, his large charcoal portraits aim to capture the darker and hidden sides of his subjects, with inspiration drawn from explorations of identity, personal crisis and fragility of character. Centred on the triumvirate of impression/perception/reality; the drawings challenge how we perceive and are impressed upon by people, and emphasise the internal thoughts and troubles behind their outward appearance.

Mike Clapton is heavily influenced by both music and film, his large charcoal portraits aim to capture the darker and hidden sides of his subjects, with inspiration drawn from explorations of identity, personal crisis and fragility of character. Centred on the triumvirate of impression/perception/reality; the drawings challenge how we perceive and are impressed upon by people, and emphasise the internal thoughts and troubles behind their outward appearance.

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Crayon / Pencil

Paul Cadden Drawing in a hyperrealist style gives Cadden the opportunity to tweak and change the way that we perceive what is around us. This starts from the very beginning of his artistic process with the use of Photoshop in order to manipulate his images to highlight certain parts, adjust the focus or change the depth of field.

Drawing in a hyperrealist style gives Cadden the opportunity to tweak and change the way that we perceive what is around us. This starts from the very beginning of his artistic process with the use of Photoshop in order to manipulate his images to highlight certain parts, adjust the focus or change the depth of field.

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Franco Clun Pencils paper and time, is all Franco Clun needs to create a world in black, white and infinite shades of gray. His world is populated by faces from which he tries to find and steals the emotion. Each portrait takes more than 100 hours of work (for an A3 size) and at the end of every job he thinks he knows every detail of the face better than those who look himself in the mirror every day.

Pencils paper and time, is all Franco Clun needs to create a world in black, white and infinite shades of gray. His world is populated by faces from which he tries to find and steals the emotion. Each portrait takes more than 100 hours of work (for an A3 size) and at the end of every job he thinks he knows every detail of the face better than those who look himself in the mirror every day.

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Crayon / Pencil

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Peinture / Painting

Mike Dargas Sensual, full, red lips; eyes closed in indulgence, dense black lashes; honey, flowing like melted gold, slowly and sinuously finding its way, over the forehead, lashes, cheeks, nose and down to the chin, and then, gathering in plumb drops, to leave the face behind. Dargas’ photorealistic female portraits focus on the format filling face of the portrayed and its primary features such as lips, eyes and the nose, while the background and the hair are blurred.

Mike Dargas himself says that, for him a portrait is the highest discipline of painting. His portrayals of female faces are exchangeable and almost standardized, but their reoccurrence is insignificant for Dargas’ work.

Sensual, full, red lips; eyes closed in indulgence, dense black lashes; honey, flowing like melted gold, slowly and sinuously finding its way, over the forehead, lashes, cheeks, nose and down to the chin, and then, gathering in plumb drops, to leave the face behind. Dargas’ photorealistic female portraits focus on the format filling face of the portrayed and its primary features such as lips, eyes and the nose, while the background and the hair are blurred.

Mike Dargas himself says that, for him a portrait is the highest discipline of painting. His portrayals of female faces are exchangeable and almost standardized, but their reoccurrence is insignificant for Dargas’ work.

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Peinture / Painting

Luis Perez L’artiste espagnol Luis Perez considére le voyage comme un aspect essentiel de son oeuvre. Ces voyages lui permettent d’explorer et de capter les changements des grandes métropoles. Par le biais de ses oeuvres, il étudie la représentation picturale de la ville, accrochant la lumière sur différents types de surfaces, comme des pavés mouillés, des vitrines et plus particulièrement sur des voitures. Parlant de son travail, il déclare «qu’un aspect important de mon travail est que j’aime les voitures, pas seulement comme de belles machines puissantes, mais aussi pour les reflets que leurs carrosseries peuvent m’offrir.» Luis Perez repousse ses limites, en recherchant les lumières les plus contrastees et les scènes de rue les plus animées, recréant des études de lumière, avec des scènes de nuits, de crépuscules, d’aubes claires, de neige et de pluie. Le spectateur peut ainsi trouver des moments de calme et de sérénité au sein des grandes villes modernes.

Spanish artist Luis Perez has seen travelling as an essential tool to his work. This travelling allows him to explore and capture the changes of well known cities. Within his works he explores the representation of cities, capturing light on reflective surfaces such as wet pavements, shop windows and especially on cars. Speaking about his work he says “an important aspect of my work is that I love cars, not only as beautiful and powerful machines but for the reflections their bodies can offer me”. Luis Perez pushes his limits, seeking the hardest and most diverse light conditions and vibrant street scenes, creating a comprehensive study of light including nightscapes, sunsets, sunrises, snow, and rain. For the viewer this means finding still and tranquil moments in busy modern cities.

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Peinture / Painting

Raphaella Spence Raphaella Spence est surtout connue pour ses descriptions évocatrices et précises des grandes villes europeennes. L’annee dernière, elle a inventorié la beauté viscérale et sensuelle des petites chapelles, souvent en ruine, qui parsement la campagne italienne. Elle bénéficie d’un héritage artistique solide. Son père, comme son grand-père, étaient des architectes anglais reconnus, qui ont influencé son intérêt en matière de précision artistique, son attention aux détails, sa perception pleine d’émotion du beau, ainsi que son don artistique inné.

Raphaella Spence is best known for her precise and evocative renderings of European cities. This past year she has been exploring the tactile and visceral beauty of small, derelict chapels that pepper the Italian landscape. She carries with her a distinguished artistic heritage. Both her father and grandfather were well-known British architects who influenced her interest in artistic precision, attention to detail, emotional understanding of beauty and her innate artistic gift.

For more information contact Marina Press at Marina@MeiselGallery.com

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Peinture / Painting

Bertrand Meniel « L’hyperréalisme nous apprend à voir et contempler les choses ordinaires.

Les objets de notre quotidien dépossédé de leur importance acquièrent une nouvelle dignité grâce à leur représentation sur la toile du peintre. J’appartiens à aujourd’hui. Je vous montre des choses qui appartiennent et raconte le monde d’aujourd’hui. » B. Meniel L’utilisation adroite de l’aérographe est le moyen parfait pour masquer et pervertir la réalité et montrer ensuite l’absence de réalité. Je peux efficacement créer l’illusion d’une représentation. Certains critiques voient l’hyperréalisme comme un mouvement artistique populaire qui a vu le jour dans les années 70, son apogée dans les années 1980, et ses limites dans les années 1990. Ils ne veulent pas reconnaître que le mouvement continue à grandir avec le développement de la photographie numérique. Il a donné à l’hyperréalisme de nouveaux horizons à explorer.

« The hyperrealism leads us to see and to behold the ordinary things. Deprived of their importance, the everyday items get a new dignity due to their representation on the painting. I belong to the present. I show you the things that belong and tell the present. » B. Meniel The smart utilisation of the airbrush is the perfect way to hide and modify the reality and then demonstrate the absence of reality. I can create the illusion of a scene. For some critics, the hyperrealism is seen as a grassroots artistic movement born in the 70’s, which has reached its zenith in the 80’s and its limits in the 90’s. They refuse to admit that this movement keeps growing with the numeric photography movement, which gave it new horizons to explore.

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Peinture / Painting

Cheryl Kelley Cheryl Kelley is using the automobile as a point of reference, continues her exploration into issues of gender, power, and freedom. Through exquisitely rendered canvases, Chrome displays the luminosity and mystique of the automobile that has captured the imagination of so many since its inception. Juxtaposed to her previous exhibitions of all muscle cars, Kelley’s introduction of luxury sports cars like Porsche and Bentley creates a conceptual dialogue of modernity’s influence on design, social trends, technology and taste.

Cheryl Kelley is using the automobile as a point of reference, continues her exploration into issues of gender, power, and freedom. Through exquisitely rendered canvases, Chrome displays the luminosity and mystique of the automobile that has captured the imagination of so many since its inception. Juxtaposed to her previous exhibitions of all muscle cars, Kelley’s introduction of luxury sports cars like Porsche and Bentley creates a conceptual dialogue of modernity’s influence on design, social trends, technology and taste.

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Peinture / Painting

Cesar Santander Cesar Santander began painting still life objects and later became interested in things that he found in antique stores and in private collections.A friend of him had a toy collection and he began painting toys in 1982. He has painted old toys since that time and have explored many ways of using this subject. He has sometimes juxtaposed the toys in front of old postcards to make the image seem like it came from an old movie.

Cesar Santander began painting still life objects and later became interested in things that he found in antique stores and in private collections.A friend of him had a toy collection and he began painting toys in 1982. He has painted old toys since that time and have explored many ways of using this subject. He has sometimes juxtaposed the toys in front of old postcards to make the image seem like it came from an old movie.

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Local sur cour / interphone

44 rue Sala 69002 LYON

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TĂŠl. 04 72 77 92 51 www.autour-de-l-image.fr autourdelimage@orange.fr ouvert du lundi au vendredi 10h/19h Le samedi 13h/19h 65

Peinture / Painting

Terry Rodgers Terry Rodgers is known for large, densely populated realistic canvases that focus on contemporary body politics and personal isolation. He depicts the beautiful and wealthy urban privileged youth in imaginary scenes that stand as an iconic vision of the tensions and confusions endemic to today’s society. This work is a compression and dissection of our rampant imaginations and mediated influences. The seductive and marvelous glamour of the outer world jars against the vulnerability and delicacy of our inner and private selves.

Terry Rodgers is known for large, densely populated realistic canvases that focus on contemporary body politics and personal isolation. He depicts the beautiful and wealthy urban privileged youth in imaginary scenes that stand as an iconic vision of the tensions and confusions endemic to today’s society. This work is a compression and dissection of our rampant imaginations and mediated influences. The seductive and marvelous glamour of the outer world jars against the vulnerability and delicacy of our inner and private selves.

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Peinture / Painting

Roberto Bernardi Roberto Bernardi started to paint at a very young age and his first works in oils date back to the first half of the eighties. He dedicated his studies to the learning of pictorial techniques which would have a significant influence on his artistic formation. In 1993 after his leaving school examinations in a science liceo, he moved to Rome where he worked as a restorer in the church of San Francesco a Ripa. After an initial foray with landscapes and portraits, Bernardi turned towards a totally new kind of realism closely associated to Photorealism (Hyperrealism).

Roberto Bernardi started to paint at a very young age and his first works in oils date back to the first half of the eighties. He dedicated his studies to the learning of pictorial techniques which would have a significant influence on his artistic formation. In 1993 after his leaving school examinations in a science liceo, he moved to Rome where he worked as a restorer in the church of San Francesco a Ripa. After an initial foray with landscapes and portraits, Bernardi turned towards a totally new kind of realism closely associated to Photorealism (Hyperrealism).

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Peinture / Painting

Jbk Fletcher JKB Fletcher est un artiste anglais vivant à Melbourne, en Australie, qui a produit des séries de travaux utilisant l’iconographie “SuperHeroes”, une série de peintures à l’huile représentant des visages peints dans des couleurs de super-héros contemporains.

JKB Fletcher is an English artists living in Melbourne, Australia. He has created series of projects using the « SuperHeroes » iconography process: an oil painting series of portraits done with modern time super heroes colours.

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Peinture / Painting

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Victor Rodriguez Le travail de Victor Rodriguez est soigneusement composé et délibérément détaillé, ce qui rappelle l’hyperréalisme.

Unifier les manières opposées dans lesquelles la caméra et le cerveau humain rendent la réalité, il crée une œuvre extrêmement vivante et envoûtante. Dans ce corps de travail, il interroge ses propres et d’autres relations, parfois paradoxales; les relations entre la réalité et la fiction, la maturité et la pourriture, et de la soumission et de l’autorité.

Victor Rodriguez ‘s work is very detailed and carefully set, what reminds of hyperrealism.

He creates a very real and captivating artwork by unifying opposite materials.

He questions his own relations and others: between reality and fiction, maturity and rot, submission and authority.

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Sculpture / Sculptur

Kazuhiro Tsuji «My aim is to sculpt portraits that go beyond capturing a likeness. I create these heads from the inside out, bringing to life the appearance of inner thought and emotion as I layer the silicone. Face to face, viewers approach the giant heads which are eight times bigger than life size in volume. The stillness and detail allow for close examination of each pore with a level of scrutiny not even permitted to lovers. The sculptures permit an impossibly close shared moment with the celebrated.”

«My aim is to sculpt portraits that go beyond capturing a likeness. I create these heads from the inside out, bringing to life the appearance of inner thought and emotion as I layer the silicone. Face to face, viewers approach the giant heads which are eight times bigger than life size in volume. The stillness and detail allow for close examination of each pore with a level of scrutiny not even permitted to lovers. The sculptures permit an impossibly close shared moment with the celebrated.”

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Sculpture / Sculptur

Duane Hanson La technique employée (de la résine de polyester et de la fibre de verre) par Duane Hanson et sa constante application à vouloir représenter des figures humaines avec un degré très poussé de réalisme en font un artiste atypique de la scène artistique américaine des années 1960. La pratique hyperréaliste de la sculpture chez Hanson dépasse cependant la simple quête d’une représentation parfaite de la réalité puisque dans son travail l’objet et la matière permettent avant tout de rendre compte de problématiques sociétales propres à son temps et qui lui tiennent à cœur.

La technique employée (de la résine de polyester et de la fibre de verre) par Duane Hanson et sa constante application à vouloir représenter des figures humaines avec un degré très poussé de réalisme en font un artiste atypique de la scène artistique américaine des années 1960. La pratique hyperréaliste de la sculpture chez Hanson dépasse cependant la simple quête d’une représentation parfaite de la réalité puisque dans son travail l’objet et la matière permettent avant tout de rendre compte de problématiques sociétales propres à son temps et qui lui tiennent à cœur.

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Meubliers & AmĂŠnagements Conptemporain H A B I TAT - B U R E A U X & C O L L E C T I V I T E S

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24 rue jarente - 69002 lyon www.arrivetz.com /

tel / 04 72 41 17 77 info@arrivetz.com

Chow Chun Fai Chow Chun Fai works with two forms of art: photograph installation, and quotation (in painting and video) of scenes from popular cinema. He perceives images as a form of “text “ which may be appropriated, read and interpreted.

Chow Chun Fai works with two forms of art: photograph installation, and quotation (in painting and video) of scenes from popular cinema. He perceives images as a form of “text “ which may be appropriated, read and interpreted.

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François Boisrond François BOISROND a été sans doute un des premiers à se servir d’un appareil numérique pour faire de la peinture. On sait maintenant que la chambre claire - autre machine optique - était utilisé par les peintres du XVIIe siècle… Cela fait des années qu’on n’arrête pas de trouver des sources photographiques à des tableaux du XIXe siècle par des peintres qui le cachaient peut-être. Et puis même si la texture vidéo d’une image surexposée et saturée est très spécifique et plus typée qu’une vue à travers un objectif, François Boisrond apprend beaucoup à la regarder et à voir comment les lumières sont interprétées … Mais à la fin il faut bien voir qu’à l’arrivée, il faut toujours poser la peinture sur la toile. Et ça cela n’est jamais neutre, c’est là où le peintre figuratif fait entendre sa voix.

Francois Boisrond was among the first artists to use a digital camera in painting. It is now known that the camera lucida, another optical device, has been used by XVII th century painters ... For years it has been proven that photographic sources have been widely used by XIX th century painters, even if they kept it secret. Even if the texture video of an overexposed or saturated picture is more distinctive than the sight through a camera lens, Francois Boiron is learning how to ponder it and weighting the light treatment ... In the end though, the canvas has always to be painted and it cannot be neutral. It is where the figurative painter is expressing his vision.

En permanence à la Galerie Louis Carré & Cie 10 avenue de Messine 75008 Paris

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Alain Bulbex Donner consistance au projet comme tel par l’invention de nouveaux formats qui non seulement évitent de le cantonner dans un moment précis (faisant se mêler les temps de la conception, de la production et de l’exposition), mais qui permettent également de maintenir en communication aussi longtemps que possible les pratiques les plus hétérogènes : du design à la photographie, en passant par la mécanique et le tourisme. Telle pourrait être une caractérisation du régime de travail d’Alain Bublex.

Tour à tour urbaniste, chercheur et voyageur, il réinvente ainsi l’idée du paysage, de la ville, ou de l’architecture. À travers son œuvre il met en place un dialogue entre les utopies modernistes et leurs possibles et imaginables adaptations à la société actuelle, notamment par un intérêt porté sur les multiples facettes des pratiques « artistiques » populaires.

Finding a way to give consistency to the project thanks to new formats that keep it from stagnating at a precise moment (melting the conception time, the production and the exhibition) but also allow to cross as long as possible more heterogeneous processes: from design to photography via mechanical and tourism. Here could be one of the characteristics of Alain Bublex artwork.

Alternatively urban planner, researcher and traveller he re-invents the landscape, the city and the design concepts. He established a dialog through his artwork between modernists’ utopias and their possible adaptation to the modern society.

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OBSERVATION ANALYSE soit minimale, la lumière concentrée sur son L’homme au gant palette visage et ses mains, laissant le reste dans une obscurité La reproduction ci-contre est celle du Portrait d’homme, dit L’Homme au gant (Musée du Louvre, aile Denon) sorti du pinceau de Titien à Venise aux environs de 1523. Cet Homme au gant, saisi « en genoux », révèle de petites curiosités. La signature en majuscules TICIANUS, apposée au bas de la toile sous la forme d’une incision dans le bloc de marbre, présente effectivement une fantaisie chromatique.

L’analyse spectrométrique de fluorescence par rayons X1 réalisée en 2001 a montré que le T, gris foncé, était composé de quelques grains de plomb et de noir de carbone. Ce mélange est issu d’une combustion incomplète de plusieurs lipides (diverses cires, graisses et huiles) et de résines naturelles (surtout de la colophane). Le reste des lettres ICIANUS, bleutées, provient d’un mélange de noir de fumée et d’azurite, un silicate d’aluminium et de sodium de forme complexes. Cette différence porte la pensée vers une signature en deux temps. Il est également possible d’y lire une sorte de désagrégation, par un discours scientifique, du nom du père du tableau. Néanmoins cette analyse circonvoisine de la paranoïa critique ne dit rien de la main qui a peint. Le truc artistique n’est pas spectrométrique. Pas de néant moins la main n’en déplaise à l’achéiropoïèse.

Il ne sera pas question dans ce qui suit d’une étude sur l’œuvre prodigieuse de Titien. Simplement en présence de ce portrait, face à la transparence lumineuse des chairs, qui fut selon Alexandre Dumas2 le désespoir de ses plagiaires, il ne fait guère de doute qu’avec sa peinture Titien pense les corps, qu’il pense en eux. Réputé avoir peu de couleurs sur sa palette, Titien considérait qu’un bon peintre ne doit connaître et employer que trois couleurs, le rouge, le noir et le blanc, mais il savait la magie des contrastes. Quant à ce jeune homme, malgré quelques conjectures, il reste un inconnu, ni plus ni moins qu’un autre. Bien que la

profonde, favorise grandement la vérité de cette tête et, même sans nom, il est si vivant que nous pourrions avoir l’idée de lui soustraire son gant pour provoquer sa réaction. Vivant, c’est à dire que le pli diagonal sous son œil droit nous indique que cet Homme au gant ne fut peut être pas à lui-même anonyme3. Mais si l’œil écoute car la peinture de Titien atteint le langage, l’Homme au gant ne dit rien. Il est ailleurs, dans un silence.

Cet Homme au gant a un «frère aîné»

de même titre Portrait de l’homme, dit homme au gant exposé au Musée Fesch d’Ajaccio, réalisé huit ans plus tôt, une œuvre dite de jeunesse. Tandis que le regard songeur de l’homme au gant du Louvre roule hors cadre, celui avenant du Fesch regarde le peintre. A elle seule la répétition d’un motif antérieur, qui n’est pas rare chez Titien, invite à la relever en la prenant avant de la jeter car l’automaton ici c’est le gant, il guanto en v.o. Ces deux personnages ont effectivement peu de point commun si ce n’est ce snobisme : c’est leur main gauche qui seule est vêtue d’un gant.

Celui du Fesch froisse de sa main droite nue son gant droit tandis que L’homme au gant du Louvre tient son gant droit, sans main dedans, de sa main gauche gantée. Cet accessoire, déjà là chez Homère avant de faire la fortune de Gloversville dans l’état de New-York (la ville des ganteries et du suèdois) et notamment, au pluriel, le titre d’une fulgurance de Benjamin4, s’avère être un objet qui d’un penseur à l’autre, en passant, se prête admirablement à l’élaboration. La préséance sur ce plan revient à Kant. La forme d’une paire de gant montre apparemment deux figures symétriques où le penseur gambergeant de façon hautement élégante y décèle un paradoxe : entre deux objets symétriques il existe une relation irréductible à leur différence conceptuelle («le paradoxe des objets symétriques5»).

A le suivre, d’un gant à l’autre, la fourchette, le cara-

bin ou l’empaumure sont indéniablement identiques.

La surface gant est la même. Cependant, un déplacement sur le plan ne permet pas de superposer le gant droit et le gant gauche, ils ne sont pas ambidextres.

Par contre, si l’on se place dans l’espace, la géométrie change, il devient alors possible de faire pivoter un gant pour le superposer sur l’autre. Dans l’espace le gant n’est ni droit ni gauche et si le modèle s’y prête, il est aisé d’enfiler indifféremment un gant gauche avec la main droite et vice et versa. C’est ainsi avec une simple paire de gant que Kant montre la nécessité du choix a priori d’un espace par un observateur pour représenter un concept ou en d’autres termes que la propriété d’être droite ou gauche n’est pas intrinsèque à l’objet mais relationnelle, entre l’objet et le corps. Cependant, dans cette relation, le savoir reste compatible du corps au gant.

Il existe deux autres manières de passer d’un gant gauche au gant droit et inversement. L’une spéculaire, car le gant est chiral, par le miroir donc, qui se traverse dans Orphée de Cocteau grâce à des gants, l’autre, à laquelle on ne pense pas forcément parce qu’elle implique un pas de traviole, c’est de le retourner. Ce geste est, ou plutôt il m’amuse de l’aborder ainsi, fichtrement lacanien. Aucune emphase et encore moins technicité ne s’attache dans ces circonstances à ce mot de geste. D’ailleurs il conviendrait sans doute de le féminiser en parlant de la geste comme le mentionne Lacan à propos de La chanson de Roland6. Je me rends compte de la sorte de forçage qu’il y a à amener le geste aux abords du champ psychanalytique quoique les bureaux des psychanalystes n’aient jamais été exempts du petit théâtre de la vie.

Le geste sur lequel je me suis accoté pour soutenir cette formulation s’apparente au geste linguistique (der sprachgebärde17) de Kommerell qui est, d’une manière ou d’une autre, toujours geste de ne pas s’y retrouver complètement dans le mot. Il partage cette qualité avec le gant retourné de Lacan qui atteste lui

Bibliographie 1 – Arditi, M. Le Turquetto, Note au lecteur. Arles : Actes Sud, 2011.

2 – Dumas, A. Titien. Paris : Editions du Sandre, 2009.

3 – Pessoa, F. Poèmes païens. Odes. Paris : Christian Bourgois, 1989 (« Heureux, seul l’animal, par les verts pâturages – Paissant, à lui-même anonyme […] »).

4 – Benjamin, W. Gants dans Sens Unique (Einbahnstrasse). Paris : Payot, 2013. Dans ce court texte, les gants s’intercalent entre le sens et le poil.

5 – Kant, E. Dissertation de 1770. Paris : Librairie Philosophique J. Vrin, 1995.

6 – Lacan, J. Séminaire de 1957/58, Les formations de l’inconscient. Paris : Seuil, 1998.

7 – Agamben, G. Kommerell, ou du geste. Préface à Max Kommerell, Il poeta e l’indicible dans La puissance de la pensée. Paris : Payot et Rivages, 2006. le geste linguistique, cette «strate du langage», est ainsi conçu par Kommerell : «l’autre face du langage, le mutisme inscrit dans l’être parlant même de l’homme, le fait pour lui de demeurer, sans mots, dans la langue». «Plus l’homme possède le langage, plus fort est en lui le poids de l’indicible, au point que chez le poète, qui, parmi les êtres parlants, est celui qui possède le mieux les mots, la recherche du sens et de l’allusion s’épuise et il s’ensuit quelque chose de corrosif : la fureur pour le mot». Le geste linguistique diffère du mime, l’hypocrisis des grecs, il signe l’intention ultime de l’œuvre.

8 – Lacan, J. Séminaire de 1965/66, L’objet de la psychanalyse. Editions A.L.I. 9 – Lacan, J. De nos antécédents, Ecrits («Kant tenant son gant à bout de main y suspendit une esthétique, pourtant aussi simple à retourner que ce gant l’est lui-même»), Paris : Seuil, 1966.

10 – Lacan, J. Séminaire de 1966/67, La logique de fantasme. Editions A.L.I. 11 – Lacan, J. Séminaire de 1962/63, L’Angoisse, («[…] dans la Phénoménologie de l’esprit, où il est formellement dit que le langage est travail, et c’est par là que le sujet fait passer son intérieur dans l’extérieur […]

C’est vraiment la métaphore du gant retourné»). Paris : Seuil, 2004.

12 – Lacan, J. Séminaire de 1963/64, Les quatre concepts fondamentaux de la psychanalyse. Paris : Seuil, 1973.

13 – Lacan, J. Séminaire de 1958/58, Le désir et son interprétation («Ce sont d’ailleurs, en somme, les mêmes mots – gaine est le même mot que vagin. Voilà une rencontre linguistique qui n’est pas sans signification.

Sur la gaine, le gant, le fourreau, il y aura beaucoup à dire du point de vue linguistique »). Paris : Seuil, 2013.

14 – Lacan, J. Séminaire de 1975/76, Le Sinthome. Paris : Seuil, 2005.

15 – Bruno, P. Lapsus du nœud dans Une psychanalyse : du rébus au rebut. Toulouse : Eres, 2013.

16 – Joyce, J. Lettres à Nora, lettre du 1 nov. 1909. « La plus jolie paire [de gant] est celle en peau de renne : elle est doublée de sa propre peau, simplement retournée et devrait être chaude, presque aussi chaude que certaines régions de ton corps, Butterfly. » Paris : Payot, 2012.

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ARt’sVice | artbookmagazine aussi cette incomplétude du symbolique. Il est même crédité d’une affinité avec le réel lors de la leçon du 12 janvier 1966, «un gant retourné c’est dans le réel» alors que «le gant dans le tiroir est dans l’imaginaire»8. Le gant retourné de Lacan ne précède pas plus qu’il ne remplace le mot (qu’il demeure) mais s’invite souvent à des instants où l’on pourrait s’attendre à de plus longs développements. Par exemple, lorsque Lacan rend hommage à Kant (c’est le cas à plusieurs reprises avec le gant au cours du Séminaire et dans les Ecrits), on peut supposer que le philosophe aurait pu s’épargner quelques sinuosités dans l’articulation de son esthétique transcendantale in fine suspendue à un gant, «pourtant aussi simple à retourner que ce gant l’est lui-même9».

Le gant retourné par Lacan ne possède pas d’emblée une signification déterminée, il est polyvalent, régulièrement repris dans de nouveaux contextes. Tantôt, il permet d’illustrer les voix strictement distinctes du sadisme et du masochisme en tant qu’«il ne s’agit pas d’un gant qu’on retourne10». Avec Hegel lu par Lacan, le gant retourné métaphorise le travail du langage par lequel le sujet fait passer son intérieur dans l’extérieur à ceci près que Lacan y ajoute un point irréversiblement non retournable, « un résidu reste, qui n’est pas inversable, ni non plus signifiable dans le registre articulé11» lequel s’homologue à l’objet a.

Avec Merleau-Ponty d’après Lacan la réversibilité du gant se fait sensuelle, « voir la façon dont la peau enveloppe la fourrure dans un gant d’hiver12» et grâce à Ella Sharpe, elle devient carrément charnelle, «une rencontre linguistique13» entre la «gaine charmante» (Lacan, L’étourdit, 1972) et le prince gant. En com pagnie de James et Nora Joyce on retrouve un point non retournable dans le gant à ceci près que cette fois ce n’est plus du a qu’il est question mais du «bouton», assimilé explicitement au clitoris. Nora pour James, «c’est le gant retourné» dira Lacan, «sa façon à lui de considérer qu’elle lui va comme un gant14». A ce stade du séminaire, le gant retourné correspondrait à la figure topologique d’une équivalence des sexes15.

Moufle ou mitaine, latex ou peau de renne, comme ceux que Joyce offrit à sa femme Nora16 et dont il fit grand cas, si le gant est (presque) facile à retourner c’est qu’il est troué, comme une chaussette. Quant à Titien, le saint homme au gant, à l’automne de sa vie, on dit qu’il peignait avec ses doigts.

Portrait de l’homme, dit homme au gant Titien 1523 (Musée du Louvre, aile Denon)

S. Deliquiet Portrait de l’homme, dit homme au gant Titien 1515 exposé au Musée Fesch d’Ajaccio

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Expos > 2016: * PROVIDENCE

Fracas psychédélique en Nouvelle-Angleterre Jusqu’au 22 mai 2016

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Heures d’ouvertures : • du 1er octobre au 31 mars : du mardi au dimanche de 10h00 à 12h00 et de 14h00 à 18h00.

Visites guidées sur réservations

• du 1er avril au 30 septembre : tous les jours de 9h30 à 19h00 Visites guidées du lundi au samedi à 14h30 et à 16h00, groupes sur réservations.

Fermetures annuelles : 1er mai, 1er novembre, 25 décembre et 1er janvier.

23 quai Maréchal de Lattre de Tassigny

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34200 Sète France +33 (0)4 99 04 76 44

www.miam.org

Enoc Perez Enoc Perez is best known for his paintings of modernist buildings that nostalgically capture the utopian ambitions and optimism that inspired their construction. He describes his inspiration for these paintings of architectural icons.

For twenty years, Perez worked in a technique related to the printmaking process. Inspired by the influence of Andy Warhol and his silkscreens on the New York art scene, Perez developed his own innovative method that mimicked the process of color printing. Working from both reproductions and his own photographs, Perez made separate preparatory drawings for each color he desired in his finished painting. He applied oil paint to the back of each these sheets and pressed them to the canvas to transfer the color. In 2010, Perez decided to begin working with brushes again.

Enoc Perez is best known for his paintings of modernist buildings that nostalgically capture the utopian ambitions and optimism that inspired their construction. He describes his inspiration for these paintings of architectural icons.

For twenty years, Perez worked in a technique related to the printmaking process. Inspired by the influence of Andy Warhol and his silkscreens on the New York art scene, Perez developed his own innovative method that mimicked the process of color printing. Working from both reproductions and his own photographs, Perez made separate preparatory drawings for each color he desired in his finished painting. He applied oil paint to the back of each these sheets and pressed them to the canvas to transfer the color. In 2010, Perez decided to begin working with brushes again.

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Paya Poyandeh En quelques années, la confrontation de Paya Poyandeh avec l’Occident l’a mis sur le chemin d’une nouvelle expression. Utilisant ses racines intellectuelles et picturales, il se sert des modes de vie européens pour enchevêtrer sur la toile ces deux mondes qui coexistent maintenant en lui. A ce stade de son cheminement artistique, il utilise des éléments calligraphiques, mais non pas pour faire de la calligraphie. Il emploie précisément les mots Amour, Vin et Rien, et c’est par eux que ses peintures ont retrouvé leur rythme. … Amour, Vin et Rien… Ces mots sont venus à lui et il les a adoptés pour leur signification et pour les formes qu’ils représentent.

Paya Poyandeh is starting a new way of expression thank to his confrontation with the occident. By using his pictorial and intellectual origins he allow both his origins and the European way of life to cooperate on his paintings. He uses calligraphic elements but not for calligraphic purpose. He precisely uses the terms Love, Wine and Nothing and let the rhythm of the word express itself in its work. Those words came to him and he adopted them both for their meanings and for the form their represent.

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Art & Events

www.secretartplace.com - contact@secretartplace.com 91

Phillipe Waty Philippe Waty commence à peindre dès l’âge de 19 ans et ne quittera plus ses pinceaux jusqu’à sa mort, à 56 ans. « L ‘art, j’y suis né, j’y habite et j’y surprendrai la mort ». Sur la trace de ses ainés de la Figuration Narrative, ses premières toiles à partir des années 75 sont de grands formats d’une teneur expressionniste. Il y révèle déjà un sens aigü des couleurs et un goût pour déstructurer et recomposer les formes.

A la fin de l’été 1980, Waty, César Maurel et Tristam fondent le collectif les «Musulmans Fumants» (nom tiré d’un roman de Chester Himes), très vite rejoint par Francky Boy, Fabrice Langlade et Dominique Gangloff. Jusqu’en 1990, le groupe collabore avec Mondino, Goude, Gaultier, Plassier, Africa Bambataa, Liberatore, ...

Artiste pop total et traqueur de logos et d’infini, Waty a cherché toute sa vie à marier l’intemporalité de la forme et la contemporanéité de la couleur.

Philippe Waty started painting when he was 19 and will not let go his brushed until his death when aged of 56. « I was born in art, I live with it and will bewilder fatality ». His first paintings in the 75’s are large format expressionist ones. He reveals from the start a real sense of colours and a preference for re-forming items. At the end of the 80’s Waty, César Maurel and Tristam founded the « Musulmans Fumants » (from the title of Chester Himes ‘ novel), soon joined by Francky Boy, Fabrice Langlade and Dominique Gangloff. Till the 90’s the group cooperates with Mondino, Goude, Gaultier, Plassier, Africa Bambataa, Liberatore …

Waty has been seeking during hi entire life to unify the timelessness aspect of the forms to the contemporary feature of colours.

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Brecht Evens Ce jeune flamand est emblématique d’une nouvelle génération de jeunes auteurs, doués et cultivés, pris dans l’étau de ce pays biculturel, bipolaire, bizarre pour tout dire...

Ne comportant ni bulle, ni case, ni trait de contour, les critiques parlent d’un coup de tonnerre, d’un pavé dans la mare de la bande-dessinée.

Ce jeune flamand est emblématique d’une nouvelle génération de jeunes auteurs, doués et cultivés, pris dans l’étau de ce pays biculturel, bipolaire, bizarre pour tout dire...

Ne comportant ni bulle, ni case, ni trait de contour, les critiques parlent d’un coup de tonnerre, d’un pavé dans la mare de la bande-dessinée.

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Jules de Balincourt Jules de Balincourt, après avoir vécu dans plusieurs pays européens, s’installe en Californie à l’âge de 10 ans. Un moment décisif change sa carrière au début des années 2000, lorsque Zach Feuer découvre le travail de Balincourt lors d’un événement Open Studios au Hunter College. Balincourt utilise des couleurs vives et peint davantage sur des panneaux que sur des toiles, ce qui donne à ses oeuvres un aspect brut et rugueux. Son travail va de la peinture géométrique et presque abstraite à des compositions plus figuratives s’inspirant du Pop art et des thèmes américains.

Jules de Balincourt settles in California when aged of 10 years old after living in several European countries. A decisive moment challenged his career at the beginning of 2000’s, when Zach Feuer discovers his artwork in an Open Studio event. Balincourt uses bright colours and paints on panels rather than canvas what brings a crude and rough aspect. His works goes from geometry to more figurative compositions with Pop art inspirations and American themes.

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Nina Childress Les débuts de Nina Childress sur la scène punk alternative parisienne avec le groupe Lucrate Milk puis avec le collectif de peintres Les Frères Ripoulin expliquent peut-être la subversion d’une œuvre qui se développe depuis plus de trente ans.

Depuis quelques années Nina Childress utilise des films de sexploitation américains pour peindre des nudistes dans la nature et des corps mis en scène avec ou sans sous-vêtements. Elle approfondit ainsi sa recherche sur le rapport forme/fond et parvient à donner vie et relief à des images de mauvaise définition.

Les débuts de Nina Childress sur la scène punk alternative parisienne avec le groupe Lucrate Milk puis avec le collectif de peintres Les Frères Ripoulin expliquent peut-être la subversion d’une œuvre qui se développe depuis plus de trente ans.

Depuis quelques années Nina Childress utilise des films de sexploitation américains pour peindre des nudistes dans la nature et des corps mis en scène avec ou sans sous-vêtements. Elle approfondit ainsi sa recherche sur le rapport forme/fond et parvient à donner vie et relief à des images de mauvaise définition.

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France de Ranchin Le labyrinthe qui passe par Mondrian par Jean Seisser Les labyrinthes de France de Ranchin font penser aux œuvres de Mondrian (analogie géométrique). Mais ce sont avant tout des labyrinthes qui strient un champ chromatique. Ils sont comme les labyrinthes des cathédrales du Moyen Age qui timbraient au pavage des églises. Les moines et les fidèles y priaient et, dit-on, y jouaient à la balle durant la période pascale. Dans les œuvres de France de Ranchin, les entrelacs du labyrinthe partagent l’espace pictural en une mosaïque géométrique tout en traçant un parcours qui dynamise le regard et stimule l’attention. L’équilibre parfait des formes et de la distribution des couleurs propose une sorte de mandala traversée par un chemin (que l’œil ou la curiosité va suivre).

Quelle que soit la complexité du dessin (voire son astucieuse perversité), il y a un aboutissement potentiel, un dénouement du parcours (visuel). Quelles que soient les errements, il y a une possibilité de solution de sortie. Le labyrinthe tel qu’il est écrit par France de Ranchin est une tentation mystique traversée par le destin.

Exposition à la Must Gallery du 6 juin au 14 juillet 2016 Place du Château 84220 Gordes

France de Ranchin’s labyrinths are reminding Mondrian’works (geometrical analogy). But first of all, they are labyrinths, striating a chromatic field. They are like those of the Middle Ages cathedrals, stamped on the church flagstones. The clergy as well as the congregation used to pray there and even, as it has been reported, play ball during Easter time. Meditation was achieved through the devotee progress and the convolutions to reach the mystical truth of the center. However these meanderings (either graphical, physical, virtual or psychological) are driving our contemporaries in the mythological fantasy and the labyrinthine ordeal events. France de Rauchin’s works display labyrinth meanderings sharing the space with a geometrical mosaic while setting trails catching the eye and stimulating awareness. The perfect balance between shapes and colors is offering some kind of a mandala crossed by a path which could be followed either by the eye or the mind. Regardless of the design complexity or even its clever perversity, there are a potential culmination and a denouement of the visual pathway. Despite all meanderings, there is always a solution, an exit. The labyrinth as drawn by France de Ranchin is a mystical temptation visited by fate.

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Faile FAILE is the Brooklyn-based artistic collaboration between Patrick McNeil and Patrick Miller. Their name is an anagram of their first project, “A life.”

Since its inception in 1999, FAILE has been known for a wide ranging multimedia practice recognizable for its explorations of duality through a fragmented style of appropriation and collage. While painting and printmaking remain central to their approach, over the past decade FAILE has adapted its signature, mass culture-driven iconography to a vast array of materials and techniques, from wooden boxes and window pallets to more traditional canvas, prints, sculptures, stencils, and installation.

FAILE is the Brooklyn-based artistic collaboration between Patrick McNeil and Patrick Miller. Their name is an anagram of their first project, “A life.”

Since its inception in 1999, FAILE has been known for a wide ranging multimedia practice recognizable for its explorations of duality through a fragmented style of appropriation and collage. While painting and printmaking remain central to their approach, over the past decade FAILE has adapted its signature, mass culture-driven iconography to a vast array of materials and techniques, from wooden boxes and window pallets to more traditional canvas, prints, sculptures, stencils, and installation.

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Odeith Early on, Odeith showed a special interest in perspective and shading, in an obscure style, which he later called “sombre 3D”, where the compositions, landscapes or portraits, messages or homages, stood out for their realism and technique. Odeith was, in 2005, internationally recognized for his groundbreaking incursions in the anamorphic art field, standing out for his compositions created in perspective and painted in different surfaces, such as 90º corners or from the wall to the floor, creating an optical illusion effect.

Early on, Odeith showed a special interest in perspective and shading, in an obscure style, which he later called “sombre 3D”, where the compositions, landscapes or portraits, messages or homages, stood out for their realism and technique. Odeith was, in 2005, internationally recognized for his groundbreaking incursions in the anamorphic art field, standing out for his compositions created in perspective and painted in different surfaces, such as 90º corners or from the wall to the floor, creating an optical illusion effect.

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Ron English Installé à New York, Ron English, peintre, designer et graffeur, a vaporisé le paysage urbain d’images inoubliables, dans la rue, au musée, dans des livres, a la télévision ou sur des couvertures de disques. En anglais, le terme «POPaganda» a été repris pour décrire sa signature qui reprend et mélange des repères culturels divers, des super héros de la mythologie aux emblèmes de l’histoire de l’art, pour créer un langage visuel très drôle, qui transforme la publicité en subversion et la parodie en révélation.

New York-based painter, designer and street artist Ron English has bombed the global landscape with unforgettable images, on the street, in museums, in movies, books, television, and album covers. English coined the term POPaganda to describe his signature mash-up of high and low cultural touchstones, from superhero mythology to totems of art history, to create a hilarious visual language that turns advertising into “subvertizing” and parody into illumination.

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Un luxe remarquable jamais vu auparavant.

Bentayga.

Le SUV extraordinaire. À découvrir chez Bentley Lyon. Passion Automobiles Prestige, 2 Chemin des Cuers, 69570 Dardilly, France.

Tel: +33 4 72 29 12 29. www.lyon.bentleymotors.com Consommation de carburant en l/100 km: urbaine 19,0; extra-urbaine 9,6; combinée 13,1. Emissions de CO2: 296 g/km.

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Un luxe remarquable jamais vu auparavant.

Le nom ‘Bentley’ et le ‘B’ ailé sont des marques déposées. © 2016 Bentley Motors Limited. Modèle présenté: Bentayga.

Bentayga.

BENTLEY LYON

Pose POSE artiste Pop Moderne a été applaudi pour sa capacité inventive. Alors que son travail repose sur l’exploitation humaine très simple émotions comme l’amour, la perte et le triomphe, il les représente dans une union complexe de couleurs vives et l’application en couches qui vise la surprise et la recherche. L’artiste pop POSE est reconnu pour sa capacité créatrice de reprendre des objets du quotidien, des objets jetables et les inclure dans le monde pour en faire quelque chose de beaucoup plus profond. Alors que son oeuvre repose sur la maitrise des émotions basiques, comme l’amour, le deuil ou le triomphe, ils sont présentes dans une union complexe de couleurs vibrantes et de couches superposées qui tendent vers quelque chose de plus profond que ce qui apparait a première vue.

POSE artiste Pop Moderne a été applaudi pour sa capacité inventive. Alors que son travail repose sur l’exploitation humaine très simple émotions comme l’amour, la perte et le triomphe, il les représente dans une union complexe de couleurs vives et l’application en couches qui vise la surprise et la recherche. L’artiste pop POSE est reconnu pour sa capacité créatrice de reprendre des objets du quotidien, des objets jetables et les inclure dans le monde pour en faire quelque chose de beaucoup plus profond. Alors que son oeuvre repose sur la maitrise des émotions basiques, comme l’amour, le deuil ou le triomphe, ils sont présentes dans une union complexe de couleurs vibrantes et de couches superposées qui tendent vers quelque chose de plus profond que ce qui apparait a première vue.

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Speedy Graphito Artiste précurseur d’avant-garde, reconnu comme l’un des pionniers du mouvement Street’Art français, Speedy Graphito s’impose aujourd’hui internationalement comme l’un des artistes majeurs de sa génération. Speedy produit de l’Art. Aussi prolifique qu’inventif, Speedy utilise toutes les formes d’expression - peinture, sculpture, installation, photo ou vidéo, pour créer à travers son œuvre et au fil des époques un langage universel imprégné de l’air du temps. Dans cette démarche, il n’hésite pas à s’approprier pour la détourner toute l’imagerie de la culture populaire, des super héros, voire des marques, réalisant ainsi un décryptage quasi-systématique de notre inconscient collectif. Il décline alors en autant d’interrogations les normes et les diktats de notre identité culturelle occidentale, superposant à la réalité de notre société une dimension plus poétique. Speedy est avant tout un artiste populaire.

Avant-garde and precursory artist, recognized as one of the pioneers of the French Street’Art movement, Speedy Graphito is now internationally emerging as one of the major artists of his generation. Speedy creates Art. Speedy uses all forms of expression - painting, sculpture, installation, photography and video to create through his work and through the ages a universal language permeated with present time. In this approach, he did not hesitate to appropriate all the imagery of popular culture, superheroes or even brands, realizing a quasi-systematic decryption of our collective unconscious. Speedy is primarily a folk artist.

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Stéphanie Kloss

DOSSIER PHOTOGRAPHIE 112

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Insook Kim

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Just Jaeckin Photographe, sculpteur et réalisateur entre autre du célèbre film «Emmanuelle», Just Jaeckin est un homme aux multiples talents.

Pour Just Jaeckin, la sculpture, la photo ou encore le cinéma c’est une espèce de puzzle. Le cadrage des photos ou le découpage des sculptures, ça reste dans un même esprit.

Dans l’absolu, pour lui, un cadrage de sculpture c’est comme un cadrage de photo, ou un cadrage de cinéma.

Photographer, sculptor and film director of the film « Emmanuelle » amongst other, Just Jaeckin hides many different talents. For him, photography, sculptures or films are like different puzzles. Framing a sculpture is as framing a photograph or a film.

Exposition à la Mamounia à Marrakech du 7 avril à fin juin 2016 En permanence à la galerie Anne & Just Jaeckin 19 rue Guénégaud - 75006 PARIS

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Stephanie Kloss Los Angeles, California is a city of dreams, both large and small. And Stephanie Kloss too: she always wanted to photograph the Midcentury Modern houses there, selected icons of modernity. She wasparticularly interested in the residential buildings by Richard Neutra, John Lautner, and AlbertFrey, which has already begun to fascinate her during her architecture studies.

Stephanie Kloss found the look or pose of a lone woman in, or in front of, the building to be very exciting.She collaborated with Anne who is a professional dancer and choreographer.Through her body language, Anne exaggerates the pose and makes it into something artificial, at the same time, she directs the viewer’s gaze and establishes a human dimension of the architecture.

Los Angeles, California is a city of dreams, both large and small. And Stephanie Kloss too: she always wanted to photograph the Midcentury Modern houses there, selected icons of modernity. She wasparticularly interested in the residential buildings by Richard Neutra, John Lautner, and AlbertFrey, which has already begun to fascinate her during her architecture studies.

Stephanie Kloss found the look or pose of a lone woman in, or in front of, the building to be very exciting.She collaborated with Anne who is a professional dancer and choreographer.Through her body language, Anne exaggerates the pose and makes it into something artificial, at the same time, she directs the viewer’s gaze and establishes a human dimension of the architecture.

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Cedric Rouillat Cédric Rouillat, est un photographe autodidacte, il a basé sa formation toute entière sur le recyclage du matériel argentique de son grand-père. Dans ses images, les lieux occupent une place centrale, le décor étant lui-même un protagoniste, dictant la dramaturgie et la ligne graphique à venir.

Quant aux modèles apparaissant sur ses vignettes, ils sont aussi parfois des comédien(ne)s, incarnant de manière désincarnée des figures récurrentes de désir, solitude ou folie, entre Hollywood, Nous Deux et une nouvelle de Jules Barbey d’Aurevilly.

Cédric Rouillat is a self-educated photographer, meaning he based his learning on the use of his grandfather’s argentic device.

He insists on the importance of the chosen places as for him the set dictates the upcoming graphic line.

His models can also be comedians interpreting different roles.

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Phillipe Shangti Artiste contemporain à l’imagination délirante, Philippe Shangti impose son univers pop, glamour, coloré, teinté d’humour et de provocation. Son art est pour lui une arme sublime de dénonciation massive qui révèle les travers de notre société.

Artiste contemporain à l’imagination délirante, Philippe Shangti impose son univers pop, glamour, coloré, teinté d’humour et de provocation. Son art est pour lui une arme sublime de dénonciation massive qui révèle les travers de notre société.

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Thierry Bounan

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Mathilde Perrin

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Barbara D’Alessandri Photographe depuis de nombreuses années, Barbara d’Alessandri aime traiter de l’universalité. Pas un sujet abordé qui n’évoque ce point essentiel à ses yeux. La manière la plus évidente de le souligner, fut tout d’abord de parler du rire. Il uni les hommes, gomme toutes les différences, créant un lien spontané, désintéressé. La série « flingue et vous » : Leur tendant un Beretta, elle les interroge : « De quel film es-tu le héros ? Quel rôle as-tu envie de jouer ? Qui veux-tu éliminer ? Ton voisin ? Toi ? Moi ? »L’influence d’une certaine esthétique iconographique, le mythe du cow-boy, du justicier, du voyou, pousse chacun d’entre nous au fantasme de la violence.

Barbara d’Alessandri has been a photographer for years and loves to deal with universality. There is no theme that can be treated without universality. The first way to highlight it is to speak about the laughter. It unifies people, erase differences and creates spontaneous and disinterested links. The series « flingue et vous » guns and you): she questions: » You are the hero of which film? Who do you want to clear away? Your neighbour? You? Me ». The influence of an iconographic aestheticism, the cowboy, rogue and avenger myth reveals everyone’s violence fantasy.

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www.novencia.com

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Clark Little

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Clark Little a d’abord travaillé au Wahiawa Botanical Garden où il photographie des plantes tropicales.

Sa carrière a changé de d’orientation lorsque sa femme a voulu des photographies de vagues locales pour leur maison. Mettant sa connaissance de l’océan et son amour pour le surf en pratique, Clark Little a échangé sa planche surf contre une caméra et a commencé à filmer le Shore break hawaïen au plus près de l’action, quitte à se faire exploser sur le sable pour tirer des clichés spectaculaires.

Son travail a été exposé aux États-Unis, au Brésil, au Canada, au Japon etc.

Clark little first worked at the Wahiawa Botanical Garden where he photographed tropical plants.

His career changed direction when his wife wished to have local waves photographs for their house. By binding his knowledge regarding oceans and his passion for surf, Clark Little has switched from his surfboard to a video camera and started shooting the Hawaiian Shore break as close to the action, even if this meant to be ejected on the sand in order to take spectacular snapshots. His work was displayed at the USA, in Brazil, in Canada, Japan etc.

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Valentina Ryabo L’artiste Russe Valentina Ryabova de St-Petersburg, est passée maître dans l’art du tatouage hyperréaliste. Du film La Haine à un portrait d’Al Capone en passant par Ivan le terrible, on peut suivre ses dernières réalisations sur son compte Instagram.

The Russian artist Valentina Ryabova from St. Petersburg has mastered the art of hyper-realistic tattoo. From the film La Haine to a portrait of Ale Capone through Ivan the Terrible, one can follow her latest creations on her Instagram account.

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L N

CONCIERGERIE

LORD NELSON

LORD NELSON a pour mission de répondre à toutes vos demandes.

Disponibilité, réactivité, confidentialité sont les trois qualités majeures et indispensables à l’exercice de notre métier, nous permettant d’apporter la meilleure réponse à nos membres.

www.lordnelson.club • 06 09 41 72 94

CONFIDENTIELLEMENT VOTRE 133

- Crédit photos : Fotolia

CONCIERGERIE DE LUXE

no comment

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Lauge Jensen Goldfinger : La moto la plus chère du monde Récemment dévoilé, la Goldfinger qui porte le numéro 66 et dont la particularité est d’être entièrement recouverte d’or 24 carats jusque dans les moindres détails, ornée de 250 diamants, habillée d’une selle en peau de crocodile et détaillée par des câblages de freins recouverts d’or. Côté motorisation le modèle est propulsé par un V-Twin refroidi par air développant 100 Cv répondant aux normes draconiennes « Euro IV » qui entrera en vigueur en 2016 est lui aussi entièrement recouvert d’Or. Le constructeur Danois Lauge Jensen s’écarte des sentiers battus pour nous offrir là, une moto tout simplement exceptionnelle afin de satisfaire ses clients et de réaliser leurs rêves les plus chers.

TRécemment dévoilé, la Goldfinger qui porte le numéro 66 et dont la particularité est d’être entièrement recouverte d’or 24 carats jusque dans les moindres détails, ornée de 250 diamants, habillée d’une selle en peau de crocodile et détaillée par des câblages de freins recouverts d’or. Côté motorisation le modèle est propulsé par un V-Twin refroidi par air développant 100 Cv répondant aux normes draconiennes « Euro IV » qui entrera en vigueur en 2016 est lui aussi entièrement recouvert d’Or. Le constructeur Danois Lauge Jensen s’écarte des sentiers battus pour nous offrir là, une moto tout simplement exceptionnelle afin de satisfaire ses clients et de réaliser leurs rêves les plus chers.

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BMW 3.0 CSL : un concept rendant hommage à la 3.0 CSL Son physique vous dit déjà quelque chose ? Un clin d’œil à l’arrivée il y a 40 ans, en 1975, de BMW aux Etats-Unis.

Le concept 3.0 CSL Hommage R adopte une toute nouvelle livrée de carrosserie, avec les fameuses couleurs de BMW Motorsport, comme sur la 3.0 CSL de course, laquelle justement remportera notamment en 1975 les 12 Heures de Sebring et le championnat IMSA GT sur le circuit de Laguna Seca (mai 1975)... Un tracé à 15 miles (24 km) de Pebble Beach.

BMW s’est également attaché à créer un véritable lien entre le pilote et sa machine de plusieurs manières. Les sièges carbone avec harnais 6 points, désormais en cuir blanc, sont beaucoup plus enveloppant. Un casque a été créé lequel affiche tous les informations (vitesse, rapport engagé, compte tour...) directement sur la visière, à la façon d’un affichage tête-haute.

His physical told you something? A glance at the finish it was 40 years ago, in 1975, BMW US. The concept 3.0 CSL Hommage R adopts a new livery body, with the famous colors of BMW Motorsport, as the 3.0 race CSL, which precisely such win in 1975 12 Hours of Sebring and the championship IMSA GT on the circuit Laguna Seca (May 1975) ... A trail 15 miles (24 km) Pebble Beach. BMW has also sought to create a real connection between the pilot and his machine in several ways. Carbon seats with 6-point harnesses, now in white leather, are much more enveloping. A helmet was created which displays all information (speed, gear position, in turn ...) directly onto the visor, in the manner of a head-up display.

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Ferrari365 GTB / 4 par Panther Westwinds

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Ferrari 250 swb shooting brake by Olivier DECATOIRE

SHOOTING BRAKE Les berlines luxueuses en version break.

Lamborghini 1966 400GT Flying Star - Shooting Brake

Facel Vega shooting brake

Jaguar XK 150 1959 Station Wagon

Aston Martin DB6 - 1967 - Shooting Brake 139

Greg Klassen Le fabricant de meubles Greg Klassen réalise des tables et divers objets en bois et verre, dans une collection intitulée River.

Klassen récupère sa matière première, le bois, des arbres morts jonchant les rives de la rivière Nooksack, près de son atelier. Inspiré par son environnement. Un travail minutieux, d’un amoureux de la nature, qui recherche l’esthétisme et la simplicité d’un paysage.

Greg Klassen furniture manufacturer produces tables and other objects in wood and glass, in a collection entitled River. Klassen regains its raw material, wood, dead trees littering the banks of the Nooksack River, near his studio. Inspired by its environment. Meticulous work, a nature lover, looking aesthetics and simplicity of a landscape.

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Lamborghini Mulhouse / Lyon Lamborghini Mulhouse / Lyon

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Lamborghini Mulhouse / Lyon

e / Lyon Lamborghini Mulhouse / Lyon

LAMBORGHINI HURACÁN LP 610-4 SPYDER

LAMBORGHINI HURACÁN LP 610-4 SPYDER

Lamborghini Mulhouse Concessionnaire Officiel

Lamborghini LamborghiniMulhouse Lyon Concessionnaire ConcessionnaireOffi Officiel ciel

Lamborghini Lyon Concessionnaire O

Passion Automobiles Prestige Avenue P. Pflimlin, 68390 Sausheim Tél. : 03 89 314 312 – www.lamborghini-mulhouse.fr Jean-François Casazza : 06 79 98 11 79 jf.casazza@lamborghini-mulhouse.com

Passion PassionAutomobiles AutomobilesPrestige Prestige Avenue P. Pfl 68390 Sausheim 2 Chemin desimlin, Cuers, 69570 Dardilly Tél.

31221– –www.lamborghini-mulhouse.fr Tél.: :03 0489 72314 29 12 www.lamborghini-lyon.fr Jean-François : 06 98 11 79 Lionel Laffont Casazza : 06 43 55 857939 jf.casazza@lamborghini-mulhouse.com lionel.laffont@passionautomobiles.fr

Passion Automobil 2 Chemin des Cuer Tél. : 04 72 29 12 2 Lionel Laffont : 06 lionel.laffont@pass

LAMBORGHINI HURACÁN LP 610-4 SPYDER

Consommations* (l/100 Consommations* (l/100 km): urbaine 17,5 / extra urbaine 9,2 / combinée 12,3. CO2 emissions de CO2: 285** g/kmkm): urbaine 17,5 / extra urbaine 9,2 / combinée 12,3. CO2 emissions de CO2: 285** g/km * En conformité avec la directive EU 80/1268/EEC

LAMBORGHINI**HURACÁN LPOn610-4 Avec COD (Cylinder Demand) SPYDER

* En conformité avec la directive EU 80/1268/EEC ** Avec COD (Cylinder On Demand)

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Mulhouse : Lamborghini Mulhouse PassionAutomobiles Automobiles Prestige Passion Prestige A venir Concessionnaire Offi ciel Avenue P. Pfl imlin, 68390 2 Chemin des Cuers, 69570Sausheim Dardilly

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VO - Gallardo LP 560-4 Bicolore - 2012 - 9 200 km - Bianco Tél.: :04 03 72 89 31412312 www.lamborghini-mulhouse.fr Monocerus/Nero Tél.

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Mulhouse Lyon : :

Lamborghini Lyon Passion Automobiles Prestige AVN venir - Huracán LP 610-4 Coupé - Grigio Telesto Officiel 2 Chemin Concessionnaire des Cuers, 69570 Dardilly VO 2012 --918200 VO- -Gallardo GallardoLP LP560-4 560-4Bicolore Spyder - 2009 000km km- Bianco - Bianco Monocerus Tél. : 04 72 29 12 21 – www.lamborghini-lyon.fr Monocerus/Nero A venir - Dépôt vente LionelVO Laffont : LP 06 43 55 85 39 - Gallardo 570-4 Spyder Performante EdPrestige Tecnica - 2012 Passion Automobiles lionel.laffont@passionautomobiles.fr 15 000 km - Nero

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VN - Huracán LP 610-4 Cou VO - Gallardo LP 560-4 Sp A venir - Dépôt vente VO - Gallardo LP 570-4 Spy 15 000 km - Nero

Jean-François Passion Automobiles Lionel Laffont : Casazza 06 43 Prestige 55: 06 85 79 39 98 11 79 jf.casazza@lamborghini-mulhouse.com lionel.laffont@passionautomobiles.fr Avenue P. Pflimlin, 68390 Sausheim 2 Chemin des Cuers, 69570 Dardilly Tél. : 03 89 314 312 – www.lamborghini-mulhouse.fr Tél. : 04 72 29 12 21 – www.lamborghini-lyon.fr Consommations* (l/100 km): urbaine 17,5 / extra urbaine 9,2 / combinée 12,3. CO2 emissions de CO2: 285** g/km mbinée 12,3. CO2Jean-François emissions* En deconformité CO2: 285** avecg/km la directive EU 80/1268/EEC Casazza : 06 79 98 11 79 Lionel Laffont : 06 43 55 85 39 141 ** Avec COD (Cylinder On Demand) jf.casazza@lamborghini-mulhouse.com lionel.laffont@passionautomobiles.fr

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Modscape Une maison modulaire de cinq étages accroche au flanc d’une falaise dans cette conception par Modscape©.

La maison est visualisé comme une extension naturelle de la falaise plutôt qu’une addition au paysage, créant une connexion absolue avec l’océan. En interne, les espaces de vie disposent d’un mobilier minimaliste à veiller à ce que les vues transcendantes de l’océan et l’expérience spatiale unique de l’emplacement reste le point focal intégrante de la conception.

A five storey modular home clings to the side of a cliff in this conceptual design by Modscape©. The home is visualised as a natural extension of the cliff face rather than an addition to the landscape, internally, the living spaces feature minimalistic furnishings to ensure that the transcendent views of the ocean and the unique spatial experience of the location remain the integral focal point of the design.

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LE STYLE COMME LIGNE DE CONDUITE

Nouvelle DS 3

Nouvelle motorisation essence PureTech 130 S&S BVM6 - Projecteurs DS LED Vision (1) Mirror Screen(2) avec technologies MirrorLink® et Apple CarPlay™ (1) Aide au stationnement avant(1) - Sièges Cuir Nappa(3) confection bracelet(1)

Spirit of avant-garde = L’esprit d’avant-garde.

DSautomobiles.fr 144 (1) Équipements de série, en option ou non disponibles selon les versions - (2) Nécessite un téléphone compatible - (3) Cuir et autres matières d’accompagnement, voir détail sur www.dsautomobiles.fr.

CONSOMMATIONS MIXTES ET ÉMISSIONS DE CO2 DE NOUVELLE DS 3 : DE 3,0 À 5,6 L/100 KM ET DE 79 À 129 G/KM. Automobiles Citroën RCS Paris 642 050 199