Revista Digital Indalofoto Numero 10

Digital Indalofoto

NÚMERO DIEZ ABRIL 2020

REVISTA FOTOGRAFICA DEL GRUPO INDALO FOTO

REVISTA DIGITAL INDALOFOTO NÚMERO 10 EDICIÓN ABRIL 2020

DIRECCIÓN:

Cristóbal Barea

DISEÑO Y MAQUETACIÓN: José Francisco Góngora

EQUIPO DE REDACCIÓN Y ARTICULISTAS: José Francisco Góngora Ángel Soler José Miguel Martínez Miguel Hidalgo

FOTÓGRAFOS INVITADOS: Jose Benito Ruíz

La realización de este número 10 de la revista Digital Indalofoto ha sido posible gracias, no sólo al trabajo de las personas del equipo de redacción o sus colaboradores, sinó a múltiples personas que han facilitado o aportado su grano de arena para su realización.

Dar las gracias a los autores que han colaborado prestando sus fotografías y vivencias.

FOTOGRAFIA DE PORTADA:

Jose Benito Ruíz

FOTOGRAFÍA DE INDICE:

Jorge J. Rapallo Todos los derechos reservados © Grupo Indalo Foto

El objetivo principal de nuestro Grupo es la promoción y difusión de la fotografía como arte. Nuestra revista, realizada por sus socios, de manera amateur y desinteresada, no tiene ningún interés lucrativo. En esta línea de difusión del arte fotográfico a través de ella, se exponen artículos y obras de grandes fotógrafos. Si por esta intención de difusión sin ánimo de lucro, supusiese un agravio para los derechos de autor, rogamos se pongan en contacto con la dirección de nuestra asociación para proceder a su eliminación de los métodos de distribución de la revista habituales.

Para todos, muchísimas gracias porque sin vuestra colaboración, no hubiese sido podible la realización de este número.

El equipo de Redacción

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Grupo Indalo Foto www.grupoindalofoto.com info@grupoindalofoto.com 649 91 67 15 C/ Real 115 1º D Almería

INDICE

06 E d i t o r i a l

P o r J o s e F. G ó n g o r a

08 G¿ Qr uupi eonIensd aSloomFoost?o 12

Hasta Siempre GABI

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La Jarapilla

de Grupo Indalo Foto

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Entrevista a un Grande: Jose Benito Ruíz Por Jose Miguel Martínez

Año 2019

40 AE sr tei couslcoudr eo oopbijne itóond: e d e s e o Por Ángel Soler

58 CP aánmoarráams idc ea sC: oHl eocr iczioónn :2 0 2 Por Miguel Hidalgo

Grupo Indalo Foto - Digital Indalofoto

P o r J o s e F. G ó n g o r a

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Un Imprescidible en la Historia E D WA R D S T E I C H E N Por Jose Miguel Martínez

UN IMPRESCINDIBLE EN LA HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA

EDWARD STEICHEN 70

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Nos Movemos

w w w. g r u p o i n d a l o fo t o. c o m

60 EJ ol rPgoer fJo. l iRoa:p a l l o

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EDITORIAL

Estamos de enhorabuena porque ya tenemos una nueva edición de Digital Indalofoto, un número especial ya que con él cumplimos un aniversario importante. Esta obra es el décimo número de un trabajo arduo que comenzó a mediados de 2012, cuando en una conversacion informal entre diferentes miembros del Grupo, nos propusimos volver a poner en circulación una publicación propia, que casase con nuestra manera de ver la fotografía. Fueron meses duros que tuvieron recompensa; nuestro primer número veía la luz en octubre de 2012 y nos estrenábamos con un hecho insólito, una entrevista en exclusiva con Matilde Sánchez Imberlón, viuda de Manuel Falces y actual presidenta de la fundación que lleva su nombre, acerca su persona y obra. Fue un éxito rotundo de crítica que nos ha traído hasta aquí.

Sin embargo, las circunstancias en la que publicamos este número, son mas extraordinarias aun si cabe. Actualmente, la población mundial y en especial, la española, estamos confinados en nuestros hogares a causa de la crisis del Covid-19. Las necesidades de distanciamiento social hacen que no podamos reunirnos con nuestros seres queridos, salir a la calle o simplemente disfrutar de la fotografía mas allá de lo que vemos a través de nuestras ventanas. El Grupo no es ajeno a estas circunstancias y nos hemos visto obligados a suspender reuniones, salidas, talleres, etc. Los redactores decidimos que era el momento decisivo para realizar y publicar esta edición. Nuestro trabajo en este número nace con la vocación desmedida de haceros llegar nuestra contribución fotográfica para que os ayude en estos difíciles momentos y ser parte de la fuerza que da sentido a nuestro Grupo.

Esta publicación está marcada por la enorme figura de José Benito Ruíz, uno de los fotógrafos mas importantes que nos ha visitado y todo un referente en el panorama fotográfico español y mundial, que fue entrevistado magistralmente por Jose Miguel Martínez desnudando al fotografo y a la persona. El porfolio del Grupo, en esta ocasión está dedicado a uno de nuestros miembros mas célebres, Jorge J. Rapallo, que nos deleita con algunas de sus imágenes mas icónicas. En la serie de “Grandes Fotógrafos”, tenemos el estudio de Edward Steichen, uno de los considerados “mejores fotógrafos de la historia” en un artículo elaborado tambien por Jose Miguel Martínez. Y como siempre nuestras secciones habituales, La Jarapilla, Cámaras de Colección con un gran artículo de Miguel Hidalgo, el artículo de opinión a cargo de Ángel Soler y mucho más. Espero que lo que tenemos preparado, os haga salir de vuestra confinada rutina.

Dejamos para el final una mención muy especial, una reseña muy significativa para todos los componentes del Grupo Indalo Foto. Se hace difícil asumir la perdida de un histórico de nuestra asociación ya que el pasado agosto, nos despedimos repentinamente de Gabriel Matínez, “Gabi” para los amigos. Los que lo conocimos, quedamos marcados por su manera de ver la fotografía, por su personalidad desmedida y sus increibles conocimientos sobre este arte que nos apasiona. Sin duda es una dura pérdida para la fotografía almeriense justo ahora que empezaba a ser reconocido por su magnífica obra. Personalmente estoy seguro de que si Gabi leyera esta mención en la editorial me diría: “Góngora, déjate de pajas fotográficas”. Así era él. Este número tambien se lo dedicamos ...

Jose F. Góngora

Vicepresidente del Grupo Indalo Foto

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Indalofoto Grupo

¿Quiénes Somos?

El Grupo Indalofoto es una asociación formada por fotógrafos amateurs y profesionales, con sede en Almería, que busca la promoción y desarrollo de la fotografía en todas sus vertientes. Fundado en 1982, perdura hasta nuestros días acogiendo a artistas y amantes de la fotografía de diferente índole, estilo y formación fotográfica.

Nuestra Sede Social se encuentra en:

Grupo INDALO FO C/ Real 115 1º D 04002-ALMERIA 649 91 67 15

info@grupoindalofoto.com

¿Qué Actividades Hacemos?

Exposiciones: Desde su primera muestra colectiva en el desaparecido Casino Cultural de Almería en 1982, el Grupo Indalofoto no ha dejado de promover la actividad expositiva, tanto con carácter individual como colectivo, siendo uno de sus principales objetivos acercar a través de las mismas el trabajo de los socios al público.

Todos los años se organizan dos o tres exposiciones, en ocasiones con una determinada temática y en otras de estilo libre, donde cada autor presenta su trabajo de una forma más personal.

Salidas y quedadas fotográficas: Disfrutar de la fotografía mediante la realización de salidas fotográficas y culturales es otra de las actividades que se promueven dentro del grupo, siendo una oportunidad genial para compartir experiencias y vivir buenos momentos, tanto personales como fotográficos, rodeado de profesionales y amantes de la fotografía.

Cursos y seminarios fotográficos: La fotografía es un mundo en constante evolución. El Grupo Indalofoto se encarga de la organización de cursos con la finalidad de que tanto socios como no socios desarrollen su potencial con las herramientas y conocimientos necesarios para ello. Cursos que van desde la composición fotográfica, el uso básico y avanzado de cámaras digitales, iluminación natural y de estudio, así como las últimas técnicas de revelado y postprocesado, etc.

Aunque los cursos se ofertan al público en general, los socios cuentan con ventajas tales como la gratuidad en la mayoría de ellos, descuentos en otros, prioridad a la hora de la matriculación, etc.

Ayuda en el montaje de exposiciones individuales: Objetivo del Grupo es la ayuda al socio que quiera realizar su propia exposición fotográfica, brindando un valor añadido necesario para su montaje, tanto a nivel de conocimientos, como en el préstamo de materiales, ayuda en la con-

fección de cartelería, herramientas y mesas de corte, iluminación auxiliar, etc.

Promoción Individual de los fotógrafos: El Grupo Indalofoto da cobertura a la promoción individual de sus socios, ayudándoles a darse a conocer y proyectarse. En ese sentido, se hace hincapié en el diseño y distribución de cartelería, el acceso a salas y lugares de exposición, apoyo grupal en sus actividades y exposiciones individuales, difusión en las redes sociales y en los medios digitales y escritos, así como publicaciones en nuestra página web y nuestra revista.

Uso de equipos e instalaciones: Actualmente se dispone de instalaciones y diferentes equipos para el uso y disfrute de los socios, así como sala de reuniones y una pequeña biblioteca de temática fotográfica.

El concurso “Jarapilla”: Sin duda uno de las actividades sociales más importantes del Grupo. Un concurso mensual, abierto a la participación de todos los socios, en el que de forma anónima se presentan copias impresas de fotografías, siendo las mismas objeto de valoración, tanto en su faceta técnica como artística, por el resto de asistentes. La sesión acaba después de comentar una a una todas las obras presentadas, abriendo un debate enriquecedor y necesario para contrastar las diferentes formas de entender el medio fotográfico. Cada mes, los participantes reciben una puntuación dependiendo de

la valoración recibida por sus fotografías y a final de año se premia a los tres mejores fotógrafos de esa sesión.

Una manera de ponerte a prueba y lograr la motivación necesaria para desarrollar tu propio estilo personal. Una noche mágica sin la que no podrás pasar.

Proyecciones de Reportaje Fotográfico: Aprovechando la posibilidad que nos brindan las nuevas tecnologías, se realizan de manera virtual exposiciones de reportaje fotográfico, donde el autor presenta a los asistentes su especial y particular visión de un tema que ha desarrollado fotográficamente en profundidad. Una serie de elementos temáticos y contextuales que, unidos en serie, intentan hacer llegar al observador, de una manera amplia, la realidad que quiere transmitir el fotógrafo.

Revista Indalofoto Digital: El fotógrafo es un artista que necesita enseñar lo que ve, una manera de transmitir lo que lleva en su interior. A veces, esta disciplina de la luz se mezcla con otras disciplinas, como por ejemplo el diseño gráfico o la creación literaria y personal. Indalofoto Digital ofrece la posibilidad de poder desarrollar esas inquietudes mediante la colaboracion con nuestra revista.

>> ¿Que puedo hacer para apuntarme?

Siendo miembro del Grupo Indalofoto podras prticipar en todas las actividades

que se propongan, podrás hacer uso de las instalaciones y equipos, acceder a exposiciones, cursos gratuitos y diferentes actividades fotográficas.

Ponte en contacto con nosotros:

(

649 91 67 15

info@grupoindalofoto.com

>> ¿Dónde puedo seguir las actividades?

Las nuevas tecnologías brindan la posibilidad de poder estar al tanto, de manera dinámica y a tiempo real, de cada una de las actividades que lleva a cabo la asociación. Te invitamos a que nos sigas ...

Puedes encontrarnos en:

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Indalofoto Grupo

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GABRIEL MARTINEZ GABR

RIEL MARTINEZ GABRIEL

RIEL MARTINEZ GABRIEL M

HASTA SIEMPRE

GABI

El pasado mes de agosto de 2019 nos dejó nuestro querido amigo y compañero Gabriel Martínez “Gabi”, dejando una profunda desolación y tristeza en todos los que lo conocíamos. Sentimientos más dolorosos, aún, ante lo repentino de su muerte.

Gabi era una buena persona, su humanidad competía en buena lid con su creatividad y su calidad como fotógrafo. Amante de su familia y su gente, su vida eran sus hijos, sus amigos, su trabajo y la fotografía que le acompaño siempre incrustada en su piel, en su mente, como una manera de mirar y de expresar como él veía el mundo.

Se podría decir que la fotografía era Gabi. El la representaba perfectamente.

Gabriel llevaba una cámara en los ojos y por sus venas corría liquido revelador. Era capaz de obtener imágenes hasta con una caja de zapatos y revelarlas con cualquier procedimiento antiguo, con los que había experimentado convirtiéndose en un verdadero experto.

Sentía la necesidad de llevar una cámara siempre encima, ya fuera una réflex, una compacta o, últimamente, un móvil porque siempre miraba como fotógrafo y continuamente disparaba plasmando lo que veía. Prueba de ello es la ingente cantidad de películas que ha dejado sin revelar y negativos sin positivar, ya que nunca dejo de fotografiar en analógico.

Gabi fue durante muchos años miembro y pieza fundamental de nuestra asociación, implicándose sin reservas en cuantas actividades e iniciativas se desarrollaban.

Importante, sin duda, fue su aportación al acondicionamiento de nuestra primera sede permanente. Su buen hacer, su creatividad y sus consejos contribuyeron a elevar el nivel de calidad de la obra fotográfica del grupo.

La muerte, injustamente, se lo ha llevado en su mejor momento, ganándole la partida a la vida que empezaba a sonreírle con su reconocimiento, por fin, como fotógrafo.

Su obra empezaba a ser valorada con la edición de un libro, con su acogida para exponer en el C.A.F. y con tantos otros proyectos queha dejado pendientes. Nuestro “Currela con móvil que hace fotos” se marchó inesperadamente, dejando un vacío difícil de llenar.

Hasta siempre Gabi. Descansa en paz.

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MARTINEZ GABRIEL MAR

Una de las actividades más importantes que realiza el Grupo Indalofoto es La Jarapilla. Un concurso fotográfico mensual abierto a la participación de todos los asociados y en el que éstos exponen su obra a la valoración y crítica, tanto en su aspecto técnico como artístico, del resto de participantes.

Una dinámica que deriva en un enriquecedor debate analítico de los trabajos presentados y la fotografía en general.

2019 fue un año fotográfico sobresaliente. La jarapilla se consolida como uno de los concursos de referencia entre las asociaciones fotográficas andaluzas.

Nuevos nombres van apareciendo sobre sus mesas y se entremezclan con los grandes fotografos clásicos del concurso. Las sesiones temáticas volvieron a poner locos a los participantes haciendo que los autores se pusiesen en la piel de Jorge Rueda o Gilbert Garcin, reflejando en sus fotos sus “miedos” mas ocultos o imaginando su versión mas creativa de las “fronteras”.

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Juan Enrique Moya Primer Clasificado Jarapilla Enero 2019

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Carmen Pascual Segunda Clasificada Jarapilla Enero 2019

Alfredo Romero Tercer Clasificado Jarapilla Enero 2019

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Jose F. Gรณngora Primer Clasificado Jarapilla Febrero 2019

Carmen Pascual Segunda Clasificada Jarapilla Febrero 2019

Rafael Camacho Tercer Clasificado Jarapilla Febrero 2019

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Antonio Benete Primer Clasificado Jarapilla Marzo 2019 Temรกtica: Jorge Rueda

Juan Enrique Moya Segundo Clasificado Jarapilla Marzo 2019 Temática: Jorge Rueda

Manuel Pérez Requena Tercer Clasificado Jarapilla Marzo 2019 Temática: Jorge Rueda

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Juan Enrique Moya Primer Clasificado Jarapilla Abril 2019

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Jorge J. Rapallo Segundo Clasificado Jarapilla Abril 2019

Andres N. Arche Tercer Clasificado Jarapilla Abril 2019

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Carmen Pascual Primera Clasificada Jarapilla Mayo 2019 Proyecto Fotogrรกfico

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Carmen Pascual Segunda Clasificada Jarapilla Mayo 2016

Andy Arche Segundo Clasificado Jarapilla Mayo 2019 Proyecto Fotogrรกfico

Antonio Benete Jorge J Rapallo Tercer Clasificado Tercer Clasificado Jarapilla Mayo 2019 Jarapilla Mayo 2016 Fotogrรกfico Proyecto

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Antonio Benete Primer Clasificado Jarapilla Junio 2019 Temรกtica: Miedo

Yusef Chuillaj Segundo Clasificado Jarapilla Junio 2019 Temรกtica: Miedo

Cristobal Barea Tercer Clasificado Jarapilla Junio 2019 Temรกtica: Miedo

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Jose F. Gรณngora Primer Clasificado Jarapilla Julio 2019

Juan Enrique Moya Segundo Clasificado Jarapilla Julio 2019

LuĂ­s Posadas Tercer Clasificado Jarapilla Julio 2019

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Juan Enrique Moya Primer Clasificado Jarapilla Septiembre 2019 Temรกtica: Fronteras

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Yusef Chuillaj Segundo Clasificado Jarapilla Septiembre 2019 Temรกtica: Fronteras

Andy Arche Segundo Clasificado Jarapilla Septiembre 2019 Temรกtica: Fronteras

Antonio Benete Tercer Clasificado Jarapilla Septiembre 2019 Temรกtica: Fronteras

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Juan Enrique Moya Primer Clasificado Jarapilla Octubre 2019

Jorge J Rapallo Segundo Clasificado Jarapilla Octubre 2019

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Carmen Pascual Segunda Clasificada Jarapilla Octubre 2019

Antonio Benete Tercer Clasificado Jarapilla Octubre 2019

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Jorge J. Rapallo Primer Clasificado Jarapilla Noviembre 2019

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Andy Arche Segundo Clasificado Jarapilla Noviembre 2019

Alfredo Romero Tercer Clasificado Jarapilla Noviembre 2019

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Manuel Pérez Requena Primer Clasificado Jarapilla Diciembre 2019 Temártica: Gilbert Darcin

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Jorge J. Rapallo Segundo Clasificado Jarapilla Diciembre 2019 Temártica: Gilbert Darcin

Pedro Alonso Segundo Clasificado Jarapilla Diciembre 2019 Temรกtica: Gilbert Garcin

Juan Enrique Moya Tercer Clasificado Jarapilla Diciembre 2019 Temรกtica: Gilbert Garcin

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ESE OSCURO OBJETO

de deseo ...

Ese oscuro objeto de deseo Un amigo mío me relataba un día como había sido la llegada de su Nikon F5, aquella máquina mítica que definió a una generación de fotógrafos. Eran los tiempos del carrete y los negativos, de las diapositivas y los rollos de película en blanco y negro, eran los tiempos de la fotografía química.

Ángel Soler

Fotógrafo Español

Me contaba que puso la caja encima de la cama de la habitación de su hotel, se la había comprado en Andorra, se sentó en la cama y se pasó las siguientes tres o cuatro horas desempaquetando cuidadosamente la cámara, leyendo el manual desde la primera hasta la última página mientras jugaba con los controles de la máquina, disfrutando cada momento, manipulando con delicadeza los botones, colocándole la correa y el objetivo, montando el carrete de Fuji Velvia, y preparando la cámara para salir a hacer las primeras fotos, a disfrutar del sonido del obturador.

Sí, eso era algo común entre muchos que por aquel entonces ya amábamos la fotografía, ese fetichismo que tenían las cámaras, objetos que estaban hechos para durar años y años, que se convertían en una extensión de nuestra mirada y eran testigos, y a la vez herramienta, con la que crecíamos como fotógrafos.

Algunos objetos nos generan esa especie de fascinación, imagino que dependiendo de la manera de percibir las cosas de cada persona.

Otro objeto con el que experimento esa sensación es con las guitarras. El tacto suave de la madera, ese olor tan característico, la tensión en las cuerdas.

Cuando coges una guitarra entre las manos lo primero que haces es pasar la mano suavemente por el borde de la caja, deslizar los dedos por el mástil, y rozar las cuerdas para escuchar el sonido, diferente y único en cada instrumento.

Y sin duda también me resultan muy especiales las plumas estilográficas. Con esa escritura diferente en cada modelo, la construcción delicada, esa estética que nos traslada inmediatamente a

tiempos pasados. Hace poco he podido disfrutar poniendo de nuevo en uso una Montblanc con mas de 40 años de vida, y al mismo tiempo estrenar una preciosa y elegante Waterman.

Tampoco quiero dejar de nombrar una marca fotográfica que, a mi parecer, ha sabido encontrar el equilibrio entre la excelencia técnica y el gusto por la belleza, me estoy refiriendo a Fuji.

Desde hace algo mas de un año soy poseedor de una Fuji X-Pro2. Se trata de una cámara de visor telemétrico (en realidad híbrido), con anillo de diafragmas en los objetivos, con diales físicos para cambiar la compensación, el ISO y la velocidad de obturación, con un aspecto exterior que recuerda las maravillosas cámaras Leica o Nikon de hace mas de 50 años, y al mismo tiempo con unas prestaciones técnicas y digitales de última generación. Cuando me preguntan la razón por la que decidí comprarla siempre enumero sus virtudes, pero termino diciendo, “y porque es una preciosidad…”.

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en la Navia irada M

José Benito Ruíz Entrevista

Por José Miguel Martínez

En esta ocasión tenemos la oportunidad de entrevistar a José Benito Ruiz, un fotógrafo con mayúsculas, un fotógrafo técnicamente impecable e increíblemente creativo, con muchos premios y distinciones, habiendo recogido sus obras tanto en libros, como en publicaciones de gran importancia. Apasionado con su trabajo y con el estudio y divulgación del medio fotográfico. Hemos tenido la oportunidad de comprobarlo en nuestra Asociación recientemente, con el taller que nos ha impartido, teniendo la posibilidad de conocer a un gran fotógrafo y una gran persona.

Podría parecer que empezamos por el final, pero en realidad, ya desde el principio nos gustaría conocer su postura, de que manera afronta el hecho fotográfico. Desde su larga experiencia y tras años de dedicación ¿Qué es para José Benito fotografiar?, ¿Por qué hace fotografías?

Vivo inmerso en la fotografía desde hace ya más de 30 años, todo lo que me rodea, respiro, estudio y comparto es fotografía. Elegí este tipo de vida por pura vocación, es un trabajo que me apasiona desde antes que fuera un trabajo, sigue siendo mi eje, mi sustento, el alimento de mi espíritu y me ha sabido respetar, me sigue motivando con una ilusión como si hubiera empezado ayer. La fotografía me ha permitido crear mi propio mundo, un mundo más verdadero y auténtico para mí que el propio mundo real. En mi mundo entra solo lo que yo quiero, la dignidad, la pureza, la verdad, la solidaridad, la emoción, el asombro, la pasión, la tristeza, etc. Mi mundo son mis imágenes, ellas hablan de mi y me permite conversar visualmente incluso con personas que no me conocen.

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¿Cómo llega al mundo de la fotografía? ¿Qué le llevo a sentirse atraído por el mundo de la imagen y coger por primera vez una cámara?

Fue una pura atracción desde el primer momento. Como regalo de comunión pedí mi primera cámara, una Werlissa Color y detrás de ella pude empezar a descubrir el mundo.

Desde niño compartí casi por igual la atracción por el mundo natural y por aquella caja mágica que permitía conservar durante mucho tiempo recuerdos, vivencias y hallazgos de los paseos y excursiones por la Naturaleza.

Desde entonces me acompaña siempre una cámara.

Usted ha desarrollado gran parte de su obra en el mundo de la fotografía de naturaleza. Dado que usted posee estudios de biología, es de suponer que esto no obedece a una casualidad. De hecho, usted se define también como naturalista. ¿Quién apareció antes el fotógrafo o el naturalista? ¿Es el fotógrafo el que decide dedicarse a este tema o es el naturalista el que decide plasmar en imágenes lo que la naturaleza le inspira?

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Fue primero el profundo interés por la Naturaleza y sus seres el que se despertó muy tempranamente. Muy posiblemente las fotografías de los libros de Naturaleza fueron haciéndome consciente de la gran oportunidad que ofrecía la fotografía de mostrar aquellos paisajes y aquellos animales de lugares remotos, incluso a personas que viven en ciudades y que posiblemente nunca tendrán la ocasión de desplazarse a conocerlos. Mi interés por la Naturaleza se ha ido incrementando a lo largo de los años y me sigue fascinando por encima de cualquier otro tema, la fotografía me acompaña en este apasionante viaje y me permite atesorar todo aquello que surge en el camino. Aún me sorprende que esa desmedida necesidad de conocer, de fotografiar, no se haya ido desvaneciendo, así que me siento muy agradecido por mantener la ilusión cada vez que hay una oportunidad de descubrir o de fotografiar.

Es indudable que la fotografía de naturaleza no es fácil y requiere dedicación y estudio, pero ¿hasta qué punto considera importante el estudio previo del medio natural para obtener buenos resultados? ¿Se pueden hacer buenas

fotos de naturaleza sin ser naturalista?

En mi opinión, las Artes Visuales requieren de estudio y de reflexión. Un fotógrafo completo tiene muchas formas de adquirir cultura visual y desarrollar su propio gusto y estilo.

Una vez que el fotógrafo madura y comienza a crear obras de impacto visual puede afrontar cualquier disciplina, aunque no la conozca en profundidad, pues dotará de valores estéticos a su obra. En la fotografía de Naturaleza ayuda mucho conocer bien al sujeto, los indicios de su presencia en una zona, su alimentación, hábitat en el que suele desarrollar sus actividades vitales, costumbres... sin embargo en muchas situaciones y encuentros fortuitos se pueden obtener imágenes memorables incluso sin un conocimiento previo del sujeto o el medio en el que nos encontramos.

En este tipo de fotografía, ¿Qué importancia tiene el equipo? ¿cámara? ¿ópticas?

Me gusta mucho el dicho “No mata la flecha sino el

indio”, refleja que el equipo sin un fotógrafo detrás no logrará sus mejores prestaciones. Creo que el equipo es una herramienta, cuando mejor sea más cómodamente trabaja el artesano, pero un buen artesano podrá trabajar con cualquier herramienta y sacarle partido. Creo que es el conocimiento del fotógrafo el que le permitirá conocer las prestaciones del equipo que tenga disponible y cómo obtener las imágenes que desea incluso con las limitaciones que pueda imponer un equipo que no sea el óptimo.

En su web usted recoge un código ético del fotógrafo de naturaleza. ¿Hasta dónde está justificado o es lícito intervenir o alterar el medio natural para obtener una buena imagen? Considerando que la colocación de un comedero o posadero puede ser ya una intervención en el ecosistema ¿hasta dónde debe llegar el respeto por el entorno que fotografiamos?

El Ser Humano interactúa a diario con el medio natural y lo altera. Creo que es algo inevitable y que cada persona, en especial los fotógrafos de naturaleza que vamos a realizar

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nuestra actividad inmersos en ella, debemos tener un posicionamiento ético sobre lo que queremos hacer y sobre lo que no. Suelo pensar que nuestra actividad no debe crear situaciones irreversibles, que el respeto hacia los seres vivos, tan solo por el hecho de que está vivos, de lo preciosa que es la VIDA en este planeta, debe prevalecer en cualquier actividad. A mí, colocar un posadero, o un bebedero con agua no me plantea una duda moral o un conflicto ético, pero cualquier acción injustificada contra una vida sí lo es. La planta más diminuta, el insecto más pequeño, el ave más común, me resultan admirables y de un valor incalculable. Así es como siento de forma personal esta relación con la Naturaleza, de profundo respeto y admiración, aunque trato también de no juzgar otros puntos de vista, de tratar de comprender otros posicionamientos al respecto.

La ética nunca debe ser impuesta, debiéramos tener la sensibilidad suficiente como para desarrollar una postura propia.

Cambiando de tema. Sin duda usted ha abordado a lo largo de su trayectoria otros temas o estilos fotográficos. Dejando a un lado la fotografía naturalista ¿Qué estilos o temáticas ha abordado y en cual se ha sentido más cómodo, más identificado?

¿Usted es de los que coge la cámara cuando tiene un tema, una inspiración, un proyecto definido o de los que prefiere que la inspiración lo pille trabajando, con la cámara a punto?

“...me considero muy lejos de ser artista, cada vez que alguien me llama maestro me sorprende y me reafirma en mi creencia de que seré un eterno aprendiz.”

Efectivamente, un buen día la fotografía reclamo su parte en mi vida para enseñarme que unas disciplinas enriquecen a otras, así que me propuse realizar un proyecto formativo que abordara muchas temáticas y que me permitiera formarme y avanzar en el conocimiento de cada una de ellas. Un año de fotografía, patrocinado por la obra social de Caja Mediterráneo fue ese proyecto que aunaba poner a disposición pública formación gratuita en fotografía con el avance propio como formador.

Retrato, street, aplicaciones científicas de la fotografía, mascotas, fotografía social, bodegones, arquitectura, etnografía... creo haber conocido y

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practicado muchas de las posibilidades temáticas que ofrece la fotografía, que ofrece nuestro mundo y su conocimiento. Me gusta tanto fotografiar que no puedo decir con cual disfruto más. Las que más practico son la arquitectura, street y retrato, la fotografía abstracta y conceptual, siempre sin abandonar la Naturaleza

Hago un poco de todo, hay fotos que vienen a mi cabeza y allí se matizan, toman forma y detalle hasta que tengo la oportunidad de realizarlas.

Otras surgen de improviso, en una localización, y tengo que saber improvisarlas.

Preconcebir e improvisar, saber crear una imagen de la nada y saber adaptarse a una circunstancia, algo que practico constantemente.

Para mí el trabajo fotográfico no se hace solo con la cámara, el proceso completo incluye el desarrollo del fotógrafo, sus conocimientos, su espiritualidad, su experiencia... ¿Dónde acaba la persona y dónde el fotógrafo? Para mí son indisociables, mente y corazón unidos en un acto sublime, captar un instante soñado.

Hay fotógrafos que van de artistas y otros que opinan que hay que ser fotógrafo antes que artista, que la calificación de artista son los demás los que la ponen a posteriori. ¿Cuál es su postura al respecto?

Un artista, en mi opinión, es una persona que conoce el lenguaje del arte. Ya he vivido más de 3 décadas inmerso absolutamente en la Fotografía, estudiando, aprendiendo, practicando, ejercitándome... Cada uno puede hacer lo que desee, aquí cabemos todos y la fotografía debiera ser nuestro nexo de unión, no de disensiones.

Yo me considero purista en cuanto al proceso

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fotográfico, pero respeto todas las opciones personales de cada autor y para mí son parte indispensable de nuestro sector y cada postura diferente lo enriquece. De la misma forma respecto a los artistas que se colocan ellos mismos ese calificativo y a quienes lo reciben de manos de otros por su trabajo. En mi caso, me considero muy lejos de ser artista, cada vez que alguien me llama maestro me sorprende y me reafirma en mi creencia de que seré un eterno aprendiz.

Otra vertiente suya es la de escritor, habiendo escrito varios libros de reconocido valor en cuanto a técnica fotográfica.

En su momento ¿Qué le llevó a tomar la decisión de dejar, por un tiempo, las cámaras y recoger sus conocimientos en un libro?

Es una vocación también, una necesidad, me gusta compartir, intercambiar información, poder aportar algo y devolver al sector algo de tanto que he recibido. Es por ello que el asociacionismo tendrá siempre mi apoyo incondicional, por eso que estoy tan vinculado con este

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propósito, así como con la difusión de información gratuita de calidad para que sea accesible sin excepción a los compañeros que deseen formarse. En mis libros he repartido la temática en Técnica, Composición y un tercero de formación para autores que ya han avanzado en la Fotografía. Ahora me doy cuenta de que estos libros recogen mi vida, mis vivencias, mis imágenes más queridas, que una gran parte de mí ha quedado dentro de ellos.

¿Para usted que supone la formación en la trayectoria de un buen fotógrafo? ¿Es suficiente ser autodidacta para llegar a serlo?

Si, se puede llegar de forma autodidacta, por supuesto, pero requiere de mucho tiempo y esfuerzo adquirir un alto grado de conocimiento. Es por ello que animo a los compañeros a formarse, por que es una tarea ardua pero que nos trae grandes recompensas y satisfacciones. A quien carece de este tiempo, o de la necesaria disciplina y paciencia, o como complemento de gran interés, recomiendo los cursos, los artículos, los libros... Aprendemos de todo, de lo que nos

gusta y de lo que no, de lo que entendemos y de lo que no, de lo que vemos, de lo que oímos, de lo que nos dicen y no hacemos caso pero que queda ahí latente para cuando estamos preparados para un cambio o una evolución.

con ello. ¿Qué supone para usted esta actividad docente? ¿Qué experiencia personal se lleva? ¿existe una cierta retroalimentación en su relación con los asistentes a sus talleres?

Aun sospechando la respuesta, quisiera preguntarle si cree que en fotografía se puede llegar a saberlo todo. ¿Es lícito pensar que uno ya no tiene nada más que aprender?

Total y absolutamente. Existe una relación con cada una de las personas que asiste a mis talleres. Te agradezco mucho la oportunidad que me das para decir estas palabras que no recuerdo haber dicho en entrevistas anteriores: Imparto esta formación porque me interesa profundamente la formación de todos y cada uno de los participantes de un curso o una conferencia. Me preocupa lo que saben y lo que ignoran, si podré captar su atención y ofrecerles algún dato, algún conocimiento que les permita avanzar. Para mí la formación es una necesidad vital, tanto formarme yo como la intención de aportarle algo a otra persona, que ha hecho posible que podamos compartir esos instantes de nuestras vidas. En esas convivencias que supone un curso, un taller, una conferencia... hablo y miro a las personas que me escuchan indagando en sus ojos, si me entienden, si lo encuentran interesante, si comparten mis pensamientos,

Jajajajaja, si, en efecto, creo que en palabras anteriores ya respondí. En mi caso se que NUNCA sabré no solo todo sobre la fotografía, sino siquiera una mínima parte de lo que podía saber un maestro del Renacimiento. La Fotografía es una materia paralela a la propia vida, tan extensa como todo el conocimiento de la Humanidad. Lo repito aquí por si no lo escribí lo suficientemente claro: seré un eterno aprendiz.

Es notoria también su labor divulgadora impartiendo charlas, conferencias y talleres. Sin duda, habiéndolo vivido en primera persona, se nota que usted disfruta

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mis ideas, mi información. Compartir la formación para mí es una actividad necesaria e imprescindible, un impulso vital que me surge a la mínima oportunidad, así como trato de escuchar a las personas que me ofrecen también información y puntos de vista.

Usted ha escrito y se ha convertido en un estudioso de la composición poniendo definición a recursos compositivos que no la tenían y acuñando o recogiendo términos nuevos para algunos de nosotros como la teoría Aedes o de los Edges. Algunos creemos que la base de una buena foto está en la luz y la composición, incluso por encima del tema o contenido. ¿Está de acuerdo con esto? ¿Qué lugar ocupa para usted la composición en el proceso creativo de una imagen?

Bueno, bueno, esta entrevista me está resultando de lo más interesante. Cada cual tiene su opinión al respecto.

Suelo decir que, a similar impacto visual es el mensaje el que puede desequilibrar la balanza. Creo que el mensaje de una imagen que ya tiene un impacto visual, una estética depurada, es el que hace una imagen memorable. Si tengo que evaluar una imagen como juez, sin duda mi primera percepción es sensorial, la imagen como un todo que me seduce o no, que me impacta o no. Dentro de esta sensación que me despierta una reacción emocional podría analizar los factores: Estética, si no nos gusta el aspecto estético de la imagen difícilmente alcanzará su máximo impacto visual. Momento, puede ser una acción, un estado atmosférico o meteorológico, un comportamiento... que nos trasmite que la imagen es en mayor o menor medida irrepetible. Mensaje, si además de que la imagen tenga una atractiva estética y un momento de alta intensidad, tiene un mensaje, nos habla de un tema que nos resulte de interés o trascendencia, la imagen pasará a ser valiosa para nuestra percepción. Todo ello, por supuesto tiene un elevado grado de subjetividad y de interpretación, a cada persona le gustan cosas diferentes y su percepción puede variar mucho, incluso puede depender de su estado emocional.

¿Usted cree que existe desde hace años una cierta sequía en cuanto a recursos compositivos nuevos? ¿Quizás se necesitaba definir, poner nombre a recursos que ya, intuitivamente, se utilizaban?

Creo que no es malo que vayamos avanzando, definiendo, debatiendo, estando o no de acuerdo. Pienso a menudo que en el camino del Arte Clásico se ha ido perdiendo una información muy valiosa que apenas atisbamos a intuir.

Me ha sorprendido en muchos casos cuando he buscado información encontrar muy pocas referencias, incluso muy incompletas o imprecisas. Creo que es una obligación, una responsabilidad, que vayamos rescatando información, proponiendo nuevos puntos de vista, recopilando conocimientos y haciéndolos accesibles para que sean compartidos y no se pierdan.

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Últimamente hay cierta tendencia, sobre todo entre algunos youtuber y bloglers fotográficos, a denostar o menospreciar recursos fotográficos que nos han acompañado desde siempre, como la regla de los tercios o la proporción aurea. ¿Cree que esto está justificado, que estas reglas en realidad no eran tan buenas? ¿o simplemente han pasado de moda?

Jajajaja, me siento perfectamente aludido. No se quien fue el creador de cualquiera de las “reglas” que nos han propuesto

en fotografía, porque en el Arte no existen. Siendo la fotografía un Arte debiera funcionar de similar forma. Tal vez por ser la más joven de las artes plásticas o visuales podamos disculpar estas diferencias. ¿De verdad alguien cree que TODAS nuestras imágenes tienen que mantener la proporción de tercios, también llamada sesquialter o hemiolia? Y si no es así ¿Tiene sentido llamarle “regla” a una “proporción” de entre las muchas que existen?

Nada ha pasado de moda, es que no lo han explicado mal.

Al menos es lo que yo pienso. Creo que los maestros de la pintura pueden enseñarnos muchas lecciones y espero que en algún momento de la historia, desde la fotografía podamos devolver este inmenso favor.

¿No cree más bien que estos recursos, ni representan la única garantía de una buena composición, ni tampoco son tan malos que hayan de ser relegados u olvidados en aras de una mal entendida modernidad?

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Creo que debemos aprender bien, construir el conocimiento en común, con una buena base. Debemos encontrar la suficiente inspiración para discernir entre toda la información que vayamos proponiendo y encontrando con cual nos vamos a quedar. Espero que cada fotógrafo desarrolle ese espíritu crítico, clarividente, renacentista, que le permita encontrar su verdad, aquello que le inspira, que le aporta, que le enriquece. Mi postura personal trata de ser inconformista, trato de buscar el origen de los datos que me llegan, practicar y razonar todo lo que aprendo para probar su funcionalidad, su aplicación práctica, su credibilidad.

En el taller que nos impartió en nuestra Asociación pudimos ver un trabajo de fotografía creativa, basado en experiencias personales sobre gente que ha ido conociendo, realmente sorprendente y sobrecogedor. ¿Representa éste un cambio en su estilo, en su temática, o es simple y llanamente una

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zona fotográfica más, sin duda impresionante, a abordar en el futuro?

Muchas gracias. Es parte de mi camino personal, la búsqueda, el hallazgo, el descubrimiento de los temas trascendentes, de las imágenes que puedan emocionar a quien las hace y tal vez a quien las observa. Cuando estudiamos a un autor podemos ver qué hizo y cuando lo hizo. Pues ahí me encuentro en estos momentos, experimentando temas que han venido a mi más recientemente, que me han buscado por algún motivo. Me siento muy influenciado por los pintores de carácter melancólico, aquellos que nos hablan sobre la nostalgia, la tristeza, el sufrimiento..

Sabemos de su reticencia al tratamiento de sus imágenes con Photoshop u otros programas de edición. En fotografía de naturaleza y por el requisito de ciertas publicaciones y concursos se llega a entender, pero en cuanto a fotografía

creativa ¿Por qué renunciar a recursos y técnicas nuevas de revelado y retoque que estos programas nos ofrecen? ¿Hasta dónde ve lícito utilizar estos recursos en nuestras fotografías?

Absolutamente lícito cualquier recurso que pueda utilizar un fotógrafo. Para mí es totalmente comprensible y recomendable utilizar TODAS las herramientas al alcance del artista visual en la búsqueda de sus visiones y para realizar su obra. Mi respeto desde siempre para quienes utilizan, no solo Photoshop, cualquier recurso a su alcance.

Por lo mismo pido respeto para mi forma de entender la fotografía. Si me gusta trabajar con luz en lugar de con píxeles, si me gusta que mi foto quede acabada en la cámara, si me gusta que mis procesos sean de una determinada forma ¿Ofendo a alguien? Si la respuesta es que si, entonces lo siento pero seguiré haciéndolo así porque mis imágenes han servido como base a muchas iniciativas de conservación

de la Naturaleza. Greenpeace, WorldWildlifeFund, InBio... científicos y conservacionistas se nutren de mis imágenes y exigen que no hayan sido modificadas, que hayan tenido ningún tipo de retoque. Mi postura es que cada cual haga lo que quiera, con lo que se sienta más cómodo, respetando la necesaria y deseable variedad en nuestro sector. Mi tipo de purismo puede tener valor porque hay quienes retocan mucho sus imágenes y la fotografía de esos autores puede tener más valor porque existe mi tipo de purismo, no son excluyentes, al menos yo no deseo que lo sean.

El tema de la selección de las imágenes a incorporar, en un trabajo, libro, exposición, publicación ¿Cómo lo aborda? ¿cree que es necesaria una autoedición severa y autocritica para obtener un trabajo serio?

Es muy difícil aconsejar en este sentido. Creo que la obra debe satisfacer a su autor como valor primario. Es mucho

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más satisfactorio, claro, si además gusta a los demás, pero en mi caso mis imágenes deben satisfacerme primero a mi. Creo que debemos madurar nuestro gusto fotográfico, reforzarlo, estar muy seguros de lo que nos gusta para saber elegir nuestra obra. Creo que es un error sacrificar nuestra visión para realizar obras que gusten a los demás. Mis obras intentan ser honestas conmigo mismo, que me sienta orgulloso de ellas y representen algo de muy elevado valor para mi. Cuando proceso mis trabajos elijo siempre aquellas obras más especiales para separarlas en una carpeta de selección, que es adonde recurro para buscar esas fotos que van a ilustrar porfolios, exposiciones, libros, artículos... He ido fomentando el desarrollo de esa seguridad en saber cuáles entre mis fotos me gustan y son especiales y cuáles no.

Hay fotógrafos que dejan “dormir” sus imágenes durante un tiempo después de hacerlas, para desligarse emocionalmente de ellas y poder valorarlas con un mejor sentido crítico. ¿Qué opina al respecto? ¿cree que es así? ¿Qué una cercanía en el tiempo, con la experiencia vivida relativamente reciente, nos puede “contaminar” a la hora de valorar objetivamente nuestras fotografías?

¿Usted confía plenamente en su autoedición o suele contar con opiniones externas que le ayuden en la selección de sus obras?

Hago, edito y proceso mis imágenes. No preciso de ayuda externa, me gusta disfrutar de todo el proceso de realizar y documentar mis fotos. Eso si, me gusta muchísimo compartirlas, mostrarlas, escuchar opiniones, críticas, sugerencias. A quien le gusta aprender le suele gustar mostrar y escuchar.

“mis obras intentan ser honestas conmigo mismo, que me sienta orgulloso de ellas y representen algo de muy elevado valor para mi”

Si les funciona, estupendo.

Yo no lo hago así. Yo las proceso muy frecuentemente en el mismo día o tan pronto como puedo para enviar unas a las agencias de stock, otras a clientes que puedan necesitarlas y otras son parte de mi obra de autor. Muchas, muchísimas van a parar a la papelera, porque hay una entre esas series que tiene todo lo que buscaba. Eso lo detecto ya haciendo fotos, porque si no estoy satisfecho con las que voy logrando no abandono la escena.

Luego busca esa foto que me hizo pensar que representa la óptima que buscaba y borro las anteriores. La foto que me gusta me gusta hoy, me gustará mañana y me gustará al año que viene. Por suerte ya he aprendido a saber cuáles

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son esos valores que busco, también recuerdo perfectamente cuando no era así y estaba inseguro sobre mi propia obra y mi selección de imágenes.

Usted ha sido largamente premiado con bastantes distinciones a lo largo de su trayectoria ¿Qué suponen para usted los premios en general? ¿prefiere verlos con cierta distancia o cree realmente que son importantes en la carrera de un fotógrafo?

Los premios en concursos, no son nada, reflejan un tipo de jurados en un momento de sus vidas. Yo los he vivido así, como una lotería muy emocionante que da mucha alegría recibir, pero que no significa que hayas llegado a ninguna parte. Yo no hice mi foto para un concurso, la hice por pura necesidad vital y espiritual para mí.

Otra cosa es un homenaje o un reconocimiento desde el propio sector, este tipo de actos me emocionan profundamente.

Allí en el momento trato de mantener el tipo, pero luego, en la soledad y el recogimiento, me hacen llorar de alegría. Cambiaría cualquier premio en un concurso por ser jurado en el mismo y cambiaría todos ellos por una sola muestra de aprecio desde un grupo de fotógrafos o asociación. Últimamente me pasan muchas cosas emocionantes en este sentido, me han hecho socio honorífico de muchas entidades, pequeñas y grandes, y todas ellas me transmiten ese respaldo,

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ese cariño, esa amistad incondicional y empatía de personas que me conocen y de muchas que no me conocen. Creo que no hay nada más grande en este mundo fotográfico que sentirse apreciado por tus propios compañeros.

¿De premios que ha obtenido, cual le ha supuesto una mayor satisfacción?

Premios como tales el premio a la Innovación Fotográfica

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del concurso WildlifePhotographer of theYear de la BBC, así como el primer prmio en paisaje en Glanzlichter, con medalla de plata de la Federación Alemana de Fotografía.

Pero repito que los cambiaba todos por el homenaje que recibí a propuesta de la asociación Miradas de Ceuta en el congreso de la Confederación Española de Fotografía, o más recientemente de Fotosenderos en San Pedro o de Photo3 en Cieza. Y sobre todo, esas personas que han ido llegando a mi vida ofreciendo pura amistad, ofreciendo

su alma a cambio de nada, esa es mi mayor deuda con la fotografía.

Siendo persona inquieta y apasionada de la fotografía, como hemos podido comprobar los que le hemos conocido, seguro que siempre anda inmerso en nuevos trabajos. ¿Podría compartir con nosotros sus proyectos más inmediatos? ¿Qué le tiene ocupado actualmente?

Tengo muchísimos proyectos abiertos, demasiados con total seguridad. Ahora mismo es una prioridad intentar que la Federación Internacional de Fotógrafos de Naturaleza IFWP, que agrupa a 18 asociaciones de 15 países y representa a un total de unos 8.000 fotógrafos, alcance mayores cotas de cohesión, compromiso y reconocimiento. La formación que voy impartiendo también se ha ido expandiendo y ahora los compromisos en Europa y América me colapsan bastante la agenda, por lo que la formación ha pasado a un primer plano en mi actividad. Sobre proyectos fotográficos sigo trabajando en Mundos Interiores, aportando nuevas imágenes y tratando de superar los retos que traen este tipo de proyectos. Tengo como 12 proyectos fotográficos abiertos y en desarrollo, demasiados como decía al pripcipio.

Y ya para terminar, díganos ¿Qué le queda por hacer en el mundo de la fotografía? ¿Hay algún proyecto que lleve tiempo queriendo hacer y aun no lo haya hecho?

Pues por hacer, seguir formándome, seguir comprendiendo y avanzando. Más que proyectos propios, proyectos comunes y más que por hacer, un deseo, un sueño. Me gustaría que algún día nuestro sector gozase de mayor unidad, que estemos todos más conectados, sabiendo qué iniciativas, qué propuestas, que personas conforman nuestro mundo.

Un mayor contacto, un mayor conocimiento, un mayor compromiso. Me gustaría que la Fotografía no fuera un puzzle de muchas pequeñas piezas en una caja, sino un cuadro ya construido, en el que todas esas pequeñas piezas han formado un sublime cuadro.

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HORIZON 202 CAMARAS PANORAMICAS POR

MIGUEL

HIDALGO 56 78 44

A

panorámica mecánica con una lente basculante giratoria de 120º, esta cámara de 35 mm monta una lente de 28 mm f/2,8.

En 1862 los ingleses John Robert Johnson y John Ashworth Harrison diseñaron una cámara de caja, construida en madera con objetivo de menisco, un diafragma con cuatro aperturas (f/8, f/11, f/16 y f/22) y un motor de cuerda que permitía una rotación uniforme de 110º del objetivo.

Esta cámara fue bautizada con el nombre pantascópica es decir que todo lo ve.

Horizon 202:La Horizon 202 es una cámara

Su fabricación se remonta a la época de la Unión Soviética, cuando la empresa Kiasnogorsky Mechanicheskiy Zavod (KMZ) más conocidas por la producción de las máquinas Zenit, Lanzó al mercado en el año 1948 un primer prototipo denominado FT-1 (presentado en la Feria Mundial de Bruselas en 1958). En 1967 fue sustituido por la Horizon, compartiendo desde el principio un diseño técnico similar a la Horizon 202, para la fabricación de este último modelo se eligió el plástico ABS con unas dimensiones de 117,5 x 146 x 73 mm y 700 gramos de peso, su negativo tiene una longitud de 160 x 24 mm (carrete de 36 exposiciones) que nos proporciona unas 20 fotografías panorámicas.

ntecedentes históricos: Las cámaras panorámicas más antiguas que se conocen son las de Thomas Sutton, que en 1859 diseñó una cámara panorámica con una ingeniosa esfera de cristal llena de agua que ofrecía un ángulo de visión de 120º. Por la dificultad de encontrar un cristal adecuado, acabaría vendiendo su patente al óptico Thomas Ross que mejoró la óptica de la cámara.

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JORGE J.

RAPALLO POR JOSE F. GÓNGORA

Jorge J. Rapallo ingresa en el Grupo Indalo Foto en marzo de 2014 y poco a poco se ha ido haciendo un hueco dentro de los corazones y de la dinámica del Grupo. Creador de grandes imágenes, ese hecho le ha valido para marcar año tras año muy buenas participaciones en el mítico Concurso La Jarapilla sobre creación fotográfica, como son su tercer puesto en 2014 y 2017 o sus meritorios segundos puestos en 2015 y 2019.

Una fotografía supervariada en temática y estilos, que bebe de muchísimas fuentes que le rodean, que siempre consigue no dejar a nadie indiferente, y que cuenta con una legión de seguidores en redes sociales fruto de sus imágenes, son los sellos de identidad con los que debuta en este más que merecido reconocimiento de Digital Indalofoto. Hoy lo tenemos aquí para conocerlo mucho mejor:

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¿Podrías contarnos como comenzaste en el mundo de la fotografía?

Por casualidad, en una escapada romántica a Venecia en el 2000, nos prestaron una cámara analógica de las que solían regalar en las comuniones. Compré asesorado por un fotógrafo unos cuantos carretes kodak 400 con la intención de hacer unas fotografías para un concurso de Unicaja, me levanté una mañana con la intención de capturar fotografías de Venecia pero “sin gente”, sus góndolas, sus

calles, sus edificios...y empecé a experimentar sensaciones y euforia creativa, viniendo de otra disciplina artística como el de la pintura buscaba encuadres, perspectivas, composiciones y sentí que podía pintar con la cámara, aun sin ver el resultado, volviendo en el avión con la entonces mi novia ahora esposa la miré y le dije, sabes que volveré algún día como fotógrafo, ella me miró con una sonrisa y me dijo¿como vas a serlo sino tienes ni idea de fotografía y ni siquiera tienes una cámara? . Una de las fotografías presentadas al concurso quedó

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finalista y a partir de ese momento supe que la fotografía sería parte de mi vida.

El año pasado volvimos a Venecia junto con nuestra hija para hacer un reportaje de una amiga diseñadora de una firma de vestidos de comunión.

¿Qué queda de aquel fotógrafo que comenzó hace años?

La ilusión de crear y provocar sensaciones a través de las imágenes.

Siempre te has considerado “creador de sensaciones”. Nos lo explicarías. A tenor de esa afirmación, ¿Crees que la fotografía es un medio, o un fin?

Una fotografía debe de contar algo, más aún, debe provocar un sentimiento, el día a día cotidiano nos da situaciones, miradas, figuras que se desvanecen, sonrisas y momentos sobrecojedores. La cámara solo es una herramienta, tu creatividad, la forma de componer, el encuadre, la luz es lo que determinará que quieres contar y como, reflejando la pasión y tu forma de mirar todo aquello que te rodea y te llama la atención.

A nivel personal, ¿En qué momento fotográfico te encuentras?

En este momento me encuentro en una búsqueda de mi identidad fotográfica.

Ahora mismo soy multidisciplinar.

Llevas varios años en el Grupo y eres de la nueva hornada del 2000. ¿Cómo ves actualmente al Grupo y cómo lo ves en el futuro?

Al igual que yo he ido creciendo y evolucionando fotográficamente he visto nuevos miembros con un gran potencial que te hacen motivarte para estar a la altura y aportar mi granito de arena a elevar el alto nivel del grupo, que ya se ha convertido en una gran familia. Creo que Indalofoto se encuentra en un momento álgido con nuestra incorporación a la Federación Andaluza de Fotografía.

Llevas muchos años en el Concurso la Jarapilla. ¿Qué significa para ti?

Un ejercicio creativo mensual, donde dejar

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constancia de todo lo aprendido y donde te sometes a las valoraciones de los miembros que gracias a las opiniones y críticas constructivas elevan tus conocimientos.

En tu opinión, ¿Cuánta importancia crees que tiene para un fotógrafo la cámara con la que se capturan las imágenes?

Yo creo que es lo de menos. Hoy en día cualquier cámara del mercado sobrepasa técnicamente las expectativas. Es cuestión de creatividad y la pasión a la hora de capturar una imagen.

¿Y el procesado?

Al principio cuando no sabía procesar algunas de mis imágenes, se quedaban cortas a nivel técnico de hecho me costó mucho pasar del analógico al digital, hasta que tuve que empezar a aprender de manera autodidacta pero tras realizar un taller de edición con Javier de la Torre y Jesús García Flores cambió mi concepto y descubrí que una imagen tiene muchas más versiones y eres tú el que realiza la foto cuando la editas.

Para una buena fotografía, ¿nos podrías decir cual crees que sería tu propia receta?.

Siempre utilizo una gran receta de un maestro de la fotografía Catier-Bresson “ Retener el aliento, alinear la mente, la mirada y el corazón” para atrapar “el instante decisivo”.

El panorama fotográfico actual está en continua evolución y la fotografía es una nueva necesaria moda que puedes llevar a cualquier sitio, Pero a nivel artístico, ¿Hacia dónde crees que caminamos, hacia cada vez mejores imágenes o a la invasión de la mediocridad?

Ahora cualquiera hace una foto invadiendo todos los ámbitos de nuestra vida, forzando así a los que quieren ver algo artístico en la fotografía a reinventarse y mejorar.

Todos tenemos en la mente imágenes icónicas del mundo de la fotografía, que nos quedan grabadas y de un modo u otro nos influyen. ¿Nos dirías cual y de quien es esa imagen?

Cualquiera del maestro Catier-Bresson padre del fotorreportaje.

Y si tuvieses que elegir tu imagen más icónica,

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¿Con cuál te quedarías y porque?

Una de mi mujer en la Plaza de San Marcos rodeada de palomas, soñé 17 años con ella hasta que la conseguí. Allí empezó mi vocación.

¿Cual es el libro sobre fotografía que tienes sobre la mesita de noche?

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Soy más de internet que de libros pero para mi cumpleaños quiero el de Fan Ho- Hong Kong Yesterday.

Todos tenemos maestros en fotografía, que nos inspiran o a los que anhelamos imitar, pero ¿Y tus referentes fotográficos o tu fotógrafo preferido?, anda, dinos por que …

Un gran referente para mí al inicio fue Carlos Pérez Siquier porque en mis inicios me gustaban los paisajes y los colores que conseguía y es más de hecho hay un azul del cielo muy característico que yo perseguía al que yo llamaba “azul Pérez Siquier” después he ido encontrando otros muchos referentes, últimamente me gustan Kevin Pinardy y Fan Ho.

Este es un clásico por el que todo el mundo tiene que pasar ..jajaja ¿Angular o Tele?.

Soy más de gran angular tengo un 14-24mm 2.8 Nikon. Empecé a usarlo por los paisajes pero ahora lo uso para casi todo, foto urbana, foto documental, espectáculo, etc.

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ED WARD 70

S E R IE D E G R A N D E S F O T Ó G R A F O S p o r J o s é M ig u e l M a r tín e z

U N IM P R E S C IN D IB L E E N L A H IS T O R IA D E L A F O T O G R A F ÍA

S T E IC H E N Se ha llegado a decir de Edward Steichen que fue “el mejor fotógrafo de todos los tiempos”, pero lo que queda fuera de toda duda es que ha sido una de las figuras más influyentes de la historia de la fotografía del siglo XX. A lo largo de su extensa carrera fotográfica, que abarca más de setenta años, cultivó prácticamente todos los géneros y temáticas. Imprimió a todos ellos su impronta y estilo llegando a ser un pionero en el tratamiento de muchos de ellos en los que marco la tendencia a seguir a partir de entonces.

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S

teichen nació en Luxemburgo en 1.879 aunque muy pronto se trasladó con su familia a EE.UU. Ya con dieciséis años se interesa por la fotografía. A los veintiuno se traslada a Paris, donde pasaría largas temporadas, para estudiar pintura. En parís conoce y empieza a colaborar con el que se convertiría en su amigo y mentor, el fotógrafo Alfred Stieglitz. Ambos fundan el grupo Photo-Secesión y su publicación Camera Work en los que luchan y abogan por una fotografía elevada a la categoría de obra de arte.

En Nueva York abren la galería “Gallery 291” donde

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edward-steichen

exponen y acercan al público americano las obras de Rodin, Matisse, Cezzane, Picasso y otros.

En esta etapa, influenciado seguramente por su formación pictórica y por su mentor Stieglitz, realiza una fotografía pictorialista en la que están presentes unos desnudos y retratos en los que impera la simbología y lo puramente estético, así como paisajes brumosos, de atmosfera romántica y también cargados de simbología.

De esta época es la imagen “Thepond-moonlight” que subastada por “Sotheby´s” en 2006 se convirtió en la

edward-steichen-theredlist

fotografía más cara de la historia hasta el momento.

Durante la I Guerra Mundial se incorporó al Servicio de Fotografía Aérea del Ejercito de los EE.UU. Ante la necesidad del servicio se ve obligado a obtener imágenes totalmente nítidas y claras, venciendo la

dificultad de obtenerlas en pleno vuelo. Ello le lleva a interesarse más por el perfeccionismo técnico y por las virtudes de una fotografía más directa y explicita.

Tendencia que seguirá después en la vida civil.

Al término de la guerra se aparta del purismo de

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edward-steichen-dancers

su amigo Stieglitz para abordar una fotografía más comercial, la que creía podía tener su propia estética y en la que pensaba podía crearse un estilo propio.

Deja de interesarle el “arte por el arte” y se aleja definitivamente de la fotografía pictorialista de brumas y tonos apagados para abordar una fotografía más nítida, cargada de detalle y precisión técnica. Una fotografía

más comunicativa y expresiva.

En 1.923 es contratado por la editorial “CondéNast” como jefe de fotografía de sus dos publicaciones más importantes, “Vogue” y “VanityFair” donde desarrolla quizás la parte más destacada de su obra. Steichen reinventa la fotografía de moda, retrato y publicidad,

Model-posing-for-a-beauty-primer-on-hand-and-nail-edward-steichen-vogue-june-1934

con un espíritu totalmente innovador en el tratamiento de la luz y la composición. Es un pionero en la combinación de luz natural y artificial diferenciándose así de sus antecesores que despreciaban la luz natural en la fotografía de modelaje. Se distingue así creando nuevas estéticas y formas hastaen la dirección y posado de las modelos, convirtiéndolas en sus fotos en mujeres

de carne y hueso. Con un estilo realista y alejado del foco suavizado y el claroscuro utilizados por sus antecesores, contribuyó definitivamente al concepto de “fotografía nítida” creado por las revistas de Nast.

Este llegó a decirle que “Toda mujer fotografiada por De Meyer (antecesor suyo) se ve como una modelo.

Usted hace que toda modelo se vea como una mujer”.

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Mary-Taylor-Edward-Steichen

Steichen, debido a su formación artística, sabia como fotografiar la ropa y cuerpos luciéndola. Desarrollo un talento especial para destacar las texturas y caídas de las telas, convirtiéndose en el inventor de la fotografía de moda tal y como hoy la conocemos. Por delante de su objetivo para “Vogue” pasaron las más prestigiosas firmas de alta costura como Patou, Lanvin, Cartier o

Chanel vistiendo tanto a actrices y modelos, como a mujeres anónimas. Hace de esta publicación el referente de elegancia y tendencia que la ha caracterizado durante décadas.

De este artista sin paliativos, se puede decir que fue el creador del “glamour” en fotografía, estableciendo los

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patrones definitivos de la nueva fotografía de moda y de publicidad. Además, con un sofisticado sentido de la escenografía y la iluminación convierte el retrato en una faceta que trasciende el mero carácter descriptivo

patrones definitivos de la nueva fotografía de moda y de publicidad. Además, con un sofisticado sentido de la escenografía y la iluminación convierte el retrato en una faceta que trasciende el mero carácter descriptivo de la imagen para transformarlo en documento de un estilo de vida y una época. Para “VanityFair” fotografió a personajes tan dispares como literatos, estadistas, compositores, actores o deportistas. Joan Crawford, Winston Churchill, George Gershwin, Marlene Dietrich, Fred Astaire o Thomas Mann son solo algunas de las personalidades a las que llevo a las paginas de tan reputada publicación, en retratos de un estilo que ya había sido calificado por de la imagen para transformarlo en documento de un el critico “Hartman” como “intelectualmente agudo”.

Era estilo de vida y una época.

Para “VanityFair” fotografió un momento en que ser retratado por Steichen resultaba atodo personajes tan dispares como literatos, estadistas, un privilegio. compositores, actores o deportistas. Joan Crawford,

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World War II Photographs by Edward Steichen

Durante la II Guerra Mundial vuelve a realizar trabajos relacionados con la contienda, en los que, una vez más, rompe con lo anteriormente hecho y hace una fotografía mas cercana al elemento humano.

Henri Matisse and La Serpentine fall 1909 Issy les Moulineaux photograph by Edward Steichen

Tras la guerra comienza una etapa también de suma importancia en la carrera de Steichen. En 1.947 es nombrado director del departamento de fotografía del “Museo del Arte Moderno de Nueva York (MOMA), puesto que ocupa hasta 1.961. Durante esos años, más que a la producción fotográfica, se concentra en la organización y comisariado de exposiciones. Trabajó incansablemente organizando multitud de ellas y lucho por lograr el derecho de la fotografía a entrar en los museos. Reconocimiento público que, sin duda, llegó con su obra Magna, “TheFamilyof Man”, la que es incontestablemente la exposición fotográfica más importante de la historia y la culminación de su carrera como curador.

En 1.955 se inaugura en el MOMA esta exposición pensada y organizada por Steichen en la que se muestran 503 imágenes de 273 fotógrafos de 68 nacionalidades diferentes.

Posteriormente, durante 8 años, recorrió y se exhibió en 38 países. Su idea era realizar una muestra humanista en la que, a través de imágenes representativas de 37 aspectos distintos dela vida, dar una visión de las relaciones del hombre consigo mismo, con su familia, con su entorno, buscar las coincidencias entre ellos, enfatizando, por encima de razas, sexos, nacionalidades …, su pertenencia a una familia común.Quizás era la manera de reflejar el signo

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de unos nuevos tiempos tras la II Guerra Mundial y la necesidad de volver a la calma y recuperar la vida cotidiana y el entendimiento entre los hombres.

Además de la convocatoria de fotógrafos ya reconocidos, como Dorothea Lange, W. Eugene Smith, Elliot Erwitt. Diane Arbus, Brassai o Ansel Adams, se busco la participación de fotógrafos

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anónimos o desconocidos que con sus fotos intimas o privadas pudieran completar la vocación humanista de la muestra. Fueron casi 2 millones las fotografías recibidas y tres años de ardua tarea lo que supuso seleccionar las 503 imágenes finalmente expuestas.

Aunque no llego a participar ningún fotógrafo español, Steichen si estuvo después interesado por la obra de algunos de ellos, tras la publicación del

anuario del Grupo Afal de 1.958.

“The Family of Man”, a pesar de su indudable éxito de público, tuvo duras críticas sobre todo desde el mismo ámbito de la fotografía.

Algunos especialistas la acusaron de ser demasiado sensiblona, ingenua y excesivamente optimista.

Por su parte, algunos fotógrafos vieron en ella el empleo de un utilitarismo de la fotografía, en que se había buscado más un propósito moral que la promoción de la propia fotografía y sus autores.

Por encima de éxito y critica, lo que es incuestionable es que supuso un hito irrepetible en la historia de la fotografía. Un compendio de imágenes que ha inspirado a generaciones enteras de fotógrafos mostrando una reveladora diversidad de formas y maneras de reflejar el elemento humano. No en vano actualmente, desde su sede permanente en el castillo de Clervaux en

Luxemburgo, “The Family of Man” es la única colección fotográfica protegida por la Unesco incluyéndola en su Registro de la Memoria del Mundo.

A estas alturas no cabe discutir lo que la figura de Edward Steichen ha supuesto para el mundo de la fotografía. En los distintos aspectos de su carrera y en todos los estilos abordados fue un innovador.

Creativo, imaginativo y tremendamente adelantado a su tiempo logro diferenciarse de los demás con criterios propios y rompedores. Criterios que crearon las bases de un nuevo estilo de hacer fotografía, sobre todo en moda y publicidad. Han sido incontables los fotógrafos que se han visto inspirados por su obra y por la recogida en “The Family of Man. En definitiva, Edward Steichen es sin duda uno de los personajes imprescindibles para entender la historia universal de la fotografía.

José Miguel Martínez Documentación “Vogue: TheIlustratratedHistoryoftheWorld´sMostFamousFashionMagazine” Norberto Angeleti y Alberto Oliva, Rizzoli 2004.

“Edward Esteichen, el fotógrafo que invento el glamour”, Thesauro Cultural.

“Las fotos aéreas `nítidas y claras´ de la I Guerra Mundial que hicieron de Steichen un maestro”, Anxel Grove 2014.

“TheFamilyof Man (La Familia del Hombre)”, Oscar colorado Nates, 2013.

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W W W . G R U P O I N D A L O F O T O . C O M P A R A

M A S

I N F O R M A C I O N

V I S I T A

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“Porque la fotografía no se disfruta sólamente con el momento de la captura ...”

NOS MOVEMOS Ha pasado mucho tiempo desde que editamos nuestro anterior número. Desde entonces hemos tenido muchas vivencias fotográficas, algunas de ellas muy muy importantes para el Grupo. Talleres, exposiciones, salidas, reuniones y proyecciones han copado la parrilla de actividades desde entonces.

Algunas caras de nuestros socios han cambiado, otras estamos como siempre al pie del cañon, defendiendo este arte que tanto nos apasiona.

Las Salidas

A finales de 2019 tuvimos en Almería uno de los hitos mas importantes que hemos conseguido como Grupo. Por fín conseguiamos poner en marcha un gran evento fotográfico llamado “Almería desde la Imagen”. Un proyecto titánico con meses de preparación y organización detras, que por fin veíamos hecho realidad con un notable éxito. Sin embargo, este evento hemos preferido no dejarlo reflejado en este número, ya que el equipo de redacción hemos creido que sería mejor homenajearlo en un próximo número especial dedicado al mismo.

P A R A

A continuación os dejamos con una selección de la cartelería de las actividades mas relevantes que hemos llevado a cabo desde entonces.

M A S I N F O R M A C I O N V I S I T A W W W . G R U P O I N D A L O F O T O . C O M

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P A R A

M A S

I N F O R M A C I O N

V I S I T A

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NOS MOVEMOS

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