La Perla Negra by Marta Gil

LA PERLA NEGRA CABELLUT

Essay by Robert C. Morgan

LA PERLA NEGRA CABELLUT

This book does not contain a portrait of Frida Kahlo, it is just the fascination, the admiration and even perhaps my desire for souls like hers

LA PERLA NEGRA CABELLUT Essay by Robert C. Morgan

Poems

by Felipe Barral Lita Cabellut

2011

La Perla Negra Cabellut’s Expressionist Persona Robert C. Morgan The color black may shine with a gloss so intense that it functions as a mirror of the soul. One may look into the black pearl and see signs of the sun and moon suspended in time. Here one find the soul in transition, where meaning temporarily fades from view, where the plague of material desire and excess ends in dire sickness, a turbulence of nausea that disrupts any trace of spiritual equilibrium. The pain of pleasure, the incessant moment of Leidenschaft, or the pain within passion, constitutes the perilous journey of the soul as it seeks to rejuvenate, to regenerate, and procure the light held within the darkness of the pearl. The fate of artists may turn on a peso and send shivers through one’s broken spine as was the reality for Frida, and undoubtedly the metaphor for Diego. Artists know -- if they are true artists -- that the heartache of one transforms into a metaphor of the other. In love, one senses the other’s pain even as one attempts to conceal it. This is where the bargaining for life enters the realm of the absurd, where shit happens, and where the transposition of the soul moves from one to another before recognizing the loss. The appearance of harmony that artists crave yet so seldom find is founded on coming to terms with some form of loss. When shit happens, there is hesitation and doubt, there is the terror of losing everything one has gained, the succor and humiliation that one must start over again, that one is obliged to retrace one’s steps in search of the pieces that fell by the wayside, and then slowly begin to rebuild --blindly, mercilessly, even as one’s strength appears to dissipate, There is no art without the desire to do this. As one is surrounded by fakery and disillusionment in the material world, the artist’s dilemma is always to retrace and rebuild, to set the stones and shards back into place, into another place, and perhaps, another time. The distant cousin of art is archeology as both proceed to search for traces that make the human soul what it is, regardless of the time or the age in which it was born or came into being. Finally, the advent of archeology moves forward in relative time, an edict the artist implicitly knows. Life continues to make its way, despite the loss of art, language, and civilizations through warfare, disease, pestilence, famine, earthquakes, and floods. The ancient tides continue to ebb and flow through time, as the artist/archeologist reconstructs in the hope of bringing the past into the present. Disconsolate, the digging continues until the realization comes to the surface that consciousness needs life, and life needs air to breathe. The soul requires oxygen to transmigrate beyond the ephemeral into the birth of another. And so it becomes clear that time is ultimately a phenomenon that defines the present. Archeology has limits. The digging for artifacts from another time and place may require a pause or an interstice. The past has left us in the place we are in, as time continues to press forward, even as we pause for a moment, even as we decide what to do (Marcuse). There is no question worth more than what is contained within the moment, and no argument more prescient. The only clarification necessary is that our lives are essential, and that we must continue to live and to love, despite the odds against us. Cabellut rekindles the creative aspirations of the soul at a time in which many seduced by apathy, mindless indulgence, and corporeal lassitude. Cabellut does not require virtual hallucinations to make her message known. She is an artist holding forth, who replenishes the tactile sensations deferred through electronics, and who advocates the survival of the human soul. As life continues to evolve, her expressionist paintings may equivocate between despondency and ecstatic light. Ultimately, they offer a message that intends to renew and rejuvenate life within the present-tense. This is the third occasion that I have written on the paintings of Lita Cabellut. In each case, I find that language gets submerged within the ineffable core of her expressionism. Words succumb to the power of her gestural figurations. This happens at a time when few artists are capable of escaping the reigns of academic priesthood and the artificial lure of a mindless market that invests in empty logotypes. Promotional strategies spread like glossy saliva on the pages of cosmetic magazines, filling digital screens with aerosol images and incessant pabulum. Rarely do their messages come into focus. Rather they of any tactile dimension outside the realm of their own virtual superfluity. Amid this pathetic morass, Cabellut offers her rebellious retort -- something distinct, enigmatic, and provocative -- apart from a mindless deluge of names without bodies. Her expressionist fecundity offers a mind unto itself, a feast in honor of Diogenes where portraits of Frida, Diego, and Trotsky are displayed in torment, suspended in their egotistical galaxies while echoing a foreboding, predictable tale of the human condition. This tale is given to excess, and disillusionment. Like her expressionist forebears, Cabellut invests feeling in what she believes -- not though a voracious Ego, but accurate in relation to her subject.

Her many portraits in La Perla Negra recite an original contribution to an alternative history of art unlike anything since Magiciens de la terre plunged its way into a sterilized comfort zone of art in Paris in 1989 and brought forth creative resources from unforeseen regions amid the various continents of our global village. I look at Cabellut’s portraits not merely as psychological investigations of a woman but as moments of vulnerability when human beings are most susceptible, on the verge of starving for a sense of truth beyond what the material world has to offer them. There is a vulnerability and modesty in these paintings haunted with sadness and sacrifice, given to a nightbound journey in which only Frida could embark. She is the subject of these paintings, and the persona imagined by the artist. As I study Cabellut’s paintings I am suddenly reminded of the American writer Henry Miller and his book, The Time of the Assassins, a book about the French symbolist poet, Jean-Arthur Rimbaud. As Miller writes about Rimbaud, he is simultaneously writing about himself. Rimbaud is a mirror of his own reality. Therefore, his narrative constantly shifts between himself as writer/biographer and the reality of the poet Rimbaud. There is a certain dissonance, an inability to focus accurately given the intensity of emotion that Miller feels for Rimbaud, the youthful poet and revolutionary who opened the hearts and minds of poets and painters of generations beyond himself and who struggled to find a foundation for their Modernist expression, a nascent open door to consciousness by which they could endure, produce, and survive. As Cabellut paints Frida and her male rivals, there appears a sense of ideological and erotic complicity between the three personages. Cabellut is keenly aware that there are major personality differences between the calculating Russian intellectual and the somber post-Cubist muralist, even as Frida aspired to achieve some consolation and comfort if one was given to complement the other. But clearly it was not that simple. Life does not progress so easily. There is violence in heartfelt passion. Trotsky and Diego did not see eye-to-eye. Although Marxist revisionism was their starting point, there nemesis would inevitably become their mutual object of desire -- Frida Kahlo. Eventually -- tired of the Leon’s fussy proclivities, formidable rhetoric, and saccharine table manners -- Frida would eventually return to the dissonant domesticity of pampering Diego, her paunchy childish spouse. While there was little doubt that the three vectors agreed on the ideological direction of mass culture, the Latino odds were against them in moderate force. Diego became opportunistic in his labeling of Marxism even as he entered the threshold of Capitalist wealth. Unfortunately, his conflict became clear to others. In fact, it became overwhelmingly transparent. Diego adored the attention being lavished upon him as a revolutionary painter in America, while Frida recklessly went shopping for elegant gowns, attended luxurious lunches, and took pleasure in insulting the bland and superficial spouses of wealthy Caucasian husbands. Meanwhile, Diego’s embrace of American industry -- formerly associated with the pillaging of advanced Capitalism -- confused many of his Mexican adherents back home. His muddling of Marxist rhetoric, whether in English or Spanish, further added to the ruckus. Amidst all of this, Frida managed to stay on the outside as she feigned her obsequious position from the inside. While intensely vibrant in her sympathies toward Marxist intellectualism, she would never relinquish her intimate desire to become an artist (something that Trotsky could not understand). To serve as a Socialist Realist factotum was beyond the least of her ambitions. By her early forties, Frida had willingly agreed to some thirty operations in order to relieve the pain resulting the mutilation she experienced from a horrendous streetcar accident suffered in late adolescence. From this time forward, her most pressing need was her quest to discover the truth of her existence. Her medium was painting, primarily self-portraits, which allowed her to confess her sorrow, pain, and loneliness without guilt. Meanwhile, Diego pursued his mindless philandering, and she began to retaliate. Trotsky was a convenient ploy by which to reckon with her lying and deceitful husband, but it could not last. She still felt emotionally dependent on Diego, which she could never admit. Despite the emptiness resulting from these arduous relationships, her statuesque manner, aristocratic dignity, and suffering beauty allowed Frida Kahlo to pose as an elegant matron, donned in native gowns with tickling bracelets, and thus, to emerge as a radiant symbol of liberation. This attribution was not exactly the destiny she had hoped to achieve as Frida continued her struggle to become recognized as an artist equal to Diego. During a period of intense ideological conflict and complex political transition, even as Mexico faltered in its quest for democracy, Frida was fast becoming the idol of her people.

Lita Cabellut’s paintings emit an honest and passionate resonance representative of Frida as she reveals the psychic and physical pain of her subject both as an artist and woman. On the basis of these highly descriptive and emotionally-charged paintings, it would appear that Cabellut feels considerable empathy for her subject, that she wants to identity on some level or in some way with Frida, as a kind of persona. Printed over a photograph of a human skull covered in bright orchids, we read a concession by Cabellut: “This book does not contain a portrait of Frida Kahlo. It is the fascination and admiration and perhaps even my desire for souls like her.” As we pause to observe the paintings, we see Frida in many poses, nearly always in traditional dress, immaculate with flowers in her hair. However, there are also exceptions when she poses as a punk rocker on the verge of androgyny -- boyish, sullen, quietly desperate to move as she shifts from one state of Being to another. There is a painting in which Frida’s hand covers her face with the contour of a skull inscribed over it. In another both hands conceal her face, as if to shut the world out for fear that her tormented body and release of emotion are too much for anyone to see. In yet another, Frida’s nude torso is strapped to hold her spine in place with her arms held out as if in a state of supplication. In the catalog, this painting is seen across the page from Goya’s Giant moving across the darkened horizon, one of the great pittura negra, and yes, here we become aware of la perla negra in full force. Here Frida stands selfless as if to relinquish all defenses and ready to offer a plea of protection for herself and others. As Frida became the twentieth century Modernist woman who Carlos Fuentes designated as a symbolic embodiment of Mexico’s struggle to liberate herself, she continued to align herself with the passions of the people. At the same time, she struggled with a way of life surrounded by material realities in conflict with her spiritual and carnal passions. She believed in her passions less as a Catholic or Jew than what she observed through her own experience. As a passionate observer, Frida was conscious of the violence latent in the most common rituals of everyday life, including the violence that had severely damaged her youthful body.Yet she believed in herself as a woman encompassed by the aleatory fate of nature. Ultimately, nature became the source of her passion, a flicker of light within her lonely existence as she lived most of the time in pensive, agonizing darkness. Despite her aristocratic inclinations, Frida found her identity in nature. She was inspired by common people and trusted the values laden within the soil they tread and worked on a diurnal basis from sunrise to sunset. Their example gave her solace and the courage to accept life in the face of death. She never relinquished her belief in the potential to transform life. Within her deeply felt conflicts, she courageously sublimated her emotions and thereby discovered the fertilization of ideas that empowered her as an artist. In doing so, Frida became a symbol of spiritual resistance -- both aesthetic and political -- as she confronted the forces of darkness that conspired against freedom in her homeland and consequently against the people who believed in her. Cabellut confesses her motivation in painting Frida less as a portrait than as a “fascination and admiration” with the artist’s soul meandering in opposition to Goya’s Giant on the horizon taking souls into captivity throughout the course of history. Cabellut’s intention as an artist is to reveal the artist’s soul as a force of resistance and transformation engaged in life, who is possessed by indulgence and restraint according to the artist’s prerogative. As revealed by Cabellut, Frida was an artist whose feelings moved easily between conscious and unconscious thought. motivating her to live and to paint. Some called her a Surrealist, but somehow the label does not fit. One might find it difficult to accept that Cabellut would be interested in painting the face of a Surrealist in which thoughts are contained within the mind instead of the body. For Cabellut, Frida was an expressionist like herself, an artist whose body projects thought rather than hiding or containing it. Therefore, Cabellut envisions the life and death of Frida Kahlo in terms of allegory-- a powerful woman fully engaged as an artist, as a creative being, and as antagonist to the mediocrity she perceives in the everyday world. To this extent, Kahlo functions as a kind of heroic existentialist -- a philosophical counterpart to expressionism (also evident in the late sculpture of the Swiss Giacometti) -- as a woman caught in the web of becoming an artist and, at the same time, confronting the realities of a woman persistently struggling for identity in a world to which she feels opposed. The French writer and feminist, Simone de Beauvoir, advocated that she often found herself derailed by the “force of circumstance”-- or the terms of history that do not yield easily to the cause of self-liberation.

Aesthetically or poetically, the recent paintings by Cabellut focus on Frida Kahlo while also giving peripheral significance to the dual roles of her husband, Diego Rivera and her Marxist revisionist lover, Leon Trotsky. As is known, Trotsky would eventually become the victim of a Stalinist assassin in Mexico. Yet it is not altogether clear as to what impact or effect his murder had on Frida. Despite her feelings for Trotsky, this ambiguity may further suggest the artist’s self-determined goal was less interested in politics than in finding her way as an artist. It was also about affirming her dignity as a woman in relation to the escapades of Diego. In the suite of paintings that are the centerpiece of this exhibition, Frida is obsessively shown in many poses, including portraits in various states of pensive thought or anguish or physical disability, indicating fatigue of body and mind, or exhaustion not only with life but, at times, even with art. Her struggle to push ahead was more than an obsession and more profound that simply an opposition to the world around her. Quite the opposite. She was putting her life in order, trying to discover the emotional premise where life and art are inextricably bound to one another, as in the privacy of her garden among her tropical plants and brilliantly colored parrots, condors, and cockatoos, interacting with the solitary space of painting. In the work of Cabellut there is a reiteration of this premise not only through struggle but through a desire for resolution where artists become the legitimate heirs to their history, a premise essentially connected to Shelley’s concept of poets being “the unacknowledged legislators of their time” -- meaning the present, whether now or then. This might also refer to some configuration of forces that would reenact this scenario of the present in another place at another time. It is clearly the later that Cabellut has in mind. The future of Kahlo is the present-tense for Cabellut, and thus, her present will be the future of what happens to other artists as well. The struggle is perennial and inescapable. It continues either by accident or ecstasy, as the case may be, but is largely by “force of circumstance,” whether applied to Du Beauvoir or Frida Kahlo. As for Cabellut, we understand this struggle through her paintings. These become her means in communicating the human condition to which Frida was both alienated and connected and spent her abbreviated life trying to explain. Through all of this language, it should be considered that the paintings that inspire these words are what become the issue. Everything essentially derives from the aesthetics of experience as one observes and ponders the face of experience, in this case, the face of Frida. As a suite of paintings, Cabellut’s La Perla Negra is an extraordinary achievement that gives a glimmer of truth to the meaning of art in the twenty-first century, a glimmer that expands beyond the secular routines that entangle us in our deceptive virtual reality. To explain the soul of Frida through the eye or the mind or through the mind’s eye of Lita Cabellut is a powerful and unrelenting experience, perhaps, a healing experience. However one may chose to feel or understand them, they are paintings worthy of our time. ______________________________________________________________________ Robert C. Morgan lives in NewYork and is an international critic, curator, lecturer, poet, and occasional artist.The first critic to receive the Arcale award in Salamanca (1999), Professor Morgan holds an advanced degree in studio art and a doctorate in aesthetics and art history. In addition to his many books and extensive list of essays, Morgan is Visiting Professor of Graduate Fine Arts at Pratt Institute in Brooklyn and a Consulting Editor to The Brooklyn Rail and Asian Art News in Hong Kong.

“Se trata de alegría devoción y gracia.”

“Would you marry me with oil? Would you marry me…? Brush and strokes...”

Like a poppy just born Dry and severe is the blow that bows you over Your soul drags lost wounds Your feet announce future victories Your eyes always aim above As if wanting to stretch life

Como una amapola reciĂŠn nacida Seco y severo es el golpe que te inclina Tu alma rastrea heridas perdidas Tus pies anuncian victorias futuras Tus ojos siempre apuntan arriba Como queriendo estirar la vida

I paint your portrait in the profiles of the sharpened knives.

No te desafĂo vida mĂa Te tengo tejida in la tela rosa Es el hombre que amo Y la muerte que siempre me hace sombra Mira Mirame Soy la maja de los desastres Al fondo del vestido negro esta perdiendo su voz El lago de los sacrificios

Cathedral of mistreated bones Paintbrushes of bound-up sentiments A reflection of stainless steel in your pupils They undress the ivory and in this way paint a Pegasus carrying you from place to place

In the upper part of the street there is a force that tames flowers that moves from side to side With carousel wheels The mirrors make the shape of the sky So she can feel as an Angel The sheets recite verses of cinnamon and jasmine The red stains when it doesnâ&#x20AC;&#x2122;t hear you suffer The flowers in your beloved patio do not want to bloom Only the stones you condemned to stay there The sunrise fools them Promising that you will come

I donâ&#x20AC;&#x2122;t challenge you, my love I have you woven in the pink cloth He is the man I love and the death that always overshadows me Look Look at me I am the lovely one of the disasters At the bottom of the black dress the lake of sacrifices is losing its voice

As if reality were a loan from the miracle

If I really were a martyr my eye would not see you nor would it perceive the images that justify my mute silence

You are born from the top of my throat tangled in the upper part of my soul Flower roots of honey Silent orphans draw the silhouette of the sleeping swallow Naked clothing of the night winning a trophy by stokes of the teeth From side to side you support my center Because of that my shoulders will be straight to carry your caprices I was born First You After I was to die you stayed breaking the silence and embroidering my name From skin to skin

Caminare la frágil línea Mirando la noche soñando despertar. La consciencia de tal belleza esta adelante entre mis piernas. Caminare la frágil línea Mirando la noche soñando despertar. Anda, Frida, camina. Anda, Frida, brilla. Si me convirtiera en madre la muerte seria el sueño de mi hija danzando con la sangre dentro de mi. No hay fe no hay rostros. Mi única certeza es que en la muerte me convertiré en la Madre que nunca olvida. F. Barral

I paint your portrait to see myself each time anew It is to pass from one star to another without stepping on the patience that devours spare time Calming the sorrows that undress themselves in the early morning Caressing the scars that form a part of my soul Shipwrecks of memories Orphans of words The lights ignite reason The judgment rebels in the frost of the early morning without doors nor windows

I would not want to be what we were yesterday Forest in shadow Protected from the wind Without nightfall

We have lost that which reminded us The days The tragedy has broken in one gust the clocks The memories are not in their place Happiness has lost its teeth Fragility has declared a dictatorship Condemned are those who want to be heroes from the heart We have lost the rhythm of the metronome They have stolen our pain

Te presiento cuanto mas quieres de mi, Te he dado flores de mi piel Alma y vértebras Mi corazón en dos Te lo he ofrecido Y ese aun lo tengo aquí

I sense you the more you want from me I have given you flowers from my skin Soul and vertebrae My heart in two I have offered you And still I have it here

Ahora pides mis dedos, Mis pies Mi desafío a la sombra Aquí los tienes Para que me sirven? Sin ellos... mas alto vuelo

Now you ask for my fingers My feet My challenge to the dark Here you have them What good are they to me Without them… the higher I fly

Tiemblo de paz y miedo Me acero a una columna de papel que con cada suspiro roba mi suerte Te he suplicado Burlado Querido, Odiado He roto el centro de mi ser mujer Hombre fui Ella celos Pasión éxtasis Locura Razón Todo Lo he devorado para perder este sentimiento que tengo ahora Cuando te acercas a mi

I tremble in peace and fear I near a column of paper that with each breath robes my luck I have begged you Made fun of you Loved Hated I have broken the center of my womanhood Man that I was She jealous Passion Ecstasy Craziness Reason Everything I have devoured it to lose this sentiment that I have now When you come close to me

Eye to eye mirror to wall looking inside woman at last. Searching for answers You seek to destroy I am your weapon in bed to enjoy. I found myself standing alone I am like a poem useless abandoned undone. Sex and violence napkins to control the blood. Would you marry me with oil? Would you marry meâ&#x20AC;Ś? Brush and strokes... Life is my show the venue the soul the theatrical palace where you, the lord of the art world, rule the unknown throwing stones. You know me... You love meâ&#x20AC;Ś You wish I could say no. The world is my canvas that numbs your desire making you stare at my naked attire. F. Barral

It’s not forgetting. I’m not what I used to be this is robbing my humanness leaving me alone isolated surrounded by lovely shadows that I haven’t met. Don’t blink my look is blank. Don’t blink my love is dark. In this mouth there are no kisses left to share I want to hug you I want to care If I don’t know you I can’t forget. Make me live in memories make me live again. Look at me, my lover look inside my pain. The fear is cold within it has no soul It doesn’t love me It controls my core. Tonight I fight for freedom Freedom of the bones Friday freedom, Frida! Friday, Frida, go! Friday freedom, Frida! Friday, Frida, go! F. Barral

Kiss me Feed me Feel me The muse whispered in my ear... Her voice like endless waves Coming to me... Coming... I have no fear. This is about joy devotion and grace. Her words cut the spirit like wind unleashing the inner beast. This is about sex death and redemption. Come to me... Come, I have no fear. The canvas is your soul, The paintings...Your blood. If you donâ&#x20AC;&#x2122;t hear my voice the least you can do is to watch my works of artâ&#x20AC;Ś Otherwise...Your life is just window dressing wishing the milk of my breast. F. Barral

This is about sex death and redemption.

Slobbering worms dreaming of being butterflies

The same profiles have the same fears and the same eyes have that which we love so much!

My Challenge to the dark

La Perla Negra El personaje expresionista de Cabellut Robert C. Morgan El color negro puede brillar con un lustre tan intenso que llega a actuar como un espejo del alma. Uno puede mirar dentro de la perla negra y ver en ella indicios del sol y la luna suspendidos en el tiempo. Aquí uno encuentra el alma en transición, el lugar donde el significado desaparece temporalmente de la vista, donde la plaga del deseo material y los excesos termina en una seria enfermedad, una turbulencia de náusea que altera todo rastro de equilibrio espiritual. El dolor del placer, el incesante momento de Leidenschaft, o el dolor dentro de la pasión, constituye el peligroso viaje del alma en su búsqueda por rejuvenecerse, por regenerarse, y conseguir la luz retenida dentro de la oscuridad de la perla. El destino de los artistas puede cambiar de un momento a otro y enviar escalofríos a través de la espina dorsal rota; tal era la realidad para Frida, y sin lugar a dudas la metáfora para Diego. Los artistas saben –si es que son unos verdaderos artistas– que la pena de uno se transforma en una metáfora del otro. En el amor, uno percibe el dolor del otro aunque intente ocultarlo. Aquí es donde la negociación de la vida entra en el reino del absurdo, donde ocurren las cosas negativas sin ningún motivo aparente y donde la transposición del alma pasa de uno a otro antes de reconocer la pérdida. El aspecto de armonía que los artistas reclaman pero que tan raras veces encuentran se basa en asumir una cierta forma de pérdida. Cuando se produce una situación negativa sin razón alguna, existe vacilación y duda, existe el terror de perder todo lo que uno ha ganado, el socorro y la humillación de tener que empezar otra vez de nuevo, de estar obligado a volver sobre los pasos de uno en búsqueda de los trozos que cayeron a mitad del camino, y después lentamente empezar a reconstruir –ciegamente, despiadadamente– aunque las fuerzas de uno parezcan desaparecer. No existe arte sin el deseo de hacerlo. A medida que uno se ve rodeado de impostura y desencanto en el mundo material, el dilema del artista está siempre en desandar y reconstruir, en volver a poner las piedras y los fragmentos de nuevo en su lugar, en otro lugar y, quizás, en otro tiempo. El primo lejano del arte es la arqueología, ya que ambos pretenden encontrar los vestigios que convierten el alma humana en lo que es, independientemente del tiempo o de la era en la que nació o empezó a existir. Finalmente, la llegada de la arqueología avanza en un tiempo relativo, un edicto que el artista conoce implícitamente. La vida prosigue su camino, a pesar de la pérdida de arte, lenguas y civilizaciones a causa de las guerras, las enfermedades, las pestes, las hambrunas, los terremotos y las inundaciones. Las antiguas mareas continúan con su flujo y reflujo a través del tiempo mientras el artista/arqueólogo reconstruye con la esperanza de llevar el pasado hasta el presente. Desconsolada, la excavación continúa hasta que se descubre que la conciencia necesita la vida, y que la vida necesita aire para respirar. El alma necesita oxígeno para transmigrar más allá de lo efímero en el nacimiento de otro.Y de esta manera se hace patente que el tiempo es, en última instancia, un fenómeno que define el presente. La arqueología tiene límites. Las excavaciones para localizar objetos de otro tiempo y lugar pueden exigir una pausa o un intersticio. El pasado nos ha dejado en el lugar en el que nos encontramos, mientras el tiempo continúa abriéndose camino, incluso cuando nosotros nos detenemos durante un momento, incluso cuando decidimos qué hacer (Marcuse). No existe ninguna pregunta más importante de responder que saber qué contiene el momento, ni ningún otro argumento es más profético. La única aclaración necesaria es que nuestras vidas son esenciales, y que debemos continuar viviendo y amando, a pesar de todo lo que tenemos en contra. Cabellut reaviva las aspiraciones creativas del alma en un momento en el que muchos se ven seducidos por la apatía, la indulgencia sin sentido y la lasitud corpórea. Cabellut no necesita alucinaciones virtuales para dar a conocer su mensaje. Ella es una artista que habla largo y tendido, que recupera las sensaciones táctiles arrinconadas por la electrónica y que aboga por la supervivencia del alma humana. A medida que la vida continúa evolucionando, sus pinturas expresionistas pueden ser esquivas entre el abatimiento y la luz extática. En última instancia, ofrecen un mensaje que pretende renovar y rejuvenecer la vida dentro del tiempo presente. Esta es la tercera ocasión en la que escribo sobre las pinturas de Lita Cabellut. En las tres me he encontrado con que el lenguaje queda sumergido dentro del inefable fundamento de su expresionismo. Las palabras sucumben ante la fuerza de sus figuraciones gestuales.Y eso tiene lugar en un momento en el que pocos artistas son capaces de escapar de las riendas del sacerdocio académico y del aliciente artificial de un mercado sin sentido que invierte en logotipos vacíos. Las estrategias promocionales se esparcen como brillante saliva en las páginas de las revistas y llenan las pantallas digitales con imágenes en aerosol y unos incesantes y anodinos textos. Muy pocas veces sus mensajes dan en el blanco.

Cualquier dimensión táctil fuera del reino de su propia superfluidad virtual. Dentro de todo este patético cenagal, Cabellut ofrece su réplica rebelde –algo diferente, enigmático y provocativo– apartada de una avalancha sin sentido de nombres sin cuerpos. Su fecundidad expresionista ofrece una mente en ella misma, una celebración en honor de Diógenes en la que los retratos de Frida, Diego y Trotsky se muestran atormentados, suspendidos en sus galaxias egotistas al tiempo que se hacen eco de un relato premonitorio y predecible de la condición humana. Este relato es dado al exceso y al desencanto. Igual que sus antepasados expresionistas, Cabellut invierte sentimiento en aquello en lo que cree –aunque no un ego insaciable, sino preciso en relación con su tema. Sus muchos retratos de La Perla Negra representan una contribución original a una historia alternativa del arte, diferente de todo lo aparecido desde que Magiciens de la terre se zambulló en su camino hacia un conocido y esterilizado terreno del arte en París en 1989 y suscitó unos recursos creativos procedentes de regiones desconocidas entre los varios continentes de nuestra aldea global.Yo veo los retratos de Cabellut no meramente como investigaciones psicológicas de una mujer, sino como momentos de vulnerabilidad cuando los seres humanos son más susceptibles, en su anhelo por encontrar un sentido de la verdad más allá de lo que el mundo material tiene por ofrecerles. En estas pinturas hay una vulnerabilidad y una modestia obsesionadas con la tristeza y el sacrificio, dadas a un viaje hacia la noche en el que solo Frida podría embarcarse. Ella es el tema de estas pinturas, y el personaje imaginado por la artista. Al estudiar las pinturas de Cabellut me vienen repentinamente a la memoria el escritor estadounidense Henry Miller y su libro The Time of the Assassins, un libro sobre el poeta simbolista francés Jean-Arthur Rimbaud. Al escribir sobre Rimbaud, Miller está escribiendo simultáneamente sobre él mismo. Rimbaud es un espejo de su propia realidad. Así pues, su narrativa va cambiando constantemente entre él como escritor/biógrafo y la realidad del poeta Rimbaud. Puede apreciarse una cierta disonancia, una incapacidad para centrarse de una manera precisa dada la intensidad de la emoción que Miller siente por Rimbaud, el joven poeta y revolucionario que abrió los corazones y las mentes de poetas y pintores de muchas generaciones posteriores a la suya y que luchó por encontrar un fundamento para su expresión modernista, una naciente puerta abierta hacia la conciencia a través de la cual pudieran resistir, producir y sobrevivir. Cuando Cabellut pinta a Frida y a sus rivales masculinos aparece una sensación de complicidad ideológica y erótica entre los tres personajes. Cabellut es profundamente consciente de que existen unas enormes diferencias de personalidad entre el calculador intelectual ruso y el sombrío muralista postcubista, aunque Frida aspirara a alcanzar una cierta consolidación y comodidad si uno actuaba como complemento del otro. Pero claramente no era nada sencillo. La vida no avanza de una manera tan fácil. En la pasión sincera existe violencia. Trotsky y Diego no estaban de acuerdo. Aunque su punto de partida fuera el revisionismo marxista, su némesis se convertiría inevitablemente en su mutuo objeto del deseo –Frida Kahlo. Con el tiempo –cansada de las propensiones quisquillosas, la formidable retórica y los empalagosos modales de Leon–, Frida volvería a la domesticidad dominante del mimoso Diego, su panzudo y pueril cónyuge. Aunque existían pocas dudas sobre el hecho de que los tres vectores estaban de acuerdo en la dirección ideológica de la cultura de masas, el juego latino estaba contra ellos con una fuerza moderada. Diego se volvió oportunista en su etiquetaje del marxismo, e incluso llegó a cruzar el umbral de la riqueza capitalista. Por desgracia, su conflicto era muy claro para todos los demás. En realidad, terminó siendo abrumadoramente transparente. A Diego le encantaba ser colmado de atenciones como pintor revolucionario en América, mientras que Frida derrochaba comprando elegantes vestidos y asistiendo a lujosas comidas y se complacía insultando a las insulsas y superficiales esposas de ricos maridos caucásicos. Mientras tanto, el hecho de que Diego abrazara la industria americana –antiguamente asociada al saqueo del capitalismo avanzado– confundió a muchos de sus seguidores mejicanos en su país. Su caótica retórica marxista, ya fuera en inglés o en español, no hizo más que sumarse a todo el barullo

Y entre todo ello, Frida consiguió permanecer al margen mientras fingía su servil posición desde el interior. Aunque intensamente elocuente en sus simpatías con la intelectualidad marxista, ella nunca renunció a su deseo íntimo de llegar a ser una artista (algo que Trotsky no podía entender). Servir como factótum del socialismo real quedaba más allá de la última de sus ambiciones. Con poco más de cuarenta años, Frida ya se había sometido a unas treinta operaciones para aliviar el dolor que le producía la mutilación que había sufrido como consecuencia de un terrible accidente de tranvía en su adolescencia. A partir de este momento, su necesidad más acuciante fue su búsqueda para descubrir la verdad de su existencia. Su medio era la pintura, y principalmente los autorretratos, que le permitía confesar su pesar, su dolor y su soledad sin culpa. Mientras tanto, Diego proseguía con su flirteo sin sentido, y ella empezó a tomar represalias. Trotsky era una estratagema idónea para tenérselas con su mentiroso y falso marido, pero no podía durar. Seguía sintiéndose emocionalmente dependiente de Diego, algo que nunca pudo admitir. A pesar de la vacuidad resultante de estas arduas relaciones, sus maneras hieráticas, su dignidad aristocrática y su belleza doliente permitieron que Frida Kahlo posara como una elegante matrona ataviada con trajes autóctonos y tintineantes brazaletes, y con ello surgir como un radiante símbolo de la liberación. Esta asimilación no era precisamente el destino que ella había esperado, y Frida continuó con su lucha por llegar a ser reconocida como artista, igual que Diego. Durante un período de intenso conflicto ideológico y de compleja transición política, y mientras Méjico avanzaba vacilando en su búsqueda de la democracia, Frida se estaba convirtiendo rápidamente en la ídolo de su pueblo. Las pinturas de Lita Cabellut emiten una resonancia honesta y apasionada representativa de Frida en las que revela el dolor psíquico y físico de su tema como artista y como mujer. Sobre la base de estas pinturas sumamente descriptivas y emocionalmente cargadas, parecería que Cabellut siente una empatía considerable por su tema, que desea identificarse en cierto nivel o de alguna manera con Frida, a modo de personaje. Impresa sobre una fotografía de una calavera humana cubierta de brillantes orquídeas, leemos una concesión de Cabellut: “Este libro no contiene un retrato de Frida Kahlo. Es la fascinación y la admiración, y quizás también el deseo, por almas como ella.” Mientras nos detenemos a observar sus pinturas, vemos a Frida en muchas posturas, casi siempre vistiendo trajes tradicionales, inmaculada con flores en el pelo. No obstante, también hay excepciones, como por ejemplo cuando posa como una rockera punk en la frontera de la androginia –como un muchacho, huraña, tranquilamente desesperada por moverse mientras pasa de un estado del Ser a otro. Hay una pintura en la que las manos de Frida cubren su cara con el contorno de una calavera inscrito sobre esta. En otra, ambas manos ocultan su cara como si quisieran dejar el mundo fuera por miedo a que su cuerpo atormentado y su liberación de emoción sean algo excesivo como para exponerlo a la vista de los demás. En otra, el torso desnudo de Frida aparece vendado para sujetar su espina dorsal con los brazos extendidos como si se encontrara en un estado de súplica. En el catálogo, esta pintura se exhibe al lado del gigante de Goya cruzando el horizonte oscurecido, una de las grandes pinturas negras, y sí, aquí somos conscientes de la perla negra en toda su fuerza. Aquí Frida aparece desinteresada, como si renunciara a todas las defensas y preparada para ofrecer una súplica de protección para ella misma y para los demás. A medida que Frida se convertía en la mujer modernista del siglo XX que Carlos Fuentes designó como una encarnación simbólica de la lucha de Méjico por la liberación, ella continuó alineándose con las pasiones del pueblo. Al mismo tiempo, ella luchaba con un estilo de vida rodeado de realidades materiales en conflicto con sus pasiones espirituales y carnales. Ella creía en sus pasiones no tanto como católica o como judía y más por lo que observaba a través de su propia experiencia. Como observadora apasionada, Frida era consciente de la violencia latente en los rituales más habituales de la vida diaria, incluyendo la violencia que había dañado gravemente su joven cuerpo. Pero ella creía en sí misma como mujer rodeada del aleatorio destino de la naturaleza. En última instancia, la naturaleza terminó convirtiéndose en la fuente de su pasión, un destello de luz dentro de su solitaria existencia, ya que vivió la mayor parte del tiempo en una oscuridad pensativa y angustiosa. A pesar de sus inclinaciones aristocráticas, Frida encontró su identidad en la naturaleza. Se inspiraba en la gente normal y confiaba en los valores transmitidos por la tierra que pisaban y que trabajaban a diario de sol a sol. El ejemplo de estas personas le aportó consuelo y le dio el coraje para aceptar la vida frente a la muerte. Ella nunca renunció a su creencia en el potencial para transformar la vida. Dentro de sus conflictos profundamente sentidos, ella sublimó valientemente sus emociones y con ello descubrió la fertilización de las ideas que le atribuyeron poderes como artista. Al hacerlo, Frida se convirtió en un símbolo de la resistencia espiritual –tanto estética como política– al enfrentarse a las fuerzas de la oscuridad que conspiraban contra la libertad en su tierra natal y, en consecuencia, contra la gente que creía en ella. Cabellut reconoce su motivación por pintar a Frida menos como un retrato y más como una “fascinación y admiración”, con el alma de la artista vagando en oposición al gigante de Goya cogiendo almas en cautiverio a lo largo del curso de la historia. La intención de Cabellut como artista es poner de manifiesto el alma de la artista como una fuerza de resistencia y transformación implicada en la vida, poseída por la indulgencia y el comedimiento según la prerrogativa de la artista.

Tal como lo revela Cabellut, Frida era una artista cuyos sentimientos se movían fácilmente entre el pensamiento consciente e inconsciente, lo cual la motivaba a vivir y a pintar. Algunos la llamaban surrealista, pero esta es una etiqueta que, en cierto modo, no encaja. Puede resultar difícil aceptar que Cabellut estaría interesada en pintar la cara de una surrealista en la que los pensamientos se encuentran en la mente y no en el cuerpo. Para Cabellut, Frida era una expresionista tal como lo es ella misma, una artista cuyo cuerpo proyecta pensamiento en lugar de esconderlo o contenerlo. Así pues, Cabellut imagina la vida y la muerte de Frida Kahlo en términos de alegoría –una mujer muy fuerte implicada como artista, como ser creativo y como antagonista con la mediocridad que percibe en el mundo de cada día. En ese sentido, Kahlo funciona como una especie de existencialista heroica –un homólogo filosófico del expresionismo (también evidente en las últimas esculturas del suizo Giacometti)–, como una mujer atrapada en la telaraña de convertirse en artista y, al mismo tiempo, enfrentarse a las realidades de una mujer que lucha persistentemente por tener una identidad en un mundo al cual se siente contraria. La escritora y feminista francesa Simone de Beauvoir reconocía que a menudo se sentía superada por la “fuerza de la circunstancia”, es decir, los términos de la historia que no se acomodan fácilmente a la causa de la autoliberación.Ya sea estética o poéticamente, las pinturas más recientes de Cabellut se concentran en Frida Kahlo al tiempo que dan una importancia periférica a los papeles duales de su marido, Diego Rivera, y de su amante revisionista marxista, Leon Trotsky. Tal como es bien sabido, Trotsky terminó siendo víctima de un asesino estalinista en Méjico, pero lo que no está nada claro es el impacto o el efecto que este asesinato tuvo en Frida. A pesar de sus sentimientos hacia Trotsky, esta ambigüedad puede llegar a sugerir que el objetivo autodeterminado de la artista no estaba tan interesado en la política como en encontrar su camino como artista. También se trataba de afirmar su dignidad como mujer ante las aventuras de Diego. En la serie de pinturas que forman la parte principal de esta exposición, Frida aparece obsesivamente en multitud de poses, incluyendo retratos en varios estados de absorbimiento, angustia o discapacidad física, que indican la fatiga del cuerpo y de la mente, o bien de agotamiento no solo con la vida sino, algunas veces, incluso con el arte. Su lucha por seguir adelante era más que una obsesión y más profunda que simplemente una oposición al mundo que la rodeaba. Era más bien lo contrario. Estaba poniendo su vida en orden e intentaba descubrir la premisa emocional en la que la vida y el arte están inextricablemente unidos el uno al otro, como en la intimidad de su jardín entre sus plantas tropicales y sus loros, cóndores y cacatúas de brillantes colores, interactuando con el espacio solitario de la pintura. En la obra de Cabellut existe una reiteración de esta premisa no solo a través de la lucha, sino también a través de un deseo de resolución en el que los artistas se convierten en los herederos legítimos de su historia, una premisa conectada de una manera esencial con el concepto de Shelley según el cual los poetas son “los legisladores no reconocidos de su tiempo” –en el sentido del presente, ya sea ahora o entonces. También puede referirse a la misma configuración de fuerzas que reconstruirían este escenario del presente en otro lugar y en otro tiempo. Es claramente este segundo sentido el que Cabellut tiene en mente. El futuro de Kahlo es el tiempo presente para Cabellut, y así, su presente será el futuro de lo que ocurra también a otros artistas. La lucha es perenne e ineludible. Continúa ya sea involuntariamente o por éxtasis, según el caso, pero es básicamente debida a la “fuerza de la circunstancia,” ya se aplique a de Beauvoir o a Frida Kahlo. En cuanto a Cabellut, podemos entender esta lucha a través de sus pinturas. Estas se convierten en su medio para comunicar la condición humana de la que Frida se sentía alienada y con la que a la vez estaba conectada, y a la que dedicó su abreviada vida intentando explicar. A través de todo este lenguaje, debería considerarse que las pinturas que inspiran estas palabras son lo que se convierte en la cuestión. Todo deriva esencialmente de la estética de la experiencia al observar y sopesar la cara de la experiencia, en este caso la cara de Frida. Como serie de pinturas, La Perla Negra de Cabellut es un logro extraordinario que arroja una trémula luz de verdad sobre el significado del arte en el siglo XXI, una luz trémula que va más allá de las rutinas seculares que nos enmarañan en nuestra engañosa realidad virtual. Explicar el alma de Frida a través del ojo o la mente o bien a través de la imaginación de Lita Cabellut es una experiencia muy fuerte e implacable, quizás una experiencia curadora. No importa si uno escoge sentirlas o entenderlas, son unas pinturas dignas de nuestro tiempo. ___________________________________________________________________________________________________________________ Robert C. Morgan vive en Nueva York y es crítico, comisario, conferenciante, poeta y artista ocasional reconocido internacionalmente. El profesor Morgan fue el primer crítico en recibir el premio Arcale de Salamanca (1999) y posee un máster en arte de estudio y un doctorado en estética e historia del arte. Además de sus muchos libros y de su interminable lista de ensayos, Morgan es profesor visitante de Bellas Artes en el Pratt Institute de Brooklyn y consultor editorial de The Brooklyn Rail and Asian Art News de Hong Kong.

Frida 29 280x200cm mixed media 2011

Frida 01 300x180cm mixed media 2010

El Coloso Francisco Goya 116x105cm Museo del Prado

Frida 02 270x200cm mixed media 2010

Frida 30 280x200cm mixed media 2011

Frida 35 200x180cm mixed media 2011

Frida 23 115x100cm mixed media 2010

Frida 19 270x200cm mixed media 2010

Still Shit Happens 2011

Trotsky 270x200cm mixed media 2010

Diego 3 200x160cm mixed media 2010

still Shit Happens 2011

Frida05 250x200cm mixed media 2010

Installation Dia de los Muertos Shadow 2010

Frida 26 280x210cm mixed media 2011

Frida 14 115x100cm mixed media 2010

Frida 16 115x100cm mixed media 2010

Frida Dolida 100x80cm mixed media 2010

Frida 23 250x200cm mixed media 2010

Frida 6 260x200cm mixed media 2010

Frida 3 250x200cm mixed media 2010

Frida 24 115x100cm mixed media 2010

Frida 27 280x200cm mixed media 2011

Frida 15 115x100cm mixed media 2010

Frida 17 115x100cm mixed media 2010

Frida 13 115x100cm mixed media 2010

Frida 20 115x100cm mixed media 2010

Frida 10 260x200cm mixed media 2010

Frida 11 260x200cm mixed media 2010

Frida 31 270x200cm mixed media 2010

Frida 24 115x100cm mixed media 2010

Frida 21 115x100cm mixed media 2010

Still Shit Happens 2011

Frida 39 200x180cm mixed media 2011

Frida 22 115x100cm mixed media 2010

Frida 12 260x200cm mixed media 2010

Still Shit Happens 2011

Frida 32 250x200cm mixed media 2011

Frida 33 250x200cm mixed media 2011

Frida 34 250x200cm mixed media 2011

Installation Dia de los Muertos mixed media 2010

Diego 1 300x180cm mixed media 2011

Frida 25 300x180cm mixed media 2011

Diego y Frida 280x200cm mixed media 2011

Frida 04 270x200cm mixed media 2010

Frida 38 200x180cm mixed media 2011

Diego 4 280x210cm mixed media 2011