Letras 11 de octubre

[ Letras ] DE CAMBIO

SUPLEMENTO DE CULTURA DE CAMBIO DE MICHOACÁN | NUEVA ÉPOCA | COORDINADOR: VÍCTOR RODRÍGUEZ MÉNDEZ | 11 DE OCTUBRE DE 2014 |

El cantinfleo

Más allá de la fenomenología del relajo POR CARLOS HIGUERA |PAG. 2

RUPESTRES,HIJOS DELARUPTURA ROBERTOPONCE|PAG.4

Sobre y tras...

CARTASAPÓCRIFASESTEBANMARTÍNEZ| PAG. 6 CREACIÓNCARLSANDBURG|PAG.3

Engañosa ALASAZÓNNETZAHUALCÓYOTLÁVALOS| PAG. 7

Juliette Binoche: Libertad, Sensibilidad, Feminidad ELTERCEROJOSYLVAINPROVILLARD| PAG. 8

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El cantinfleo Más allá de la fenomenología del relajo PORCARLOSHIGUERA 1

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a fundación de nuestro cine nacional después de ser inaugurado por su primer actor: Porfirio Díaz, no da señales que reivindiquen o ingresen en el séptimo arte la figura del profesor con tanta fuerza en la colectivización como las películas de Cantinflas, a partir de la época del Cine de Oro ( entre 1940 y 1945), antecedentes de la tragedia con la que nace el cine sonoro mexicano, Santa, basada en la novela homónima de Federico Gamboa; aunque está lleno de películas que serán el génesis de la comedia ranchera, la enchilada western como la llamó Monsiváis, este género y las grandes producciones mexicanas del Cine de Oro, son pedradas a las puertas de las buenas conciencias de la sociedad de la primera mitad del siglo XX de un género rumbero y tropicalización de la cultura.

En las películas de Cantinflas podemos apreciar una serie de rasgos y características que nos muestran: el cantinfleo y el relajo: dos rasgos que desarrollaremos en busca de modos de ser de la cultura mexicana.

En el principio fue la carpa, el origen que da herencia a la risa que inaugura el siglo XX mexicano, Cantinflas como constructor de esa risa trasfronteriza; procurando señalar rasgos constitutivos de la cultura mexicana. Revisamos para esto una de sus películas emblemáticas: Ahí está el detalle, es la película más festejada por la crítica, dirigida por Juan Bustillo, es una película de 1940. El guión es como sigue: Cantinflas entra en una casa rica, la sirvienta es su novia, le da una pistola y le dice que mate a quien se encuentra afuera, ya que no deja salir al señor de la casa. Cantinflas se niega rotundamente “que no te fijas en el detalle, mi pulso tiembla porque mi estomago está vacío”, Pasita la novia, le dice que entonces se olvide ella. Finalmente lo convence y mata al perro de un balazo. Todo el sentido y la práctica del enredo de comedia se involucran en esta cinta.

Lo podemos reconocer en la película de 1950, El portero, dirigida por Alejandro Delgado. Cantinflas en el salón de clase, toma el lugar del profesor y define gramática: “[…] Que nos enseña a leer y escribir, correitamente el indioma castellano”, y un niño que se levanta para corregir al porteromaestro le replica que se dice idioma.

Ya para 1961, aparece la representación del profesor tardía en el imaginario colectivo, llega al cine con un Cantinflas más desgastado que pasa del magistral cantinfleo confuso y fundador del relajo, del desmadre cómplice, a la transparencia de mensajes más sociales con todo y moraleja, así llega la primer película de este orden: El analfabeto quien se llama Inocencio Prieto, Cantinflas interpreta a un humilde ayudante de diferentes oficios que trabaja en la ciudad de Guanajuato con su madrina Doña Epifanita (Sara García); recibe una carta que cambiará su destino, ha heredado una fortuna, para su desgracia no sabe leer, Inocencio se pone un propósito, que nadie lea su carta hasta que él pueda hacerlo, así que decide ir a la escuela y se inscribe, los niños se burlan de él, el profesor calla a los infantes y comienza su apología: “quién quita pues, que aquí nues-

... el cantinfleo y el relajo: dos rasgos que desarrollaremos en busca de modos de ser de la cultura mexicana.

tro amigo, que hoy no es nada más que un analfabeta, esté llamado a ocupar un puesto importante dentro de nuestra sociedad.” (Palabras proféticas para México del siglo XXI). En esta lucha frontal contra un destino desarraigado y empobrecido, el analfabeto lucha por entender la realidad, tejiendo diversas trampas lo inculpan de ser el hechor de un robo, para finalmente, aclararse todo y resultar ser el heredero de una fortuna.

El profe (1971), otra película de neorrealismo inventado en los estudios del cine mexicano, Cantinflas ya está en el abandono total de su primero sueño de las carpas y sus magistrales primeras películas (“Sabe usté, a mí me pasó otro caso también, que pa´qué le digo austé, pero, en cierta forma… de manera que yo, desde un punto de vista…” [El ruletero de 1940]), de este idioma inigualable, memorable, inconfundible, sostenedor de la gracia, de la chispa de comediante; a defensor y ejemplo aburrido, reivindicador de las profesiones (El patrullero 777, El profe, El barrendero), incluso se aleja del verbo cantinflear, acuñado en su actuación del cómico, y que lo define la Real Academia Española como: Hablar de forma disparatada e incongruente y sin decir nada, llevado este verbo a su máxima expresión definiendo su mejor estilo y sus grandes

Cantinflas en uno de sus múltiples papeles.

películas. Carlos Monsiváis dirá que es “un homenaje al deseo de adueñarse de un idioma” Monsiváis (1971: 346) En El profe, Cantinflas interpreta a un profesor rural llamado Sócrates que llega al rancho a liberarlo del yugo de la pobreza a través de la educación, del cacique que quiere mantener a toda costa al pueblo en el atraso; después de una acalorada discusión con el Presidente Municipal, replica Cantinflas: “¿O qué quiere que dé mis clases sin importarme si los alumnos aprenden o no, para qué después de unos años estén tan ignorantes como llegaron?[…] Que él como buen cacique no quiere que la gente se instruya porque no se dejaría explotar”.

El profe ya con una mezcla de indignación socialdemócrata y comicidad, luchando contra viento y marea, y contra estas huestes de destrucción anónima, sale ileso e infunde la figura simbólica de la misión del profesor como nacido de las misiones culturales de Vasconcelos.

2 En El portero y El analfabeto, películas de Cantinflas, que hemos recordado, existe un vínculo con el relajo que magistralmente describió el filósofo mexicano Jorge Portilla. El

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concepto de relajo que desarrolla no es el carácter de comicidad de la cultura, sino el ir en sentido contrario de la solidaridad, romper los valores, en un primer momento desviando la atención, por ejemplo si en el aula alguien no solamente no se pone atención sino además se hace burla del otro que pregunta sinceramente, el relajo es trasgresión, mutación del espacio del dialogo. Las películas de Cantinflas, no sólo son actos representativos de comicidad y derivaciones de palabrería que rompen todo espacio de “lo establecido”, las aseveraciones que a puro cantinflear destruyen el valor cultural.

Por supuesto hasta dentro la clase rutinaria y marcada por un programa de un curso, se tiene que abrir los necesarios paréntesis del humor que tendría una relación directa con la libertad: al interpretar Cantinflas al casi desahuciado analfabeto continuamente vive entre estos paréntesis que demuestran su incapacidad para construir valores necesarios para una auténtica cultura mexicana.

Jorge Portilla uno de los más brillantes filósofos mexicanos, desarrolló el concepto de relajo, nos dice que “el ejemplo más perfecto de esta función activa de la expresividad corpórea es la total supresión de la seriedad que se manifiesta en ciertas actitudes de Mario Moreno” (1997:29), sin embargo no existe en toda la obra de Cantinflas estos rasgos, ejemplo de la ruptura de valores, y el arribo del relajo, tiene un sentido de espontaneidad; en el Profe, contrariamente, existe la reinstauración de valores: él logra establecer y reinstaurar la cultura rota por el desmadre.

La aparición que hace Cantinflas como intérprete en los diferentes oficios, intenta en un primer momento la supresión de todos los valores, de la seriedad porque el relajo quiere la irresponsabilidad (1997:84), como lo señala León Portilla, la escuela es la zona fronteriza que suena el cantinfleo marginal, la voz de la barriada, del peladito, que intenta derribar los muros civilizatorios educativos. En la escuela Cantinflas nos obliga a estar entre los dos idiomas: a ser bilingües, estar entre el idioma marginal y el español, a contemplar la epifanía dicharachera. Como si la risa no permitiera un espacio para el silencio, porque intuyera que el silencio está cerca de la muerte de lo inamovible, la risa fuera un exilio de la seriedad, del monumento ceremonial de la cultura de las normas, reglas y rutas a seguir.

Bibliografía Portilla Jorge, Fenomenología del relajo y otros ensayos, FCE. México 1997 Monsiváis Carlos, Días de guardar. ERA. 1971.

CREACIÓN

Poemas Carl Sandburg Muchacha de ensueño Llegarás un día con una flaqueza de amor, tierna como el rocío, impetuosa como la lluvia, el bronce del sol en tu piel, el runrún de la brisa en tus murmullos, y posarás con la elegancia de una flor de montaña.

Llegarás con tus brazos esbeltos, expresivos, ladeada la cabeza de un modo tal como no ha plasmado escultor alguno y matices dichos con el hombro y el cuello, tu rostro con ánimo de pasar y repasar, tantas veces como los cielos en delicado cambio de nubes y azules y sol titilante.

Sólo que tal vez no llegues, oh muchacha de ensueño, tal vez sólo nos crucemos según gira el mundo y tomemos de una mirada a los ojos una película de esperanza y un día para recordar.

Sueños en el crepúsculo Sueños en el crepúsculo, sueños tan sólo al final del día que al caer el día regresan a las cosas grises, a lo oscuro, a lo lejano y lo profundo, a la tierra de los sueños.

Sueños, sueños tan sólo en el crepúsculo, tan sólo fotos viejas, recordadas, de días perdidos en que la pérdida del día con lágrimas escribía la pérdida del corazón.

Así lágrimas y pérdidas y sueños rotos hallen tu corazón en el crepúsculo.

CARL SANDBURG, poeta estadounidense de origen escandinavo, cuya biografía en seis volúmenes de Abraham Lincoln está considerada como una obra maestra. Hijo de emigrantes suecos, Sandburg nació el 6 de enero de 1878, en Galesburg (Illinois). Dejó la escuela a los 13 años para trabajar como jornalero. Tras participar en la guerra entre España y Estados Unidos (1898), volvió a Galesburg e ingresó en la Universidad de Lombard (hoy Knox). En 1913 se trasladó a Chicago, donde inició su carrera literaria publicando el poema “Chicago” en la revista Poetry en 1914, por el que ganó el Premio Levinson.

Los poemas de Chicago (1915), en los que emplea el verso libre y las técnicas del imagismo, consolidó su reputación de realista preocupado por temas industriales. Sandburg escribió editoriales en el Chicago Daily News de 1918 a 1933, periodo en el que escribió libros de poemas como Los desmotadores (1918), Humo y acero (1920) y Buenos días, América (1928), en los que expresa su optimismo sobre el futuro de su país. Su poesía fue ampliamente apreciada por su estilo impresionista y su vigor coloquial. Su fama como historiador se apoya en sus obras monumentales Abraham Lincoln: Los años de la pradera (dos volúmenes, 1928) y Abraham Lincoln: Los años de la guerra (cuatro volúmenes, 1939; Premio Pulitzer de 1940). Sandburg pensaba que las anteriores biografías de Lincoln le habían idealizado hasta el punto de caer en la irrealidad. También fue muy famoso como cantante folk, recopilando muchas canciones populares de Estados Unidos en Una bolsa llena de canciones (1927). Otras obras son El fotógrafo: Steichen (1920), Memorial (1943), la novela La roca del recuerdo (1948), Poemas completos (1950, Premio Pulitzer en 1951) y la autobiografía Siempre jóvenes y extraños (1952). También escribió libros infantiles como Relatos de Rootabaga (1922) y sus Cartas escogidas se publicaron en 1968. Como miembro de la Academia Americana de Artes y Letras recibió su medalla de oro de historia en 1952 y la de poesía en 1953. A Sandburg se lo considera un representante de la llamada Escuela de Chicago, y con Walt Whitman preconizaban una poesía viril, realista y nacionalista. Sandburg murió el 22 de julio de 1967. Selección y nota: Marco Antonio Regalado.

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Rupestres, hijos de la ruptura ENTREVISTA ::Alhabla,JoséAlbertoZúñiga,directormorelianodeldocumentalsobreelmovimientodelrockrupestremexicano.PORROBERTOPONCE.

D

espués de haber triunfado como mejor documental de música en el Festival Internacional Fílmico de Chipre 2014, el documental Rupestre del cineasta michoacano José Alberto Zúñiga Rodríguez (Morelia, 24 de febrero 1980) espera repetir la hazaña en la selección final del 5° Festival Fílmico del Peloponeso en Corinto, “Puentes” (Bridges), cuyos resultados se darían a conocer desde el Centro de Conferencias Alejandro Magno en Loutraki, Grecia, el domingo 5 de octubre.

El laureado film Rupestre fue menospreciado en la propia tierra del director Zúñiga Rodríguez siendo rechazado en el 12 Festival Internacional de Cine en Morelia, del 17 al 26 de octubre, dedicado al compositor de “México lindo” Chucho Monge. Sin embargo, la cinta de Zúñiga, que por primera vez documenta el movimiento del rock rupestre mexicano liderado por Rockdrigo González El Profeta del Nopal (1950-1985), ha sido solicitada en otras latitudes, como sucedió con los organizadores del Festival Internacional de Cine en Monterrey, Nuevo León, quienes le pidieron una copia para proyectar este fin de año, fuera ya de la selección oficial.

“Lo llevamos al festival de Monterrey que no lo seleccionó, pero los organizadores nos manifestaron su interés para exhibirlo en la capital regiomontana a finales de año. También hablamos de ir a Expresión en Corto de Guanajuato pero la experiencia allá fue tan desafortunada que no vale la pena ni mencionarla, porque no cumplieron con su palabra. Aguardamos que en DocsDF de la Ciudad de México asista fuera de competencia.”

Subtitulado al griego, francés e inglés, Zúñiga anhela que Rupestre obtenga buenas críticas de jurados en más festivales importantes del extranjero. Por ejemplo, en el TIFF (Tirana International Film Festival, por sus siglas en inglés) de Albania, amén de otros más en Alemania, Holanda (Hilversum) y Canadá (Ontario), así como en la segunda edición del sudcaliforniano de Los Cabos International Film Festival, en noviembre de este año.

—¿Qué significa este premio a Rupestre en Chipre?

—En mi empresa Sinestesia Ads Media & Films todos estamos muy contentos de que Rupestre haya ganado en el rubro de mejor documental de música en la isla de Chipre, fue en la sección denominada “talento documental”. Los mismos músicos rupestres me han dicho sentirse felices de que su música haya trascendido hasta latitudes de los dioses del Olimpo colindando con las costas sonoras de ese maravilloso cantautor que era Georges Moustaki…

“Fue elegido en la fase inicial y competimos al final con siete películas en el marco de su estreno internacional, cosa que nos llena más de orgullo y satisfacción.”

—¿Quién subtituló al griego Rupestre?

—Nos interesaba que el proceso de traducción lo hiciera un griego que estuviera empapado de la cultura mexicana y lo buscamos por varias ciudades de México, hasta que finalmente en Morelia encontramos a Yannis Dervenis, un griego joven que le gusta el rock en español y vive acá desde algunos años.

Dervenis, nacido hace poco más de tres décadas en Nikaia, Attiki, fue un vínculo fundamental para que la película Rupestre tuviera una contextualización cultural precisa, según dice sonriente Alberto Zúñiga: “Nos ayudó que Yannis haya escuchado rock mexicano y latinoamericano, e incluso nos diera

Escultura de Rockdrigo, figura emblemática del rock rupestre en México.

bastantes sugerencias para el óptimo sentido de ambas lenguas (castellano y griego) en subtítulos, pues por ejemplo para el proceso recomendaba: ‘Miren, esta parte podría traducirse no literalmente sino de tal modo, porque así se entenderá mejor la frase para los hablantes del griego’, etcétera...

“Eso, por nuestra experiencia subtitulando en otros idiomas, resultó vital, ya que los subtitulajes pueden ser muy cerrados o deficientes en abuso de dialectos, y buscamos comunicarnos con los públicos.”

—¿Cómo se enteró del premio de Chipre?

—Porque mi hermano estuvo marcándome por teléfono la mañana del domingo 14, y por la tarde entré a mi sitio en Facebook; ahí comprobé que aparecía en el listado de los premiados Rupestre, justo al lado del tapatío Saúl Cantero, otro mexicano que ganó con su cortometraje La soledad.

“Este premio de la isla de Chipre a Rupestre será una excelente oportunidad para que en distintas latitudes del planeta pueden conocer a los cantautores rupestres y su música viaje a todo el mundo, además de que existe un factor histórico y social de carácter primordial desde mi punto de vista…”

Zúñiga abunda: “La generación de los músicos rupestres en los ochenta y la anterior del movimiento del 68 tuvieron vivencias y una fuerte carga cultural heredada de movilizaciones estudiantiles y políticas que coincidieron con varias manifestaciones populares y estudiantiles en diversos lugares del mundo, las protestas de París 1968 y la Primavera de Praga.

“En Latinoamérica sucedían cosas muy parecidas políticamente y todas aquellas luchas marcaron de modos determinantes a la generación rupestre en cuanto a identidad histórica o artística. Los rupestres son hijos de las rupturas sociales que cimbraron al mundo y nos han dado libertades a la juventud hasta la fecha. Y como nos lo contó Yannis, hubo otros cantores rupestres similares en Grecia.

—Rockdrigo iba a cumplir 18 años cuando la masacre de Tlatelolco en octubre del 1968...

—Sí, con él todos los músicos del rock rupes-

tre que aparecen en mi documental y nuestra generación somos hijitos del tremendo 68.

Los cantos de la tribu El documental registra música y testimonios de Rockdrigo, creador del Manifiesto Rupestre en 1985; pero también de sus colegas Fausto Arrellín y Quál; Guillermo Briseño, Rafael Catana, Nina Galindo, Roberto González, Eblén Macari, Roberto Ponce y Armando Rosas, entre otros.

—¿Quiénes le costaron más trabajo para entrevistar?

—Hubo personajes que no se asumen como rupestres y no quisieron acceder a ser entrevistados, por tanto no aparecen en Rupestre. El productor Jorge Pantoja, coguionista del documental, se acercó a Jaime López para invitarlo al filme y fue desairado.

Algo similar ocurrió con su pareja musical Cecilia Toussaint, invitada con López por Pantoja al 2° Festival de la Canción Rupestre, celebrado en octubre de 1984 durante tres conciertos en el Museo Universitario del Chopo (espacio abierto al rock gracias al sociólogo Gerardo Estrada, entonces al frente del departamento de Difusión Cultural de la UNAM), alternando ese dueto con Rockdrigo, Briseño y Alex Lora del conjunto El Tri; Catana, González, Ponce y el grupo Cen. El cantautor poblano Gerardo Enciso, radicado en Guadalajara, fue convocado por Zúñiga y, aunque Enciso se resistió al no considerarse parte del rock rupestre, terminó accediendo “con la idea de hablar del movimiento rupestre”, toda vez que él ha interpretado canciones de Roberto Ponce como “Mírame desaparecer”, y ha dado las propias a la única intérprete femenina de los rupestres: Nina Galindo.

“Pero no tuve fortuna de convencer a Arturo Meza y lamento que tampoco haya querido hablar en Rupestre Emilia Almazán, quien con López y Roberto González grabó uno de los discos emblemáticos de esa época en México, Sesiones con Emilia (Discos Pentagrama, 1980) que incluye el gran himno de Roberto González

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Arriba, las entrevistas con el maestro neo-rupestre e hidrocálido Armando Palomas, y el director de cine Francisco Vargas (El violín, 2005), quien habló de Armando Rosas y su colaboración profesional.

Abajo, Julia González Larzon y el maestro Roberto González en el escenario. Más abajo, Tex Tex.

‘El huerto’.”

Durante el preestreno del documental Rupestre en la Cineteca Nacional se dieron reacciones lamentando dichas ausencias, e incluso protagonistas del movimiento como Rafael Catana criticaron a Zúñiga por “excluir” a gente como El Haragán y Cía. Responde el cineasta: “Considero que hay muchos prejuicios en torno al movimiento, no sólo de parte de los medios periodísticos y rocanroleros de México, sino también de los rupestres mismos, pero estoy lejos de polemizar…

“Como que pareciera que si no están esos músicos mencionados el documental Rupestre careciera de legitimidad, lo cual es un grave error porque mi equipo entrevistó a cerca de medio centenar de personajes que dan testimonio de la validez de este documental, son un registro amplio y fiel de lo que significó el rock rupestre y su trascendencia en la actualidad, ya que muchos de ellos siguen tocando. Es gente viva que brinda un valor importante a la película; cuando reúnes diferentes opiniones del fenómeno cultural y social logras una idea precisa de lo que sucedió en ese momento, la verdad última no la tiene nadie sino el público. Yo la película que planteo es la que he querido contar a partir de el guión y los más de cuarenta personajes que accedieron a participar en ella.”

Menciona los testimonios de músicos como José Cruz y Jorge Velasco, del conjunto Real de 14, y los de los integrantes de Tex Tex; Botellita de Jerez y Pato Montes de Maldita Vecindad; Jessy Bulbo de Las Ultrasónicas, Clara Turner y Leticia Servín. Destaca: “Una de las presencias más importantes en Rupestres es Betsy Pecannins, ella se portó de verdad como una dama con nosotros, como una gran artista nos recibió en su casa y fue muy amable en este testimonio que nos obsequió en su hogar de los edificios Condesa. Aparte, el compositor Armando Palomas accedió a participar con simpatía, pues él se asume sin ningún complejo como rupestre adoptado.”

Incluye en la lista a los cineastas Jennifer Boles, de la Universidad de Indiana, y Gabriel Retes (El bulto); a los periodistas de Proceso Judith Amador Tello y Armando Ponce, así como a los de La Jornada, Fabrizio León y Javier Hernández Chelico, u Óscar Sarquiz del brillante programa de Radio UNAM La respuesta está en el aire, crucial para el rock setentero.

“Hay una cantidad importante de personas entrevistadas, entre ellas están Raúl de la Rosa, productor radiofónico que trajo a Muddy Waters, Koko Taylor y Willie Dixon a los Festivales de Blues en los años setenta; pero sobre todo no olvidemos que salen expertos en arte y cultura me-

xicana como Gerardo Estrada, actual director del Auditorio Nacional, o el columnista y ex agregado

cultural de México en Colombia, Eduardo Cruz Vázquez, dedicado a las finanzas culturales; Pepe Návar y Nacho Pineda, del Multiforo Cultural Alicia, o el productor de radio Jesús Ruiz Montaño.”

Alberto Zúñiga declaró que el documental, financiado por la Comisión de Cultura de la ALDF y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, fue un esfuerzo conjunto al que se alió su equipo Sinestesia Ads Media & Films, “sólo que aquí tendría que darte un enlistado inmenso de quienes formamos parte de esta noble empresa, por lo que prefiero que tus lectores nos busquen en nuestra página de Facebook que nos ha funcionado bastante bien”.

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Sobre y tras...

CARTASAPÓCRIFAS ::PORESTEBANMARTÍNEZ

... el honor

R

espetables lectores: lo siento por ustedes, pero éste servidor que les escribe opina que viven en una globalidad enferma, corrompida ¿pues qué otra cosa significa la crisis económica en que está sumergida desde hace años, en la inseguridad en que se mueve por las guerras locales que se están dando continuamente, el temor que a tantos de ustedes afecta y el consumo en crecimiento que se está dando de las drogas en esa globalidad en la que se mueven y los mueven? ¿Piensan que exagero, que me equivoco? No lo creo. Reflexionen y juzguen si no me dan la razón lo diferentes grupos de ciudadanos que están protestando en varios países contra una crisis provocada por ineptos políticos, incompetentes economistas que se creen los únicos poseedores de la verdad y desaprensivos burócratas de las finanzas internacionales; crisis que no la están pagando los autores de la misma, sino los ciudadanos con su miedo al desempleo, a los recortes al gasto público y la inseguridad en su diario vivir.

Por lo que a este servidor respecta, opina que dicha crisis económica y sus consecuencias se deben principalmente a una cualidad que es poco cotizada en esa su globalidad en la que respiran: el honor virtud moral que lleva a la persona al más severo cumplimiento de sus deberes respecto al prójimo y de sí mismo… y si sobre él se atreve a escribir, considera que lo hace con cierta autoridad, pues, entre otros, en vida escribió un ensayo que tenía por tema el del honor.

De inicio, en un ensayo, servidor de ustedes, asenté que el honor en general es objetivamente la opinión que tienen los demás de nuestra honestidad y, subjetivamente, el temor que inspira esa opinión; y señalé que había varias clases de honor, dedicando cierto espacio al honor de la función u honor de cargo, que es el que debe tener y mostrar toda persona que con su poder de decisión afectan la vida del prójimo.

Esas personas pueden ser públicas… y también de la iniciativa privada… es decir, que pueden ser políticos, gobernantes, o como ahora los llaman, empleadores, así como gerentes, directores, consultores, asesores… en fin, toda la alta burocracia profesional de instituciones gubernamentales y de los negocios, sean estos nacionales o internacionales… recuerden al Banco Mundial y al Fondo Monetario Internacional… igualmente un servidor expuso que estos sentimientos de honor y vergüenza son inherentes a todo hombre que no está enteramente corrompido.

En lo relativo a la honor de la función o de cargo, un servidor consideró que a las personas que influyen con sus decisiones en la vida cotidiana de otros, se les deben exigir las cualidades necesarias para tan determinante actuación, pues de otra manera sería como confiar el mando de un transatlántico a un individuo que no tiene ni idea de las reglas de la navegación… ¿Estará pasando eso en esa globalidad en la que respiran, estimados lectores?... ¿qué me dicen?... igualmente, un servidor hizo hincapié en que todo ciudadano afectado por las decisiones de los individuos del poder, público o privado, tiene el legítimo derecho de pedirle rendición de cuentas a los mismos… y también de exigir una indemnización por el daño recibido.

Aquí no estaría por demás el recordar al personaje modelo, al que llevó a lo más alto el punto del honor: el samurái, ese individuo que en el antiguo sistema feudal japonés, pertenecía a una clase in-

ferior de la nobleza, constituida por los militares que estaban al servicio de los daimios.

El samurái fue de origen campesino; con el tiempo la diferencia entre él y la masa campesina fue acentuándose, hasta convertirse el primero en una casta militar consagrada al ejercicio de las armas, con orgulloso y profundo sentido del honor… que podía llegar al suicidio, a la autoinmolación por medio del harakiri.

Hay que recordar que el harakiri no era simplemente un suicidio, sino una institución legal y de ceremonia; un proceso por medio del cual los guerreros podían expiar sus crímenes, disculparse por sus errores librase de las desgracia, redimir su honor o demostrar su sinceridad… en fin, que la vida carecía de importancia para el samurái comparada con el significado del honor.

Teniendo en cuenta que en esa globalidad en la que se mueven y los mueven, no faltan y más bien sobran los que, como dijo Víctor Hugo: “son gente que observa las reglas del honor como si observaran a las estrellas: de lejos”… ¿no es como para añorar a los samuráis?... ¿qué responden?

Deseando que no sea así para los respetables lectores de la presente, queda de ustedes servidor.

ARTHUR SCHOPENHAUER *

...el dinero

C

ontradictoria, como no lo ignoran, apreciados lectores, muy mucho contradictoria, es la relación de los humanos con el dinero, pues al mismo tiempo que lo desean intensamente, lo temen e incluso lo odian y hasta lo abominan.

De antiguo vienen las siguientes frases que ilustran esa relación: “el dinero, el dinero es el hombre”, así como las siguientes palabras de Virgilio: “execrable sed de oro: ¡qué crímenes no

haces cometer a los mortales!”, frases que, insisto, confirman lo que servidor viene diciendo; otras hay en la literatura que hacen lo mismo y que explican en gran parte las razones, los motivos de la apasionada atracción que siente el hombre por el dinero, por ser ricos. De la Edad Media española, el Arcipreste de Hita nos manda el siguiente mensaje: El que non ha dinero, noes de sy señor.

Mucho fas el dinero, mucho es de amar.

Sy touyeres, avrás consolación, pracer e alegría y del Papa ración, comprarás paraíso, ganarás saluación; do son muchos dineros, es mucha bendición.

Toda cosa del sygro se face por su amor.

Al respecto de estos versos, bueno será que recordemos que en tiempos del Arcipreste fácil era la manera de ganar la salvación en el más allá por medio de indulgencias pagadas en metálico, hecho que llevaría unos dos siglo después al protestantismo, con el rechazo de ese negocio celestial por parte de Lutero y otros reformadores de la Iglesia católica rompiendo con ello la unidad en la fe de la misma, dando lugar a otras iglesias cristianas.

Poco tiempo después, en el Renacimiento, cuando va tomando fuerza la burguesía, cuyo poder se iba cimentando y extendiendo con el dinero ganado en el comercio, mismo que iba desplazando la importancia de tenencia de la tierra como símbolo de riqueza, como capital, Shakespeare nos dice lo siguiente: “¡Oro! ¡Oro amarillo!... muchos suelen volver con esto lo blanco, negro; lo feo, hermoso; lo falso, verdadero; lo bajo, noble; lo viejo, joven; lo cobarde, valiente.

Esto hace que se corrompan vuestros sacerdotes y soborna a vuestros sirvientes y se revelen contra sus patrones, y va a retirar la almohada de debajo de la cabeza del hombre más robusto; este amarillo metal va a fortalecer y disolver religiones y bendecir a los malditas, hacer adorar la blanca lepra… vamos, fango condenado, puta común de

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todo el género humano, que siembras la discordia entre la multitud de las naciones”.

Estas citas muestran algunos de los motivos de la contradictoria relación de la humana criatura con la riqueza en general y el dinero en particular.

En estas citas vemos que el dinero seduce porque con él se pueden comparar las mercancías y servicios que se necesitan, pues como medida de valor permite la comparación entre todos ellos, relacionando a cada uno con los demás, por lo que se puede decir del mismo que es uno de los inventos más geniales del hombre, ya que es el lenguaje universal de los intereses, como dijo Mirabeau padre; al mismo tiempo, el dinero puede ser una reserva de valores o instrumento de ahorro, de acumulación de capital, mas esas no son sus únicas facultades, aunque sí son las más positivas.

Tiene otras que no lo son tanto, que son incluso negativas, sobre todo cuando su maravilloso poder de compra, tienta y facilita que se haga una mercancía al que lo inventó: al hombre, haciéndolo víctima de un cambalache, de una compra-venta que persigue el afán de la ganancia, en la que tiene mayor ventaja el que compra, pues muchos son los que tienen que venderse, incluso al menor precio posible, por necesidad, con lo que el dinero no es ya un vehículo de circulación de bienes y servicios, pues con la compra del hombre se convierte en un problema ético, en una problemática social.

T. Carlyle dijo: “hay épocas que el único lazo que une un hombre a otro es el dinero contante y sonante”, ustedes, apreciados lectores, dirán si esta globalidad en que respiramos, es una de ellas o no. ¿Qué contestan? Servidor piensa que sí, por lo que en la globalidad en que nos movemos y nos mueven por razones de dinero, en la misma los valores de la verdad, la virtud, el honor, la gloria e incluso el amor al prójimo y otros valores parecidos, necesarios para vivir en buena sociedad, no son libres, igual que la humana criatura, son más bien esclavos de dinero.

Eso piensa servidor de ustedes. Al respecto ¿cuál es su opinión, apreciados lectores de la presente? ¿Qué me dicen?

Con mis mejores deseos para todos.

JUAN RECUERDA.

MANTEQUILLA

Engañosa A LA SAZÓN :: POR NETZAHUALCÓYOTL ÁVALOS ROSAS

U

n mundo esterilizado no sólo nos priva de sabores sino también de sustancias honestas. Una sociedad impostora consume café descafeinado y leche deslactosada; mientras, la maquinaría light crea miles de productos para tipas y tipejos que se engañan en una banda sinfín: tragar, sentir remordimiento y volverse lights. Sin perspectiva. Sin poder.

Y es que hay mucha gente simplona que requiere productos libres de grasas, tal como reclama un Estado libre de crimen, aún cuando estacionan sus autos en tercera fila para recoger a sus malcriados del colegio. Y es que a una sociedad impostora todo se le resbala: principalmente el sentido común.

No tener criterio es como tragar y desechar los derechos de otros y otras. ¡Así se las gasta la gente ñoña! Se zampa lo que le acomoda sin reparar en causas y consecuencias; sin apreciar sin degustar sin masticar ni digerir. Los anodinos de la comida tampoco tienen conciencia de secuelas –benéficas o no–, sólo devoran frívolamente lo que resulte más fácil. Les da igual.

Las grasas son la mayor fuente de energía procedente de los alimentos y el principal medio de transporte y absorción de las vitaminas A, D, K, E, así como de un conjunto virtuoso de sustancias antioxidante y minerales. En fin, la grasa lleva a buen puerto sustancias que lubrican y dan lustre a nuestro sistema operativo.

Entre las grasas hay una que es mi consentida por su sabor, tersura y el brío que me provoca. Se trata de la mantequilla, un apapacho infantil montado en un virote doradito en leña y embadurnado con miel; la más dulce miel, la de una sonrisa de complicidad por parte de la abuela; la de Sahuayo,

Michoacán.

Por supuesto que la mantequilla engorda. Y ¡sí! puede tapar las venas. Contiene un 60 por ciento de grasas saturadas (las heavy) y un 40 por ciento de grasas insaturadas (las alivianadas). Es tan buena y tan mala como el carácter en cada uno y cada una de nosotros; aunque debo decir que prefiero a una amiga imperiosa aunque honesta, a la falsedad de tipas como la margarina: una aceitosa plastificada y llena de agravantes, entre ellas una mayor cantidad de calorías, pero huecas.

La verdad sí me puede llegar a colmar con tanta energía, por eso es una compañera que frecuento en momentos especiales. A favor de mi propia conveniencia, debo decir que los buenos y pocos momentos que paso con ella son extraordinarios: impulsa mi metabolismo y activa mi cerebro, aunque al mismo tiempo calma mis nervios; evita que me oxide y que me rechinen las articulaciones.

Hace que mi cabello brille y mi piel luzca suave, me libra de microbios en el estómago, mejora mi vista, y mantiene funcionales todas mis glándulas.

Es tan buena como el buen sexo.

Sólo me queda decir que la salud también se nutre del goce; de la grasa y la lujuria; de lo viscoso pero sabroso. Sin apariencias, de forma voluptuosa. Así de espesa, así de gozosa, así de escurridiza y decadente, como la dicha empalagosa de estar enamorado.

LANOTA,LARECETA,OELREMEDIO

Obviamente no debes comerla todo el día como no debes pasar todo el día con tu amante. Come pan con mantequilla cada que tu cuerpo te lo pida, aunque siempre dale a tu existencia la renovada energía mineral de los frutos frescos de la vida.

8|LETRAS~CAMBIODEMICHOACAN

SÁBADO11DEOCTUBREDE2014

Juliette Binoche: Libertad, Sensibilidad, Feminidad ELTERCEROJO ::LainvitadadehonordeldoceavoFestivalInternacionaldeCinedeMoreliaesJulietteBinoche.Asuscincuentaaños,lamásinternacionaldelas actricesfrancesassigueeludiendoelcaminohaciaeléxitocomercialyprefieretomarriesgosalmomentodeescogeryrodarsuspelículas.PORSYLVAIN PROVILLARDsprovillard@hotmail.com

S

uertudos somos los morelianos, no tanto porque tendremos la oportunidad de tomarnos una foto con tan distinguida actriz sino porque podremos en algunos días disfrutar de su última película y asombrarnos nuevamente frente al indiscutible talento actoral de Mademoiselle Binoche. La francesa actúa en Nubes de Maria al lado de Kristen Stewart en la última película de Olivier Assayas, quien fue invitado especial del Festival Internacional de Cine de Morelia hace dos años. Es la segunda colaboración entre el director de Carlos y la actriz gala, después de Las horas del verano, comedia dramática que también será proyectada en esta doceava edición del festival michoacano.

Juliette Binoche dans les yeux, el documental que realizó su hermana sobre la vida de la actriz, nos muestra claramente que el cine no es suficiente para todo lo que Juliette quiere expresar: tiene la constante necesidad de comunicarse a través del movimiento de su ser, sea bailando, escribiendo o pintando. En el campo de la actuación, tiene que renovarse siempre, buscar retos diferentes y salir de su zona de conforte en cada película. Por lo tanto, su filmografía es tan impredecible y variada. Aunque no lo crean, este año actuó en Godzilla, su primera película comercial hollywoodense; ahora está filmando una película bajo la dirección de la catalana Isabel Coixet (Mi vida sin mí y La vida secreta de las palabras), y volverá el próximo año a trabajar con el iraní Abbas Kiarostami y la polaca Ma³gorzata Szumowska.

“No tengo el sentimiento de haber llegado, sino de estar siempre en marcha”, dice. La actriz francesa ha, invariablemente, preferido las rutas alternas y los senderos trasversales a las autopistas de la fama y gloria. En 1988, protagonizó La insoportable levedad del ser al lado de Daniel DayLewis, el cual fue su primer papel en inglés y su primera producción estadounidense. Su interpretación de Tereza en esta adaptación de la novela de Milan Kundera atrajo el interés de Steven Spielberg, quien quiso contratarla para Parque jurásico, sin embargo, Binoche prefirió aceptar la oferta de Krzysztof Kieœlowski y así mostrar al mundo la fuerza de su talento con su papel en Tres colores: Azul. Si bien la película de Spielberg ha sido vista por más espectadores, la primera parte de la trilogía sobre los ideales revolucionarios franceses es considerada como una de las mejores películas de la historia del cine.

Azul es el primer color de la bandera gala y para Kieœlowski representa el primer ideal del lema de la Republica francesa: la libertad. “Azul es la libertad, la historia del precio que pagamos por ella. ¿Hasta qué punto somos realmente libres?”, explicaba el cineasta polaco. Binoche parece ejercer esta

En las fotos, un amplio registro de los papeles de la actriz francesa Juliette Binoche.

libertad en sus elecciones laborales, las cuales, aunque no le dieron la fama y la cuenta bancaria de Angelina Jolie o Julia Roberts, le brindaron la satisfacción de haber logrado retos y el reconocimiento de sus pares. Por su luminosa interpretación de una mujer que debe enfrentar las muertes de su hija y su marido en Azul, Juliette Binoche ganó el César y la Copa Volpi a la Mejor Actriz en Venecia. Fue también la primera mujer en ser nominada a los Globos de Oro por una película en un idioma que no es el inglés, desde la victoria de Anouk Aimée por su papel en la cinta de Claude Lelouch, Un hombre y una mujer, en 1966.

Los franceses Jean-Luc Godard, Jacques Doillon, André Téchiné, Léos Carax, Louis Malle y Olivier Assayas, el polaco Krzysztof Kieslowski, el taiwanés Hou Hsiao-Hsien, el sueco Lasse Hallström, el estadounidense Abel Ferrara, el austriaco Michael Haneke, el japonés Nobuhiro Suwa, el inglés John Boorman, la belga Chantal Akerman, el israelí Amos Guitai, el canadiense David Cronenberg y el iraní Abbas Kiarostami, integran una lista no exhaustiva de los cineastas contemporáneos más interesantes, al tiempo que representan una selección ecléctica de los directores que han tenido la suerte de trabajar con Juliette Binoche, cuyo talento y temperamento le permiten rechazar a los magnates hollywoodenses para escoger con quien quiere rodar.

La dimensión rebelde y anticonformista de Binoche estaba presente desde su adolescencia: a los 17 años decidió dejar la escuela de actuación más selectiva del país, el Centro Nacional Superior de Arte Dramático, ya que no le gustaba el programa de estudios. Juliette tenía apenas 19 años cuando pasó seis meses en Ginebra rodando Yo te saludo, María con el icono de la Nueva Ola,

Jean-Luc Godard. Tres años después, aceptó un papel al lado de los grandes actores Michel Picolli y Michel Serrault en Mon beau-frère a tué ma soeur (Mi cuñado mató a mi hermana), el filme fue un fracaso crítico y público que hizo notar a la joven actriz que sus elecciones tenían que basarse en la calidad del guión y su conexión con el director, más que en la fama de los miembros del elenco.

Al año siguiente, Binoche siguió sus propias resoluciones, empezando una relación -a la vez artística y privada- con Léos Carax, con quien rodó dos cintas memorables: Malasangre y Los amantes del Puente Nuevo. Este camino libre, sorprendente e imprevisible la llevó a actuar con cineastas independientes, originales y muy distintos entre sí. En 2005 pudimos admirar su sutil actuación de madre de familia vuelta paranoica en el thriller psicológico de Michael Haneke, El observador oculto. Dos años después, nos sorprendió con su participación en una comedia independiente agridulce, Dan en la vida real, en la cual Binoche modifica la vida del viudo Steve Carell. En 2010, su papel en la fascinante obra de Kiarostami Copia fiel, le valió el Premio de Interpretación en Cannes, único galardón europeo de importancia que le faltaba.

Juliette Binoche revela sus compromisos políticos a través de sus elecciones actorales. Activista a favor de la libertad de expresión, admira a figuras como Vaclav Havel y Nelson Mandela: “Esta gente da esperanzas. Por su acción y también porque saben despegarse del poder. Eso es una prueba de inteligencia”. Esta misma prueba no las dio Binoche cuando decidió eludir los caminos trazados del dinero y de la fama, y prefirió tomar el poder para decidir sobre su propia carrera.