EDITORA GENERAL Francisca Madariaga Vivanco COLABORADORA Paula Campos Rojas DIRECTORA DE ARTE María Ignacio Gómez DISEÑADORA Camila Ríos Palma
REVISTA FEMME.
DIRECTORA GENERAL Josefina Goiri Rayo
5
PÁGINA 22 El arte inspira Purple Fish Bowl
PÁGINA 26 ¿Cónoces a ...? Artemisia Gentileschi
PÁGINA 56 En profundidad Paula Scher
PÁGINA 64 Reportaje La danza contemporánea
PÁGINA 76 Mujeres destacadas En Chile
PÁGINA 80 Taller Lettering
PÁGINA 84 Recomendaciones Cine femisnista
PÁGINA 94 Mesa Redonda Visibilidad de la mujer
SUSBRÍBETE EN WWW.femme.CL
N°01
EDITORIAL
El trabajo femenino histórico, a lo largo de nuestra historia, no ha tomado otro camino mas que la invisibilización. Una de las razones por las que hemos decido dar a conocer estas piezas artísticas, es por un hito histórico en el cual, el trabajo femenino era atribuido al padre o esposo de la autora, cuestión injusta si consideramos que la razón es esto es porque eran mujeres. Actualmente existe gran material artístico de producción femenina que no se ha dado a conocer. Bajo esta premisa, nuestra revista nace por la necesidad de dar a conocer este trabajo, que ha marcado la historia. Optas nimus autem quia sinum id qui autenimus sus, que quos exceatur minciis il et es idenimo luptam es aceped ma ventis elluptat aut eos doluptam, con endi doloriat maionecerum quia cusdant lanture ceptatem volupta tquist quiamus idellitaquis recto quosapid mo dolore voluptat. Faccupide dic toriatecto offic te nos at esciate vel mint aut fugiam sum, ut ma comnis dolupta sitam sint as explit expliquam rero doloribus. Um utem quis deris alique sequia si debis di
Equipo Femme.
7
[GALERÍA DE ARTÍSTAS]
LINA BO BARDI Centro Cultural SESC Brasil
10
[GALERÍA DE ARTÍSTAS]
GAE AULENTI Museo del Orsay París
11
[GALERÍA DE ARTÍSTAS]
BENEDETTA TAGLIABUE mercado santa caterina Barcelona
12
[GALERÍA DE ARTÍSTAS]
ZAHA HADID Heydar Aliyev Center Azerbaiyán
13
[conectadas]
VIRGINIA WO0LF 16
[conectadas]
* Descarga “Scan QR Code” en PlayStore o AppStore, escanea el código y el personaje femme del mes.
17
18
19
El arte inspira Purple Fishbowl LA BOUTIQUE PURPLE FISH BOWL UBICADA EN SHANGHAI SE ESPECIALIZA EN CREAR PRENDAS VINTAGE. RECIENTEMENTE, CREÓ UNA COLECCIÓN DE ROPA INSPIRADA EN GRANDES OBRAS DE ARTE DE TODOS LOS TIEMPOS. La moda puede ser considerada también una obra arte, ya que muchas veces los diseñadores confeccionan vestidos, faldas y conjuntos que son verdaderamente hermosas. Pero más allá de esto a veces los diseñadores pueden inspirarse en cualquier cosa para marcar la tendencia en todo el mundo. La boutique responsable de esta nueva tendencia es Purple Fishbowl, la cual se encarga de diseñar ropa original como lo es la recreación de famosas obras de arte en faldas, vestidos y blusas. Así que puedes conseguir en ellas una réplica de La gran ola de Kanagawa de Hokusai, hasta La noche estrellada de Van Gogh, entre muchas más .
[EL ARTE INSPIRA]
22
[EL ARTE INSPIRA]
23
¿ Conoces a
Artemisia
Gentileschi ?
Por: Consuelo Rojas.
LA PINTORA QUE FUE VIOLADA Y QUE SE VENGÓ HACIENDO ARTE FEMINISTA. TUVO QUE PASAR MUCHO TIEMPO PARA QUE SU EXCEPCIONAL VALÍA ARTÍSTICA FUESE RECONOCIDA Y EN LA DÉCADA DE 1970 SE CONVIRTIÓ ADEMÁS EN UN SÍMBOLO DEL FEMINISMO.
El 8 de julio de 1593 nació en Roma Artemisia, la hija del pintor barroco Orazio Gentileschi, seguidor del estilo de Caravaggio. La niña perdió a su madre a los doce años y quedó al cuidado de su padre, quien la guió en el arte de la pintura, mostrándole el trabajo de los artistas de Roma y enseñándole la técnica del contraste de luz y sombra característico del tenebrismo, que tuvo gran influencia en su obra, si bien ella llegó a tener una manera muy personal de enfocar los temas.
y los Ancianos”, firmada a los diecisiete años. Se habla ya de una influencia del estilo de Caravaggio en esta obra, pero se acerca más a la técnica clásica de la escuela de Bologna. En 1614 Artemisia y su marido se mudaron a Florencia, donde la artista fue la primera mujer en ser admitida en la Accademia del Disegno, pudo relacionarse con artistas reconocidos, conseguir el patronazgo de personas importantes, como el duque Cosimo II de Médici y la duquesa Cristina, y tuvo una buena relación con Galileo Galilei. Ganó también la admiración de Buonarroti el Joven que le encargó una pintura para el techo de la galería de la Casa Buonarroti,
Algunos mencionan como su primera pintura a “La Virgen” fechada en 1609 que se encuentra en la Galería Spada. Otros dicen que la primera fue “Susana 24
Artemisia Gentileschi, “Judith y su doncella�, 1625. 25
Judit decapitando a Holofernes Judit decapitando a Holofernes es un cuadro de la pintora italiana, ejecutado hacia 1613. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 1,99 metros de alto y 1,62 m. de ancho. Actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia). El tema de Judit decapitando a Holofernes es uno de los episodios del Antiguo Testamento que con más frecuencia se ha representado en la historia del arte. No obstante, excepto Judit y Holofernes de Caravaggio conservada en la Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma, jamás se ha logrado representar una escena tan cruda y dramática como la que pinta en esta tela Artemisia Gentileschi. La heroína bíblica, junto a su doncella, se interna en el campo enemigo, seduce y luego decapita a Holofernes, el feroz general enemigo. Resulta ser el cuadro más famoso de Artemisia Gentileschi, con el que su nombre se asocia rápidamente. El tema es perfectamente análogo a otro lienzo, más pequeño y de colores diferentes, ejecutada con anterioridad y que se conserva en el Museo de Capodimonte de Nápoles: otra Judit decapitando a Holofernes. El acto de la decapitación ocupa el centro de la escena. La composición es de tipo triangular, y para ello ha sido preciso ubicar dentro de la tienda a la doncella, que en principio según la historia tradicional estaban solos Judith y Holofernes.
26
27
[CONOCES A]
Artemisia Gentileschi, “Venus durmiendo”, 1625.
una Allegoria dell’inclinazione (Alegoría del talento natural), que era representada por una mujer desnuda sosteniendo una brújula, pero posteriormente, el heredero de Buonarroti el Joven contrató a Voltarrone para pintar unos paños que cubrieran el desnudo. Probablemente de esta época son también “La conversión de la Magdalena”, “Judith con su doncella”, que actualmente están en el Palacio Pitti, y otra “Judith Decapitando a Holofernes” que es considerada su obra maestra, de mayores dimensiones que la anterior, con los rasgos de su rostro en Judith y de Tassi en Holofernes, hoy ubicada en la galería de los Uffizi.
ya que resultó ser casado, por lo que Orazio inició un juicio en su contra ante el Tribunal Papal. El proceso, que duró siete meses, fue tremendamente humillante y traumático. Artemisia relató con crudeza los hechos de su violación -testimonio que se conserva en los registros de la época-, fue sometida a exámenes ginecológicos y se le aplicaron instrumentos de tortura en los dedos para comprobar la veracidad de su relato. En el transcurso se pudo comprobar también que Tassi intentó asesinar a su esposa, a quien consiguió por violación, cometió incesto con su cuñada y quiso robar unas pinturas de Orazio, y por todo esto fue condenado a un año de prisión y el exilio de los Estados Pontificios. Para restablecer su honra, Artemisia contrajo matrimonio con un modesto pintor, Piero Antonio Stiattesi, un mes después del juicio. Posteriormente, en su obra “Judith decapitando a Holofernes”, se dice que la artista reflejó su sufrimiento emocional en el gesto casi placentero y de intensa determinación de Judith al realizar este acto, nunca antes representado de esta manera. Su padre y Agostino Tassi volvieron a ser amigos
Algunas fuentes indican que a los 19 años Orazio la puso bajo la instrucción del pintor Agostino Tassi para que le enseñase perspectiva, ya que las escuelas de Bellas Artes no permitían la inscripción de mujeres. Otras cuestionan que este pintor haya sido su maestro, teniendo menor talento artístico que Orazio y la misma Artemisia. En 1612, Tassi violó a Artemisia e intentó calmar la situación con promesas de matrimonio que no se cumplieron, 28
[CONOCES A]
Artemisia Gentileschi, “Judith y su doncella”, 1618.
y trabajar juntos cuando este último recuperó la libertad, hecho que se sumó al dolor y la humillación de Artemisia. Orazio murió en 1639 y Artemisia abandonó Inglaterra hacia 1642, justo cuando allí se iniciaba la guerra civil. Vivió sus últimos años en Nápoles, donde se pensaba que había muerto hacia 1652 o 1653, pero recientemente se han encontrado registros de que todavía recibía encargos en 1654. Es probable que la artista haya muerto durante la plaga que hubo en Nápoles en 1656, y fue prácticamente olvidada después de su fallecimiento. Roberto Longhi, en un ensayo titulado “Gentileschi, padre e hija” del año 1916 manifiesta sobre Artemisia que fue “la única mujer en Italia que alguna vez supo algo sobre pintura, colorido, empaste y otros fundamentos”. Las expresiones de Longhi, aunque tienen un tinte machista y son totalmente cuestionables, puesto que anteriormente existieron otras pintoras exitosas, como Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana y Fede Galizia, contienen una valoración de la estatura de esta gran artista .
Artemisia Gentileschi “Alegoría de la inclinación”, 1611. 29
¿ Conoces a
MARINA Abramovic ?
Por: Claudia Velasco
MARINA ABRAMOVIC ES UNA ARTISTA DE PERFORMANCE QUE EXPLORA LOS LÍMITES DE LO PSÍQUICO Y MENTAL. EN SUS PERFORMANCE SE HA LACERADO A SÍ MISMA, SE HA FLAGELADO, HA CONGELADO SU CUERPO EN BLOQUES DE HIELO, TOMANDO DROGAS PARA CONTROLAR SUS MÚSCULOS. Marina Abramovic es una artista de performance que investiga y explora los límites de lo psíquico y mental. En sus performance se ha lacerado a sí misma, se ha flagelado, ha congelado su cuerpo en bloques de hielo, tomando drogas para controlar sus músculos, con las cuales ha quedado muchas veces inconsciente, y hasta en una ocasión casi morir de asfixia recostada dentro de una cortina de oxígeno y llamas. Sin embargo, los objetivos Abramovic poco tienen que ver con el sensacionalismo. Sus performances resultan una serie de experimentos que pretenden identificar y definir los límites en el control sobre su cuerpo; la relación entre el público con la performer; del arte y, por extensión,
de los códigos que gobiernan la sociedad. Su ambicioso y profundo proyecto se encamina a descubrir un método, a través del arte, que haga a las personas mucho más libre. Muchas de las performances de Abramovic en estos 30 años han sido brutales y desconcertantes. Algunas de ellas concluyen sólo cuando alguien del público interviene. Buscando el límite en el cual el público comprueba su resistencia a atestiguar el dolor y el sufrimiento, Abramovic crea un punto de ruptura, marcando radicalmente las sensaciones del presente del espectador. Ella ha dicho: “Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento 30
Marina Abramovic “Art Must Be Beautiful. Artist Must Be Beautiful”, 1975. Esta pieza de video presenta a la artísta en un acto cotidiano de cepillado de su cabello. Este acto que en un principio no reviste mayor atención, va transformando la pieza en un acto tenso, incluso en algunos momentos agresivo, mientras la artista reflexiona sobre la belleza del arte y la belleza del artísta. La frase “el arte es bello, yo tengo que ser bella” se repite una y otra vez como si Abramovic, a través del acto de desenredado del cabello, tuviera que interiorizar esta máxima.
Marina Abramovic, “Imponderabilia�, 1977. 34
[CONOCES A]
“UNIERON
de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora”.
SUS BOCAS CON FUERZA
Nacida en Belgrado en 1946, hija de guerrilleros yugoslavos, sus primeras performances fueron una forma de rebelarse contra su estricta educación y la cultura represiva del gobierno de posguerra de Tito. Como todo su trabajo, eran purificaciones rituales encaminadas a liberarla de su pasado. En 1975 Abramovic conoce a Ulay, un artista con quien tiene en común sus preocupaciones artísticas. En las siguientes dos décadas viven y colaboran juntos, realizan performances y viajan alrededor del mundo. Sus performances exploran los parámetros del poder. la dependencia dentro de la relación triangular generada entre ambos y los mismos espectadores. En 1977 realizaron una performance titulada Breathing in/Breathing Out, en donde unieron sus bocas con fuerza y pegaron micrófonos a sus gargantas, respirando el oxígeno de los pulmones del otro, hasta que al final -al límite con la asfixia- sólo intercambiaban dióxido de carbono. En otra, Rest Energy (1980), sostenían un arco tirante cargado con una flecha y apuntando al corazón de Abramovic, con sólo la fuerza de sus cuerpos manteniendo la tensión. Micrófonos grabaron la rápida aceleración del pulso de ambos.
Y PEGARON MICRÓFONOS A SUS GARGANTAS, RESPIRANDO EL OXÍGENO DE LOS PULMONES DEL OTRO” acerca del mundo titulada “Nightsea Crossing”, en la cual se instalaron como tableaux vivants en museos. En el último trabajo en conjunto, “The Great Wall Walk” (1988), caminaron 2.000 km a lo largo de la Gran Muralla China, comenzando cada uno en los extremos opuestos, encontrándose en el medio. Abramovic se ha descrito a si misma como la “Abuela del Arte de la Performance”. De aquella generación de artistas de los 70 quienes eligieron la performance como modo de expresión, Amabramovic es quizás la más activa actualmente. En 1997 mostró una video instalación y preformance, Balkan Baroque, en la Bienal de Venecia, en este lugar recibió el premio León de Oro a la mejor artista de la Bienal.
Entre 1981 y 1987 Abramovic y Ulay hicieron una serie de performances 35
¿
Conoces a
ALICE
GUY ?
Por: Patricia Correa.
ALICE GUY FUE LA PRIMERA PERSONA EN SER REALIZADORA DE UNA PELÍCULA, LA FUNDADORA DEL CINE NARRATIVO Y DE LA NARRACIÓN CULTURAL SUPERANDO EL CINE DE MOSTRACIÓN DE LOS HERMANOS LUMIÈRE Y SENTANDO LAS BASES DE LO QUE EN EL FUTURO SE HA CONSIDERADO FICCIÓN.
Alice Guy nació en Paris. Era la hija menor de un famoso escritor, lo que la llevó a desarrollar su amor por las artes y la literatura. En 1885 empezó a trabajar como secretaria de León Gaumont, uno de los pioneros de la industria del cine, cuando su organización se dedicaba todavía a fabricar equipos de fotografía. El 22 de marzo de 1895, Louise Lumière invitó a Gaumont a una demostración privada de cómo funcionaba el nuevo invento que había construido, una cámara que hacía que las fotos fijas se convirtieran en movimiento: A Alice Guy, le fascinó el aparato y le dio que pensar. Gaumont perfeccionó posteriormente la cámara de 60 mm. de
Lumière sin saber muy bien que era lo que iba a hacer con su nuevo aparato. Alice, de 23 años, pensó que se podría animar con historias los resultados del cinematógrafo, para evitar la monotonía de esos registros puramente mecánicos, y manifestó a Gaumont que lo que había que hacer con el cine era contar pequeñas historias, y que ella estaba dispuesta a demostrarlo, realizándolas para divertir a los potenciales compradores del aparato. Cuando le sugirió esta idea a Gaumont él dijo: «Como tú quieras... no es más que un juguete para niños...», y le permitió hacer el trabajo, los domingos, para que no abandonara sus tareas como secretaria. Alice Guy realizó la primera 36
37
Alice Guy, “Two little strangers”, 1912.
[CONOCES A]
Fotograma de “Los resultados del feminismo”, 1906.
40
v En 1913 escribió Woman’s Place in Photoplay Production, en donde denunció la ex[CONOCES A] clusión que estaban teniendo las mujeres en el mundo del cine paralela a la conversión del cine en un negocio rentable y medio de comunicación masivo por excelencia. En este película narrativa de la historia del texto, tal y como proclamó Riccioto Canudo en El Manifiesto deuno lasdeSiete cine: La Fee aux Choux, El hada de los En New Jersey construyó los Artes, Guy conel año semanas equipados estudios del mundo, sideró el cinerepollos, comoenarte, el1896, cineunas había dejado mejor de ser el entretenimiento de los pobres para antes del ingreso a la realización donde siguió dirigiendo películas con pasar a contar historias. cinematográfica del genial cineasta e ilucionista francés Georges Méliès. El invento de Alice tuvo tanto éxito que los equipos de la empresa de Gaumont comenzaron a venderse estupendamente. Así que Gaumont tuvo que eximir a Alice Guy de sus tareas de secretaria. Desde aquel momento ella estuvo al cargo de la nueva productora. Todas las películas que hizo en esta época de su vida fueron proyectos muy ambiciosos: desde escenas de óperas a militares. Llegó a producir dos cortos semanales hasta que en 1905 fue nombrada supervisora de los demás directores de la compañía. En 1913 escribió Woman’s Place in Photoplay Production, en donde denunció la exclusión que estaban teniendo las mujeres en el mundo del cine paralela a la conversión del cine en un negocio rentable y medio de comunicación masivo por excelencia. Dos años después se casó con Herbert Blaché, un cameraman británico que dirigía las oficinas de la Gaumont en Inglaterra y Alemania. El matrimonio viajó a los Estados Unidos, donde Alice dejó su trabajo como realizadora durante tres años para dedicarse a las tareas domésticas y tuvo a su primera hija. Simone. Aburrida de la vida casera volvió a la dirección de cine y así, fue como fundó con su propio dinero una productora «Solax Company», en la que realizó todo tipo de películas, comedias, dramas y algún western. Entre 1910 y 1914 la compañía produjo 325 películas de distintos tipos y duraciones y, se dice que, alrededor de 50 fueron dirigidas por la directora de la empresa. 41
gran éxito hasta 1920. Hoy existen datos como para pensar que dirigió o produjo alrededor de 1000 películas en su vida. Aunque fundó otras dos compañías cinematográficas, a partir de 1919 se hizo imposible competir con Hollywood, y comenzó a trabajar para compañías más poderosas. Fue el comienzo del fin de su etapa en la industria independiente. Finalmente su compañía terminó por caer y su matrimonio con ella. Una vez cerrada su empresa, se dedicó a dar charlas públicas sobre los comienzos del cine. En 1922 regresó a Francia, tras divorciarse de Blaché y jamás pudo regresar al cine: había quedado fuera de la industria, que no tenía el espacio que merecía una pionera del cine como ella (lo mismo que le pasó a Méliès y demás). En 1964 ella regresó a los Estados Unidos junto a sus hijas, donde quiso buscar y recuperar sus películas y fue a la Biblioteca del Congreso y a otros archivos de cine y filmotecas pero no encontró casi ninguna de sus películas y algunas de las que encontró se escondían bajo nombres de dirección de sus compañeros. En 1949, cuando había cumplido 76 años, Alice Guy regresó a París, donde la Cinemateca le rindió un gran homenaje por ser la primera mujer directora de cine en el mundo, no el primer director en el mundo. Tuvo gran repercusión en los medios y recibió más tarde las insignias de Chevalier de la Legión de Honor. Murió en New Jersey, habiendo cambiado la historia del cine .
42
¿ Conoces a
YAYOI
Kusama ¿
Por: Consuelo Rojas.
A LO LARGO DE SU CARRERA, HA TRABAJADO CON UNA GRAN VARIEDAD DE MEDIOS INCLUYENDO: PINTURA, COLLAGE, ESCULTURA, ARTE PERFORMANCE E INSTALACIONES, LA MAYORÍA DE LOS CUALES EXHIBEN SU INTERÉS TEMÁTICO EN LA PSICODELIA, LA REPETICIÓN Y LOS PATRONES.
Nacida el 22 de marzo de 1929, es una artista y escritora japonesa. A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones, la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, minimalismo y arte feminista e influenció a sus contemporáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg. A pesar de haber sido olvidada después de que dejó la escena del arte neoyorquino a principios de la
43
década de 1970, Kusama es reconocida actualmente como una de las artistas más importantes que haya salido de Japón y una voz muy importante del avant-garde. Nació en Matsumoto en una familia clase media alta de comerciantes de semillas,Kusama comenzó a crear arte desde una edad muy temprana, lo que la llevó a estudiar Nihonga en Kyoto en 1948. Frustrada con este estilo japonés, ella se interesó en el avant-garde americano y europeo, montando varias exhibiciones solistas de sus pinturas en
“HAGO MIS OBRAS PARA SOBREVIVIR AL DOLOR, AL DESEO DE MUERTE”
Matsumoto y Tokyo durante la década de 1950. En 1957 se mudó a los Estados Unidos, estableciéndose en la ciudad de Nueva York donde produjo una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto. Kusama cambió a la escultura y la instalación como sus medios principales y se convirtió un elemento fijo del avant-garde de Nueva York con sus trabajos expuestos al lado de Andy Warhol, Claes Oldenburg y George Segal a principios de la década de 1960 cuándo la artista se asoció al movimiento del Arte pop. Acogiendo el ascenso de la contracultura hippie de finales de los años sesenta, Kusama llamó la atención del público cuando organizó una serie de happenings en los cuales se pintaba a participantes desnudos con lunares de colores brillantes.
En 1973, Kusama se mudó de vuelta a Japón, donde ella encontró una escena del arte mucho más conservadora que la de Nueva York. Ella se convirtió en marchante de arte pero su negocio fracasó años después; más adelante padeció de problemas psiquiátricos y en 1977 se internó voluntariamente en un hospital, donde ella ha vivido el resto EN SU PRIMERA BIENNALE de su vida. Desde entonces, ella continúa produciendo EN 1966, EXHIBIÓ SU obras de arte en diferentes OBRA NARCISSUS medios y lanzó su carrera GARDEN, UNA CRÍTICA A literaria con la publicación LA COMERCIALIZACIÓN de varias novelas, poesía y DEL ARTE. A LOS una autobiografía.
ORGANIZADORES NO LES GUSTÓ LA IDEA Y FUE El trabajo de Kusama está RÁPIDAMENTE EXPULSADA basado en el arte conceptual DE LAS INSTALACIONES. y muestra algunos
44
[CONOCES A]
“Obliteration Room”, Yayoi Kusama.
45
46
[CONOCES A]
atributos del feminismo, minimalismo, surrealismo, arte marginal, arte pop, y expresionismo abstracto, además de estar fusionado con contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Kusama también es una novelista y poeta publicada, y ha creado trabajos notables en filmes y diseño de moda. Retrospectivas de gran tamaño e importancia han sido expuestas en el Museo de EL TRABAJO DE KUSAMA Arte Moderno SE ENCUENTRA EN LAS de Nueva COLECCIONES DE LOS MUSEOS York, el Museo MÁS IMPORTANTES DEL Whitney de Arte MUNDO, INCLUYENDO EL Estadounidense, MUSEO DE ARTE MODERNO Y y el Tate Modern, CONTEMPORÁNEO DE NUEVA mientras que en 2008 Christie’s YORK; EL MUSEO DE ARTE DEL en Nueva York CONDADO DE LOS ÁNGELES. vendió una de sus obras en $5.1 millones de dólares, un récord para un artista mujer con vida. En 1959, Kusama tuvo su primera exhibición solista en Nueva York en la Galería Brata, una cooperativa de artistas. Ella mostró una serie de pinturas de redes blancas las cuales fueron revisadas de manera entusiasta por Donald Judd. Desde entonces Kusama ha exhibido su trabajo con Claes Oldenburg, Andy Warhol, y Jasper Johns entre otros. Exhibió a la par de artistas Europeos como Lucio Fontana, Pol Bury, Otto Piene, y Gunther Uecker y para 1962 ella era la única artista mujer que formó parte de la aclamada exhibición grupal internacional Nul en el Stedelijk Museum en Ámsterdam. Ella representó a Japón en el Bienal de Venecia de 1993
47
y de 1998 a 1999 una gran retrospectiva de sus obras hizo un tour por todo Estados Unidos y Japón de sus trabajos. Algunas de las exhibiciones más grandes de su trabajo incluyen: Kitakyushu Municipal Museum of Art en Fukuoka, Japón (1987); Centro de las Artes Internacionales Contemporáneas en Nueva York (1989); “Amor para Siempre: Yayoi Kusama,1958–1969”, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 1998; de 1998-1999 viajaría hacia el Museo de Arte moderno ubicado Nueva York, al Walker Art Center, en Minnesota y al Museo de Arte Contemporáneo, en Tokyo; Le Consortium, Dijon, en el 2000 viajó a la Casa de la Cutlura de Japón en París; Kunsthallen Brandts, Odense, en Dinamarca; Les Abattoirs, Toulouse; Kunsthalle, en Vienna; y el Centro Artsonje, en Seúl del 2001 al 2003); “KUSAMATRIX”, Mori Art Museum, en Tokyo, 2004 (Viajó al Art Park Museum of Contemporary Art, Sapporo Art Park, en Hokkaido); “Eternidad-Modernidad”, National Museum of Modern Art en Tokyo (haciendo un recorrido por Japón), 2004–2005; y “Los Años Espejeados”, en el Museum Boijmans Van Beuningen, en el 2008 (viajó al Museum of Contemporary Art, en Sydney, y a la City Gallery, en Wellington, Nueva Zelanda en el 2009). En agosto de 2010, Kusama exhibió en el trienal de Aichi., Nagoya. Sus obras siendo exhibidas dentro, del Centro de Arte de Aichi. Para julio de 2011, varios de las obras más íntimas de Kusama están en exhibición en el Museo Reina Sofía en Madrid, España .
48
¿ Conoces a
VIVIAN
MAIER ?
Por: Consuelo Rojas.
NADIE SABÍA MUCHO DE ELLA, NADIE TAMPOCO LA HEREDÓ A SU MUERTE. VIVIAN MAIER FUE UNA MUJER SOLITARIA Y EXCÉNTRICA, CON UNA MIRADA AGUDA Y ARTÍSTICA DE LA REALIDAD COTIDIANA, PERO A HURTADILLAS. John Maloof miró la caja repleta de negativos. “¿Qué voy a hacer con esto?”, se preguntó. Era el año 2007, y el agente inmobiliario acababa de pagar 380 dólares en una subasta por esa caja. Como no encontró allí ninguna imagen que pudiera servirle para un libro sobre Chicago, la guardó en un armario. Cuando se decidió a escanear aquellas películas, encontró algo que le cambiaría la vida. A tal punto que una década después su nombre se menciona en distintos rincones del planeta, incluso en la Argentina, donde parte 49
del inusual hallazgo se presentará en FoLa el miércoles próximo. “Vivian Maier”, escribió Maloof en el buscador de Google. No encontró nada. El nombre que acompañaba la caja era la única pista que tenía sobre la autora de esas atrapantes escenas callejeras que parecían registradas por Diane Arbus. Pero la publicación de algunas de las imágenes en Internet viralizó la curiosidad por su historia. Comenzó así una obsesiva investigación que revelaría una vida prolífica: Maier había dejado unos 150.000 negativos. Entre ellos
Vivian Maier “Obreros”. 50
51
[CONOCES A]
se contaban varios autorretratos sobre superficies espejadas, que evocan otros similares realizados por Annemarie Heinrich en Buenos Aires en la década de 1940, o retratos de homeless que podrían formar parte del célebre ensayo sobre la locura que Sara Facio y Alicia D’Amico realizaron en el Borda en 1966.
Nueva York y Chicago hasta poco antes de su muerte, a los 83 años. Justamente, fue su obituario lo primero que encontró Maloof sobre ella. “Segunda madre de John, Lane y Matthew, un espíritu libre que tocó mágicamente las vidas de quienes la conocieron. Siempre dispuesta a dar su consejo, opinión y ayuda”, dice un aviso publicado por el Chicago Tribune el 23 de abril de 2009.
Hay algo también de la mirada experta de Robert Frank, Lisette Model y Helen Levitt en las fotografías que Maier tomó desde la década de 1950. Eso asegura nada menos que la “ERA MAYOR Y SIN legendaria fotógrafa RECURSOS, HABRÍA estadounidense PODIDO DESTRUIR Mary Ellen Mark SU ARCHIVO, PERO en Encontrando a LO GUARDÓ EN UN Vivian Maier (2013), ALMACÉN Y CUANDO documental dirigido por YA NO PUDO PAGARLO Maloof y Charlie Siskel SUS PERTENENCIAS SE que está disponible online. “Tenía muy VENDIERON EN buen ojo, muy buen UNA SUBASTA” sentido del encuadre. Tenía sentido del humor y sentido de la tragedia. Hermoso sentido de la vida, del ambiente... Lo tenía todo. Si se hubiera dado a conocer, se hubiera convertido en una fotógrafa famosa”, observa Mark antes de concluir que “algo andaba mal. Falta una pieza del rompecabezas”.
No todos parecen estar de acuerdo con esta definición. Según testimonios reunidos en el documental, aquellas “aventuras urbanas” incomodaban a algunos de los niños que cuidó Maier. Especialmente cuando revolvía basura o fotografiaba maniquíes sin cabeza, recorría a grandes zancadas las zonas más pobres de la ciudad o los llevaba de excursión a un matadero de ovejas. “Ms. Maier me daba comida a la fuerza. Me agarraba fuerte, me metía la comida hasta la garganta y me ahorcaba hasta que me la tragara. A veces se ponía como loca”, dice una de las mujeres entrevistadas, quien asegura que su niñera le pegó desde los cinco años hasta que tuvo fuerza suficiente para defenderse. “Era mala. Tenía un lado oscuro”, coincide otro de los consultados. Casi todos los testimonios la definen como “misteriosa” o “muy reservada”, y coinciden en que acumulaba una enorme cantidad de diarios para recortar artículos sobre episodios siniestros. “No era una santa. Pero ¿quién de nosotros lo es?”, afirmó al respecto Charlie Siskel en una entrevista televisiva. En defensa de Maier se expresa su propia obra, que demuestra una gran capacidad de empatía. “Creo que sus fotos muestran ternura, una alerta instantánea a las tragedias humanas .
¿Por qué Maier no mostró sus fotografías? Ésa es la pregunta que desvela al compulsivo Maloof, devenido fotógrafo, a lo largo del film. No hay una respuesta pero sí varias pistas en los testimonios reunidos, que logran reconstruir gran parte de la vida de esta misteriosa neoyorquina con acento francés. Maier trabajaba como niñera. Un empleo que, además de darle casa y comida, le permitió recorrer con libertad -siempre con la cámara en mano- las calles de 52
53
PAULA SCHER Por: Natalia Fernández. COMENZÓ SU CARRERA EN LOS AÑOS 70 Y HOY ES UNA DE LAS FIGURAS MÁS RELEVANTES DEL DISEÑO GRÁFICO ESTADOUNIDENSE DE LAS ÚLTIMAS CUATRO DÉCADAS
“
ES IMPORTANTE QUE UN DISEÑADOR GRÁFICO PUEDA VER Y TAMBIÉN ES IMPORTANTE PODER HACER UN BOSQUEJO DE LO QUE EL OTRO VE.
Paula Scher (1948, Virginia) estudia en Tyler School of Art en Filadelfia y empieza su carrera de diseño gráfico en CBS Records en la década de 1970. El periodo que estuvo en CBS Records fue de los más productivos en su carrera –figura en los créditos de 150 portadas de disco en cada año de los ocho que estuvo–. Algunas portadas de esta etapa son las realizadas para Eric Gale (Ginseng Woman), Leonard Bernstein (Poulenc Stranvinsky), Jean-
55
“
[EN PROFUNDIDAD]
Pierre Rampal and Lily Laskin (Sakura: Japanese Melodiesfor Flute and Harp). Sus diseños han sido reconocidos con cuatro nominaciones a los Grammy. En 1984 co-funda Koppel y Scher y en 1991 se une a Pentagram como socia. A lo largo de su carrera, las imágenes de Paula Scher se han convertido en iconos de la cultura visual de la ciudad de Nueva York. Ha desarrollado numerosos sistemas e identidades de marca, material promocional, packaging, señalética y diseño editorial para una amplia gama de clientes entre los que destacan The New York Times Magazine, Perry Ellis, Bloomberg, Microsoft, la Detroit Symphony Orchestra, el New Jersey Performing Arts Center, el New York Botanical Garden y The Daily Show With Jon Stewart.
Paula Scher, “Taxi”.
“
ME GUSTAN LAS COSAS FÍSICAS MÁS QUE LOS DISEÑOS QUE VIVEN EN PANTALLAS. EL DISEÑO GRÁFICO AMBIENTAL ERA UNA FORMA DE DISEÑAR EN EL MUNDO REAL, NO VIRTUAL.
Scher ha sido la primera diseñadora en crear un nuevo sistema de identidad gráfica y de promoción para The Public Theather, un programa de diseño gráfico creado para la promoción teatral y de las instituciones culturales en general. Basado en el reto de aumentar la conciencia pública y la asistencia al teatro público un público más diverso, Scher crea un lenguaje gráfico que refleja la tipografía de la calle y el graffiti como yuxtaposición.
“
Paula Scher es miembro de The Art Directors Club Hall of Fame y del AIGA (American Institute of Graphic Arts). Ha sido galardonada con el premio Chrysler Design Award. En 2006 es galardonada con la Medalla Type Directors Club. Desde 1993 es miembro de la Alliance Graphique Internationale (AGI), donde en 2009 fue elegida como presidenta. Paula Scher ha sido miembro de la junta 56
Paula Scher, Poster para el teatro pĂşblico. 57
“Pentagram”, Paula Scher. 58
[EN PROFUNDIDAD]
“
años, escrito por Russell Baker, quien escribía una columna “Observador” en el New York Times. El es un humorista maravilloso, y les voy a leer este ensayo, o un extracto de este, pues realmente acierta en el blanco: Aquí yace un consejo cordial.
EL ESPECIALIZARSE ES ESTRECH0, LA GENERALIZACIÓN ES AMPLIA. UN GENERALISTA PUEDE PROBAR MÁS COSAS.
“
directiva de The Public Theater y en 2006 fue nombrada para la Comisión de Arte de la Ciudad de Nueva York. Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo y está representado en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno y el Cooper-Hewitt National Design Museum de Nueva York, la Biblioteca del Congreso en Washington DC, el Denver Art Museum, el Museo für Gestaltung de Zürich, la Biblioteca Nacional de Francia y el Centro Georges Pompidou de París. Mi trabajo es jugar. Y juego cuando diseño. Lo busqué en el diccionario, para estar segura de que realmente hago eso, y la definición de jugar, número uno es comprometerse en actividades de tipo infantil y la número dos es apostar, arriesgarse y entonces me di cuenta que yo hago ambas cosas cuando diseño. Soy una niña y a la misma vez apuesto todo el tiempo. Y pienso que si tu no, probablemente hay algo mal con la estructura o situación en la que estás, si eres un diseñador. Pero la parte seria es la que me confundió, y no podia realmente entenderla hasta que me recordé de un ensayo. Un ensayo que lei hace 30 59
Sé serio, nos dice, Y lo que quiere decir es, se solemne. El ser solemne es fácil. El ser serio, no. Los niños casi siempre empiezan siendo serios, lo cual los hace tan divertidos cuando se les compara con los adultos. Los adultos en su mayoría son solemnes. En la política, ese candidato poco común que es serio, como Adlai Stevenson, es fácilmente derrotado por alguien solemne como Esienhower. Esto es porque a la mayoria de personas les es difícil reconocer la seriedad, pues es escasa, pero les es más fácil reconocer y apoyar la solemnidad la cual es común. Salir a correr, lo cual es común y aceptado como sano para ti, es solemne El poker por el contrario, es serio. Washington, D.C. es solemne. New York es serio Ir a conferencias educacionales que te hablen acerca del futuro es solemne. Dar una larga caminata durante la cual hasta elaboras un plan para robar las mejores tiendas de tu ciudad, es serio. Pero cuando aplico la definición de Russell Baker de solemnidad o seriedad al diseño no hace, necesariamente, algún señalamiento sobre calidad. El diseño solemne es, frecuentemente, importante y muy efectivo El diseño solemne es correcto socialmente hablando, y aceptado por las audiencias correctas. Es lo que los diseñadores de pensamiento correcto y todos los clientes luchan por lograr. El diseño serio, el juego serio es algo diferente. Por un lado, suele suceder
60
[EN PROFUNDIDAD]
espontánea e intuitivamente accidental o incidentalmente. Se puede lograr como producto de arrogancia o inocencia, o producto de egoísmo e inlcuso descuido. Pero primordialmente, se logra por medio de esas áreas de la conducta humana un tanto disparatadas que realmente no tienen mucho sentido. El diseño serio es imperfecto. Esta lleno del tipo de reglas artesanas que se dan por tratarse de algo nuevo Frecuentemente, el diseño serio es también poco exitoso desde el punto de vista solemne. Y eso es porque el arte de jugar en serio se trata de invención, cambio, rebelión -no perfección. La perfección se alcanza durante el juego solemne. Ahora, yo siempre vi a la carrera de diseño como escalones surrealistas Si miras a los escalones verás que en tus veintes la contrahuella (plano vertical del escalón) es muy alta y el escalón (plano horizontal) es muy corto y logras tremendos descubrimientos Tu, como que das grandes saltos en tu juventud- Y eso es porque no sabes nada y tienes tanto que PAULA SCHER LE DIO UN aprender que entonces, todo GIRO DE 180 GRADOS AL lo que haces es un nuevo CONSTRUCTIVISMO RUSO Y aprendizaje y no haces otra CON SU TOQUE PERSONAL cosa mas que saltar hasta GENERÓ UN ESTILO alli. Y mientras pasan los COMPLETAMENTE NUEVO, años, las contrahuellas se INNOVADOR, EL CUAL NO acortan y los escalones DURÓ MUCHO TIEMPO EN se amplian y empiezas a moverte a un paso mas SER COPIADO Y ABUSADO lento porque estas haciendo EN TODAS PARTES POR menos descubrimientos. Y OTROS DISEÑADORES en tanto te vuelves más viejo y más decrepito, tu como que te mueves lento en esta un tanto deprimente larga escalera que te conduce al olvido, difícil el ser serio concluyó .
61
LA DANZA CONTEMPORÁNEA REVIVE EL ARTE Por: Natalia Fernández.
La danza contemporánea surge como una reacción a las formas en las que tenemos llamadas como clásicas y probablemente como todas nuestras necesidades de expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín , una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI.
[REPORTAJE]
Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX. En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movimientos de otras técnicas corporales, como el flamenco, movimientos de danzas tribales y hasta del yoga. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovado estilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegándose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Se dice[¿quién?] que en la danza contemporánea (hoy día) “todo vale”. Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la americana y la europea. Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como video e imágenes usados de fondo.
SE PODRÍA DECIR QUE LA DANZA CONTEMPORÁNEA NACE DEL RECHAZO POR LAS FORMAS DEL BALLET CLÁSICO, SI BIEN ÉSTA ES SU DESCENDIENTE.
danza contemporánea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma no lineal. La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar movimientos con el propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que contar una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya existentes y siempre codificados mientras que la danza contemporánea busca la innovación y la creación de nuevas formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el intérprete. La danza clásica busca el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con lo etéreo, con lo celestial; más bien está ligada al concepto de lo apolíneo . La danza contemporánea busca la conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión; está ligada al concepto de lo dionisíaco. El coreógrafo suele tomar las decisiones creativas. Él o ella elige si la pieza tendrá un carácter abstracto o narrativo. Los bailarines son seleccionados en función de su habilidad y entrenamiento. La coreografía es determinada basándose en su relación con la música o los sonidos con los que se baila. El papel de la música en danza contemporánea es diferente al de otros géneros porque puede servir de fondo para la pieza. El coreógrafo supervisa la elección del vestuario y su valor estético para la composición general de la actuación y también para ver como influye en los movimientos de los bailarines. La danza como las otras artes ha tenido grandes cambios estéticos durante toda su historia. En los últimos cincuenta
La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La 64
[REPORTAJE]
años la investigación y la búsqueda continua de las nuevas formas de expresión ha conducido a la danza por diferentes caminos hacía la perfección técnica y artística. Influida por los cambios de la vida social y política y también de otras artes, la danza ha cambiado su forma de ser, su estética y su percepción. Mary Wigman (alemana, 1886-1973), LA TEATRALIDAD, EL Discípula de R. V. Laban, aporta PERFORMANCE EN LA como elemento la DANZA CONTEMPORÁNEA “intuición creadora”. SIEMPRE SE HA UTILIZADO Considera que el COMO ELEMENTOS DE oficio de bailarín PROFUNDIZACIÓN EXPRESIVA es una vocación. DEL MOVIMIENTO. Influyó en la formación de bailarines, creando su propia escuela. Su influencia sobre la evolución de la gimnasia moderna se basa en la expresividad exagerada de los gestos y en la alternancia entre contracción y relajación, manteniendo actitudes continuadas tensas y crispadas que varían hacia movimientos dinámicos y alegres ritmos. Utiliza distintas etapas en su enseñanza y entrenamiento de la danza: parte de la danza sin ningún acompañamiento musical, luego introduce instrumentos de percusión (en los que destacan los tambores) y finalmente llega la música. En plena Guerra Fría se desarrolla la danza contemporánea-clásica de muy distinta manera en los distintos países europeos. La influencia de las escuelas de Laban y Mary Wigman se ejerce sobre numerosos artistas y aparecen en todas partes unos cuantos intérpretes-coreógrafos que no llegan a crear escuela. Tampoco la situación económica (Europa se recupera de dos guerras) como geo66
política (Europa dividida por el “Telón de acero”) propician la creación de escuelas o movimientos estables de Danza. También es importante el establecimiento de diversos coreógrafos y pedagogos norteamercicanos, provenientes de la Modern Dance en Francia, España, Suecia, Alemania y Austria. La difusión de las técnicas Graham, Limón, Horton y Cunningham serán importantes en el futuro desarrollo de la danza actual europea. No es hasta la década de 1980 que la danza contemporánea europea, sus intérpretes y creadores toman consciencia y comienzan a desarrollarse compañías con sus particularidades en cada uno de los países: Alemania, Austria, España, Francia e Italia Actualmente, a diferencia de lo que pasaba en los inicios de la danza contemporánea, los bailarines no necesariamente son contrarios a las técnicas de la danza moderna o el ballet. Es un formato libre, donde algunos utilizan estas técnicas anteriores, otros incluso las transforman, mientras que otros directamente las ignoran. Así es que la finalidad de la danza contemporánea es que los bailarines logren explorar la conexión entre cuerpo y mente a modo de demostrar originalidad en la danza. La teatralidad, el performance en la danza contemporánea siempre se ha utilizado como elementos de profundización expresiva del movimiento, esto no es nuevo en el mundo de la danza, los coreógrafos del mundo del hoy perciben que el movimiento por el movimiento en la contemporaneidad no es suficiente para construir historias significativas que le lleguen a la gente en general, entonces
[REPORTAJE]
apelan a la teatralidad, o el performance y a otros lenguajes del mundo inherente a las artes escénicas, desde sus inicios u orígenes como manifestación del arte de la expresión humana. Sin descuidar nunca jamás el aspecto técnico o poder del cuerpo obtenido mediante el entrenamiento disciplinado de la mente cuerpo a lo largo del tiempo, sin dejar de danzar la danza incluyendo todos los estilos y percepciones sobre el movimiento y el cuerpo del hoy.
desarrollo de teorías. Es usual que se emplee la dinámica física que rige los movimientos, además de la ley de la gravedad y su papel en el movimiento.
Una de las características de la danza contemporánea actual es la diversidad, nunca dejará de sorprenderte la variedad de estilos que puede LAS TÉCNICAS Y DISCIPLINAS presentar un grupo de QUE SE USAN EN LA bailarines. Una de las DANZA CONTEMPORÁNEA premisas es que se logre SON IMPROVISACIÓN, la fluidez necesaria en RELÉASE, CUNNINGHAM, la que no se identifique LIMÓN, HAWKINS, ningún estilo ni técnica TGRAHAM, HUMPHREY- en particular, sino una WEIDMAN, HORTONBALLET, fusión de varias. Puede utilizarse música o no, BARTENIEFFLABAN, el movimiento puede ALEXANDER, PILATES Y YOGA. acompañarla o no, la ropa también es variada, generalmente cómoda pero sin grandes trajes como acostumbra la danza clásica.
Los festivales de teatro y de danza son trascendentales en la formación de cultura y publico para el desarrollo de la danza, pero en la mayoría de los casos inhiben el desarrollo del artista de la danza local ya que la mayor inversión y atención se da para la contratación de los artistas internacionales, compitiendo grandes producciones de la danza internacional con pequeñas o medianas producciones de la danza local, generando esto un gran desequilibrio en donde sale mal parada nuestra producción de danza contemporánea local, para solucionar este tema solo basta apoyar definitivamente nuestros desarrollos locales y nacionales de la danza, brindándoles las condiciones fundamentales para la construcción de grandes producciones nacionales con proyección internacional y creer firmemente en nuestro talento sin exclusión organizando muestras nacionales de danza contemporánea y captar así lo que se está realizando en nuestra danza hoy.
Es tendencia de esta danza, que el mismo artista cumpla la función de coreógrafo y de bailarín. También suele darse que el bailarín sea además, escenógrafo, iluminador, diseñador de vestuario. A diferencia de los coreógrafos del ballet, que tienen un lenguaje codificado de pasos, los bailarines modernos crean su propio lenguaje, por lo que se hace necesario, que el coreógrafo sea quien baile. La creación del lenguaje de danza, implica un estudio profundo del movimiento del cuerpo y el
En la actualidad, los adeptos a la danza carecen de cimientos. A algunos ni siquiera les interesa saber en dónde están las raíces de su quehacer, ni quiénes fueron sus precursores. El responsable de esta reflexión es Jairo Heli, coreógrafo, bailarín e investigador mexicano que llegará a la ciudad para encabezar la conferencia “Genealogía de la danza mexicana, generación en confusión”, que se llevará a cabo el viernes 26 de julio a las 20:30 horas en la Sala Higinio Ruvalcaba del Ex Convento .
69
961 U
[MUJERES DESTACADAS]
Amanda Labarca Destacada educadora
CHILE Marcela Serrano Escritora
María Luisa Bombal Novelista
Marta Brunet Cáraves Escritora
VIOLETA PARRA Cantautora, pintora, escultora, bordadora y ceramista
73
[MUJERES DESTACADAS]
MARÍA IZQUIERDO Pintora
KATY JURADO Actriz
elena poniatowska Escritora, activista y periodista mexican
Leonora Carrington fue una pintora surrealista y escritora
frida kahlo Pintora
MÉXICO 74
[TALLER]
LETTERING LO QUE ENTENDEMOS POR TRABAJOS CON UN GESTO MANUAL Y POR LO TANTO, POR SU IMPERFECCIÓN Y TAMBIÉN AL ESTILO LIBRE. Si lo traducimos al castellano sería algo así como “letras dibujadas a mano”, así que precisamente el Lettering lo podemos entender como aquellos trabajos que han sido dibujados, es decir letras dibujadas no escritas. o confundir con caligrafía o tipografía. La caligrafía es el arte de escribir la letra y también puede entenderse como el conjunto de rasgos que caracterizan la escritura de una persona o de un documento. Y por último el lettering significa “letras dibujadas”. Dependiendo de lo que vaya a crear, mis letras tendrán una forma u otra, un tamaño u otro, un estilo u otro. Se trata de asegurarse de que la pieza final sea perfecta y cumpla unas reglas estrictas.
76
[TALLER]
SERIGRAFÍA TÉCNICA DE IMPRESIÓN EMPLEADA EN EL MÉTODO DE REPRODUCCIÓN DE DOCUMENTOS E IMÁGENES SOBRE CUALQUIER MATERIAL. Se sitúa la malla, unida a un marco para mantenerla siempre tensa, sobre el soporte a imprimir y se hace pasar la tinta a través de la malla, aplicándole una presión moderada con un rasero, generalmente de caucho. La impresión se realiza a través de impresora, enmarcada en un marco, que se emulsiona con una materia fotosensible. Por contacto, el original se expone a la luz para endurecer las partes libres de imagen. Por el lavado con agua se diluye la parte no expuesta, dejando esas partes libres en la tela del cual se coloca la tinta, que se extiende sobre toda la tela por medio de una regla de goma. La tinta pasa por la malla y la imagen se deposita en el papel.
77
[TALLER]
LINOGRAFÍA EL LINOGRABADO ES UNA VARIANTE DEL GRABADO EN MADERA EN LA QUE UNA HOJA DE LINÓLEO SE UTILIZA PARA LA SUPERFICIE EN RELIEVE. A medida que el material que está siendo tallado no tiene dirección particular, su grano y no tienden a dividirse, es más fácil de obtener determinados efectos artísticos con linóleo que con la mayoría de las maderas, aunque la resultante impresiones pueden carecer del carácter granulado menudo angular de xilografías y grabados. El linóleo es mucho más fácil de cortar que la madera, especialmente cuando se calienta, pero la presión de la degrada el proceso de impresión de la placa más rápido y es difícil crear grandes obras debido a la fragilidad del material. El linóleo en color se puede hacer mediante el uso de un bloque distinto para cada color.
78
[TALLER]
CIANOTIPIA AUNQUE HERSCHEL LO IDEÓ, FUE LA BOTÁNICA BRITÁNICA ANNA ATKINS, LA QUE LO PUSO INMEDIATAMENTE EN PRÁCTICA. Cianotipia es un antiguo procedimiento fotográfico monocromo, que conseguía una copia del original en un color azul. En un procedimiento normal se mezclan en igual cantidad una solución al 8% de ferricianuro de potasio y una solución al 20% de citrato de puede amonio y hierro (III). Esta solución fotosensible se aplica a una superficie como papel , se puede dejar secar en la oscuridad o para que el proceso sea mas rapido con secadora en algun lugar donde no penetren rayos UV. Las cianotipias pueden ser impresas en cualquier superficie capaz de absorber la solución de hierro. Aunque el papel es el medio preferido, se han utilizado variados materiales para ese fin.
79
WWW.COACHELLA.COM
[RECOMENDACIONES]
FOTOGRAFÍA
ANNA ATKINS Considerada la primera mujer fotógrafa y fue la primera persona en publicar un libro ilustrado exclusivamente con fotografías. Nació en Tonbridge, Kent, y su madre murió durante el parto.5 Su padre, John George Children, fue un químico, minerólogo y zoólogo, distinguido por el mineral childrenita y la pitón de Children australiana (Antaresia childreni), a los que se les dio su nombre. La figura de su padre fue clave en la conquista de la experimentación y la innovación. La botánica, la fotografía y el dibujo, lograron conseguir un trabajo minucioso, perfecto y precioso. Su talento y genialidad la llevaron a ir más lejos de lo que hasta ese momento sólo era demostrado por una máquina. Su trabajo fue el primer intento de plasmar imágenes de la forma más objetiva posible, traspasando el ámbito científico hasta hoy, y logrando ser un aporte a las artes y la estética.
82
83
[RECOMENDACIONES]
MADONNA SE
PINTURA
INSPIRÓ EN ESTA PINTORA PARA SU VIDEO MUSICAL VOGUE DE 1990
TAMARA DE LEMPICKA Nacida Maria Gurwik-Górska (Polonia1, 898 - México, 1980), fue una pintora polaca que alcanzó la fama en Europa y Estados Unidos con sus retratos y desnudos. Tamara fue “la primera artista mujer en ser una estrella del glamour”. Influenciada por el Cubismo, Lempicka fue una de las mayores representantes del estilo Art Déco en dos continentes, fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y llamada “la baronesa con pincel”. Fue la retratista más reconocida de su generación entre la “alta burguesía” y la aristocracia, pintando a duquesas, grandes duques y las altas esferas sociales. A través de su red de amistades, fue capaz de exponer sus pinturas en los salones de mayor élite del momento.
85
[RECOMENDACIONES]
“NO EXISTE NADA EN EL
LITERATURA
HECHO DE SER MUJER QUE UNA DE MANERA NATURAL A LAS MUJERES”.
EL MANIFIESTO CYBORG Autor: Donna Haraway Año: 1983 País: Estados Unidos. Tema: feminismo esencialista. La teoría cyborg de Haraway rechaza las nociones del esencialismo, proponiendo a la vez un mundo quimérico, monstruoso de fusiones entre animales y máquinas. La teoría cyborg se sustenta en escritos como “la tecnología de cyborgs” y afirma que “La política de los cyborgs es la lucha por el lenguaje y contra la comunicación perfecta, contra el código que traduce a la perfección todos los significados, el dogma central del falogocentrismo.” En vez, el cyborg de Haraway llama a una metáfora no esencializada, semiótica, capaz de unir todas las coaliciones políticas en planos de afinidades más que identidades. Siguiendo a feministas Lacanianas como Luce Irigaray, el trabajo de Haraway refiere a la brecha entre el discurso feminista y el lenguaje.
86
87
88
[RECOMENDACIONES]
CINE
“SOLO SI ME MUERO, DEJARÉ DE ESCRIBIR”
EL COLOR PÚRPURA Fecha de estreno: 16.12.1985 Director: Steven Spielberg Música compuesta por: Quincy Jones. Historia de: Alice Walker. Premios: Globo de Oro El color púrpura, cuenta, a lo largo de distintas décadas, la intensa vida de Celie, una mujer de la América rural del Sur. Forzada a casarse con un hombre brutal. Celie se retrae y comparte su desgracia sólo con Dios. Celie sufrirá una transformación gracias a la amistad que comparte con dos extraordinarias mujeres, adquiriendo la autoestima y la fuerza que necesita. Dolenimp ellorest ut pos int eos doluptatur aliquam eat. Endamus asitaec aborpor poribus anducipsam faceate est, nus ditatur? Nihitatis secta dolore nosanto ex et il maximpelique cum doluptat. Undent faccum Quo es earis et pere simoluptas pre doluptatiis re et el et faceperro millaci cus es sit odit facerup tatibus tatibus.
89
[RECOMENDACIONES]
“Lo que necesitas, tú sabes que yo lo tengo. Todo lo que pido es respeto”
MÚSICA ‘RESPECT Autora: Aretha Louise Franklin. Álbum: I never loved a man the way I love you. Fecha de lanzamiento: 1967 Premios: Premio del Salón de la Fama de los Grammy A mediados de la década de 1960 Aretha Franklin se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos. Ella fue un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina. En realidad, ‘Respect’ es una canción soul que primero interpretó Otis Redding en 1965. Dos años después Aretha Franklin grabó una versión y fue su primer single en llegar al número uno, gracias a lo cual su carrera subió a lo más alto. Probablemente, la ferocidad en la interpretación de Franklin en la canción venía de su matrimonio problemático.
90
91
[MESA REDONDA]
Visibilidad FEMENINA
en el arte Por: Paulina Vergara
LITAM, ESTION NOBISCIENTEM LAM QUI QUISTE ESSIMOSTIA DIA VERA PRO CONET EXPE NUS PLAB IUMQUI VOLUPTATAM QUIS SOLUPTATENIM QUIBUS. UPTAS EUM FUGA. EMPORRO MOLUPTATUR SIT QUAS ESECERO CORPORITA. La presencia de las mujeres en muchos ámbitos profesionales es en demasiados casos testimonial, sobre todo en puestos de responsabilidad. La cultura no se escapa a esa realidad, de hecho este sector junto con la ciencia, es uno de los más desiguales de nuestra sociedad a pesar de que la equidad sí existe en el número de licenciadas en artes y humanidades. La ley de igualdad vigente desde 2007, recoge en su artículo 26 “la integración del principio de igualdad de trato y de oportunidades en el conjunto de las políticas económica, laboral, social, cultural y artística”. En el ámbito cultural supone la obligatoriedad de hacer políticas de género que garanticen, por ejemplo, la presencia de obras creadas por mujeres en los museos. Así mismo debe procurar la participación femenina en ámbitos de decisión, ya sea patronatos o comités artísticos. Las cifras muestran todo lo contrario, apenas el 10% de las plazas está ocupada por una mujer. Y la representatividad de las artistas en museos es, en muchos casos, prácticamente nula. Un caso revelador es el del Museo de Bellas Artes de Bilbao, que de las 24 exposiciones individuales realizadas entre 2002 y 2012, no dedicó ninguna a una mujer, y el 100% de la programación durante el calendario 2013 es masculino. Una actuación que incumple también la ley vasca de igualdad que incluye que “las 94
[MESA REDONDA]
administraciones públicas vascas deben promover un acceso y participación equilibrada de mujeres y hombres en todas las actividades culturales que se desarrollen en el ámbito de la Comunidad Autónoma de Euskadi”. Esta es una de las quejas que ha recibido el Ararteko (Defensor del Pueblo del País Vasco). Pero estas quejas han llegado también al Defensor del Pueblo español de la mano de asociaciones de artistas que promueven la visibilidad de las mujeres en el ámbito artístico. La plataforma ‘Clásicas y Modernas’ o ‘Mujeres en las Artes Visuales’ (MAV) entre otras, han firmado varias quejas que han remitido al Defensor del Pueblo. Entre ellas destaca una referente a las exposiciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Estas asociaciones han podido constatar que el porcentaje de exposiciones individuales de artistas mujeres durante el quinquenio 2008-2012 apenas alcanza el 30%. En su opinión esta desviación resulta “especialmente preocupante” porque es te museo dedica la mayoría de sus exhibiciones a artistas contemporáneos vivos “por lo que su política discriminatoria perjudica directamente la trayectoria de nuestras artistas, al tiempo que ofrece al público una visión distorsionada y no igualitaria del panorama del arte contemporáneo”. Situaciones parecidas se reproducen también en otros centros culturales como el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo o el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela según denuncian desde estas plataformas. Laura Freixas, presidenta de ‘Clásicas y Modernas’ alerta de que el problema va más allá de la desigualdad ”está claro que en Cultura no hay igualdad, pero es que no hay conciencia de la existencia de esta desigualdad ni la necesidad de corregirla”. Esto se refleja en un “favoritismo inconsciente de protagonismo masculino” según explica Freixas, algo que resulta especialmente preocupante porque la cultura es uno de los pilares que aporta valor a los modelos educativos y sociales y “ahora mismo ofrece una visión de clara preponderancia masculina”. Los galardones son un claro ejemplo. En el mundo literario los números son claros: solo tres autoras han recibido el Cervantes, considerado el más alto premio literario en lengua castellana, un 8% del total. La misma estela siguen el Premio Nacional de Ensayo con solo dos mujeres galardonadas (14%) en lo últimos 15 años, o el de Poesía donde con solo cinco féminas se han hecho con el primer puesto (36%) . 95
[MESA REDONDA]
DISCUSIÓN A veces se tiende a pensar que el machismo está superado, que es algo que en el siglo XXI no existe (al menos en Occidente) y que solo tiene lugar en países islámicos o en casos aislados en nuestros países. Se considera que el machismo se materializa únicamente en el maltrato de género o en algunas actitudes propias de individuos conservadores y reaccionarios. Pero lo cierto es que el machismo está muy presente en nuestro día a día. De forma cotidiana se relega a la mujer a una situación de inferioridad. ¿Es que acaso las mujeres no siguen siendo sujetos pasivos en lo referente
al amor y la sexualidad? ¿es que no siguen esclavizadas en sus hogares, siendo obligadas a realizar las tareas domésticas? ¿no sigue apareciendo la mujer con un papel secundario y a menudo únicamente sexual en las pelis, series y libros? ¿es que no son tratadas como seres débiles y poco capaces por los hombres en general? ¿es que no sufren acosos a diario? Negar esto es simplemente negar la realidad. Si se observa atentamente la realidad se verá que el machismo sigue muy presente en nuestras avanzadas sociedades, aunque en formas distintas (a menudo más disimuladas) que antaño.
Constanza Jaramillo Luchar contra una actitud tan arraigada y enraizada en nuestra sociedad no es tarea fácil. Para empezar es necesario condenar (o ridiculizar) los comportamientos machistas que veamos en nuestro entorno, aún a riesgo de ser reprobados por la mayoría. Atacar al machismo es atacar a las reglas sociales, y por tanto es probable que nos sintamos solos en nuestra justa cruzada. Pero esto no nos debe echar para atrás: es en los pequeños actos cotidianos donde se combate la dominación masculina. Revista Femme.
96
[MESA REDONDA]
Pese a que algunos historiadores creen que han existido sociedades en las que no habían diferencias ni desigualdades fundadas en el género, lo cierto es que no hay verdadera constancia de ello. En cuanto a las experiencias socialistas que nacieron en el siglo XX, si bien es cierto que lograron una mayor igualdad de género que las sociedades capitalistas, no llegaron al punto de garantizar una igualdad real y radical. De hecho muchas veces el tema del feminismo se veía como un asunto secundario, como algo que “ya se verá cuando hagamos la revolución”. Son famosas las represalias de Lenin a Clara Zetkin por anteponer el debate y estudio de la sexualidad a la revolución proletaria (como si ambas cosas no pudiesen atenderse a la vez).
El feminismo reconoce que existen hombres y mujeres, lo que no acepta es que estos géneros sean distintos en lo cultural o en lo social. Es decir: objetivamente existen hombres y mujeres, con sus diferencias fisiológicas y biológicas, pero esto no se traduce en que tengamos distintas formas de actuar o de pensar. Hombres y mujeres tienen distintas formas de pensar y de actuar en las sociedades machistas (esto es indiscutible), pero esto no se debe a que hayan nacido así, sino a que se les ha educado así. Fernanda Jorquera
Juliana Hernández
Para resumir: hombres y mujeres existen objetivamente, pero “ser masculino” y “ser femenina” son simples construcciones sociales. Y como tales pueden ser destruídas (si se dan las condiciones materiales, cosa que solo es posible en un sistema socialista por motivos que no explicaré aquí por motivos de espacio). Revista Femme.
97
SUSBRÍBETE EN WWW.femme.CL