Fragmentos de Realidad

Fragmentos de realidad

Jeisson Camilo Sabogal B. Fragmentos de Realidad

www.flickr.com/photos/jeissonkmilo ISBN: 99454-86577 Diagramador: Jeisson Sabogal Fotografía: Gregory Colbert, Steve Mccurry, GMB. Akash Impreso en Colombia Textos: Tomados de diferentes fuentes de la web.

Taller de diseño IV Entrega Final C

Todos los derechos reservados Prohibida su reproducción total o parcial por cualquier medio, también si es registrada o transmitida por un sistema de recuperación de la información, sin permiso del Editor

Fragmentos de realidad

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Gregory Colbert

Steve McCurry

G.M.B Akash

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PrĂłlogo La fotografia Documental y social se basa en mostrar la realidad y las diferentes vivencias de un grupo de personas o comunidad, a continuacion encontrara un grupo de 3 fotografos los cuales se dedican a tomar este tipo de fotografias, cada uno con una diferente perspectiva desde su campo visual.

Estos fotografos para llevar a cabo su trabajo conviven con las personas a las cuales van a retratar; comentan ellos que antes de tomar la primera fotografia se dedican primero a conocer a estas personas, a entender su lenguaje, a escuchar sus diferentes historias y creencias que tienen.

Cada fotografia tiene una historia escondida en ella, la cual sera relatada por cada uno de sus fotografos, algunas de estas imagenes capturadas se han vuelto “imagenes iconicas� para todo el mundo, por su contenido tan fuerte e impactante que genera pregnancia visual.

FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL y SOCIAL

A finales del siglo XIX la fotografía sufre una evolución que la lleva a tener usos nuevos. El paso del metal al papel, cámaras más manejables y portátiles y el uso del flash de magnesio hacen que los fotógrafos salgan a la calle. El uso reivindicativo de la fotografía en la sociedad deprimida de la época fue inevitable. La temática social más retratada es la laboral.

Los fotógrafos comprometidos social y políticamente inmortalizan a los obreros, sus condiciones de trabajo, las condiciones sanitarias, etc. Desarrollan también una retórica de la objetividad que en fotografía se traduce en cortes accidentales, desenfoques, decorados y vestidos no preparados, etc.

En el resto de las actividades artísticas la temática también estaba de moda con el “arte social” o “arte realista. Nunca antes un obrero había protagonizado una obra de arte.

John Thompson fue uno de los máximos exponentes de la fotografía social. En 1877 publicó un álbum titulado “La vida de las calles de Londres”.

Realizó numerosos viajes a Oriente para retratar a su gente. Visitó China, Camboya, Tailandia, etc. De sus viajes publicó numerosos Álbumes como “Ilustraciones de China y sus gentes” o “Las antigüedades de Camboya”.

Con este tipo de Fotografías pretende atraer la atención de la sociedad victoriana acomodada sobre un mundo de gitanos, cocheros, vendedoras de flores, mozos de cuerdas, antiguos reincidentes, etc. Cuando vuelve a Londres se convierte en fotógrafo de la Royal Geographical Society y se dedica a la reproducción de obras de arte.

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La Fotografía Documental además de admitir muy variadas interpretaciones, el concepto de fotografía documental es muy amplio. Si bien toda fotografía es en última instancia también documental, incluso las creaciones artísticas y aquellas que son manipuladas (puesto que siempre están refiriendo a algo o a alguien), el concepto se refiere a un género en particular con sus propias reglas de realización. En un sentido estricto, se considera fotografía documental la que constituye evidencia en relación a la realidad.

Ese contenido de evidencia fue el primero que vieron los creadores de la fotografía y también sus comentaristas. François Arago, al hacer la presentación del invento de Daguerre, en agosto de 1839, explicó que con la nueva técnica se podrían reproducir por ejemplo los jeroglíficos y los monumentos del antiguo Egipto, para luego ser estudiados. El sentido documental de la fotografía estuvo muy claramente expresado y se ha enriquecido con el paso del tiempo.

Una segunda posibilidad del concepto de fotografía documental se refiere a lo que llamamos fotografía social, documental social y también testimonial. Este género se refiere, como el nombre lo explícita, a la documentación de las condiciones y del medio en el que se desenvuelve el hombre, tanto en forma individual como social y, en ese sentido, su nivel de complejidad es muy profundo.

Obviamente, el fotoperiodismo se nutre de la fotografía documental y forma parte de esta, siendo su consecuencia natural pero, a diferencia del documentalismo social, se interesa de aquellas situaciones, hechos o personajes que constituyen o son noticia, materia fundamental de la prensa gráfica en general. No por sutil, la diferencia entre fotoperiodismo y documentalismo social debe soslayarse, teniendo presente que muchas veces el documentalismo social se convierte en fotoperiodismo y viceversa, cuando por diversas causas la prensa decide que sea noticia. Por ejemplo, las condiciones de vida de las personas que han debido abandonar sus casas por causa de las inundaciones ha nutrido al periodismo, pero desde el momento que el tema deja de ser noticia, desaparece de los diarios.

El documentalismo social interesa a la prensa cuando se asocia a un hecho relevante, circunstancial y de gran impacto en la sociedad. Las villas miseria, las condiciones de vida en esos espacios de la marginalidad, pasan a ser noticia cuando sus habitantes organizan protestas, intentan ocupar nuevos terrenos o son empujados fuera de los mismos e, incluso, cuando se cometen ilícitos. Al margen de esas situaciones, aunque aquella realidad persiste, el fotoperiodismo deja de interesarse en ese tema.

Para el documentalismo social, en cambio, aunque comparta las técnicas de realización con el fotoperiodismo, se interesa siempre por los espacios y condiciones del hombre en sociedad.

No está atado a lo circunstancial y por lo tanto constituye una reflexión, un intento de comprender y, naturalmente, de mostrar al hombre en sus momentos. Dicho en términos directos: no depende ni se interesa en la noticia como finalidad primaria.

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FOTOGRAFO Steve Macurry

Otro aspecto fundamental del documentalismo social, quizá una de sus condiciones ineludibles, es la no manipulación de las situaciones. Esto muchas veces no es bien comprendido, pero vale la pena argumentar por qué las puestas en escena constituyen antes que nada una falsificación y solo expresan eventualmente la incapacidad del fotógrafo para alcanzar sus objetivos, aunque el resultado sea estéticamente agradable y el mensaje convincente.

Si un sociólogo, por ejemplo, para sustentar su tesis, inventa testimonios, para cualquiera resulta evidente que ha mentido, aunque esos testimonios verbales expresen o refieran a situaciones reales. El texto entre “comillas” en un escrito significa que es literal de quien lo ha expresado. En la fotografía documental, la imagen en sí misma es una suerte de encomillado de la realidad y, por lo tanto, no debería ser el producto de como cree el fotógrafo que las cosas tienen que suceder o ser. Sin embargo, la fotografía posada, es decir aquella donde los personajes afrontan con plena consciencia a la cámara, no constituyen ni deben asimilarse a lo que es la puesta en escena.

El posar, en todo caso, podríamos compararlo a la pregunta y a la respuesta, es una suerte de interrogatorio de una situación. Muchas fotografías de documentalismo social son posadas, el sujeto advierte y consciente a la cámara, pero eso no es una actuación sino, simplemente, un mostrarse en forma estática.

Objetivos del documentalismo social Generar precisamente consciencia social, que no es otra cosa que solidaridad. Esa consciencia social puede tener un carácter de denuncia, con la intención de producir un cambio, una transformación. Ese ha sido el principal objetivo de la mayoría de los fotógrafos testimoniales a través de la historia. Pero puede tener también como finalidad el conocimiento en sí mismo y la comprensión de la humanidad. Desde el punto de vista estético, el documentalismo ofrece un amplio campo de realización a fotógrafos creativos, puesto que la aproximación a cualquier tema transita por la visión y la forma personal de interpretar la realidad.

Se ha usado aquí a propósito el termino estético en lugar de artístico, puesto que entiendo que el documentalismo social no pretende ser arte en su sentido tradicional. Por cierto, que han existido y existen fotógrafos que son artistas y que se han expresado a través del documentalismo social. El arte social, de esta manera, tiene puntos en común con el documentalismo social y a veces, en forma saludable, se confunden.

Sucede que muchas veces, cuando un fotógrafo documental logra realizar imágenes que también poseen cualidades estéticas, los comentaristas se ven tentados casi sin excepciones a expresar que su obra supera lo “meramente documental”, como si lo documental careciera de importancia y fuese algo sencillo.

De todas maneras, es bueno tener presente que para la mayoría de las realizaciones humanas se requieren de ciertas aptitudes individuales, definidas como arte, por lo que el carácter artístico -es decir, de algo realizado con arte- le es intrínseco al documentalismo y, en este sentido, denota una generalidad. Ahora, si aplicamos este concepto, toda fotografía sería

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artística o, por lo menos, aquellas que expresan las aptitudes individuales de su autor. Lo artístico, como tal, termina por pertenecer a todo acto creativo.Bajo esta perspectiva, entendemos al documentalismo como uno de los géneros de la fotografía, es decir, como “una variedad que se distingue en las creaciones respectivas según el fin a que obedece, la índole del asunto, el modo de tratarlo”.

Por otra parte, se puede decir que, como género, ha sido uno de los más prolíficos de toda la historia de la fotografía y, por su propia naturaleza, ha sido también el de mayor impacto social y cultural. Lo que provocan las fotografías documentales en la consciencia de las personas, condicionando en algunos aspectos conductas y hasta sosteniendo ideologías, no está por debajo de lo que podría hacer cualquier otra creación artística.

El hecho de que un número muy elevado de fotografías documentales ingresen a las colecciones de los museos y que incluso sean comercializadas a través de subastas de arte en casas tan prestigiosas como Christie’s y Sotheby’s, no debería ser interpretado como que determinadas obras documentales se han convertido en arte, sino que lo artístico es parte intrínseca de ese género y que por lo tanto no constituye un agregado destinado a jerarquizarlo.

El documentalismo es tan legítimo como cualquier otro género y, por lo tanto, no se encuentra en una escala por debajo del arte ni necesita ser calificado de esa forma para lograr el lugar que le corresponde entre las actividades humanas. Esto significa que no padece, de tales complejos, en el sentido de que para ser válido debería tener carácter artístico como si tal presunción lo colocara en el vértice de la pirámide de las realizaciones humanas.

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Gregory

Colbert

“Pienso en el trabajo de mi vida es como una celebración de toda la naturaleza, una orquesta que no reproduce los sonidos de un músico, la música de una especie, sino más bien una expresión de todas las canciones de la naturaleza.” || Colbert ||

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FOTOGRAFO

Gregory Colbert

Dejo que los animales lleguen a expresar su propia sensibilidad en sus propias voces.

Una conversación con un animal comienza observando los gestos y la lectura de las señales faciales. Es una conversación verbal. ¿No crees que un elefante Intenta sentir?

Gregory Colbert

Colbert cree que hay un deseo común de todas las especies de participar en una conversación universal. Él ve la naturaleza como el más grande narrador de todos ya sí mismo como un aprendiz de la naturaleza. Sus obras son colaboraciones entre los seres humanos y otros animales que expresan las sensibilidades poéticas comunes de todas las especies.

Los científicos pueden ayudar a entender el mundo de la naturaleza , dándonos el “cómo “. Colbert cree que es el papel de los artistas en todas las disciplinas creativas para tratar de inspirar una transformación “ por qué. “ Él ofrece una visión no jerárquica del mundo natural, que celebra el conjunto de la orquesta de la naturaleza. que convive junto a el.

Justo en el momento en que nos estamos quemando lo que queda de la biblioteca viviente de la naturaleza , Colbert está creando una biblioteca

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intangible de la maravilla del mundo natural que nos recuerda lo que se está perdiendo . Comenzó su proyecto de treinta años hace dos décadas y continúa trabajando con los animales de todos los continentes , lo que hace sus obras la más completa colaboración entre especies jamás creado.

Roger Payne , famoso por el descubrimiento del canto de las ballenas entre las ballenas jorobadas , dijo del trabajo de Colbert , las imágenes “ de Gregorio nos devuelven a la cordura de nuestra innegable inevitable, conexión inextricable con la naturaleza. Y lo hacen con la belleza, la gracia , la ligereza -de-ser , la fuerza . Sus imágenes , como el canto de las ballenas, son las últimas voces salvajes llaman a la conciencia de la humanidad civilizada terminales, nuestro último contacto con la naturaleza antes de sumergirse para siempre en nuestra propia fabricación y pierden para siempre los fragmentos finales de nuestro ser salvaje”.

Desde 1992 , Gregory Colbert ha lanzado expediciones en todos los continentes a colaborar con más de un centenar de especies animales y de las personas que comparten sus ambientes nativos.

Su proyecto lo ha llevado a lugares como la Antártida, la India , Egipto , Birmania , Tonga, Australia , Malasia, Sri Lanka, Namibia, Kenia, Tanzania, Tailandia, China, el Ártico, las Azores y Borneo. Los elefantes, ballenas, manatíes, ibis sagrados, grullas Antígona, águilas reales, halcones gyr, hornbills rinocerontes, guepardos, leopardos, perros salvajes africanos, caracals, babuinos, eland, suricatas, gibones, orangutanes, pingüinos, pandas, osos polares, leones, gigante del Pacífico manta rayas y cocodrilos de agua salada son algunos de los animales que él ha filmado y fotografiado . Colaboradores humanos incluyen San bosquimanos , Tsaatan , Lissu , Massai , Chong, Kazajstán águila cazadores y personas de otras tribus indígenas de todo el mundo.

Colbert explica: “Yo trato de crear un clima de confianza que se abre el camino para que las interacciones espontáneas con los animales. No

se puede trazar el curso de una ballena, dictar las andanzas de un guepardo , dirigirá los gestos de un orangután o coreografiar el vuelo de un águila.

Me paso mucho tiempo estudiando el comportamiento natural de los animales siendo consciente de sus personalidades individuales.

Creo que los aborígenes australianos exploraban los mismos encantos cuando pintaban animales , ya que no estaban interesados en el mero hecho de pintar los contornos de su cuerpo. También se centraron igualmente en la vida de ensueño interior del animal.

Las pinturas rupestres del San del desierto de Kalahari en África y en el arte de otras tribus indígenas de todo el mundo también demuestran su capacidad de mirar a los animales desde dentro hacia fuera. Eso es lo que me inspiró a empezar Ashes and Snow en 1992. Nuestra percepción de la naturaleza había sido humano -céntrica. Espero ver el mundo a través de los ojos de una ballena, un elefante, un manatí , un suricata , un guepardo , un águila , y he tratado de dejar las ventanas y las puertas abiertas para que otros puedan compartir el mismo asombro que sentí durante creación de cada trabajo .

“ Un elefante con la trompa levantada es una escalera a las estrellas. Una ballena de violación es una escalera a la parte inferior de la mar. Mis películas son una escalera de mis sueños “ .

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TRAYECTORIA

Gregory Colbert Fotógrafo y Cineasta / 46 años / Nacido en Toronto (Canadá) / Su carrera profesional comienza en París en 1983, donde realiza diversos documentales fotográficos sobre temas sociales / Su primera exhibición, ‘Timewaves’, se inauguró en 1992 en el Museo del Elíseo de Suiza / Desde 1992 ha realizado 34 expediciones a Birmania, Sri Lanka, Etiopía, Kenia, Namibia o la Antártida, entre otros destinos, para fotografiar las relaciones entre humanos y animales salvajes / Los 10 años de viajes han dado como resultado la exhibición ‘Ashes and Snow’, más de 100 fotografías de elefantes, ballenas, orangutanes, cocodrilos, jaguares, ibis y águilas posando junto a niños.

«Mi bestiario expresa no sólo el mundo a través de los ojos humanos, sino también de los de los animales» afirma Colbert.

Con un centenar de gigantescas imágenes impresas en sepia, el fotógrafo canadiense Gregory Colbert hace en la exhibición ‘Ashes and Snow’ un bellísimo paseo por algunas de las especies animales más salvajes y espectaculares del mundo. Un bestiario del siglo XXI donde elefantes asiáticos, cachalotes, antílopes, panteras, ibis o águilas, entre otros, se muestran en todo su esplendor, y que hasta el próximo mes de mayo se podrán contemplar en la ciudad estadounidense de Santa Mónica.

La exposición abrió por primera vez sus puertas en Venecia, en el año 2002. Las espléndidas fotografías de Colbert, junto con tres películas filmadas durante sus viajes, atrajeron a más de 100.000 visitantes. El éxito de público aumentó todavía más tres años después, cuando su trabajo ‘cruzó el

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charco’. En marzo de 2005, la muestra se inauguró en el puerto de Nueva York, en una instalación específicamente diseñada para alojar las enormes fotografías de Colbert (de entre un metro y medio y tres de alto), el Museo Nómada, que viajará junto a las imágenes por todo el mundo según vaya cambiando de sede la exposición. Ahora ha llegado a Santa Mónica, de donde saldrá en mayo para viajar a China y luego proseguir rumbo a Europa, con una escala prevista en España aunque todavía está sin cerrar.

En sus fotografías -todas ellas hechas sin ningún tipo de retoque digital-, Colbert ha elegido las especies ‘totémicas’, esas que tienen un cierto carácter simbólico y espiritual, ideal para mostrarlas junto a los niños más espirituales del mundo: budistas, monjes tibetanos, niños africanos... Un inusual ‘collage’ que llevó al autor en ocasiones días para tomar una sola instantánea. El canadiense, que no lleva reloj ni móvil ni utiliza jamás internet, asegura que elegir el momento de cada foto lleva días de visitas a la zona, para que los animales se acostumbren a su presencia y luego poder tomar las instantáneas sin peligro para los humanos.

Para conseguir las 100 imágenes que se muestran en ‘Ashes and Snow’ y los tres vídeos que acompañan la muestra, el fotógrafo ha invertido más de 10 años de su vida. Ha realizado una treintena de expediciones por lugares tan recónditos como Namibia, la Antártida, Tíbet, Nepal, Birmania o Kenia con el fin de encontrar el momento perfecto, ese que refleja a la perfección la interacción entre hombres y animales. Las imágenes de Colbert, que en el Museo Nómada aparecen colocadas encima de contenedores de barco reutilizables, muestran un mundo sin edificios, sin electricidad y donde animales y humanos son iguales y buenos hermanos. Sus imágenes se han convertido en unas de las más buscadas del mundo, con compradores dispuestos a pagar hasta 350.000 dólares por una sola de ellas.

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FOTOGRAFO

Gregory Colbert

“Lo que es importante para mi trabajo

es el cuadro individual. Fotografío historias sobre asignación, y claramente que tiene que ser puestas de forma coherente. Pero lo más importante es que cada imagen vale por sí misma, con su propio lugar y sentimiento “. || McCurry ||

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FOTOGRAFO Steve Macurry Ni単o en pleno Vuelo

FOTOGRAFO Steve Macurry La Ni単a Afgana

Steve McCurry, (24 de febrero de 1950) es un foto periodista y fotografo documental estadounidense, mundialmente conocido por ser el autor de la fotografía La niña afgana, aparecida en la revistaNational Geographic en 1985.

Su carrera de fotógrafo comenzó con la Guerra de Afganistán (1978-1992). También ha cubierto otros conflictos internacionales como la guerra entre Iraq e Irán o la Guerra del Golfo.

Ha sido una de las voces más emblemáticas de la fotografía contemporánea desde hace más de 30 años, con decenas de revistas y cubiertas para libros, más de una docena de libros, y un sinnúmero de exposiciones en todo el mundo en su haber.Nacido en un suburbio de Filadelfia, Pensilvania; McCurry estudió cine en la Universidad del Estado de Pensilvania, antes de pasar a trabajar para un periódico local.

Después de varios años de trabajo independiente, McCurry hizo su primero de lo que se convertiría en muchos viajes a la India. Viajar con poco más que una bolsa de ropa y otro de la película, hizo su camino en todo el subcontinente, explorando el país con su cámara.Fue después de varios meses de viaje que se encontraba cruzando la frontera hacia Pakistán. Allí, conoció a un grupo de refugiados de Afganistán , que lo introduce de contrabando por la frontera hacia su país , al igual que la invasión de Rusia estaba cerrando el país a todos los periodistas occidentales.

Emergentes en el vestido tradicional , con plena barba y características tiempo-gastado después de semanas integrados con los muyahidines , McCurry trajo al mundo las primeras imágenes del conflicto en Afganistán, poner un rostro humano a la cuestión en cada cabecera.Desde entonces, McCurry ha pasado a crear imágenes impresionantes de los seis continentes y numerosos países.

Su trabajo se extiende por los conflictos , las culturas que desaparecen , las tradiciones antiguas y la cultura contemporánea por igual - sin embargo, conserva siempre el elemento humano que hizo su célebre imagen de la muchacha afgana una imagen tan poderosa .McCurry ha sido reconocida con algunos de los premios más prestigiosos de la industria , incluyendo el Robert Capa Gold Medal , Premio Nacional de Fotógrafos de Prensa , y un récord de cuatro primera entrega de premios del concurso World Press Photo , por nombrar algunos .

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“En el retrato espero el momento en el que la persona se halla desprevenida, cuando afloran en su cara la esencia de su alma y de sus experiencias.... Si encuentro a la persona o el tema oportuno, en ocasiones regreso una, dos, o hasta media docena de veces, siempre esperando el instante justo. A diferencia del escritor, en mi trabajo, una vez que tengo hechas las maletas, ya no existe otra oportunidad para un nuevo esbozo.

O tengo la foto o no. Esto es lo que guía y obsesiona al fotógrafo profesional, el ahora o nunca. Para mí, los retratos de este libro transmiten un deseo de relación humana, un deseo tan fuerte que gente que sabe que no me volverá a ver nunca más se abre a la cámara, esperando que alguien lo observe al otro lado, alguien que ría o sufra con ella.” << McCurry (cita del libro de Editorial Phaidon) >>

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La fotografía icónica El factor humano en la fotografía de Steve McCurry

Si hay algo por lo que se destacan por encima de otro tipo de fotografías es que, independientemente de la dureza o no de las imágenes que nos muestra siempre Steve McCurry, existe un alto grado de empatía con el espectador. Son siempre imágenes que, por la mirada intensa de sus actores o por el contexto en las que las enmarca él, despiertan una profunda empatía con el espectador. Son cercanas a pesar de la situación y de la distancia. Es difícil definir esas fotos. Algunas se han convertido en iconos, como las imágenes por Dorothea Lange, Henri Cartier-Bresson y otros porque nos hablan de una manera muy directa.

Estas imágenes icónicas se puede describir con ciertas actitudes concretas que van directamente al corazón. Esta es la razón por la que nos golpean y no las olvidamos. Esas fotos son entendidas por todo el mundo porque hablan un lenguaje universal.

McCurry es capaz de sacar una sonrisa en situaciones tan complicadas como la de la guerra o la miseria, sacar un rayo de esperanza donde no lo hay y convertir al personaje que tenemos enfrente en alguien cercano (un vecino, un amigo). Hay quienes le acusan de repetir la misma foto en numerosas ocasiones, y para otros es admirable lograr causar esa misma sensación en miles de espectadores con miles de actores distintos. Tal vez ése es el secreto del fotoperiodismo puro. Contar la miseria humana de manera cercana, emotiva y directa al corazón de las personas. Sin disfrazarla de palabras u otros artefactos. Tan solo a través de su mirada.

Cambiar el mundo en un click.

Steve McCurry, retratos Perfeccionar el arte de la observación. Así describe Hermon Joyner, fotógrafo, escritor y amigo de McCurry, el trabajo de éste. A Steve McCurry le apasionan los viajes. Incluso antes de convertirse en fotógrafo, el deseo de ver y experimentar el mundo y toda su increíble diversidad de vida y cultura era tan fuerte en él que finalmente creó una vida para sí mismo que le llevase por todo el mundo. Para McCurry, la fotografía es más que un trabajo, es una manera de saborear el mundo y todo en él. La fotografía le ha dado una razón para la vida misma.

Los retratos de la calle son una de las especialidades de McCurry. La mayoría de los reporteros gráficos tienden a estar algo retirados de sus observados, pero McCurry ha perfeccionado el close-up más íntimo en fotografía documental.

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“La fotografía y los viajes en realidad van de la mano. Podría haber sido feliz fotografiando en casa pero tenía muchas ganas de viajar y ver el mundo. No hay nada más valioso que experimentar culturas diferentes y ver cómo diferentes personas viven y observan toda la increíble diversidad de la vida en este mundo. La vida humana, la vida animal, la naturaleza, los mares, los océanos, las montañas.

Para mí se trata de la forma más interesante a la que pueda dedicar uno su vida.”

Esa es su filosofía de vida. Una filosofía de vida que trata de aplicar siempre en todos sus trabajos. Baste un ejemplo reciente: aunque no suele prodigarse en temas comerciales, hace poco ha dirigido el conocido calendario Pirelli para el próximo año, del cual ya os hablamos a finales de noviembre.

Un auténtico placer, ver trabajar y escuchar al maestro en este vídeo.

Volvamos a sus comienzos. ¿Cuándo se produce el punto de inflexión en la trayectoria de Steve McCurry? Su carrera alcanzó un punto decisivo cuando, vestido con ropas tradicionales, cruzó la frontera pakistaní y entró en territorio afgano controlado por los rebeldes, justo antes de la invasión soviética.

Cuando salió, tenía rollos de película cosidos a su ropa con imágenes que darían la vuelta al mundo como las primeras que mostraron el conflicto.

Este trabajo le hizo ganar la medalla de oro de Robert Capa al mejor reportaje fotográfico del extranjero, premio dedicado a los fotógrafos que muestran un valor e iniciativa excepcionales.

Lo más importante es lo que cada imagen vale por sí misma, con su propio lugar y sentimiento.Poco tiempo más tarde llegó la fotografía que National Geographic publicó de la niña afgana Sharbat Gula cuyo rostro ha sido ampliamente difundido durante años por la ONG Amnistía Internacional y que encabeza este artículo.

Antes de seguir, hay gente que compara a Steve McCurry con James Nachtwey y viceversa. Ambos han cambiado las reglas de juego. A modo de curiosidad, ambos coincidieron sin saberlo en su día, durante el atentado del 11 de Septiembre en Nueva York y, entre las muchas instantáneas que sacaron ambos en su día se encuentra una toma que ambos prácticamente sacaron al tiempo y desde angulos muy similares.

Ambos han cambiado la visión del fotoperiodismo moderno al igual que Capa o Bresson en su día. Ambos han sido fotógrafos de guerra y a ambos les ha impactado personalmente las situaciones de miseria del mundo y su imágenes han dado la vuelta al mundo. Volviendo a McCurry, el día del atentado de las Torres Gemelas de Nueva York, se levantó a las 6 de la mañana como suele ser habitual sufriendo jet lag tras un largo viaje de

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unos días antes. Sobre el caos que vino después lo cuenta en su propia web. “Lo más irónico (si puede decirse así) es era que había cubierto guerras como la del Golfo Pérsico, Líbano, Afganistán, Filipinas y ahora podía tener esas particulares escenas subiendo del noveno al vigésimo piso de mi edificio de apartamentos. Me gusta controlar la luz, el ángulo y todos los factores que componen una fotografía. Trataba siempre de manejar todo al mismo tiempo. Y, a veces eso no es posible, como aprendí el 11-S” La obra de McCurry, también miembro de la agencia Magnum, ha sido recogida en las revistas más importantes del mundo, entre ellas National Geographic que ha publicado artículos recientes sobre el Tíbet, Afganistán, Iraq, Yemen y los Templos de Angkor Wat, en Camboya. Uno de sus últimos libros es ‘Steve McCurry: the Iconic Photographs’ de Phaidon Press rememora sus grandes fotografías de las últimas décadas.

Agencia Magnum La agencia Magnum Photos es una agencia internacional de fotografía, con oficinas en Nueva York, París, Londres y Tokio. Magnum fue fundada en 1947 por los reporteros de guerra Robert Capa, David Seymour “Chim”, Henri Cartier-Bresson, George Rodger y Bill Vandivert, además de Maria Eisner y Rita Vandivert, a la postre, primera presidenta. Cada uno de los fundadores puso un capital de 400 dólares, siendo dicha agencia una de las primeras cooperativas en el mundo de la fotografía. Por primera vez eran los propios fotógrafos los que tenían sus derechos, pues hasta entonces la empresa que compraba las fotografías las podía usar siempre que deseara sin pagar más a los fotógrafos.

Por otro lado Magnum fue una iniciativa que permitía a los fotógrafos una relativa independencia en la elección de los temas a documentar, su edición y su publicación, procesos que en la Agencia Magnum estaban en control de los autores y no de los medios de prensa, como sucedía con los fotógrafos contratados por diarios y revistas de la época.

La cooperativa Magnum posibilitó que los fotoperiodistas documentaran muchos de los hechos más importantes de la historia del siglo XX.Los archivos fotográficos de la Agencia Magnum incluyen fotografías de estilos de vida, familias, drogas, religiones, guerras, pobreza, hambruna, crímenes, gobiernos y famosos.

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Niño con pistola de juguete Vi a un niño con una pistola de juguete en la mano llorando en el lado de la carretera en un pueblo en una zona montañosa de Perú. Algunos de los otros niños que estaban jugando atormentaban y se burlaban de él. Me acerqué para ver si podía ayudar, pero el niño no era capaz de responder porque estaba muy molesto. Se alejó hacia su casa.

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Chica en el mantón verde Esta fotografía de una joven refugiada afgana fue tomada en Peshawar, Pakistán. Llegamos en coche a conocer a la maestra que había sido maestro de Sharbat Gula en la tienda hace tantos años.

Vimos una chica joven en la calle, que era también de unos 12 años de edad. Ella tenía una mirada que me pareció muy especial.

Fuimos a su barrio más tarde en el día después de enterarse de donde ella vivía. La fotografié en la calle. Íbamos por ahí con un equipo y una cámara de televisión y había un montón de gente en la calle hablando y gritando y empujándose para conseguir una mejor vista, pero hay un silencio y una tranquilidad a esa imagen.

La niña está mirando a usted, el espectador, y hay una empatía, hay una conexión, algún tipo de emoción.

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FOTOGRAFO Steve Macurry Kashmiri Hombre con Henna Barba

Steve Macurry Rabari anciano tribal

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Steve Macurry Minero de carb贸n fumando

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G.M.B Akash

“Hoy, me considero bendecido , habiéndome convertido en un fotógrafo.

Para ser capaz de articular las experiencias de los sin voz , para que dejan su identidad a la vanguardia, que da sentido y propósito a mi vida “ || Akash ||

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FOTOGRAFO G.M.B Akash

FOTOGRAFO

G.M.B Akash

Los niños se detuvieron durante un tiempo, cuando él estába bailando y lanzandosen polvo de color entre sí en la celebración del festival de Holi en Bangladesh.

Trayectoria Nacio en : 1977, habla Bangla , Inglés , Hindi , Urdu Como periodista multimedia , he viajado intensamente en 22 países y he recibido más de 70 premios internacionales y mi trabajo ha sido presentado en más de 80 importantes publicaciones internacionales, incluyendo : National Geographic, Vogue, Time, New York Times, el International Herald Tribune, Domingo Times, Newsweek , Geo , Stern , Der Spiegel , The Fader , marca Ein , The Guardian, Marie Claire , Colores , The Economist , The New Internationalist, Kontinente , Amnistía Journal, Courier International, PDN , Die Zeit , días Japón , Hola, y Sunday Telegraph de Londres.

En 2002 me convertí en el primero de Bangladesh para ser seleccionado para el World Press Photo Joop Swart Masterclass en los Países Bajos . En 2004 recibí el Premio Jóvenes Reporteros del Festival Scope Fotos en París - una vez más, el primero de Bangladesh en recibir este honor. En 2005 me concedieron “Best of Show” en el Centro de la competencia internacional de Fotografía artística en Colorado, EE.UU. .Y en 2006 me concedieron premios World Press Photo y solté mi libro premier “ primera luz” . En 2007 me convertí en el primero de Bangladesh para ser seleccionado para los 30 fotógrafos emergentes ( NEM 30 ), patrocinado por Photo District News Magazine, EE.UU. . Gané el séptimo Vevey Internacional de Fotografía Beca de Suiza en 2009 y en el mismo año , me llevé a casa el ‘ fotógrafo de viajes internacional del título del año “ en el Travel Fotógrafo Internacional de la competición del año ( TPOY 2009 ) en el Reino Unido , la mayor parte prestigioso premio en la fotografía de viajes .

Fui uno de los oradores en la Quinta Conferencia Mundial de Periodismo de Investigación , celebrado en Lillehammer , Noruega, en 2008, y así yo fui el primero en Bangladesh Ted hablar en TEDxOporto 2011 , en Portugal. Fui uno de los representante de la “ 7 º Foro de Líderes Emergentes en Asia Periodismo “ , Yogyakarta / Indonesia “. En 2011 . Nikon me ha seleccionado como una de las 8 personas influyentes en Asia-Pacífico ( región APAC).

En 2012 publique mi segundo libro ‘Supervivientes‘, que ha revisado por prestigiosa revista Geo , en todo el mundo.

Presenté mi trabajo como uno de los altavoces en la televisión holandesa en UNICEF Noche UNICEF de 2012 en Amsterdam. El orador principal en la conferencia “ El poder de las imágenes “ en Alemania, marzo de 2013. Uno de el orador principal en la conferencia trascendental de Medios Tendencias 2013 en la Universidad Webster de Ginebra.

G.M.B Akash

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“Para mí , la fotografía es mi lengua para acceder , para comunicarse, para identificar y sobre todo para que la injusticia y el sufrimiento de ser escuchado. A través de la fotografía sólo anoto idioma de mi corazón. La mejor parte de ser un fotógrafo es que soy capaz de articular las experiencias de los sin voz y de llevar sus identidades a la vanguardia que da sentido y propósito a mi propia vida.”

G.M.B Akash

FOTOGRAFO G.M.B Akash

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Entrevista A G.M.B AKASH

¿Dónde fue entrenado como fotógrafo? ¿Y por qué, el fotoperiodismo? ¿Por qué no la publicidad o los viajes?

Mi pasión por la fotografía comenzó en 1996 . Asistí al seminario de World Press Photo en Dhaka desde hace 3 años y me gradué con una licenciatura en Fotoperiodismo de Pathshala . Yo creo que el estudio formal de la fotografía es necesario para sobrevivir en la industria hoy en día. Pero lo más importante es que ser muy apasionado y dedicado .El estudio formal me ayudó mucho, pero la mayoría de las veces he aprendido de otros fotógrafos.

He aprendido de pintura, canciones y películas también. Todos los días voy a través de la obra de otros fotógrafos y aprendo de ellos. He aprendido de muchos fotógrafos. LaFotografía me empujó a ir a lugares y conocer gente que nunca habría encontrado de otra forma . Cada visita me dio un entendimiento más profundo de la humanidad. Hoy en día, me considero bendecido , habiéndose convertido en un fotógrafo. Para ser capaz de articular las experiencias de los sin voz , para que su identidad a la vanguardia, que da sentido y propósito a mi propia vida.En 1998 , vi una exposición fotográfica sobre las víctimas del SIDA , titulado ‘ Positive Lives ‘ en la galería en Dhaka Y se dio cuenta por primera vez cómo las imágenes pueden influir en la percepción social. Mi primera reacción al ver la exposición fue una subversión completa de mi percepción inicial de los pacientes con SIDA .

Me llamó la atención cómo están alienados pacientes con SIDA y despreciados por nosotros a causa de ideas sociales erróneas , y me di cuenta de lo que como fotógrafo podría ayudar a disipar esos malentendidos . Descubrí el poder que las imágenes tienen sobre nosotros .Para mí, el fotoperiodismo es una gran responsabilidad y un trabajo duro. Un reportero gráfico debe ser honesto , trabajador, puntual, y él o ella debe respetar a los demás .Creo que la fotografía puede traer muchos cambios en nuestra vida. Se puede traer cambios positivos . En mi caso, “ Mis imágenes son mi voz , quiero mostrar las cosas que deben ser corregidos o deberían ser apreciadas “. ¿Qué impulsa a hacer imágenes? ¿Usted lo ve como un trabajo o como un llamamiento?

Lo que me parece más sorprendente de la obra que hago es que abre los ojos a todos estos pequeños placeres de la vida. Hay un gran placer en conocer gente que están despreciados por el mundo, en compartir una taza de té con ellos y descubrir que todavía son capaces de afecto, aunque ellos mismos van sin amor.

Esto no es un trabajo sobre cómo hacer dinero o tener éxito, se trata de perseguir el arte, y la apertura de los ojos de la gente. Esa es la responsabilidad de cada fotógrafo.

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¿Cómo se toma en los proyectos? ¿Son autofinanciados?

La mayoría de mis proyectos son autofinanciados. Sigo ahorrando mi dinero de otras asignaciones que seguir haciendo mis proyectos personales. No me gusta usar mi cámara para la mendicidad. Cada uno de mis proyectos suele durar más de un año o incluso dos, y empiezo a usar mi cámara sólo cuando he ganado la confianza de las personas cuyas vidas quiero documentar.

Para dar vida a una comunidad o una forma de vida, primero hay que entender bien a sí mismo, de lo contrario las imágenes se vuelven superficiales, y ni usted, ni los que miran las fotografías, serán tocadas o movidas.

De hecho, dejé pasar años en visitas regulares a una pequeña comunidad de travestis en Dhaka, antes de finalmente comencé a tomar sus fotos. Me gusta mezclarse con mis temas, los visito a menudo, y los invito a mi casa, para conseguir que a través de ese yo los veo como personas en lugar de ellos meros temas de la fotografía. ¿Hay una gran susceptibilidad a las personas en sus imágenes ? ¿Cómo cultivas ? ¿Cómo se aborda la gente cuando usted está haciendo historias?

Con cada foto que toma, usted entra en un espacio que es desconocido para usted como fotógrafo. Al principio se siente como un territorio prohibido , un lugar que no se supone que introducir rodeado de las fronteras de la intimidad que no se supone que cruzar. Usted, el fotógrafo, está allí en una fábrica , una vieja casa o un burdel con su bolso negro simple que cuelga de su hombro , mirando todo a su alrededor a medida que son vistas por la gente de allí . Los primeros días después de estas intrusiones nunca me toman fotos, porque no sería bueno. Yo no sé la gente que conocí , no entendería el lugar Acababa de entrar - mi fotografía sería rancio y sin sentido. Pero siempre hay ese momento cuando se siente completamente natural para abrir la bolsa . Y también que no hay forma de saber qué se trata . De repente , tengo una conversación amistosa , o la luz de la tarde hace que todos a mi alrededor relajado y suave , o alguien me mira de una manera y sin embargo familiar de confianza.

Entonces tomo mi cámara , y para mí y todo el mundo alrededor de mí es la cosa más natural del mundo . Existe consentimiento. La gente no me acusan o me rechazan o presentan en formas anormales . Ellos están ahí, haciendo lo que hacen normalmente . Entonces haga clic de distancia, y se siente como una conversación, una conversación entre yo y el pueblo, entre yo y la ubicación, entre el yo y la luz, entre yo y las personas que hacen de este lugar con vida. En estos momentos un paisaje se convierte en un Soulscape. Después de esos momentos , la vida donde estoy trabajando hace trivial de nuevo, y el siguiente día todo el mundo se pregunta por sus fotografías , y no hay ninguna diferencia si las personas son chicas de un burdel , los niños que trabajan en una fábrica o los agricultores de las zonas rurales .

Pero estos pequeños intercambios nos acercan el uno al otro , y los vínculos que nos unen, que comenzó con una pequeña charla y la conversación y continuaron con las primeras fotos que tomé, comenzarán a ser

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más profundo y significativo, y así serán las fotos que tome.Y cuanto más me acerco a ellos y el más profundo de nuestra amistad se convierte, más simple mi fotografía pone.

Ya no estoy en busca de ángulos especiales o puntos de vista artísticos, yo sólo abro a esta gente, tener una buena mirada, marco y esperar el momento adecuado. Es mi deber como fotógrafo y artista de señalar con mis cuadros en todos los aspectos de la existencia en la sociedad y el mundo en que vivo, para mostrar lo que se puede demostrar, para profundizar en todos los ámbitos y también en todos los aspectos de la pobreza , privaciones y dificultades que me encuentro debido a que el único pecado para un fotógrafo es volver la cabeza y mirar hacia otro lado .

FOTOGRAFO G.M.B Akash

Los niños que trabajan en las reparaciones de automóviles cubiertos de petróleo. El campo de refugiados de Ginebra, en Dhaka es uno de los mayores asentamientos de vivienda a miles de Biharis varados en Bangladesh. Es el mayor asentamiento-ghetto como para la minoría de habla urdu en la nación de habla bengalí de Bangladesh.

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FOTOGRAFO G.M.B Akash

Un retrato de un niño en el campamento. El campo de refugiados de Ginebra, en Dhaka es uno de los mayores asentamientos de vivienda a miles de Biharis varados en Bangladesh. Es el mayor asentamiento-ghetto como para la minoría de habla urdu en la nación de habla bengalí de Bangladesh.

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Todo comienzo es bueno, s贸lo se debe tener la certeza de que tendra buen final. || Alfonso Neisa ||

Jeisson Camilo Sabogal B.