Intrascendente

INTRASCENDENTE Un objetivo ideal del arte es trascender. Esa búsqueda por trascender, perdurar, movilizar, se ha manifestado repetidamente desde la óptica de las vanguardias impulsadas por la praxis vital, hasta la epítome comercial del arte contemporáneo. Fue la autoconsciencia de esta fijación- como impulso de liberación frente a la permanencia del objeto, que dio a revoluciones con la performance, o el arte efímero. Y sin embargo, el mercado se expandió para comercializarlo todo de igual manera. El arte es una mercancía, que reverberando sus formas y conceptos, intenta desesperadamente librarse de sí misma inútilmente. En ese sentido, el arte es forzado a trascender; incluso su negación a este sistema resulta glamorizado y musealizado. Se recogen los restos de una acción para fetichizarlos, se invierte en su restauración para asegurar su existencia y así, seguir siendo depositario de cultura, valor, y admiración. Este operar parece inamovible, y a su vez, también sería ilusorio negar románticamente la importancia de la trascendencia de piezas históricas, emblemas culturales o revolucionarias.

En todo caso, quedarían dos cosas por reconocer: La primera, es que la trascendencia forzada aún no ha sido superada. Esto tal vez jamás se logre por completo y no es prescriptivo para la producción actual- pero perder este horizonte implica una rendición en la narrativa histórica que abandonaría al arte frente a todas las fuerzas menos la propia. Implica un arresto formal, y la erosión del elemento desestabilizador al cual el arte constantemente aspira. Por otra parte, también es posible que las estructuras del arte sigan expandiéndose para dotar de trascendencia a lo intrascendente, y que cuestionarnos alrededor de esto sólo agudiza las contradicciones existentes alrededor de la producción artística revelando, nuevamente, su naturaleza inherentemente mercantil.

Pensar en lo intrascendente del arte resulta tanto político como solipsista. Es una contradicción caprichosa y frustrada, cuya formulación está atravesada por las contribuciones de grandes pensadores y teóricos como Lukács, Benjamin, Danto y Adorno. ¿Podría la intrascendencia, la cual cínicamente desnuda al arte para que sea observada en su totalidad, convertirse en una chispa que con el tiempo, despierte nuevos paradigmas? ¿O bien podría seguir construyéndose banalmente, siendo este reconocimiento sólo un eslabón más que lleve al arte a su determinismo inevitable? Sosteniéndose en un límite extraño, aspirar por la intrascendencia es enfrentarse a la realidad de la producción artística, a su utilidad.

Esto no significa oponerse al impacto del arte, o a su función comunicativa y expresiva. Por lo contrario, se busca explorar nuevas formas de relacionarnos con el objeto artístico. Idealmente, esto se vería como la posibilidad de establecer una relación mediada que alza al objeto artístico de una cosa, a un universo propio.

Implica una rendición del poder que se tiene sobre el objeto, el cual pide no ser manipulado, aplastado por el deseo humano. Bien sea por el deleite estético, o el incentivo económico, dar paso atrás con una relación de subyugación. Es así que este proyecto busca avanzar estos cuestionamientos desde tres aristas centrales, esencialmente, aquellas que parecen obstaculizar (o que tienen el potencial de lograrlo) los sistemas del arte construidos alrededor de la utilidad del objeto artístico. La capacidad de extraer valores ajenos al objeto en sí, por lo que ponemos en crisis la autoría, la temporalidad, o la aprehensión misma de la piezapor ejemplo, con su materialidad. Como la intrascendencia misma, la perturbación de estos elementos ha sido tratada extensamente en la historia del arte, es nuestro objetivo aterrizar estas problemáticas en la actualidad, así como evidenciar la vigencia histórica de estas interrogantes.

DESCRIPCIÒN Con los lineamientos planteados, encontramos tres formas para materializar las piezas en torno a sus objetivos concretos.

Parte de la muestra busca explorar la intrascendencia del objeto artístico. El quiebre que propone en la producción, distribución y consumo del arte. Así también, herramientas como la simulación autónoma y el desarrollo de videojuegos, big-data, y recursos de telepresencia. También buscamos ahondar en la inmaterialidad misma, a través de formatos no-convencionales El diálogo con la tecnología. En piezas que también emplearán instrumentos robóticos y de programación. Por otra parte, el proyecto no plantea una aproximación restringida -y anticipada, o futurista- a la tecnología y la manufactura, sino abarca también la posibilidad de pensar en la fabricación del arte como un producto comercial que responde a una industrialización oculta. Esto implica considerar su obsolescencia inevitable- de la misma forma en la que las tecnologías (como los celulares) se sustituyen constantemente. De esta manera, la última descripción de las piezas a presentar gira en torno a la revelación de estos postulados.

De esta forma, las piezas proponen un recorrido histórico para la producción artística- incorporando una serie de procesos que abarcan desde las vanguardias con el montaje, hasta su evolución actual que se encuentra en las herramientas digitales. También se propone una diversidad de medios y soportes.

Inauguración: 01 de junio del 2018

OBJETIVOS La muestra pretende evidenciar el hilo divisorio entre lo que podemos captar en los lenguajes estéticos y los espectadores. Pretendiendo abordar al espectador hacia un cuestionamiento del arte mismo y de quienes son los que lo gestan, avalan y/ institucionalizan. Es entonces que se trata de piezas interactivas -liberando al espectador de su estado contemplativo-. Como así también sensibilizarlo o simplemente abordarlo hacia la manufactura de su propia preconcepción del arte. Siendo dicha dinámica un mecanismo que pretende poner en jaque el “Don artístico”. Así como también ir en búsqueda de otro ideal, consensuado a partir de la respuesta al estímulo en el espectador. Midiendo de tal forma la trascendencia, relevancia o irrelevancia de lo exhibido. Así también pudiendo generar un punto de quiebre entre aquello que es exhibible como verdad dentro del espacio que alberga dicha consigna.

Concretamente, hay 3 objetivos que se interrelacionan: - Evidenciar las contradicciones de la producción artística actual, como un planteamiento dialéctico sobre la función y utilidad del arte.

- Relacionar la búsqueda de la intrascendencia, con una búsqueda por nuevas formas de relacionarse con el objeto artístico y su producción misma.

- Cuestionar los intereses detrás de la trascendencia forzada del arte, y los límites comunicativos que impone.

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DE OBRAS RELACIÓN

DE OBRAS

RELACIÓN

RITUAL La pieza consiste en un casco electroencefalográfico portátil el cual es capaz de detectar ondas cerebrales y utilizarlas para animar paisajes interactivos. Dichas composiciones paisajísticas son de carácter único y generadas a partir del escaneo del estado mental en el que el usuario se encuentre. La pieza actúa como un interface intentando democratizar el potencial creador del artista, desestimando al genio artístico y tratando de apuntar metafóricamente hacia un estado de creación completamente libre- posible en la revolución virtual.

Por otra parte, es de considerarse la existencia de un rol hegemónico ejercido sobre la audiencia. Ya que ésta no es creadora ni cumple con la función de representar su propia realidad, sino que libremente regala información para poder ser procesada. Delegándosele un rol ilusorio determinado por la figura del artista, ahora camuflado. Es entonces que se propone en la pieza, evidenciar la deconstrucción de los conceptos de autoría, reproductibilidad, creación y demás elementos constitutivos al arte.

DESNUDAR La cámara de niebla es un objeto de observación científica usado para visualizar partículas subatómicas, las cuales dibujan su silueta al transitar el espacio. De forma interactiva, una interfaz en realidad aumentada disponible para la audiencia permite sobreimprimir la fachada de museos icónicos para la historia del arte contemporáneo en la cámara, dejando a la actividad ocurrir en su interior.

En un primer nivel, la pieza lleva a un absurdo formal la lógica de la inmaterialidad. La pieza tan solo crea las condiciones para observar la matriz invisible del espacio que nos rodea, incorporando incluso una muestra de uraninita que está en degradación permanente. La pieza deconstruye la materia visualmente.

Así, se termina por revelar la mecánica institucional que transforma al espacio de exhibición, en las palabras de Brian O´Doherty, en un mecanismo transicional que intenta anular o hacer tabula rasa del pasado, y al mismo tiempo controlar al futuro invocando modos trascendentales de presencia y poder. Los elementos dentro de él son transitorios y fugaces- pudiendo aparecer únicamente en el contexto que propicia. En él, lo que importa no es tanto la obra sino el espacio: una urna prístina que, más que cualquier imagen, podría ser la representación arquetípica del arte en la actualidad.

TE DEJO HACER ARTE, SE ARTISTA... PIZARRA MÁGICA La pieza constantemente pone en dicotomía al genio artístico. Teniendo así la posibilidad de replicar mediante un instructivo una imagen. Es así que a través de una mecánica inteligible. El artista permite un consenso con su obra a través de una plataforma en donde ofrece al usuario una experiencia símil a la vivida por el mismo. Dicha interacción análoga con la obra, permite al usuario entender que es capaz de reproducir fielmente lo que es reproducido por el artista sin necesariamente tener un don atribuido. Poniendo así al usuario en el rol de realizador y por tanto en el papel del artista.

Te dejo hacer arte… se trata de un ofrecimiento palíndromo. Ya que el artista ofrece la tentación del poder convertirte en él mismo. Auto adjudicando en él un rol intrascendente. Sin embargo impone a través de su “condición atribuida”, instrucciones para realizar la experiencia según su propio juicio. Consumando y generando un cuestionamiento en el usuario acerca de la idea misma de institucionalización y el juego de roles que existe a través de quienes hacen, producen, gestionan, y validan arte.

KOONS MACHINE La pieza se trata de una máquina con un brazo robótico. El cual es posible de manejar a través de un joystick (palanca de mando) cuya función es levantar piezas que se encuentran en el interior de una vitrina. Dicho dispositivo funciona insertando una moneda en la ranura visible en la parte inferior. Generando así que la máquina se active y sea posible iniciar el juego.

El juego consiste en sujetar los elementos disponibles en la vitrina a través del brazo robótico, valiéndose de las habilidades del usuario. Para luego ser llevadas a un depositario. Si el usuario es capaz de sujetar el objeto y llevarlo a dicho contenedor, éste gana.

Koons Machine. Revela entonces una suerte de juego de azahar en donde se es posible ganar gracias a la habilidad adquirida por el usuario. Las piezas a escogerse como premio se tratan de réplicas de la obra “balloon dog de Jeff Koons. Una de las obras más emblemáticas del arte contemporáneo. Dicha obra, Según Koons: revela en su discurso una suerte de reminiscencia a la idea de celebración inmortalizada. En donde lo optimista y lo festivo de la vida se convierte en arquetípico y cotidiano.

La obra exhibida entonces juega con el concepto de ilusión del usuario, quien es capaz de adquirir mercancía gracias a una mínima inversión. Pudiendo adquirir aquello inmortalizado y trascendente, único e invaluable… Arte por cincuenta centavos

GLOTONES La pieza consiste en el registro de una acción realizada el día de la inauguración.

Se trata una competencia realizada por 2 participantes elegidos al azahar los cuales son retados a comer 4 pasteles en el menor tiempo posible. Las representaciones a consumir, vendrían a ser réplicas de obras de artistas contemporáneos relevantes: Banksy, Takashi Murakami, Andy Warhol, Damien Hirst. Es entonces que la pieza gira en torno a la idea del consumo. Y los cuestionamientos que surgen con respecto a la vorágine del mercado del arte. El impulso a la obtención de arte como mercancía, su banalidad e intrascendencia incisa en dicho mercado.

Así también como la puesta en juicio respecto a su valor atribuido como arte.

CUCARACHAS KITSCH La instalación presenta una torre de acrílico con varios niveles, la cual sirve de escenario para un juego interactivo en el que, vía biohacking, cucarachas cyborg son guiadas por el usuario por intermedio de tablets. Intentando superar los obstáculos presentes como un juego de arcade físico. A su vez, contenedores con cientos de cucarachas rodean al objeto. La pieza viene acompañada del registro presente, que ilustra tanto el proceso quirúrgico en los insectos, como el funcionamiento de la pieza.

De forma concisa, se intenta representar la realidad inescapable del artista, evidenciando la libertad ilusoria de su labor- manejado por fuerzas institucionales, mercantiles y políticas. La obra perfora el axioma propio de la voluntad; la cucaracha está siendo manipulada para responder a estímulos falsos, cambiando su dirección por instinto propio. Terminamos por reconocer que el artista cumple una función contradictoria; a pesar de cumplir un rol hegemónico, el poder que tiene no es propio, sin control sobre su obra o sus significados.

El artista es una cucaracha, porque al igual que una, su figura parece incapaz de morir. Los múltiples intentos por exterminarlo han fallado con su respectiva musealización. Las repetidas biopsias al cuerpo de conceptos que lo sostienen, han sido igualmente inefectivas. El proceso de creación artístico termina siendo un resultado casi determinista, producto de la mediación entre intereses y fuerzas estructurales, un espectáculo extraño del cual todos somos participes.

ESPACIO DE EXHIBICIÓN El Centro Cultural Ccori Wasi es un espacio de encuentro de actividades de investigación, difusión y discusión del conocimiento científico y humanístico, de exposición de obras de arte, de arquitectura y, en general, de las más importantes expresiones de nuestra cultura y de la cultura universal; es un lugar que acoge la producción académica de la propia Universidad Ricardo Palma, así como de otras instituciones, tanto públicas como privada Este Centro Cultural, perteneciente a la Universidad Ricardo Palma, se encuentra ubicado en un lugar céntrico del distrito de Miraflores: la avenida Arequipa, a una cuadra del óvalo. Y recibe vísitas diarias ( Lunes-Domingo 9am-8pm)

BENEFICIOS - Logotipo en tiraje de Catálogos de difusión en Sala de exhibición.

- Mención como auspiciador principal de la muestra en prensa - Tener la oportunidad de figurar como patrocinador del arte y la cultura teniendo la posibilidad de visibilizarse. con mención en el sector artistico local, del mismo modo que Hochschild en galería Revolver.

- Oportunidad de relacionarse con el público objetivo cultural.

INVERSIÓN $ 3, 500

LInks CASA PAUSA http://www.casapausa.com/ https://www.youtube.com/watch?v=PJQ2Z1f_JrU PASA CAUSA https://www.youtube.com/watch?v=bHw-gibvwGg https://www.youtube.com/watch?v=H6n_-tzOQwE https://vimeo.com/116264821 ANDRES ENNEN https://elcomercio.pe/arte-en-el-comercio/artes-plasticas/andres-ennen-guia-manufactura-primera-individual-191682 https://issuu.com/aennen/docs/portafolio_andr__s_ennen_manufactur