Andrey Quintana - CdeCuba Art Books by CdeCuba Art Books

ANDREY QUINTANA SELECCIÃ&#x201C;N DE OBRAS 2008 - 2018

EDICIÓN: CdeCuba Art Books DISEÑO Y MAQUETACIÓN: Camila Orozco ASESORAMIENTO: Ximo Sánchez FOTOGRAFÍA: Cortesía del Artista TRATAMIENTO DE IMÁGENES: Camila Orozco TEXTOS: José A. Vincench Shirley Moreira Daniel G. Alfonso TRADUCCIÓN: Olimpia Sigarroa IMPRESIÓN: LaImprenta CG. Valencia, España © en la edición: Andrey Quintana, 2019 © en los textos, fotografías y traducciones: de los autores, 2019

YOUR TURN YOUR TURN Detener, cambiar o continuar; podrían ser algunas interrogantes conceptuales en la emergente producción artística de Andrey Quintana Lamas. Para la muestra personal Pause desarrolla toda una serie basada en las orientaciones y señalizaciones de los medios de grabación y reproducción, metafóricamente nos provoca a elegir Rewind or Forward (una obra dentro de una serie). Por la suerte de experimentación visual que acciona e interviene en su realización, gran parte de su pensamiento y obra es a considerar el hecho artístico como proceso de búsqueda. El artista acude desprejuiciadamente a diferentes caminos formales sobre una misma idea, pero con un concepto común: lo existencial, el punto final de selección, la encrucijada, llega en la distancia crítica, pensando en lecturas cercanas a la escuela conceptual. Me atrevo a asegurar que sus ideas están motivadas y más cerca de un refrán popular y un placer por la forma. In Out lleva la misma suerte de serie, por si misma es otra muestra personal a desarrollar. Para esta obra invita a colaborar a jóvenes arquitectos y diseñadores, a los cuales les pide sugieran nuevos espacios arquitectónicos a partir de uno existente, creando otras arquitecturas de tendencia futurista o experimental para construirnos metáforas de entrada o salida, a partir de un simbólico túnel (documento fotográfico alegórico).

To stop, change or continue could be some conceptual questions in the emerging artistic production of Andrey Quintana Lamas. For the personal show Pause he develops a whole series based on the orientations and signaling of the recording and reproduction media, metaphorically provoking us to choose Rewind or Forward (a work in a series). Due to the sort of visual experimentation that triggers and participates in its realization, a great part of his thought and work is to consider the artistic act as a search process. The artist appeals unprejudiced to different formal paths on the same idea, but with a common concept: the existential, the final point of selection, the crossroads; he arrives at the critical distance, thinking about readings close to the conceptual school. I dare to assure that his ideas are motivated by and closer to a popular saying and a pleasure in the form. In Out appears to be the same sort of series; in itself it is another personal showcase to develop. He invites young architects and designers to collaborate in this work, asking them to suggest new architectural spaces based on one existing already, creating other futuristic or experimental architectures to build metaphors for entry or exit from a symbolic tunnel (allegorical photographic document). Pause stops to think about the individual and time, his immobilization by free or non-choice. 5

Pause se detiene a pensar en el individuo y el tiempo, su inmovilización por libre o no elección. El autor realiza la filmación y documentación fotográfica de la ciudad y su gente por un tiempo previo, se concentra en el tiempo que se va o se pierde por voluntad o no, habla de lo trascendental y lo intrascendental para algunos en la vida, este interés a detenerse, mirar, documentar y reflexionar artísticamente sobre lo casual, ordinario, accidental, resulta uno de los síntomas más interesante en su reciente obra. Con la obra Untiled, Andrey podría realizar otra suerte de muestra personal por la instalativa puesta en escena, accionando sobre el espectador sensaciones múltiples solo a partir de la escala que desarrolla la obra en el espacio. Elige el silencio a los enunciados narrativos del suplemento verbal usado con anterioridad. En esta ocasión opta por posibles subtítulos o temas que subyacen, me atrevo a interpretarlo de esta manera; el comentario literario de la circunstancia del agua por todas partes, la sensación de marea baja o alta y la permanencia de la isla. El prefiere las metáforas múltiples, las que se pueden sugerir por si solas (una imagen y realización visualmente atractiva).

The author creates the filmed and photographic documentation of the city and its people in a past time, focuses on the time that goes away or is lost, willfully or not; speaks of the transcendental and the non-transcendental for some in life; this interest to stop, look, document, and reflect artistically what is casual, ordinary, accidental is one of the most interesting aspects of his recent work. With the work Untitled, Andrey could perform another kind of personal show with the installation on stage, triggering multiple sensations on the viewer only from the scale that develops the work in space. He chooses silence to the narrative statements of the verbal supplement used previously. On this occasion he opts for possible subtitles or underlying themes, I dare to interpret him in this way; the literary commentary of the circumstance of water everywhere, the sensation of low or high tide and the permanence of the island. He prefers multiple metaphors, those that can be suggested all by themselves (a visually attractive image and performance).

J. A. VINCENCH 6

In-Out, 2008 Instalaciรณn Dimensiones variables

In-Out (proyecto), 2008 Dibujo sobre cartulina 50 x 65 cm (20 x 26 in) - Cada pieza

Untitled, 2008 Instalaciรณn Fotogrรกfica Dimensiones variables

Pause, 2008 Instalaciรณn

Rewind or Forward, 2009 Instalaciรณn Escobas, sangre, petrรณleo y asfalto sobre lienzo

Rewind or Forward, 2008 FotografĂa Digital 40 x 50 cm (16 x 20 in)

La añoranza de Julita, 2009 Fotografía Digital 70 x 90 cm (28 x 35 in)

Sin tĂtulo, 2009 Conjunto FotogrĂĄfico 40 x 50 cm (16 x 20 in) - Cada pieza

New Square, 2009 Maqueta

Un estudio polĂtico con Rob Scholte, 2010 Ă&#x201C;leo sobre lienzo 132 x 132 cm (52 x 52 in)

SERIE EL COLGADO

El colgado, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 136 x 118 cm (53 x 46 in)

PINTOR DE REALIDADES PAINTER OF REALITIES Entre las funciones atribuidas al arte se encuentra la de actuar como medio canalizador de inquietudes y deseos. La pintura es a veces una voz que se levanta para promover un alboroto comedido de ideas, llegando incluso a intentar transformar ciertas realidades. Sin embargo, cuando dichas circunstancias superan las posibilidades tangibles de acción del arte, el creador no se amedrenta. Y es que más allá de su incesante voluntad de cambiar el mundo, sabe que su labor primordial radica en incidir directamente sobre el plano inmaterial y apelar a la sensibilidad de los sujetos sociales. Una de las premisas de Andrey Quintana durante el momento en el que se dispone a llenar de vida un lienzo en blanco, es que la sensibilidad y la convicción plena pueden hacer posibles los cambios. Por ello sus líneas discursivas se enrumban por caminos de análisis críticos que buscan establecer un diálogo íntimo y directo con el receptor, incitándolo a subvertir patrones de pensamientos vetustos y preestablecidos. El rebaño (2013-2014) es una de las primeras series en las que el artista comienza a canalizar determinadas ideas, a experimentar sobre los medios técnicos y expresivos más eficaces para articular historias. Un grupo de 24

Among the functions attributed to art is that of acting as a means of channeling concerns and desires. Sometimes painting is a voice that rises to promote a demure riot of ideas, even trying to transform certain realities. However, when these circumstances exceed the tangible action possibilities of art, the creator is not intimidated. And it is because beyond his unceasing will to change the world, he knows that his main work lies in directly influencing the immaterial plane and appealing to the sensibility of the social actors. One of Andrey Quintana’s premises when preparing to grant life to a blank canvas is that sensibility and full conviction can make changes possible. That is why his discourse follows the path of critical analyses that seek to establish an intimate and direct dialogue with the receiver, encouraging him to subvert patterns of ancient and pre-established thoughts. El rebaño (The Herd) (2013-2014) is one of the first series in which the artist begins to channel certain ideas and to try to articulate stories with the most effective technical and expressive media. A group of colorful, wandering sheep, all submerged in the flock, becomes the central theme of this painting series. Andrey removes them from their context by placing them on colored planes. From the animal world he is only

ovejas coloridas que vagan sin rumbo, sumidas todas en la masa del rebaño, se convierten en el eje temático de esta serie pictórica. Andrey las descontextualiza al situarlas sobre planos de colores. Del medio zoomorfo solo le interesa el carácter dócil de este animal en pos de transmutarlo luego en metonimia de un universo mayor de significados. En ocasiones una o varias ovejas se tornan relevantes dentro del grupo porque inducen a un cambio, aunque la mayor parte de las veces impera el letargo de vagar sin rumbo y sin espacio para las decisiones propias. Así, las imágenes discursan sobre la manera de actuar de determinados sectores dentro de la sociedad, sobre ciertas formas de pensamiento que a veces son necesarias remover o arrancar desde las raíces. Con El viejo muro (2013) el artista explorará otra vertiente expresiva dentro de la pintura, donde la síntesis visual juega un rol protagónico. Un imponente muro rojo se extiende por todo el lienzo. Sobre este recrea pequeños personajes que levitan y que, sobrecogidos en su individualidad, intentan discursar sobre historias particulares. Una estructura, una palabra, una utopía que toca de cerca la sensibilidad del artista al evocarle ciertos pasajes de una historia nacional que condicionó una parte de su vida (y la de muchos). El muro es aquí

interested in the docile nature of this animal in order to transmute it afterwards into metonymy of a larger universe of meanings. Sometimes one or several sheep become relevant within the group because they induce a change, although the lethargy of wandering aimlessly and without space for the own decisions reigns most of the time. Thus, the images deal with the way in which certain sectors act within society, about certain forms of thought that are sometimes necessary to remove or tear from the roots. In El viejo muro (The Old Wall) (2013) the artist explored another form of expression in painting, where the visual synthesis plays a leading role. An imposing red wall extends throughout the canvas. Small, levitating characters recreated on it, overwhelmed in their individuality, try to discourse on particular stories. A structure, a word, a utopia that closely touches the artist’s sensibility when it brings back to his memory certain passages of a national history that conditioned a part of his life (and of the life of many). The wall here is a metaphor of border, limit, exclusion and insurmountable environment, but also a perishable space liable to deterioration on which too many memories are present. Andrey continuously experiments with formal solutions and diverse themes. He quickly transfers 25

metáfora de frontera, límite, exclusión y medio infranqueable, pero también espacio perecedero y susceptible al deterioro sobre el que pesan demasiados recuerdos. Andrey experimenta continuamente con soluciones formales y temáticas diversas. Las inquietudes artísticas y sociales que siente las traduce rápidamente sobre el lienzo. De ahí que en un breve espacio de tiempo podamos asistir a la génesis de diversas series que, si bien mantienen una individualidad discursiva definida, establecen numerosas conexiones unas con otras. “Un día, por casualidad, hojeando una revista encontré una imagen que reflejaba una escena en la que un gran número de personas despedía a los soldados que marchaban a la guerra. Se percibía mucha alegría, globos de colores, confeti y cintas brillantes: una gran fiesta. Este hecho me resultó extremadamente irónico. ¿Cómo se puede hacer una celebración de la guerra?” Así narra el artista la experiencia que lo llevaría a apostar por un nuevo universo temático y visual a través de la pintura. En Exacerbación (2013) mezcla imágenes de confeti y globos multicolores con armas y aviones militares. La ironía y el contrasentido comienzan a ocupar un espacio esencial dentro de su producción. 26

to the canvas the artistic and social concerns he feels. Hence, in a brief period of time we can witness the genesis of various series that, while maintaining a defined discursive individuality, establish numerous connections with each other. “One day, by chance, paging a magazine I found an image in which a large number of people were saying good-bye to soldiers who were marching to the war. There was much joy, balloons, confetti and bright ribbons: a great party. This fact appeared extremely ironic to me. How can one celebrate war?” The artist thus narrates the experience that was to make him choose a new thematic and visual universe through painting. In Exacerbación (Exacerbation) (2013) he mixes images of confetti and multicolored balloons with weapons and military aircraft. Irony and contradiction began to fill an essential space in his production. In this way, the relationship between totally antagonistic elements led him to approach a critical discourse on the arms race and its consequences. At a very early age Andrey began to hear about war. Even if he did not understand the true meaning of that word, the family environment linked to the military world, enrolled in the epic of Angola and therefore in constant

De este modo, la relación entre elementos totalmente antagónicos lo lleva a aproximarse a un discurso crítico sobre la carrera armamentista y sus consecuencias. A una edad muy temprana comenzaba Andrey a escuchar hablar sobre la guerra. Aún cuando no comprendiera el significado verdadero de aquella palabra, el entorno familiar ligado al mundo militar, enrolado en la gesta de Angola y por ende, en constante contacto con la muerte, condicionaban en él una fascinación extraña que muy pronto comenzarían a mutar en interrogantes, dolores y aversiones. La pintura sería entonces la herramienta de la que se valdría para comunicar sus ideas y cuestionar su entorno, intentando siempre enrolar a la sociedad en su modo particular de percibir y enfrentar los males del mundo. La serie Detonaciones (2014) constituye la continuidad de un proceso de afianzamiento técnico y temático iniciado en trabajos precedentes. En esta ocasión, el motivo central de representación son las nubes de hongos que crean las detonaciones atómicas. Con un accionar que se acerca a determinados tópicos del puntillismo, concibe la pieza a partir de pequeños puntos o gotas de colores. Sin embargo, su intención no es la de recrearse en la ya conocida técnica. Los

contact with death, conditioned in him a strange fascination that very soon was to start changing into questions, pains and aversions. Painting would then be the tool he would use to communicate his ideas and question his environment, always trying to involve society in his distinctive way of perceiving and facing the world’s evils. The series Detonaciones (Detonations) (2014) is the continuation of a process of technical and thematic consolidation initiated in previous works. On this occasion, the central motif of the representation is the clouds of fungi created by atomic detonations. With an action that approaches specific topics of pointillism, he conceives the piece based on small dots or colored drops. However, his intention is not to recreate the well-known technique. The colorful dots, while formally structuring the composition, simulate a confetti explosion that fills the canvas and seems to extend far beyond its visible limits. A childish grace then fills the war scene, distancing it from its real drama and eliminating its devastating essence. Within the same thematic axis, experimentations with color and the composition of figures with small points led the artist to the wonderful visual spectrum of kaleidoscopes. Thus, in Sobrevuelos (Overflying) (2014-2015) he arrives again at the formal synthesis, designing 27

puntos coloridos, al tiempo que estructuran formalmente la composición, simulan una explosión de confeti que colma el lienzo y parece extenderse mucho más allá de sus límites visibles. Una gracia infantil envuelve entonces la escena bélica, alejándola de su real dramatismo y eliminando su esencia devastadora. Dentro del mismo eje temático, las experimentaciones con el color y la composición de figuras a partir de pequeños puntos, conducen al artista hacia el maravilloso espectro visual de los caleidoscopios. Así, en Sobrevuelos (2014-2015) llega nuevamente a la síntesis formal, diseñando aviones que dejan una estela de grandes explosiones despojadas una vez más de su dimensión dramática al ser concebidas a la manera de circulares patrones coloridos. En Bombing (2016) se aleja de los círculos formados por puntos para sentir el color vibrar libremente esparcido por el lienzo. Motivado con esta línea de análisis llega a la serie Eyecciones (2016). El impulso central siguen siendo las caleidoscópicas explosiones, pero se advierte una mayor solidez en la concepción de las piezas. Consciente de que el aspecto formal de sus obras es la clave para crear la ironía de su discurso, Andrey se torna mucho más riguroso en la ejecución técnica. 28

planes that leave a wake of great explosions, again deprived of their dramatic dimension by being conceived as circular colorful patterns. In Bombing (2016) he moves away from the dot circles to feel the free vibration of the color scattered across the canvas. Motivated by this line of analysis he arrived at the series Eyecciones (Ejections) (2016). The central impulse continues to be the kaleidoscopic explosions, but there is greater solidity in the conception of the pieces. Aware that the formal aspect of his works is the key to creating the irony of his discourse, Andrey becomes much more rigorous in the technical accomplishment. The small colorful spots are now conceived with syringes. The precision of the medical instrument is useful to leave the traces of the tiny drops on the canvas, but he also uses them to probe the entire universe of meanings it contains as healing means. The initial pointillism takes a new order to even flirt with a certain kinetic image. The artist does not like extremely stiff patterns or topics, and parallel to this discourse on the arms race and warlike conflicts with a very precise formal structure, he gets involved in another series in which his language derives toward the ecology and is a call of alert on the need to protect wildlife. In Animales en Expansión (Animals in Expansion) (2016) he creates

Los pequeños puntos coloridos son concebidos ahora con jeringuillas. La precisión del instrumento médico le es útil para dejar las huellas de las diminutas gotas sobre el lienzo, pero también se vale del mismo para sondear en todo el universo de significados que contiene como medio empleado en pos de la curación y la vida. El puntillismo inicial toma un nuevo orden para llegar incluso a coquetear con cierta visualidad cinética. El artista no gusta de patrones o tópicos extremadamente anquilosados, y paralelo a este discurso sobre la carrera armamentista y los conflictos bélicos con una estructura formal muy precisa, se enrola en otra serie en la que su discurso va hacia la ecología y constituye un llamado de alerta hacia la necesidad de proteger la fauna. En Animales en Expansión (2016) establece conexiones entre los códigos de la figuración y la abstracción informalista para hablar sobre la fuerza y la energía de cada animal. No se aleja de las ya experimentadas explosiones coloridas, solo que en esta ocasión emanan de la vitalidad de los seres que representa. En la serie Alive (2017) vuelve sobre los tópicos de la belleza y el color aludiendo como temática al retrato. Pinta imágenes que le parecen hermosas, y el resultado formal son rostros concebidos a partir de una suerte de

connections between the codes of figuration and informal abstraction to tell about the strength and energy of each animal. He does not move away from the already experienced colorful explosions; only that this time they emerge from the vitality of the figures he represents. In the series Alive (2017) he returns to the topics of beauty and color alluding to the portrait as a theme. He paints images that seem beautiful to him, with the formal result of faces of a much thicker and textured pointillism. This time he substitutes syringes and brushes for an instrument that connects him with his previous thematic proposals: the bullet casings. This element is deprived of its original function to become a means of life, color and beauty. Andrey mixes with the canvas and becomes a performer at the moment of creation; and makes his discourse even more incisive when in the Gunshot series (2017) he uses the same technique to make portraits of people who have died from gunshot wounds, this time without color. The exorbitant color, the creation of aesthetically beautiful forms to discourse on difficult realities and the use of specific materials to grant greater density to the creative process have been some of the recurring elements in his painting. His artistic production has shown continuous moments of visual and discursive evolution that 29

puntillismo mucho más grueso y texturizado. Esta vez sustituye las jeringuillas y los pinceles por un instrumento que lo conecta con sus propuestas temáticas anteriores: los casquillos de balas. Dicho elemento es despojado de su función primigenia para transformarse en un medio hacedor de vida, color y belleza. Andrey se mezcla con el lienzo y deviene performer en el momento de crear; y torna aún más incisivo su discurso cuando en la serie Gunshot (2017) emplea la misma técnica para realizar retratos de personas que han muerto por heridas de balas, prescindiendo esta vez del colorido.

have led him to obtain a work with serious questionings, entirely his own and in a permanent growth. At this height Andrey already knows that it is difficult to change the world, but he also knows that to reflect his concerns and realities in painting is also to contribute a grain of sand.

El color exorbitante, la creación de formas estéticamente bellas para discursar sobre realidades difíciles y el uso de materiales particulares en pos conferir mayor densidad al proceso creativo, han sido algunos de los elementos recurrentes en su trabajo pictórico. Su producción artística ha mostrado continuos momentos de evolución visual y discursiva que lo han llevado a obtener como resultado una obra con cuestionamientos serios, enteramente propia y en permanente estado de crecimiento. A estas alturas Andrey ya sabe que es difícil cambiar el mundo, pero sabe también que reflejar sus inquietudes y realidades desde la pintura es poner, igualmente, un granito de arena.

SHIRLEY MOREIRA 30

La huída, 2013 Acrílico sobre lienzo 150 x 150 cm (59 x 59 in)

IncisiĂłn, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 180 cm (51 x 71 in)

Interior, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 136 x 132 cm (53 x 52 in)

Concepto espacial (El más allá), 2013 Acrílico sobre lienzo 136 x 132 cm (53 x 52 in)

Iceberg, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 150 x 130 cm (59 x 51 in)

SERIE EL VIEJO MURO

Detalle

Eclipse, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 136 x 132 cm (53 x 52 in)

La edad de la inocencia, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 136 x 108 cm (53 x 42 in)

Detalle

Silencio, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 136 x 108 cm (53 x 42 in)

SERIE EL REBAÃ&#x2018;O

NegaciĂłn, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 155 x 200 cm (61 x 79 in)

DecisiĂłn, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 155 x 230 cm (61 x 90 in)

Interferencia, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 155 x 230 cm (61 x 90 in)

Bloqueo, 2014 AcrĂlico sobre lienzo 118 x 136 cm (46 x 53 in)

Orgullo, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 77 x 84 cm (30 x 33 in)

El sueĂąo del pastor, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 155 x 155 cm (61 x 61 in)

Letargo, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 155 x 155 cm (61 x 61 in)

VergĂźenza, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 100 x 110 cm (39 x 43 in)

La oveja negra, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 180 cm (51 x 71 in)

SERIE EXACERBACIÃ&#x201C;N

Feliz navidad, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 110 x 90 cm (43 X 35 in)

Despedida a los soldados, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 136 x 132 cm (53 x 52 in)

Golpe de gracia, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 136 x 132 cm (53 x 52 in)

SERIE EYECCIONES

Las tres gracias, 2013 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 180 cm (51 x 71 in)

Eyecciones, 2016 AcrĂlico sobre cartulina 50 x 32,6 cm (20 x 13 in) - Cada pieza

APUNTES EN EL MOMENTO EXACTO NOTES AT THE EXACT MOMENT El presente texto es una deuda que tenía pendiente con el artista y, a su vez, con el panorama de la pintura joven cubana. Siempre he sido un gran defensor de esta manifestación en el contexto cubano y, ahora, sigo su apoyo desde otros territorios; eso sí, nunca abandonaré a esa generación de artistas que en su momento me siguieron y apoyaron en los proyectos expositivos que se me venían a la mente. Entre ellos tuve la oportunidad de trabajar con la obra de Andrey Quintana, un creador que comencé a descubrir en el año 2015 cuando organicé la exposición “No le temas a los colores estridentes” durante las muestras colaterales de la duodécima Bienal de La Habana. Este fue el momento exacto en el que mi interés por conocer más de su quehacer inicia. El trabajo de Andrey ha cambiado, se ha metamorfoseado. Asimismo, me atrevo a confirmar que su proceso ha dado una vuelta de tuerca que ni él mismo se lo imagina. Si hacemos un repaso a su producción tenemos que hacer mención a su serie Exacerbación (2013), donde ya nos comienza a hablar de un lenguaje pictórico que lo va a ir caracterizando hasta nuestros días. Es entonces que podemos detectar los colores empleados, sus tonalidades bien estridentes, temas cutes 58

The present text is a debt I had with the artist and, in turn, with young Cuban painting. I have always been a great defender of this art form in the Cuban context, and now I continue to support it from other territories. I will never abandon that generation of artists who in their time followed me and supported the exhibition projects that came to my mind. Among them I had the opportunity to be involved with the work of Andrey Quintana, a creator I began to discover in 2015 when I organized the exhibition No le temas a los colores estridentes (Do Not Fear Strident Colors) as collateral showcase of the Twelfth Havana Biennial. This was the exact moment when my interest to learn more about his work began. Andrey’s work has changed, it has metamorphosed. Also, I dare confirm that his process has given a twist that he does not even imagine. If we review his production we have to mention his series Exacerbación (Exacerbation) (2013), where he already began to speak of a painting language that was to characterize him to this day. It was then that we detected the colors he used, their very strident shades, the cute themes that remind us of parties, shows, etc., but which in turn make us analyze, reflect and rethink the path followed by contemporary Cuban painting. At the same time we are facing

(que nos recueda a fiestas, espectáculos, etc.) pero que a su vez nos hace analizar, reflexionar y repensar el camino transitado por la pintura cubana contemporánea; del mismo modo nos estamos enfrentando a un creador que no le tiene miedo al lienzo, en cada una de sus composiciones apreciamos la libertad con la que Quintana concibe los cuadros. Detonaciones (2014) marca nuevas búsquedas en su quehacer y en el universo plástico del arte cubano, Andrey rescata y maneja la técnica del puntillismo (en soporte pictórico y escultórico) y “nos habla –según la crítica de arte Shirley Moreira– de un mundo en crisis utilizando para la ocasión el color como bandera. Subvierte los códigos visuales asociados al dolor y la violencia; y en una voluntad de tornar más incisivo su discurso se permite dialogar sobre un tema sumamente triste desde una imagen estéticamente bella”. Es con una de las obras de esta serie que Andrey forma parte del proyecto curatorial (first project) exhibido durante la pasada edición de la Bienal de La Habana, una pieza que expresa sus inquietudes del momento, sus sentimientos con el panorama artístico que le rodea y sus experiencias más íntimas durante el proceso de creación. También, nos está hablando de un vocabulario que le hace diferente con sus coetáneos y su gusto por estudiar a artistas como Seurat, Umberto Peña,

a creator who is not afraid of the canvas: in each of his compositions we appreciate the freedom with which Quintana conceives the paintings. Detonaciones (Detonations) (2014) marks new searches in his work and in the visual universe of Cuban art. Andrey rescues and handles the pointillist technique (in painting and sculpture) and “tells us –according to art critic Shirley Moreira– about a world in crisis using color as flag for the occasion. He subverts the visual codes associated with pain and violence; and in a desire to make his discourse more incisive, he indulges in dialoguing on a very sad topic from an aesthetically beautiful image”. It was with one of the works of this series that Andrey participated in the curatorial project (first project) exhibited during the last edition of the Havana Biennial, a piece that expresses his concerns of the moment, his feelings regarding the artistic scene that surrounded him and his most intimate experiences during the creative process. He is also telling us about a vocabulary that makes him different from his peers and his taste for studying artists such as Seurat, Umberto Peña, Tomás Esson, and Ensor, among others. His well-traced path continued with the formal, conceptual, and aesthetic experimentation. Andrey Quintana always has novel thoughts to 59

Tomás Esson, Ensor, entre otros. Su camino, bien trazado, continua con la experimentación formal, conceptual y estética. Andrey Quintana siempre tiene pensamientos novedosos para trasladar a su lienzo en blanco. En sus búsquedas por nuevos temas, su creación aumenta y crece; nacen así series en las que convierte casquillos de balas en su instrumento de trabajo para la creación y representación de personajes a través del retrato. En Alive (2015) sus actores son extraídos de su subconsciente y del imaginario cultural cubano y, en Gunshot (2017) son héroes, políticos y músicos sus protagonistas. Asimismo, a través de la técnica del dripping –bajo la influencia de Jackson Pollock– ha logrado crear un cúmulo de obras que son deleite para nuestros ojos; primero en Bombing (2016-2017) comenzó a experimentar logrando como especies de estudios/bocetos con altos valores estéticos, donde el chorreado, las texturas y los empastes son bien visibles para el espectador y, paralelo, luego de ver sus resultados finales se ha enfocado en su serie Animales en Expansión (2016-2017). Aquí sigue el mismo procedimiento anterior sin embargo debemos detener nuestra mirada

translate to his blank canvas. In his searches for new themes, his creation increases and grows; series are thus born in which he turns bullet casings into his work instrument for the creation and representation of characters through portraiture. In Alive (2015), his actors are extracted from his subconscious and from the Cuban cultural imagery, and, in Gunshot (2017), his leading figures are heroes, politicians, and musicians. Also through dripping –under Jackson Pollock’s influence– he has succeeded in creating a number of works that delight our eyes; first, Bombing (2016-2017), when he began to experiment with a sort of studies/sketches of high aesthetic value where the dripping, textures and fillings are well visible to the viewer; and, in parallel, after seeing his final results he has focused on his series Animales en Expansión (Animals in Expansion) (2016-2017). Here he follows the same procedure as above; however, we must detain our glance and thus we shall detect a painting fauna that the artist has created on each intervened canvas. Since I met him and started to penetrate his creative universe I was able to detect an artist who knows what he wants and who has a .

y así detectamos una fauna pictórica que ha creado el artista en cada lienzo intervenido. Desde que lo conocí y comencé adentrarme en su universo creativo pude detectar a un artista que sabe lo que desea y que tiene una marca personal en las prácticas artísticas cubanas contemporáneas. Su arte se basa en la experimentación, su caminos seguirán creciendo y su obra completa la historia de la pintura cubana en la actualidad.

personal mark in contemporary Cuban artistic. practices. His art is based on experimentation, his ways will continue to grow and his work completes the history of Cuban painting today.

DANIEL G. ALFONSO 61

SERIE DETONACIONES

Detonaciones, 2014 AcrĂlico sobre lienzo 180 x 130 cm (71 x 51 in)

Detonaciones, 2014 AcrĂlico sobre lienzo 60 x 60 cm (24 x 24 in)

Detonaciones, 2015 AcrĂlico sobre lienzo 160 x 130 cm (63 x 51 in)

Detonaciones, 2015 Tinta sobre cartulina 30 x 20 cm (12 x 8 in)

Detonaciones, 2015 Tinta sobre cartulina 30 x 25 cm (12 x 10 in)

Detonaciones, 2015 AcrĂlico sobre lienzo 42 x 60 cm (16 x 24 in)

Detonaciones, 2015 Escultura: gragea y resina Altura 30 cm - Diรกmetro 20 cm (12" h - 8" dia)

SERIE SOBREVUELOS

Sobrevuelos, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 50 x 50 cm (20 x 20 in)

Sobrevuelos, 2014 Acrílico sobre lienzo Diámetro 120 cm (47"dia)

Sobrevuelos, 2017 Acrílico sobre lienzo Diámetro 150 cm (59" dia)

Sobrevuelos, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 50 x 50 cm (20 x 20 in)

SERIE BOMBING

Bombing, 2017 AcrĂlico sobre lienzo DiĂĄmetro 120 cm (47"dia)

Bombing, 2017 AcrĂlico sobre lienzo DiĂĄmetro 100 cm (39"dia)

ARTE PARA LA REFLEXIÓN Y LA CONCIENCIA ART FOR REFLECTION AND AWARENESS “Los últimos años se han caracterizado por un milenarismo de signo inverso, en que las premoniciones catastróficas o redentoras del futuro han sido remplazadas por la sensación del fin de esto o aquello (…): estos fenómenos quizá constituyan lo que cada vez más se ha dado en denominar posmodernismo”.

“The last few years have been characterized by an inverse millenarianism, in which the catastrophic or redeeming premonitions of the future have been replaced by the sensation of the end of this or that (...): these phenomena perhaps constitute what has increasingly been called postmodernism”.

Fredric Jameson

A la altura de la década del 60 del pasado siglo, el mundo experimentó un cambio o corte radical. La era post-industrial marcó un hito para la sociedad y la economía debido a los avances tecnológicos que se vaticinaban. Mientras tanto el hombre, como ente individual, se redimía bajo una falsa coraza que llegó a neutralizar el desarrollo del pensamiento. Por otra parte, la proliferación de los medios de comunicación masivos, la publicidad y el ocio de manera general provocó una des/conexión del espacio y lugar en la psiquis de las personas. En el arte fue la época marcada por la estética Pop, donde se produjeron obras que a simple vista parecían ilustraciones de historietas, pero que discursaban sobre un mundo caótico a través de sendos recursos expresivos cual tiras de comics.

At the height of the 1960’s, the world underwent a change or radical cut. The post-industrial era marked a milestone for society and the economy due to the technological advances that were predicted. Meanwhile, man, as individual entity redeemed himself under a false shell that even neutralized the development of thought. On the other hand, the proliferation of the mass media, advertising and leisure in general caused a dis/connection of space and place in the psyche of people. In art it was the era marked by the Pop aesthetics which produced works that at first glance looked like comic strip illustrations, but which spoke about a chaotic world through individual expressive resources like comic strips.

Sin embargo, en medio de todo este desarrollo que florecía, cada vez más aumentaban los conflictos políticos y las diferencias de clases…

However, in midst of all this development that was flourishing, political conflicts and class differences increased more and more... the fundamental values that had prevailed in modern society were gradually vanishing.

paulatinamente se desvanecían los valores fundamentales que habían imperado en la sociedad moderna. Varias décadas han transcurrido y continúan los debates sobre los problemas que afronta el sujeto. Con un llamado de atención incisivo y muy serio, se estimula la reflexión a través de las propuestas creativas más diversas. Confrontar al espectador con obras que polemicen con los conflictos actuales persiste como meta para muchos autores. En el panorama del arte cubano contemporáneo sobresale un artista que aborda las problemáticas contemporáneas desde un punto de vista y una estética propios. Andrey Quintana es un joven pintor de formación académica, que, desde el inicio de su trayectoria se siente atraído por el tema de la guerra, los conflictos bélicos y la muerte producto de la violencia global: patrones que le confieren una cualidad única a su quehacer artístico. Así, su obra manifiesta un marcado carácter autorreferencial, estrechamente vinculado al crecimiento personal que ha experimentado con el devenir de los años. La inclinación por los presupuestos del Pop Art se evidencia, en primera instancia, por lenguaje formal, dado por el empleo de los colores y la utilización de elementos como la grajea. Por otra parte, el discurso Pop está presente en los valores

Several decades have elapsed and the debates on the problems faced by the individual keep going on. With an incisive and very serious call of attention, reflection is stimulated through the most diverse creative proposals. Confronting the viewer with works that argue about the current conflicts persists as a goal for many authors. In the contemporary Cuban art scene, an artist stands out who addresses contemporary issues from his own point of view and aesthetics. Andrey Quintana is a young painter of academic training, who, since the beginning of his career has been attracted by war themes, armed conflicts, and death as a result of global violence: patterns that confer a unique quality to his artistic work. His work therefore shows a marked self-referential character, closely linked to the personal development experienced by him over the years. The penchant for Pop Art is evidenced, first, by the formal language, given by the use of colors and elements such as beads. On the other hand, the Pop discourse is present in the conceptual values and readings underlying his pieces that seek to awaken the public from its apparent inertia in the face of the crisis and excesses of today’s society. His painting production is made up by numerous series merging his position as individual. When talking to the painter he declares “being in favor 83

conceptuales y las lecturas subyacentes en sus piezas que buscan despertar al público de su aparente inercia ante la crisis y desmanes de la sociedad actual. Numerosas series pictóricas conforman su producción, en las que confluye su postura como sujeto individual. Al dialogar con el pintor declara “estar a favor de la preservación de la vida y el derecho universal de los seres vivos a la misma. (…) ¿Cómo es posible que unos pocos lleven a muchos a la muerte? ¿Cómo unos pocos con poder deciden nuestro destino, si vivimos o morimos?” Estas interrogantes constituyen inquietudes latentes para Andrey, y punto de partida para desarrollar su proceso de creación; cuestionamientos que se evidencian en sus secuencias artísticas, entre las que se destacan por sus valores intrínsecos Exacerbación (2013), Sobrevuelos (2014), Detonaciones (2014-2015) y Alive (2016-2017). De igual forma sucede con una serie comenzada en 2015 y actualmente en ejecutoria, un Work in progress titulado Animales en Expansión. En esta, la experimentación con la técnica es crucial, a la vez que conlleva un trasfondo de índole conceptual. El empleo de jeringuillas para producir el efecto visual deseado deviene una crítica a los mecanismos de poder. Al decir del autor “la jeringuilla como 84

of the preservation of life and the universal right of human beings to it. (...) How is it possible that a few drive many to death? How can a few powerful ones decide our des-tiny, whether to live or die?” These questions are latent concerns for Andrey, and a starting point to develop his creative process; questions that are evident in his artistic sequences, among which Exacerbación (Exacerbation) (2013), Sobrevuelos (Overflying) (2014), Detonaciones (Detonations) (2014-2015) and Alive (20162017) stand out for their intrinsic values. The same thing happens with a series started in 2015, a Work in progress entitled Animales en Expansión (Animals in Expansion). In it, the experimentation with the technique is crucial, conveying also a conceptual background. The use of syringes to produce the desired visual effect becomes a criticism of the power mechanisms. According to the author, “the syringe as medical instrument serves to treat and cure diseases, and in my work it is a means to treat the problems of a sick world”. Starting from this notion, the artist tackles the ecological and environmental issues he denounces through the resource of expression. He satirizes global conflicts and everything they entail with a subtle parody. He crosses the world surrounded by chaos and degeneration with his commitment to existence itself. The

instrumento médico sirve para tratar y curar enfermedades y en mi obra es un medio para tratar los problemas de un mundo enfermo”. Partiendo de esta noción, el artista aborda la problemática ecológica y medio ambiental cual denuncia desde el recurso expresivo. Satiriza los conflictos globales y todo lo que conlleva con un sutil acto paródico. Atraviesa al mundo rodeado de caos y degeneración con su apuesta por la existencia misma. Las piezas que conforman esta serie son símbolos de vitalidad, desde el propio título de la misma: Animales en Expansión en lugar de Animales en Extinción. Su propuesta aboga por lo hermoso del ser y estar… la belleza de la vida. Es por ello que las especies de la fauna que representa están cargadas de energía, reforzado por el empleo de matices brillantes y potentes de pintura acrílica que destellan luz sobre lienzos de notables dimensiones.

pieces that make up this series are symbols of vitality, from its very title: Animales en Expansión (Animals in Expansion) instead of Animales en Extinción (Animals in Extinction). His proposal advocates the beauty of existing and being there... the beauty of life. That is why the fauna species he represents are loaded with energy, reinforced by the use of bright and powerful shades of acrylic paint that sparkle on canvases of remarkable dimensions. Andrey communicates through his works. In him persists the intention of dialoguing with the spectator, of upsetting the collective conscience of which he is also part. His intention is to express with his art his concerns as an individual; his works are a latent commitment in times that require reflection and awareness.

Andrey comunica con sus obras. En él persiste la intención de dialogar con el espectador, de trastocar la conciencia colectiva de la que también forma parte. Su intención: expresar con su arte las preocupaciones que como sujeto le atañen; sus obras: un compromiso latente en tiempos que requieren reflexión y conciencia.

ROXANA CONSUEGRA 85

SERIE ANIMALES EN EXPANSIÃ&#x201C;N

Animales en expansiĂłn, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 118 x 136 cm (46 x 53 in)

Animales en expansiĂłn, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 115 x 135 cm (45 x 53 in)

Animales en expansiĂłn, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 50 x 50 cm (20 x 20 in)

Animales en expansiĂłn, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 132 x 132 cm (52 x 52 in)

Animales en expansiĂłn, 2017 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 130 cm (51 x 51 in)

Animales en expansiĂłn, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 130 cm (51 x 51 in)

Animales en expansiĂłn, 2018 AcrĂlico sobre lienzo 94 x 94 cm (37 x 37 in)

Animales en expansiĂłn, 2017 AcrĂlico sobre lienzo 118 x 136 cm (46 x 53 in)

Animales en expansiĂłn, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 132 x 136 cm (52 x 53 in)

Animales en expansiĂłn, 2017 AcrĂlico sobre lienzo 150 x 150 cm (59 x 59 in)

Animales en expansiĂłn, 2017 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 130 cm (51 x 51 in)

Animales en expansiĂłn, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 52 x 62 cm (20 x 24 in)

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Animales en expansiĂłn, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 60 x 60 cm (24 x 24 in)

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Animales en expansiĂłn, 2018 AcrĂlico sobre lienzo 60 x 60 cm (24 x 24 in)

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Animales en expansiĂłn, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 50 x 50 cm (20 x 20 in)

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Animales en expansiĂłn, 2018 AcrĂlico sobre lienzo 40 x 50 cm (16 x 20 in) - Cada pieza

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Animales en expansiĂłn, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 50 x 50 cm (20 x 20 in)

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Animales en expansiĂłn, 2018 AcrĂlico sobre lienzo 136 x 132 cm (53 x 52 in)

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SERIE ALIVE

Alive, 2016 AcrĂlico sobre lienzo 135 x 135 cm (53 x 53 in)

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Alive, 2018 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 130 cm (51 x 51 in)

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Alive, 2017 AcrĂlico sobre lienzo 150 x 150 cm (59 x 59 in)

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Alive, 2017 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 130 cm (51 x 51 in)

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Alive, 2017 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 130 cm (51 x 51 in)

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SERIE GUNSHOT

Gunshot, 2017 AcrĂlico sobre lienzo 150 x 150 cm (59 x 59 in)

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Gunshot, 2017 AcrĂlico sobre cartulina 50 x 50 cm (20 x 20 in)

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Gunshot, 2018 AcrĂlico sobre cartulina 50 x 50 cm (20 x 20 in)

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Gunshot, 2018 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 130 cm (51 x 51 in)

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Gunshot, 2018 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 130 cm (51 x 51 in)

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Gunshot, 2017 AcrĂlico sobre cartulina 50 x 50 cm (20 x 20 in)

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Gunshot, 2018 AcrĂlico sobre lienzo 150 x 150 cm (59 x 59 in)

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Gunshot, 2017 AcrĂlico sobre cartulina 50 x 50 cm (20 x 20 in)

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Gunshot, 2017 AcrĂlico sobre cartulina 50 x 50 cm (20 x 20 in)

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Gunshot, 2017 AcrĂlico sobre lienzo 130 x 130 cm (51 x 51 in)

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SERIE CONQUISTADORES

Conquistadores, 2017 Dibujo sobre lienzo impreso 94 x 94 cm (37 x 37 in)

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Conquistadores, 2017 Dibujo sobre lienzo impreso 94 x 94 cm (37 x 37 in)

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Conquistadores, 2017 Dibujo sobre lienzo impreso 94 x 94 cm (37 x 37 in)

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Conquistadores, 2017 Dibujo sobre lienzo impreso 94 x 94 cm (37 x 37 in)

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ANDREY QUINTANA LAMAS

ARTISTA VISUAL | VISUAL ARTIST HOLGUÍN, CUBA, 1984.

ESTUDIOS: 1998-2000 Academia de Artes Plásticas de Holguín. 2000-2002 Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro. 2003-2008 Instituto Superior de Arte (ISA). SERVICIOS PROFESIONALES: Durante el período del 2008 al 2012 trabajó como profesor de Dibujo Natural, Técnicas de Representación y Geometría Descriptiva en el Instituto Superior de Diseño (ISDi). EXPOSICIONES PERSONALES: 2017 "Implosión" Galería Carmelo González, La Habana, Cuba. 2013 "Cripsis" Galería Carmen Montilla, La Habana, Cuba. 2008 "Pause" Centro provincial de las artes plásticas y el diseño. Galería Luz y Oficios, La Habana, Cuba. 2002 "Relatos" Galería Carmelo González, La Habana, Cuba. EXPOSICIONES COLECTIVAS: 2018 "The Featuring Blockchain Series" Comrade Polanko, México DF.

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2018 "Matilde no existió jamás" Fábrica de Arte Cubano, La Habana, Cuba. "De la orilla de las gentes" Fábrica de Arte Cubano, La Habana, Cuba. 2015 "Post-it" Galeria Collage Habana, La Habana, Cuba. "No le Temas a Los Colores Estridentes" Exposición Colateral (12 Bienal de La Habana). Parque Histórico Militar Morro Cabaña, Cuba. 2014 "Post-it" Galeria Artis 718, La Habana, Cuba. 2013 "CAP I CUA" Galería Génesis (Miramar Trade Center). La Habana, Cuba. 2012 "Blue" Hotel Quinta Avenida, La Habana, Cuba. "Viernes 13" Hotel Occidental Miramar, La Habana, Cuba. 2010 "10 & 2" Galerías Guadalajara, México. 2009 "10 & 2" San Pancho, Cultural Center & Residence, México. "Ars Latina" Centro de Desarrollo de las Artes Visuales. La Habana, Cuba.

2009 "5x5" Instituto Superior de Diseño (ISDi), La Habana, Cuba. "Build-in" Galería Servando Cabrera, La Habana, Cuba. "Área de entrenamiento" Sala polivalente San Isidro, La Habana, Cuba. "Simulacros" Sala Villena de la UNEAC, La Habana, Cuba. 2008 "Toma 9" Centro de Desarrollo de las Artes Visuales. La Habana, Cuba. 2003 "Llueve sobre mojado" Colateral a la 8va Bienal de La Habana. Instituto Superior de Arte, La Habana, Cuba. COLECCIONES: Sus obras pertenecen a colecciones privadas en Cuba, Brasil, México, China, Canadá, Estados Unidos, Francia, España, Alemania, Turquía, Inglaterra, Suiza, Sudáfrica y Holanda.

www.andreyquintana.com

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ANDREY QUINTANA SELECCIÃ&#x201C;N DE OBRAS 2008 - 2018