Celuloide — Mayo 2012 by Celuloide Revista

MAYO MMXII

EN EL BAFICI

Dirección: Pablo Natta Jefe de redacción: Lionel Alisi Redacción: Kevin Alvarez Lihué Capdevila Federico Schmukler Cristian Pereyra Raquel Canderle Pipi Papalini Maru P. Vallejos Andrea Gioda Gisella Alloco Dalmira Tobal Gabrielle Vargas Federico Paez Página web: Cristian Pereyra Diseño: Nico Tobares

Escuela de Diseño y Comunicación Audiovisual. Independencia 155 lametro.edu.ar (0351) 425 2551

EDITORIAL

NOTICIAS

ESTRENOS

ADELANTO : EL SEXO DE LOS ÁNGELES

CRITICAS

INFORME : REMAKES FOR ALL

NOTA DE TAPA : CELULOIDE EN EL BAFICI

OPINIÓN : EL BAFICI EN 1º PERSONA

ENTREVISTA A GABRIEL MEDINA

EL CLUB DEL CINE : AGENDA

IVÁN NOEL PRESENTA "LIMBO"

ENTREVISTA A ANA MARÍA GIUNTA

BUBAMARA EN CORDOBÉS

SECCIÓN : LA RUTA DEL CINE EN CÓRDOBA

CHARLA CON RICARDO BERTONE

MAYO MMXII

E DITORIA L

La crítica es un elemento periodístico que informa y comenta realizaciones artísticas. En Celuloide nos centramos en realizar críticas periodísticas e informes de análisis cinematográficos. Pero… ¿Qué importancia o poder tiene la crítica? Para muchos la crítica se caracteriza por la amplia llegada que puede tener al público, esto también determinado en el medio que se publica y al receptor que se dirige; y por otro lado, se define a la crítica por cómo puede “manejar” la opinión pública para con un film.

La crítica, con la difusión que puede tener, logra perjudicar o favorecer a una película para que la gente vaya o no a verla, lo que implica ganancias o pérdidas económicas para dicha producción. Quizás a ciertos espectadores les recomendemos no ver una producción pero igualmente irán a verla, sin embargo hay muchos espectadores indecisos o con ojo inexperto en los que influenciaremos en la decisión que tomen. En algunos casos el poder de la crítica se ve opacado por las grandes compañas publicitarias que puede tener una película. Un claro ejemplo de esto lo constituye Titanic que si bien no tuvo críticas favorables la película fue de todos modos un éxito y hoy llena las salas con el re estreno en 3D. Hay producciones que no poseen la posibilidad de estas campañas o que van directamente a un videoclub, por lo tanto, la única llegada al público es a través de una buena o mala crítica. Como decía, hay que ser conscientes de que la gente actualmente a la hora de elegir ver una película se guía por la crítica y por un elemento, creo yo más fuerte, que es el boca a boca del propio espectador, ya que quien hace la crítica es un periodista especializado en el tema y el boca a boca lo hace el pueblo, la propia gente que va a ver la película hace su crítica. Retomando un punto anterior, creo que la crítica y los análisis periodísticos tienen mucha importancia a la hora de elegir un film, también mucho alcance dependiendo del medio en que salga publicado el texto, el horario, si es un programa, o el público al que va dirigido. Por ejemplo, no es lo mismo una crítica en una revista como El Amante, que se especializa en cine que un comentario que puede salir en un

cine que un comentario que puede salir en un noticiero en el segmento de espectáculos al mediodía. Considero que todo proyecto artístico ya sea una película, una novela o una obra de teatro depende de la crítica del periodismo y del propio público, una crítica desfavorable o una campaña en contra de dicho producto puede influir en la decisión de la gente. Un caso de campaña en contra del producto ocurrió con la obra teatral Gracias a la villa, de Gerardo Sofovich en la temporada de verano 2010 de Villa Carlos Paz. El espectáculo contaba con grandes artistas, una gran inversión, con escenografía y vestuario impecables, pero había un problema: lo producía Gerardo Sofovich. El productor tiene un conflicto personal con el periodista de espectáculos, Jorge Rial. Este, respondiendo a los ataques del productor en su programa de televisión Intrusos, llevó “una campaña de desprestigio” mostrando las pocas ventas de la obra y los 2x1 en entradas lo que sin duda perjudicó al espectáculo haciendo que vaya poca gente. Al margen de la competencia teatral de ese verano y de que el señor Sofovich también atacaba en distintos medios al periodista y a la gente que trabaja junto a él. Como conclusión puedo decir que la crítica ayuda a orientar al ojo inexperto sobre una obra audiovisual, pero hay que tener en cuenta que los comentarios, críticas, análisis o coberturas periodísticas pueden estar influenciados por intereses más allá de lo periodístico como comerciales, publicitarios o personales. Lionel Alisi

ALACRÁN ENAMORADO Ya comenzó en Madrid el rodaje de la próxima película de Santiago A. Zannou. Protagonizada por Carlos Bardem, Álex González, Miguel Ángel Silvestre , Judith Diakhate y Javier Bardem. Escrita por Santiago A. Zannou y Carlos Bardem, basada en la novela homónima de Carlos Bardem. "Julián es el líder de un grupo de jóvenes radicales, un chico cargado de ira, envenenado por el odio al que es diferente. Sin embargo, hay nobleza en su alma. La descubrirá en un gimnasio de boxeo, gracias a Carlomonte, un ex boxeador alcoholizado -alguien que lo tuvo todo y todo lo perdió-. Allí Julián aprenderá a combatir con reglas, se irá vaciando de odio y conocerá el amor por Alyssa, una joven de raza negra que trabaja en el gimnasio. Julián tendrá que tomar una decisión cuando sus antiguos camaradas los pongan a todos a prueba..."

JOSH GAD SERÁ STEVE WOZNIAK

EMMA WATSON, ENTRE LOS CAMEOS QUE VEREMOS EN "END OF THE WORLD" Hace ya tiempo que Seth Rogen y Evan Goldberg preparan como directores y guionistas “End of the world”, nuevo título de una película que a su vez se basará en el cortometraje “Jay and Seth vs. the Apocalypse”. El propio Rogen y Jay Baruchel lo protagonizaron, y eso mismo es lo que piensan hacer en este filme en el que también aparecerán James Franco, Jonah Hill, Danny McBride y Craig Robinson. Emma Watson (“Mi semana con Marilyn”) se halla en negociaciones para hacer lo propio. Desde luego, su argumento es de lo más llamativo, ya que todos estos actores se interpretarán a sí mismos. La acción de la película se desarrollará en el apartamento que Franco tiene en Los Ángeles, lugar al que van a parar todos estos artistas justo cuando comienza el Apocalipsis. Obviamente, no todos ellos sobrevivirán a semejante catástrofe…

Hace un mes se anunció que Ashton Kutcher (“Noche de Fin de Año”) encarnaría a Steve Jobs en un biopic sobre este fallecido magnate. Joshua Michael Stern (“El último voto”) dirigirá una película a cuyo reparto se ha sumado Josh Gad (“Amor y otras drogas”). Tal y como informan en Variety, el actor se pondrá en la piel de Steve Wozniak, cofundador de Apple. Matt Whiteley firma el guion de esta película de Five Star Institute que llevará por título “Jobs”. Su rodaje comenzó el pasado mes de mayo.

CINEMACON: 2 DE CADA 10 PROYECTORES SE PUEDEN IMPORTAR EN ARGENTINA "De cada 10 pedidos que hacemos, nos aprueban 2". Eso dijo uno de los mayores vendedores de equipos de cine en la Argentina a quien escribe en Cinemacon, la exposición de la industria de cine que se está desarrollando en Las Vegas. Una vez que se aprueba la importación de un equipo comienzan a tener otras trabas para pagar el equipo al fabricante. En un caso puntual este vendedor tuvo que pedir permiso para girar el dinero al exterior y en el proceso saltó que tenía algo incompleto en una importación de hace 10 años, y luego de aclarado eso le indicaron que había un problema con una exportación de unos 5 años. En tanto todo lo que sea sonido y butacas está totalmente cerrado la importación. "Moreno rebota todo" comentó. Quizás no hay muchas presiones de los cines en estos momentos, porque al mismo tiempo se está definiendo globalmente el sistema que se utilizará para financiar la digitalización masiva. Desde hace varios meses se están instalando muy pocos equipos digitales en la Argentina y la realidad es que el freno es por dos lados. Esperemos que no se frene el avance tecnológico y se pueda acompañar el crecimiento que Brasil está teniendo en sus cines gracias al apoyo y financiamiento de su gobierno.

ARGENTINA TIENE UN 19% DE SALAS DIGITALES Serían unos 163 proyectores funcionando en el país. Gran freno en los últimos meses. En la Argentina tenemos un tercio de esas salas funcionando y en este momento según el relevamiento de cinesargentinos.com la digitalización llega al 19,2%. De un total aproximado de 850 salas de cine funcionando en el país, y considerando las últimas instalaciones y los complejos que están por abrir en las próximas semanas, tendríamos un total de 163 equipos digitales funcionando con una calidad de 2K como mínimo de resolución. En los últimos dos años el crecimiento de la digitalización fue muy importante en nuestro país, pero después de las vacaciones de invierno del 2011 se han instalado muy pocos equipos. Se estiman que hay intenciones de compra de unos 70 equipos antes de mitad de año, pero no se sabe cómo serán las trabas de importación al respecto. Muchos de estos equipos serán para cines nuevos y otros para modernizar salas existentes. Las salas de San Francisco en Córdoba o los 3 equipos de Showcase que pasaron a ser las 4° salas de Norte, Rosario y Haedo, fueron importaciones del 2011.

JAMES CAMERON MANDÓ INSTRUCCIONES DE PROYECCIÓN PARA TITANIC 3D Todos los cines recibieron indicaciones de como optimizar el proyector para Titanic 3D. Las cabinas de proyección reciben un par de veces en el año alguna instrucción específica por alguna película "especial". Ahora en la era digital estos pedidos no cesan, pero apuntan más a un correcto seteo del proyector y garantizar un mínimo de calidad en todas las salas. James Cameron, el rey del mundo y responsable de las dos películas más taquilleras de la historia del cine no se suele quedar quieto y al igual que con Avatar mandó un instructivo bien clarito para todas las salas de proyección del mundo.

ESPERANDO LA CARROZA VOLVERÍA DIGITALMENTE A LOS CINES

DOS MUSICALES DE "EL FANTASMA DE LA ÓPERA" LLEGAN A LOS CINES Por el 25° aniversario del musical El fantasma de la Ópera, en mayo se estará proyectando en cines la versión filmada en el Royal Albert Hall del musical de Andrew Lloyd Weber y la secuela de El fantasma de la ópera "Love Never Dies". En la información oficial de los musicales dice: "Con una producción de lujo y situado en el suntuoso esplendor victoriano del Royal Albert Hall, el evento ha cautivado a las audiencias de cine de todo el mundo. El mismo incluye especiales con los más de 200 miembros del elenco, los músicos de orquesta y las luminarias involucrados en la obra durante los últimos 25 años. La producción está dirigida por Laurence Connor, con puesta en escena musical basada en la producción original de Londres."

En octubre sería el reestreno. Esperando la carroza se estrenó en 1985 y fue uno de los mayores sucesos del cine argentino. La película perdura en la memoria de muchos espectadores que la vieron en los cines, vhs o en algún canal de aire o cable. En el 2009 se hizo una secuela lamentable, que tenía un guión patético muy alejado de la frescura de la original. Ahora en octubre próximo se haría un reestreno digital de aquella película memorable que hizo famosa a Mamá Cora, a las 3 empanadas y a "Yo hago ravioles, ella hace ravioles". Así lo informó La nación, en base a declaraciones del presidente de Primer Plano a la agencia Télam, que expresa: “Hace algunos meses presencié una reunión donde se analizaban las posibilidades técnicas de hacer esto, y donde se pensó en esta película como la primera de una serie de rescate digital para futuras generaciones de grandes clásicos argentinos”.

PIE DE PÁGINA LA FUENTE DE LAS MUJERES Título original: La source des femmes Género: Comedia - Drama Nacionalidad: Bélgica, Italia y Francia Director: Radu Mihaileanu Reparto: Leïla Bekhti, Hafsia Herzi, Biyouna Sinopsis: En un pequeño pueblo, en algún lugar entre el norte de África y Oriente Medio, la tradición exige que las mujeres busquen agua en la fuente que nace en lo alto de una montaña, bajo un sol ardiente. Leila, una joven casada, propone al resto de mujeres una huelga de sexo: no mantendrán relaciones sexuales hasta que los hombres colaboren en el traslado del agua hasta la aldea.

Título original: Footnote Género: Drama Nacionalidad: Israel Dirección: Joseph Cedar Reparto: Lior Ashkenazi, Yuval Scharf. Sinopsis: Es la historia de una gran rivalidad, la que mantienen un padre y su hijo. Ambos, profesores excéntricos que se dedican en cuerpo y alma a su trabajo. El progenitor parece un terco purista que desprecia los parabienes del stablishment mientras que Uriel, su hijo, se esfuerza en la búsqueda de reconocimiento y elogios. Pero un día, las cosas cambian. El veterano maestro pronto será premiado con el honor más valioso que se pueda recibir. El joven se debate entre el orgullo y la envidia. ¿Será capaz de sabotear la gloria de su padre?.

CUANDO TE ENCUENTRE

UNA SEPARACIÓN

Título original: The lucky one. Género: Drama, romance. Nacionalidad: USA. Dirección: Scott Hicks Reparto: Zac Efron, Taylor Schilling.

Título original: Jodái-e Náder az Simin Género: Drama Nacionalidad: Irán Dirección: Asghar Farhadi Reparto: Peyman Maadi, Leila Hatami, Sareh Bayat.

Sinopsis: El Sargento de la Marina de los Estados Unidos Logan Thibault regresa de su tercera misión en Irak con una cosa a la que le acredita el hecho de seguir vivo; una fotografía que encontró de una mujer que ni siquiera conoce. Sabiendo su nombre, Beth, y dónde vive, llega hasta su puerta y acepta un trabajo en su negocio familiar, una perrera. A pesar de la desconfianza de Beth al principio y de sus problemas en la vida, nace un romance entre los dos; dándole la esperanza a Logan de que ella puede ser más que su amuleto de la buena suerte.

Sinopsis: Nader y Simin están en desacuerdo sobre irse de Irán para vivir en otro país. Ella piensa que le darán mejores oportunidades de vida a su única hija. Él se rehúsa y siente que debe quedarse a cuidar a su padre enfermo. Ella, convencida, pide el divorcio. Nader contrata a una mujer para que cuide a su padre. Lo que no sabe es que ella no sólo está embarazada, sino que está trabajando sin el permiso de su inestable marido. Pronto Nader se encuentra involucrado en una maraña de mentiras, manipulación y enfrentamientos.

COMANDO ESPECIAL Título original: 21 Jump Street Género: Acción - Comedia Origen: Estados Unidos Dirección: Phil Lord y Chris Miller Reparto: Jonah Hill, Channing Tatum. Sinopsis: Schmidt y Jenko están más que listos para dejar atrás sus problemas de la adolescencia. Uniéndose a la policía y a la unidad secreta Jump Street, ellos usan sus apariencias juveniles para ir encubiertos a la preparatoria local. A medida de que cambian sus armas e insignias por mochilas, Schmidt y Jenko arriesgan sus vidas para investigar una violenta y peligrosa red de narcotraficantes.

LA SOMBRA AZUL Nacionalidad: Argentina Director: Sergio Schmucler Reparto: Gustavo Almada, Luis Machín, Eva Bianco, Max Delupi, Elisa Gagliano, Valeria Urigu. Sinopsis: La película retrata la historia de un agente acusado de ser guerrillero, que fue torturado por sus propios compañeros y rechazado en el exilio por ser policía. Ya en democracia, pagó por hablar de lo que no debía. Javier Rodríguez, la pieza que no encaja en ningún rompecabezas, es un policía, un hombre cuya historia se resume la tragedia que aún hoy subyace en el día a día del ex preso político, y todavía exiliado, Luis Urquiza.

EL CAMPO

ÁNIMA BUENOS AIRES

Género: Drama. Nacionalidad: Argentina, Francia, Italia. Director: Hernán Belón Reparto: Leonardo Sbaraglia, Dolores Fonzi.

Género: Animación. Nacionalidad: Argentina. Director: María Verónica Ramírez.

Sinopsis: Elisa y Santiago compran una casa en el campo y se establecen allí junto a su pequeña hija con el fin de pasar unos días en familia, rodeados de la naturaleza. Santiago hace planes de mejorar la casa, sale de caza, explora el campo. Elisa en cambio se siente intranquila, nerviosa. Las cosas entre ellos no están bien, la tensión va en aumento y las discusiones se vuelven cada vez más fuertes y violentas. La niña llora y es una carga, y el campo se vuelve hostil. Definitivamente nada es como esperaban cuando planearon este viaje. En su búsqueda, Santiago y Elisa encontrarán más de lo que están preparados para soportar.

Sinopsis: Humor, tango y emoción se cruzan en una película que busca revelar el alma oculta de Buenos Aires, a través de la mirada de algunos de los más destacados artistas de la animación y la gráfica argentinas. A la manera de las Historias de Nueva York de Scorsese, Coppola y Allen, los cuatro relatos de Ánima Buenos Aires reflejan los diferentes perfiles y rincones de la ciudad desde estéticas tan originales como son las de Caloi, Nine, Pablo Rodríguez Jáuregui y los hermanos Florencia y Pablo Faivre. Una pareja de bailarines, dibujados por Juan Pablo Zaramella y Mario Rulloni, conecta los capítulos trazando coreografías animadas en las paredes porteñas.

ADELANTO

Del Director Xavier Villaverde arriba a los cines la película española El sexo de los ángeles, una provocadora historia en la que el sexo se convierte en desafío y la aventura, en amor. La cinta narra la historia de Rai, un encantador y misterioso bailarín de hip hop que se interpone entre Bruno y Carla, una pareja aparentemente feliz. El sexo de los ángeles dibuja las relaciones emocionales y sexuales de los jóvenes contemporáneos. No es una historia de un trío, sino la constatación de que arriesgando es el único modo de salir de los problemas.

CRÍTICA

LOS VENGADORES La REUNIÓN de los GRANDES

Esta es una película de superhéroes escrita y dirigida por Joss Whedon, director creador de la serie Buffy, La Cazavampiros (1997-2003) y de la película Serenity (2005). Hoy regresa para traernos, la más esperada del año, con los personajes más importantes del mundo de los cómics de Marvel, que son nada menos que Iron Man, El Capitán América, Thor, Hulk, La Viuda Negra y Ojo De Halcón. Este proyecto, que nació en el 2008, es una suerte de coral, que enlaza varias películas, donde nos contaban el comienzo de cada uno de estos superhéroes, comenzado con Iron Man (2008), siguiendo con El Increíble Hulk (2008), Iron Man 2 (2010), Thor (2011) y Capitán América: El Primer Vengador (2011), finalizando con este film donde están todos estos personajes reunidos.

Marvel Estudios fue adquirido en el 2009 por la compañía Walt Disney, dueña del ratón Mickey, dejó en manos de Joss Whedon el guión, la dirección y para estar al mando del gran elenco de actores de esta película, conformado por como lo son Robert Downey. Jr., como el multimillonario Tony Stark/Iron-Man; Chris Evans como Capitán América; Chris Hemsworth como el dios Thor; Samuel L. Jackson como Nick Fury director de S.H.I.E.L.D; Scarlett Johansson como la sexy patea traseros Viuda negra; Jeremy Renner como el preciso Ojo De Halcón; Mark Ruffalo como la adorable bestia verde Hulk. Todos deberán unirse para formar una alianza conocida como Los Vengadores y salvar al mundo del malvado Loki, el hermano adoptado de Thor. Al reunir a tantos personajes de gran importancia, la película parecía no tener tiempo para cada personaje por igual, y se estimaba que Robert Downey .Jr como Iron Man se robaría toda la pantalla, pero no fue así. Sorprendentemente el groso de Joss Whedon logró darle su momento de importancia a cada personaje por igual y hacerlos trabajar en equipo; a la vez que supo mezclar inteligentemente el drama con el humor durante toda la película. No cabe duda que en cada momento te hará reír como loco en la sala de cine, pero no sólo con el egocéntrico Tony Stark. Esta vez también nos sorprenderá el nuevo Hulk encarnado en el actor Mark Ruffalo, y no Edward Norton, nos presenta a Bruce Banner, hombre inteligente y científico de laboratorio, que no quiere liberar la bestia que tiene por dentro. Sin embargo, cuando la bestia sale comenzamos a adorarla, ya que es una bestia astuta y, desde mi punto de vista, el mejor Hulk llevado al cine hasta ahora.

hasta ahora. La película comienza con una introducción, en la que no asoma ninguno de nuestros vengadores. Es un momento donde la ansiedad te mata, donde esperas que aparezca alguno de nuestros queridos personajes, hasta que el patrón Nicky Fury comienza a buscarlos para que lo ayuden a salvar el mundo y darle una buena paliza a Loki, para que aprenda que no debe meterse con ellos. Luego de ver este grandioso Blockbuster que está arrasando en las taquillas del mundo, no queda nada más que darle las gracias a Joss Whedon, un gran lector de comics. Ahora habrá que esperar la segunda parte de Los Vengadores y ya están corriendo rumores que se esta trabajando en ella. Si Marvel recupera los derechos de Spiderman, que los tiene Sony Pictures Entertainment, quizás se convierta en un vengador más. Ojalá que también sea de la mano de nuestro ahora querido nombre? Whedon, pero para no cansarnos de la espera, ya el año que viene, Marvel nos vuelve a bombardear con Iron Man 3 y próximos proyectos como lo son Thor 2 y Capitán America 2 en los años que le siguen. Kevin Álvarez

DIARIOS DE UN SEDUCTOR Un FILM POCO INTERESANTE Muchas noticias son las que escribe Paul Kemp, el personaje que interpreta Jhony Deep en Diarios de un Seductor pero ninguna se publica, quizás, por ser tan poco interesantes como lo es el film. La cinta basada en la novela autobiografica de Hunter S. Thompson, narra la historia de Paul Kemp un novelista Neoyorquino y alcohólico, que viaja a Puerto Rico en los años 50, para tomar un trabajo en un periódico local; periódico que está en plena automatización con respecto a las máquinas y enfrenta una huelga de sus ex-trabajadores. “Diarios de un seductor” es una película donde escasea un conflicto interesante, en donde las actuaciones salvan al film haciéndolo llevadero hasta ciertos puntos de la historia. La película se estanca al medio, haciendo que el espectador se aburra con el paso de los minutos, ni en los momentos de tensión llegan a generar que esté atento al film, ya que los momentos se solucionan muy rápido y de manera simple. La única sub trama que uno puede llegar a prestarle atención o de mostrarle interés son los encuentros de la chica y el protagonista, pero lamentablemente no se le da un buen cierre visual. Si bien en la cinta hay momentos cómicos, vale la pena recatarlos ya que son muy pocos y pueden que le hagan largar al espectador una carcajada, pero rápidamente nos llevan nuevamente al drama y a seguir aburriéndonos, viendo como el protagonista recorre todo Puerto Rico en su estadía por el país caribeño. Al final cuando deciden vender y cerrar el periódico, nos da una luz de esperanza ya que, al parecer el protagonista decide hacer algo importante; hace que el espectador crea que el final va a cambiar la historia que está viendo, pero no. Rápidamente el personaje consigue el dinero, va hasta el periódico y ve que ya se llevaron todo, entonces, decide irse de Puerto Rico robando un barco. Un final rápido solucionado de una manera muy simple (con título explicando que fue de sus vidas) hace que el espectador salga desilusionado de la sala y se pregunte por que malgasto ese tiempo viendo la película. Lo rescatable de todo es la buena ambientación de la época. Para finalizar no recomiendo que vean esta película un domingo por la tarde, solo y con poca gente en la sala, ya que para intentar pasarla bien se ríen de cualquier cosa que ven en la pantalla. Federico Paez

TITANIC El REGRESO de un CLÁSICO, NO TAN CLÁSICO

Titanic es una película de James Cameron, que fue su primer éxito de taquilla cuando se estreno en 1997. Este año se reestrenó pero esta vez en un formato muy popular hoy en día, que fue ni nada menos que creado por él mismo, hablo del 3D. Este reestreno podría ser una excusa para traerla nuevamente a las salas, o también para que las nuevas generaciones, que no la pudieron ver en el cine, tengan la oportunidad de hacerlo, me incluyo. El motivo también puede buscarse en la conmemoración de 100 años que se cumplieron desde el hundimiento del Titanic. Pero, ¿se justifica en 3D? Al no estar rodada para este formato se tuvo que construir en una nueva postproducción. El director ya sacó varias ediciones hogareñas remasterizadas, ¿no eran más que suficientes? Aunque tras esta nueva astucia logró llevar a gran cantidad de espectadores nuevamente a las salas para ver una película que ya invadió por 15 años nuestra televisión. Una historia ya tan conocida que la convierte en un clásico del cine, además de ser la segunda película más taquillera de la historia del séptimo arte, que sólo pudo ser destronada por otra película del mismo director, Avatar (2009). Solo quedaba comprobarlo, pero fue más de lo mismo. El 3D no esta lo suficiente perfeccionado y resultaba lo mismo verla con las gafas molestas y pesadas que observarla a simple vista. No cabe duda que la remasterización de la película es perfecta, se notan la calidad de la imagen y los colores mejorados, pero el uso de las gafas opacaba todo esto. Aun así la sala rebalsada de espectadores, para mi sorpresa, adolescentes que en su mayoría eran de género femenino. Esto nos demuestra que una historia de amor como esta, por más veces que sea contada, tiene la misma repercusión en cualquier época. Y como olvidarse de la escena en la que Jack (Leonardo Di Caprio) está por dibujar a Rose (Kate Winslet) completamente desnuda, lo que en la sala dio risas a estos adolescentes que estaban presentes; es cuando uno se pregunta: ¿no es extraño que de risa algo que en la sociedad actual se presenta mediáticamente como algo normal, con la tele y la Internet plagada con estas imágenes? Pero estaba esperando el momento en que llegara la catástrofe, porque confiaba en que esta parte, repleta de efectos especiales, me brindaría un deleite con el 3D. Sin embargo, estos deseos solo quedaron en eso, porque tampoco fue nada especial. En conclusión se puede decir que Titanic, es una película dramática en la que el 3D está de más. Hubiera preferido que solo fuera el estreno de la versión remasterizada, pero lo mejor es esperar a que salga en septiembre en la versión bluray, para disfrutarla en la comodidad del hogar y con abundante pochoclo. Kevin Álvarez

C RÍTIC A

PROTEGIENDO AL ENEMIGO ACCIÓN, TIROS y BASTANTE INTRIGA

En esta película, protagonizada por Denzel Washington y Ryan Reynolds, uno ya sabe lo que se va a encontrar: muchísima acción, tiros y bastante intriga. Una clásica película de Denzel Washington y muy bien dirigida por Daniel Espinoza, donde la idea principal es mantener al espectador al borde de la silla todo el tiempo. Denzel Washington protagoniza a un ex agente de la CIA que es buscado por alta traición al estado, mientras que Ryan Reynolds personifica a un joven agente que quiere ser reconocido por su trabajo. Filmada de una forma espectacular y con efectos especiales de altísima definición, Protegiendo al enemigo cumple con todos los requisitos de una muy buena película de acción. Cámaras rápidas, planos cortos y sonido con altos decibeles en momentos de tiros, persecuciones y choques no dan respiro, nos llevan a una tensión que agobia y en la que tal vez fuera necesaria una pausa. Cuando se trata de policías, corrupción y acción, Denzel Washington es una fija, y esta vez tampoco defrauda… En líneas generales la película es muy buena con gran sonido y mejores imágenes. De forma minuciosa podemos marcar la falta de pausa y que la hilvanada de la historia tiene algunos baches, pero nada que sea muy notorio. Recomendada! Federico Schmukler

C RÍTIC A

LA SAL DE LA VIDA Un FILM un tanto REFLEXIVO

La sal de la vida fue escrita, dirigida e interpretada por Gianni di Gregorio y constituye su segundo film como director. En esta oportunidad, Gianni caracteriza a un jubilado de 60 años (con el mismo nombre) que lleva una vida monótona, aburrida y destinada a complacer las necesidades de las personas que lo rodean; entre ellos, una madre para la que debe estar a su completa disposición, que pretende llevar una vida lujosa a costa de la jubilación de su hijo. Gracias a un amigo, Gianni descubre que la vida emocionante y espontánea no tiene por qué ser parte del pasado y es así como intenta rencontrarse con una vida sexual que hace tiempo dejó atrás. Un film un tanto reflexivo, donde la ciudad asume un rol protagónico y se convierte en la única mujer que entiende y acompaña a Gianni en su desdicha. Imagino sentado en la sala al espectador de sesenta y tantos, sintiéndose identificado con este personaje amable y respetuoso que pone todos sus esfuerzos en convertirse en un galán para rencontrarse con su libido. Quizás este señor encuentre un film con algo más que leves momentos de simpatía pero personalmente no deja de remitirme al intento de un “click” que no llega a terminar de sonar nunca. Andrea Gioda

RE—

MAKES

FOR

ALL

INFORME ESPECIAL

REMAKES FOR ALL

Tenía unos diez, once años cuando en casa instalaron la tan mentada “TV por Cable”, que consistía básicamente en ochenta canales con una variedad que para mis humildes ojos acostumbrados a las tres emisoras locales, eran como pasar de una pecera al océano-claramente Internet no había hecho implosión aún-.En esos tiempos encender la televisión y almorzar al mediodía era casi un ritual, un punto cónclave en el que participábamos invariablemente algunos miembros de la familia; “tartas y tele” fue mi menú diario por muchos años consecutivos. Una de las tantas vueltas enganché por casualidad una película llamada Cyrano de Bergerac (Rappeneau, 1990), con aquel actor francés y narigón que tiempo después reconocería como Gérard Depardieu. Para mis gustos pueriles la historia tenía todo lo necesario: amores frustrados, muertes, diálogos un tanto teatrales y un final absolutamente melodramático. Diez puntos. Pero desaparecida la última porción de la tartera, mientras ayudaba a mi madre a llevar los

platos sucios para la bacha, ella debió de haber notado el impacto del filme en mi prolongado silencio y me preguntó “¿Tanto te gustó?”. Asentí con la cabeza. “Mira la vieja, es mejor” resolvió tajante mientras volcaba detergente en la esponja. Desde entonces películas como Scarface (Hawks/De Palma), Perfume de Mujer (Risi/ Brest), La Mosca (Neumann/Cronenberg) y Gran Estafa (Milestone/Soderberg), fueron algunos de los ejemplos que como “remakes” suscitaron en mí la misma pregunta que a aquel niño pre púber y con sendos aparatos bucales: ¿Por qué? ¿Por qué tomar un filme, un relato hecho y derecho que funciona perfectamente y rehacerlo, en ocasiones prácticamente toma por toma? Para algunos no existe tal interrogante, y sencillamente se limitan a lo que consideran una solución obvia: por dinero. Y efectivamente no podemos cegarnos de ingenuidad y desmentir absolutamente esta moción, ya que ciertamente pareciera que la gran mayoría de “refritos”-como suelen llamarlas con un tono más despectivo los “blogs” de origen español- aparentan apuntar a los bolsillos más que a los sentidos. Tras el éxito comercial de “remakes” como La Llamada (Nakata/Verbinski) cada vez es más común la adquisición y reproducción de películas extranjeras ajenas a los grandes circuitos de distribución norteamericanas, y que se presentan como jugosos candidatos a transformarse en hits de taquilla y ventas. No es ninguna casualidad que el país que genere mayor porcentaje de estas nuevas versiones sea justamente Estados Unidos, cuna del llamado Cine Industrial. Pero lo que antes solía ser justificado por el tiempo transcurrido entre película y película, el día de

hoy esta costumbre perdió total decencia, y muchos estudios se dedican a adquirir los derechos de producciones extranjeras y comenzar a explotarlas antes inclusive de sus estrenos originales, haciendo algo que podríamos llamar “versiones hollywoodenses” más que “remakes cinematográficas”. Estas son el caso de la trilogía de Millenium (Daniel Alfredson, 2009), saga sueca basada en los libros del autor Stieg Larsson, de la misma nacionalidad, que están siendo adaptadas por el director norteamericano David Fincher. Un episodio cercano es el de la reproducción de la argentina Nueve Reinas (Bielinsky, 2000) a una sinceramente descolorida Criminal (Gregory Jacobs, 2004), aunque tal vez un ejemplo más evidente sea el de Criatura de la Noche (Tomas Alfredson, 2008), de cuya adaptación a la pantalla de habla inglesa por el director Matt Reeves, el productor y dueño del estudio Simon Oakes, declaró: “…la historia era tan sensacional, tan hermosa, que debería ser vista por una mayor audiencia. Así que siempre me decía a mí mismo: la gente de Manhattan la ha visto, personas que se encuentran dentro del medio, en Nueva York, Chicago, Chelsea, Notting Hill, Londres; pero nadie en Glasgow, Edinburgo, Bristol, Idaho o Pittsburgh vio esta película. Es una historia que necesita ser vista por una audiencia más amplia, ¿y cómo lo logras? Homenajeando la película original.”. Una de las excusas más pobres e infundadas que encontré para algo que considero símil al plagio. La “Tv por Cable” y la pantalla grande no son los únicos medios de exhibición, y en los tiempos que corren películas excelentes como la versión de Alfredson vuelan en Internet, al alcance de todo interesado.

Pero si de sinceros "homenajes" se trata, el repertorio de "remakes" de las últimas décadas tiene para darnos el gusto. Nos referimos al caso de películas como Doce Hombres en Pugna (Lumet/Friedkin) y Psicosis (Hitchcock/Van Sant), filmes absolutamente cuestionados en su lógica por haber reproducido prácticamente plano por plano y diálogo a diálogo las versiones anteriores, considerados absurdos por la crítica y obsoletos para la historia del cine, ya que las películas “homenajeadas” se convirtieron en clásicos populares por el impacto que causaron sus formas cinematográficas en el momento de su estreno, no así cuarenta años más tarde con espectadores evolucionados a otro tipo de corrientes audiovisuales que incluyeron y superaron a las formas previas. Con la misiva de querer renovarlas para las próximas generaciones y rendir tributo a sus autores previos, los nuevos directores recaen en sólo dos verdaderas variaciones de la puesta en escena cinematográfica: los actores y el reemplazo del blanco y negro. El resto son ligeros ajustes técnicos, sonidos, tratamientos de color un poco más rebuscados, nada que recicle o renueve el mensaje audiovisual originario. Todo amante del séptimo arte reconoce con alegría cuando se presentan uno que otro guiño entre películas, como el claro homenaje de Brian Di Palma a Eisenstein en la secuencia de la terminal de Los Intocables (1987), cuando el cochecito de bebé comienza a caer escaleras abajo al mejor estilo El Acorazado Potemkin (1925). Pero un par de guiños escénicos no

tienen el rigor nihilista de calcar una película en su totalidad. A efectos de esto, el comunicador social-periodista colombiano Oswaldo Osorio escribe:

“Además, si se tratara de renovar a la manera que lo quiso hacer Gus Van Sant, es decir, repitiendo casi enfermizamente cada imagen y cada diálogo que se quiere celebrar y homenajear, los cineastas de hoy tendrían que hacerlo todo de nuevo, desde David Griffith, pasando por Orson Wells, hasta Federico Fellini. Es que el sólo hecho de decirlo irónicamente resulta ya absurdo e inoficioso.” Pero a pesar del circo monetario y las fotocopias desorientadoras, no todo está perdido para el universo de las “remakes” y así como siempre hay mediocridad, también hay grandes talentos para equilibrar la balanza, y aún resuenan títulos como Cabo de Miedo (Thompson/Scorsese), El Cartero Siempre llama Dos Veces (Garnett/Rafelson), El Tren de las 3:10 (Daves/Mangold) y las recientes El Día que Paralizaron la Tierra (Wise/ Derrickson) y Temple de Acero (Hathaway/ Coen). Analizando un poco las últimas dos, podemos llegar a un par de aristas optimistas sobre la funcionalidad del formato “remake”. Por un lado sirve reconocer la excelente capacidad de adaptación del cine como medio para tratar temáticas contemporáneas sin

necesariamente hacer grandes cambios en su estructura. Claro ejemplo el de El Día que Paralizaron la Tierra, película que nació en 1951 como una fuerte crítica a la tensión violenta entre EEUU y la Unión Soviética por la llamada “Guerra Fría”, y que mediante un preciso ajuste de guión vuelve reciclada en el 2008 para demandar la falta de compromiso del ser humano hacia el planeta tierra… Cincuenta y siete años de diferencia y aún gritamos “¡Bingo!” al finalizar cualquiera de las dos proyecciones, porque ambas entrampan un mensaje mucho más importante que el filme en sí: la propuesta cinematográfica se vuelve un formato, un medio para la transmisión de una crítica, un ideal vigente y necesario en la sociedad coetánea al estreno. En la otra mano, las adaptaciones son comprobantes útiles para demostrar que existe una verdadera diferencia entre directores que ofician de “autores” y otros de “técnicos”, reafirmando que el valor de un relato cinematográfico no reside en “qué” se cuenta sino en el “cómo” se desarrolla.

único, una película distinta en base al mismo relato, no pasar por el mismo aceite un proyecto nuevo. La discusión podría seguir eternamente. Las oleadas de “remakes” no se detendrán; por todo lo contrario ya esperamos nuevas versiones de películas como Akira (Otomo,1988), Poltergeist (Hooper, 1982), Oldboy (Park, 2003), y hasta se rumorea que anda patrullando una nueva RoboCop (Verhoeven, 1987). A veces al mediodía, entre porción y porción, me pregunto cuando harán las primeras adaptaciones de clásicos de aquel niño de diez, tal vez once años, como Forrest Gump (Robert Zemeckis, 1993) o Los Imperdonables (Clint Eastwood, 1992). El mismo niño que hoy entiende que no existen películas viejas o nuevas, largas o cortas: en su mayoría sencillamente se pueden calificar en buenas o malas. Pipi Papalini

Simplemente tomando la forma en que Joel y Ethan Coen retratan al “marshall” Rooster Cogburn, alejándolo totalmente del molde interpretado por John Wayne en los sesenta, hace la diferencia entre una mera y ambigua imitación de la película de Hathaway- un clásico del “Western”, además- y una obra independiente en sí. Cada plano destila programación concienzuda, los elementos de la puesta se conjugan en un tono sórdido, agresivo, totalmente diferente al de la versión previa, porque la intención de los directores era justamente generar un producto particular y

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El 11 de abril comenzó en Buenos Aires el 14 Bafici, con un despliegue mucho más grande que años anteriores y este comienzo se dio con la proyección de apertura de El último Elvis de Armando Bo nieto homónimo de Armando Bo. Las sedes de proyección fueron los cines Hoyts del Abasto, Teatro San Martín, Centro Cultural San Martín, Malba Cine, Alianza Francesa de Buenos Aires y otros lugares más de acceso rápido a través de subte o colectivo. Mientras que las películas proyectadas en total fueron 449 entre largos y cortometrajes, provenientes de países de los cinco continentes, teniendo un total de 1012 funciones en sus 11 sedes. Dentro de las películas proyectadas 111 fueron de Argentina de las cuales 3 participaron en la Competencia Internacional y el resto integraron la Selección Oficial Argentina y Competencia Cine de Futuro. Dentro de la Competencia Internacional se presentaron películas como La araña Vampiro de Gabriel Medina, Aquí estoy, aquí no de Elisa Eliash, Nana opera prima de Valérie Massadian, Clip de Maja Milos, Policeman de Nadav Lapid, entre otras. La ganadora de la Competencia Internacional fue Policeman que apela puntualmente a un secuestro perpetrado por un grupo de jóvenes idealistas, que buscan mediante las armas generar conciencia social. El final une ambos bandos. Y es como Lapid toma a la historia no como terroristas árabes sino que trata de israelíes contra israelíes. En la Competencia Nacional Argentina, se presentaron las películas 17 monumentos de Jonathan Perel, Dromómanos de Luis Ortega, El espacio entre los dos de Nadir Medina, Igual si llueve de Fernando A. Gatti, Mis sucios 3 tonos de Juanma Brignole, Papirosen de Gastón Solnicki. En esta sección, Papirosen fue la ganadora a mejor película, en donde Solnicki narra a través de la técnica documental la vida y dinámica de una familia judía que desde sus raíces ha escapado de la guerra y que ahora debe enfrentar las dificultades que la vida misma le impone. Dentro de todas estas propuestas también se encontraba el “Cine al aire libre” En donde se pudieron ver películas como Joy Division de Grant Gree, Tropicalia de Marcelo Machado, Criatura de la noche, vampiro de Tomas Alfredson. Pero como si esto fuera poco el Bafici también apostó por los más chiquitos y presento el Baficito, donde el público eran los niños, películas como Le tableau de Jean-Francois Laguionie, Belka & Strelka, star dogs de Inna Evlannikova y Svyatoslav Ushakov fueron unas de las más vistas. Dentro de la sección “Focus” se le daba enfoque a personalidades del cine. Directores con trayectoria en el Bafici tales como Ruth Beckermann que presentó toda su filmografía comenzando con Return to Vienna y terminando con Jackson/Marker 4 am.

Luego de cada proyección aquellos que fueron a ver sus films tuvieron la gracia de dialogar con ella y debatir acerca de lo que se había visto. Tomas Alfredson también estuvo dentro de la sección Focus, desde Suecia presentó sus dos últimas películas Let the right one in y Rinker tailor soldier spy pero también estuvo presente su opera prima Bert que trata de un adolescente de quince años que quiere perder su virginidad no solo por lo antedicho sino porque además está convencido de que se va a morir pronto. El cine documental surrealista también estuvo presente con Narcisa Hirsch, que con sus happening urbanos, muñecas, partos, minimalismo y registro documentales, logró llegar a los espectadores con salas llenas. Cortos y largometrajes como Aleph, El mito de Narciso, Patagonia, Bebes fueron elegidos para su presentación junto con el resto de su filmografía. El 14 Bafici estuvo plasmado de una gama muy diferente de cine, un cine pluralista, que va desde lo documental, experimental, ficción y cine arte. Este año se incrementó un 15% la asistencia al Bafici y la venta de entradas alcanzó un total de 230.000 y esto se notó ya al segundo día del comienzo de ventas de entradas online, al haber proyecciones agotadas en sus tres funciones. El total de personas que pasó por el Bafici fue de 350.000 entre el cine al aire libre, Baficito, conciertos, presentación de libros y cineastas, charlas y debates.

El voto del público reflejó lo siguiente: Competencia Argentina e Internacional La chica del sur: 4, 68 Villegas: 4, 55 Masterplan: 4, 53 La araña vampiro: 4, 24 Dromómanos: 4, 23 Ante la ley: 4, 21 Los salvajes: 4, 21 Germania: 4, 19 Cassandra: 4, 08 El espacio entre los dos: 4, 07 Salsipuedes: 4, 03 Mis sucios 3 tonos: 3, 85 Al cielo: 3, 75 17 Monumentos: 3, 60 Dioramas: 3, 41

Competencia Internacional Mejor Película: Policeman, de Nadav Lapid (Israel, 2011). Mejor Director para: Nadav Lapid, por Policeman (Israel, 2011). Distinción a Mejor Película Argentina: La araña vampiro, de Gabriel Medina (Arg, 2012). Mejor Actriz para: Zoé Heran por Tomboy, (Francia, 2011). Mejor Actor para: Martín Piroyansky por La araña vampiro (Argentina, 2012). Premio Especial del Jurado para: Germania, de Maximiliano Schonfeld (Argentina, 2012).

Competencia Argentina Premio Mejor Película: Papirosen, de Gastón Solnicki (Argentina, 2011). Premio Mejor Director para: Luis Ortega por Dromómamos (Argentina, 2012). Distinción Mejor Tratamiento de la imagen: Igual si llueve, de Fernando Gatti (Director de Fotografía: Román Cárdenas) (Argentina, 2012). Mención Especial para La chica del sur, de José Luis García (Argentina, 2012). Cine del futuro Mejor Película: É na Terra não é na Lua, de Gonçalo Tocha (Portugal 2011). Mención para: Ok, Enough, Goodbye, de Rania Attieh y Daniel García (Emiratos Arabes Unidos, Líbano, 2011). Competencia de Cortometrajes Mejor Cortometraje auspiciado por El Observatorio para: El amor cambia, de Ignacio Ceroi (Argentina, 2011). Mejor Cortometraje auspiciado por El Observatorio para: Noelia, de María Alché (Argentina, 2012). Mejor Cortometraje auspiciado por Kodak para: Pude ver un puma, de Eduardo Williams (Argentina 2011). Competencia de Derechos Humanos Sibila, de Teresa Arredondo (Chile, España, 2012).

OP INIÓN

EL BAFICI en PRIMERA PERSONA Llegué al Bafici con todas las expectativas de ver lo que más pudiera y de volverme a Córdoba con una sobredosis de cine, yo ya tenía mis entradas en mano de lo que más tenía ganas de ver, como La araña vampiro y El espacio entre los dos sin embargo apenas pisé el Hoyts del Abasto, que fue mi casa durante cuatro días, decidí sacar 10 entradas más para ver algo más variado de cine. El mismo jueves que llegué me encontré en la pantalla grande con amigos de Córdoba en El espacio entre los dos y ver algo de cine de esta provincia me llenó de orgullo y de pasión por el cine, porque sí, se puede. Pero creo que el desafío más complejo fue haberme encontrado con Gabriel Medina para hacerle la entrevista, ya que luego de un par de charlas vía twitter, cuesta dar la cara en vivo y sobretodo hacer una entrevista a una persona tan apasionada por el cine, sin embargo me llevé una vivencia única e irrepetible y unas ganas de hacer cine que no se explican. El resto de los días viví en el Abasto viendo película tras película con media hora de recreo entre cada una que se usaba para debatir lo que se había visto y para encontrarse con más gente de Córdoba. Creo que de todo lo vi, lo que más me gustó fue Papirosen ya que me dio una perspectiva muy diferente de dinámica familiar. Sin embargo entré con toda la bronca del mundo a ver la película ya que la desorganización del Bafici se llevó por delante a los estudiantes y a los jubilados. Creo que ir al Bafici me hizo dar cuenta que si uno quiere, se puede y se llega. Además de que es un lugar de encuentro con futuros colegas y un lugar de debate y sobretodo de pensamiento. Tener acceso a los directores de las películas y poder debatir con ellos, es una de las experiencias mas enriquecedoras que puede haber. Maru P. Vallejos

E NTRE V IS TA A

GABRIEL MEDINA en BAFICI

por Maru P. Vallejos

anhelo un mundo sin copyright, la industria se tiene que re estructurar, se tiene que reinventar Gabriel Medina, director, guionista, asistente de dirección, estudió dirección en la Fundación Universidad del Cine (FUC) y en el 2008 presentó en el Bafici su opera prima Los Paranoicos. Celuloide estuvo en el 14 Bafici y se encontró con el para hablar del cine argentino y de su nueva película La araña Vampiro. ¿Qué te motivó a ser cineasta? La verdad es que desde que tengo recuerdos que quiero ser esto y además porque desde que tenía dos años mi mamá me llevaba al cine. El cine fue y es para mí una puerta hacia otra dimensión, literalmente. Entonces el cine me fascinó desde siempre y siempre quise hacer películas, desde que era chico por lo que nunca tuve dudas porque es algo que vino conmigo. ¿Qué es lo que más te cuesta hacer en tu proceso de escritura? Yo cuando escribo, lo más importante para mí es la honestidad. Poner la mente en blanco y ponerte a vos en frente de la pantalla y empezar a ver el guion tuyo y te tiene que estar gustando a

vos y no al otro. Uno siempre tiende a conformar al otro, con ciertas escenas o personajes, pero después cuando lo lees te das cuenta que no va. Eso a mi es lo que más me cuesta, poder leer algo y decir “Sí, esto si es así” y no importa si a alguien le gusta o no le gusta. En cuanto lo haces para el otro, pisaste el palito. Cuando tienen un boceto de guion ¿Cómo terminan de esbozarlo? Yo trabajo con un co-guionista y cuando terminamos con una idea se la mostramos a determinadas personas que nos puedan atacar la idea, los que te muestran y te señalan las cosas que haces para conformar. Esta bueno tener devoluciones inteligentes; también está bueno escribir con otro, porque él ve en mi, cosas mías que son falencias y eso está bueno, depurar las cosas que están mal. Tampoco es aprobar un examen, sino poner el ego de lado y preguntarse “¿Qué me atacó?” Indagarse y solucionarlo.

En “Los Paranoicos” ¿En que te basaste al hacer el personaje de Luciano Gauna? -Entre Risas- El personaje de Luciano es un poco un alter-ego de mi persona, de una parte de mi persona, de una época de mi vida y no solamente de mi vida sino de varios amigos que pasaron por esos paréntesis, esas mesetas de la vida antes de tomar decisiones. Es como si fuera una película narrada en primera persona pero hay mucha ficción y está inspirado en cosas que me pasaron a mí y a amigos míos. Es una historia construida a partir de retazos de historias de varias personas. ¿Tenías alguna expectativa con “Los paranoicos”? No, nada. Solo quería ver en el cine una película que a mi me hubiese gustado ver con personajes como uno, con los problemas que uno tiene. Ese año, lo que más me gustó de haber estado en el Bafici fue el público y la devolución que tuve de este. Fue increíble. ¿Qué es para vos el Bafici? El Bafici es uno de los eventos culturales más importantes que hay en el país y que hay que defender y habría que hacer todo lo posible para independizarlo de cualquier tipo de instrumentación política. Porque es un lugar donde no solo se encuentra con cine sino que se encuentra con un espacio de pensamiento. Entonces es muy importante para los que hacemos películas en Argentina que se encuentre un espacio donde se pueda difundir, donde la prensa pueda mirar y uno se pueda exponer y mostrar sus cosas. Porque si no quedas relegado a los circuitos comerciales y a otros circuitos más pequeños donde es difícil entrar y acaparar la

atención de la prensa y difundir. En cambio acá en el Bafici, una vez que entras y estás, todos los ojos se ponen sobre vos y tu película. Eso es muy importante, sobre todo para los chicos opera primistas. ¿En qué situación encontrás al cine argentino hoy? ¿Qué diferencia notas del Bafici del 2008 al Bafici de hoy? Creo que hay mucha más demanda, mucho público, muchos estudiantes, hay muchas producciones. Sobre el cine de Argentina creo que en cierto cine de género, cine clásico es lo que falta. Siento que falta cine de ficción. Falta ficción, la ficción es arte también. En el cine como lenguaje, uno puede narrar distintas cosas, como poemas, filosofía, la biblia y el lenguaje siempre dice algo y creo que dentro de ese lenguaje están los géneros y la ficción es uno y ahí hay una falencia, una ausencia importante de cine de ficción. Contanos ¿Qué cineasta Argentino te gusta más? Lisandro Alonso me gusta mucho y me gusta Bruno Stagnaro, que si bien hace mucho que no filma, Okupas fue algo que me gustó mucho, me parece que es un talento tremendo y siempre estoy expectante para ver que hace de vuelta. Pero alguien con quien comparta la visión de lo que es el cine es Lisandro Alonso, aunque yo haga cosas opuestas, pero creo que Alonso cree en la libertad, la sinceridad y en la búsqueda y es algo que a mi me gusta.

¿Cómo fue la creación de “La araña vampiro”? Fue un proceso muy largo, no fue que a mi se me ocurrió una historia y listo. Yo escribo con un amigo, otro guionista, pero bueno igual la primera etapa de esto fue un proceso muy personal que yo buscaba adentro algo que me motive. La naturaleza y Córdoba fue como la primera inspiración. Estaba caminando por la montaña en un bosque y de repente vino un viento fuerte, me colgué y dije “Esta va a ser la próxima película”. Pero después de eso fue crear la historia de un miedo, de un adolescente y después apareció la araña y luego esa araña tomó protagonismo y se transformó en esto. Vos también hablas sobre un proceso de evolución tuyo entre “Los paranoicos” y “La araña vampiro” ¿Cuál es la diferencia que notas hoy? A nivel personal noto la diferencia. Porque para mí el cine también forma parte de una terapia, de una catarsis. Entonces creo en eso, es como una cosa casi mística. Creo que cuando hice Los paranoios después cambié como persona, tuve un hijo, deje de fumar. Cambió todo y cambie la forma de ver las cosas. Cuando sacas las cosas de muy adentro tuyo, después queda ahí y todo cambia.

Vos como director de cine ¿Qué opinas de esto de compartir archivos, películas o series por internet? Yo cuando era chico iba al Paque Rivadavia y ahí vos llevabas un disco de Bob Dylan y otro llevaba un disco de Lou Reed y te lo cambiabas. Internet es eso, yo me compro una películas y se la paso a varios, eso no me lo pueden prohibir. Si después alguien agarra una película y lucra con eso, no está bien. No pueden prohibir que yo les preste mis películas, series, libros o discos a mis amigos. Pero es más complicado cuando hay gente que lucra haciendo estos préstamos de material. Yo anhelo un mundo sin copyright, la industria se tiene que re estructurar, se tiene que reinventar. Todo debería ser accesible para todos y punto. Y para finalizar ¿Qué consejo le das a los jóvenes que recién están por empezar? Que sean auténticos. No piensen en las tendencias y que superen el miedo. Hay que superar ese miedo, aceptarse a uno mismo y tratar de ser sinceros con lo que estás haciendo. Si tenes ganas de hacer una película, hacela. No pienses en lo que pueden llegar a pensar otras personas, no está bueno conformar. Seguir para adelante, no perder la fe jamás y no resignarse. Ser punk y hippie.

¿Cuáles son tus próximos proyectos? Quiero filmar, filmar y filmar. Quiero hacer algo para internet. Quiero filmar otra película pero no sé que es.

entrada libre y gratuita

ciclos "chupate esa mandarina!" y "puajjj!". operas primas

HIROSHIMA MON AMOUR alain resnais

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viernes 1. 18hs

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ENTREVISTA

PRESENTA

"LIMBO" 43

“Película independiente es independiente de cualquier cosa, no independiente bajo la tutela de algo como el INCAA”

El director de cine francés Iván Noel presenta su nueva película Limbo en esta entrevista exclusiva donde habla de cómo fue hacer esta película, su experiencia como director y el cine independiente. ¿Con que se va a encontrar el espectador cuando vea “Limbo”? “Limbo” es un proyecto que empecé cuando estaba de vacaciones durante dos semanas, en realidad fueron unas vacaciones que me encerré en una habitación de hotel durante dos semanas porque me agarro una idea, lo cual pasa cada dos años más o menos. A mí cuando me viene una idea me pongo obsesivo, trato de entrar en la idea y habitualmente sale un guion. Partiendo de lo que es una idea comercial, con un género comercial como los vampiros queríamos hacer una película con un toque diferente, con un ángulo diferente. Entonces pensé “niños vampiros, no se han hecho películas de niños vampiros”, había una película sueca con dos niños que uno de ellos era vampiro pero no hablaban de ellos como niños y tampoco había un estudio de cómo ser niño vampiro y como sería tener la mente de un adulto en el cuerpo de un niño. Con esto se puede desarrollar muchas cosas cómicas todos niños pero que sean adultos dentro del cuerpo, de aquí partió la idea. Cuando comencé a estructurar la película tome el nombre LIMBO, hay muchas películas con este nombre pero ninguna habla realmente de lo que es Limbo. Limbo en la biblia es una camino donde van hacia la eternidad las almas de los niños muertos sin bautismo, como los vampiros son “muertos” están en ese lugar perdido para toda la eternidad donde bajo la tutela de una matrona están viviendo una vida bastante tranquila con salidas cada dos semanas para alimentarse en los pueblos cercanos, esta fue la base de Limbo y detrás de la historia, hay un comentario sobre la hipocresía social, sobre como de manera bastante silenciosa abusan a los niños de parte de los medios y las hipocresías educativas.

¿Cómo decidiste trabajar el humor en la película? Yo me crie en Inglaterra en un pensionado y allá los ingleses, que se sabe mundialmente, tienen humor muy variado, hay humor absurdo, burlesco y eso es parte de mi educación. A mí me encanta todo el humor absurdo, incluso en mis películas serias, dramáticas hay momentos de humor extraño en donde no entendemos porque de repente en una escena seria pasa un camello del desierto por detrás y estamos en una ciudad. En mis películas me gusta trabajar con los chistes visuales y en Limbo se hace más evidente porque se presta para este tipo de situaciones divertidas. ¿Cómo se vivió el proceso de producción y desarrollo de la película? Esto realmente depende de la plata que te llega, yo he hecho otras películas entonces ya me conocen un poco, se dan cuenta hay un posible talento y apuestan a mis películas. Si tenemos poca plata puede ser una producción con mínimos recursos, por ejemplo si tenemos 60 mil dólares es diez veces menos de lo que realmente se necesita para una película de bajo presupuesto entonces la producción la hacemos con un grupo muy reducido y trabajamos con mucha creatividad. Por ejemplo, si tenemos que hacer un efecto especial de un niño que cae de un árbol lo hacemos nosotros y no llamamos a productoras de efectos especiales; cada persona en una producción de este tipo pone lo suyo para que valga y sacar un buen producto. ¿Qué atmosfera plantea darle a la película? Lo que me gusta es el realismo, que actúan tan naturalmente y parecen niños tan normales que de hecho ni siquiera se ven sus colmillos por momentos y viven una vida perfectamente normal, en un lugar bonito. Es un lugar creíble, como si fuera una colonia de niños enfermos, como si fuera un documental pero con toques de locura cuando descubrimos que son vampiros. En una escena están en un sótano probando los añejos de sangre y hablando de si lo que beben tiene un toque de anís, si tiene mucho azúcar residual, si sabe a diabético. En esos momentos salimos de la norma de lo que sería casi documental sobre un limbo que existiría de verdad. ¿Cómo fue trabajar con Ana María Giunta? Nosotros estamos muy contentos de que en una película de tan bajo presupuesto contamos con ella. A Ana (María) le encantó el guion que refleja un poco su propia vida y como maneja ella un grupo de niños marginalizados como el limbo. Ana María acepto el guion y las bases de esto, yo fui a verla varias veces a Buenos Aires y es una persona con tanta experiencia porque se puede trabajar con el actor. Le dices “hazlo con la idea que tiene un café esperándote en la otra habitación”, repite el texto y te da la impresión que vos buscabas.

Los actores con tantos años experiencia son capaces de manipular la actuación como ellos quieren, no todo es fácil porque la mayoría de los actores en Argentina no son de cine sino más de teatro entonces siempre hay que cuidar el lugar del teatro, la teatralización y así fue con Ana María. Con la performance de Ana (María) tratamos de recordarle salir del teatro y que venga al cine, donde la actuación es distinta, pero también busqué elementos teatrales no extremos en su personaje. Pero básicamente ella es muy profesional, me llevé muy bien con ella y tuvimos un contacto muy fácil. Y ¿trabajar con tantos niños? Trabajar con chicos para mi es fácil, porque fui profesor de primaria hace 22 años entonces tengo la costumbre de manejar clases, salidas. Con los chicos trabajamos con ellos 4 o 5 meses antes, grabamos en un teatro y trabajamos la disciplina teatral más que todo. Por ejemplo, decimos “quiero 5 chicas a la izquierda, 4 chicos a la derecha y 3 tengan la mano” levantada al principio es un lio total, se miran entre ellos quien hace cada cosa y tardan como 15 minutos; después de varios meses pido lo mismo y lo hacen directamente. Se llega a esto porque manejar a 45 chicos en escena haciendo cosas distintas en un plano no es fácil. Una de las locaciones es en Jesús María, acá la película tiene gran importancia porque fue declarada de interés municipal. Tenemos un pueblo de unos 35 o 40 mil habitantes, al casting vinieron cientos de niños y luego te quedas con 45, muy rápido todos se enteran de la película y más cuando todos los medios cubren la historia de manera que todo el mundo en el pueblo conoce la historia. Parte de la idea de hacer la escena con los 2.000 niños es para involucrar e invitar a todos los que no pudieron grabar, participen de la misma película. Estamos invitando a todos los que quieren participar para involucrar al pueblo entero y es un proyecto de importancia cultural, porque yo me concentro en mercado internacional y tenes a Jesús María como protagonista de un film que va a viajar el mundo. Saliendo un poco de tema Iván, ¿Qué significa para vos como director hacer cine independiente? La palabra cine independiente ya perdió su sentido, la gente dice hacemos películas independientes con 3 millones de pesos del INCAA y eso no es independiente. Es un sistema muy rígido con las cosas que tenes que hacer y tenes que pasar por muchos pasos administrativos. Película independiente es independiente de cualquier cosa, no independiente bajo la tutela de algo como el INCAA.

Independiente es cuando uno encuentra la plata, justamente de manera independiente y el equipo de rodaje, que es mínimo controla al 100 por 100 el producto, también se tiene independencia creativa a todos los niveles por ejemplo, grabas las horas que hacen falta y no según el SICA o según otro. Un proyecto realmente creativo necesita libertad total y mis películas respiran creatividad, con muchas ideas y eso con una entidad mirando de arriba no se puede hacer. Hoy se cree que una película dramática que no habla de Superman es independiente, eso no es independiente, si lo es cuando se hace un proyecto totalmente solo y contando con la voluntad de mucha gente e inversores que dan lo que pueden para crear una obra muy personal.

Lionel Alisi Lihué Capdevila

ENTREVISTA

â&#x20AC;&#x153;Mi primer encuentro con el guion fue como esos encuentros que una tiene con un hombre como mujer, no sabes muy bien a quĂŠ atenerte y te sorprende"

A lo largo de una película el peso de la historia y su avance recae en diversos elementos que componen a la diegesis del relato. Es por ello que estuvimos charlando con la gran actriz nacional Ana María Giunta, que integra el elenco de la nueva película de Iván Noel titulada Limbo. ¿Cómo fue ese primer encuentro con el guion? ¿Cómo vivió trabajar en Limbo? Mi primer encuentro con el guion fue como esos encuentros que una tiene con un hombre como mujer , no sabes muy bien a qué atenerte y te sorprende; necesitas 3 o 4 cafés más para empezar a entenderlo y así me fui como enamorando del guion. Me enamoró que vi un guion diferente y más que con el guion me llevo con el director, que también es un distinto. Para algunos Iván (Noel) no es un director fácil pero para mí es fácil porque tengo la facilidad para tener un buen report con la gente y de corazón a corazón o de alma a alma, te diría. Yo entendí al director y me entregue a él, durante el rodaje lo único que me habrás escuchado decir es “decime lo que queres de mí”, “decime lo que queres de mí”. Cuando se terminaba la escena yo le decía “si algo no te gusto, decímelo y lo repetimos” y eso para mí fue bueno porque no suelo ser así, soy medio cabrona como actriz con los directores. El rodaje de “Limbo” me gusto que estuve rodeada de un equipo de gente joven y maravillosa con ganas de trabajar, el asistente de dirección, la gente de producción, los chicos de cámara, sonidistas, las chicas de arte. Todo el equipo de trabajo me trato con mucho cariño y respeto. Trabajar en esta película no fue totalmente fácil para mí por cuestiones de edad, de salud con situaciones de actuación donde por ejemplo, tuve que estar a la una de la mañana metida en un rio con mucho frio o estar maniatada dolidamente pero lo aguante. ¿Cómo trabaja usted la composición del personaje? En primer lugar trato de entender el guion y trato de entender al autor que quiere decir. Luego cuando conozco al director, que en este caso es el autor, hay una complejidad que se une y una cosa muy extraña como el director que es extraño, entonces trate de ser una actriz que entendiera y se enganchara con esa extrañeza que tenía esta propuesta fuera de lo común. Yo como actriz soy una persona que soy quien soy según el libro, acá cuando dicen “acción” soy Edga y cuando dicen “corten” vuelvo a ser Ana. Pero mientras soy Edga nada me sorprende y es todo absolutamente real. Lionel Alisi Lihué Capdevila

EMIR KUSTURICA EN CÓRDOBA

BUBAMARA EN

CORDOBÉS

Cuando pienso en Kusturica pienso en escenas de sus películas, me acuerdo de esos personajes extranjeramente extraños, inmersos en situaciones bizarras y no tanto. Por momentos creo conocer un poco más a ese director de cine con un sello creativo bastante peculiar, pero uno nunca termina de descubrirlo. Cuando pienso en Kusturica, también pienso en la peculiaridad de su música y es que ésta noche toca la No Smoking Orchestra: un evento festivo que siempre promete. Ya ubiqué mi asiento, ya le di sorbitos al vaso y sin previo anuncio apagan las luces. La platea se desespera por ir a sus butacas como si fueran a seguir parados por mucho tiempo. La oscuridad no termina pero ya se adivina Unza Unza Time.“Are you ready?” pregunta una voz en un inglés que le es ajeno, pero que todos parecen entender porque el público responde frenético y ya no se detiene. Esa mágica comunión bubaramesca se infla con los pasos improvisados de un baile que nadie nos enseñó. La lista de temas se desenrosca durante dos horas como el hilo de un carretel, mientras estamos atrapados en la boda de Gato negro Gato blanco. Los reincidentes extrañamos un poco el condimento de Karajlic (fundador, ex líder y voz principal de la banda) pero el sabor a fiesta no se pierde. Cuando parece que el clima no podía subir más, un centenar de mujeres inundan el escenario con saltos incansables y rondas a los músicos. En cuanto me quiero acordar, ya pasó Pitbull terrier, Upsidedown, JaViolini, Wantedman, la guitarra giratoria y la ejecución acrobática de Leopold, el violinista. Los pies exhaustos del público piden socorro, la banda se despide y trato de imaginarme cuántas palabras me harán falta para describir esta noche gitana. Raquel Canderle

ENTREGA Nยบ 1

CINร FILO BAR

Ésta sección es un intento de cita a ciegas: presentarle a las personas con hambre de cine un espacio sazonado con películas. A lo mejor, en el encuentro, resulta que ya se conocían, a lo mejor no. Córdoba es una ciudad grande pero sus rincones la hacen pequeña. Es cuestión de caminar un par de cuadras más que las habituales para cruzar las puertas de los lugares que nos invitan, algunos desde hace más tiempo que otros, algunos fijos y otros desmontables, pero todos atractivos. “El cine que no se estrena, el cine olvidado e inolvidable, el cine nuestro y el cine de otros” promete el blog de Cinéfilo Bar. A partir de las 20:30hs en Bv. San Juan al 1020, las puertas se abren y las mesas esperan. Las luces focalizadas le dan al lugar un aire de film noir. Las funciones se programan de lunes a viernes, cada día un ciclo diferente y subjetivamente delineado por sus presentadores. Hay más que retrospectivas de directores, hay homenajes a la diversidad creativa y celebraciones para esos films que conquistan. Este mes, los que vimos luz y entramos tuvimos la suerte de encontrarnos con las “Ficciones barrocas y Ruizianas”, programación de los lunes dedicada al cine de Raoul Ruiz. Un descubrimiento, en lo personal, tan único que el Cinéfilo Bar Bv San Juan 1020 (casi M. Moreno) cinefilobar.wordpress.com cinefilobar@gmail.com Cinefilo Bar @cinefilobar

lenguaje me queda corto para describirlo pero que queda muy bien ilustrado en las palabras de la editorial de Cinéfilo de Marzo-Abril: “es encantador cuando uno va por ahí y le cae un gato encima.” Así de inesperado, así de distinto. La elección en las proyecciones no es azarosa. En las reseñas publicadas se adivina que sus autores son conscientes de la oportunidad que aprovechan para acercarnos el cine alejado por la marea, lejos de las salas comerciales y también de las alternativas. La búsqueda y el acercamiento a ese cine olvidado e inolvidable es intencional. Bonustrack: el bar tiene un catálogo disponible con todas las películas que han ido proyectando a lo largo de los seis años que llevan construyendo este espacio. El programa de cada mes está publicado en el blog, en facebook y en la cadena de mails que religiosamente llega todas las semanas. En el bar se puede chusmear la carta para disfrutar la peli después de una pizza y el mes que viene incorporamos otra parada obligada en la ruta cinéfila de Córdoba. Raquel Canderle

CHARLA CON

“Tenemos que hincarle el diente a la realidad en la que vivimos”

artística tiene que ser un aliciente para cambiar la cabeza de la gente, cuando la gente piensa de otra forma, actúa de otra forma, y su éste país necesita algo es que de una vez por todas pensemos de otro modo. No sé cuál, pero el que tenemos no nos sirve. Pipi: Tu primer acercamiento al cine fue con Babilonia (1987), de manos del director Jorge Salvador ¿Cómo viviste ésta experiencia, la de actuar para la cámara? A mí me daba como un poco de miedo primero. Para mí la gran cosa importante en el cine fue laburar con Ulises Dumont. Cuando laburo con Ulises en El fin de la espera descubro con él la maravilla del cine: que el cine era juego, que tenía una cosa que era, ¿cómo te puedo decir?.. Es tanto lo que hay en una locación, que era como multiplicar la atención y hacerte cargo de todo (…) ¡con él aprendí que la puerta está y hay que verla, que la cámara está y hay que verla -por supuesto no mirar a cámara sino trabajar con ella-, y bueno, que pasa algo y te toco (Ricardo me palmea la pierna) y que la textura de tu pantalón es un estímulo que sin duda me marcó, no conscientemente, pero me marcó; esta cosa es estar “en todo” al mismo tiempo! Con una mayor presencia. Claro, estar con una presencia total y absoluta en el momento.

Bueno, vos siempre instas a que la “presencia” del actor en la escena tiene mucho que ver con el trabajo de todo el equipo de filmación, sobre todo con el Director. ¿Por eso sos tan severo en ocasiones con tus alumnos con la educación ética en el trabajo? Yo tengo esta preocupación, y es la transmisión de valores: toda conducción- y un profesor es un conductor en un proceso de aprendizaje- debe ser hecha desde los valores, y esto sería un acto casi contracultural, porque estamos acostumbrados a que las conducciones se hacen desde los autoritarismos, y esto no sirve para nada, en ninguna parte; todo autoritarismo genera fanatismo, y los fanatismos matan gente, frustran gente…

bandera, y dar la vida por las pasiones, ser responsables, laburar para ser los mejores, para tener el país que queremos tener, tenemos que ser buenas personas, buenas personas que aveces nos equivocamos, por ahí somos unos malparidos sin darnos cuenta, pero con la pasión de hacer bien lo que queremos hacer: cine, empresa comercial, negocio, reparto de boletines, lo que fuere, ¡ buenos, y ésta es la ética que hay que instalar!

Fanatismos que terminan derrocados indefectiblemente, además. Exactamente. Entonces a mí lo que me parece sabio es ponerse en duda a uno mismo, pero intentar entender el “por qué”, y a mí con los alumnos me pasa esto. La oportunidad de ser alumno terciario hoy en día en la Argentina es muy reducida, es muy poca la gente que puede acceder a los estudios terciarios, y a los estudios terciarios privados donde yo me desempeño, mucho más reducida. Entonces es imprescindible alentar en el alumno la reflexión sobre el compromiso histórico que eso tiene (…) vos mismo lo dijiste, el realizador cinematográfico tiene que entender que su relación con el actor es vital para el desarrollo de su película, y esto no es ponerse al servicio del actor, sino trabajar seriamente CON el actor, entonces el trabajo en equipo es fundamental (…) se trata de tomar la

Creo que vos sos parte de una generación que se distinguió por tomar posiciones ideológicas en la vida y defenderlas, que es algo que siento que se perdió en las subsiguientes por todo lo que pasó, como si costara “activarnos”, por así decirlo… Qué bueno esto. Yo acabo de comprar un libro que se llama El Ojo Absoluto, de Gerard Wajcman, un psicoanalista que habla de cómo el control, las cámaras, han generado conductas de miedo en la gente de alguna manera. Cómo de alguna forma nuestra estructura psíquica está siendo aniquilada en la posibilidad de estar siendo observado, y me parece que la ruptura a eso es la valentía (…) Fíjate que el tema que estás tocando vos es algo que a mí me está preocupando mucho; el Ojo del Observador frente al hecho artístico: el arte es provocador, y el cine tiene aristas de arte- o sea tiene aristas de todo- y la gente le está teniendo miedo a la provocación. La gente le teme a un arte que les obligue a preguntarse. A trabajar sobre sí mismos…

laburo con los jóvenes es éste: ¡Rebélate! ¿Qué te dice Michael Haneke para hablar de cine, cuando te muestra El Séptimo Continente? ¡Mira en lo que termina la burguesía de una Austria hecha mierda, capitalista! ¡Suicidándose! ¡Y acá aparece esta puntita del arte! Que incomoda… ¡Que incomoda! ¡Esa nena que se resiste porque la madre la va a matar, que entiende que va a morir! Acá tengo algo que saqué de tu “blog”, algo que escribiste que dice: Vivimos en un mundo aletargado por la droga del consumo, sin darnos cuenta que la vida se nos escapa sin que hagamos nada por ella. Quiero que el arte sea un problema, como dice Howard Barker, y que los hombres y mujeres que se acercan al arte, sepan que se están acercando a problemas. Creo entonces que todo lo que haces parte de este concepto, de generar algo que moleste, que cuestione, que obligue al otro a pensar sobre uno mismo.

Y el desafío nuestro es insistir en eso. Porque esto que vos decís por “generaciones subsiguientes” tiene su causa, la “Globalización” es un acto de fascismo internacional, es la unificación de un modelo de pensar, el capitalismo salvaje está anulando la capacidad del pensamiento crítico para poder dominar.

Y creo que es el acto esencial de libertad posible, es decir “¿Quién soy?”. Reflexionar sobre mí, pero reflexionar maduramente sobre mí. Ahí está el germen de la libertad individual, el pensarse con libertad.

Claro, no es sólo un modelo económico.

Claro, pero con libertad absoluta, es decir, donde yo en la intimidad digo “Soy un frustrado, soy un cagón que no me estoy animando a vivir, soy un tipo que cambia un salario por un proyecto de vida”… Después elijo, me quedo con el salario, pero el planteo…

No, el modelo económico se consolida en un modo de pensar que lo sostiene, por consciencia, o por conveniencia, o por inconsciencia, y el

Pensarse y re pensarse…

El planteo es sumamente necesario porque nos lleva a la autocrítica, y la autocrítica a mejorar. ¡Porque el planteo es vital, vital! ¡AHÍ está la vida! ¿Y te parece que en general el medio teatral de Córdoba tiene la misma concepción? Esta cuestión de generar un arte que re-planteé cosas, que cuestione… Yo creo que el oportunismo, el arribismo, el conformismo, no son privativos de ningún sector, entonces efectivamente en nuestro medio debe haber gente que elige esa opción (…) A mí lo que me preocupa es la actitud frente al público, no tanto en términos de “público” sino en términos de “receptores” de lo que uno hace, desde donde estamos alimentando a la gente a que vaya a ver aquello que les confirma que hacemos lo que ellos esperan que hagamos, entonces no hay sorpresa. Y así la gente lo va a ver a “Fulano” porque “Fulano es tan divertido”… Y fulano es igual de divertido que hace diez años, sin ningún tipo de evolución.

¿Cómo pensás que sigue la trama, cómo crees que es el futuro del medio productivo cinematográfico en Córdoba? Vos sabes que es un tema que me es ajeno en términos de producción, entonces voy a decir seguramente una boludez por ignorante, no quisiera en ese aspecto meter la pata por hablar de algo que no sé. A mí lo que me importa es esto otro, este acto de libertad, o sea, de profundizar la libertad individual ¿no? Incluso con los alumnos yo tengo un trato a veces un tanto desprejuiciado, y en ocasiones deliberadamente agresivo en el desprejuicio para despertarlos. Tenemos que hincarle el diente a la realidad en la que vivimos. Entrevista: Miguel Papalini Fotos: Verónica Cortez

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