#6
SEPTIEMBRE 2012
Este numero estĂĄ dedicado a la memoria de una gran persona y director del Festival de Cine de Villa Carlos Paz, JesĂşs Martinez
dirección pablo natta — jefe de redacción lionel alisi redacción kevin álvarez, lihué capdevila, federico schmukler, cristian pereyra, raquel canderle, pipi papalini, maru p. vallejos, gisela alloco, gabrielle vargas, federico paez, gonzalo moncalvillo, maría ines stilp — página web cristian pereyra — diseño nico tobares. la metro escuela de diseño y comunicación audiovisual independencia 155 — 351 425 2551 — lametro.edu.ar
VIDEOFEST 2012 NOTICIAS
ADELANTOS REALIZACIÓN AUDIOVISUAL: DIRECCIÓN
CRÍTICAS ESTRENOS
DEBATE: LA VIOLENCIA EN LA FICCIÓN ADRIÁN SUAR: CONFERENCIA DE PRENSA
EL SUEÑO DE LOLITA
RESIDENT EVIL
NEWS ON NEWS ON MARCH THE
THE MARCH
EL INVITADO La película El invitado cosechó un aceptable resultado en la taquilla mundial, superando los 200 millones de dólares. Algo que habría motivado al estudio Universal de cara a la producción de una secuela cuyo guión ya estaría en marcha manos de David Guggenheim. Por ahora es pronto para confirmar si Ryan Reynolds o Denzel Washington regresarán para el argumento (aunque sólo fuera para la consecución de un cameo). Puesto que la historia estaría en desarrollo, planea la posibilidad de generar una nueva franquicia de acción al estilo Bourne (salvando las notabilísimas distancias entre ambas líneas argumentales).
COMIENZA EL RODAJE DE EL MUÑECO DIABÓLICO 6 Chucky se prepara para su esperado regreso triunfal a la gran pantalla en una sexta entrega de la saga El muñeco diabólico que acaba de iniciar su rodaje en la ciudad de Winnipeg. Lejos queda aquella primera entrega estrenada hace veinte años. Esperemos que esta secuela ayude a quitar el mal sabor de boca que dejaron las anteriores. En La maldición de chucky, el muñeco poseído por el espíritu del asesino en serie Charles Lee Ray regresará a los cines bajo la dirección de Don Mancini, creador de la franquicia y co-guionista de todas las anteriores cintas de la franquicia.
EL CABALLERO DE LA NOCHE ASCIENDE PODRÍA INCLUIR 30 MINUTOS DE METRAJE ADICIONAL EN BLU-RAY Y DVD Esta es una de esas noticias de las que uno duda hacerse eco o no... Porque más que noticia es un rumor, e incluso más que un rumor podríamos incluso considerarlo como una mera suposición, o incluso ni eso. En fin... Y es que desde Nuke the Fridge (vía Collider) aseguran "haber oído" que la edición en Blu Ray y DVD de El caballero de la noche asciende, cinta que por cierto ya ha superado la recaudación de El caballero de la noche y, con ello la barrera de los 1.000 millones de dólares a nivel mundial (y subiendo), podría contener hasta un total de 30 minutos de escenas eliminadas, ya sean incluidas en un montaje especial de la cinta o por separado.
CAMPANELLA, LOS JÓVENES Y EL CINE NACIONAL El Presidente de la Academia de Cine y destacado director, Juan José Campanella, inaugurará la primera jornada de un encuentro denominado "Los Jóvenes y el Cine Nacional", que se llevará a cabo en un complejo de cines del barrio porteño de Palermo. La actividad consta de dos jornadas a realizarse mañana martes y miércoles en el complejo de cines Cinemark, ubicado en Beruti y Bulnes. La apertura, a cargo de Campanella, se realizará a las 9 y continuará con un panel sobre "Hacer cine pensando en los jóvenes" en el que disertarán los guionistas y directores Pedro Saborido, Daniel Burman y Santiago Mitre, con la moderación de la periodista Adriana Franco. Para la segunda jornada está previsto un panel acerca de "Los cineastas y el cine para jóvenes" a cargo del rector de la Universidad del Cine, Manuel Antín, y los cineastas Alberto Lecchi y Anahí Berneri y el ex director del BAFICI, Sergio Wolf.
LUCRECIA MARTEL PREPARA ZAMA, SU NUEVO LARGOMETRAJE Martel acaba de terminar el guión de Zama sobre la novela homónima de Antonio di Benedetto, reveló la productora histórica de la directora, Lita Stantic. "Es un proyecto muy ambicioso y sobre todo muy caro, porque está ambientado en un imprecisado país latinoamericano en 1790 y como todo los films históricos precisa un aporte financiero muy grande", declaró Stantic. "Es por eso que coproduciremos la película con la compañía El Deseo de los hermanos Almodóvar, que colabora con nosotros desde el segundo film de Lucrecia, y probablemente se unirá a nosotros un productor francés, pero el guión todavía no ha sido traducido del castellano al francés e inglés", anticipó Stantic. El rodaje de Zama está previsto para julio del 2013 "pero todo dependerá de que logremos montar el proyecto como lo queremos nosotros", informó. Stantic, que es famosa por descubrir nuevos talentos sobre todo femeninos, acaba de producir otra opera prima, "Habi, la extranjera" de Maria Florencia Alvarez "con la cooperación de nuestro amigo Walter Salles".
TERMINÓ EL RODAJE DE PRÍNCIPE AZUL EL ÚLTIMO FILME DE JORGE POLACO
CLOUD ATLAS PRESENTA SU NUEVO TRÁILER INTERNACIONAL Llega un nuevo tráiler de la película Cloud Altas, dirigida por los hermanos Wachovsky y que nos promete la inmersión en un argumento plagado de fantasía y ciencia ficción. Cloud Atlas es la adaptación de la novela homónima escrita por David Mitchell. Compuesta por seis relatos, cada uno ambientado en una época distinta, son entrelazados por un mismo concepto y mensaje final que nos trasladarán desde el siglo XIX hasta un lejano futuro post-apocalíptico. Relacionando las historias entre sí gracias a que cada una es leída o vista por el protagonista de la que sucede a continuación. El estreno de Cloud Atlas está fijado para la primavera de 2013.
AMOUR, DE HANEKE, RECIBIRÁ EL PREMIO FIPRESCI EN LA 60 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN. La película Amour de Michael Haneke, recibirá el Premio Fipresci en la gala de inauguración de la 60 edición del Festival de Cine de San Sebastián que tendrá lugar el próximo día 21. Los organizadores del Zinemaldia han indicado que la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (Fipresci) ha decidido conceder su Gran Premio a la Mejor Película del año a este film dirigido por Michael Haneke.
Ambientado en escenarios naturales de la Ciudad, la Provincia de Buenos Aires y en decorados creados y realizados por mismo director, en los cuales sus personajes se integran, conformando con ellos un todo que ayuda al realizador a expresar tanto su pensamiento, como la visión del mundo que luego va plasmando en las imágenes del film. Príncipe azul, adaptación cinematográfica de la obra de teatro homónima de Eugenio Griffero, que Jorge Polaco realizó junto a Marcos Rodolosi y Tatiana Barrero, es el vehículo a través del cual con su estilo reconocible, el director muestra lo más íntimo de estos dos hombres que se amaron en su juventud, y separados por los prejuicios del medio y sus familias, sueñan ahora en el final de sus vidas, con el recuentro que se prometieron sesenta años atrás. Los personajes protagónicos están a cargo de Ariel Bonomi y Harry Havilio, ambos actores intérpretes de films anteriores del realizador. Los dos coincidieron en Diapasón, ópera prima de Polaco, para luego Bonomi intervenir En el hombre del hijo y La dama regresa. El elenco se completa con Daniel Kargieman, Pola Borja y Lidia Mancini. Producido el film por Jorge Polaco, José Luís Crescia y Carlos Piwowarski, el equipo técnico de Príncipe azul se integra con José Trela (director de fotografía y cámara), Jorge Polaco (dirección de arte), Silvana Gizzi (escenografía y vestuario) y Marcos Rodolosi y Antonio Barrios (asistentes dirección), mientras que el montaje estará a cargo de Liliana Nadal -quien ya trabajó en películas anteriores del director, como Viaje por el cuerpo y Arroz con leche-.
se prepara el
encuentro de artistas audiovisuales
Hasta el 20 de septiembre, está abierta la convocatoria para participar en el encuentro de artistas visuales, que se realizará en el Espacio Cultural Museo de la Mujer los días 15 y 16 de noviembre. Videofest es un encuentro internacional de artistas audiovisuales, cuyo objetivo es generar un espacio para mostrar y compartir distintas miradas relacionadas con la producción audiovisual experimental. El encuentro reúne distintos tipos de trabajos audiovisuales, como por ejemplo videoarte, improvisación en tiempo real, montaje de videoinstalaciones, charlas y talleres, entre otras actividades.
Hasta el día lunes 20 de septiembre está abierta la convocatoria para quienes deseen presentar una pieza de video experimental con temática y técnicas libres, que será proyectada en las salas del espacio ubicado en Rivera Indarte 55. Por “video experimental” comprendemos una pieza audiovisual con fines artísticos, que se desvincula de ciertas convenciones estandarizadas, que explora y desarrolla un lenguaje personal, pudiendo estar vinculado con otras múltiples disciplinas artísticas como la música, el sonido, la danza, la performance, la literatura, la poesía, la actuación, el diseño, el street art, el land art, la programación, la interactividad, entre otras. Para consultas los interesados en participar pueden escribir a: videofestcba@gmail.com o llamar al +54 (351) 4730276.
ADELANTO DE FILMAX
BEL AMI: UN RELATO EN EL QUE LA LEALTAD CHOCA CON LA AMBICIÓN
HISTORIA DE UN SEDUCTOR Robert Pattinson interpreta a Georges Duroy, un joven apuesto y sin escrúpulos, llega a Paris procedente de Argelia, donde ha pasado dos años movilizado con el ejército. Su gran atractivo físico y encanto personal pronto comienzan a abrirle puertas. Cuando toma conciencia de sus posibilidades, sus aspiraciones crecen y su ascenso se precipita de manera tan vertiginosa como su actitud moral se degrada. La maquinación y la seducción lo elevaran hasta el lugar que ha decidido le es propio: las más altas esferas de Paris. Bel Ami (como será apodado por sus sucesivas amantes) es una obra emblemática de uno de los escritores más relevantes del siglo XIX: la historia de un personaje que relega a un segundo plano los principios morales en favor de los modales complacientes.
ADELANTO
2/11
DÍA DE LOS MUERTOS DE EZIO MASSA
La productora Malevo Films Argentina con su director Ezio Massa a la cabeza, ultima detalles de la post producción de su último largometraje 2/11 – Día de los muertos y estrenó Teaser Trailer. Basada en una historia original de Ezio Massa y guión cinematográfico de Sebastian Tabany y el propio Massa, 2/11 DM es una película de horror puro con toques del mejor cine de John Carpenter mezclados con alguna de las leyendas populares latinoamericanas más una dosis de suspenso del cine de los 70´s. 2/11 DM centra su historia en una pequeña localidad del interior de la provincia de Buenos Aires, la cual se ve convulsionada cuando uno de sus habitantes, el joven Elias, aparece en medio de la ruta, bañado en sangre y sin ningún recuerdo concreto de lo sucedido. La situación se ve más enrarecida cuando se constata que la sangre pertenece a sus amigos desaparecidos y que los
hechos que los vinculan, sucedieron dentro de un extraño paraje en medio de un bosque, el cual ya nadie visita. El encargado de llevar adelante la investigación, es el propio hermano de Elias, Santiago (Juan Gil Navarro) quien además de desentramar lo sucedido, deberá enfrentarse a una antigua leyenda local. Lo acompaña un leal compañero (Carlos Kaspar) y una mujer que se debate entre los dos hermanos (Agustina Lecouna). La película está protagonizada por Juan Gil Navarro, Agustina Lecouna, Carlos Kaspar, Nicolas Alberti, Galit Gurovich, German Baudino, Julio Zarza, Fernando Roa y Matias Firenze entre otros. El film se rodó íntegramente en la localidad de Chascomus y ultima detalles del trabajo de post producción y del complejo trabajo de efectos visuales que la historia requiere.
ENTREGA Nยบ 5
Sร PTIMO ARTE V I D E OC L U B
IDEAS Y DELIRIOS CINEMATOGRÁFICOS Todavía guardo algunos VHS que se convierten en reliquias poco a poco. Una por una, se acumulaban las videocaseteras en el negocio de service electrónico de papá. La gente las llevaba a hacer arreglos mínimos como una excusa para no abandonarlas en la calle.
Después, la invasión del DVD. En el videoclub del pueblo, atendía una señora que te miraba severamente por sobre los anteojos si te olvidabas de rebobinar la película. Progresivamente, empezando por la góndola de "Estrenos", las cajas gordas de los VHS fueron reemplazadas por las delgadas de los DVD. Se renovaba el formato, llegaban nuevos y más pochocleros títulos, pero la señora que te atendía era la misma. Una sola vez cometí el grave, gravísimo error de hacerle caso en una recomendación. ¿Tendré cara de que me gustan los musicales? Las apariencias engañan, y sobre gustos… Después de la explosión digital, cayó la bomba del streaming. Todo online, todo ya. Escribir el título en el buscador seguido de la palabra online y listo. Ni siquiera la paciencia para esperar a que se descargue. Las profecías nefastas vaticinaron la muerte del videoclub, pero para variar, le pifiaron. El videoclub no se extinguió: evolucionó. Séptimo Arte Videoclub es una parada obligada en esta ruta. Acerca la pantalla grande a la pantalla chica. Aunque evidentemente la experiencia del DVD no sea comparable a la butaca en la oscuridad, el extraño sentado al lado y el asomarse a la gigantesca ventana de una sala de cine, las proyecciones en casa tienen sus ventajas, grandes ventajas para nosotros los ermitaños. Pantuflas, llevar de acompañante a cualquier cosa que tenga buena pinta de la heladera, desarmarse en el sillón
mientras avanza la trama, llorar desvergonzadamente y darle play a cualquier hora de la madrugada. Algunas de tantas. Pero la mejor de todas, pasearse un buen rato por las góndolas del videoclub para elegir el título, o el género, o el director, o los actores…En fin, tomarse el tiempo necesario para hacer la elección adecuada para el momento, como quien elige un buen vino, elegir una buena película. Para los obsesivos clasificadores, los títulos disponibles están ordenados por filmografía del director, por supuesto. Para los indecisos, recomendaciones por la gente que atiende, que sabe lo que dice y a quién se lo dice. (Atrás quedó la era de la señora de anteojos). Para los ansiosos, consultas personalizadas online para saber si ya tienen esa película que se estrenó hace dos semanas. Para los precavidos, la posibilidad de reservar la película antes de ir. Para los curiosos, un catálogo extenso y variado. Para los analíticos, excelentes críticas de Alejandro Cozza. Para todos los cinéfilos de estos pagos, el mejor videoclub de Córdoba. Séptimo Arte Videoclub Bedoya 514 — Bº Cófico — Córdoba Tel.: 0351 472 7536 Séptimo Arte Videoclub Cofico septimoarteclub@gmail.com
LA DIRECCIÓN DESDE LA VISIÓN DEL REALIZADOR En el número anterior de Celuloide empezamos a analizar las distintas etapas que lleva el proceso realizativo de una obra audiovisual, es por ello que en esta oportunidad nos acercaremos a lo que significa la dirección tanto en publicidad como en cine. En esta primera parte de la nota estuvimos charlando con Pablo Brusa, Realizador audiovisual de series y publicidad.
¿Cómo diferencia la dirección en publicidad y en cine según los aspectos creativos y la dinámica de trabajo? En realidad son bastante diferentes en todo punto de vista. En el caso de la publicidad hay un cliente, una agencia y estás vos, como productora. Es un triángulo que trabaja en conjunto y las decisiones que vos tomés tienen que estar acordadas con la agencia y el cliente. Esto hace que la dinámica de trabajo en la publicidad sea particular, vos no tomás todas las decisiones o las que tomás no siempre son aceptadas. En el caso de un largo o una serie vos la resolves como tenés ganas y rendís cuenta a vos mismo o en todo caso a tu equipo de trabajo. Esa es la gran diferencia, en publicidad es un proceso que desde que empieza hasta que termina está sujeto a la aprobación de la agencia y el cliente. En cine, la mayoría de las veces las decisiones finales las tiene uno como realizador.
PABLO BRUSA
Pero en cine muchas veces se ve el papel del productor como este rol de aquel que debe aprobar y tomar las decisiones… Sí, puede ser. En el caso del cine industrial, el cine americano o cine de blockbuster donde se invierte muchísima plata generalmente hay un productor que lleva las riendas del asunto junto con el director pero siempre por encima. Es una persona o en muchos casos es un grupo inversor. En la publicidad es diferentes porque hay otras cosas en juego. En el primer mundo es muy superior incluso a la del cine. La gente que decide es mucho más grande, no sola en la agencia el grupo creativo, el productor de la agencia sino también el cliente. Está el gerente de marketing; entonces puede llegar a haber quince personas involucradas en tomar las decisiones junto con el director, tanto que es uno más de esa cantidad de gente. Y con respecto a los tiempos que se manejan tanto en publicidad como en cine ¿varían mucho? Depende. Siempre va a ser mayor el tiempo que lleva un largometraje que una serie, sencillamente porque la producción es mayor. Ahora bien, hay publicidades sobre todo en el primer mundo donde puede llevar tres, cuatro, cinco meses de trabajo porque son publicidades de productos que se filman en varios países o lanzamientos de algún producto y se le ponen todas las fichas; y una serie de 13 capítulos de media hora también se hace en esos seis meses. En las películas generalmente es más largo el proceso por todos los pasos que siguen hasta que la película se empieza. Es todo muy variable, las dimensiones son diferentes. Si hablamos de argentina solamente ahí si el tiempo que se lleva una serie o una película con respecto a una publicidad es muchísimo mayor justamente por una cuestión de volumen y dimensión.
¿Cuáles con los pro y los contra de un director en Córdoba? (Ríe) Los pro los da el mismo rol, dirigir, para los que nos gusta la dirección está bueno porque tomás decisiones, trabajas con un equipo de gente con el que te gusta trabajar. En el caso de la publicidad como hay más recursos económicos muchas veces te permite “jugar con juguetes caros” que en otro caso no lo haría, grips, cámaras que de otra manera nunca usarías, actores mismos con los que te dan la posibilidad de trabajar. Estos son los pro de dirigir, del rol. El hecho que sea en Córdoba lo da la dimensión de la ciudad en cuanto a recursos económicos y demás. En la publicidad con similares características de trabajo si se hace en Buenos Aires cuesta tres veces más a nivel presupuestario, eso da la pauta que se invierte mucho más. No es que allá sea tres veces más caro, es más caro pero no tres veces. Se invierte más y te da la posibilidad de trabajar con mayor comodidad. Por ejemplo, una publicidad que la deberías hacer en tres días dedicándole el tiempo necesario lo tenes que hacer en dos a riesgo de que sufra el producto. Todos los contras son presupuestarios y también se da en el caso de la serie. La purga se hizo realmente con la mitad de lo que se debía para trabajar bien, tranquilos. Pero paso que todos teníamos ganas de hacer ese tipo de trabajo, una serie como esa que tenia thriller, disparos, persecuciones en auto, entonces dijimos “-bueno, dale! Lo hagamos” poniendo mil millones de cosas pero realmente esa serie normal hubiera costado el doble de lo que costó y un poquito más. Hablando de La Purga, ¿Cómo fue la idea original y el proceso de trabajo hasta que se llegó al resultado final? Surge de la idea de la mujer de Claudio Rosa, se pensó en qué pasaría si un médico queda encerrado en un barrio del cual no puede salir. A partir de eso Claudio la desarrolló como largo después al surgir
la posibilidad de que lo subsidien se transformó en una serie de trece capítulos y en ese proceso nos involucramos nosotros, desde Prisma como una invitación generosa de Claudio y su gente porque era un proyecto lo suficientemente grande para una sola productora. Hubiera sido muy difícil. Nosotros nos involucramos a partir de ahí y decidimos que la íbamos a dirigir los dos. La idea era dividirnos a la mitad los capítulos que fue en realidad todo un desafío de trabajar dos directores en un mismo proyecto con la particularidad de que no eran capítulos que se filman y se terminaba ese solo capítulo como puede ser el ejemplo de cualquier serie americana que tienen varios directores, es un estilo propio de ellos; que a mí me gusta, me parece muy interesante porque el control lo lleva el productor. En argentina dirige una persona y en el caso nuestro por trabajar con dos productoras decidimos hacer eso, el método americano. El problema fue que los capítulos no se hacían de a uno, sino que se filmo como una gran película, una película larga. Se trabajaba por locación entonces en un día por locación se hacían escenas de varios capítulos diferentes y algunos eran de Claudio y otros eran míos. Entonces eso exigió una forma de trabajo entre nosotros que por suerte no tuvo ningún problema porque sabíamos muy bien lo que queríamos hacer; yo siempre hago cámara porque me gusta y como se filmó a dos cámaras en los capítulos de Claudio yo hacía cámara y en los míos la hacia él o los dos. ¿Fue una de las primeras series en Córdoba que constó de dramas, thriller, persecuciones, tiroteos, etc.? Probablemente haya sido una de las primeras en tomar un policial dramático, la verdad que yo no recuerdo que se haya hecho antes un policial de esas características y probablemente sino fue la primera haya sido una de las primeras.
¿Cómo se planteó la difusión? El INCAA en las series es una especie de convidado obligado porque la serie en realidad viene del ministerio de desarrollo y el INCAA estaba como fiscalizador. La idea es que esas series después formarán parte de un banco de imágenes para que los canales que quisieran la tomaran y la difundieran; acá el canal 10 estaba de co-productor de todas las series tenía el derecho de pasarlo primero. Así y todo no se hizo con toda la difusión que se podría haber hecho y no en horario central lo cual ya le disminuía un montón de cosas, no se le dio la importancia que debía tener. Lo otro que también fue un error es que la serie dramática de media hora de duración no funciona del todo a diferencia de las sitcom que si funcionan; después La Purga se repitió y tuvo más audiencia que la primera vez pero en Córdoba no hay un sistema de medición de raiting sino que se proyecta. Por otro lado hay un proyecto que no se si hará del ministerio de desarrollo y del gobierno nacional que tienen canales, todas estas series de Córdoba y de todo el interior se pasen para que tenga llegada a todos lados sino la audiencia queda reducida, en este caso, a Córdoba. “Lo volvería a hacer”, es un trabajo muy duro, muchas horas de rodaje, casi doce horas por día pero termina siendo muy gratificante porque tenés todo el control de la situación. Si te equivocás pasa por la toma de decisiones pero si le acertas termina siendo muy gratificante; elegir las personas con quien vas a trabajar y los métodos es cuestión tuya porque en sí todo se reduce a un pequeño número de personas. ¿Qué cosas siente que le han quedado por hacer? A mí me gusta mucho el formato de la serie, la verdad me gusta inclusive mucho más que el largometraje. Porque parece ser que el largometraje es como una especie de pariente rico, o clase social al que hay que llegar.
En el mundo audiovisual se dice que uno realmente se “recibe” de director cuando dirige un largo. Pero la historia ha demostrado que las series tienen muchísima más profundidad que las películas, porque permite un desarrollo mejor de las historias, los personajes. La serie es como el hijo bobo del largo pero poco a poco me parece que eso se está revirtiendo, probablemente nunca llegue a ser de ese grupo selecto que dirige largos pero a mí me seduce mucho más esto que hacer un largo.
TEODORO CIAMPAGNA
Si me dan a elegir, elijo la serie y en Argentina mucho más porque un largometraje hoy acá, tenes que invertir 5 años de tu tiempo en hacer todo el tramiterio, pasar por la mansadora del INCAA, etc. Etc. Y yo no tengo 5 años, La Purga en total debe haber tenido un año de trabajo desde que se escribía pero desde que se empezó hasta que se termino fueron 5 meses. “Yo tranquilamente seguiría haciendo series, la verdad que me gusta mucho."
Por otro lado, estuvimos charlando con el director de cine Teodoro Ciampagna, que en su entrevista nos comentó. ¿En qué crees que consta la dirección? La dirección es contar con planos una historia. Consta en dejar perplejo al espectador, atraerlo desde la puesta visual con la infinidad de recursos con los que el director cuenta, recursos que él dispone, administra, elije, guía, ¡dirige!
El director tiene en frente a alguien y quiere contarle algo y captar su atención, toma un guión, a partir de ahí elabora diferentes mecanismos para llevar adelante esa historia, la hace propia, se hace cargo de cómo contarla audiovisualmente. Es responsable de que ello sea efectivo y salga bien, de principio a fin. Eleva sus criterios a sus equipos de arte, fotografía, sonido, producción, dirección, etc. para que ellos lleven adelante la puesta de cada escena de la película que quiere contar. Coordina, es la persona que dispone lo que se necesita filmar para que la historia fluya y funcione. ¿Qué considera que debe tener una persona para ser director? Debe ser un estudioso del 7mo arte, y para ello debe ir conociendo cada vez más los 6 artes que le anteceden. A su vez debe ser líder, saber coordinar, saber observar, relacionarse con los actores y su equipo. Debe saber narrar con la cámara, montar en su cabeza la película, acercarse en el rodaje a lo que tiene pensado en su cabeza. Vos como director, ¿cómo vivís el proceso creativo y de realización? El proceso creativo es 99% transpiración. Lo vivo apasionadamente, es uno de los momentos más lindos porque empezás a unir puntos de tu vida, de tu bagaje, de las experiencias, de la investigación, de tu estudio, de las entrevistas, de las charlas, de la búsqueda, y de todo eso sale algo nuevo que crees es magnífico. Ahí recorriste el 1% del viaje, luego te queda el resto. La realización aún no la he disfrutado, no en toda su dimensión, porque aparecen fuerzas antagónicas, como en la historia. Pero la realidad no es una película y hay mucha gente que tira para el mismo lado, cuando eso sucede, es mágico y la realización se convierte en la continuación del proceso creativo del inicio.
¿Cómo trabajas la comunicación con los actores? Siempre ha sido diferente la comunicación con los actores. Y creo que siempre lo será. Cada relación es un mundo por descubrir. Uno va aprendiendo cosas nuevas que tienen más que ver con el sentido común, con la confianza que vas teniendo en vos mismo para comunicarte mejor y con el aprendizaje técnico que se va teniendo. En esta etapa me gusta comunicarme con los actores en la previa, salir a hacer cosas juntos, ensayar, leer los textos, ponerlos en palabras, modificarlos, ver sus opiniones, reformularlos. Hacer todo lo necesario para buscar la verosimilitud en lo que ellos traigan. Intento emocionarlos como yo lo estoy, los actores son muy receptivos a eso y se conectan inmediatamente, por ello un director ante todo debe ser honesto consigo mismo. Después de eso todo es un constante descubrir y en ese descubrir hay algo mágico que el actor te regala. Es un equipo, actor y director deben comunicarse con un feedback auténtico que les sirva a ambos para hacer las cosas siempre mejor. Hay ciertos conocimientos técnicos como decirle a un actor "habla sin la s", y hay conocimientos que tienen que ver con lo creativo porque siendo el director uno sabe cómo guiarlos y cómo sacar de ellos lo mejor. No siempre la forma de pedirlo es la misma. ¿Qué buscas transmitir o expresar desde su lugar de director? Quiero lograr transmitir valores, emociones, angustia, tristeza, alegría desbordante, miedo, risas, todo lo que haga transitar al espectador un viaje emocional que lo entretenga de principio a fin de la película. Me gustaría meterlo adentro y que no se dé cuenta, que se olvide que alguien lo dirige, escribe, etc... Que de repente hable de los personajes y de su identificación con lo que ahí está pasando, que la historia sea lo más fuerte de todo. Lihué Capdevila
elclubdelcine
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CRÍTICA
POSESIÓN POSESIÓN SATÁNICA SATÁNICA
Una niña compra una extraña caja de madera en una venta de garaje, al abrirla la pequeña será poseída por el espíritu de esta caja, quien dará lucha por quedarse con el cuerpo de la joven. Y pensar que con una subasta en Ebay se pudo construir este relato en base a un mito o a hechos reales. Esta caja de madera fue comprada por un coleccionista quién descubrió que pertenecía a un sobreviviente del Holocausto. Estos hechos fueron documentados por una periodista de un diario de EE.UU, Los Angeles Times, y reunió todas las historias de horror que esta caja había producido a su alrededor y la Ghost House, la productora de esta película, congregó estos hechos en una sola familia. Debo rescatar que este tipo de películas no es una historia nueva, pero si es interesante el enfoque que toma la película con la religión: El exorcismo visto desde el judaísmo y si El Exorcista ha tenido influencia sobre historias, creo que esta es una de las mejores. La película tiene su tiempo y su manera de relatar, que personalmente me parece por momentos
demasiado lenta y por otros deja cosas sin decir; sin embargo la dosis de suspenso va creciendo a medida que la película avanza pero cae al cerrar los actos demoníacos con un fundido a negro y las mismas notas de piano que al tercer acto ya pedís que por favor llegue el exorcista a sacarle el demonio a la pobre criatura. Debo destacar la actuación de la pequeña que está endemoniada, Natasha Calis pero tengo que enfrentar la realidad que en ningún momento pude despegar el personaje de la persona y hablo de la aparición de Matisyahu como el rabino exorcizador de la pequeña. Esperaba que en cualquier momento sacara el micrófono y se pusiera a rapear sobre la niña que estaba siendo poseída. Para ir cerrando, creo que se podría haber explotado mucho más esta historia de exorcismo judío, sin embargo nos quedamos en el relato básico, sin explorar al máximo lo que el género terror suspenso puede llegar a dar. Marianela Pereyra.
CRÍTICA
LOS TRES CHIFLADOS HOY... ¿HOY?... ¡SI! HOY
LOS TRES CHIFLADOS No hace mucho llegó a los cines la nueva película de los hermanos Farrelly, encargados de la comedia Locos por Mery, este año nos trajeron la adaptación de la serie Los tres chiflados, uno de los más grandes íconos de la historia del comedia esta vez a la gran pantalla. La historia en este caso, no transcurre en una época pasada, ni en blanco y negro, todo lo contrario, la adaptación ocurre en estos tiempos y a color, algo muy raro ya que quienes vimos los tres chiflados alguna vez nos produce un salto verlos a color, aunque esto no dificulte ver la película. Pero si hay varias cosas que hacen que la película no sea una gran comedia ni inspire verla dos o tres veces. Una cosa es la historia, algo que falla desde el comienzo, al inicio de la misma se ve un auto que arroja una bolsa a una puerta. Desde ese momento uno sigue mirando, en mi caso creí que era un gags y había que reírse, pero no fue esa la sensación que me transmitió, y luego el gran conflicto, un orfanato en venta, un conflicto demasiado usado en las comedias yankees, que a mi gusto hace que la película pierda la esencia.
En fin, creo que se imaginan como sigue la historia, ellos tratando de conseguir dinero suficiente para salvar al orfanato, si eso se imaginaron, les tengo que decir: sí, así es, lo interesante seria ver qué y cómo hacen para conseguirlo. Opero al igual que lo anterior, eso no importa, y ahora es en donde por fin hay algunos gags, que si bien son bastante vistos en las comedias de hoy, nos hacen reír y entretenerlos por un ratito. Vamos a otra cosa esta vez hay que decir que los actores fueron muy bien lookeados y que caracterizaron a los personajes originales, pero no llegan a satisfacer esa necesidad de ver la gran comedia que parecía que era. Para resumir, la película entretiene a grandes y chicos, como dije anteriormente la película se queda en la típica comedia yankee del orfanato en venta, los malos, los héroes que fallan y el amigo rico que salva todos y viven felices. Federico Páez
CRÍTICA
EL PLAN PUEDE FALLAR...
TODOS TENEMOS UN PLAN
De la trayectoria de Viggo Mortensen poco puedo agregar, con una filmografía bastante pesada en su espalda y que acepte un papel en una peli Argenta con una directora debutante en la gran pantalla, es al menos sorprendente más allá de que la productora en cuestión ganó un Oscar con El secreto de sus ojos. El proyecto te compra desde la previa, admito que el trailer puso la vara un poco alta y entré a la sala esperando un thriller que me obligue a tirar el ancla en los adjetivos más ostentosos. La apuesta de esta opera prima camina entre el drama y un thriller que recuerda -salvando las distancias- El Aura del genial Bielinsky, por su aire misterioso y su violencia, pero que por momentos muestra una faceta mas hitchcockeana con un suspense inacabado y un aire más intimista. El núcleo de la historia es un viejo conocido, un tipo que adopta la personalidad de su gemelo, en busca de otra vida en el delta del Tigre, heredando la oscuridad y parsimonia que este llevaba en su desarraigo. El ida y vuelta de la narración, con su lentitud confusa e inquietante nos deja una
sensación de que con una vuelta de tuerca más, se hubiera edulcorado el sabor que te deja ni bien aparecen los créditos finales. Si buscamos los puntos a favor, el quid de la cuestión está en una puesta en escena deslumbrante, visual y sonoramente la película esta ‘pipí-cucu’. La dirección de arte nos pinta escenarios sombríos que se acentúan con una fotografía más que destacable, una música invasiva que suma y mucho, como también las actuaciones correctísimas en Mortensen, Daniel Fanego que brilla y una Sofía Gala que crece con los minutos. Únicamente me hubiera gustado ver a Soledad Villamil en la piel de un personaje mas profundo, aprovechándola un poco más. Así y todo, no me alcanzó, teniendo de donde agarrarse, la trama se hunde en ese río pantanoso que retrata con tanta eficacia. Gonzalo Moncalvillo
CRÍTICA
EL LEGADO DE BOURNE EL DESPLOME DE LA FRANQUICIA
Vuelve Bourne, pero no es así del todo cierto. Es en parte una gran mentira de la productora para seguir lucrando a través de una historia que ya había culminado. Pero en este nuevo comienzo vemos que la película ya no tiene nada que ver con Jason Bourne que era interpretado en las tres películas anteriores por el actor Matt Damon. Este solo aparece en pocos momentos insinuado por los agentes o en fotografías, pero el argumento está bastante alejado a la historia de este agente del cuerpo especial de la CIA por razones de que el actor ya no esta más en el elenco. En esta película se nota como utilizaron la historia que fue desarrollada durante la trilogía anterior con Damon, para sacar una rama hacer otra historia e introducir a un nuevo protagonista, un nuevo agente que debe luchar nuevamente en contra del sistema de su propia agencia especial. Este Agente es encarnado por el actor Jeremy Renner. Durante la película no sabemos casi nada sobre este personaje, sobre su origen, ya que no dan
demasiados indicios, tampoco dejan demasiado claro su objetivo, ya que nunca se ve uno que tenga mucha importancia. Convirtiéndola en una película con poco argumento y con muchos cabos sueltos para una posible continuación. Las escenas de acción tampoco rescatan la película, ya que son muy pocas y la mas importante que transcurre casi llegando al clímax de la película deja bastante que desear, ya que nos hace pensar que esperamos toda la película solo para llegar a este enfrentamiento con un antagonista que no aparece en ningún otro momento anterior de la pelea y al enfrentarse en una persecución todo se resuelve rápidamente, volviendo todo predecible, sin nada que nos sorprenda. Es así como te vas de la sala de cine con sabor a nada en la boca y pensando: ¿Por que pagué una entrada para ver esto?, quizás con una de Disney me hubiera ido más contento. Kevin Alvarez
CRÍTICA
AMIGOS INTOCABLES
AMIGOS INTOCABLES Esta es una película dirigida por los directores Eric Toledano y Olivier Nakache. Habla de la amistad que surge entre un hombre tetrapléjico y el hombre que contrata como su ayudante y enfermero personal. Es una historia basada en hechos reales. Cuando uno piensa en esta película, le viene a la mente un gran drama en donde salimos de la sala llorando. En este caso es todo lo contrario, tenemos una película que goza de un humor sutil, que toma cosas de la vida cotidianas y la pone en un contexto en donde da como resultado una comedia increíble. Para empezar tenemos personajes diferentes a lo esperado, el hombre tetrapléjico no es autocompasivo, ni tampoco se limita; el que se convierte en su cuidador es un hombre de clase baja, que lo único que quiere o que le importa es el dinero fácil. Así que teniendo a estos dos personajes, los directores los metieron en una casa y los dejaron interactuar. Y en ese convivir aprenden mutuamente, van mas allá de sus límites auto impuestos, ven más allá de ellos mismos.
Pero así y todo cada uno mantiene su esencia, lo que a su vez los hace únicos. Después de esto tenemos los lugares en donde transcurre la película, están tratados de forma que se vean naturales, para nada artificial y esto te hace introducir en esta historia de descubrimiento y aceptación. Cada momento transcurre en un tiempo tan particular, que aunque parece alargarse cada minuto, al final no sentís que se haya desperdiciado nada, todo tiene algo que contar, cada persona, cada lugar y cada momento, esto da como resultado un film que es más profundo de lo que parece. Es una gran película de la cual puede disfrutar cualquier persona, porque cuenta con los ingredientes necesarios para que se nos sea a la vez propio y ajeno. Gisela Alloco
CRÍTICA
AMIGOS INTOCABLES
AMIGOS INTOCABLES La película me había generado muchas expectativas, sabía que en su país había tenido una excelente aceptación por el público, tanto fue el éxito que se convirtió en la película más taquillera del cine francés después de Bienvenido al norte. Fue Dirigida por los directores Olivier Nakache y Éric Toledano e inspirada en una historia real. Es una película amable, emotiva, divertida y muy positiva que cuenta la historia de un parapléjico rico llamado Philippe, que buscando a una persona para que cuide de él, se topa con Driss, un hombre de test negra que reside en un barrio pobre. Driss solo va a la entrevista de trabajo para que le firmen una carta presencial, ya que al sumar unas cuantas de ellas le darán una paga y con el dinero podrá sobrevivir un tiempo. A Philippe le cautiva la espontaneidad de Driss, su ignorancia, su franqueza, su manera de ver la vida, de tomarse las cosas con gracia y lo contrata. Drisque solo buscaba una firma, encontró mucho más que eso, un trabajo y un gran compañero. Entre ambos va surgiendo una gran amistad. Es clave para la película la maravillosa química que
existe entre los personajes. Destaco el gran trabajo de interpretación de los actores François Cluzet (Philippe), Omar Sy (Driss), verdaderamente hacen que el cariño que se tienen dos personajes de mundos opuestos y radicalmente distintos, traspase la pantalla. A pesar de la terrible enfermedad de uno de los protagonistas, nunca lo vemos como algo malo o trágico, al contrario, siempre lo vemos desde un lado divertido (no burlista). Philippe a pesar de su condición quiere seguir adelante con su vida, su trabajo e incluso en el amor y conserva sobre todas las cosas un gran sentido del humor. La película nos ofrece momentos muy divertidos, de hecho es una hermosa comedia desde que empieza hasta que termina. Personalmente me reí muchísimo, sobre todo con algunas locuras del cuidador que me hacían aplaudir en medio de la película. Un film emotivo y divertido que creo va a gustarle a más de uno. Cristian Pereyra
CRÍTICA
EL CABALLERO DE LA NOCHE
EL CABALLERO DE LA NOCHE
Este año se estrenó la última película de una trilogía comenzada en el 2005 por el director Christopher Nolan, protagonizadas por el gran actor inglés ganador de un Oscar Christian Bale. En esta última entrega podemos ver a un Batman que luego de su ausencia tras 8 años debe volver para luchar contra el nuevo villano de Ciudad Gótica, que en este caso es Bane encarnado por el actor ingles Tom Hardy. La película cuenta también sobre más personajes como lo son Gatubela (Anne Hathaway) el joven oficial John Black (Joseph Gordon-Levitt), Miranda Tate (Marion Cotillard) y vuelven a aparecer los mismos personajes de las anteriores películas, James Gordon (Gary Oldman), Alfred (Michael Caine) y Lucius Fox (Morgan Freeman). La gran cantidad de personajes en la película lleva a que no se puedan llegar a caracterizar bien cada uno y por ello se recurre a explicarlo de manera muy sutil, no dejándonos muy claro quienes son, de donde salieron y por que hacen lo que hacen. También se recurre mucho a los diálogos para explicar todo y escenas que quedan colgadas que no son necesaria para desarrollar la historia. A medida que vas
siguiendo la película ya es fácil anticipar lo que va a suceder y por momentos llega a aburrirte o hacerte desear que aparezca Batman de una vez por todas para verlo en acción. En cuanto a las escenas de acción son muy flojas, ya que en el momento que Batman se enfrenta a Bane en la pelea culmine se puede ver una pelea muy floja en cuanto a la coreografía en las cuales se nota que en verdad no se golpean. La sensación que transmite la película es que la ultima entrega y que todo tiene que quedar perfecto para una gran culminación de la trilogía, por lo que te tiene a la expectativa por ser la tercera y última tiene que ser mejor que la anterior y llevarse por delante a las anteriores, es por eso que termina siendo demasiado efectos especiales y deja de lado el ingenio de un buen final. Siendo un gran fan de Batman me dejó bastante decepcionado y con la idea de que no hay más Batman y si lo llegara haber, no será el mismo. Kevin Álvarez
DEBATE
Una mirada oblicua sobre la violencia en la ficción audiovisual y sus efectos sociales
YO SEÑOR, SI SEÑOR, NO SEÑOR, PUES ENTONCES QUIÉN LA TIENE por Pablo Natta Cuando James Holmes se levantó de su butaca en un cine de Denver, Colorado, y comenzó a disparar contra los espectadores que veían Batman 3, el caballero de la noche asciende matando a 12 e hiriendo a más de 50, no sólo despertó el horror y el estupor en el mundo del cine. También reabrió el debate en torno a los efectos que la cultura tiene en la sociedad, como si cultura y sociedad fueran cosas diferentes y no caras de una misma moneda. Un debate que no cesa y que se actualiza en cada niño jugando al counter strike, call of duty o cualquier juego de PC o consola en el que haya sangre a raudales.
Debate que atraviesa las reflexiones en torno a lo que pasa por las cabezas de los jóvenes que gozan de las películas híper violentas, o de los más pequeños frente al chupete electrónico de dibujos animados con piñas y cachetadas. Desde Los tres chiflados a Tom & Jerry, Transformer o Los Simpsons, la discusión parece ser si la violencia de la ficción audiovisual produce personas violentas. Es decir, si veo en la tele un personaje matando al otro, naturalizo esa acción y me convierto en un potencial asesino. Hay un discurso social que dice que el tipo que mató a 12 espectadores en el estreno de Batman disfrazado del guasón, es el producto de horas y horas de exposición a la violencia audiovisual. Pura ingenuidad o, peor, estupidez. Esa reflexión pretende tomar los efectos por causas e invierte la responsabilidad de quién/es o qué produce en la sociedad una serie de situaciones tensas, enfermas, que llegan a ser mortales como en éste caso. Hay múltiples abordajes de esta problemática desde el cine, como la que ofrece Michel Moore en Bowling for Columbine, o Gus Van Sant en Elephant. Ambas, intentan descifrar los móviles, las causas de quienes montaron la matanza en una escuela media norteamericana. No es éste el espacio en el que podamos desarrollar las ideas tendientes a aportar indicios para una reflexión definitiva, pero sí podemos hacernos algunas preguntas. ¿Por qué suceden, cíclicamente, estos hechos en EE.UU. y no de la misma manera en otros países? ¿Qué relación puede tener que este país tenga el record olímpico en Guerras desatadas en todo el mundo desde 1950 a la fecha? ¿Qué importancia reviste el hecho de la venta libre de armas en los EE.UU a cualquier persona que tenga 200 dólares? ¿Qué impacto tendrá la cultura individual, hedonista, consumista e hiper competitiva? Y sigue la cadena de etcéteras de dudas.
CÓRDOBA ELEGIDA PARA FILMAR SERIE NORTEAMERICANA
EL SUEÑO DE LOLITA
La vedette cordobesa Verónica Vaira fue elegida por una productora extranjera para protagonizar El sueño de Lolita, una novedosa serie que comenzara a grabarse en Córdoba para luego recorrer el resto del mundo. Importantes empresarios del rubro cinematográfico realizaran un nuevo proyecto televisivo. Una serie basada en una atrapante y conmovedora historia. Para esta gran producción fue convocada la conocida actriz y vedette Verónica Vaira. Gracias a sus sugerencias y confianza en los talentos locales, convenció a la productora para apostar con la participación de talentos cordobeses: bailarines, actores y cómicos argentinos. Todo comenzara en la ciudad de Córdoba donde se difundirá su cultura y se mostraran sus tradiciones y paisajes serranos. Luego las grabaciones se proyectaran hacia diferentes países y ciudades de Latinoamérica y Norteamérica. El proyecto está orientado hacia una faceta artística y cultural. En donde se revelara un inmenso abanico de ofertas: Música, baile, erotismo, pasión, drama, suspenso y humor. Principalmente estará basada en hechos de la vida real y en las vivencias cotidianas de sus protagonistas. Promete ser una historia realmente fascinante y divertida, llena de energía y aventuras. Enfocada hacia todo público, jóvenes y adultos se verán reflejados en cada uno de sus personajes, con los cuales disfrutarán en cada uno de sus episodios de travesuras y dramas.
Para este Sueño de Lolita, no solo contaran con Verónica Vaira como actriz principal, sino también estarán acompañando a la vedette grandes actores como Rodrigo Aragón, destacado actor y músico proveniente de familia de artistas, (hijo de la reconocida actriz Silvia Montanari). Otro aporte muy importante y prestigioso será la producción musical a cargo del internacionalmente conocido músico y compositor Gustavo “STUKA” Fossa, ex integrante del grupo Los Violadores quien además tendrá una destacada participación en la serie. También estarán junto a ellos Oscar Demonte, Leandro García y la participación de Yanina Di Rienzo, una conocida bailarina de la ciudad de Villa Carlos Paz. No solo estarán presentes todos estos matices antes mencionados, también habrá una fabulosa puesta en escena de alto nivel artístico y escenografía de lujo. El rodaje comenzará en el mes de septiembre en nuestra provincia y en distintas localidades, con el soporte técnico del conocido programa cordobés El Signo. Luego desembarcarán en la ciudad de México, Miami y Las Vegas, donde se convocaran a diferentes artistas internacionales. La producción general estará a cargo de la productora O.R.D. QUALITY FILM. La musicalización de la mano del antes mencionado Gustavo “STUKA” Fossa. Ésta promete ser una increíble historia, que tendrá lo que el público espera ver, una propuesta cautivante que posee todos los condimentos para convertirse en un gran éxito.
ESTRENOS DE SEPTIEMBRE
ESTRENOS LA PELEA DE MI VIDA 3D Género: Acción Nacionalidad: Argentina Reparto: Mariano Martinez, Federico Amador Director: Jorge Nisco
TED Género: Comedia Reparto: Mila Kunis, Mark Wahlberg Director: Seth MacFarlane TED es la primera película del creador de la exitosa serie animada Family Guy, Seth MacFarlane. En esta historia, el sueño de un pequeño niño se convierte en realidad cuando su oso de peluche cobra vida y se convierte en el mejor amigo de John (Mark Wahlberg). Hasta que un día ambos crecen y deben vivir sus vidas por separado, situación motivada por Lori, su novia.
Alex, un gran boxeador, se tuvo que ir del país avergonzado y humillado por haber perdido una pelea. Un día le cambiará su vida una noticia que lo hará volver y lo hará luchar. Hay un fruto del amor que él abandonó, un pequeño hijo de 8 años, Juani, que no sabe que él es su padre. Juani vive con su padrastro, actual campeón del mundo, arrogante y millonario, Bruno. Alex, volverá para recuperar su honor y su dignidad. Grandes personajes, con grandes conflictos y una meta muy clara: la pelea final, para recuperar a su hijo.
360
TODOS TENEMOS UN PLAN
EL CÓDIGO DEL MIEDO
Género: Suspenso Nacionalidad: Argentina Reparto: Viggo Mortensen, Soledad Villamil Director: Anna Piterbarg Todos tenemos un plan cuenta una historia policiaca que se desarrolla en la región de Tigre. Viggo Mortensen interpretará a un hombre que asumirá la personalidad de su fallecido hermano gemelo.
Género: Drama Reparto: Anthony Hopkins, Jude Law Director: Fernando Meirelles La cinta, protagonizada por Rachel Weisz, Jude Law y Anthony Hopkins, presenta historias de amor y de relaciones humanas de personas de diferentes ciudades y países, en la que la decisión de un hombre de serle fiel a su esposa desencadena distintas consecuencias.
Género: Acción Reparto: Jason Statham, Anson Mount Director: Boaz Yakin Una muchacha joven china tiene secretos de armas de destrucción masiva, las cuales quieren conseguir tanto la Mafia china como la mafia rusa. La muchacha se reúne con un Soldado de Fortuna y él la protege del rapto y el asesinato por los agentes de la Mafia rusa y china en los EE.UU., ambos de los cuales compiten para encontrar a la muchacha y conseguir los secretos que ella posee para así chantajear a los gobiernos mundiales.
LA MÁQUINA QUE HACE ESTRELLAS Género: Infantil Reparto: Lucila Gomez, Pablo Gandolfo Director: Esteban Echeverria Pilo es un niño extraterrestre que vive con su madre en una pequeña casa en uno de los asteroides del cinturón que rodea al planeta Ankj. Todas las noches sale a su balcón esperando que las estrellas hayan desaparecido del cielo ya que, según su abuelo, existe una máquina que genera las estrellas cada noche y los miembros varones de su familia son los encargados de repararla. Día tras día su abuelo le cuenta historias de cuando él era el reparador. Pilo alucina con ellas y espera el día en que las estrellas desaparezcan, para poder acompañarlo en la próxima reparación. Sin saber, en realidad, que cuando eso suceda, él tendrá que cargar solo con la responsabilidad. Así, Pilo vivirá una enorme aventura viajando a reparar la máquina para devolverle las estrellas al universo. El viaje lo cambiará para siempre, convirtiéndolo en hombre y en héroe.
BLANCANIEVES Género: Drama Reparto: Maribel Verdú Daniel Giménez Cacho Pere Ponce. Director: Pablo Berger Blancanieves, de Pablo Berger, es una adaptación del popular cuento de los hermanos Grimm, ambientada en los años 20 en el sur de España. Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra, Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen, emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de enanos toreros. Con un final inesperado y sorprendente, Blancanieves nos descubrirá que “la vida no es como en los cuentos”, sino como en un melodrama gótico.
RESIDENT EVIL VENGANZA
VACACIONES EXPLOSIVAS
Género: Acción, Ciencia Ficción Reparto: Milla Jovovich Sienna Guillory Shawn Roberts Director: Paul W.S Anderson
Género: Suspenso Reparto: Mel Gibson, Peter Stormare Director: Adrian Grunberg
Alice ha sido capturada por la corporación Umbrella y despierta en el corazón de una de las instalaciones de la compañía; mientras se mueve en las instalaciones, se revela más de su pasado y continúa la caza de los responsables de la epidemia. Su búsqueda la lleva a conocer nuevos aliados, de Tokio a Nueva York, Washington D.C. y Moscú. Después de una sorprendente revelación, Alice se ve forzada a reconsiderar todo lo que alguna vez creyó cierto.
Ha sido un mal día para Driver y no parece que se vaya a poner mejor. Acaba de hacerse de un gran botín de millones de dólares que podrían darle unas más que agradables vacaciones de verano. Pero durante una persecución a alta velocidad con una patrulla fronteriza y cargando un cuerpo malherido en el asiento de atrás, Driver vuelca su auto incrustándolo a través del muro que delimita la frontera con México. Apresado por las autoridades mexicanas, es enviado a una prisión de alta seguridad donde conocerá el extraño y peligroso mundo de "El pueblito", la prisión más dura de todo el país. No será un lugar fácil en el cual sobrevivir como extranjero, pero Driver consigue la ayuda más inesperada en un niño de diez años que conoce como pocos el lugar.
CONFERENCIA DE PRENSA CON
ADRIÁN SUAR “Creo que amparados en la comedia uno puede hacer que entre todo lo que quiere expresar de buena manera” En el mes de agosto Celuloide tuvo la posibilidad de cubrir la avantpremiere de Dos más Dos, la última película de adrián Suar. En la siguiente nota podremos leer la conferencia que presento Adrián Suar junto al director de la película Diego Kaplan y Juan Vera, uno de los guionistas del film.
Adrián, la película toma la temática Swenger ¿pero se podría decir que no está directamente relacionado con ello? Así es, en la película el disparador es el intercambio de parejas pero el funcionamiento de la película atraviesa la fantasía dentro de las parejas y todo aquello que no hablamos, que no decimos, que no nos dicen y que tenemos ganas de que nos digan. A partir del swenger es que se empieza a mover la historia. ¿Y crees que los argentinos somos prejuiciosos a estos temas? Creo que sí, avanzo muchísimo y tenemos más libertad pero creo que más que prejuicioso se trata de mal o buen gusto. Uno puede ser prejuicioso pero ve algo que está bien hecho y lo percibís de buena manera. Nosotros nos preocupamos mucho de que no haya algo que genere rechazo al espectador porque entendemos que hay un público más joven y más adulto.
Creo que amparados en la comedia uno puede hacer que entre todo lo que quiere expresar de buena manera. Entonces hubo que tener mucho cuidado con las escenas de alto voltaje… No sé si tiene escenas de alto voltaje si quizás un poco jugadas pero fundamentalmente tiene mucho humor. De esta manera el humor aliviana todos esos momentos. Y… ¿Adrián Suar es más parecido a su personaje o a la forma de ser del personaje de Julieta Díaz? Me parece que es un mix entre los dos. En el mix tenemos los personajes de Carla, Minujin y Julieta que me empujan para que yo quiera hacer el intercambio y me resisto para no hacerlo. Creo que hay algo de lo de Julieta Díaz de investigar y ver. Por suerte tengo una edad en que la fantasía todavía se mantiene, se va apagando pero esta.
–Entre risasEl personaje me gustó mucho interpretarlo porque me interesaba la temática y me gusto como hicimos la película, me gusto el humor que es donde yo me siento más cómodo y es donde me siento que tengo más para dar. Hablando de la comedia, ¿crees que está recuperando una fuerza en el cine argentino que había perdido? Creo que a veces la comedia para la crítica o la gente es como un género menor, igualmente creo que este concepto fue mermando con el tiempo. Los últimos años la comedia fue tomando la importancia que merece, para mí la comedia es el género mayor. Diego ¿Cómo surgió la trama de la película? Son experiencias vividas personales. –Entre risasEmpieza de la mano de Juan Vera y pensando en aquello que no se habla en público o en la pantalla.
El intercambio de parejas, como dijo adrián, es el disparador. ¿La elección de los personajes fue compartida con Adrián? Si, digamos que siempre funciona de la misma manera vos tenes que buscar dos chicas que te puedan calentar en la pantalla, en la vida, que te gusten. Tenes que buscar una persona que te amplifique las emociones. Los cuatro actores son unos genios y a mí me la hacen fácil, con ellos es bueno compartir un rodaje. -Adrián Suar agrega- La verdad que estamos orgullosos de haber hecho esta película. Vamos a ver qué le pasa a la gente con Dos Más Dos pero fue muy angelado todo el proyecto desde el comienzo creativo.
¿Cómo se trata el tema de las copias, en el sentido por ejemplo de competir con películas como Batman el caballero de la noche asciende? Depende de la película, en el caso de Batman si hay una pelea pero Dos más Dos tiene un gran lanzamiento. Las películas fuertes argentinas apuestan fuerte. A veces otras películas argentinas realmente deberían tener mayor distribución, pero hay películas y películas. Tenemos films que se caen solos, otras que se deberían aguantar pero también tenes tanques como Batman y contra eso es muy difícil competir, también es el gusto de la gente y es difícil competir con eso. ¿Qué sentimientos quieren producir con la película? -Adrián Suar responde rápidamente-Amor, odio, lujuria. -Y Diego Kaplan agregaSobre todo discutir, O sea vas al cine y la peli se te va apena salís, acá no pasa eso sino que te queda un día, una semana o un café discutiendo sobre la peli. Te dura un rato. Es una película para el debate, e insisto es un tema que se habla todos los días pero a puertas cerradas no en público. Nota: Lionel Alisi Fotografía: Lihué Capdevila
RESIDENT EVIL: DE LA CONSOLA A LA PANTALLA GRANDE
Resident Evil es la mayor saga de videojuegos de terror y estrenará en la pantalla grande la quinta adaptación del mismo nombre. En la actualidad, la empresa Capcom se encuentra trabajando en la distribución de la nueva película de animación Resident Evil: Damnation. Además, los fanáticos esperan el nuevo juego Resident Evil 6 para consolas de nueva generación.
La historia del éxito 1996… Sería el año que vería a la luz el primer Resident Evil. La historia se elaboró arduamente y pasó de fantasmas a zombies inspirados en las películas de George A. Romero, como también se modificó la perspectiva de primera a tercera persona para crear un ambiente más terrorífico y envolvente. Otro recurso visual que se recuerda de este juego y posteriormente aplicado a toda la saga es la idea de que cada puerta que se abre funcione como una animación independiente la cual generaba cierta tensión e incertidumbre debido al no saber que está por venir.
policía de Raccon o los laboratorios de la corporación Umbrella. Con el éxito de Resident Evil 2, Capcom cumplió el objetivo de vender millones de copias pero el creador de la saga, Shinji Mikami no quedó conforme con el resultado final de la segunda entrega y usando como base directa el Resident Evil 2 se planteó una trama que ocupara las horas previas y posteriores terminando con la destrucción de la ciudad.
Cómo no recordar la presentación del primer Resident Evil que incluía una secuencia con actores reales (live action) como si tratara de una película clase B. El videojuego se convirtió en un éxito; en primer lugar salió para la consola Playstation para luego llegar a PC y Sega Saturn. Con esta entrega se impuso una gran historia de ficción y se hicieron mundialmente conocidos personajes como Albert Wesker, Jill Valentine o Chris Redfield. Esta primera entrega generó ansias de una segunda parte por lo que Capcom debió lanzar dos versiones reeditadas de esta primera, por un lado la Director's Cut, y por el otro lado la Dual Shock. A pocos meses del lanzamiento en 1996, Resident Evil ya era el título más vendido y luego de varias pruebas fallidas en 1998 llegó Resident Evil 2. En esta segunda entrega se mantuvo la solución gráfica de los fondos ya renderizados en planos fijos y se mejoró la calidad de los polígonos que se moverían por ellos. En la historia de Resident Evil 2 se presentó al virus G y dos personajes que tomaron mucha fuerza a lo largo de toda la saga, Leon S. Kennedy y Claire Redfield. También se pasó de la mansión Spencer a la amplia Ciudad Raccon (Raccon City) permitiendo jugar en lugares abiertos y nuevos escenarios como el Departamento de
En 1999 llego a las consolas Resident Evil: 3 Némesis. En esta entrega se restringió el uso de un solo personaje: Jill Valentine pero se agregó una modalidad de decisiones en tiempo real que alteraban el desarrollo de la trama. Hay que destacar que la tercera entrega incrementó el número de zombies, además se presentó al jefe final más icónico de toda la saga: NEMESIS. Este enemigo podía esquivar proyectiles, correr y usar armas pero lo más sorprendente e innovador fue que podía perseguir al protagonista a través de diferentes pantallas consecutivas.
Se acercaba el nuevo milenio y se acercaba el paso a una nueva generación en consolas lo que trajo un cambio significativo para la saga ya que Resident Evil: Code Veronica sería el primer título realizado cien por ciento en tres dimensiones. El juego fue como un regreso al espíritu de la entrega original pero se cambió la gran ciudad por una prisión en una isla repleta de zombies y se incluyó una réplica de la mansión Spencer original situada en una base secreta en la Antártida. En esta entrega se presentó el regreso de Claire Redfield al igual que su hermano Chris y el villano más importante de toda la saga Albert Wesker. Corría el año 2001, Capcom firmó un contrato con Nintendo lo que dio dos títulos exclusivos, Resident Evil: Remake mientras que el otro fue Resident Evil: Zero. Resident Evil: Zero fue la última entrega en usar el sistema clásico de movimiento y juego, la trama nuevamente presentaba a dos personajes para controlar: Billy Coen y Rebecca Chambers. Tres años más tarde llegaría el tercer juego del acuerdo con Nintendo titulado Resident Evil 4. En el proceso creativo de esta entrega hubo varias pruebas fallidas y uno de los proyectos no se
descartó del todo, se le dio otra estética y se conoció con el nombre de Devil May Cry. Luego de muchos intentos Shinji Mikami se encargó de la dirección del proyecto y lo que era conocido como Survival Horror se redefinió como Survival Action. El primer cambio significativo fue sacar los lentos zombies por humanos controlados por parásitos, los cuales eran más inteligentes y rápidos siendo capaces de realizar diversas acciones. En cuanto a la cámara, pasó a ser totalmente libre, posándose sobre el hombro del protagonista cuando éste apunta su arma. También se crearon acciones especiales para el protagonista dependiendo del contexto y algo interesante fue la posibilidad de interactuar con las cinemáticas. El juego presentó nuevamente como protagonista a Leon S. Kennedy en cuya misión debe rescatar a la hija del presidente de los Estados Unidos de las manos de una secta diabólica, pero Albert Wesker y la enigmática Ada Wong están más involucrados en todo el asunto de lo que uno cree. Finalmente en el 2010 llegó la quinta entrega de la saga Resident Evil 5 únicamente para consolas de nueva generación. El juego cuenta de una mejora gráfica significativa, el sistema del juego es similar a Resident Evil 4 pero se reintroduce en muchas de las temáticas del Resident Evil original. El protagonista de esta entrega es Chris Redfield acompañado por Sheva Alomar. En el bando de los malos nos encontramos a uno de los personajes más significativos Albert Wesker, una interesante compañera de turno Excella Gione y una secuaz que a la hora de descubrir su rostro fue una gran sorpresa. Ahora no queda más que esperar para luego del fracaso de Resident Evil Operación Raccon City veamos qué rumbo toma la historia en Resident Evil 6.
Sin duda, Resident Evil es un éxito de consolas, merchandising y películas, pero ese éxito se debe a los fanáticos incondicionales de la saga, es por eso que entrevistamos a dos seguidores de la saga Resident Evil que nos brindarán su percepción a cerca de los juegos y las películas. -El primer seguidor se llama Mario Cardoso y expresó lo siguiente: “Al videojuego lo puedo definir como un juego de acción más que de terror, porque considerando los últimos Resident Evil se ha desvirtuado mucho el tema del terror que aparecía en los primeros títulos y han apuntado a un camino más dinámico de acción. Si te fijás en las últimas entregas en los escenarios hay demasiada munición y no te da esa sensación de peligro inminente que daban los primeros juegos donde la munición era muy escasa y los zombies te acorralaban fácilmente. El cambio de rumbo fue porque el género ya se estaba saturando, se volvió muy repetitivo en cosas como resolver rompecabezas para destrabar un pasadizo. El paso de género fue bueno, sin embargo con Resident Evil 4 no hubo un gran trabajo de guión y al introducir el virus Las plagas se abrió una saga que seguramente dará muchos juegos más. Por otro lado, Resident Evil 5 retomó mejor la historia y volvió a la idea de la entrega original pero la jugabilidad es la misma que Resident Evil 4. El éxito actual a nivel mundial se debe a la acción, ya que últimamente los juegos que más éxito tienen son los de acción; fíjate Dead Space o Left 4 Dead mantienen el terror pero abunda la acción y no te da esa sensación de peligro inminente que decíamos anteriormente.
Las tres primeras entregas fueron exitosas siendo puramente de terror porque no había nada parecido. Las primeras partes tenían zombies lentos, peligrosos que no pensaban mucho y lograron crear una atmósfera muy interesante, además era difícil moverte. En el juego se creaba una sensación de agobio porque los enemigos podían atraparte rápidamente, ahora los zombies evolucionaron hasta parecerse a los del film Exterminio. El personaje de Albert Wesker le dio muchos seguidores a la saga, porque es un personaje muy misterioso y fue el factor para que la última película Resident Evil: Afterlife sea la mejor de todas”. -El segundo seguidor del juego, Gustavo Ancarani nos comentó: “El éxito de Resident Evil se debe a que si bien pasan los años el juego se sigue redefiniendo de distintas formas. Si vos miras, por ejemplo en la primera entrega ofrece un buen sistema de jugabilidad, con una historia que daba miedo e incentivaba a seguir jugando. Con Resident Evil 2 y Resident Evil 3 se agregaron pequeñas cosas que modificaron la jugabilidad hasta revolucionarla como hicieron con la cuarta edición. La saga se podría decir que tiene tres etapas, esta toda la etapa del juego original que tiene los mismo controles, la misma cámara que no se mueve, después tenes la etapa de la cuarta entrega que cambia totalmente la formula y la reinventa desde cero para mejor. Por último, la etapa post Resident Evil 4 donde toma una ruta que se aleja del survival horror y se acerca al survivalaction.
Creo que el paso a la acción no fue un problema para los fans, la complicación estuvo en una mala decisión de diseño, por ejemplo en Resident Evil 5 hay escenas que no tienen mucho sentido. Sin duda el éxito de la saga se debió a la historia y a los personajes, más allá de la jugabilidad te pones a jugar para saber que pasa en la trama, saber acerca de la epidemia, quien es Nemesis, que pasa con Chris o Leon y todos estos aspectos a medida que uno se va adentrando en el juego te aportan a la historia y engloban toda la serie hasta darte una imagen completa. Albert Wesker fue fundamental para el éxito de la saga ya que muchos juegan para verlo a él, porque es un villano inteligente que sabe lo que hace y da mucho miedo al enfrentarlo, el personaje está muy bien desarrollado. En Resident Evil 5 al poner a Wesker dieron en la tecla, eso ayudo a que el juego sea bueno. La saga se caracteriza en cada etapa por algo diferente, las primeras representaban al survival horror después las siguientes entregas apuntaron a explorar, profundizar la historia o desarrollo de personajes y después hay otro Resident Evil que está más orientado a crear un ambiente que de adrenalina. En Resident Evil 5 se juntaron Jill Valentine, Chris Redfield y Albert Wesker, porque es un círculo completo que busca volver al principio de la saga y a la fórmula de la primera entrega en donde comenzó todo. Cada entrega busca captar una estética diferente para dar distintos tipos de miedos ya sea abierto al aire libre al estilo El proyecto Blair Witch o terror claustrofóbico en una vieja mansión”. Lionel Alisi
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