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Presentaciones Presentations Beatriz Bustos Oyanedel – 9 / Chris Saines CNZM - 13 / Dra. Zara Stanhope - 21
Sadik Kwaish Alfraji Kushana Bush Chris Charteris Nona Garcia Simon Gende Lola Greeno Joyce Ho Ly Hoàng Ly Hou I-Ting Ali Kazim
39 43 49 53 57 63 67 71 75 81
7
Dinh Q. Lê Idas Losin Aditya Novali Bona Park Wit Pimkanchanapong Iman Raad Margaret Rarru y Helen Ganalmirriwuy Hassan Sharif Listado de obras List of works – 123 Créditos Credits – 132
85 91 95 99 103 107
113 117
21
Presentación Presentation
Directora Curatorial, Arte de Asia y el Pacífico
Dra. Zara Stanhope
Una ventana al mundo A window onto the world
Si consideramos las últimas décadas de la his-
When considering the past few decades of global
toria global, es probable que nos encontremos
history, perhaps the one constant is an ever-in-
con que la única constante es una velocidad de
creasing rate of change. This is true within Austra-
cambio cada vez mayor. Esto es cierto dentro de
lia, just as it is in South America. Yet the dynamics
Australia, al igual que lo es para América del Sur.
in a region as geographically disparate as Asia and
Sin embargo, la dinámica en una región tan geo-
the Pacific — with its many languages, intersect-
gráficamente diversa como Asia y el Pacífico —con
ing and overlapping histories, rapidly developing
sus múltiples idiomas, historias que se entrecruzan
economies and growing populations — stimulates
y superponen, economías en rápido desarrollo y
very specific narratives and dialogues. The Asia
poblaciones en crecimiento— estimula narrativas y
Pacific Triennial of Contemporary Art (APT), an
diálogos muy específicos. La Trienal de Arte Con-
ongoing exhibition series organised in Australia
temporáneo de Asia Pacífico (APT), una serie de
since 1993, gives a window onto this world through
exposiciones organizadas en Australia desde 1993
the talented and vibrant lens of its artists. It is an
y aún en vigencia, abre una ventana a este mun-
exceptional opportunity to now share this unique
do a través del lente talentoso y vibrante de sus
and dynamic contemporary practice with the peo-
artistas. Poder compartir esta práctica contempo-
ple of Chile, and the world.
ránea, única y dinámica, con la gente de Chile y el mundo es una oportunidad excepcional. Esta exposición, curada para Santiago y
This exhibition curated for Santiago, drawn largely from the Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art’s (QAGOMA) ‘9th Asia Pacific Tri-
cuyas piezas provienen mayoritariamente de la
ennial of Contemporary Art’ (APT9), 2018–2019,
Novena Trienal de Arte Contemporáneo (APT9)
reflects some of this dynamic. The APT is unique
2018–2019 organizada por Queensland Art
in the artworld in its presentation of ideas, forms,
Gallery | Gallery of Modern Art (QAGOMA), re-
beliefs and discussion found in contemporary art
fleja algo de esta dinámica. La APT es única en
from across Asia, Australia and the Pacific.1 This
el mundo del arte en su presentación de ideas,
exhibition brings together work selected from
formas, creencias y discusiones encontradas en el
APT9 as well as from several past APTs, by 19 art-
arte contemporáneo a través de Asia, Australia y
ists from disparate contexts across 13 countries. It
el Pacífico.1 Esta muestra reúne una selección de
presents an exceptional opportunity to consider
obras de 19 artistas de diversos contextos a lo largo
both singular artworks and the current state of
22 de 13 países; obras que fueron expuestas en APT9
many artists’ practices, which together generate
tanto como en versiones anteriores de la misma.
stimulating narratives and dialogues in contempo-
De esta manera, presenta una oportunidad ex-
rary practice across this extensive region reaching
cepcional para considerar tanto obras singulares
from Iran to Australia to areas of the Pacific.
como el estado actual de la práctica de muchos de
QAGOMA’s longstanding commitment with
los artistas, que sumadas generan narrativas es-
the APT has been to create a space for engage-
timulantes y diálogos que cruzan la práctica con-
ment with contemporary art in the region for au-
temporánea en esta vasta región, que se extiende
diences in Brisbane, Australia. Its recent iterations
desde Irán hasta Australia y áreas del Pacífico.
have been selected by the Gallery’s in-house
El compromiso duradero de QAGOMA con la
curators who have developed extensive, specialist
APT ha sido la creación de un espacio de encuen-
knowledge of the Asia Pacific, including Austra-
tro e interacción con el arte contemporáneo re-
lia, over time. We have avoided framing artworks
gional para audiencias en Brisbane, Australia. Sus
within interpretative theories as much as possible,
versiones más recientes han sido seleccionadas
and instead focused on art that is significant in
por los curadores residentes de la galería, quienes
its own context at the time. Works include those
con el tiempo han desarrollado un conocimiento
made for their local context, as well as others
específico y a la vez extensivo respecto de Asia
commissioned for Triennial exhibitions. As with the
Pacífico, incluyendo a Australia. Hemos evitado,
APT series, this exhibition does not have a theme
en la medida de lo posible, encasillar obras dentro
but explores the specificity and diversity of certain
de teorías interpretativas, concentrándonos por el
artforms in all their complexity without character-
contrario, en arte que es significativo en su propio
ising the region as a whole.
contexto y tiempo. Las obras incluyen trabajos
Nevertheless, we all experience the exhi-
realizados para su contexto local, así como traba-
bition in the context of heightened perceptions
jos creados específicamente para ser expuestos en
of ‘Easternisation’, or the shifting of power and
la Trienal. Al igual que en los encuentros de APT,
wealth from the West, or Europe and North Amer-
esta exhibición no propone una temática particu-
ica, to the East within a finely balanced contest for
lar, sino que explora la especificidad y diversidad
national supremacy.2 The Pacific plays an integral
de ciertas fomas de arte en toda su complejidad,
role in this shift.3 Factors including geopolitical flux
evitando caracterizar a la región como un todo.
across the Asia Pacific — from the rise of national-
No obstante, todos experimentamos esta
ism, authoritarianism and militarism to the fractur-
muestra en un contexto de percepciones agudi-
ing of former global power equations — flavour our
zadas respecto a la ‘Orientalización’, o el despla-
experience as viewers. Populations are affected
zamiento del poder y la riqueza desde Occidente
by rapid urbanisation, environmental damage and
(o Europa y América del Norte), hacia el Este, en
the struggle for improved standards of living, while
el marco de una competencia delicadamente
some even live under the threat of nuclear strikes.4
equilibrada por la supremacía nacional.2 El área
People are on the move at historically high levels,
del Pacífico desempeña un papel integral en este
power and allegiances are shifting and extremism
desplazamiento. Diferentes factores, entre los
is intensifying. Meanwhile, there are promises of
que se incluye el flujo geopolítico a través de Asia
independence, political and economic collabo-
Pacífico —a partir del auge del nacionalismo, au-
ration and increased connectivity via technology,
toritarismo y militarismo, hasta la fractura de las
all of which is helping to expand knowledge and
ecuaciones de poder global existentes— condicio-
influence mindsets and behaviours.5 There has
nan nuestra experiencia como espectadores.
never been a more important time to question
Poblaciones completas están siendo afectadas
authoritative voices, both regionally and globally,
por la urbanización acelerada, el daño medioam-
or to understand the current realities and histories
biental y la lucha por mejores estándares de vida,
of many cultures, not least those of First Nation
3
29 se inspiró en un horroroso legado de la guerra
Australian Indigenous art practitioners, including
entre Vietnam y Estados Unidos del cual fue tes-
Margaret Rarru and Helen Ganalmirriwuy, and
tigo: bebés siameses que son venerados en áreas
Lola Greeno, art embodies ancestral knowledge
rurales como espíritus especiales que poseen el
and connection to country. Margaret Rarru and
poder de proteger y otorgar suerte. Trabajó con
Helen Ganalmirriwuy’s conical and coil black
artesanos locales que se especializan en elaborar
baskets have sparked a cultural revival among
esculturas para templos, y con ideas e iconografía
the Liyagawumirr people. Made with a unique
budistas para crear un homenaje a este ejemplo
vegetable dye recipe, the basketry is both sacred
de superación de la adversidad.
and utilitarian, and imbued with inherited knowledge and the cultural meanings of the traditional woven fibre objects in Arnhem Land, Northern
ARTE CONTEMPORÁNEO INDÍGENA
Territory. Lola Greeno’s practice of making strings
Y DE LOS PUEBLOS INDÍGENAS
of pearlescent necklaces from local shells found in Palawa (Tasmania) has enabled the local tradi-
Los artistas indígenas se basan en miles de años
tion of shell necklace body adornment to survive
de tradición, pero a la vez se separan del canon y
and continue. Greeno is an esteemed master
de formas de pensamiento del pasado para crear
who works with intimate knowledge of maireener,
obras contemporáneas innovadoras y significa-
warrener, crow and other shells — including their
tivas. A menudo contrarrestando los silencios
sources around the coastline and sustainable
y las tergiversaciones en las representaciones
harvesting and cleaning techniques — which she is
que construyen los cánones institucionales de
dedicated to passing on to younger generations.
la historia, los artistas indígenas y de los pueblos
As art historian Khadija von Zinnenburg
indígenas suelen disputar los relatos históricos de
Carroll has proposed, Indigenous artists are not
colonos y otras narrativas, llevando a cabo algunas
only re-enacting traditions, but also revealing
de las obras contemporáneas más emocionantes
how culture and interactions with settlers were
destinadas a los museos de arte hoy. QAGOMA
negotiated historically.13 The swords handmade by
tiene conexiones profundas con nuestros vecinos
I-Kiribati artist Chris Charteris celebrate the histo-
del Pacífico. Los trabajos de artistas de Australia,
ry of these weapons that traditionally were made
Kiribati, Papua Nueva Guinea y Taiwán en esta
in Kiribati but now are only found in international
exposición, exploran algunas de las preocupacio-
collections. Charteris appreciates that Kiribati cul-
nes, prácticas y conocimientos que se extienden
ture has been based on materials close to hand on
desde las múltiples visiones de mundo indígenas.
the atolls of the Republic. Having studied Kiribati
A lo largo de su historia, la APT ha demostrado
swords in museum collections, he has produced
cómo QAGOMA acoge la creación actual como
innovative new versions that incorporate both
arte contemporáneo, exhibiendo y recolectando
traditional (such as the embellishment of shark
formas que a menudo todavía se consideran arte-
teeth), as well as novelty materials (found sporting
sanías tradicionales y arte vernáculo, y que por lo
equipment and parts of tools). His art interrogates
mismo, en otros lugares son relegadas a muestras
traditional art historical understandings while pre-
antropológicas11.
senting new questions regarding the authority of
Un deber de cuidar —no solo de sus colaboradores sino también de sus antepasados y
the maker and ideas of utility and aesthetics. There are a number of works by island-based
descendientes— está al centro de los procesos de
artists in the exhibition which reflect their makers’
creación de artistas indígenas tanto del Pacífico
responsiveness to local life. The paintings of Idas
como de Australia. Comentaristas como el
Losin, who is of Taiwanese indigenous Truku and
30 historiador Prasenjit Duara, entienden este concepto como uno que además define a la sociedad (asiática) contemporánea12. Muchas obras de artistas transmiten la resistencia de los individuos y de las comunidades a la pérdida de la tierra y del conocimiento cultural, resultante de las incursiones de la sociedad occidental, así como la pérdida de los patrones de comportamiento social y cultural que forman parte del proceso de creación de objetos culturales. Para quienes practican el arte indígena australiano, incluyendo a Margaret Rarru y Helen Ganalmirriwuy, además de Lola Greeno, el arte representa el conocimiento ancestral y la conexión con el país. Las cestas negras helicoidales de Margaret Rarru y Helen Ganalmirriwuy han desencadenado un resurgimiento cultural entre los Liyagawumirr. Hechas con un tinte vegetal cuya receta es única, la cestería es tanto sagrada como utilitaria, y está impregnada de los conocimientos heredados y significaciones culturales de los objetos tradicionales de fibra tejida en la Tierra
Helen Ganalmirriwuy con su estera Mul / Imagen cortesía de la artista y licencia de Milingimbi Arts Helen Ganalmirriwuy with her Mul mat / Image courtesy: the artist, licensed by Milingimbi Arts
de Arnhem, del Territorio del Norte. La práctica de Lola Greeno de hacer de collares de conchas nacaradas locales de Palawa (Tasmania), ha permi-
Atayal tribe heritage, engage with historic narra-
tido que la tradición local de adornos corporales
tives of Pacific movement and settlement, espe-
de conchas sobreviva y subsista. Greeno es una
cially the hypothesis that Austronesian linguistics
reconocida maestra que trabaja con un conoci-
originated in Taiwan before being spread on sea
miento íntimo de las conchas maireener [Pha-
journeys across the Indo-Pacific. Austronesian
sianotrochus Irisodontes], warrener [Lunella un-
linguistics and other shared cultural traits can be
dulata] y crow [Nerita atramentosa], entre otras
traced from Madagascar to South-East Asia and
—incluyendo una preocupación por sus fuentes en
Oceania. Losin’s painting comes from a series that
la costa, a través de técnicas de recolección y lim-
represents the tatara fishing canoes of the Tao
pieza sustentables—, conocimiento que se dedica
people and their home of Lanyu (Orchid Island),
a transmitir a las generaciones más jóvenes.
off the south coast of Taiwan, as a specific locally
Como la historiadora del arte Khadija von
surviving form. Papua New Guinean artist Simon
Zinnenburg Carroll propone, los artistas indígenas
Gende is known for colourful and insightful paint-
no solo están recreando tradiciones, sino también
ings that offer highly subjective commentaries on
revelando cómo la cultura y la interacción con los
contemporary and historic events. Gende reinter-
pueblos colonizadores fueron negociadas a lo
prets stories from news sources, oral history or art
largo de la historia. Las espadas hechas a mano
and paints personal experiences with a directness,
por el artista de I-Kiribati, Chris Charteris, celebran
even irony, inspired by the recent history of paint-
la historia de estas armas que tradicionalmente se
ing in Papua New Guinea. These artists’ works
fabricaban en Kiribati, pero que hoy solo se en-
convey the complexities of their histories, often
cuentran en colecciones internacionales.
including colonisation and exploitation, as well as
13
Born 1983, Dunedin, Aotearoa, New Zealand Lives and works in Dunedin, Aotearoa, New Zealand
Nace en 1983, Dunedin, Aotearoa, Nueva Zelanda Vive y trabaja en Dunedin, Aotearoa, Nueva Zelanda
Kushana Bush Las pinturas de Kushana Bush esclarecen detalles de la interacción y el comportamiento humano. Adoptando la modesta escala de la tradición de la miniatura, sus composiciones en densas capas reúnen objetos y figuras de diferentes épocas y realidades en un mundo idiosincrásico de creación de la artista. Este mundo invita a una revisión más minuciosa y está lleno de posibilidades de narraciones múltiples. Dentro del espacio íntimo y compactado de Hark [Escuchar con atención], 2018, nos movemos entre varias interpretaciones posibles del tema de la obra. Entre una masa de figuras humanas enredadas, algunas están atadas y con los ojos vendados a la manera de las pinturas religiosas históricas, algunas se arrodillan en oración, mientras una empuña una escoba y otra vierte agua desde una urna. En medio de la escena, dos perros y un caballo se sacuden, en una mezcla a la que Bush ha agregado una variedad de artículos aparentemente no relacionados: el timón de un barco, camisetas con los logotipos de Nike y Slazenger, máscaras teatrales y un pequeño taburete. Lo que a primera vista parece inverosímil se vuelve creíble en el cuidadoso movimiento entre un detalle exquisitamente forjado y otro. El espacio pictórico compactadamente lleno atrae al espectador para vincularlo al trabajo más de cerca, brindando una ventana para entender nuestro mundo contemporáneo y la complejidad de las interacciones humanas dentro de él.
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Kushana Bush’s paintings illuminate details of human interaction and behaviour. Adopting the modest scale of miniature traditions, her densely layered compositions draw together objects and figures from different times and realities into an idiosyncratic world of the artist’s imagining. This world invites close inspection and is alive with possibilities of multiple narratives. Within the intimate, flattened space of Hark, 2018, we shuttle between various possible interpretations of subject matter. Among a jumbled mass of human figures, some are bound and blindfolded in a manner reminiscent of historical religious paintings, some kneel in prayer, while one wields a broom and another pours water from an urn. Two dogs and a horse flail amid the scene, and Bush has added an assortment of seemingly unrelated items to the melange: a ship’s wheel, T-shirts bearing the Nike and Slazenger logos, theatrical masks, a small step stool. In the careful movement from one exquisitely wrought detail to another, what at first seems implausible becomes believable. The tightly packed pictorial space draws the viewer in to engage with the work up close, providing a window for understanding our contemporary world and the complexity of human interactions within it. Bush began creating her miniature worlds during the early 2000s, while studying art in Dunedin. Her paintings are grounded in her childhood surrounded by Japanese woodblock prints
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En señales, 2018 In signs, 2018 Aguada, pintura metalizada y lápiz sobre papel Gouache, metallic paint and pencil on paper 53 x 66 x 6 cm
Bush comenzó a crear sus mundos en miniatura a principios de la década del 2000, mientras estudiaba arte en Dunedin. Su pinturas están basadas en su infancia, rodeada de grabados en madera japoneses y miniaturas indias, pero Bush está igualmente influenciada por el rico mundo de los manuscritos iluminados, los frescos del Renacimiento y las obras del pintor inglés del siglo XX, Stanley Spencer (1891–1959). Las influencias eclécticas de Bush, lejos de disipar el mensaje de cada pintura, sugieren una serie de temas universales —amor y odio, venganza y salvación, bien y mal— que resuenan de manera universal en diversas culturas, geografías y tiempo. Como notó el curador Justin Paton: "Sus escenas de frenesí, lapidación, circuncisión y adivinación pueden leerse en un principio como medievales. Sin embargo, visto a través del lente oblicuo de la alegoría, esta podría ser nuestra aldea global, con sus fes y supersticiones contrapuestas, sus eruditos y vendedores de aceite de serpiente, su influjo diario de trivialidades y traumas"1.
Rueda de la Fortuna, 2018 Rota Fortunae, 2018 Aguada, pintura metalizada y lápiz sobre papel Gouache and pencil on paper 54 x 71.5 x 6 cm
and Indian miniatures, but she is equally alive to the rich world of illuminated manuscripts, Renaissance frescoes, and the works of twentieth-century English painter Stanley Spencer (1891–1959). Far from dispersing the message of each painting, Bush’s eclectic influences suggest a number of universal themes — love and hate, revenge and salvation, good and evil — that resonate across cultures, geography and time. As curator Justin Paton observed: "Her scenes of rapture, stoning, circumcision and soothsaying may register at first as medieval. Yet, viewed through the angled lens of allegory, this could be our global village, with its competing faiths and superstitions, its pundits and snake oil salesmen, its daily influx of trivia and trauma." 1 Bush is also highly attuned to world events, and her paintings in this exhibition continue her interest in rituals and activities that bring people together. She blends both secular and religious themes, often with violent or ritualistic under-
1. Justin Paton, "El viejo mundo extraño en el que vivimos", en The Burning Hours: Kushana Bush (catálogo de la exposición), Dunedin Public Art Gallery, Dunedin, 2016, p. 43.
1. Justin Paton, ‘Old weird world we live in’, in The Burning Hours: Kushana Bush (exhibition catalogue), Dunedin Public Art Gallery, Dunedin, 2016, p. 43.
45 Bush también está muy en sintonía con los eventos mundiales, y sus pinturas en esta exposición continúan su interés en los rituales y actividades que reúnen a las personas. Combina temas seculares y religiosos, a menudo con matices violentos o rituales. Las figuras están atadas, amordazadas, con los ojos vendados, suspendidas, montadas como bestias y pisoteadas. Realizan actos de devoción, participan en acoplamientos eróticos y lúdicos, o son lanzadas juntas como si hubiese ocurrido un evento calamitoso. Sin bien proporcionan una visión casi distópica de la vida contemporánea, estas obras demuestran una comprensión de que el sufrimiento, la lucha, la alegría y el deseo forman todas parte de nuestra humanidad compartida. Al igual que en todas sus obras, las nuevas pinturas de Kushana Bush están cuidadosamente planificadas: las complejas y extensas composiciones se forman a través de una serie de trazados en papel de calco, y luego se ensambla la superficie pintada a partir de bloques de color y detalles en patrones. El desafío técnico de la aguada, su medio escogido, imbuye cada figura con una intensidad y una atención que los separa del entorno circundante. Son partes pequeñas de un todo elaboradamente construido y cada una está cuidadosamente representada e iluminada, dando como resultado mundos intrincadamente pictóricos que son a la vez sensuales, intensos, demandantes y prodigiosos. Como conjunto, estas pinturas nos invitan a considerar el crudo desorden del mundo en que vivimos y al hacerlo, dar un paso atrás para tener una visión más amplia de dónde estamos y quiénes somos. Ruth McDougall Curadora, Arte del Pacífico, QAGOMA
Limosnas y señales , 2018 Alms and Portents, 2018 Aguada, pintura metalizada y lápiz sobre papel Gouache, metallic paint and pencil on paper 68.5 x 60 x 6 cm
tones. Figures are bound, gagged, blindfolded, suspended, ridden like beasts and trampled. They perform acts of devotion, participate in playful and erotic couplings, or are thrown together as if through some calamitous event. Providing an almost dystopian vision of contemporary life, these works nevertheless display an understanding that suffering, struggle, joy and desire are all part of our shared humanity. Like all of her works, Kushana Bush’s new paintings are carefully planned — the complex all-over compositions are formed through a series of underdrawings on tracing paper, and the painted surface is then assembled in blocks of colour and patterned detail. The technical challenge imposed by gouache, her chosen medium, imbues each figure with an intensity and focus that separates them from the surrounding milieu. They are small parts of an elaborately constructed whole, and each one is painstakingly rendered and illuminated, resulting in intricately painted worlds that are at once sensual, intense, demanding and wondrous. Together, these paintings invite us to consider the raw messiness of the world we live in, and, in doing so, to step back for a broader view of where and who we are. Ruth McDougall Curator, Pacific Art, QAGOMA
Born 1983, Taipei, Taiwan Lives and works in Taipei
Nace en 1983, Taipéi, Taiwán Vive y trabaja en Taipéi, Taiwán
Joyce Ho Las obras de Joyce Ho se unifican bajo su estética llamativa y minimalista, mientras que su postura fuera de lo común respecto a los roles de género, movimientos repetitivos y eficiencia burocrática crean encuentros extraños para su público. Su interés por la tensión entre los sueños y la realidad, la oscuridad y la luz, da como resultado atmósferas que son incómodas y seductoras a la vez. Evocando recuerdos perturbadores de la infancia, las pinturas de Ho sorprenden por sus planos saturados de color. Cuando se llevan a sus trabajos espaciales y performativos, estos colores —amarillos fríos y verdes enfermizos— enmarcan a jóvenes cuidadosamente vestidas, que actúan como avatares de la artista y como agentes misteriosos que guían al público a través de rituales aparentemente sin sentido. Por el contrario, algunas obras carecen casi por completo de matices, ensamblándose dentro de espacios de instalación blancos, de modo que cuando los colores efectivamente entran en el escenario —colores como rojos profundos o densos negros— lo hacen de manera amplificada e intensa. En Overexposed memory [Memoria sobreexpuesta], 2015, filmada frente a una pared de color amarillo limón, un actor lentamente exprime y muerde pedazos de diferentes frutas; la cámara permanece sobre sus superficies hasta que estas colapsan en una papilla pulposa. Para enfatizar el efecto, Ho sometió la fruta a una ebullición prolongada, antes de pintar las superficies con sus
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Joyce Ho’s works are unified by their striking, minimal aesthetic, while her uncanny takes on gender roles, repetitive movement and bureaucratic efficiency set up strange encounters for her audiences. Her interest in the tension between dreams and reality, darkness and light, results in atmospheres that are both uneasy and seductive. With their suggestions of disturbing childhood memories, Ho’s paintings are striking with their saturated planes of colour. When transposed to her spatial and performative works, these colours — cool yellows and sickly greens — frame neatly groomed young women, who act as both avatars for the artist and mysterious agents guiding audiences through apparently nonsensical rituals. In contrast, some works are almost completely devoid of hue, assembled within white installation spaces, so that when colours do enter the scenario — such as deep reds or dense blacks — they are amplified and intense. In Overexposed memory, 2015, shot against a lemon yellow wall, an actor slowly squeezes and bites into different pieces of fruit; the camera lingers on their surfaces until they collapse into a pulpy mush. To emphasise the effect, Ho subjected the fruit to prolonged boiling, before painting the surfaces in their original colours to create the illusion of ripeness, so that as they break apart, the pigments mingle unnaturally with their juices. Even the sounds of the interactions are deliberately odd, produced not by the manipulation of
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colores originales para crear la ilusión de madurez, de modo que cuando se rompen, los pigmentos se mezclan de forma poco natural con sus jugos. Incluso los sonidos de las interacciones son deliberadamente extraños, producidos no por la manipulación de la fruta en sí, sino por el ruido del empaque y la improbable adición de un ‘ding’ satisfactorio cuando los dientes del actor muerden un tomate cherry. Las producciones de Ho llevan la impronta de sus influencias y experiencias. Como adolescente, ha hablado de emigrar desde Taiwán a Estados Unidos y regresar como adulta, un itinerario que encontró tanto liberador como dislocador1. Sus primeros cuadros complementaron su trabajo en el teatro de vanguardia, basándose en —e incluso presentando en escenografías del teatro Riverbed con sede en Taipei, del cual fue miembro. Ho también ha descrito una fascinación por el dispositivo teatral del ‘preludio’ —una escena de apertura que produce una sensación de anticipación— y por el deseo de extender el suspenso infinitamente en su obra2. Las creaciones de Joyce Ho, sin embargo, están lejos de carecer de significado. Están diseñadas para hacer que los marcos establecidos se vuelvan redundantes, al poner en juego lo que hay más allá de ellos. En el trabajo de Ho, siempre existe una capa más tras lo cotidiano, siempre otra forma de ver lo familiar. Como un mundo de ensueño que permanece sólo levemente fuera de nuestra vista, la obra de Ho está llena de conexiones, perspectivas y posibilidades inesperadas. Reuben Keehan Curador, Arte Contemporáneo Asiático, QAGOMA
the fruit itself, but by the rustle of packaging and the unlikely addition of a satisfying ‘ding’ as the actor’s teeth bite into a cherry tomato. Ho’s productions bear the hallmarks of her influences and experiences. She has spoken of migrating from Taiwan to the United States as a teenager and returning as an adult, an itinerary she found both liberating and dislocating.1 Her early paintings complemented her work in avant-garde theatre, drawing on and even featuring in the set designs of the Taipei-based Riverbed Theatre, of which she was a member. Ho has also described a fascination with the theatrical device of the prelude, an opening scene that produces a sense of anticipation, and of a desire to extend suspense infinitely in her work.2 Joyce Ho’s creations, however, are far from meaningless. They are designed to render established frameworks redundant by bringing into play what lies beyond them. In Ho’s work, there is always another layer to the everyday, always another way of seeing the familiar. Like a dream world hovering just out of view, Ho’s works hum with unexpected connections, perspectives and possibilities. Reuben Keehan Curator, Contemporary Asian Art, QAGOMA
1. "Discovery series: An interview with Joyce Ho", Company, 29 junio 2011, <http://www. welcometocompany.com/ discovery-series-interviewjoyce-ho>, acceso julio 2018. 2. Joyce Ho, declaración de artista, en Prelude (catálogo de la exposición), IT Park, Taipei, 2014, p. 3.
1. ‘Discovery series: An interview with Joyce Ho’, Company, 29 June 2011, <http://www. welcometocompany.com/ discovery-series-interviewjoyce-ho>, viewed July 2018. 2. Joyce Ho, artist statement, in Prelude (exhibition catalogue), IT Park, Taipei, 2014, p. 3.
Memoria sobreexpuesta, (capturas), 2015 Overexposed Memory, (stills), 2015 Instalaciรณn de video monocanal, 4:47 minutos, color, sonido Single-channel video installation, 4:47 minutes, colour, sound
Born 1979, Mashhad, Iran Lives and works in New York, United States
Nace en 1979, Mashhad, Irán Vive y trabaja en Nueva York, Estados Unidos
Iman Raad Las obras de Iman Raad, verdaderas manifestaciones de color y movimiento, abogan por la ornamentación y decoración en el arte y la arquitectura. Sus pinturas, dibujos, murales y pancartas reconfiguran y reimaginan influencias de la estética ‘glitch’, la pintura en miniatura persa, el arte popular iraní y la pintura de camiones pakistaní. En esta sección de un mural a gran escala realizado especialmente para la Novena Trienal de Arte Contemporáneo de Asia y el Pacífico de la Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art, Raad se inspira en la vida cotidiana, haciendo referencia a los camiones y autobuses fuertemente ornamentados del sur de Asia. Esta tradición pictórica —con temas que van desde exuberantes paisajes naturales hasta el simbolismo islámico— está inspirada en la pintura mugol, que se desarrolló a partir de la pintura en miniatura persa. Raad está interesado en cómo los elementos de la pintura persa han sido adaptados y transformados. Los camiones adornados son como galerías móviles y el mural de Raad para APT9 estaba pensado para ser visto en movimiento. Los visitantes podían captar atisbos de este desde el vestíbulo en el primer nivel, mientras la obra solo se revelaba completamente desde la escalera mecánica entre los pisos, mientras entre las galerías aparecían vistas en primer plano. Además, la repetición vertiginosa de las imágenes permitía que el ojo del espectador se desplazase rápidamente por la superficie de la pared.
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A riot of colour and movement, Iman Raad’s artworks advocate for ornamentation and decoration in art and architecture. His paintings, drawings, murals and banners reconfigure and reimagine influences from ‘glitch’ aesthetics, Persian miniature painting, Iranian folk art and Pakistani truck painting. In this section of a larger scale mural commissioned for the Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art’s ‘9th Asia Pacific Triennial of Contemporary Art’, Raad takes inspiration from daily life, referencing the heavily ornamented trucks and buses of South Asia. This painting tradition — with subjects ranging from lush natural landscapes to Islamic symbolism — was inspired by Mughal painting, which developed from Persian miniature painting. Raad is interested in how elements of Persian painting have been adapted and transformed. The ornate trucks are like mobile galleries and Raad’s mural for APT9 was intended to be viewed on the move — visitors captured glimpses from the foyer below, and the artwork came into full view from the escalator between floors, while close-up views were taken between galleries. In addition, the giddy repetition of images affords the viewer’s eye quick movement across the surface of the wall. Persia has a long history of mural painting that continues today; the practice of wall painting dates back to the late third century BC, although the earliest surviving examples are from the third century AC.1 In addition, abstract mosaic works
108 Persia tiene una larga historia de pinturas murales que continúa hasta el día de hoy; la práctica de la pintura mural se remonta a finales del siglo III AC, aunque los primeros ejemplos que se conservan datan del siglo III DC 1. Sumado a esto, mosaicos abstractos adornan los espacios públicos, palacios y lugares de culto en toda la región. Al igual que estos murales públicos, las obras de arte de Raad también responden específicamente a sus situaciones arquitectónicas. El artista se basa en esta historia del arte público y la combina con temas contemporáneos para crear sus instalaciones pintadas. La práctica de Raad se diferencia de sus precursores históricos en que usa una paleta de altas gamas tonales y una perspectiva alterada, junto con una mezcla de imágenes contemporáneas. La ornamentación es clave tanto para la pintura en miniatura persa como para los pintores de camiones de Karachi. En las obras de arte altamente ornamentales de Raad, los temas ubicuos, como las aves, las frutas y las flores (que a menudo se encuentran en los bordes decorativos de las miniaturas persas) se vuelven a posicionar como temas centrales que conllevan un nuevo peso narrativo. Son estos temas —entrelazados con eventos sociales y momentos históricos— representados de manera fantástica, los que atraen al espectador a las creaciones de Raad. La importancia de la ornamentación también es evidente en los textiles de Raad. Estas pancartas de terciopelo bordadas hacen referencia a las banderas que se exhiben en abundancia durante las festividades anuales del Ashura en Irán, cuando la población chiíta guarda luto por la muerte de Imam Hussein, nieto de El Profeta Mahoma. El artista trabaja con artesanos de Mashhad, quienes adaptan y transforman los dibujos de Raad en tapices, cuyos temas van desde figuras a la deriva en el mar, hasta la exploración espacial norteamericana y el árbol de la vida. Estas obras celebran y guardan luto por la vida y la muerte en sus múltiples formas. La práctica de Iman Raad está basada en la creencia de que las formas de arte vernáculas son centrales para la historia más amplia del arte. Ellie Buttrose Curadora Asociada, Arte Internacional, QAGOMA
adorn the public spaces, palaces and places of worship throughout the region. Like these public murals, Raad’s artworks also respond specifically to their architectural situations. The artist draws on this history of public art and combines it with contemporary subject matter to create his painted installations. Raad’s practice differs from historical precedents in that he uses a highly keyed palette and altered perspective, together with a mix of contemporary imagery. Ornamentation is key to both Persian miniature painting and to the truck painters of Karachi. In Raad’s highly ornamental artworks, ubiquitous subjects such as birds, fruit and flowers (often found in the decorative borders of Persian miniatures) are repositioned as central subjects that carry new narrative weight. It is these subjects, intertwined with social events and historical moments and rendered in fantastical ways, which draw the viewer in to Raad’s creations. The importance of ornamentation is also apparent in Raad’s textiles. These embroidered velvet banners reference the flags that are prolifically displayed during annual Ashura festivities in Iran, when the Shiite population mourns the death of Imam Hussaen, the grandson of The Prophet Muhammad. The artist works with artisans in Mashhad, who adapt and transform Raad’s drawings into tapestries; subjects range from figures adrift at sea to North American space endeavours, and the tree of life. These works celebrate and mourn life and death in its many forms. Iman Raad’s practice is informed by a belief in the centrality of vernacular art forms to the wider history of art. Ellie Buttrose Associate Curator, International Art, QAGOMA
1. Sheila R Canby, “Mural painting”, Encyclopadia Iranica, 13 noviembre 2015, <http://www.iranicaonline. org/articles/muralpainting>, acceso junio 2018.
1. Sheila R Canby, ‘Mural painting’, Encyclopadia Iranica, 13 November 2015, <http://www.iranicaonline. org/articles/muralpainting>, viewed J une 2018.
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Días de dicha y aflicción: Etapa de Marte (detalle), 2018 Days of bliss and woe (detail), 2018 Pintura polimérica sintética sobre terciado y madera Synthetic polymer paint on plywood and timber 370 x 1360 cm (instalado)