CreArte 5 by César Pita

Revista virtual de los alumnos de Taller de Diseño Gráfico 1 Facultad de Comunicaciones - Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas Año 4, Número 5. Ciclo 2011-1

MELIÉS • LANG • EISENSTEIN KUROSAWA • BERGMAN • GODARD KIESLOWSKI • CRONENBERG LUCAS • JACKSON • SCORSESE DE LA IGLESIA • NOLAN

Ma. Jo

Hinost

sĂŠ

roza

uestra pequeña revista CREARTE llega a su quinta edición más fresca que nunca. En esta oportunidad, hemos seleccionado un puñado de directores de cine que se han caracterizado por ser visionarios en el arte que les tocó expresar. Cada uno de ellos, a su manera, creó un lenguaje propio en base a la experimentación, la exploración y la postura iconoclasta. No les importó quebrar cánones, generar escándalos, ganarse un rinconcito en el Hades o pelearse con papi, mami o la industria. Algo similar a lo que tratamos de hacer en el curso de Taller de Diseño Gráfico 1.

TALLER DE DISEÑO GRÁFICO 1 Ciclo 2011-1. Sección PU49 Profesor: César Pita Portada: María-José Hinostroza

Diego Almendariz - Wilfredo Álvarez José Iván Camacho - Lisset Dávila Pedro Egúsquiza - Rocío Escalante María José Hinostroza - Anndy Ilizarbe Otto Paredes - Mercy Talavera Lucía Túpac Yupanqui Juan Luis Vargas - Priscilla Zubiria

Este ciclo ha sido particular por una sencilla razón: es la primera vez que en el salón de clases confluyen alumnos que pertenecen a las carreras de Comunicación y Marketing y Comunicación Audiovisual y Medios Interactivos. Todo un desafío, considerando que este curso ha sido, por años, escenario de desafíos para los chicos de Publicidad y Periodismo. Afortunadamente, el trabajo ha estado sazonado de buena vibra, chispas creativas, trabajo metódico y compromiso. Por supuesto, también ha habido descalabro, desesperación y una que otra maldición susurrada por lo bajo, de tal modo que no llegue a los oídos del profesor (bueno, eso es lo que creen los alumnos). He aquí, pues, el resultado del trabajo hasta medio ciclo. Es hora de preparar algo de pop corn y sentarse a disfrutar la función que les hemos preparado. El profe

Anndy

Ilizarb

Por: Anndy Antonio Ilizarbe Jurado

Méliès nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint Martin en París – Francia. Llegó a ser actor y director de sus creaciones cinematográficas, y una parte de su juventud se dedicó a la industria del calzado, negocio que era de su padre y en donde aprendería el manejo de las maquinarias que, posteriormente, le serviría para la industria cinematográfica. Méliès es considerado el padre de los efectos especiales en el cine gracias a la combinación de sus pasiones: el En 1896 proyectó sus primeras películas en su ilusionismo y cine. éliès nació

teatro Robert Houdin. Rápidamente, su estilo evolusionó y buscó crear sus primeras películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo. Por

el 8 de Diciembre de 1861 en el boulevard Saint Martin en París – Francia. Llegó a ser actor y director de sus creaciones cinematográficas, 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió, invitay una lparte de su juventud se dedicó a la indusdo por los hermanos Lumière, a la primera protria del calzado, negocio que era de su padre y en yección del cinematógrafo. Este evento marcó la donde aprendería el manejo de una las máquina, maquinarias vida de Méliès y decidió comprarles pero que, posteriormente, le serviría para la industria los hermanos se negaron a venderla. Motivado por lo cinematográfica. Méliès essuconsiderado el padre de que vio, optó por construir propia máquina cinemalos efectos especiales en el cine gracias a la combitográfica. nación de sus pasiones: el ilusionismo y cine.

esto fue conciderado el pionero en la utilización de trucos de cámaras, y también lo de se usaron sistemas mecánifue en la exposición multicos para ocultar zonas al sol y ple negativo de (doble otrosdel mecanismos puestasoen breimpresión) y los fundidos escena. Es así que sumó más de amedio negrocentenar y desdedenegro. películas y en

En 1896 proyectó sus primeras películas en su teatro Robert Houdin. Rápidamente, su estiloasistió, evolucionó El 28 de diciembre de 1895 Méliès invita-y buscó sus primeras películas sus esdo porcrear los hermanos Lumière, a laparecidas primeraaproyecpectáculos de ilusionismo. Por esto es considerado el ción del cinematógrafo. Este evento marcó la vida pionero en la utilización de trucos de cámaras, en la exde Méliès y decidió unasobreimpresión) máquina, pero posición múltiple del comprarles negativo (doble los negaron a venderla. y loshermanos fundidos asenegro y desde negro. Motivado por

1902 crea su primera obra maestra, Viaje a la luna. Invertió una gran cantidad de

lo que había visto Méliès optó por construir su propia máquina cinematográfica. Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación

dinero para la creación del que se En 1913 junto con la llegada primeconsideró el primer estudiodedelacine, en ra guerra mundial, Méliès vio en declive su donde se usaron sistemas mecánicos para negocio y se vio obligado a cerrar y a perder todo ocultar zonas al sol y otros mecanismos de puescontacto con el cine. ta en escena. Es así que sumó más de medio centenary de películas y en 1902 crea su primera obra “Corría el año 1902 cuando el francés maestra, Viaje a la luna.

del que se consideró el primer estudio de cine, en don-

Georges Méliès filmó Le voyage dans la lune, una pequeña joya muda en la que diseñó los primeros efectos especiales de la historia del cine, incluida esa cápsula espacial que aluniza en el ojola derecho del Le Voyage dans Lune satélite terrestre”.

(Viaje a la Luna):

Le Voyage dans la Lune Viaje a laaLuna es obra maestra cinematográfica y (Viaje la Luna): la primera película de ciencia ficción dirigida por Georges Méliès y escrita en compañíayde su herEsta es una obra maestra cinematográfica la primera mano mayor Gastón Méliès. Viaje la Luna está película de ciencia ficción dirigida por aMéliès y escribasada en De la a la Luna, Julio Méliès. Verner ta en compañía de tierra su hermano mayor,deGastón

yViaje Thea First Men in the Moon, de Herbert George la Luna está basada en De la tierra a la Luna, de Wells. Julio Verner y The First Men in the Moon, de Herbert

tar a los astrónomos. Estos buscan refugio en una cueva. En esta cueva encuentran unas grades setas. Los astrónomos no saben cómo tratar con estos seres extraños y matan, sin intención, a uno de ellos, lo cual provoca la furia de la tribu de selenitas.

Obras y Gracias

George Wells.

La película dura un aproximado de 14 a 8 minutos dependiendo deun la aproximado velocidad de quedese La película dura defotogramas 14 a 8 minutos pendiendo de la velocidad de fotogramas que se usen. usen. Actualmente, es muy popular y es reconociActualmente, es muyfilm popular y es reconocida el da como el primer de ciencia ficción decomo la hisprimer film de ciencia ficción de la historia del cine. Tetoria del cine. Teniendo como principales escenas niendo como el disparo bala el disparo de principales la bala del escenas cañón que mandade a lala gendel cañón que manda a los astrónomos a la luna y la te a la luna y la cara animada de la luna recibiendo cara animada de la luna recibiendo el alunizaje. el impacto del cohete.

Su conocimiento en el manejo de maquinarias y su gran inversión en la cinematografía lo llevó a crear el primer Estos son perseguidos hasta que el jefe de la triestudio de cine, en el que tenía control sobre la luz y pulación de astrónomos mata al líder de la tribu y otros factores que en la actualidad son indispensables logran escapar en su cápsula. para el cine.

Méliès intentó llegar al público americano; sin Méliès al público embargo,intentó técnicosllegar que trabajaban paraamericaThomas no; sin embargo, técnicos Edison lograron hacer copias del film y las distribuyeron que trabajaban para Thopor todo Estados Unidos. Viamas Edison lograron hacer je a la Luna resultó ser todo un copias del film y las distriéxito Méliès b u yene -ese país, ron pero por todo el nunca recibió país. Viaje a la dinero por su Luna resultó exposición.

ser todo un éxito en Estados La película trataUnidos, que en peroreunión Méliès nunca una de astrónomos, el rec i bpreió sd i dente nero propone por la exhacer un viaje a la posición de su obra luna. Seis valientes maestra. astrónomos diseñan

Méliès es considerado el descubridor de la técnica del stop motion, y sin este gran aporte, quizá el ratón más famoso del mundo Mickey mouse no hubiera podido tomar vida.

un plan para viajar En reunión a launa luna. Estos de astrónomos, construyen una el presidente nave especial, la cual es lanzada de laa propone hacera la uncara viaje luna y esteDespués, proyectil de termila luna. un na clavado en uno de los cierto silencio, seis ojos de la luna.

valientes astrónomos diseñan un plan para Los astrónomos ya en viajar a la luna. Estos una la luna salen de su naveconstruyen para investigar nave especial, es lanzada y se dan cuentaladecual la distancia de laa la cara la luna y esteporproyectil tierra a ladeluna. Exhaustos el largo mina clavado se enpreparan uno de para los ojos de los astrónomos dormir.

La práctica de la magia y el ilusionismo de Méliès, combinado con su pasión por el cine dio como resultado las películas de ciencia ficción, quizá sin este valioso aporte George Lucas no hubiera podido filmar Star Wars y toda su saga o Harry Potter.

v i aterje, Mientras la luna. duermen un cometa pasa y la Osa Mayor aparece, cada estrella tiene cara humana y Febe, diosa de la luna, aparece sentada enlauna luna creciente. Los astrónomos ya en luna salen de su nave para

investigar y se dan cuenta de la distancia de la tieFebe provoca una tormenta de nieve para espantar a los rra a la luna. Exhaustos por el largo viaje, los astróastrónomos. Estos buscan refugio en una cueva. En esta nomos se preparan para dormir. duermen cueva encuentran unas grades setas.Mientras Los astrónomos no un cometa pasa y la Osa Mayor aparece, cada essaben cómo tratar con estos seres extraños y matan, sin trella tienea cara humana y Febe, diosa de luna, intención, uno de ellos, lo cual provoca la la furia de aparece en una luna creciente. hasta que el la tribu desentada selenitas.Estos son perseguidos jefe de la tripulación de astrónomos mata al líder de la tribu logran escapar en su cápsula. A.A.I.J. Febeyprovoca una tormenta de nieve para espan-

Lisset

Dรกvila

EL MUNDO SUBTERRANEO DE

Qué pensamiento hizo que el cineasta alemán, evoque en su imaginaciòn y plasme en sus películas un mundo paralelo que parece fantàstico, pero que, a veces, coincide y representa la realidad Por: Lisset Dávila

El espíritu cineasta de Fritz Lang emergió en medio de la devastadora Primera guerra Mundial, literalmente, después de caer mal herido, en un hospital militar de Alemania: he ahí sus primeros relatos, esos que luego lo conducirían al éxito

lemania de principio de los 90’ p re s e n c i ó s u nacimiento y su éxito c o m o d i re c t o r d e c i n e . E l c a o s y la desolación de la sociedad de aquel entonces, fue testigo y, a l a v e z , p ro t a g o n i s t a d e l t a l e n t o dramático de Lang. S u s l a rg o s v i a j e s i n s p i r a ro n v a r i a s d e s u s p e l í c u l a s , p e ro m u c h a s o t r a s s o n p ro d u c t o d e l a c o r r i e n t e e x p re s i o n i s t a d e la época, aquella que muestra el interior del artista, que, guiados por la intuición, evaden g r a n p a r t e d e l a re a l i d a d y s e alejan del pensamiento positivo p a r a a d e n t r a rs e e n u n m u n d o fantástico, un mundo en el que re i n e n e l c a o s y l o s c o n f l i c t o s . A s í p u e s , Fr i t z L a n g , es uno de los más grandes

re p re s e n t a n t e s de este movimiento, cuando en la imagen, juega con los espacios, los c l a ro s c u ro s , l a e x a g e r a c i ó n e n las líneas y los volumétricos decorados, cuando en el c o n t e n i d o , s e e n fo c a e n l a s h i s t o r i a s fa n t á s t i c a s y f u t u r i s t a s , c o n p e rs o n a j e s c o n f l i c t i v o s , v a m p i ro s , l o c o s y a s e s i n o s .

DE ALEMANIA A EE.UU.

n el país que lo vio nacer, n a c i e ro n también sus primeras películas: Die Spinner o L a s A ra ñ a s ( 1 9 1 9 ) , De r M ü d e To d o L a s t re s l u c e s ( 1 9 2 1 ) , E l D r . M a b u s e ( 1 9 2 2 ) , Lo s N i b e l u n g o s ( 1 9 2 4 ) , M E l va m p i ro de Düsseldorf (1925). todas ellas son sin duda grandes obras del cineasta, pertenecientes a l m o v i m i e n t o e x p re s i o n i s t a . Pe ro , s i n d e s m e re c e r a las demás, con

Ó TR ME

192 MDR MABUSE - 19

19 ISL PO

Metrópolis (1927), Lang logra uno de sus más grandes éxitos. Sus historias, hasta ese momento h a c e n re fe re n c i a a u n m u n d o subterráneo, un mundo al que se llega gracias a su caótica y a v e n t u re r a i m a g i n a c i ó n , e n e l q u e p re d o m i n a n c u e v a s , s ó t a n o s , y galerías. L a n g c o n o c i ó o t ro m u n d o t o t a l m e n t e d i fe re n t e , c u a n d o llego a Estados unidos, huyendo de Hitler y de su dictadura. Ahí, a pesar de la demora para la a p ro b a c i ó n d e s u s p ro y e c t o s , debido a su condición de a l e m á n , s u é x i t o s n o t a rd a ro n e n a p a re c e r c o n s u p r i m e r a p e l í c u l a ; Fu r i a ( 1 9 3 6 ) , l u e g o c o n ; S ó l o s e vive una vez (1937), La mujer d e l c u a d ro ( 1 9 4 4 ) , Mientras

N u e va Yo r k d u e r m e ( 1 9 5 6 ) , M á s a l l á d e l a d u d a ( 1 9 5 7 ) , e n t re o t r a s . To d a s e s t a s i n c l i n a d a s h a c i a l a c r í t i c a s o c i a l , re f l e x i o n e s s o b re la justicia y el individuo.

DE EE.UU A LA OCURIDAD

a re c í a q u e l a c a r re r a y e l é x i t o d e Fr i t z L a n g n o t e n í a n límites hasta que la oscuridad, esa misma que evocaba en sus películas, llega a su vida para quitarle la luz de los ojos; solo la ceguera, que lo fue abatiendo poco a poco, logró ponerle fin a sus fantásticas historias.

AS NTR MIE

EL ER D J U M LA - 1936 LA FURIA

La carrera y el éxito de Fritz Lang no tenían límites hasta que la oscuridad, esa misma que evocaba en sus películas, llega a su vida para quitarle la luz de los ojos.

ME ER U KD OR Y VA NUE

6 195

4 - 194 O R D CUA

La “ciudad” de Fritz Lang podría ser cualquiera, cualquiera pero situada en el futuro, con enormes rascacielos, llenas de mágicas luces, pero en blanco y negro, naves veloces, robots que nos faciliten el trabajo, etc. Es el ideal, pero no todo podría ser perfecto. En esa “Ciudad”, las comodidades de los de arriba, son las penurias de los de abajo; los últimos, pierden su condición humana para convertirse en máquinas. Ésta es la ciudad de Fritz Lang, ésta es METRÓPOLIS. La película muestra la realidad de comienzos de siglo XX, cuando la

tecnología florece en medio del caos, en el que la máquina esclaviza al hombre y se genera una lucha de clases. Aquí la burguesía tiene el poder; pero el pueblo, el protagonismo. Aqui se sublevan los desafortunados. El mensaje de la película es marca un hito en la época, además de ser la primera del género ciencia ficción, es la primera que muestra la cruda realidad de la deshumanización de los hombres y las diferencias sociales, que, en determinado momento, podría ser amedrentado con diálogo y no con violencia. Quizás esta sea la metrópolis a la que Fritz Lang deseaba llegar, una ciudad en la que se reconcilien las clases sociales.

Sergei Einsenstein, nacido el 23 de Enero en Riga, en lo que era entonces el Imperio Ruso, Einsenstein estudió Ingeniería y Arquitectura en sus primeros años, sin embargo, se unió a la causa comunista y se enroló en el ejército rojo en la Revolución Rusa en 1918. Eisenstein comenzó su primera producción visual en ese mismo año, haciendo propagandas pro-comunistas para la revolución de Octubre. En 1920, al terminar la guerra, Sergei se dedicó al teatro, siendo su primera obra Gas Masks, para luego crear Listen Moscow, y Wiseman. Sin embargo, el teatro nunca llegó a satisfacer a Sergei en materia de expresividad y emociones. Necesitaba algo más fuerte que eso. Ahí fue cuando emigró al cine e hizo su primer largometraje, Strike (1925), ambientada en la rusa pre-revolucionaria de 1903, cuenta la historia de un grupo de obreros que es oprimido y explotado hasta el punto de rebelarse contra sus accionistas y tirar al gerente general por un acantilado. Otra película similar fue Octubre, en honor al décimo aniversario de la revolución de Octubre en 1917.

Ese mismo año, Eisenstein filmará Battleship Potemkin, parte de una serie de películas que tenían como objetivo engrandecer la victoria del socialismo contra la dictadura y el despotismo del tsarismo en el Imperio Ruso. Aparte de tener gran valor histórico y una gran carga emotiva, (en mayor medida para el pueblo soviético), técnicamente fue la película mejor filmada y mejor editada de su época; marcando un hito tan grande en la historia del

cine, dándole el título a Sergei de “Padre del montaje moderno”, por el uso de montaje, la variedad de sus planos, la continuidad, la emotividad, y el impacto que generó tanto en la audiencia nacional, como en el plano internacional fue tan apoteósica, que marcó un antes y después en la historia del cine. Como elemento de propaganda visual, la dramatización realizada por Sergei acerca del infortunio de los marineros oprimidos fue tan efectiva, que hasta Joseph Goebbels, el siniestro ministro de propaganda Nazi, y mano derecha de Hitler, dijo que cualquier persona que no tuviera, hasta ese momento, una convicción política fuerte y definida, podría haberse convertido en bolchevique en el instante que hubiera terminado la película. Una escena muy recordada es la escena del bebé en su cuna mientras cae por las escaleras del pueblo de Odessa, y que a su vez ha sido homenajeada por una gran cantidad de películas, entre las más conocidas El Padrino, y los Intocables, dos clásicos de cine de la última mitad del siglo XX. A final de los años 90, en el dibujo animado Histeria!, también se hizo un pequeño homenaje a esta escena. El acorazado Potemkin no ha escapado de los avances tecnológicos del último siglo. Ha sido remasterizado y llevado a formato Blu-ray en el 2010, y el soundtrack de la misma ha sido tergiversado por muchos músicos de renombre hasta el día de hoy.

Posteriormente, Eisenstein viajó a Estados Unidos, gracias a un ofrecimiento de Paramount Pictures, ofreciéndole un pago de cien mil dólares por adelantado para contratar sus servicios. Sin embargo, el enfoque ideosincrático y artístico de Sergei era demasiado incompatible con el estilo de cine Hollywoodense, mucho más comercial y parametrado al que estaba acostumbrado. Este fenómeno, exacerbado por la actitud anticomunista y xenófoba de algunas personalidades conocidas del mundo del cine americano, hizo que Sergei regresa a su país natal, para luego embarcarse a México.

A su regreso a la Union Soviética, Sergei regresó a la realidad del cine ruso, y aprovechó para limar asperezas con Stalin, con quién se mantuvo en conflicto durante los años en los cuales trabajó para Hollywood y en México. Como una respuesta a la buena disposición de Stalin, Sergei realizó varias películas, películas legendarios que hasta ahora son referentes de cine a nivel mundial, y que han recibido elogios, tanto de la Unión Soviética como del resto del mundo. Primero realízó la película “Alexander Nevsky”, en el cual retrataba al príncipe del mismo nombre, como un héroe nacional, un joven que a los 19 años repelió la invasión de los teutones y que posteriormente se convertiría en líder del pueblo ruso. Luego, Sergei filmó “Ivan el Terrible”, en tres partes; una en 1944, otra en 1946, y otra última que estuvo en producción, pero que fue cancelado a mitad de camino.

Acompañado de sus incondicionales amigos, el productor Grigori Aleksandrov, y el cinematógrafo Eduard Tisse, Eisenstein tuvo la oportunidad de hacer un cine mantiendo la integridad de su visión y estilo propio. Mientras filmaba ¡Que viva México!, Sergei conoció a Frida Kahlo y a Diego Rivera, pintores mexicanos de amplia trascendencia. Eisenstein valoraba mucho la cultura mexicana, en tanto el contexto de la revolución mexicana constituía en ambiente idóneo para expresar audiovisualmente el sentir de miles de personas involucradas en la misma. Sin embargo, los problemas llegaron para Eisenstein, en el momento menos esperado. Casi al final de la película, cuando casi todo estuvo terminado, hubieron problemas internos de producción, que conllevaron a la cancelación total de la película, dejándola incompleta. A pesar que se dijo Eisenstein que el largometraje sería terminado por otras manos, Sergei nunca recibió el proyecto terminado. Hay varias versiones de ¡Que viva México! finiquitadas, editadas de maneras diferentes por diferentes productores. Se dice que Sergei olvidó el proyecto y pasó a otro tema. Luego de hacer una escala en Texas, Sergei regresó a Rusia. A hacer más cine.

La historia del tsar Iván el terrible, específicamente la parte I, lo hizo merecedor de elogios nacionales e internacionales, como por ejemplo, la Orden de Lenin, el premio más representativo que puede recibir un ruso, otorgado solo a aquellos individuos o grupos que han revolucionado, realzado o mejorado la USSR en cualquier aspecto; ya sea militar, político, social, y en este caso específico, cultural. Es una mención comparable, si se quiere comparar a nuestro propio contexto, a la Orden del Sol. Sergei Einsesntein muríó relativamente joven, a la edad de 50 años. Su invalorable legado quedará en nuestro imaginario por siempre

Juan L

uis

Varga

AK IRK U A RO SA W A

Por: Juan Luis Vargas

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LLEVEME CON SU LIDER

A kira Kurosawa,

llamado “Emperador del cine” por su carácter estricto a la hora de dirigir, es uno de los cineastas más influyentes de todos los tiempos. El director japonés, admirador del cine occidental, logró con sus apasionantes trabajos sobre crímenes, samuráis, adaptaciones literarias extranjeras y la vida diaria, reestructurar la forma de hacer cine en el mundo entero. Llegó a trabajar codo a codo con la URSS, con George Lucas, Steven Spielverg y Francis Ford Coppola.

escendiente de una antigua casta de samuraís, en 1910 Akira Kurosawa nació último de siete hermanos y creció muy apegado a su hermano Heigo. La pasión de Kurosawa por el cine le fue inculcada por Heigo, quien trabajaba de narrador para cine mudo y le mostró mucho cine extranjero a su hermano Akira. Con la llegada del cine sonoro se acabó el trabajo para los narradores de cine mudo en Japón, lo que

desencadenaría una ola de depresión para Heigo, que termino suicidándose a los 27 años. Akira se ejercitó en todo tipo de artes, de las cuales se perfeccionó en la pintura mucho antes de encontrar

“Me había dedicado a la pintura, a la literatura, al teatro, a la música y a otras artes”

alguna oportunidad en el mundo del cine: “Me había dedicado a la pintura, a la literatura, al teatro, a la música y a otras artes, y me había quebrado la cabeza con todas esas materias que, al fin y al cabo, reúne el arte del cine”. En 1938 participó en cursos para aprendiz de director que dictaba el estudio de cine Toho (factoría

George Lucas se basó en el argumento de El Castillo Escondido (1958) para realizar las primeras entregas de Star Wars; y en dos personajes (humanos) de esta misma película para crear a R2D2 y a C3PO.

“Yojimbo”

Takashi Shimura y Toshiro Mifune son dos nombres que casi siempre vamos a leer estelarizando el reparto de sus películas (si es que tiene subtítulos). Se puede ver gran destreza de ambos en Los Siete Samurais y en Perro Rabioso, y destacan de forma individual Shimura en Vivir y Mifune en Yojimbo.

que produciría Godzilla en 1954) donde, posteriormente, comenzó a trabajar. Sus primeros trabajos fueron como asistente del director Kajiro Yamamoto (Hawai Mare Oki Kaisen) y luego como uno de los guionistas del Toho. Sus primeras películas se vieron sometidas a ser propaganda para el gobierno japonés a principios de los 40, estas fueron La Leyenda del Gran Judo y su secuela (en la que un judoka vence a un boxeador americano). Después de esta etapa pudo plasmar su vida y sus pensamientos con más libertad. Él mismo decía que quien conociera de su vida entendería mejor sus filmes. A finales de los 40, el cineasta con afición por el alcohol rodó Angel Borracho, sobre un médico alcohólico y un gangter tuberculoso; y “Perro Rabioso”, película policiaca que gira alrededor de la pérdida de una pistola.

la entrañable Vivir (1952) y Los siete Samurais (1954), película que instituiría los argumentos clásicos para presentar personajes. De aquí en adelante produjo cintas espectaculares como Trono de Sangre (1957), La Fortaleza Escondida (1958), Yojimbo (1961), El Infierno del Odio (1963), Barbarroja (1965). Kurosawa tuvo problemas por la poca eficacia comercial de su primera

gran película a color (El Camino de la Vida), pero supero las adversidades con éxitos como Derzu Uzala (1975), Kagemusha (1980) y Los Sueños de Akira Kurosawa (1990). El cineasta, habiendo sido ya reconocido, homenajeado e imitado; después de una vida de admirable trabajo, falleció mientras dormía antes de que fuesen proyectadas sus dos últimas películas: Rapsodia de Agosto y Madayayo.

En 1950 recibió el reconocimiento internacional que se merecía con Rashomon En 1950 recibió el reconocimiento internacional que se merecía con Rashomon (ganadora del Oscar a mejor película extranjera). Pronto seguiría mostrando su pasión por las vida militar del Japón feudal y por los sentimientos humanos con

Takashi Shimura & Toshiro Mifune Perro Rabioso (1949)

Una forma fácil de identificar a un director que sea seguidor de Kurosawa es fijarse en la utilización de sus transiciones características (usted acaba de simular una, si es que siguió las instrucciones de la página anterior). Los Siete Samurais (1954) es la película de Kurosawa que más veces ha sido adaptada. De todas las adaptaciones destacan el clasico western de 1960 Los Siete Magnificos y la serie retrofuturista de animación japonesa del 2004 Samurai 7.

En 1990, sus dos grandes seguidores, George Lucas y Steven Spielberg le entregaron un premio Oscar honorifico por toda su trayectoria cinematografica.

Diego

Almen

dariz

INGMAR BERGMAN Un arte confuso y peligroso por Diego Almendariz

Son los llamados temas metafísicos, aquellos temas de conversaciones interminables, de opiniones internas, inexplicables, de creencias y costumbres; de Dios, del Diablo, del universo… Ingmar Bergman fue un gran director cinematográfico que vale la pena recordar. Autor de memorables películas que han pasado a la historia en las que siempre rondaron temas tan polémicos como los relacionados a la religión, la conciencia, el pecado y la intimidad. Durante sus obras maestras nos mantuvo enganchados por los caminos revoltosos de la metafísica, los problemas y laberintos en las que las personas se envolvían. Ernst Ingmar Berman naciò el 14 de Julio de 1918 en Uppsala, Suecia.

Ingmar Bergman, segundo hijo de un pastor luterano, Erik, y de Karin Åkerblom, nació en Uppsala. El mundo metafísico de la religión influyó tanto en su niñez como en su adolescencia. Su educación, por otro lado, estuvo basada en los conceptos luteranos de “pecado, confesión, castigo, perdón y redención”.

Progresivamente el joven Bergman buscó la forma de encauzar sus propios sentimientos y creencias independizándose cada vez más de los valores paternos a fin de buscar su propia identidad espiritual, pero, a lo largo de su vida, Bergman siempre mantuvo un canal abierto con su infancia.

“La vida es una interr umpida e intermitente sucesión de problemas que solo se agotan con la muer te.“

ESTILO Dos dramaturgos, August Strindberg y, sobre todo, Frank Nicholas Petrosinov, le influyeron e introdujeron en un mundo donde se manifestaban los grandes temas que tanto lo atraían, cargados de una atmósfera dramática, agobiante y aun desesperanzada, lo que deja una profunda huella en el espíritu del joven Bergman y una marcada influencia en su obra artística. Su narrativa visual suele ser deliberadamente lenta, con un montaje y una secuencia de planos mesurados, esto con el fin de lograr un suficiente tiempo de reflexión entre los espectadores, aun cuando ya estén “capturados”. Sin embargo, tal lentitud está (como en Andrei Tarkovsky) lejos de la monotonía merced a la carga del mensaje o a la excelente marcación actoral; otra característica de su estética fílmica es la limpieza de las imágenes. Es recurrente el hecho de que en la mayor parte de la filmografía del realizador sueco, sus personajes son atravesados por los mismos caminos en que se internan. Se trata de trayectorias que los reconducen hacia sí mismos, hacia su propia alma, hacia su propia conciencia. Son recorridos íntimos, enigmáticos, que muchas veces se apoderan del espectador transportándolo a una experiencia estrictamente personal e inquietante.

El Séptimo Sello, quizás la más emblemática de sus películas, crítica con una rudeza sutil la verticalidad grisácea y culposa de la religión. A Bergman se le hizo intolerable ver como la Iglesia, a través de un maniqueo concepto de Dios, buscaba rebajar al hombre a algo poco menos que miserable.

Imágen representativa del séptimo sello y de Bergman como su director, en la que se ve a un hombre jugando ajedrez con la muerte.

El Silencio, una de las películas más abstractas y simbólicas de Bergman, vuelven a exhibirse los temas que tanto lo obsesionaran: el arte como liberador (simbolizado por Bach y los enanos de circo que viven en el hotel), el conflicto para la comunión, la sexualidad y la culpa. Y todo en un marco físico donde gobiernan el calor, la excesiva luz y el silencio que nace de la incomunicación. En esta atmósfera, Dios podría ser el gran ausente.

Lucía

Túpac

Yupan

qui

R Al margen

Por: Lucia Tupac Yupanqui Palomino

Innovador, incomprendido, crítico, inquietante, coherente, censurado, incansable, experimental, literario, plástico, iconoclasta, sugerente, reinventor, discípulo, maestro

Es indescriptible, es JEAN

LUC GODARD

DESENLACE

Javier Memba. Es decir, Godard quiebra

Definir el estilo de Godard

los convencionalismos del cine (la

es una tarea odiséica en la

continuidad, la dirección habitual de

que más de uno ha dado un

actores, los géneros, etc.). Y además lo

paso en falso. Probablemente,

hace deliberadamente, por necesidad.

se debe a que, como él mismo

Sus influencias se extienden en amplias

afirma, “Godard no tiene estilo,

direcciones, desde Bertolucci hasta Lars

sino simplemente ganas de hacer cine

Von Trier. Y, como consecuencia de esta

(…). De hecho, mi tarea ha consistido

curiosa amalgama, Jean Luc Godard es

siempre en estar al margen, en el

uno de los cineastas más importantes

margen”. Esta tarea se traduce en la

de la historia, pues ha conseguido lo que

reducción del lenguaje cinematográfico

muchos denominan una “reinvención del

a una “taquigrafía”, en palabras de

cine”.

Le mepris 1963

“Godard no tiene estilo, sino simplemente ganas de hacer cine (…). De hecho, mi tarea ha consistido siempre en estar al margen, en el margen”

“Por supuesto un filme debe teber un principio, un nudo y un final. Pero no necesariamente en ese orden”

Al final de la escapada

NUDO Tan solo con estreno de su primer largometraje, Al final de la escapada, en 1960, Godard produce un quiebre en la historia del cine sin precedentes. Este film constituye su tarjeta de presentación: Godard había realizado una suerte de reingeniería del lenguaje cinematográfico. A través de su película, muestra al mundo su modo, hasta entonces inconcebible, de percibir la realidad y contar historias. En adelante, se ha mantenido fiel a su estilo sin dejar de moldearlo con innovaciones permanentes. En su etapa temprana entrega cintas como El Soldadito, Lemmy contra Alphaville y Pierrot el loco. Estas películas muestran cierto interés por la temática maoísta, sin embargo son de corte comercial. A raíz de la crisis de mayo de 1968, el cine de Godard toma un nuevo giro y aborda temas estrictamente políticos. Pertenecen a esta segunda etapa Pravda, Lotta Italia, Jusqu’à la victoire, etc. Todo va bien (1972) constituye una reconciliación entre su interés por la temática política y el cine comercial. En adelante y hasta ahora, se ha mantenido en el cine experimental. Su interés se pasea por la revisión de clásicos (Nombre:Carmen), la religión (Yo te saludo, María), mitos cinematográficos (Detective) , entre otros, con el particular andar que lo caracteriza. Incluso la televisión se ha convertido, más recientemente, en su terreno de exploración.

1960

INICIO París no solo es el lugar en el que nace Godard un 3 de diciembre de 1930. Sino también, el lugar en el que Godard tiene su primer y más profundo encuentro con el cine (que desencadenó un romance que no terminaría jamás). Así, mientras estudiaba etnología en La Sorbona, él y sus contemporáneos “descubren” la Cinemateca Francesa (proyección, conservación y restauración de un sinnúmero de películas desde los primeros años del cine, como iniciativa del Gobierno Francés). Además de mostrarle un nuevo universo, el del cine, la Cinemateca se convirtió en su primera

y, tal vez, más importante escuela. Como consecuencia, Godard y otros que también fueron seducidos (François Truffaut, Eric Rohmer, Jacques Rivette, entre otros) crearon la Nouvelle Vague en la década de 1960. Si bien es cierto que Godard es considerado como uno de los fundadores de esta corriente, es difícil etiquetarlo como parte de ella. Es difícil etiquetarlo como parte de alguna. Y es que Godard tiene un estilo con una particularidad tal, que, como afirma Laurent Tirard, “ocupa un lugar propio en la historia del cine”.

Pierrot el loco 1965

KRZYSZTOF

KIESLOWSKI Libertad, Igualdad y Fraternidad

Director y guionista polaco nacido en Varsovia, el 27 de junio de 1941. Kieslowski vivió en un entorno infantil difícil, ya que su padre sufrió de tuberculosis, lo que llevó a ir y venir de hospitales debido a la escasez de servicios médicos en la postguerra. Su madre era una oficinista que falleció en un accidente de tránsito. Esto explica el tratamiento que le daría a sus obras: impregnadas de melancolía y abordar temas como la fugacidad de la vida, y la proximidad de todos a la muerte. por: Pedro Egusquiza

rzysztof conoce el mundo del cine guiado por el teatro, su gran afición. Logra ingresar, después de varios intentos, a la famosa escuela de cine de Lodz, lugar donde se formaron grandes directores como Polanski (El pianista). Al poco tiempo de haber ingresado, logra realizar su primer cortometraje llamado El tranvía. Con esto busca analizar la opresión que representaban todas las autoridades. La cinematografía juega a ser un elemento por el cual puede reflexionar sobre esta realidad. Se gradúa en 1968, con su tesis denominada La realidad y el cine documental. En este documento trataba de exponer que la realidad es mucho más extraña que cualquier obra de ficción. La misma realidad es fuente de inagotables reflexiones, las cuales no se han descrito totalmente. Es por esto que surge una crítica al comunismo, ya que no pretendían cambiar su entorno, sólo querían imponer un modelo en el cual sólo se implantarían falsas propuestas. El cine de Kieslowski toma una personalidad única. El autor se convierte en descubridor de tiempos y espacios nunca antes percibidos. Tal como menciona: “Lo que intento capturar es tal vez el alma; en cualquier caso, una verdad que yo mismo no he encontrado. Quizá un tiempo que vuela y que no pueda ser nunca atrapado”. A continuación, una lista de su filmografía seleccionada: La cicatriz (1976); el Amateur (1979); Sin final (1985); El azar (1987); No matarás (1988); No amarás (1988); La doble vida de Verónica (1991); Tres colores: Azul (1993); Tres colores: Blanco (1994); Tres colores: Rojo (1994). Azul, es un filme sencillo y triste a la vez. Julie acaba de perder a su marido y a su hija en un accidente de tránsito. Por ello decide alejarse de todo aquello que le hiciera sentir algo, la música la persigue: una ópera sin acabar trata de convencerla de terminarla. El panorama parece desolador, pero poco a poco las personas van apareciendo en su vida haciéndola dudar si en verdad estuvo bien cerrar su corazón, a costo de ser libre.

“El cine de Kieslowski toma forma y personalidad. El autor se convierte en descubridor de tiempos y espacios nunca antes percibidos” Blanco, es un filme tragicómico que nos muestra la vida de Karol, un peluquero polaco casado con Dominique. Su matrimonio se rompe y están a punto de divorciarse, su incapacidad para tener intimidad con su esposa es el problema de todo esto. El trato de la justicia francesa lo hace sentir indefenso: no es su país, su esposa no lo entiende. Su vida se ha convertido en nada más que una lenta carga. Por ello decide regresar a su país, y ambos descubren un viaje de autoexploración para conocer lo que en realidad siente cada uno. En el filme, Kieslowski nos muestra la lucha por esta igualdad. Karol, a diferencia de Julie en Azul, se apoya en el amor de su esposa, o en la búsqueda de este para poder lograr sus objetivos. Rojo, nos presenta a Valentine, una chica que es modelo de medio tiempo y que tiene un novio manipulador. Bajo varios accidentes del azar se ve relacionada con el ex juez Joseph Kern. Al final, la vivacidad del amor demostrará la unión de toda la trilogía presentada. Al terminar estas obras, Krzysztof se retira del cine. Según él, ya habia todo lo que tenía que decir en esta vida.

Fondo y forma Su obra tiene el componente principal de la reflexión. El director duda de todo, es escéptico por naturaleza, pero es en esa duda que nos muestra la verdadera realidad de la vida y la libertad interior, aquella que el cine de empaquetado no puede llegar ni llegará debido a su propio origen en la cual todos estos productos son iguales. Kieslowski nunca buscó el éxito taquillero, se consideraba un poeta. El rollo de treinta y cinco milímetros era su herramienta para poder mostrar su mundo interior y utilizaba la fotografía y el sonido como sus moldeadores de sus relatos.

“El cine no se debe olvidar su dimensión ética. Y la conversación es algo ético, sobre todo en este mundo en su lugar envía un fax” Se interesó por utilizar el lenguaje cinematográfico para expresar sus ideas sobre la vida del individuo, de la libertad, igualdad y fraternidad. En estas épocas se hablaban bastante en Europa, pero no se practicaban. El cine siempre para él fue un medio. No era un vanguardista, ya que no producía el efecto de extrañamiento en sus espectadores, como si lo hacía Bergman, Tarkovski o Godard. Krzysztof buscaba decir algo, antes que perder el tiempo reduciendo un papel a sólo mostrar algo. Para él primaba el fondo, pero sin una forma correcta este nunca iba a calar hondo en la mente de sus espectadores. Kieslowski, al final de su carrrera, consideró a la cámara un objeto burdo para su propósito. Siempre quiso ser escritor pero por azares del destino, primero llego a la escuela de cine y teatro en Lodz. Todo esto lo llevaría a convertirse en un director que concedia a la estructura del cine un valor de útil, que servía para analizar su vida misma. Krzysztof decía “(…) yo no hago propuestas morales. Es más cuando oigo la palabra moral me escondo dentro del caparazón. Yo no hago películas morales sino éticas, porque moralista es alguien que sabe e intenta decir a los otros lo que es bueno y lo que es malo (…) yo no porque lo que intento hacer a través de mis películas son preguntas que sirvan para mantener una conversación con el público”. Según el director, el cine no se debe olvidar su dimensión ética. Y la conversación es algo ético, sobre todo en este mundo en que el diálogo desaparece porque la gente cada vez habla menos y, en su lugar envía un fax. Es en este objetivo de Kieslowski que deslumbro no haberla hallado, por su complejidad. Y, por lo tanto, asumimos que el objetivo del diálogo se convirtió en el propio camino antes que en algo palpable. La libertad y el amor fueron los medios utilizados en su vida, hasta que lentamente se fue extinguiendo, despues de habernos dejado una obra tan maravillosa que culminó en 1994.

El Inicio Por: José Iván Camacho Castro

Martin Scorsese es uno de los directores cinematográficos más destacados de su generación. Siempre con un estilo narrativo anticonvencional, lo ha ganado todo. Sin embargo, no todo fueron lauros para “Marty“, pues se desarrolló como cineasta en medio de una coyuntura dificil, donde los recursos no siempre abundaban.

artin Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942 en New York, exactamente en el populoso barrio de Queens. Si embargo, creció en Little Italy, otro barrio de la misma ciudad. Es descendiente de inmigrantes italianos pues se conoce que sus padres llegaron desde Sicilia a tierras americanas. Hijo de personas de la clase trabajadora, siempre estuvo alejado de las prácticas deportivas por padecer de asma. Cuando creció quiso convertirse en sacerdote e ingresó al seminario de la Cathedral College. Posteriormente, a finales de la década de los cincuenta, decide abandonar sus ideas de sacerdocio al ser influenciado por grandes del cine como John Ford, Orson Welles, Federico Fellini y, sobretodo, Michael Powell. Es así que el joven Scorsese comienza a rodar sus primeros cortos.

AHÍ LLEGO YO El primer cortometraje que realizó Scorsese fue “Vesuvius VI” en 1959, hecho que lo entusiasmó a continuar con la idea de dedicarse al cine, tanto así que se incorpora

a la New York University en 1960, donde estudió cinematografía durante cinco años. En el lustro que permaneció en la universidad pudo grabar varios cortometrajes, casi todos inspirados en las corrientes cinematográficas más innovadoras, como la Nouvelle Vague y el Neorrealismo Italiano, de gran influencia durante la década de los sesenta. Hacia 1963 rodó su segundo corto titulado “What’s a nice girl like you doing in a place like this” , considerado por la crítica como su primer cortometraje medianamente profesional. Al año siguiente, realizó “it’s not just you, Murray”, cortometraje donde iba marcando más su propio estilo. Otro hecho que le favoreció en su lucha por destacar en el cine, fue que logró obtener una serie de amistades muy importantes, como Brian de Palma, un cineasta compañero de generación con quien asistía a clases y con quien tenía una gran afinidad debido a lo similar de su tendencia. Con estos cortos, Scorsese inició un accidentado camino para salir adelante como cineasta, pues durante sus primeros años como tal, los antiguos estudios atravesaban por una gran crisis económica. A todo lo señalado, se sumaba el “boom” de la televisión, que en un inicio acaparó mucho la atención del público y propició que las personas se ausentaran considerablemente de las salas de cine durante un periodo de tiempo y, para colmo de males, se vivía una época convulsa en Norteamérica en todos sus ámbitos (social, político y económico). Aun en la segunda mitad de la década de los sesenta, Scorsese no sabía si podría tener una continuidad laboral.

Barbara Hershey en Boxcar Bertha.

A pesar de ello, realiza su primer largometraje: “¿Quién golpea a mi puerta?” (1967), un drama urbano de corte autobiográfico protagonizado por Zina Bethune y Harvey Keitel. Hasta aquí todos sus trabajos fueron realizados con mucho corazón e instinto, pues contó con pocos recursos para realizarlos. Sin embargo, Scorsese

ya dejaba ver un talento tan enorme como las ganas de ser grande, imponiendo un estilo que había encaminado por la premisa de narrar de forma anticonvencional, jugando entre lo sublime y lo fallido, un riesgo que Scorsese ha tomado durante toda su carrera.

Aún en la segunda mitad de la década de los sesenta, Scorsese no sabía si tendría estabilidad laboral. ¡MAMÁ PAPÁ! Scorsese utilizó a sus padres, Charles y Catherine, en varias de sus películas. Su progenitora in terpretó a la madre de Joe Pesci en “Good Fellas“. Al parecer, la vena art[istica le venía de familia.

Catherine Scorsese en “GoodFellas” (1990).

LAS MÁS RECORDADAS

Jodie Foster en la recordada “Taxi Driver”.

¿QUIÉN GOLPEA A MI PUERTA? (1967) BOXCAR BERTHA (1972) ITALIANAMERICAN (1974) TAXI DRIVER (1976) AMERICAN BOY: A PROFILE OF STEVEN TORO SALVAJE (1980) EL REY DE LA COMEDIA (1983) LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (1988) KUNDUN (1997) GANGS OF NEW YORK (2002) EL AVIADOR (2004). INFILTRADOS (2006) SHUTTER ISLAND (2010)

Priscil

Zubiria

Actor y director de cine canadiense. Es uno de los principales exponentes de lo que se ha denominado horror corporal, el cual explora los miedos humanos ante la transformación física y la infección. Inaugura y abandera el concepto de la “Nueva carne”, eliminando las fronteras entre lo mecánico y lo orgánico.

ació en el seno de una familia lituana en Toronto; su padre era periodista y su madre, pianista. Asistió al Harbord Collegiate Institute en su juventud y luego se graduó en literatura en la Universidad de Toronto. Ha citado a William S. Burroughs y Vladimir Nabokov como sus influencias. En sus películas, usualmente se mezcla lo psicológico con lo físico. En la primera mitad de su carrera exploró estos temas principalmente

a través del terror y la ciencia ficción, aunque su trabajo hace tiempo se ha extendido más allá de estos géneros. Junto a John Carpenter y a Wes Craven forma el grupo denominado “las tres C” del cine de terror actual. Durante su carrera, sus películas han seguido una progresión definida, un movimiento del mundo social a la vida interior. En sus primeras películas, científicos modificaban cuerpos humanos, lo cual daba lugar a la anarquía social .

1986

1983

1977

Filmografía mutacional y seductora

Cronenberg no ha trabajado dentro del mundo del cine comercial y de alto presupuesto de Hollywood, aunque ha tenido ocasionales acercamientos.

Cronenberg ha dicho que sus películas deberían ser vistas “desde el punto de vista de la enfermedad”. Por ello, enfermedad y desastre, en el trabajo de Cronenberg, son mejores problemas con que lidiar que los agentes de transformación personal.

El rechazo a Hollywood Cronenberg no ha trabajado dentro del mundo del cine comercial y de alto presupuesto de Hollywood, aunque ha tenido ocasionales acercamientos. Todo lo contrario, la mayoría de sus películas han sido al menos parcialmente financiadas por Telefilm Canadá, y Cronenberg es un partidario de los proyectos fílmicos apoyados por los gobiernos. “Cada país necesita un sistema de fondos gubernamentales con el fin de tener un cine nacional frente a Hollywood”, expresa Cronenberg. Del mismo modo, Cronenberg permanece siendo un cineasta canadiense incondicional, con casi todas sus películas -incluyendo las grandes de estudio La zona muerta y The Fly - han sido filmadas en su provincia natal de Ontario.

La Lealtad Es importante resaltar también que Cronenberg, asociado con la lealtad que muestra a sus colaboradores clave, ha contratado a Howard Shore para componer la banda sonora en prácticamente todas sus películas. Otros colaboradores regulares incluyen al actor Robert Silverman, el director de arte Carol Spier, el editor de sonido Bryan Day, el editor Ronald Sanders, su hermana, la diseñadora de vestuario Denise Cronenberg, y de 1979 a 1988, el director de fotografía Mark Irwin. Ahora trabaja en cada una de sus películas con el director de fotografía Peter Suschitzky .

Su encanto como director Gran parte del encanto de Cronenberg es lo explícito de sus historias y personajes, no sólo a un nivel histriónico o gráfico, sino a nivel emocional y psicológico, en los que las transformaciones y mutaciones físicas y mentales juegan un papel vital dentro de la historia, permitiéndole ingresar a partes de profundo terror y altibajos emocionales que desarrollan espirales de tragedia y exposición.

La nueva carne El cuerpo sufre una serie de mutaciones para poder albergar imágenes en sus entrañas, al enfrentarse a un videocasete palpitante una vagina dentada se abre en el estómago del protagonista para recibirlo gustosamente. En un mundo obsceno, sólo el objeto puede seducir. La nueva carne como el último destello de seducción en el universo desencantado del sujeto fractal. Esta resulta ser, entonces, la corporalidad desnuda ante la caricia abyecta del metal, la somática anti-utopía post-industrial presente en el imaginario cultural de cruce de milenios.

En sus películas, usualmente se mezcla lo psicológico con lo físico. En la primera mitad de su carrera exploró estos temas principalmente a través del terror y la ciencia ficción, aunque su trabajo hace tiempo se ha extendido más allá de estos géneros.

2007

2005

2002

1999

1996

1991

1986

Mercy

Talave r

George Lucas

“A pesar de escribir guiones, no creo que sea un buen escritor.” Por Mercy Talavera

George Lucas no solo fue creador de la famosa saga Star Wars, sino tambien fue coproductor y creador de la historia de Indiana Jones y el templo maldito, estrenada en 1984, nominada a dos premios de la Academia y que obtuvo un Oscar por los efectos especiales.

ineasta estadounidense nacido el 14 de mayo de 1944 en Modesto, California. Estudió en la escuela de cine University of Southern California. A lo largo de su carrera realizó algunos cortometrajes y gracias a su esfuerzo y dedicación ganó el primer premio en el Festival Nacional de Películas de Estudiantes en 1967. Luego, se hizo acreedor de una beca la cual le permitió observar el rodaje de Rainbow de Finian (1968) dirigida por Francis Ford Coppola. Gracias a ello, estableció una relación de amistad con el conocido director. Como consecuencia de ello, formaron la compañía American Zoetrope con la idea de hacer un largometraje. Sin embargo, al poco tiempo se separaron y Lucas fundó su propia compañía, Lucasfilm Ltd. Es así como comenzaron a llegar los éxitos para este brillante director; sin embargo, al poco tiempo todos ellos se verían opacados con la llegada de su gran película y futura saga.

Star Wars : The Force Unleashed. Juego creado por LucasFilm Games

sonido, cambiando luego su nombre a Skywalker Sound en honor a la gran acogida que había logrado la película. Inspirado por el comic Flash Gordon y la película El Planeta de los Simios, escribió su primer guion, el cual sin saberlo seria el primero de muchos más. Para realizar los efectos especiales de su película fundó ILM (Industrial Light & Magic), ya que este director requería efectos especiales inusuales para la época, que en ocasiones eran auténticas obras de ingenio debido a la falta de medios tanto económicos como tecnológicos de por aquel entonces, y la falta de tecnología digital. Mientras que otra compañía se dedico a la edición y mezcla de

Es importante mencionar que para Lucas no fue fácil realizar su película, ya que tuvo que presentar su proyecto a varios estudios, siendo rechazado una y otra vez. Sin embargo, esto no fue impedimento para que este genial director lograra que su proyecto fuese aceptado, pero para ello tuvo que llegar a un acuerdo con los ejecutivos de Twentieth Century Fox. Se vio en la necesidad de ceder su salario como director de la película a cambio de recibir el 40% de las ganancias de taquilla y todos los derechos del merchandising.

Star Wars recibió siete nominaciones de la Academia, lo cual era casi impensado hasta ese momento para una película d e ciencia fIcCión.

No obstante, Fox no imaginaba el gran éxito de taquilla que sería este proyecto; por lo tanto, George Lucas fue el mayor beneficiado. Con el éxito de la película y de su comercialización, Lucas ya no necesitó al estudio.

narse en tan solo una película:

“No mucho tiempo después de que comenzara a escribir Star Wars, concluí que la historia daba para más de lo que una simple película podía dar cabida. (...) empecé a visualizarlo como un relato que tomaría lugar en, por lo menos, nueve películas -tres trilogías- y decidí continuar justo entre los hechos precedentes y los sucesivos, partiendo entonces con la historia intermedia.” Definitivamente, esta saga demuestra que George Lucas es un gran director y guionista, capaz de empezar con una historia a la mitad y terminarla sin ningún tipo de error o problema de conexión. Esto es lo que hace genial a este director. Además de que fue capaz de hacer exitoso un proyecto por el cual absolutamente nadie apostaba.

Para los episodios V y VI, pidió préstamos bancarios, que pagó con las ganancias de cada película. En realidad el rodaje tuvo multitud de problemas, y los críticos y analistas pronosticaban un gran fracaso del estreno. Con un gran trabajo de persuasión consiguieron llevarla a 37 salas de cine para su estreno el 19 de mayo de 1977. Sin embargo, los espectadores quedaron impactados ante tan buena película. Desde un principio Lucas sabía que este proyecto no podía termi-

Wilfre

Ă lvare

Peter

Jackson ...El pasado Estรก hecho para recordar Por Wilfredo Alvarez

Empezó con una cámara de 8mm que le regalaron sus padres y ahora incursiona en el rodaje de películas en 3D. Sin duda Sir Peter Jackson no da pasos escalonados, ni mucho menos en falso; él simplemente salta barreras, ya sea como guionista, productor y/o director.

ir Peter Robert Jackson nació el 31 de octubre de 1961 en Pukerua Bay. Es guionista, productor y director de cine neozelandés, ganador de numerosos premios.

Como un gran apasionado del cine de terror y fantástico, en sus inicios como director grabó varios cortos. En 1987 aparecería en la pantalla grande con su primer largometraje, Mal gusto, una comedia de horror en la que se presentaban a seres de otros planetas. Bad Taste, nombre original del film, aunque surgió de una broma entre amigos que rodó con un presupuesto mínimo, llegó a convertirse en un film de culto para los amantes del cine gore y abrió a Jackson las puertas de Hollywood. Más adelante, filmaría Tu madre se ha comido a mi perro, nombre con el cual ingresaría al mercado español o más conocida como Braindead (1992 ), título con el que gana numerosos premios. Jackson también es el responsable de Criaturas celestiales, con el cual se introduciría como director de cine “convencional”, pero sin abandonar su característico humor negro. También es suya la película The Frighteners, una comedia fantástica de espectros protagonizada por Michael J. Fox.

¿Cómo empezó todo? La infancia de Peter Jackson hubiera sido muy solitaria al ser hijo único, pero sus padres le compraron una cámara de 8 mm cuando tenía 8 años. Después de recibirla rodaba todos los días películas de guerra en su jardín con ayuda de sus amigos, con lo que no es un misterio saber con este regalo iniciaría su camino como un reconocido gran director, a pesar de que él siempre soñó con trabajar en efectos especiales. Años más tarde, habiendo conseguido dinero tras trabajar en un periódico local, compró su primera cámara de 16 mm. Este fue otro impulso en la carrera de Peter y terminaría despertando el interés por el cine fue haber visto King Kong en la pantalla grande a los 9 años y en ese mismo momento fue que, en realidad, empezó todo.

La infancia de Peter Jackson hubiera sido muy solitaria al ser hijo único, pero sus padres le compraron una cámara de 8 mm Jackson cuando tenía comenzó su 8 años. carrera rodando filmes en su tiempo libre, entre los que destacó en 1987 Bad Taste, rodado el mismo año de su boda con Fran Walsh, con la que comenzó su carrera para acceder al mundo de Hollywood. A diferencia de sus compatriotas directores, él ha permanecido en Nueva Zelanda realizando sus nuevos proyectos.

El Señor de los Anillos, es claramente su obra maestra, gracias a ella y habiendo ganado 11 premios Oscar, sería reconocido a nivel mundial. Algo que pocos saben es que el participó como extra en cada una de las películas de la trilogía. Además, antes de ser un famoso director de índole hollywoodense, Peter solía plasmar su humor negro y características gore en todas sus películas de cine fantástico y de terror. Otro dato resaltante sobre él, es que probablemente pase a la historia del cine como el primer cineasta en atreverse a dirigir tres superproducciones a la vez. Algo realmente loable por las características de responsabilidad y habilidad que esto conlleva.

a í f a r g o m Fil ¿Cómo llegó a obtener el título de Sir? Peter Jackson ha sido nombrado caballero de la orden de Nueva Zelanda el 27 de abril del 2010, siendo el primer título de estas características que Nueva Zelanda concede en una década, reconociendo así a su director más universal y a uno de los ciudadanos más importantes de este país. Peter declaró anteriormente, cuando se enteró de su nombramiento que sin duda sería un momento increíble y luego de recibir su título de nobleza, declaró “es mejor que un Oscar”. Asimismo, dijo: “Una de las mejores cosas de crecer en Nueva Zelanda es que si estás preparado para trabajar duro y tienes fe en ti mismo, realmente cualquier cosa es posible”, dando aliento a sus compatriotas que buscan salir adelante.

No olvida Nueva Zelanda Mas allá de que todas sus películas han sido rodadas en su país, Sir Peter Jackson ha adquirido negocios y creado otros. Además, apoya financieramente escuelas locales, festivales de cine y artes y un organismo neozelandés para la gestión de órganos. De igual manera, las locaciones donde rodó la trilogía del Señor de los Anillos es considerada como parte importante para el turismo de su país.

Bad taste (1987) Meet the Febbles (1990) Braindead (1992) Criaturas celestiales (1994) The Frighteners (1996) Trilogía del Señor de los Anillos (20012002-2003) King Kong (2005) District 9 (2009) The Lovely Bones (2009) El hobbit (2011 – rodando)

Al Toro por las astas... A fines del 2007 se llegó a conocer sobre su acuerdo con las compañías MGM (Metro-Goldwyn-Mayer) y New Line Cinema para llevar la producción ejecutiva de las dos películas basadas en la novela de JRR Tolkien, El Hobbit, el rodaje de ambas películas comenzó en febrero de este año, y se planea que serán estrenadas para finales del 2012 y 2013, respectivamente.

En un principio, iban a ser dirigidas por el realizador mexicano Guillermo del Toro, ya que Jackson estaba preparando la adaptación de Las Aventuras de Tintín junto a Steven Spielberg, pero del Toro se desligó del proyecto por los retrasos en el comienzo de la grabación, lo cuales se habría dado por los problemas económicos que estaba afrontando la productora MGM. Sin embargo, en octubre del 2010 se confirmó que Jackson no solo será el director de ambas cintas, sino que, según rumores, la producción contará con un presupuesto total de 500 millones de dólares, convirtiéndolo en el proyecto más caro de la historia, ojalá que Guillermo del Toro no se entere.

RocĂo

Escala

nte

ALEX DE LA IGLESIA de la calle al cine

Alex de la Iglesia, reconocido en el s茅ptimo arte por su creatividad en las tramas de sus pel铆culas, empez贸 como dibujante de fanzines y termin贸 como un reconocido director de cine independiente europeo.

Por: Rocio Escalante Delmar

Alex de la Iglesia, uno de los directores más importantes del cine español, ha realizado 9 largometrajes,

3 cortometrajes, ha sido director artístico de dos películas y se ha dado tiempo para aparecer en la primera spoof movie española.

Sus más allegados amigos que a su vez forman el elenco y equ

lejandro de la Iglesia Mendoza, director,

Mamá (1988), de Pablo Berger. A partir de ahí los

productor y guionista de cine español,

acontecimientos se precipitaron y sin darse cuenta

antiguamente

fue

historietista.

Más

del nivel del que habìa alcanzado para la dirección

conocido como Alex, nació en Bilbao el

4 de

de películas, De la Iglesia se ha convertido en uno de

diciembre de 1965. Empezó como dibujante de

los mejores directores de España.

comics a los diez años y dibujó historietas en los fanzines No, el fanzine maldito y Metacrilato y en

El avance en su carrera

revistas como Trokola, Burdinjaun, La Ría del Ocio o La Comictiva, dirigida por Torbe.

peculiaridad

las

películas

que

producido es que estas tienen mucho contenido Licenciado en Filosofía por la Universidad de

tosco y crudo, es decir, las imágenes que

Deusto, España, como parte de su debut en el medio

presenta son un poco impactantes para el

cinematográfico decidió introducirse en el mundo del

público. Sus películas se caracterizan por ser

espectáculo, trabajó en televisión como

cine independiente en las categorías de: terror,

decorador, realizó la dirección artística

acción, comedia y ciencia ficción.

de Todo por la Pasta de Enrique Urbizu y participó como director

Como parte de su amor por el arte, en 1997

artístico en el cortometraje

publicó un relato humorístico llamado Payasos en la lavadora, el cual narra las diversas experiencias que tiene un escritor durante la Semana Grande de Bilbao. Para las personas que les guste las ficciones de la cultura pop, y la filosofía, esta novela está cargada de ellas y asegura colmar las expectativas. A raíz de su gran habilidad y desempeño por el

Acción Mutante es considerada una de sus mejores producciones.

cine, el 21 de junio de 2009 fue elegído presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias

Filmogr afia • Todo por la pasta 1991 • Accion mutante 1993 • El dia de la Bestia 1995 • Perdita Durango 1997 • Muertos de risa 1999 • 800 balas 2002 • Crimen perfecto 2004

uipo de trabajo en todas las producciones del cineasta.

• Los crímenes de Oxfort 2008 • Balada triste de trompeta 2010

Cinematográficas de España hasta enero pasado. maquillaje y peluquería y efectos especiales. Sus

películas

solamente

son

Balada Triste de Trompeta, fue la película más

nominada, con un total de 15 candidaturas. “Lo fascinante Por otro lado, De la Iglesia siempre del cine se encarga de buscar actores de alta es colocar al trayectoria para sus películas. Han espectador en posiciones morales trabajado bajo sus órdenes diversas en las que nunca estrellas del mundo de Hollywood como Javier Bardem, Elijah Wood, Leonor estuvo”

apreciadas dentro de su país natal, en el 2010. Balada triste de trompeta fue galardonada con los premios al mejor guión y el León de Plata a la mejor dirección en la 67ª Muestra de Venecia.

Así mismo, este año ha sido premiado con los premios Goya en España a los rubros de dirección de producción,

De la Iglesia es una de las personas más influyentes del cine independiente.

Watling, John Hurt o Salma Hayek, entre otros.

Christopher Nolan, uno de los más reconocidos directores de cine del día de hoy, nos tiene acostumbrados a películas llenas de calidad visual y narrativa. Sin embargo, todo este éxito nace en un recóndito espacio, lleno de ideas, laberintos, misterios, conocimientos, y recuerdos: su mente. ¿Estamos dispuestos a armar su inmenso rompecabeza? Por: A. Maria-Jose Hinostroza

EL INICIO DEL LABERINTO Nolan tuvo una vida común, fue al “¿CUÁL ES EL PARÁSITO MÁS RESISTENTE? UNA IDEA. SOLO UNA IDEA DE LA MENTE HUMANA PUEDE CONSTRUIR CIUDADES. UNA IDEA PUEDE TRANSFORMAR EL MUNDO Y CAMBIAR TODAS LAS REGLAS. Y POR ESO TENGO QUE ROBARLA.” Dom Cobb (personaje de Inception)

colegio y a la universidad, como cualquier otra persona, pero jamás dejó

pues

realizar

cortometrajes

era su pasión. Por esta

razón, su perfeccionamiento lo ayudó a que sus trabajos fueran proyectados

bastante

tiempo

antes del lanzamiento de su primer

largometraje, tiempo para el cual ya era catalogado como un excelente realizador.

Si bien Doodlebug es su corto más

reconocido,

desde

mucho

antes, Christopher Nolan se había

interesado mucho en el aspecto la temprana edad de 7 años, y ayudándose de la cámara de su padre y sus muñecos, Cristopher

psicológico del ser humano, es por

esta razón que, en adelante, esta

característica no solo sería resaltada sino que sus largometrajes siempre

giran alrededor de temas

Nolan empezó a dirigir sus propios cortos, hecho

que,

años más tarde, influiría en su

NOLAN Y LA PSICOLOGÍA

muy

relacionados

al cerebro y sus misterios. Si

bien

NOLAN TIENE UNA LICENCIATURA EN cierto, se PSICOLOGÍA Y ENSEÑA ANÁLISIS DE LA inevitable justifica que CONDUCTA. NUNCA DEJA DE ESTUDIAR Nolan use la ascenso a la Y DE ANALIZAR CIERTAS CONDUCTAS HUMANAS LO CUAL REPERCUTE EN psicología por cima en la que UN BUEN CUIDADO DEL ASPECTO los estudios se encuentran los PSICOLÓGICO EN SUS PELÍCULAS que este realiza, QUE TANTO DAN QUE genios del cine de H A B L A R . el motivo va, más

los últimos años.

bien, conectado a la

ambición

presentar pues

está,

del

películas

director

por

“perfectas”

desde

sus

inicios,

acostumbrado a que sus trabajos lo sean.

Nolan con

saltó

largometraje,

fama

segundo

Memento,

basado en un relato

corto

escrito

por

hermano, Jonathan

propio

Nolan,

que

luego adaptarían juntos a un guión convencional para rodar la película y por el cual fueron candidatos

Oscar en la categoría de mejor guión original.

personas como nosotros, que, quizá,

resto de sus trabajos. Es con la saga

posiciona sino que logra realizar un

carecen

esta,

información

podamos

acerca

sumergirnos

en enigmas insospechables que habitan

nuestras

propias

cabezas. Muestra del arduo trabajo de investigación de Nolan son sus películas, cada una de ellas nos da

LAS PIEZAS DEL ROMPECABEZAS Con infinidad de cortos realizados,

7 películas exitosas y una nueva entrega de Batman en camino,

Christopher Nolan no solo nos ha

engalanado

con

historias

cautivantes y calidad visual sino que,

además, nos ha permitido entrar en

su mundo de piezas importantes de

un rompecabezas el cual nos invita a armar según nuestro criterio pero basándonos siempre en lo que él desea que sepamos.

una

pieza

nueva del gran rompecabeza.

para conseguir una idea para su

próximo libro. Desde esta película, ya podemos observar la marca de Nolan pues nos cuenta la historia desde dos puntos: el principio y

el final; y para esto, hace uso de flashbacks a modo de recuerdo.

Por otro lado, Memento ya daría

embargo, este director ha sabido

la memoria, el tiempo, la identidad,

pasearse por los más estrechos pasillos de esta para permitir que

gran reto, plasmar su mundo en una historia tan conocida y venerada como es la vida del hombre murciélago:

ante

esto,

Christopher no duda

en darle su toque

a las películas, llenándolas de

pasado,

misterios

EN CADA PELÍCULA TRATO DE EXIGIRME MÁS A MI MISMO; y un gran ópera prima, EL HECHO DE QUE EL PÚBLICO c o n t e n i d o VAYA A VER MIS PELÍCULAS nos narra la psicológico. Es HABLE DE ELLAS historia de un Y Inception YA ME SATISFACE con escritor que empieza M U C H Í S I M O que llegamos a M Á S. a perseguir a un hombre Following, su

La mente humana es uno de los más complejos misterios del mundo; sin

de Batman que Nolan no solo se

sumergirnos en el mundo

de los sueños, esta vez alejados de

los tradicionales cuentos de hadas

y más bien orientados a las turbias intenciones de unos robasueños

que hacen de todo con tal de conseguir datos muy impotantes.

cuenta del interés del director por la realidad y la venganza, temas que se mantendrían presentes en el

CHRISTOPHER NOLAN DIRIGIENDO A CHRISTIAN BALE EN BATMAN BEGINS. Una de las dúplas más exitosas de Hollywood en la actualidad.

A ESCRIBIR SE HA DICHO Inception fue la segunda película original de Christopher Nolan. Este tuvo la idea desde que terminó Insomnia, su tercera película, pero tardó 9 años en terminar el guión pues quería aportar toda su experiencia en el ámbito psicológico para que tanto los personajes y la trama, pudieran satisfacer al insaciable espectador.

José Iv

Camac

án

Pedro

EgĂşsq

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Otto

Parede