Ilustraciรณn Digital Karla Yael Gallegos Hernรกndez
investigaciรณn
investigacion Temas 1.-Que es la ilustracion digital? 2.-Desde cuando se remonta este trabajo? 3.-Como se trabaja una ilustración? 4.-La metodología de una ilustración 5.-Tableta o mouse? 6.-Crear emociones atra vez de imágenes 7.-Ilustradores mexicanos que llaman mi atencion
8.-Por que me apasiona?
9.-Apertura laboral
10.-Conclusiones
Que es la ilustración digital? Hay que comenzar explicando que es la ilustración?? aun que no lo creas es el milenario arte de generar imágenes que acompañen o grafiquen textos. La ilustración publicitaria en anuncios de espectáculos públicos es una de las más recordadas (y re-editadas) en estos tiempos. Obras como las creadas por Toulouse Lautrec para anunciar el Moulin Rogue a finales del siglo XIX constituyen una fuente de inspiración para los artistas que hoy utilizan el computador y las tabletas como lienzos y pinceles. Las revistas y publicaciones seriadas siempre han sido una fuente laboral para los ilustradores, hecho que no ha cambiado y aún hoy es posible encontrar que los más grandes magacines del mundo pagan porque los mejores ilustradores aporten con su arte a las páginas de texto, aun cuando la mayor competencia es la fotografía.
tampoco de digitalizar y editar dibujos creados a mano, sino de que el artista cree directamente sobre la pantalla (en ocasiones a partir de un boceto análogo) dando como resultado, generalmente, imágenes vectoriales producto La ilustración digital se caracteriza por la creación de de la suma de miles de trazos independientes obras directamente en el computador, usando software que en conjunto forman la ilustración. para tal fin y con ayuda de dispositivos como mouses, lápices ópticos y tabletas digitalizadoras. No se trata de corrección de imágenes a través del ordenador
Desde cuando se remonta este trabajo? Si atendemos a esta definición, podríamos entender que la técnica de la ilustración surgió de la mano de los primeros libros y las primeras comunicaciones escritas de la historia. Sin embargo, ya desde antes de que el ser humano inventase la escritura, utilizaba los dibujos y las representaciones artísticas como forma de comunicación, tal y como dejan patente las pinturas rupestres de la época prehistórica o los jeroglíficos egipcios.
DISTINTAS REPRESENTACIONES Se puede asegurar que la ilustración ha acompañado al ser humano a lo largo de la historia prácticamente desde sus orígenes. No obstante, a medida que las comunicaciones evolucionaban, el papel de la ilustración evolucionaba con ellas; desde las pinturas prehistóricas ya mencionadas, hasta las publicaciones ilustradas de la actualidad, pasando por los mosaicos religiosos y los manuscritos medievales adornados. En la actualidad, convivimos con las ilustraciones en nuestro día a día casi de manera inconsciente. Dibujos y gráficos acompañan fundamentalmente a mensajes publicitarios para potenciar y conceptualizar mejor la idea que los primeros quieren transmitir. Y es precisamente por estas funcionalidades por lo que la ilustración ha estado muy ligada al mundo de la publicidad desde hace décadas.
A diferencia del fotomontaje que ha liderado y aún lidera en las gráficas publicitarias, la ilustración aporta el dinamismo, la exclusividad y la personalidad de lo hecho a mano, humaniza y acerca al usuario el mensaje al que acompaña o representa.
Llegaron ya hace tiempo las nuevas tecnologías, las aplicamos a las disciplinas artísticas buscando nuevas creaciones y estéticas, pero a veces nos olvidamos del origen de todo aprendizaje artístico. En la enseñanza de estas tecnologías nos estamos olvidando de lo más importante: de sensibilizar el gusto – ya sea con otros medios e incluso a través del propio medio técnico – de la recreación, de copiar de nuestros referentes anteriores, de experimentar durante horas en una investigación casi íntima, y tiempo, tiempo para repetir y repetir
EVOLUCIÓN Y NUEVAS TÉCNICAS Técnicas y estilos de ilustración existen casi tantas como ilustradores. Desde el simple bolígrafo a la acuarela, pasando por la tinta china a plumilla, óleo o aerógrafo, entre otras muchas. Esto, refiriéndonos a las técnicas tradicionales o analógicas ya que en la actualidad, la evolución de las tecnologías ha alcanzado también a la ilustración. A las técnicas tradicionales debemos de añadir las digitales como la vectorización, o nuevas herramientas como las tabletas gráficas y los diferentes pinceles digitales.
Sí es cierto que en las ilustraciones digitales, el vector sigue siendo la herramienta por excelencia debido a su versatilidad, adaptabilidad y compatibilidad con los diferentes soportes tanto digitales como analógicos. Y es que cada vez son más los ilustradores y artistas que buscan recuperar en sus piezas la esencia de lo manufacturado. Tal vez para conseguir esa cercanía y personalidad de la que hablábamos antes, muchos exploran, por ejemplo, las texturas de la tiza, pintura, pluma
Pero, Como se empieza una ilustración?
Es precisamente este estilo de ilustración, que mezcla la técnica digital con la tradicional, el que vamos a intentar conseguir con este pequeño tutorial orientativo que comienza a continuación. Su objetivo es explicar de manera muy sencilla los pasos básicos que podemos seguir para crear una ilustración digital plana con acabados analógicos. 1. El primer paso que se recomienda seguir a la hora de comenzar una ilustración es visualizar cómo y qué queremos reflejar en nuestra pieza gráfica. Si nuestro trabajo no tiene una idea o fin preestablecidos y contamos con libertad creativa, podemos aprovechar y buscar inspiración en revistas, webs como Pinterest, DevianART, Tumblr o Behance, o simplemente observando a nuestro alrededor.
2. Una vez que tenemos claro qué queremos ilustrar, podemos pasar a abocetar las primeras formas y composición. Este paso se puede realizar bien a la manera tradicional, con papel y lápiz, o bien a la manera digital, desde una tableta gráfica directamente y con un software especializado como puede ser Adobe Photoshop. Al tratarse de un boceto inicial para una ilustración sencilla no es necesario que invirtamos demasiado tiempo en sus detalles. Simplemente nos servirá como guía sobre la que jugaremos en pasos posteriores. No obstante, cuanto más claro y definido esté el boceto inicial, más sencillo nos resultará desarrollarlo. 3. El siguiente paso al papel es trasladar nuestro boceto al ordenador. Podemos escanearlo o fotografiarlo con una cámara o Smartphone. Si el boceto lo hemos realizado con una tableta, este paso no será necesario, pues lo tendremos ya directamente digitalizado. 4. Cuando tengamos el boceto en el ordenador es el momento de vectorizarlo, lo podemos realizar con diferentes programas. En este caso, utilizamos Adobe Illustrator y su herramienta pluma para construir todas las formas planas que compondrán nuestra ilustración. Tomando el boceto como guía, posicionamos los puntos de ancla y jugamos a modificar las curvas y formas hasta conseguir el resultado deseado.
El manejo de la herramienta pluma y los puntos de ancla puede resultar difícil al principio, pero con práctica y paciencia podremos dominarla de manera rápida y limpia. 5. Una vez que contamos con las formas planas de nuestra ilustración ordenadas por capas, podemos jugar con su borde y su relleno e ir probando diferentes combinaciones de colores hasta dar con una paleta que nos agrade. Esto último fue sencillo en el caso del ejemplo ya que utilizamos la paleta corporativa de B12. 6. Con los colores y formas ya definidos podríamos dar por finalizada la ilustración, aunque en nuestro caso nos pasamos a Photoshop para darle más realismo a la pieza con luces, sombras y texturas. En este paso es cuando podemos transformar una ilustración plana en una realista, en función de la necesidad o gusto de cada uno.
7. Cuando estemos contentos con el resultado, guardamos nuestro archivo y listo.
ยกYa tienes tu ilustraciรณn terminada!
Metodología de una ilustración La ilustración es un elemento con un peso significativo y creciente en las herramientas de comunicación visual. En un mundo cada vez más digital, la ilustración nos puede aportar la vertiente más humana y amable, dotando a la comunicación de un elemento cálido. La elección de una técnica acertada puede convertirla en más directa, rica y agradable. Posiblemente por su componente humano, las técnicas manuales han adquirido los últimos años una presencia e interés mayor en los medios. Si bien el curso partirá del trabajo con estas técnicas, las desarrollará también dentro de un contexto de trabajo digital.
El proceso de diseño Conceptualización “ A veces, una idea puede convertirse en tu peor enemigo, sobre todo cuando impide pensar en alternativas” Don Korberg y Jim Bagnall El proceso de diseño La primera fase del proceso de diseño requiere tender una amplia red en torno al problema que se tiene que resolver. Antes de invertir tiempo y energía en una solución concreta, el diseñador tiene que abrir su mente a múltiples posibilidades para después reducir ese abanico.
El proceso de diseño Cuando se trabaja en proyectos con un marco único, como la cubierta de un libro, un cartel o ilustración, el paso de la concepción a la ejecución puede ser fluido y directo. Sin embargo, en procesos complejos, como los sitios web, publicaciones editoriales o gráficos en movimiento, los diseñadores tienden a trabajar de manera esquemática, empleando diagramas, storyboards y presentaciones secuenciales antes de desarrollar detalles visuales y el aspecto de una solución particular. Las maquetas físicas y digitales ayudan al diseñador y cliente a visualizar la propuesta en la que se trabaja. Conceptualización: cómo generar ideas • Volcado visual de datos A) Empieza a hacer bocetos. Con el propósito del diseño definido y los parámetros establecidos, realizar pequeños bocetos a lápiz. Fijar un límite de tiempo. Intenta hacer 20 bocetos en 20 minutos, varios dibujos pequeños en una hoja de modo que se puedan comparar entre sí. C) Avanza. No borres ni mejores ningún boceto. Realiza nuevas aproximaciones de la misma idea, revisa y elige los mejores para trabajar sobre las líneas seleccionadas.
Tableta gráfica o mouse? Para hacer más fácil elegir entre tableta gráfica y mouse en la realización de ilustraciones digitales, existe una diseñadora argentina de Cristalab, e ilustradora, ganadora de un Daily Deviation, el máximo reconocimiento a un artista en deviantart. Mariux comenta su experiencia con la tableta digital y desmitifica algunos aspectos relacionados con el uso del mouse para realizar ilustraciones.
No creo, los acabados suelen estar a la orden de la elegancia y prolijidad de cada artista, así que muchas veces las garantías están sujetas a la experiencia del que usa la herramienta, pero ya, si sos un PRO dibujando y pintando y encima tienes la tableta hecha de la mano del propio Zeus, ovbiamente el acabado debería ser digno de convertir al artista en inmortal.
Es más conveniente usar lo que a uno le es más familiar y fácil. Si uno tiene más familiaridad con el lápiz y el papel yo diría que hay entonces que comenzar el proceso creativo desde esas herramientas, hablo desde la concepción de la idea a realizar, después yendo a lo técnico es casi lo mismo, creo que el mouse no implica dificultad alguna para realizar un buen trabajo creativo. Yo creo que el mouse es como más del diseñador que ilustra, que de un pintor que ilustra en digital o papel, pero se pueden lograr iguales resultados con uno y otro.
ilustración
Para hacer más fácil elegir entre tableta gráfica y mouse en la realización de ilustraciones digitales, entrevisté a Mariux, diseñadora argentina, BOFH de Cristalab, e ilustradora, ganadora de un Daily Deviation, el máximo reconocimiento a un artista en deviantart. Mariux comenta su experiencia con la tableta digital y hecha con algunos mouse aspectos desmitifica relacionados con el uso del mouse para realizar ilustraciones.
ilustración hecha con tableta
ilustración con pinceles
ilustración con vectores
¿Se debe tener algún conocimiento esencial sobre el uso de tabletas? Son algo delicadas. Al momento de comprar una recomiendo averiguar sobre repuestos, peso del lápiz, tiempo de vida de las puntas, si éstas mismas son recambiables, etc. Se puede empezar con algo barato dentro de lo bueno, pedir opiniones o ver en foros que conviene comprar de acuerdo a lo que uno puede pagar y las exigencias que se le darían al elemento. ¿Qué es lo más difícil de trabajar con una tableta?. En realidad me sorprendí pero me di cuenta que el mouse es parte de mi cuerpo. Es como que pienso desde el mouse. Al principio me costó ablandar la mano y generar trazos livianos, así que lo que hice fué bajar algunos dibujos lindos, con trazos definidos y comencé a calcarlos. Inclusive me daba "cosita" pintar porque me daba miedo de hacerle un hueco a la tableta. Pero de a poco fui agarrándole la mano, la verdad es re lindo tener tableta, por ahí cambiar la herramienta puede dar pie a que salgan cosas distintas. Me cuesta el hecho de no poder girar la hoja y dominar las proporciones, me ocurre que en el papel me doy cuenta de las proporciones, y la pantalla me engaña, porque uno entra a darle al zoom y muchas veces por mucho tiempo dejas de ver el resto y pierdes la noción de las proporciones reales. ¿Hay cosas que sólo puedes lograr usando una tableta?, en caso afirmativo ¿cuáles?. Con la tableta es más práctico pintar con diferentes intensidades, ya que la tableta tiene nivel de presión. La tableta también es genial para el retoque muy fino de imágenes. A veces el mouse te hace doler mucho la muñeca, sobre todo si es muy pesado, ya con la tableta uno le da un trabajo más natural a la mano y el brazo. Pero si dominas las herramientas de un programa de diseño te las puedes ingeniar para lograr cosas muy buenas sin ser un gran dibujante.
ilustración con vectores
¿Tableta Gráfica o Mouse? Conclusiones : ¿Alternas el uso de la tableta con el uso del mouse?, o ¿todas tus ilustraciones las realizas ahora con la tableta?. No, re alterno, hay cosas que son más prácticas con el mouse, por ejemplo si querés dibujar a las chicas super poderosas usando formas geométricas básicas con el mouse ya te las arreglas fácil.
ilustración hecha con tableta
Crear emociones con imagenes Cada proyecto que completas conecta con los usuarios de alguna forma. El diseño comunica un mensaje y un tono. El tono emocional es lo que observaremos con profundidad esta vez para entenderlo mejor. Las conexiones emocionales caen en cuatro pares de categorías básicas – alegría y tristeza, confianza y disgusto, miedo y furia, y sorpresa y anticipación. Entender este rango de emociones y como se relacionan a un mensaje visual es importante para que tu proceso de diseño sea recibido de la manera que tienes pensada. Mientras lees este artículo mira las páginas presentadas y cómo te hace sentir cada una y qué partes de la estética visual contribuyen a esa emoción.
La felicidad es contagiosa. Lo que eso significa para tu diseño es que la gente querrá compartirla con otros, en redes sociales, cara a cara o de otras maneras. La gente conecta con estéticas felices de una manera única porque es algo que les hace sentir bien con una asociación emocional positiva. Las imágenes tristes conectan con los usuarios en una forma similar. Porque la tristeza crea una sensación de empatía con la que muchos usuarios reaccionarán. Ellos confiarán en la materia más o la compartirán por que sienten que ayudan.
La confianza y el disgusto van mano a mano y la línea entre los dos puede ser cruzada fácilmente. Quieres crear algo que luzca real y creíble para que los usuarios puedan relacionarse con él. Pero esto no significa que no pueda ser fantasioso. Solo necesita una pizca de confiabilidad. Sin esa confiabilidad, la conexión emocional puede convertirse en disgusto rápidamente. Esto puede hacer que se vuelva difícil para los usuarios relacionarse con tu mensaje o conectar con las imágenes que les presentas.
Así como la rueda de color es herramienta básica para un diseñador, también lo es la rueda de emociones. Robert Plutchik, psicólogo y educador, desarrolló esta rueda en 1980. Su rueda esta basada en cuatro emociones básicas y sus opuestos. La emoción que siente una persona al interactuar con un diseño resulta en una emoción correspondiente. Esta emoción puede determinar cómo una persona ve e interactúa con tu diseño o incluso con la marca/compañía.
La rueda de las emociones
Algunos ilustradores Mexicanos...
Valeria Gascón Una chica de 22 años Influenciada por el cine, la música y la literatura es una joven ilustradora que plasma peculiares personajes, los cuales hablan acerca de lo cotidiano con una variedad de colores vivos. Nació en la Ciudad de México, pero a la edad de cinco años se mudó a Chiapas. Estudió Ciencias de la Comunicación en Yucatán, después regresó a la ciudad chilanga y cursó una maestría en Comunicación y Lenguajes Visuales. Participó en la feria Gran Salón México, la cual tuvo su primera edición en 2014 y se dedica a difundir la ilustración contemporánea mexicana. Sus ilustraciones son el reflejo de sus gustos, los cuales de cierta manera también los recomienda, seguro que en alguna de ellas te sentirás identificado y te interesará seguir viendo su trabajo.
Hilda Palafox Hilda mejor conocida como “Pony” es de sangre cien por ciento mexicana, oriunda de la Ciudad de México, y egresada de la escuela de diseño del ilustraciones delicadas, llenas de sensibilidad que van de la mano con suaves trazos, colores y texturas.
Laura Barocio Es una persona moderna, cosmopolita, orgullosa de sus raíces; rebelde y reivindicativa en lo trascendente. Una mujer que cada día combate a los monstruos de la inmediatez y la urgencia para dedicarse a lo que más le importa: pintar. Su nombre es Laura Barocio.
Mr. Kone Ha trabajado para una infinidad de revistas y para clientes como MTV,Grupo PepsiCO, Lipton México, Lipton Europa, Brisk USA,Coca-Cola, Sony-BMG, Universal Music, Canal 11, Telcel, Philip Morris, Sears, Cartoon Network, Nickelodeon, Adidas, Mini Cooper, entre otros. También trabaja o para las marcas Nike México y Nike USA con proyectos de diseño. Ha dado numerosas conferencias y talleres en diferentes eventos. En el 2007 lanza el proyecto de Ledy Ledy; empresa dedicada a la producción de muñecos de vinyl, en sociedad con otras tres personalidades del diseño gráfico mexicano. Su trabajo se ha publicado en varios libros nacionales e internacionales. Actualmente forma parte de numerosos proyectos independientes de diseño en varias partes del mundo.
Lluvia lavi Lluvia tiene como inspiración y parámetro a Paula Bonet y Audrey Kawasaki, dos artistas que dominan la ilustración y la acuarela de una manera excepcional. Lluvia retoma los detalles, lo delicado de los elementos sutiles de los personajes y de la escena en que se encuentran. Ilustrar con acuarela implica ser más temeraria que el común de los ilustradores, es realizarla sin bocetos, sin ensayos o constantes parches para que se vea bien. Lluvia disfruta de presentar sus emociones a través de sus personajes, con principal énfasis en la mirada, parte corporal a la que dedica en exceso su atención. Ella gusta de plasmar elementos muy femeninos: las flores, los atardeceres, las aves y las texturas como el cabello, los hilos y el agua. Su color favorito es el blanco, por su ausencia y facilidad para transmitir emociones directas.
y...en el campo laboral? Con la idea de la importancia de las edades en cualquier entorno laboral, nos haría entender que el mayor número de empleadores en diseño oscila en edades mayores, sin ambargo tan solo en México el 41% de los diseñadores mexicanos tienen menos de 34 años. Sin embargo en los últimos años, el crecimiento de la apertura de esta carrera en diversas universidades del país también ha crecido, lo que se estima que en los próximos años este porcentaje crezca por el desarrollo de los nuevos profesionales en el diseño.
El campo laboral para los creativos tiene tantas brechas que crecen rápidamente, en lo personal podría nombrar diferentes corrientes que incluyen la publicidad, el diseño Web, el marketing y en la que profundizaré, la artística.
Si nos enfocamos a un entorno un poco más demográfico la cantidad de mujeres diseñadores es mayor que la de los hombres, sin embargo, de todas las vacantes del país el 74.1% son dirigidas al género masculino.
El dibujo digital está ligado a un sinfín de opciones, pues se puede imprimir en papel, tazas, poleras y más. Ahora, el ilustrador también trabaja en un videoclip y en un proyecto personal denominado Bandoneón, que es un corto animado.
El promedio de ingresos según la profesión o especialidad: • Animación: $13,000 a $16,000 • Diseño Editorial: $10,000 a $13,000 • Diseño Gráfico en general (Imagen corporativa, impresos, etc) $7,000 a $8,000 • Diseñador Web: $10,000 a 13,000 • Hacen un poco de todo (web, editorial, impresos, animación) $13,000 a $16,000 • Ilustradores: $7,000 a $8,000 • Publicidad: $16,000 a $20,000 • Desarrollo/Programación Web $16,000 a $20,000
Videojuegos, animación, videoclips, diseño de portadas, de libros infantiles o multimedia son algunos de los campos laborales del ilustrador digital quien, ante todo, siempre es un artista. "La carrera te da herramientas, pero uno también tiene que abrir la mirada en un recorrido y adquirir de todo
Porque llama mi atenciรณn Se da rienda suelta a la creatividad
mucha demanda
sera fรกcil promocionarse por un estilo propio
nunca se harรก un trabajo igual
trabajar de forma freelance
oC nclusiones En casi cualquier diseño, la meta es lograr que los usuarios conecten con tu trabajo. Mientras que las emociones deseadas pueden variar, la mayoría tienen temas comunes. Un buen diseño tiene elementos de atractivo, efectividad y es placentero y memorable para el usuario. Combinando esas ideas y trabajando con fuertes señales visuales que activen las emociones correctas para tu proyecto, puedes desarrollar un diseño que funcione de la manera correcta. Tendrá el atractivo visual y evocará conexiones emocionales.
Sabiendo que la ilustración de tipo comercial es ya un factor importante para la publicidad actual, es justamente el proyecto perfecto para que el Artista/Diseñador despeje un poco su ideología esencial y haga una “fusión” de puntos de vista para denominar un nuevo personaje, el ilustrador.
El ilustrador no es ni artista ni diseñador pero es ambos, combina la pasión de un artista y la objetividad de un diseñador, de esta manera logra satisfacer las necesidades de un cliente, de un público y las personales.