Ballare7 by Chus Franco

Ballar E7 M

Que es el ballet clasico?

Bachata Fรกcil

Salud Emocional La cura para todo mal: El Baile

B AL

¿Que es el Ballet Clasico? E Caracteristicas Exige muchos años de preparación en forma y técnica. El vestuario propio son los leotardos y las mallas, con una falda opcional (tutú). Las bailarinas usan zapatillas de media-punta hasta que sus huesos sean lo suficientemente fuertes y estén entrenados para usar y soportar las zapatillas de puntwa; los bailarines solo utilizan zapatillas de media-punta y en escasas ocasiones de punta para trabajar huesos de los pies como el empeine. Los huesos de los tobillos y de los pies deben ser lo suficientemente fuertes para ir en pointe (en punta). El ballet clásico está basado en pasos, posiciones y formas de cargar el cuerpo que se originaron fundamentalmente en el siglo XVIII con el trabajo de Jean-Georges Noverre. A pesar de que en todo el mundo se comparte una misma base, hay variaciones regionales, y diversas escuelas, como el método de Agrippina Vagánova o el de Nicolai Legat (rusos ambos) o el de Enrico Cecchetti (italiano). Actualmente se ha ido diversificando el ballet

desde las técnicas hasta la soltura a la hora de bailarlo, siendo estas primeras la herramienta principal con la que se forma a un bailarín, la técnica proporciona la base del baile, para que con ella el bailarín sea libre de poder expresar lo que a el le plazca. La barra al piso es una técnica innovadora, ya que los trabajos que realizara el ejecutante en barra de ballet, (de pie) los realizara en el piso, jugando de esta manera con la gravedad, siendo esta una manera eficaz de trabajar el cuerpo pues los huesos de la columna se alinean desde la cabeza hasta el coxis, permitiendo también una mejor conciencia del trabajo corporal.

El ballet o danza clásica es un género dramático cuya acción es representada por medio de pantomimas y danzas. Es también el nombre específico dado a una forma concreta de danza y su técnica. Según las épocas, los países o las corrientes el espectáculo coreográfico puede incluir: danza, mímica, texto y música (de orquesta y coral), decorados y maquinaria. También se utiliza el término ballet para designar la pieza musical compuesta, a propósito, para que sea interpretada por medio de la danza.También se utiliza el término ballet para designar una pieza musical compuesta, a propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El ballet es una de las artes escénicas. una pieza musical compuesta, a propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El ballet es una de las artes. Bailarina en puntas, Karina Dgz.

FOTO POR: ERIK

l ballet clásico es el más formal dentro de los estilos de ballet y adhiere a la técnica tradicional de ballet. Hay variaciones según el lugar de origen como el ballet ruso, el ballet francés o el ballet italiano. Entre sus características distintivas están el uso de las puntas, sus gráciles, sus fluidos y precisos movimientos, y sus cualidades etéreas.

T LE

Las

zapatillas de ballet, son zapatillas ligeras diseñadas específicamente para la práctica del ballet. Se hacen de cuero, lona, o satén suave y tienen suelas finas y flexibles. Los zapatos de ballet están típicamente disponibles en rosa, negro, gris o blanco. Tradicionalmente, las mujeres los llevan rosados y los hombres blancos, mientras que los colores carne o marrones que dan la apariencia de bailar descalzo son llevados tanto por hombres como por mujeres. Los bailarines de ballet principiantes y los bailarines de ballet menores de aproximadamente doce años llevan zapatillas exclusivamente mientras entrenan y actúan, mientras que las bailarinas de sexo femenino más avanzadas pueden llevar zapatillas de ballet o zapatillas en punta cuando las circunstancias lo requieren.

A los bailarines jóvenes les está restringido el uso de zapatillas de ballet hasta que se osifiquen sus huesos y sus músculos sean suficientemente fuertes para poder bailar en punta. Los bailarines de sexo masculino llevan casi siempre zapatillas de ballet suaves, pues raramente bailan en punta. Las escuelas de ballet imparten típicamente clases de técnica, en las cuales los bailarines llevan solamente zapatos de ballet llamados media punta (1/2), y de punta, en que los estudiantes llevan primero los zapatos de ballet para calentar en la barra, y después cambian a zapatillas de punta para los ejercicios de centro. Muchas escuelas de ballet exigen por lo menos cinco años de entrenamiento antes de permitir que sus bailarines vayan en punta.

== Zapatillas de puntas ==.... Las zapatillas de puntas son un tipo de calzado de ballet similar a las zapatillas anteriormente descritas pero con refuerzo en la parte anterior de las mismas. Su objeto es que las bailarinas de ballet se eleven sobre ellas apoyando el peso de todo su cuerpo sobre la punta. El objetivo de las zapatillas de puntas es proporcionar una apariencia ligera y estilizada de la bailarina durante la representación, que parezca levitar sobre el suelo o que no haga ruido al caer tras un salto. Su origen se remonta al nacimiento de los ballets románticos en el siglo XIX. Se considera que una de las primeras bailarinas en emplear este tipo de zapatillas fue Marie Taglioni en el ballet La sílfide en 1832 utilizando la técnica de puntas. En un principio, las bailarinas introducían algodón para reforzar la punta mientras que en la actualidad la zapatilla cuenta con una estructura rígida en la que se apoyan los dedos. Las zapatillas de puntas no se utilizan hasta el segundo o tercer año de enseñanza. En los ensayos, se emplean al final de los ejercicios de barra y su uso es progresivo para reforzar los músculos del pie y adquirir el equilibrio necesario para posarse sobre ellas. Existen zapatillas con diferente nivel de rigidez en su suela. La elección de una u otra dependerá de la bailarina en función del grado de fortaleza de su pie.1 Para ello tiene que practicar todo un año con las 1/2 puntas (las zapatillas nombradas anteriormente). El ballet (del italiano balletto, diminutivo de ballo, que significa ‘baile’ reconocido por la RAE como voz francesa), danza académica o danza clásica, es una forma concreta de danza y también el nombre de la técnica correspondiente. Según las épocas, los países o las corrientes y el espectáculo,

esta expresión artística puede incluir: danza, mímica, y teatro (de orquesta y coral), personas y maquinaria. Pintura de ballet de Edgar Degas. El ballet clásico o danza clásica es una forma de danza cuyos movimientos se basan en el control total y absoluto del cuerpo, el cual se debe enseñar desde temprana edad. Se recomienda iniciar los estudios de esta danza clásica a los seis o siete años, ya que el ballet es una disciplina que requiere concentración y capacidad para el esfuerzo como actitud y forma de vida. A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso está codificado. Participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo el cuerpo en una conjunción simultánea de dinámica muscular y mental que debe expresarse en total armonía de movimientos. También se utiliza el término ballet para designar una pieza musical compuesta, a propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El ballet es una de las artes escénicas.

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TIPO DE CALZADO

Zapatilla sin punta

1. PASO BÁSICO DE BACHATA LATERAL

PASO LATERAL IZQ JUNTO PIERNAS

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1ST P LACE 2015

Este es el paso de bachata más básico. Si aprendes paso de bachata lateral primero, se te hará más fácil aprender todos los demás pasos de bachata. Este paso consiste de cuatro pasos que se marcan en los cuatro tiempos del compás de la bachata. Si eres mujer, das el primer paso con el pie izquierdo hacia la izquierda. En el segundo paso arastras el pie derecho hacia la izquierda, de manera que quede al lado del pie izquierdo. En el tercer paso vuelves a dar un paso hacia la izquierda con el pie izquierdo, El cuarto paso es un marcaje que haces con la punta o planta del pie derecho. Das un golpe leve contra el suelo con la punta o planta del pie y al mismo tiempo levantas la cadera. Después, repite esta misma secuencia hacia el lado opuesto comenzando con el pie derecho. Si eres el líder de la pareja, empieza la secuencia dando un paso con el pie derecho hacia la derecha. En el segundo paso arastras el pie izquierdo hacia la derecha, de manera que quede al lado del pie derecho. En el tercer paso vuelves a dar un paso hacia la derecha con el pie derecho, wEl cuarto paso es un marcaje que haces con la punta o planta del pie izquierdo. Das un golpe leve contra el suelo con la punta o planta del pie izquierdo. Después, repite esta misma secuencia hacia el lado opuesto comenzando con el pie izquierdo.

PA R E J

Bachata

!Aprende Fàcil!

2. PASO BÁSICO DE BACHATA HACIA ATRÁS

El paso básico de bachata hacia atrás es igual al paso básico lateral cambiando de dirección. En vez de dar los pasos hacia la izquierda o haica la derecha das los pasos en linea hacia atrás. Cuando este paso se baila en pareja se combina con el paso de bachata hacia adelante. Uno en la pareja se mueve hacia atrás y el otro en la pareja se mueve hacia adelante.

4. PASO DE BACHATA LATERAL DE ESPALDA Casi todos los pasos de bachata se pueden bailar de espalda. Cuando se baila bachata de espalda normalmente es la mujer la que se coloca de espalda a su pareja. El paso de bachata lateral de espalda es el paso básico de bachata lateral, realizado en esta posición. Para iniciar este paso, el líder de la pareja tiene que dar la señal a la mujer para que ella cambie de posición. Ella da medio giro hasta que queda de espalda a su pareja. En esta posición el líder de la pareja sostiene la mano izquierda de su pareja con su mano izquierda y la mano derecha de ella con su mano derecha de una manera flexible. Cuando ya se encuentren en la posicióhn adecuada ambos en la pareja pueden hacer el paso lateral hacia la misma dirección.

hacia el lado se dan los pasos hacia adelante. 7. PASO EN LÍNEA HACIA ATRÁS DE ESPALDA El paso en línea hacia atrás de espalda puede ser un paso muy sensual y romántico. En este paso el líder de la pareja lleva a su pareja consigo hacia atrás. Este paso se realiza de la misma manera que el paso lateral de espalda, pero en vez de dar los paso hacia el lado se dan los pasos hacia atrás. 8. PASO DE BACHATA LATERAL DE ESPALDA Casi todos los pasos de bachata se pueden bailar de espalda. Cuando se baila bachata de espalda normalmente es la mujer la que se coloca de espalda a su pareja. PASE A PAG 6

5. PASO EN SITIO CON MOVIMIENTO DE CADERAS El paso en sitio con movimientos de caderas es muy tipico en la bachata. En este paso se marca el ritmo principalmente con las caderas sin trasladar los pasos en el espacio. El cuerpo se mantiene en el mismo sitio marcando el ritmo con las caderas. En el cuarto tiempo se hace un remate, levantando la cadera hacia arriba. 9. Paso en sitio con movimiento de hombros

3. VUELTA BÁSICA DE BACHATA PARA LA MUJER

La vuelta básica de bachata para la mujer es un giro bien sencillo. Esta vuelta se inicia con el paso básico lateral. El líder de la pareja debe dar la señal a su pareja para que ella gire hacia la derecha. Para girar hacia la derecha, la mujer hace un paso hacia la derecha con el pie derecho. Después da un paso con el pie izquierdo, girando su cuerpo hacia la derecha. En el tercer tiempo da un paso con el pie derecho, volteando su cuerpo para quedar de frente a su pareja. En el cuarto tiempo, ya de frente a su pareja, toca el suelo con la punta del pie izquierdo. Mientras la mujer gira su cuerpo, el líder de la pareja la dirige y hace el paso básico en sitio. Puedes ver esta vuelta básica de bachata en este video . https://www.youtube.com/watch?v=UN9edd7_yX8

El movimiento de hombros en la bachata es un movimiento fluido. En este paso mantienes el cuerpo en sitio y marca los cuatro tiempos de la bachata con el movimiento de hombros. En cada tiempo del compás haces una rotación de hombros hacia atrás y al mismo tiempo mueves todo tu tronco hacia la derecha o hacia la izquierda. Por ejemplo, en el primer tiempo puedes hacer una rotación hacia atrás con el hombro izquierdo a medida que mueves gradualmente todo tu tronco hacia la izquierda. En el segundo tiempo, haces una rotoción de hombros hacia atrás con el hombro derecho y en el tercer tiempo con el hombro izquierdo. En el cuarto tiempo haces otra rotación con el hombro izquierdo, esta vez enfatizando el acento. 6. PASO EN LÍNEA HACIA ADELANTE DE ESPALDA El paso en línea hacia adelante de espalda puede ser un paso muy elegante. Este paso se realiza de la misma manera que el paso lateral de espalda que expliqué arriba, pero en vez de dar los paso

PAREJA BACHATA FEST 1ST PLACE 2015 PAREJA BACHATA FEST 1ST PLACE 2015 PAREJA BACHATA FEST 1ST PLACE 2015

8. PASO DE BACHATA LATERAL DE ESPALDA El paso de bachata lateral de espalda es el paso básico de bachata lateral, realizado en esta posición. Para iniciar este paso, el líder de la pareja tiene que dar la señal a la mujer para que ella cambie de posición. Ella da medio giro hasta que queda de espalda a su pareja. En esta posición el líder de la pareja sostiene la mano izquierda de su pareja con su mano izquierda y la mano derecha de ella con su mano derecha de una manera flexible. Cuando ya se encuentren en la posicióhn adecuada ambos en la pareja pueden hacer el paso lateral hacia la misma dirección.

BACHATA FÁCIL Siente el ritmo. La bachata es un baile de 8 tiempos (como la salsa). La música de bachata tiene cuatro tiempos por compás. En su forma más básica, los bailarines de bachata se mueven a la izquierda durante un compás de cuatro tiempos y luego a la derecha en el siguiente. Escucha la música y trata de encontrar el ritmo pulsante. La música electrónica de bachata moderna por lo general tiene alguna forma de percusión sintetizadora que marca cada compás, lo que hace que sea más fácil encontrar el ritmo. La música tradicional de bachata puede tener una percusión un poco más compleja, pero por lo general el ritmo es fácil de “sentir”. Este es un ejemplo de cómo contarás los pasos en la bachata básica: (Pasos a la izquierda) 1, 2, 3, (4), (pasos a la derecha) 5, 6, 7, (8), (pasos a la izquierda) 1, 2, 3, (4), etc. El cuarto tiempo y el octavo están entre paréntesis porque, por lo regular, se cuentan en silencio. En cuanto a la bachata moderna con estilo “pop”, puede ser que quieras escuchar un poco de la música de algunos artistas latinos modernos como Prince Royce, Anthony Santos, Aventura, Don Omar y Maite Perroni. Estos artistas tienen la influencia de la bachata y muchos graban sus canciones con un estilo de bachata modernizado. Intenta empezar con “Creíste” de Anthony Santos. Los artistas de bachata más antiguos y tradicionales pueden ser un poco menos conocidos hoy en día, debido a la popularidad de sus colegas con estilo “pop”. Trata de escuchar algo de la música de algunos artistas como Yoskar Sarante, Frank Reyes y Joe Veras. La canción “Inténtalo tú” de Joe Veras tiene una melodía de bachata excelente con un sabor medianamente tradicional. Muévete dando pasos hacia la izquierda. Comienza con los pies juntos. Cuenta el ritmo

de la música: 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Cuando estés listo, empieza dando un paso hacia la izquierda con el pie izquierdo en el tiempo 1. Luego lleva el pie derecho hacia el pie izquierdo en el tiempo 2. De nuevo, da un paso a la izquierda con el pie izquierdo en el tiempo 3 y por último, levanta ligeramente el pie derecho del suelo en el tiempo 4. Observa el movimiento de tus caderas. Puedes haber notado que al levantar ligeramente el pie derecho del suelo, tus caderas sobresalieron involuntariamente hacia la derecha, lo cual es perfecto porque con el tiempo, el efecto que deberás crear es un movimiento continuo y ondulante en las caderas. Al seguir bailando, date cuenta del movimiento de tus caderas. Repite los pasos en la dirección opuesta. ¡No te detengas! Coloca el pie derecho en el suelo en el tiempo 1 siguiente, dando un paso a la derecha. Luego simplemente repite los movimientos que ya hiciste en la dirección opuesta: lleva el pie izquierdo al derecho en el tiempo 2, da un paso a la derecha en el tiempo 3 y levanta ligeramente el pie izquierdo en el 4. Ahora tus caderas sobresaldrán hacia la izquierda.

Mantén el tiempo y repítelo. Practica estos pasos básicos hasta que pienses que ya tienes el sentido para llevar el ritmo básico de la bachata. Al bailar, mantén las rodillas ligeramente dobladas (obviamente debes doblar más la rodilla al levantar el pie) y trata de mantener un balanceo rítmico ligero en las caderas. En la bachata, al igual que en muchos bailes latinos, el balanceo de las caderas generalmente es más pronunciado en la mujer que en el hombre. Si hasta el momento piensas que la bachata es demasiado simple, no te preocupes; está a punto de volverse mucho más interesante.

Invita a tu pareja a bailar. Es esencial que sepas cómo aceptar gentilmente un “sí” o un “no” para evitar vergüenzas en los clubes, fiestas, fiestas de quince años y en otros lugares donde quieras bailar bachata. En la bachata tradicional, los hombres invitan a las mujeres a bailar. Las siguientes instrucciones plantean una situación tradicional, pero actualmente es perfectamente aceptable que las mujeres hagan la invitación. Si eres hombre: cuando quiera bailar con alguien, sé directo, pero cortés. Acércate a tu posible pareja directamente, extiéndele la mano (con la palma hacia arriba) y dile algo corto y al grano, como: “Hola, ¿quieres bailar?”. Si acepta, ¡genial! Tómala de la mano y vayan a la pista de baile. Si, por alguna razón, no quiere, acepta con cortesía, dándole una contestación corta como: “Ah, está bien. No hay problema” y sigue adelante. Si eres mujer: cuando te inviten a bailar, responde amablemente, pero con honestidad. Si quieres bailar, solo tienes que decir: “Me encantaría”, luego tomar la mano de tu pareja y pasar a la pista de baile. Si no quieres, rechaza la invitación gentil, breve y honestamente explicándole por qué preferirías no hacerlo. Por ejemplo, podrías decirle algo como: “Ah, quisiera poder hacerlo, pero los tacones me están matando”.

Si eres mujer: Para la posición abierta, mantén los brazos sueltos y relajados. Coloca las manos con las palmas hacia abajo sobre las de tu pareja. Recuerda que debes mantener los codos doblados para tener flexibilidad y asegurarte de estar un poco cerca de tu pareja.

Sensualidad y elegancia convinada con un toque de erotismo en movimientos, suabes rapidos segun sea el estilo a desarollat.

Para la posición cerrada, cuando tu pareja coloque el brazo alrededor de tu espalda, coloca tu brazo sobre el suyo y apóyalo cerca de su hombro. Deja que tu pareja sostenga tu otra mano; el dorso de tu mano debe apuntar hacia ti, mientras que el dorso de la suya debe apuntar hacia fuera. Mantén los codos doblados y recuerda mantener palma contra palma (no entrelazar los dedos).

Sal ud Emocional El baile

l movimiento del cuerpo no sólo es un proceso físico, sino también emocional y social, que puede potenciar y favorecer la salud de las personas en diversos planos. El equipo de profesionales creadores de la Tecnicatura Superior en Artes Comunitarias del Movimiento -en grupo de coreógrafos y bailarines de danza teatro y expresión corporal, formados en el IUNA, y de psiquiatras y psicólogos (*)- nos explican cuáles son las motivaciones emocionales que promueve el movimiento corporal y su desarrollo como práctica artística: “La experiencia senso-perceptiva de nuestro entorno y de nuestro propio cuerpo, o la vivencia de nuestros recuerdos o aspectos psicológicos representan estímulos que tienen la capacidad de despertar en nosotros algún tipo de emoción. Las emociones por su parte, sin importar su naturaleza, van a condicionar nuestra conducta y por lo tanto nuestra forma de movernos. Por lo tanto, un objeto, persona, lugar, acontecimiento, sensación corporal, o recuerdo despierta emociones en relación con nuestra propia vivencia -histórica o cultural- y tiene la capacidad de promover el movimiento, o una forma particular de movimiento”. Indican que el movimiento, desde el punto de vista psíquico, puede ser un fenómeno complejo ya que “pone en juego simultáneamente casi todos los aspectos psicológicos de una persona: es consecuencia de la atención, de la memoria, es necesario tomar decisiones y ponerlas en ejecución; se despiertan sensaciones, ideas, sentimientos y emociones; emerge el subconsciente, y se despiertan los vínculos sociales. En realidad la potenciación es bilateral ya que los aspectos psíquicos potencian el movimiento y viceversa”. LA DANZA COMO MEDICINA La danza es la medicina recetada ante varias circunstancias de afecciones que involucran el sistema nervioso: uno de los ejemplos recientes que mayor notoriedad ha cobrado es el programa desarrollado por el English National Ballet

junto a la organización Dance for Parkinson’s, que propone enseñar esta disciplina a adultos mayores que sufren esta enfermedad como un modo de paliar algunos sus efectos y estimular su integración social y cultural. Nuestros especialistas cuentan cuál es el principal beneficio en este sentido: “Particularmente en la enfermedad de Parkinson existe una alteración progresiva de las vías neuronales encargadas del movimiento. Con la danza además de las vías neuronales del movimiento se ponen en juego áreas encargadas de las emociones, los sentimientos, el ritmo, que se encuentran vinculadas con las vivencias personales del movimiento. Esto permitiría que las vías aún intactas se refuercen y aquellas que se encuentran afectadas sean estimuladas desde distintas regiones funcionales del cerebro. Entonces el movimiento se vería potenciado por retroalimentación positiva facilitando el entrenamiento y el reaprendizaje de patrones de movimiento fundamentales en la intervención con personas con enfermedad de Parkinson”. El caso es que, de todos modos, todo estado psicológico puede verse beneficiado por la danza. Explican que: “Ya sea que implique una vivencia positiva o negativa, la danza puede ser una herramienta para transformar, desarrollar, fortalecer, promover estados psicofísicos cada vez más adecuados según lo que cada cual necesite. Debido a que la danza involucra aspectos psicológicos, físicos y sociales específicos, es cuestión de orientar dichos aspectos según las necesidades de cada persona y de sus posibles afecciones psicológicas”. Por su parte, la danza, al tratarse de una disciplina artística, pone en juego uno de los aspectos más complejos que envuelven al desarrollo del ser humano: la creatividad. “Es, tal vez, la síntesis de todas las funciones mentales puestas en práctica a través del movimiento corporal. No importa en qué disciplina, profesión o actividad se desarrolle el ser humano, su búsqueda se orienta a la búsqueda constante de nuevas relaciones

entre los objetos que lo rodean, con el objetivo de optimizar la vivencia personal y vincular. Por este motivo, cuando se despierta la capacidad creativa, se despierta el cuerpo y la mente, se abren posibilidades y caminos para enfrentar los conflictos inherentes a la vivencia personal, se amplían los límites psicológicos y emocionales, se refuerzan y fortalecen hábitos adecuados, y además se regulan los estados físicos. Con lo cual se promueven estados cada vez más saludables en todos los sentidos”, acentúan nuestros especialistas. No haberse movido “nunca antes” en términos dancísticos no debiera ser motivo para dejar de hacerlo en cualquier momento de la vida: “De una u otra forma, todos tenemos la capacidad de movimiento con variables en el grado de habilidad. Esto en sí, es suficiente para acercarse a la danza. Inicialmente uno debe tomar consciencia del estado en él se encuentra respecto al movimiento corporal y en relación a su vivencia psicológica. De acuerdo a esto no existe una sola forma conveniente de empezar en la danza, sino que depende de estado particular en el cada uno se encuentra respecto al movimiento”, concluyen. La Tecnicatura Superior en Artes Comunitarias del Movimiento, a dictarse a partir del próximo marzo 2015 en el Instituto Superior de Ciencias de la Salud, es una carrera que tiene por protagonista la idea de formar profesionales especialistas en trabajar el movimiento como canal de comunicación y cambio, con una perspectiva y proyección comunitaria, es decir, pensar la danza como una metodología de transformación individual y social. Sus creadores son Carolina Fontenla, Magali Canosa, Roberto Tamburrini, Edgar Narváez y Elena Tato. La Tecnicatura resuelve un nexo particular en la transformación social a partir de la potencia artística del movimiento, que implica focalizar en perseguir la salud integral de las personas: a nivel psíquico, físico y social entre ellas.

El Baile L A C U R A PA R A T O D O M A L

Bailar desfoga la energía acumulada, exuda toxinas, libera emociones, alienta la mente… Es una manera de curar nuestro cuerpo; científicamente se ha comprobado que aporta beneficios para nuestra salud física, intelectual y emocional. Entérate de sus virtudes en esta nota. ¿Bailas? Te pregunta el chico más guapetón del antro. Te levantas, acomodas tu falda y haces tuya la pista no por una, por todas las canciones de toda la noche sin siquiera saber que…. Estás curando tu yo interior: El baile te permite expresarte; a través de tus movimientos comunicas tus pensamientos y emociones porque tu cuerpo reacciona a la sensibilidad que la música te genera. Sin palabras puedes arrojar todos esos sentimientos que en nada te benefician, como la ira, la tristeza, la amargura… Además, preciso por ser una actividad lúdica, te genera paz. (Ochoa V. El baile: representación social y práctica saludable.

Invest. educ. Enferm. 2006). Estás curando a tu organismo: En el libro Con el corazón en el tango de Roberto Peidro se asegura que este ritmo ayuda a disminuir el colesterol total y el colesterol malo (LDL), mejora la tolerancia a la glucosa previniendo la diabetes de tipo II o ayudando a su tratamiento, previene la hipertensión, mantiene y mejora la fuerza, la resistencia y la masa muscular, previniendo la osteoporosis y desacelerando el proceso de envejecimiento. Estás curándote del estrés: Con base en estudios de la llamada Terapia Danza Movimiento (DMT por sus siglas en inglés) se ha concluido que el baile disminuye la depresión, la ansiedad, el trastorno paranoide y de personalidad. La Terapia Danza Movimiento es una técnica psicoterapéutica artística que se basa en el movimiento, la danza y la intervención verbal para conseguir una integración emocional, cognitiva, física y social de los individuos. Estás curándote de la soledad: La Universidad de

Gotinga en Alemania realizó un estudio mediante el cual demostró que cuando las mujeres están en su periodo de ovulación, sus movimiento corporales son más atractivos.Igualmente, se ha concluido en otros estudios que el baile genera emociones positivas que siempre van a repercutir en una persona haciéndola más propensa a entablar interacciones sociales, pues las personas mejoran su confianza en sí mismos y suelen encontrar pareja o nuevos amigos. Estás curando a tu cerebro de ser “olvidadizo”: El baile es una actividad compleja porque se trata no sólo de seguir el ritmo de la música, sino de recordar los pasos e improvisar; además, por ser una actividad física estimula el flujo de la sangre a todo el cuerpo, incluido el cerebro (Albert Einstein College of Medicine of Yeshiva University del Bronx). ¿Vale la pena o no bailar? Invita a tu pareja a una noche de viernes de baile o llama ya a algunas amigas (si no tienes efectivo, recuerda que Mujer Banorte es tu aliada); al fin y al cabo ¡lo bailada

i no has comenzado a bailar aún, te recomiendo empezar ya. Para la salud mental es excelente. Por una parte el ejercicio físico es bueno para nuestra salud física y mental (disminuye estrés, depresión y ansiedad) y por otra parte, socializarás con otras personas, algo fundamental para la felicidad. FRASES A nadie le importa si no puedes bailar bien. Levántate y baila. Los grandes bailadores son muy buenos por su pasión. -Martha Graham. Lo importante es este momento en movimiento. Haz el momento importante, vital y digno de ser vivido. No dejes que se escape inadvertido y sin usar. .-Martha Graham La gente me ha preguntado porque he elegido ser una bailarina. Yo no lo elegí. Fui elegida para ser una bailarina, y con ello, vives toda tu vida. -Martha Graham. No quiero gente que quiera bailar, quiero gente que tenga que bailar. -George Balanchine. Hay un poco de locura en el baile que hace a todo el mundo mucho bien. -Edwin Denby. Hay atajos para la felicidad, y el baile es uno de ellos. -Vicki Baum. Mientras bailo no puedo juzgar. No puedo odiar, no puedo separarme de la vida. Solo puedo estar

FRASES FRASES FRAS FRAS FRAS

alegre y entero. Es por ello que bailo. - Hans Bos.

Las expresiones más auténticas de la gente están en su baile y en su música. El cuerpo nunca miente. -Agnes de Mille. Ser creativo significa estar enamorado de la vida. Puedes ser creativo solo si amas la vida lo suficiente para querer mejorar su belleza, querer traer más música, un poco más de poesía, un poco más de danza. -Osho. Baila como si nadie mirase. Ama como si nunca fueses a ser dañado. Canta como si nadie escuchase. Vive como si el cielo estuviese en la tierra. -William W. Purkey.

LOS BAILARINES TAMBIÉN ENTRENAN MENTALMENTE Hace unos años, un equipo de investigadores de la University College London (UCL), en Reino Unido, descubrió que en nuestro cerebro existe un “sistema espejo” que responde de forma diferente cuando vemos a un bailarín hacer una pirueta según estemos entrenados o no para ejecutar ese movimiento. Las neuronas que lo forman están “afinadas” para el repertorio de movimientos propio de cada individuo. Una de las principales conclusiones del hallazgo, según sus autores, es que atletas y bailarines podrían continuar entrenando mentalmente cuando sufren una lesión física. LOS GENES DE LA DANZA Tras analizar el código genético de distintos profesionales de la danza, en la Universidad Hebrea de Jerusalén han encontrado diferencias importantes en dos genes: el gen encargado de codificar el transportador de la serotonina, un neurotransmisor que entre otras cosas contribuye a la experiencia espiritual, y un receptor de la hormona arginina-vasopresina, que según estudios recientes modula nuestra capacidad de comunicación social. “Ambos son genes vinculados al aspecto emocional del baile” puntualiza Richard Ebstein, coautor del estudio.

cosas que no sabías sobre la danza acción física. BAILAR SAMBA DEBERÍA FORMAR PARTE DEL ENTRENAMIENTO DE LOS FUTBOLISTAS Un equipo de investigadores japoneses ha llegado a la conclusión de que bailar samba, una danza brasileña con raíces africanas, favorece un control del cuerpo que puede mejorar las habilidades motoras en actividades tan dispares como tocar un instrumento de percusión o jugar al fútbol. Según el doctor Tomoyuki Yamamoto y sus colegas del Insitito Avanzado para la Ciencia y la Tecnología de Japón, “ejercitar el movimiento de las caderas es esencial para mejorar la movilidad de otras zonas del cuerpo”, posiblemente debido a la proximidad de esta zona a nuestro centro de gravedad corporal. Por eso decidieron probar a entrenar a jugadores de fútbol bailando samba. El resultado: una importante mejora del rendimiento deportivo. Lo próximo, dice Yamamoto, será probar los efectos de otros bailes en los deportistas.

INTELIGENCIA RELACIONADA CON EL MOVIMIENTO CORPORAL Junto a la inteligencia lingüística, la musical, la lógica/matemática, la espacial, la intrapersonal, la interpersonal o la espiritual existe una inteligencia corporal o cinestésica, que puede definirse como la habilidad para controlar los propios movimientos corporales y manipular objetos con cierta maña. Este tipo de inteligencia, según Howard Gardner, es la que está detrás de la capacidad del bailarín para “ver-y-hacer”, transformando una imagen visual dinámica o ciertas órdenes sonoras en una

NUESTROS ANTEPASADOS TAMBIÉN DANZABAN Geoffrey Miller, psicólogo evolutivo de la Universidad de Nuevo México (EE UU), cree que “música es lo que ocurre cuando un simio antropoide tropieza y entra en el paraíso evolutivo de la selección sexual desbocada, de la exhibición acústica compleja”. El autor cree que cantar y bailar formaban un conjunto de rasgos indicadores para nuestros antepasados cuando escogían pareja, especialmente para las hembras. El baile y el canto ponían de manifiesto la buena forma física, la coordinación, la fuerza y la salud. EL BAILE PUEDE SER TERAPÉUTICO Científicos de la Universidad de Missouri (EE UU) han llegado a la conclusión de que bailar puede ser terapéutico al alcanzar la tercera edad, ya que mejora considerablemente el equilibrio y reduce el riesgo de caídas y lesiones. EXISTEN COREOGRAFÍAS BASADAS EN LAS MATEMÁTICAS DEL CAOS En los años noventa una estudiante de ingeniería del popular Instituto de Tecnología de Massachussets (MIT), Diana S. Dhabi, decidió utilizar las matemáticas del caos para componer música a piano. Siguiendo su ejemplo, los científicos norteamericanos Elizabeth Bradley y Joshua Stuart han creado recientemente varias secuencias de movimientos basadas en el caos partiendo de piezas clásicas. Incluso han desarrollado una versión caótica del popular baile asociado a la canción Macarena. Y todo a través de un software original desarrollado por ellos mismos, el Chaographer. El resultado es una danza original y “agradable para la vista”, aseguran. Además de que ?enseñar estos resultados en clase es una forma muy efectiva de motivar a los estudiantes para que aprendan más.

80 años

Del Ballet Nacional de Uruguay La pasada semana comenzaron los actos por el 80º aniversario del Ballet Nacional uruguayo, con galas que se sucedieron a teatro lleno y actos como que el presidente de la República Oriental del Uruguay, Tabaré Vázquez, le impusiera a Julio Bocca la medalla Delmira Agustini, la más alta distinción cultural del país. En estos mismos días Bocca ha sido ordenado Caballero de las Artes y las Letras de la República Francesa. Conciertos, programas didácticos paras los más pequeños, la presentación de una nueva orquesta de jóvenes, un desfile de todos los estudiantes de ballet del conservatorio nacional… puede resumirse como una efervescente actualidad de manifestaciones artísticas en torno al ballet como eje y motor. No se habla de milagro, sino de trabajo duro y continuado, de disciplina y un entusiasmo contagioso que conlleva orgullo. Bocca dice: “esto no ha hecho más que empezar, llegaremos todo lo lejos que nos marque nuestra ambición junto con nuestro sudor”.

Las decisiones del anterior presidente José Mujica fueron fundamentales, desde impulsar la terminación del nuevo Auditorio Nacional Adela Reta (actual sede del ballet y de la orquesta) hasta respaldar la decisión de nombrar al argentino Julio Bocca (Munro, Gran Buenos Aires, 1967) como director artístico. Bocca, que en su momento, hace años, rechazó la oferta española para la dirección del entonces Ballet del Teatro Lírico Nacional, ha tenido que sortear dificultades, algún rechazo, hostilidades sindicales y lo que queda de una inveterada rivalidad entre uruguayos y argentinos que suena en alguna milonga pero que hoy hace sonreír. No se equivocaban quienes propusieron el nombre del astro rioplatense, la figura masculina más importante que dio el ballet latinoamericano en el

siglo XX, con un prestigio indiscutido de premios y logros que pasa por el American Ballet Theatre de Nueva York, el Teatro Bolshoi de Moscú, el KirovMariinski de San Petersburgo, el Teatro alla Scala de Milán, el Colón de Buenos Aires o la Ópera de París, coliseos y compañías donde ha acumulado una experiencia valiosa y prismática que ahora le permite asumir con solvencia la dirección de la compañía de Montevideo, el SODRE, que estaba muy de capa caída. En apenas cinco años, Bocca a puesta a esta agrupación en el panorama internacional. El año pasado hizo una exitosa gira a España con “El Mesías” (Haendel) de Mauricio Wainrot. No se puede perder vista que todo esto sucede a gran velocidad en un pequeño país de 3 millones y medio de habitantes, cuya mitad aproximada vive en la capital. Las cifras de este quinquenio de trabajo intenso son mareantes: 500.000 espectadores; 334 funciones en Uruguay (una cada cinco días); 50 funciones en el extranjero; 30 nuevas obras estrenadas de las que 15 son grandes producciones abarcando a día de hoy prácticamente todo el repertorio académico (incluyendo “Coppélia”, “Giselle”, “Lago de los cisnes”, “Bayadera”, “El Corsario”, “Paquita” y Don Quijote”). Los actos de aniversario que empezaron el pasado lunes con la gala internacional del 80º aniversario culminarán el próximo día 10 de diciembre con el estreno del ballet “Romeo y Julieta” en la prestigiada versión de Kenneth MacMillan, ocasión para la que se pone en pie una nueva y ambiciosa producción con todo el rigor posible. Es otra pica en Flandes que pone Julio Bocca. Resulta del todo excepcional que obtuviera los derechos de esta obra, quizás todo sea porque él mismo fue un Romeo de leyenda en esta coreografía asumiéndolos en teatros como el Covent Garden de Londres o el Metropolitan de Nueva York. En la compañía uruguaya, presencia española de altura: la santanderina Lorena Fernández, mano derecha, maestra y asistente del director; el solista Damián Torío y el primer bailarín malagueño Ciro Tamayo, que no pudo participar en las galas por una grave lesión en un pie. La plantilla refulge de juventud y de talento, ya con acento cosmopolita, teniendo como maestros y reponedores del repertorio a reputados mundiales como Willy Burman o Patricia Ruanne. El Ballet Nacional de Uruguay aprovechó los fastos de su 80 cumpleaños para anunciar oficialmente que entre diciembre de 2016 y enero de 2017 hará su segunda gira por España, con presentaciones en los Teatros del Canal de Madrid y en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, trayendo dos programas: la Coppélia en la versión de Enrique Martínez y Un tranvía llamado deseo, de Wainrot. Para esta segunda pieza, Bocca ha debido lidiar hasta obtener los permisos de los herederos de Tennessee Williams. Las galas, armadas al mejor estilo neoyorkino, con agilidad y buen gusto, con lluvia de confeti dorado, fin de fiesta y mucho virtuosismo, contaron con bailarines invitados del Teatro Colón de Buenos Aires (Nadia Muzyca y Federico Fernández), el Ballet de Sao Paulo (Luisa Yuk y Yoshi Suzuki) y del Teatro Municipal de Santiago de Chile (Gustavo Echevarría). Los invitados de la Ópera de París no pudieron viajar a Montevideo por los recientes atentados.

El Campeonato Mundial de Baile

llega a Mexico 13

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quien realiza su primer aniversario en el Teatro de la ciudad INBA el día 21 de Diciembre del 2015, Este evento es con motivo del primer aniversario de la dicha academia, donde los alumnos demostrarán con entrega y pasión lo que han aprendido durante este primer año, en sus clases tales como Jazz, Danza Aérea, Ballet, Hiphop, y Teatro. Dando a sus padres, familiares y amigos un show diferente. Por lo cual solicitamos el apoyo de su empresa por medio de patrocinios, que pueden variar desde un apoyo economico hasta brindar descuentos en su establecimiento u algina promocion especial. PATROSINIO: Proporcionar algún descuento (cortesías) para padres e hijos en su establecimiento, a cambio de esto nosotros colocaremos su logotipo en nuestra publicidad durante el mes restante a la fecha del evento, además de ser mencionados durante la intervención del maestro ceremonias durante todo el evento.

Realizamos dos eventos al año para que todos nuestros alumnos puedan mostrar todo lo que han aprendido durante ese tiempo en un arduo trabajo por parte de maestros y alumnos, premiándolos con este tipo de eventos, donde se invita a padres, familiares y amigos. Cada presentación tiene un tema en particular que lo hace diferente del otro y así lograr una variedad de espectáculo. Contamos con instalaciones de primera para la comodidad de los alumnos y para sus padres un lobbie, y estacionamiento amplio. Para su seguridad cámaras de circuito cerrado, guardia de seguridad las 24 horas del dia. A quien corresponda: A través de este medio me dirijo a usted en nombre de la compañía ´´ 7!8 Dance Studio´´,

Sin más por el momento me despido y agradezco su atención, espero su pronta respuesta. Un cordial saludo. Este evento es con motivo del primer aniversario de nuestra academia 7!8 Dance Studio, donde los alumnos demostrarán con entrega y pasión lo que han aprendido durante este primer año, en sus clases tales como Jazz, Danza Aérea, Ballet, Hiphop, y Teatro. Dando a sus padres, familiares y amigos un show diferente. //LUGAR *Teatro de la ciudad INBA, Plaza de las Americas //FECHA Y HORA *21 de Diciembre del 2015 a las 5:00PM

Se regalaran al rededor de 12 playeras parala rifa y al rededor de 15 premios otorgados por cada patocinador, ademas tendremos descuentos para sesiones fotograficas. //SORPRESAS POR PARTE DE NUESTROS PATROCINADORES 1- Teatro Cabañuelas 2- Emmanuel Villa Fotógrafo

EL JAZZ La danza jazz es una clasificación compartida por una amplia gama de estilos de baile. Antes de la década de 1950, se refiere a la danza originada a partir de estilos de danza africana vernácula de América. En la década de 1950 surgió un nuevo género de danza jazz, la danza moderna jazz, con raíces en la danza tradicional del Caribe. Todos los estilos personales de danza jazz tienen raíces atribuibles a uno de estos dos orígenes. Los distintos tipos de jazz son: el tradicional, el góspel, el funk y el primitivo afrocaribeño. Un estilo más pulido es el Broadway jazz, que se baila en los musicales de Nueva York y en otras ciudades. Emplea múltiples técnicas como las del ballet clásico, de la danza contemporánea y la expresión corporal. ORIGEN Tiene su origen en las danzas negras americanas en el año de 1917, cuando ciertas formas diluidas de danzas sociales negras fueron adoptadas por blancos aplicando música psicópata.Esta es una danza genética que abarca las danzas teatrales y danzas sociales. Progresivamente fue tomando elementos del ballet, así como de otros bailes más modernos. Pasó por diferentes influencias de bailes como el charlestón, el big apple y el jitterbug. Como danza para el escenario, la danza teatral de la década de 1940 experimentó un desarrollo mayor y en las décadas de 1950 y 1960 surgió un estilo que tomaba los elementos que necesitaba tanto del ballet como de la danza moderna y del claqué. Así desde ese momento generando varias ramificaciones de la danza jazz. En la actualidad esta danza es más practicada por niños, adolescentes y adultos sin importar género o color de piel. Aplicando una gran variedad de movimientos modernos, que cada coreógrafo implementa desde su creatividad haciéndolo único y diferente.

Jazz CARACTERÍSTICAS En este estilo la movilidad del torso es muy importante. Es característica la posición de los pies en paralelo, a diferencia de los pies en primera posición (girados) del ballet. En esta danza la mayoría de sus pasos son en el piso, como quien dice es una danza terrenal, en el cual tienes que sentir la música y expresar tus sentimientos. La flexibilidad es un elemento muy significativo. Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la improvisación. La danza jazz original tomó estos mismos elementos.

TÉCNICA La danza jazz, en su evolución, que no tiene técnicas concretas, se sirve de elementos técnicos de la danza moderna y el ballet, sin dejar por ello de poseer su propio trabajo técnico y, sobre todo, estadístico, principalmente en lo que hace a la movilidad del torso y la disociación de la parte superior con respecto a los trabajos de pies y piernas. Las contracciones abdominales, el trabajo a tierra, y la particular manera de entrar y salir del suelo son características fundamentales de esta disciplina, sobre todo en lo que se conoce como “moderno jazz”. ESTILOS DE JAZZ Estilo clásico[editar] Estilo de danza donde se aplica la técnica clásica básica estiliza con movimientos de contracción y enlogación, llenos de fuerza y sensualidad lírica, derivados de las sensaciones corporales provocadas por la música de blues y jazz contemporáneo. puede ser el chase entre otros Estilo moderno[editar] Este estilo es aplicada a ritmos de cortes modernos, en la cual se utilizan técnicas del ballet clásico y al igual se complementa con estilos de libre expresión y estética corporal, pero siguiendo la estructura del ballet clásico, e implementada en

música comercial.

Estilo teatral[editar] Este estilo es delineado por técnicas de expresión corporal, jazz y danza contemporánea donde el objetivo es la representación y personificación teatral, utilizando además gestos, ademanes, posturas, entre otras cosas, sobre diversos ritmos musicales utilizados en montajes y espectáculos de los géneros opera rock y comedia musical. Estilo funk[editar] este último es uno de los más modernos y urbanos también llamado street jazz o funk jazz derivado de la música que se encuentra fuertemente estilizada con percusiones electrónicas o acústicas, en lo cual esto da al paso de movimientos agresivos y fuertes, con remates muy marcados, movimientos de coordinación rápida y acentuados en contratiempo. Meike bailó bajo la dirección de algunos de los más importantes coreografós del Jazz y el Show actual como Mistinguett (Las Vegas), Molly Molloy (Paris), Irene Mann (Berlin), y conserva el estilo tradicional de bailar con bastón, abanico y plumas como lo aprendió de Tai Lee (Frankfurt) y Gisela Walter(Friedrichstadtpalast Berlin) entre otros. Meike ha trabajado como coreógrafa en la televisión alemana, como dance captain en el “Fantasma de la Opera” y en varios musicales como bailarina. Sus clases de Jazz están influenciados por sus profesores que han sido Ralph Paul Haze, Bruce Taylor, Chauncey Roberts, Donald Samuels Kelvin Hardy , Alvin McDuffie, Milton Myers y muchos muchos más. Si quieres formarte como bailarín de Jazz ó interprete de musicales encontrarás toda la base técnica necesaria en sus clases. El jazz, a veces llamado “baile moderno” de una manera errónea, comenzó en Estados Unidos como movimiento de baile popular a principios del siglo XX. Como danza social, el jazz tiene su origen en las danzas de origen africano del siglo XIX.

Hiphop El hip hop es un movimiento artístico y cultural que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1970 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos (Bronx, Queens y Brooklyn). Desde el principio destacaron como manifestaciones características la música (funk, rap, Blues, DJing), el baile (hustle, uprocking, lindy hop, popping, locking) y la pintura (aerosol, bombing, murals, political graffiti). Afrika Bambaataa acuñó el término hip hop en aquella época, aunque años más tarde KRS One, originario del Bronx, quiso unificar en cuatro los elementos del hip hop: el MCing (rapping), el DJing (turntablism), el breakdancing (bboying) y el graffiti. Hizo esto con la idea de simplificar la definición de hip hop; pero para muchos esto puede resultar incompleto, ya que existen otras manifestaciones que quedarían excluidas de esta clasificación, como el beatbox, los murales, el beatmakin o producción de fondos musicales (‘beats’), el popping, el locking el uprocking etc. La unión de dos de los elementos, el MC (Master of Ceremony) y el DJ (Disc Jockey), conforman el estilo musical del hip hop: el rap. El bboying es el baile popularmente conocido como breakdance. La persona que practica este baile se denomina bboy, bgirl (fly girl). Existe una notoria diferencia entre un bboy y un breaker, el primero baila por cuestiones meramente culturales y por aportar elementos nuevos, inovando y llevando el nivel de dificultad a nuevas dimensiones. El breaker o breakdancero es la persona que baila solamente por ánimo de lucro y ó moda, no tiene conciencia del movimiento hiphop genéricamente hablando, y no sabe la historia y fundamentos que un bboy debe saber. Aunque, cabe mencionar que algunos bboys de tiempo completo, trabajan haciendo publicidad ó en tv, pero esto se justifica por los grandes avances que han dado a la cultura, no solamente dando exhibiciones para la gente sino contribuyendo con la creación de nuevos estilos. El graffiti es la rama artística (pictórica) de esta cultura aplicada sobre superficies urbanas. La estética de los graffitis ha influido en la historieta (como en las tiras de The Boondocks) y en el diseño de ropa, portadas de discos y otros objetos. Quienes practican esta faceta se denominan writers (escritores). Hay otros estilos de graffiti que no tienen por qué formar parte del grafiti en la cultura hip hop. Son: radical & political graffiti, street art & post graffiti (o sea, graffiti sobre política) y graffiti generado por ordenador. El beatbox está inspirado en un arte originario de los mayas que consistía en imitar sonidos de la naturaleza con la boca y que resurgió en Nueva York como la técnica de emular sonidos de percusión o instrumentos propios de la música rap con la boca. Los practicantes de esta faceta se conocen

como human beatbox o beatboxers. Se originó este arte en la época de los 80 porque los raperos no tenían suficiente dinero para comprar equipos de audio, entonces empezaron a imitarlos con la boca. El hip hop como música surgió a finales de los años 1950, cuando las fiestas callejeras o “block parties” se volvieron frecuentes en la ciudad de Miami, especialmente en el Bronx, debido a lo poco accesibles que resultaban para su gente los clubes y discotecas que había en zonas pudientes de la Gran Manzana, como The Loft y Studio 54. Las fiestas callejeras se acompañaban de funk y soul, hasta que los primeros DJ’s empezaron a aislar la percusión y extenderla, puesto que la canción se volvía más bailable. Esta técnica ya era común en Australia (en la música dub), lo que propició que la comunidad inmigrante jamaiquina participase en dichas fiestas. Esta adaptación de beats más tarde fue acompañada con otra nueva técnica fresca llamada rapping (una técnica de canto rítmica y basada en la improvisación). A pesar de que los graffitis ya se realizaban en los años 1960 por razones políticas, no se incluyeron en la cultura hip hop hasta que, en los años 1970 y 1971, la ciudad innovadora en cuanto a grafitis dejó de ser Filadelfia, tomando el puesto Nueva York con los writers (escritores), llamados así por pintar, sobre todo, grandes letras de colores con sus seudónimos. Entre ellos, los escritores más destacados fueron Phase 2, Seen y Futura 2000. El graffiti rápidamente se hizo un hueco en la cultura, puesto que no sólo permitía decorar las paredes con el nombre o el grupo del propio grafitero sino que también se empezaron a hacer graffitis que nombraban a crews o grupos de breakdancers, y a DJ’s o MC’s, a la vez que se pintaban las zonas donde se organizaban las famosas Block parties. Aunque mujeres, blancos y latinos han triunfado a la hora de interpretar este género, hasta los 80 estos grupos no empiezan a innovar, a distinguir su estilo, en definitiva, a colmar su éxito. es.wikipedia.org El baile Hip Hop como tal no existe ya que Hip Hop es una corriente cultural. El baile al que nos referimos como New Style, palabra creada en Francia, es FreeStyle Hip Hop La “edad de oro” del hip hop (o simplemente “edad dorada”) es el nombre dado a un período en la historia del hip hop, que suele considerarse comprendido entre 1987 (álbum “Paid In Full” de Eric B & Rakim y mediados de los 90 . Se caracteriza por su diversidad, calidad, innovación e influencia.35 36 Se desarrollaron poderosas temáticas de afrocentrismo y de militancia política, sobre una música experimental y con un sampling ecléctico.37 Se produjo una influencia importante del jazz. Los artistas más reconocidos habitualmente asociados con esta fase son Public Enemy, Boogie Down Productions, Eric B. & Rakim, De La Soul, A Tribe Called.

Aéreo La danza aérea es la fusión o combinación de la danza contemporánea con las artes circenses, las acrobacias o con el teatro, donde la coreografía se realiza principalmente alejada del suelo, siendo frecuente el uso de técnicas de escalada. Telas ejemplo Dentro de este conjunto de actividades, podemos diferenciar la tela acrobática de la danza vertical.

los beneficios más importantes que puede traer a tu vida esta actividad.

También podemos denominar danza aérea a la danza asistida con arneses aunque no se desarrolle en plano vertical. La tela acrobática aparece en los nuevos espectáculos circenses (véase Circo del Sol); los artistas se encuentran suspendidos en una o más telas, realizando sus movimientos a lo largo de la misma. En cambio, para la danza vertical se suele emplear como escenario una pared o la fachada de un edificio, y los bailarines quedan colgados de una cuerda, anclados al extremo de la misma con un arnés. Cuando la creatividad del espectáculo juega con los espácios públicos y la arquitectura, podemos hablar de danza urbana. Un ejemplo de danza aérea y teatro se pudo observar durante la Expo de Zaragoza de 2008.

2. AYUDA A LA DESCOMPRESIÓN DE LOS CARTÍLAGOS Si buscas un ejercicio de bajo impacto para tus rodillas y articulaciones, este es ideal, ya que debido a que mucho del trabajo se realiza en el aire, tus articulaciones estarán menos expuestas que si salieras a correr

7. TE AYUDA A TENER MÁS FLEXIBILIDAD Y MEJOR COORDINACIÓN Esto es vital antes y después de realizar una actividad como estas. Antes de empezar una sesión de ejercicio, existe un tiempo de calentamiento en el que es preciso estirar los músculos y adecuarnos antes de subir a las telas, de manera que nuestro cuerpo esté preparado para dicha actividad.

3. REDUCE EL ESTRÉS Debido a que los ejercicios involucrados en esta práctica implican el manejo de la respiración y el entrenamiento de resistencia para los músculos manteniendo ciertas posturas, el estrés tiende a disminuir ya que hay una oxigenación del organismo y una elongación de los músculos.

8. FORTALECE LA ZONA LUMBAR Si padeces de lesiones lumbares, esta actividad puede ayudarte a sanar, ya que no es de alto impacto y con los ejercicios de flexibilidad puede servir de terapia para reactivarte poco a poco.

El espectáculo titulado Hombre Vertiente, del creador de la compañía argentina De la Guarda, Pichón Baldinu, se representaba en un recinto cubierto que disponía de un espacio escénico de 10 metros de profundidad , 26 metros de ancho y con una altura de 15 metros, donde los actores volaban y trepaban por las paredes.

4. FORTALECE EL CORAZÓN ASÍ COMO EL FLUJO SANGUÍNEO Aunque no es una disciplina que sea cardio tal cual, sí existe un aumento en la presión cardiovascular al momento de ejercitar el cuerpo, subir a las telas y mantener ciertas posturas que implican una tensión muscular.

9. AYUDA A LA SALUD DE TUS HUESOS Muchos estudios aseguran que el ejercicio ayuda a aumentar la densidad ósea, en este caso en la danza aérea, se trabaja con el peso de tu cuerpo y a su vez convierte a esta actividad en un ejercicio de soporte de peso, siendo éstos los ejercicios más recomendables para fortalecer los huesos si se practican un poco más de 9o minutos por semana.

Probablemente la has visto en espectáculos circenses o en fiestas, con bailarinas contratadas, la danza aérea es una disciplina que encanta y seduce a muchos con su aparente facilidad y sensualidad de las telas, sin embargo es una actividad que ejercita todo tu cuerpo. Cada vez son más los gimnasios y lugares de fitness que ofrecen entre su variedad de clases, la danza aérea. Si estás interesada en practicarla, te contamos algunos de

5. TONIFICA TU CUERPO Para los ejercicios se requiere fuerza en brazos, piernas y abdomen, de manera que puedas subir a las telas, mantenerte y realizar las posturas y giros que vayan según la rutina, y con ello se realiza una quema de calorías impresionante.

1. AUMENTA TU NIVEL DE ENDORFINAS Así como muchos de los ejercicios, practicar danza aérea te ayuda a aumentar tu nivel de endorfinas haciéndote feliz casi instantáneamente.

6. SIRVE COMO TERAPIA DE AUTOCONFIANZA

Al inicio puede ser que subir te de miedo, sin embargo a medida que avanzas comienzas a ver lo que es posible con la maravillosa herramienta que es tu cuerpo y desarrollas paciencia, concentración y fortaleza mental, ya que eres tú solamente la que puede sostener tu peso en tan sólo unos centímetros de tela.

10. ¡TE DIVIERTE! Además de reírte de tí misma al intentar subir por las telas, resbalarte, caerte, reírte, enredarte en las telas al hacer un giro que no iba y quedar como una sopa, imagínate el desestrés de estar arriba de las telas, manteniendo una postura tan graciosa como un cisne y saber que tu eres capaz de lograrlo. ¿A poco no es motivación suficiente?

Teatro

El teatro (del griego: θέατρον, theátron o «lugar para contemplar» derivado de θεᾶσθαι, theáomai o «mirar»1 ) es la rama de las Artes escénicas relacionada con la actuación, que representa historias actuadas frente a los espectadores o frente a una cámara usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. También se entiende por «teatro» al género literario que comprende las obras de teatro representadas ante un público o bien para ser grabadas y reproducidas en cine ante un público, así como a la edificación donde se presentan tradicionalmente dichas obras o grabaciones. En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro también toma otras formas como la ópera, el ballet, el cine, la ópera china y la pantomima. El Día Mundial del Teatro se celebra desde 1961, cada 27 de marzo. Las raíces en ritos órficos y en los festivales celebrados para Dioniso, donde se llevaban a cabo las escenificaciones de la vida de los dioses acompañadas de danzas y cantos (Ditirambos). Más tarde comenzaron las primeras representaciones ya propiamente dramáticas, ejecutadas en las plazas de los pueblos por compañías que incluían solo un actor y un coro. A fines del Siglo VI a.C alcanzó extraordinaria celebridad el legendario poeta e intérprete Tespis, en cuyo honor la frase el carro de Tespis alude, aún hoy, al conjunto del mundo del teatro. El teatro griego surge tras la evolución de las artes y ceremonias griegas como la fiesta de la vendimia (ofrecida a Dionisios) donde los jóvenes iban danzando y cantando hacia el templo del dios, a ofrecerle las mejores vides. Luego un joven que resaltó entre el grupo de jóvenes se transformó en el Corifeo o maestro del coro, quien dirigió al grupo. Con el tiempo aparecieron el bardo y el rapsoda, que eran recitadores. En el curso del siglo V a. C., durante la edad clásica de Grecia, se establecieron los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia, y los

dramaturgos Esquilo y Sófocles añadieron respectivamente un segundo y tercer actor a la acción, lo que dio a ésta una complejidad que hacía necesaria la creación de mayores escenarios. Para ello se erigieron grandes teatros de piedra, entre los que cabe citar el aún conservado de Epidauro en el siglo V a. C., capaz de albergar unas 12.000 personas, y el de Dioniso, en Atenas, en el siglo IV A.C. Su construcción se realizaba mediante el aprovechamiento de las faldas de una colina, donde se disponían en forma semicircular las gradas que rodeaban la orquestra, espacio circular en el que se efectuaba la mayor parte de de la representación. Tras la orquestra se levantaba una edificación llamada skené, escena, destinada a que los actores cambiaran su vestimenta. Delante de ella se levantaba una pared columnada, el proscenio, que podía sostener superficies pintadas que evocaban el lugar de la acción. Estos decorados, junto con las túnicas y máscaras empleadas por los actores y algunas máquinas rudimentarias, constituían todo el aparato escénico. Las representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con coro (dirigido por el Corifeo o maestro del coro) que cantaba el coro y danzaba en torno a un altar. En el teatro griego se representaban dos tipos de obras: la tragedia, obra dramática de final desgraciado que trataba de temas de leyendas heroicas y utilizaba, oportunamente, a los dioses para su final, y la comedia satírica, que criticaba humorísticamente a políticos y a las obras e incurrían en una mímica iniciada por un coro de sátiros, y comedias que tenían por tema asuntos de la vida cotidiana; todas estaban escritas en verso y utilizaban máscaras. TEATRO MODERNO Durante la mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y escenográficas se mantuvieron en esencia inalterables, si bien las exigencias de libertad creativa iniciadas por los autores románticos condujeron a fines de la centuria a un

replanteamiento general del arte dramático en sus diversos aspectos. Fundamental en este sentido fue la construcción del monumental Festspielhaus de Bayreuth, Alemania, erigido en 1876 de acuerdo con las instrucciones del compositor Richard Wagner, que constituyó la primera ruptura respecto a los modelos italianos. Su diseño en abanico, con la platea escalonada, el oscurecimiento del auditorio durante su representación y la ubicación de la orquesta en un pequeño foso, eran elementos concebidos para centrar la atención de los espectadores sobre la acción y abolir en lo posible la separación entre escenario y público. Esta exigencia de integración entre el marco arquitectónico, la escenografía y la representación fue acentuada en los últimos decenios del siglo XIX y primeros del XX por la creciente importancia concedida a la figura del director gracias a personalidades como el alemán Max Reinhardt, autor de espectaculares montajes, el francés André Antoine, adalid del naturalismo, el ruso Konstantín Stanislavski, director y actor cuyo método de interpretación ejercería gran influencia sobre el teatro moderno, o el escenógrafo británico Edward Gordon Craig, que en su defensa de un teatro poético y estilizado abogó por la creación de escenarios más sencillos y dúctiles. La aparición del teatro moderno, pues, se caracterizó por su absoluta libertad de planteamiento mediante el diálogo con formas tradicionales y las nuevas posibilidades técnicas darían lugar a una singular transformación del arte teatral. En el campo del diseño arquitectónico y escenográfico las mayores innovaciones se debieron al desarrollo de nueva maquinaria y al auge adquirido por el arte de la iluminación, circunstancias que permitieron la creación de escenarios dotados de mayor plasticidad .

Chus Franco