Revista Cinearte16 nº14 by Revista Cine Arte 16

El mejor cine que se ha hecho en España en los últimos doce meses Festival de Cannes y Cine Español: historia de un encuentro Entrevista con la actriz y realizadora portuguesa María de Medeiros English: pp. 32-41

Es una publicación del Grupo EIG Multimedia & Club del Cine

Marilyn Monroe Cincuenta años sin el mito

3 euros

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Número 14 mayo 2012

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Un año de cine español

La selección del Festival de Málaga

Según el director del Festival de Málaga, Carmelo Romero, su certamen es una especie de repaso a lo mejor que hicieron los realizadores, guionistas y productores españoles en los últimos 12 meses. La selección se hizo entre 99 largometrajes.

6 Cine latinoamericano en Cannes. Trapero siempre vuelve. 20 Cannes y el cine español. 28 Entrevista a María de Medeiros. Cantante y actriz. 31 Páginas de Festivales: Cannes, Karlovy Vary, Pantalla Pinamar, Uncipar... 48 50 años sin el mito. La otra vida de Marilyn Monroe. 54 ‘Tío Vania’. Vuelve la obra más conmovedora de Chejov. 56 Capri en el cine. La más bella iconografía natural. 62 ‘La venta del paraíso’. Retrato de la dignidad en clave de realismo mágico.

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Editorial

Recortes y futuro del cine Llegaron los recortes para el cine español. Y con espectacular contundencia. Como decía el presidente de Fapae, Pedro Pérez: “no entendemos que estos Presupuestos sean mucho más duros con el cine que con otras partidas del área de Cultura”. En carta abierta al ministro de Cultura, el productor Adolfo Blanco Lucas escribía: “mirado en su conjunto, el negocio del cine en este país está enfermo, eso está claro. Y ante esta situación, en un movimiento que a algunos parece más una venganza que una búsqueda de remedio, yo diría que el actual Gobierno ha optado por la eutanasia. Recortar un 36,2 por ciento el presupuesto asignable a la producción de películas —y me temo

El recorte al cine supondrá el cierre de productoras, etc. y la inhibición de nuevos talentos

GRUPO EIG m u l t i m e d i a

FUNDADOR: MANUEL DOMÍNGUEZ MORENO DIRECTOR: RAMIRO CRISTÓBAL COORDINADORA EDITORIAL: LORENA BAJATIERRA EDITADO POR: MALVENEX S.L. Y CLUB DEL CINE GRUPO EIG MULTIMEDIA CONSEJO EDITOR: PRESIDENTE: Manuel Domínguez Moreno. VICEPRESIDENTE: Gorka Landaburu. DIRECTOR GENERAL DE MEDIOS: Juan Emilio Ballesteros. DIRECTORA GENERAL DE RELACIONES INSTITUCIONALES: Marta Ormaechea. PLANIFICACIÓN Y DESARROLLO: Juan María Gallego. CONSEJEROS: Manuel Domínguez Moreno, Gorka Landaburu, Dalia Sued von Ruster, José Enrique Pintor, Ramiro Cristóbal, Marta Ormaechea, Miguel Ángel Artola, Juan María Gallego, Juan Emilio Ballesteros. GERENTES ADJUNTOS: Asunción Cobeaga y Andrés Domínguez. DIRECTOR DE ARTE: Arturo Juez. PORTADA: Luis Galindo. REDACTORES: Lorena Bajatierra, Natalio Blanco. MAQUETACIÓN y PRODUCCIÓN: Lorena Bajatierra.

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distribución de cine europeo— lo único que logrará es acelerar la muerte del paciente”. Ya se están viendo los efectos: tan solo 24 películas empezadas en España, en el primer cuatrimestre del 2012, contra mas de 70 el año anterior. En cambio, en América Latina se vive un periodo de efervescencia en las ayudas estatales y en las inversiones públicas destinadas al cine. En Argentina es muy importante la ayuda pública al cine y podríamos decir lo mismo de México, Brasil, Colombia, Uruguay y Chile. El resultado inmediato es que Latinoamérica ha “colocado” un total de 20 producciones en el Festival de Cannes, primero del mundo, en sus diversas secciones, mientras que España está representada por una sóla película, aunque participe en la producción de otras. El ahorro estatal español de esos 27 millones de euros que se habrían dedicado al cine va a significar el cierre de muchas pequeñas empresas productoras y distribuidoras, publicaciones sectoriales y la inhibición de muchos talentos que hacían sus primeros ensayos en la industria. La comparación entre las situaciones de las cinematografías española y la de las de habla hispana y portuguesa de América Latina, debería ser un elemento de reflexión para ■ los responsables de abrir o cerrar la bolsa pública.

SISTEMAS: Gregorio Corrochano. FIRMAS: Manuel Domínguez Moreno, Ramon Vilaró, Jorge Zavaleta, Jorge Hugo Melgarejo, Manuel Bernal, Santiago López Castillo, Jesús Eguiguren, Javier Puebla, Juan C. Arias. COLABORADORES: Carlos Hugo Aztarain (Festivales y Mercados), Miguel Ángel de Rus, Federico Lechner, Luis Andrade, Juana Téllez, Jose Ramón Otero Roko, Mario Ramírez, Miguel Sanmartín Loubet. . AGENCIA: Espacio de Información General S.A. REDACCIONES: Madrid: Arroyo de Fontarrón, 51 (local) - 28030 Madrid Tel: 914 201 199 / Fax: 913 601 302. Correo electrónico: cambio16@cambio16.info País Vasco: Portuetxe, 45 B. 20018 San Sebastián. Tel.: 943 433 043 / Fax: 943 440 554. Andalucía: Editorial Cambio, S.L., Jacaranda, 2, Urbanización D.Simón. 41927 Mairena del Aljarafe (Sevilla). Tel: 955 602 440 / Fax: 954 185 395. Barcelona: C/Roselló, 291. Planta 3ª, Pta. 1, 08037 BCN Teléf.: 934 572 240 / Fax: 932 081 215. Centroamérica: TALLER DE EDITORES. APD Consulting Dominicana S.A. C/José Contreras, #99. Edificio Calderón, suit 401. Santo Domingo, República Dominicana. PUBLICIDAD Y MARKETING ELITE TEAM SL Directora General: Concha Aristizábal. MADRID: Arroyo de Fontarrón, 51 (local) - 28030 Madrid, Tel: 91 420 11 99 BARCELONA: C/Roselló, 291. Planta 3ª, Pta. 1, 08037 Barcelona Teléf.: 934 572 240 PAIS VASCO: Amaya Goyaran Portuetxe, 45 B. 20018 San Sebastián.Tel.: 943 433 043.

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Quien ama

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el arte ama al pueblo

Sin periodismo no hay democracia Si es comúnmente aceptado que sin libertad no es posible la democracia, debemos admitir que sin periodismo no hay ni libertad ni democracia porque el periodismo, como garante de derechos y valedor de la verdad, tiene la sagrada e irrenunciable misión de generar ese estado de opinión pública en el que florece la independencia y la pluralidad, se fomenta el diálogo y el intercambio de ideas, se preserva el espíritu crítico y la capacidad de discernir y, en definitiva, los poderes públicos son obligados a rendir cuentas de su gestión en un modelo político en el que la transparencia y la honestidad son valores intrínsecos de los que no se puede desistir ni se deben mancillar. Las reglas de juego son muy sencillas, lo difícil no es admitirlas sino cumplirlas con responsabilidad y sentido ético para que la dignidad esté supeditada a la conciencia no al capricho ni a la arbitrariedad de los poderes fácticos. De la inobservancia de este principio nace el descrédito en que se desenvuelve todo lo público y que ha desembocado en una crisis sistémica que ya nadie pone en duda. Ante el auge irresistible de las redes sociales, y las nuevas normas impuestas por una tecnología global cuyo control —el de la información y el de los medios de comunicación— se erige en un nuevo poder global, se impone el todo vale en una sociedad donde no solo se cuestiona al periodista, com-

Manuel Domínguez Moreno

Cuando el miedo supera y se impone a la razón es probable que no se pueda gritar la verdad pero, al menos, que nuestro silencio no sea correa de transmisión para los enemigos de la libertad

placiente con la corrupción, sino al periodismo, controlado y desactivado por el capital al servicio de los mercados. No es que la mayoría de las veces resulte muy caro proclamar la verdad o defender la independencia, es que parece que trae más cuenta difundir la mentira. Dicen que la peor censura es la que uno ejerce sobre sí mismo, la autocensura. En la libertad de expresión es preferible el ejercicio de la misma, aunque sea de forma negativa, que la privación de la verdad o la degradación de la opinión pública al relativismo y el pensamiento único. Es decir, el periodista es consciente de que en una coyuntura en la que se niega la libertad y la verdad no depende de la realidad objetiva e incuestionable, sino del ánimo o voluntad de quien dice sostenerla, tiene la obligación moral de mantenerse libre, libre de forma individual, pese a que colectivamente no sea posible la libertad. Camus, que entendía que si un periodista no puede decir todo lo que piensa, puede no decir lo que no piensa o lo que cree que es falso, insiste en que hay que resistir en una actitud de lucidez, rechazo, ironía y obstinación, que puede devenir incluso en desobediencia cuando la estupidez se hace insoportable. Yo añado que cuando el miedo supera y se impone a la razón, es probable que no se pueda gritar la verdad pero, al menos, que nuestro cómplice silencio no sea correa de transmisión para los enemigos de la libertad. En medio de la corrupción generalizada, es necesario mantenerse honestos. No me refiero a sacrificios inútiles, todos los son, sino a ese esfuerzo sobrehumano que nos lleva a mantenernos firmes y perseverantes en situaciones en las que si no es posible defender la verdad, al menos es preciso no servir nunca a la mentira. No podemos dejarnos llevar por el desánimo porque aún queda esperanza. Es lo único que hoy puede mantener vivo el compromiso. Si desistimos, estaremos alimentando al monstruo atroz del totalitarismo y la intolerancia. No hay que bajar la guardia. Los hijos de la codicia y la ambición sin límites están más activos que nunca, más rabiosos y agresivos, y la perra que los parió, y alimentó a esos periodistas bastardos y ese periodismo pusilánime y cobarde, vuelve a estar en celo otra tonto ■ habla porque tiene que decir algo. www.manueldominguezmoreno.net betisalai@manueldominguezmoreno.net

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Cine

Cine argentino en Cannes

Trapero siempre vuelve Con ‘El elefante blanco’, el realizador argentino Pablo Trapero se presenta una vez más en el Festival de Cine de Cannes. Esta coproducción argentino-española es protagonizada por Ricardo Darín, Martina Gusmán y el francés Jéremie Renier

Pablo De Vita*

an solo hace unos meses, el director del Festival de Cine de Cannes, Thierry Frémaux, habría criticado al cine argentino diciendo que había cometido un “suicidio” según los reportes de varias agencias de noticias de México, país desde el cual el “hombre poderoso” de Cannes pareciera haber vertido la siguiente información a la prensa: “esperábamos más del cine argentino, luego de un momento importante, pero nunca creció: los cineastas argentinos se suicidaron. Pablo Trapero es el único que le está apostando a las películas distintas, sin importarle el éxito de la taquilla”. La sintética definición causó preocupación en la comunidad cinematográfica argentina, pero pocas veces, una promoción tan intensa del cine argentino por el mundo le había deparado a tal industria el beneplácito de varios premios internacionales, incluido el Oscar para El secreto de sus ojos, la coproducción con España dirigida por Juan José Campa-

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nella, y el centenar de realizaciones que ubican a la temporada 2011 como uno de los momentos más altos de la producción en toda su historia. En los hechos, el reciente anunció de toda la programación que nutre al más importante festival cinematográfico del mundo contrasta con el “suicidio” del cine argentino aludido en México al obtener la Argentina —Frémaux mediante— una de sus más importantes participaciones de todos los tiempos en Cannes, siendo el cine más considerado para su presencia en el festival junto con el mexicano de toda América Latina. Pero aquella lejana afirmación atribuida a Frémaux, que recientemente agregó que “de Buenos Aires a México, el cine latinoamericano es como un alimento que para mí es muy importante, con grandes autores”, escondía una verdad: el nombre de Pablo Trapero, como uno de los grandes referentes del cine más popular y de mayor jerarquía artística que se realiza en la sureña Buenos Aires. Trapero es un nombre habitual para Cannes desde 2002 cuando su película sobre la “maldita policía” titulada El bonaerense, participó en Un certain regard; luego su producción Leonera, retrato del mundo carcelario, fue Selección Oficial en 2008; en tanto que su última obra Carancho, también compitió en Un certain regard hace tan sólo dos años. Desde esta última, al protagónico de

Liliana Mazure, presidenta del INCAA, junto al ministro de Trabajo Carlos Alfonso Tomada

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su mujer Martina Gusmán, excelente actriz que por Leonera fue firma candidata a la Palma en Cannes, añade la síntesis perfecta con el actor-éxito del cine argentino que es Ricardo Darín. Un certein regard Esta dupla demuestra su talento delante de las cámaras en El elefante blanco, la película que devuelve a su director a la competencia de Un certain regard, y que completa su apuesta al incluir a Jéremie Renier —actor fetiche de los hermanos Dardenne— como tercer protagonista de la trama. En El elefante blanco la historia enmarca a dos curas tercermundistas que se desvelan en resolver los problemas de un asentamiento de indigentes de la Argentina, las popularmente conocidas como “Villa miseria”, sitio donde el hacinamiento y la violencia no cesan de crecer. De tal forma Gerónimo (Renier) se pregunta si la Iglesia Católica puede responder a las necesidades de la gente, en tanto que Julían (Darín) elige el camino de la participación política. Ambos cuentan con la colaboración de Luciana (Gusman), abogada y atea, que comienza a acercarse a Gerónimo. El elefante blanco nos otorga la implacable cámara de Pablo Trapero en el retrato del mundo brutal y salvaje de la marginalidad y la miseria con la que conviven millones cada día en la Argentina. Desde su ópera prima Mundo grúa, Pablo Trapero es un referente del cine argentino en su país y en el mundo. Muy tempranamente, cuando aún no había culminado de compaginar esta película, el crítico cinematográfico Claudio España lo descubrió como un es-

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tudiante prometedor y lo entrevistó para las páginas del diario La Nación. Entonces “el derrotero de un estudiante”, tal como advertía España, culminaba con la siguiente definición del futuro director: “Son proyectos donde cada uno compromete toda su energía, porque cada uno esta haciendo la película que le gustaría ver. Yo también”. A la luz de los resultados, la energía sigue siendo la misma. . Trapero no estará sólo. Infancia clandestina, primer largometraje de ficción de Benjamín Avila, protagonizado por Natalia Oreiro y Ernesto Alterio, forma parte de la Quincena de Realizadores; Villegas, de Gonzalo Tobal, premiada por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina en la última edición del Bafici se verá en Proyecciones Especiales; y Los salvajes, de Alejandro Fadel, en la Semana de la Crítica. Se incluyen en la selección los cortos Pude ver un puma, de Eduardo Williams, en Cinéfondation, y Yeguas y cotorras, de Na-

En ‘El Elefante blanco’ dos curas se desvelan en resolver los problemas de un asentamiento de indigentes en Argentina.

talia Garagiola, también en la Semana de la Crítica. En tanto que Gabriela e Ismael dirigido por la actriz Marina Glezer fue seleccionado para el Short Film Corner. Argentina también participa como coproductora de Tres, del cineasta uruguayo Pablo Stoll. Trapero estará por dos, dado que Siete días en La Habana cuenta con su dirección en uno de los cortos, conjunto del que también participan como directores el actor puertorriqueño Benicio Del Toro, el francés Laurent Cantet, el franco-argentino Gaspar Noé, el palestino Elia Suleiman, el cubano Juan Carlos Tabío y el espa■ ñol Julio Medem. * Es crítico cinematográfico colaborador del suplemento cultural del Diario La Nación, integra el Consejo Directivo de la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina; programador del Museo del Cine e investigador del Instituto de Artes del Espectáculo de la Universidad de Buenos Aires. Premio al Mejor Periodista de Cultura y Sociedad otorgado por la Embajada de Italia.

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Cine

Cine en español y portugués Aunque en la Sección Oficial a competición del Festival de Cannes tan sólo una producción latina estará presente, ‘Post Tenebras Lux’, del mexicano Carlos Reygadas, lo cierto es que la representación de cine en español y portugués ha sido relativamente importante en el resto de las secciones Juana Téllez

ntre las proyecciones especiales de la Sección Oficial hay un largometraje argentino y otro de Brasil y entre las proyecciones de medianoche, el Drácula de Dario D'Argento, tiene coproducción española. Más interesante es la participación latina en la prestigiosa sección Un certain régard,

en la que hay una película de Colombia (pág. 18) , otra de México y dos de Argentina(págs 12 y 13) en las que, además tiene participación España. En la Quincena de Realizadores, presentada por su nuevo delegado general, Edouard Waintrop, como una selección con vistas a agradar al público por el gran número de comedias que incluye, de los 21 largometrajes (18 de ellos en estreno mundial) que componen la selección, la representación hispana también es importante. Para empezar estará Sueño y silencio, del barcelonés Jaime Rosales una película de la que no se sabe mucho, con excepción del protagonismo de la actriz y realizadora portuguesa María de Medeiros. Rosales de 42 años, ganador de varios premios Goya por su exitosa película La soledad y muy discutido por su largometrajes El tiro en la cabeza, será el más destacado representante español en ■ el certamen francés.

Sección Oficial a Competición

• Post Tenebras Lux, Carlos Reygadas (México). PROYECCIONES ESPECIALES • Villegas, Gonzalo Tobal (Argentina). • A Música Segundo Tom Jobim, Nelson Pereira dos Santos (Brasil). PROYECCIONES DE MEDIANOCHE • Dracula, Dario Argento (co-producción con España).

Un Certain Regard

• La playa, Juan Andrés Arango (Colombia). • 7 días en La Habana, Laurent Cantet, Julio Medem, Benicio Del Toro, Gaspar Noé, Elia Suleiman, Juan Carlos Tabío & Pablo Trapero (España/Cuba/Argentina). • Despues de Lucía, Michel Franco (México). • El Elefante blanco, Pablo Trapero (Argentina/España).

Quincena de Realizadores

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• Sueño y silencio, Jaime Rosales (España). • Operation Libertad, Nicolas Wadimoff (Chile). • Fogo, Yulene Olaizola (México). • Infancia clandestina, Benjamín Ávila (Argentina). • No, Pablo Larraín (Chile). • 3, Pablo Stoll Ward (Uruguay/Argentina). • La Sirga, William Vega (Colombia/México). PROYECCIONES ESPECIALES • La noche de enfrente, Raúl Ruiz (Chile). CORTOMETRAJES-PROGRAMA 1 • Os Mortos-vivos (Les morts vivants), Anita Rocha da Silveira (Brasil). • Porcos raivosos (Porcs enragés), Leonardo Sette & Isabel Penoni (Brasil).

Semana de la Crítica

COMPETICIÓN DE LARGOMETRAJES • Aquí y allá, Antonio de Méndez Esparza (España/México). • Los Salvajes, Alejandro Fadel (Argentina). CORTOS Y MEDIOTRAJES • Yeguas y cotorras, Natalia Garagiola (Argentina). ■ • O Duplo, Juliana Rojas (Brasil).

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Ircania Producciones presenta

La venta del Paraíso Una película de

Emilio R. Barrachina

Ana Claudia Talancón William Miller Carlos Iglesias Juanjo Puigcorbé María Garralón Guión: Emilio R. Barrachina, Gonzalo Suárez y Andrés Acevedo «Nadie puede prever lo que, tras cada secuencia, puede suceder». (Gonzalo Suárez)

ESTRENO OCTUBRE 2012 www.ircania.com

) info@ircania.com

% +34 916 527 192

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latinoamericano en Cannes

Cine

Salvador Allende

Avanza la coproducción argentino - chilena ‘Más temprano que tarde’ es el título del largometraje argentino-chileno que comenzará a rodarse en pocos meses bajo dirección de Adrián Caetano. En él se narrarán las últimas horas del presidente Salvador Allende derrocado por los militares el 11 de septiembre de 1973

Carlos Hugo Aztaraín

lamadas telefónicas, reuniones, desconciertos, discusiones intentando desarrollar una estrategia para detener la rebelión. Interactúan personajes como Pablo Neruda, Víctor Jara, Tencha Bussi, Laura Allende, sus hijas Isabel y Beatriz, Augusto Olivares, Augusto Pinochet, el general Leigh, el almirante Carvajal, Fernando Flores... entre otros protagonistaas de esos acontecimientos. El clima de la película se alcanzará en el fragor de la batalla de la Moneda. Tiroteos, explosiones, bombardeos que sirven de telón de fondo para el final heroico. Con el apoyo de la Fundación Salvador Allende, el INCAA y la Secretaría de Cultura de la Nación (Argentina), sus productores el chileno Giorgio Varas (Arte-

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medios), y el argentino Oscar M. Azar (artística) estarán en este Festival de Cannes para interesar a compradores y distribuidores en este film que se rodará durante ocho semanas en Chile y cuya post-producción se hará en Argentina. Para encarnar el personaje de Allende el actor Juan Carlos Meléndez, de amplia trayectoria en los escenarios de todo Chile como humorista político, será su protagonista principal. El guión de Más temprano que tarde es de Gustavo Frías —Julio comienza en Julio, Amnesia— con la colaboración de Juan Bravo. La fotografía estará a cargo del argentino Arnaldo Rodríguez, la dirección de arte del inglés Andy ■ Dockett y el vestuario de la italiana Lorella Zocca.

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Cine colombiano en el Festival de Cannes Los largometrajes ‘La Playa D.C.’ y ‘La Sirga’; y el cortometraje ‘Rodri’ serán la representación colombiana en el Festival de Cine de Cannes 2012. La primera, dirigida por Juan Andrés Arango, estará en la prestigiosa sección Un certain régard. ‘La Sirga’, de William Vega y Rodri de Franco Lolli, formarán parte de la Quincena de Realizadores Carlos Hugo Aztaraín

ste éxito internacional culmina una feliz etapa: el pasado 2011 fue un año excelente en taquilla en Colombia. La asistencia a las salas superó los 38 millones de espectadores, incrementándose un 12,9 por ciento respecto al año anterior. A esto se sumó un crecimiento, tanto en taquilla del cine nacional, como de la industria. El largometraje El paseo, escrita por Dago García y dirigida por Harold Trompetero llevó a los cines el 50 por ciento de todos los espectadores del cine colombiano con 1.189.607 espectadores. De los 18 largometrajes estrenados hubo varias cintas galardonadas a nivel internacional y premiadas como Los colores de la montaña, de César Augusto Arbélaez, y Porfirio, de Alejandro Landes. También obtuvieron reconocimientos Todos tus muertos, de Carlos Moreno y El Páramo, de Jaime Osorio. Tuvieron buenos dividendos en taquilla las películas El jefe, de Jaime

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‘La Playa D.C.’ está dirigida por Juan Andrés Arango.

Escalión, y En coma, de Juan David Restrepo. A esto se suman los premios a proyectos como Jardín de amapolas que en la última edición de Ventana Sur, en Buenos Aires, tuvo apoyos para el subtitulado, multicopiado, distribución y el estreno de la película en Argentina, Chile y Perú. En 2011 se instalaron 55 salas gracias a incentivos en las reinversiones de sus dueños, potencia el recaudo de la contribución pues esta proviene mayoritariamente de los exhibidores de películas extranjeras. Estas nuevas salas fueron ubicadas en su mayoría en ciudades intermedias, para llegar a un total de 643 pantallas en el país. A esto se le agregó la instalación de un laboratorio para el desarrollo de procesos cinematográficos, Cinecolor Colombia, que acaba de comenzar a funcionar ofreciendo servicio de revelado en 35 mm. y 16 mm., tranfers, colorización, copias en 35 mm. y ■ DCP, entre otros.

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Reportaje

‘Serrallonga’, de Esteve Rovira.

V Premio Ciudad de San SebastiÆn Fomento de San Sebastián entregará el 22 de septiembre, en el marco del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, el ‘V Premio Ciudad de San Sebastián Film Commission’, al largometraje que mejor refleje los valores naturales, urbanísticos y culturales de las ciudades y regiones que sirvieron de escenario. Este premio, que cumple su quinta edición, tiene como objetivo reconocer la labor de las productoras audiovisuales que, con sus rodajes, generan oportunidades de negocio y empleo en las ciudades que se convierten en escenario. Esta actividad se enmarca dentro de la estrategia PIA (Polo de Innovación Audiovisual) con la que Fomento de San Sebastián, la sociedad municipal encarga-

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da del desarrollo económico, promueve la industria audiovisual como motor económico de la ciudad y su entorno. El ‘V Premio Ciudad de San Sebastián Film Commission’ está dotado con 12.000 euros para la productora del largometraje ganador. Asimismo, el largometraje dispondrá de una plataforma de lanzamiento internacional ya que será proyectado en la sección Made in Spain del

`Alatriste´,

Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Este galardón se creó hace cinco años para poner en valor la importancia del cine en la promoción de las ciudades como espacio escénico al servicio de la industria audiovisual, con los beneficios turísticos y económicos que ello conlleva. De esta manera, el galardón premia el esfuerzo por reflejar en los largometrajes los valores naturales y culturales de las ciudades y regiones y que contribuyen así a atraer nuevas producciones a las mismas.. Pradolongo, Alatriste, La leyenda del tiempo y En la ciudad han sido los largometrajes premiados en las cuatro ediciones del premio Ciudad de San Sebastián Film Commission.

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Reportaje

Cannes y el cine español Varios cineastas invadieron el escenario para interrumpir la proyección de la película del día. Era mayo de 1968, y las calles estaban inundadas de estudiantes que protestaban para acabar con un modelo de sociedad que consideraban obsoleto e injusto. Los cineastas más sensibles apoyaron esta causa prolongando en el mundillo del cine las reivindicaciones de estudiantes y obreros. El Festival debía sumarse a la revuelta popular… y desaparecer Diego Galán

ean-Luc Godard, François Truffaut y Louis Malle, entre otros, se colgaron de las cortinas para impedir que continuara la proyección de aquel 19 de mayo. Se trataba de Peppermint frappé, una película española de Carlos Saura —producida por Elías Querejeta— con Geraldine Chaplin, que se sumaron a ellos para interrumpir la proyección que iba a comenzar. Pero Godard, al ver a Geraldine Chaplin sobre el escenario, entendió lo contrario, es decir, que la actriz quería defender su película, y en el forcejeo acabó dándole un puñetazo… que dejó sin un diente a la hija de Charles Chaplin. Ella lo recuerda ahora con humor pero en aquel momento dudó por un momento si liarse o no a puñetazos con el director suizo.

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‘Marcelino. Pan y vino’ (1955).

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Naturalmente no todas las participaciones españolas en el Festival de Cannes han terminado a golpes, más bien al contrario. Han sido muchas, aunque quizás no suficientes, las veces en que se han mostrado películas españolas en la sección oficial —Competición, Un certain regard— o en alguna de las demás secciones paralelas. El propio Carlos Saura, por ejemplo, ha participado en diez ocasiones, la primera de ellas con su opera prima Los golfos (1960). Era entonces un muchacho de veintiocho años preocupado por el realismo social y que sentía curiosidad por la vida. En aquel Festival de Cannes trabó amistad con Luis Buñuel, cineasta español exiliado en México, que presentaba su película rodada en inglés The Young One. Cuando años después, en 1968, Saura regresó al Festival con Peppermint frappé, había cambiado su registro expresivo y mostraba una cierta libertad, combinando

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‘Viridiana’ fue la primera película que Buñuel rodó en España tras la Guerra Civil.

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así su preocupación por el realismo, la memoria y los traumas provocados por la guerra civil con la dialéctica entre el sueño y la realidad. Muchos vieron en ese cambio de estilo cierta influencia de Buñuel, pero sobre todo, los recursos dramáticos del cine de Saura eran trucos para eludir la feroz censura del general Franco. Sin duda, la censura española era implacable. Bienvenido Mr. Marshall, presentada en 1953, es una divertida y tierna sátira sobre la pobreza en España y la ayuda norteamericana a los países europeos, obra del genial Luis G. Berlanga —a quien el festival de Cannes no prestó la atención que merecía—. En las escenas finales, una pequeña bandera norteamericana era arrastrada por la corriente de agua hacia un sumidero. El miembro del jurado Edward G. Robinson montó en cólera viendo en aquella imagen intenciones perversas que no eran las que había tenido Berlanga… pero la censura española presta más atención a las protestas del actor que a las explicaciones del director, y obligó a suprimir ese plano, hoy afortunadamente recuperado. La censura franquista estaba muy atenta a cuanto sucedía fuera de España. Así, cuando Luis Buñuel obtuvo la Palma de Oro por Viridiana, la primera película que rodó en España tras la guerra civil, el periódico L´Osservatore Romano publicó una encendida denuncia contra la película al considerarla blasfema. El Gobierno de Franco destituyó al director general de cine que había acudido a Cannes a recoger el trofeo, y no sólo prohibió exhibición de la película en España sino que mandó destruir el negativo como si nunca hubiera existido. Además, el gobierno logró interrumpir la actividad de la productora española Uninci. Pero gracias a que Viridiana había sido

Franco prohibió la exhibición de ‘Viridiana’, Palma de Oro en Cannes, en los cines españoles

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Reportaje

coproducida con México, la película pudo verse por todo el mundo, salvo en España, donde sólo pudo estrenarse en 1977 tras la muerte de Franco, es decir, dieciséis años después de la Palme d’or. Años después, en el 2000, el Festival rindió un homenaje a Buñel y a Viridiana. A pesar de aquel conflicto, Luis Buñuel volvió a rodar en España tiempo después, y su nueva película, Tristana (1970), se presentó en la sección oficial de Cannes Fuera de Competición. En 2010, Pedro Almodóvar, acompañado por la actriz Catherine Deneuve (papel principal), también le rindió homenaje Curas y flamenco Pero antes de todos estos sucesos, el cine español de los años 50 estaba centrado principalmente en temas folklóricos y religiosos, que era el tipo de películas que se rodaba fundamentalmente en el país en aquella época. Es el caso, por ejemplo, de Balarrasa (1951), que combinaba un homenaje a los vencedores de la guerra civil con el cine religioso, o Debla, la virgen gitana y Rumbo (1951), dos películas a mayor gloria de la cantante Paquita Rico. Hay que recordar que el gobierno de Franco tiraba la casa por la ventana cuando una película suya se presentaba en Cannes, invitando a sus artistas más populares, como la citada Paquita Rico, que después de la proyección amenizó al público cantando y bailando, mientras los invitados compartían una gigan-

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tesca paella traída expresamente desde Madrid. ¿Pero qué podían hacer en 1951 aquellas películas españolas frente a Miracolo a Milano, All about Eve, A place in the Sun, Fröken Julie o Los olvidados, por la que fue premiado Luis Buñuel.

‘Los santos inocentes’, de Mario Camus, ganó el premio ex aequo en 1984 Los dirigentes españoles no se desanimaron por ello, y al año siguiente, en 1952, volvieron con Paquita Rico y su nueva película María Morena, aunque en esta ocasión también presentaron la interesante Surcos, de José Antonio Nieves Conde que, en clave neorrealista abordaba el tema del estraperlo y la corrupción en España. El neorrealismo

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Reportaje

la película recibió en Cannes una distinción para el niño protagonista y, un mes más tarde, el Oso de Plata del Festival de Berlín. Eran tiempos en que los Festivales se permitían la libertad de programar las mismas películas. La obsesión por la censura española y el menosprecio que generaba la dictadura de Franco entre los países democráticos, colocaron a la cinematografía española en justificada situación de inferioridad. Era frecuente que los críticos españoles protestaran cuando el Festival de Cannes no elegía ninguna película española. Según ellos, la selección final presentaba en ocasiones películas mucho menos interesantes que las de los directores españoles. También protestaban cuando una película española era seleccionada por el Festival de forma excepcional y no respondía a la media nacional. Fue este el caso de Campanadas a medianoche (Chimes at Midnight), rodada por Orson Welles en España gracias a la valentía de un productor, Emiliano Piedra, quien finalmente tuvo que vender los derechos de la película para poder concluir el rodaje. Esta obra maestra, de alguna manera el testamento cinematográfico de Orson Welles, sólo obtuvo el premio de la C.S.T por sus valores técnicos, ¡y además compartido con otras dos películas! No estuvo acertado el jurado que aquel año presidía Sophia Loren…

‘Bienvenido Mr. Marshall’ (1953), de Luis García Berlanga, era una tierna sátira

apareció más tarde en el cine español. Aquel mismo año, en Cannes, se presentaron y fueron galardonadas dos películas: Due soldi di speranza, de Renato Castellani, y Umberto D, de De Sica. El cine de denuncia política estuvo representado por Nous sommes tous des assasins o Viva Zapata, película por la que Marlon Brando fue premiado como mejor actor. ¿Qué podían aportar las censuradas películas españolas de aquel tiempo? Mejores películas, como Cómicos (1954) o La venganza (1958), de Juan Antonio Bardem, compitieron en Cannes, pero su estreno fuera del país resultaba excepcional. El caso de Marcelino Pan y Vino (1955) (The miracle of Marcelino, Marcelin, pain et vin) es atípico:

Las películas del director Carlos Saura han participado en hasta 10 ocasiones en la Sección Oficial del Festival de Cannes. La primera, con su ópera prima ‘Los golfos’ (1960).

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Los críticos extranjeros tenían generalmente algunos prejuicios sobre las películas españolas y frecuentemente veían referencias a la guerra civil, a la dictadura o a la brutalidad de ciertas costumbres hispanas. Fue, desde luego, lo que ocurrió con Pascual Duarte, de Ricardo Franco, en 1976 —una adaptación de la novela La familia de Pascual Duarte, que Camilo José Cela había escrito en 1942, inaugurando en cierto modo la corriente llamada del “tremendismo”—. La película denuncia las pobres condiciones de vida de los campesinos, la pena de muerte y el "garrote vil". Contenía secuencias muy duras, en especial la muerte de un perro por un disparo de escopeta, una escena que generó algunas protestas en la sala. Sin embargo, su protagonista masculino, José Luis Gómez, obtuvo el premio al mejor actor.

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El Festival de Cannes no prestó quizás la atención que merecía la obra del genial Luis García Berlanga.

Premio que volvió a repetirse en 1984, esta vez ex aequo para los dos protagonistas de Los santos inocentes, de Mario Camus —basada en la novela homónima de Miguel Delibes—, y que también describía las infames condiciones de vida de los campesinos y su explotación por los “amos”. Francisco Rabal y Alfredo Landa subieron al escenario a recoger sus galardones de manos del presidente del jurado, Dirk Bogarde. Aquel año fue el primero en que la televisión retransmitía en directo la ceremonia de clausura sin que previamente se conocieran los premios. Pilar Miró, nueva directora general del Instituto del Cine, cambió radicalmente la imagen del cine español en el Festival: comenzó por agrandar y embellecer el stand del Marché, con ayuda de mejores vallas publicitarias, y organizó aquel año una fiesta memorable a la que acudió realmente el “todo Cannes”, comenzando por el ministro francés Jacques Lang. Pilar Miró logró que en Cannes se proyectaran excelentes películas españolas. Es el caso de El Sur, de Victor Erice, proyectada el año anterior, una película que había sido interrumpida por su productor dejándola incompleta, pero que aun así contiene una extraordinaria belleza. El espíritu de la colmena, que obtuvo la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián en 1973, fue presentada al año siguiente en la Semana de la Crítica en Cannes. También deberíamos citar la excelente El sol del membrillo (1992), premio FIPRESCI y premio especial del jurado que aquel año presidió Gérard Depardieu, y del que formó parte Pedro Almodóvar. Víctor Eric volvería a Cannes en 2002 con la película colectiva Ten Minutes Older con un fragmento, Alumbramiento, que es a mi juicio el mejor de todos 8. Para cerrar esta referencia a Víctor Erice, hay que señalar que fue

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miembro del jurado del Festival de Cannes en 2010. Tras la muerte de Franco, en noviembre de 1975, el nuevo cine español comenzó a tener una presencia más frecuente e interesante en el Festival de Cannes. No podemos establecer

aquí una lista exhaustiva, ya que superaría los límites de este artículo. Lo mismo sucede con la lista de películas coproducidas por España (Paul Leduc, Manoel de Oliveira, Patricio Guzmán, Lucrecia Martel, Steve Soderberg, Ken Loach, Emir Kusturica, Woody Allen, etc.). Todo empieza ahora. Los asistentes al Festival de Cannes tendrán las primeras palabras sobre La piel que habito y el público de todo el mundo, España incluida, dirá las últimas, el próximo otoño. ■

Pedro Almodóvar La nueva democracia española tenía aún que batallar contra los residuos del pasado. La última película prohibida de la historia del cine español fue finalmente estrenada con gran éxito de público. Todo estaba cambiando en España en los años ochenta. Se había estrenado por fin Viridiana, se habían legalizado los partidos políticos, se habían filmado nuevas películas sobre el pasado histórico y surgieron nuevos autores que hablaban de la realidad circundante de una forma que no podía por

menos que sorprender. Fue, entre otros, el caso de Pedro Almodóvar. No fue el Festival de Cannes el que descubrió su talento. Las dos primeras películas de este joven autor fueron presentadas en el Festival de San Sebastián, y Mujeres al borde de un ataque de nervios en el de Venecia, ya que, según se rumoreó, había sido rechazada por el comité de selección de Cannes, y también por la Quincena. Sin embargo, mereció una portada redactada por Louis Marcorelles en Le Monde, y cuando se

exhibió en el Marché du Film fue adquirida por Orion. A partir de entonces, Almodóvar fue siendo reconocido en el mundo entero, y el Festival de Cannes aceptó su error tributándole desde entonces todo tipo de reconocimientos. Obtuvo el premio al mejor director en 1999 por Todo sobre mi madre, decisión del Jurado presidido por David Cronenberg. En 2004 inauguró la sección Oficial Fuera de Competición con La mala educación. Dos años más tarde ganó el premio al mejor guión

por Volver, mientras que las actrices de la película se alzaban con el premio de interpretación. Y en 2009, Almodóvar concursó con Los abrazos rotos. Almodóvar es el epicentro de una vorágine de ideas, sentimientos y pasión. Desde Buñuel y Saura ningún otro director español ha sido reconocido en el mundo como él lo es actualmente. Y aunque Cannes no fuera su punto de partida, el Festival ha colaborado en su reconocimiento internacional. De hecho, Almodóvar sintetiza en cierto modo un idilio entre el cine español y el Festival de Cannes, aunque sea éste un idilio que aún debe madurar. Junto con producciones recientes como Biutiful, de Alejandro González Iñárritu, Ágora, de Alejandro Amenábar, El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro, La soledad, de Jaime Rosales…aún hay mucho buen cine español por descubrir... ■

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Entrevista

María de Medeiros Actriz y cantante

Viaje a Portugal Maria de Medeiros presentó en el Festival Indie Lisboa su película más reciente, ‘Viaje a Portugal’. Una historia sobre una inmigrante ucraniana, médico, que conoció a su marido, senegalés, en la Facultad de Medicina de Kiev, y que viaja hasta Portugal para reunirse con él. Basada en hechos reales, el metraje relata la odisea de esta inmigrante en la zona de tránsito del aeropuerto lisboeta y el abuso por parte de los funcionarios que utilizan todos los resortes del poder para impedir su entrada José Ramón Otero Roko © Creative Commons Reconocimiento-Compar tir-Igual

ué motiva a una actriz de tu prestigio internacional a lanzarse a hacer una película declaradamente política sobre la inmigración? He hecho más cine político. Para mi fue un objetivo de vida hacer “Capitanes de Abril”, un film sobre la Revolución de los Claveles, que dirigí, escribí e interpreté y que me llevó más de diez años conseguir hacerla. Llevo toda la vida pensando la historia de Portugal y teniendo una visión política del mundo. Sérgio Tréfaut, el director de Viaje a Portugal, es amigo de la infancia y los dos somos hijos de personas muy comprometidas. Los dos estamos en esa línea de pensar la sociedad, pensar los movimientos sociales y desear un mundo más

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justo. Sergio hizo en 2006 una película muy bella llamada “Lisboetas” que es una documental sobre la inmigración a Portugal. Portugal fue un país de emigración durante décadas y ahora es un país que recibe gente, de países de lengua portuguesa pero también del este de Europa. Y él, en “Lisboetas”, retrata a toda esta gente y lo que aportan a esta tierra. Es a partir de esa película que descubrió la historia que se cuenta en “Viaje a Portugal”, una historia absolutamente real, de mucha violencia del estado en “el país de las blandas costumbres, de las suaves maneras”... En España tenemos también mucho de esto. Me ha llamado la atención que el dossier de “Viaje a Portugal” incluya unas tablas con datos de todos los “no admitidos” en los principales aeropuertos de la UE y que eso mismo se declare conceptualmente en la imagen. Es una situación que repite todos los días en todos los países de Europa. Que es la del poder desmesurado, de la policía y de los funcionarios del aeropuerto. Y Sérgio Tréfaut transforma todo esto en una película muy densa, con una elección estética muy radical para convertirla en una historia universal. La impresión de tu personaje está construida con ambigüedad en la primera parte de la película para que el espectador perciba que se trata de un atropello sea, o no, cierto el prejuicio de los funcionarios. La óptica creemos que va a ser esa, vencer los prejuicios, no solamente suavizar un poco porque hay excepciones. Los inmigrantes lo que encuentran es un prejuicio sobre ellos, al llegar al aeropuerto y meterlos en una sala los funcionarios ya han decidido quienes son y qué van a hacer con sus vidas. Más allá de eso es evidente que este “terror securitario” que se nos inculca por todas

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partes, junto al terror económico que también se nos mete en la cabeza, va provocando que la gente olvide más y más el ser humano, que es lo importante. Aceptamos desnudarnos en los controles de aeropuerto, van resignando a nuestra intimidad a que sea invadida. Y la película lo que defiende es respeto por el ser humano y combate al prejuicio que es el origen de todas las exclusiones. ¿Las leyes, en general, las dictan los ideales y las ejecutan los prejuicios o vivimos un tiempo en que las leyes las dictan directamente los prejuicios y los intereses inconfesables? Los ideales no sé por donde andan en las leyes, quizás alguna vez alguna ley las dictaron los ideales. Pero rápidamente se convirtieron en prejuicios. Hay una dinámica que es muy delicada y hay que estar atento sobre todo a los valores. Esta policía que retrata la película es la policía que quiere un sector de la sociedad que dice que no hay sitio para más gente. Sí, es muy escalofriante y esto en el largo se traslada a un atmósfera clínica, llena de frialdad, que es la que existe en la policía. La inspectora (la actriz Isabel Ruth) reclama su humanidad, aunque ella sabe que está abusando, pero cuenta con esa tautología de “las normas son las normas que son las normas” y así hasta el infinito. Y la película apuesta por eso, por enseñar la violencia que hay hasta en donde aparentemente sólo hay un trámite administrativo.

maquinaria del estado ¿Lo hacen para “defender” a otros, a su juicio sus “compatriotas”, o lo hacen simplemente porque se sienten, tristemente, mejor? Si la funcionaria lo hace por defender a ‘todos esos portugueses que no tienen trabajo’ ese es un falso argumento, como ya sabemos. Si es por ‘la ley’ esa es una cuestión que me pregunté mil veces cuando hice Capitanes de Abril y analicé la dictadura. Es muy fácil esconderse detrás de una ley o decir ‘he obedecido órdenes’. Es el gran argumento de todos los torturadores. Yo creo en la responsabilidad de cada individuo. Creo que cada individuo tiene una libertad propia de elegir si va a maltratar, o no, a alguien.

La gente que hace este tipo de cosas desde dentro de la

En el espacio físico donde se ubica la historia, en esa tierra de nadie de los aeropuertos, donde asociaciones de derechos civiles

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Entrevista

y periodistas tienen prohibido el paso ¿Se percibe que lo que sucede ahí es una desviación del comportamiento general del estado o la esencia misma del estado? Me recuerda mucho a la película de Olivier Masset-Depasse “Illegal” (2010) que denuncia estos mismos mecanismos de la burocracia. Hay una directriz a nivel europeo de impedir la entrada a extracomunitarios. Uno de los personajes de la película, una travestí brasileña, acaba siendo expulsada poniéndola una camisa de fuerza. Uno debe preguntarse de esta violencia qué resuelve de los problemas migratorios. No resuelve nada, la autoridad local desarrolla una violencia extrema contra la vida de la persona. La represión, si miramos la historia, no resuelve nada, al contrario, genera una mafia. Claro, si pudieran emigrar legalmente las mujeres del este de Europa jamás trabajarían en la prostitución. Entran ahí

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porque tienen que pagar una mafia que las introduce ilegalmente en país, que soborna funcionarios y que luego las explota valiéndose en que el trato que les daría la ley es incluso peor, las expulsaría. Exacto y es una de las grandes contradicciones del proyecto de Europa. Yo creo en ese proyecto, que caigan finalmente las fronteras, que exista un espacio común en la diversidad, que se pueda circular libremente. Y cuando ese espacio debería extenderse cada vez más, vemos los ultranacionalismos, vemos los que quieren encerrarse, que no dejan que se establezcan unos equilibrios de forma natural. A nivel europeo el tema de la inmigración parece que ha concitado la unión de intelectuales y librepensadores en Europa. En el caso del cine se está tratando desde muchas perspectivas. El pulso del director también está ahí, en el gesto por ejemplo del personaje senegalés —Makena Diop— que cuando va a ser interrogado toma él la iniciativa y responde preguntando a los policías. ¿Esto que permite ese gesto de dignidad del inmigrante está en la cultura portuguesa o es como en el resto de Europa donde sólo les permiten ser víctimas? Yo soy muy crítica con Portugal pero si comparo con Francia creo que Portugal tiene relaciones con sus excolonias muchos más sanas, menos imperialistas. Hay una hermandad donde se comparte un pasado traumático. La misma Revolución de los Claveles fue hecha por los jóvenes militares que venían de la guerra colonial. Varios de ellos cuentan en sus escritos que sentían mucha más afinidad con los guerrilleros que combatían con los colonos que con los colonos, que los tenían por perros de guardia. ■

“He obedecido órdenes” es la excusa de los torturadores. Yo creo en la responsabilidad

Festivales

y mercados

65 Festival Internacional de Cannes, Francia (English) 47 Festival de Karlovy Vary, Rep煤blica Checa (English) Octava edici贸n de Pantalla Pinamar (Argentina) 34 Jornadas Argentinas de Cine y Video Independiente Se prepara el Festival Unasur de la provincia de San Juan (Argentina)

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Cannes 2012

Ten europeans to vie for the Palme d´Or Europe and North America dominate the list of the 22 films selected for the competition at the 65th Cannes Film Festival (from May 16 to 27) this year. After a flamboyant 2011 edition marked by a high rate in new talent, the 2012 line-up is keeping the speed up with six new arrivals to compete against a plethora of great names in international cinema, in a broad mixture of genres

Carlos Hugo Aztaraín, coordinator

With four in previous Palme d’Or winners (Michael Haneke, Ken Loach , Cristian Mungiu, and Abbas Kiarostami) and six directors already awarded in Cannes (David Cronenberg, Jacques Audiard, Alain Resnais, Carlos Reygadas, Matteo Garrone, Thomas Vinterberg), the 2012 Cannes competition has a lot going for it. The surprise this year lies in the five American productions in the competiton, that festival’s general delegate Thierry Frémaux says “breach the gap between small-scale young independent films and big studio films not necessarily targeted at an adult audience of film enthusiasts”. With Jeff Nichols, Wes Anderson, Lee Daniels, and two films from the United States by Australian directors Andrew Dominik and John Hill-

coat, the Cannes Film Festival is broadening its scope to new horizons. Add to them Canadian director David Cronenberg and Mexican filmmaker Carlos Reygadas, and North America is Europe’s number one competitor in the race for the Palme d’Or.The Old Continent’s filmmakers however still have most contenders in the competition with 10 films by three French directors

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(Audiard, Resnais, and Leos Carax), two Austrians (Haneke and Ulrich Seidl), one Italian (Garrone), one Englishman (Loach), one Romanian (Mungiu), one Dane (Vinterberg), and one Ukrainian (Sergei Loznitsa). Asia has three contenders in the competition with two Korean directors (Im Sang-soo and Hong Sang-soo) and the Iranian director Abbas Kiarosta-

mi, while Latin America and Africa are in the race with Walter Salles and Yousry Nasrallah. Out of competition, in special and midnight screenings, the line-up is looking especially good too with films by Bernardo Bertolucci, Dario Argento, Fatih Akin, Apitchatpong Weerasethakul, Takashi Miike, Raymond Depardon, and Philip ■ Kaufman. Fabian Lemercier

Ken Loach.

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Un Certain Regard

Seventeen films from a globalised world From canadian filmmaker Xavier Dolan (23 years old) to veteran japanese director Koji Wakamatsu (76), via Brandon Cronenberg (son of the more famous David Cronenberg)’s first feature film, the programme for Un Certain Regard, is curious and intriguing. It will also include two African feature films and new films by argentinian director Pablo Trapero and chinese director Lou Ye, both previously awarded at the festival

Out of the 17 feature films in the programme this year, only four were directed by Europeans. Belgian director Joachim Lafosse will attend the festival for the first time as part of the official selection with Aimer à perdre la raison. France will be represented by four directors with Trois mondes (lit. Three worlds) by Catherine Corsini, Confession of a Child of the Century by Sylvie Verheyde , and Le grand soir (lit. The big night) by Benoît Delépine and Gustave Kervern . French productions have also been selected, with The Pirogue by Senegalese director Moussa Touré and God’s Horses by Moroccan director Nabil Ayouch (also co-produced by Belgium). Spain and France also co-produced White Elephant by Pablo

Trapero (featuring Belgian actor Jérémie Renier). Finally, France and Spain joined forces to produce anthology film 7 días en La Habana by Laurent Cantet, Julio Medem, Benicio Del Toro, Gaspar Noé, Elia Suleiman, Juan Carlos Tabío, and Pablo Trapero. As in the Cannes competition, North America stands out with four films: two from Canada, one from the United States, and one from Mexico. Asia is also well represented this year at the Certain Regard with the same number of films: one from China, one from Japan, one from India, and one from Kazakhstan. Finally, Latin America has two feature films in the selection: one from Argentina and one from Colom■ bia.

‘White elephant’, Pablo Trapero.

Un Certain Regard • Laurence Anyways, Xavier Dolan. • Miss Lovely, Ashim Ahluwalia. • La playa, Juan Andrés Arango. • God’s Horses, Nabil Ayouch. • Trois Mondes, Catherine Corsini. • Antiviral, Brandon Cronenberg. • 7 dias en La Habana, Laurent Cantet, Julio Medem, Benicio Del Toro, Gaspar Noé, Elia Suleiman, Juan Carlos Tabío y Pablo Trapero. • Le grand soir, Delepine Kervern. • Aimer à perdre la raison, Joachim Lafosse. • Despues de Lucía, Michel Franco. • Mystery, Lou Ye. • Student, Darezhan Omirbayev. • The Pirogue, Moussa Toure. • White Elephant, Pablo Trapero. • Confession of a Child of The Century, Sylvie Verheyde. • 11.25 The Day He Chose His Own Fate, Koji Wakamatsu. • Beasts of the Southern Wild - Benh Zeitlin, Joachim Trier. ■

Fabian Lemercier

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To close the Festival

Thérèse Desqueyroux by Claude Miller The 65th edition of the Festival will close with Thérèse Desqueyroux , the last film by Claude Miller, who died on April 4 just after having finished its montage. Audrey Tautou, Gilles Lellouche, and Anaïs Demoustier feature in the cast of this adaptation of the eponymous novel by François Mauriac

“This film is the final piece in his immense body of work, to which the Festival de Cannes and the director’s many admirers will pay tribute... By dedicating the closing night to him, the

Festival de Cannes, along with his family, friends, producers, and distributors, is very pleased to pay tribute to the memory of Claude Miller,” stresses the festival’s ■ press release. Fabien Lemercier

The icon of the 65th Festival On the occasions of its 65th anniversary, the Festival de Cannes pays tribute to Marilyn Monroe, selected as the icon of the 2012 Festival. Fifty years after her death, Marilyn is still a major figure in world cinema, an eternal icon, whose grace, mystery and power of seduction remain resolutely contemporary. Each of her screen appearances sparks the imagination. The Festival poster captures Marilyn by surprise in an intimate moment where myth meets reality – a moving tri-

bute to the anniversary of her passing, which coincides with the Festival anniversary. She enchants us with this promising gesture: a seductively blown kiss. The Festival is a temple of glamour and Marilyn is its perfect incarnation. Their coming together symbolises the ideal of simplicity and elegance. Bronx agency (Paris) created the poster from a photo by Otto L. Bettmann (©Corbis/Bettmann) and will produce all the graphics for the ■ 2012 Festival.

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Claude Miller.

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Competition OPENING FILM (IN COMPETITION) • Moonrise Kingdom, Wes Anderson.

• In the Fog, Sergei Loznitsa. • Like Someone in Love, Abbas Kiarostami. OUT OF COMPETITION

CLOSING FILM • Thérèse D, Claude Miller. COMPETITION • Vous n’avez encore rien vu, Alain Resnais. • Rust & Bone [trailer], Jacques Audiard. • Holy Motors, Leos Carax. • Cosmopolis, David Cronenberg. • The Paperboy, Lee Daniels. • Killing Them Softly, Andrew Dominik. • Amour, Michael Haneke. • Reality, Matteo Garrone. • Lawless, John Hillcoat. • In Another Country, Sangsoo Hong. • Taste of Money, Im Sang-Soo. • Angel's Share, Ken Loach. • Beyond the Hills, Cristian Mungiu. • After the Battle, Yousry Nasrallah. • Mud, Jeff Nichols. • Post Tenebras Lux, Carlos Reygadas. • On the Road, Walter Salles. • Paradis, Ulrich Seidl. • The Hunt, Thomas Vinterberg.

• Io e te, Bernardo Bertollucci. • Madagascar 3, Europe's Most Wanted - Eric Darnell, Tom McGrath, Conrad Vernon. • Hemingway & Gellhorn, Philip Kaufman.

tien Lifshitz. • CA Música Segundo Tom Jobim, Nelson Pereira dos Santos. • Journal de France, Claudine Nougaret, Raymond Depardon. MIDNIGHT SCREENINGS

• Dracula, Dario Argento. • Ai To Makoto, Takashi Miike. 65TH ANNIVERSARY • DUne journée particulière, Gilles Jacob, Samuel Faure. ■

SPECIAL SCREENINGS • Polluting Paradise, Fatih Akin. • The Central Park Fives, Ken Burns. • Villegas, Gonzalo Tobal. • Roman Polanski: A Film Memoir, Laurent Bouzerau. • The Invisibles, Sébas-

‘Amour’, Michael Haneke.

‘Moonrise Kingdom’, Wes Anderson.

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Nanni Moretti

President of the jury Accepting the invitation, the Italian actor and director said: “This is a real joy, an honour and a tremendous responsibility to preside over the jury of the most prestigious festival of cinematography in the world, a festival that is held in a country where film has always been treated with interest and respect”

“As a director, I was always very moved when my films were presented at the Festival de Cannes. I also have very happy memories of my experience as a jury member during the fiftieth anniversary season, and of the attentiveness and passion that went into the jury’s viewing and discussion of all the films. As a spectator, fortunately I still have the same curiosity that I had in my youth and so it is a great privilege for me to embark on this voyage into the world of contemporary international film”. Nanni Moretti was born in 1953 in Brunico, Italy. After several short films, he signed his first feature, Io Sono un Autarchico (I am Self Sufficient) in 1976, and in 1978, he was selected in Competition in Cannes, with Ecce Bombo. International film critics were quick to pick up on this young

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director whose corrosive wit was directed toward a subtle and political analysis of contemporary society. His films were frequent prize winners in festivals around the world: in 1981, the Special Jury Prize in Venice was awarded to Sogni d’Oro (Sweet Dreams) and La Messa è finita (The Mass is Ended) won the Silver Bear in Berlin in 1986. Organizational matters A director in constant evolution, an auteur with a personal touch, and an accomplished artist, Nanni Moretti has continued to surprise, with Caro Diario (Dear Diary) presented in Competition at the Festival de Cannes in 1994 (where it won the Prize for Best Director) and with La Stanza del figlio (The Son’s Room), which won the Palme d’Or in 2001 and was a box office hit. Then cameIl Caimano (The Caiman) (2006). It is a f ilm

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‘Habemus Papam’.

that harshly criticizes the aberrations of Italian political life in the era of Silvio Berlusconi. An iconic actor in most of his own films, Moretti has also played in the Taviani brothers’ Padre Padrone (Father and Master) (1977), and worked with Luchetti, Mazzacurati and Calopresti.

A producer and distributor as well as a director, he founded the Sacher Film production company in 1986. In 1991, he opened the Nuovo Sacher cinema in Rome, a cinema dedicated to the release of films from around the world. Since 1996, he has directed the “Sacher Festival” devoted to short

films. He has presented six films at the Festival de Cannes, including last year’s highly praised Habemus Papam (We Have a Pope). Gilles Jacob received the new president’s acceptance with the words: “when we decided to put Ecce Bombo–a super 8 film!–into Competi-

tion when I first arrived in 1978, it was because I had a premonition that Nanni Moretti would soon become NANNI MORETTI. This is what happened and I am so gratified to have had this long and affectionate collaboration.” Thierry Frémaux, for his part, said: “The Festival wanted to celebrate its 65th season with a European jury President”. And continue: “high-spirited and marked by his modernity and intelligence, Nanni Moretti’s films are the incarnation of all the best in cinema over the past thirty years”. “His work isalways evolving and continues to carry the promise of film that engages with the world and with our ■ times”.

‘Ecce Bombo’.

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Karlovy Vary 2012

Reveals tributes and retrospectives Karlovy Vary International Film Festival has revealed that Turkish director Reha Erdem will attend the event to show six of his films. This tribute follows up last year's highly successful retrospective of Denis Villeneuve's works. With this particular tribute, the festival extends its homage to filmmakers with a significant style and approach who have only recently achieved international acclaim

Viktor Palák

To conmemorate the 100th anniversary of his birth, the festival will also screen a unique and full retrospective of documentary films shot by Michelangelo Antonio-

ni. Alongside a number of short films, the audiences will get the opportunity to see the twopart Chung Kuo China, which was shot with the regime's approval in 1972. KVIFF´s Artistic Advisor Eva Zaoralova curates this section. Films by Jean-Pierre Melville will be in the

spotlight as well. “Film columnist and critic Rui Nogueira, author of the acclaimed collection of interviews Le cinéma selon Melville, will be on hand at the 47th KVIFF to introduce nine of the director’s pictures in the Melville tribute,” the festival has announced. In recent years re-

trospectives of Sam Peckinpah and Samuel Fuller have been lauded by both audiences and industry professionals attending the festival.The event —one of the oldest of its kind in the world— will take place from June 29 to July 7 in the spa town of Karlovy Vary. ■

K a r l o v y Va r y.

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Tribute to Jean-Pierre Melville As part of its 47th edition, the Karlovy Vary IFF will focus on one of the most outstanding contemporary Turkish directors, Reha Erdem, as well as on a key figure of postwar French cinema, Jean-Pierre Melville. The festival will also honor the hundredth anniversary of the birth of Michelangelo Antonioni with a complete presentation of his documentary work. Although he himself vehemently rejected the appellation, many consider Jean-Pierre Melville (né J.-P. Grumbach, 1917-1973) the “godfat-

her of the French new wave” thanks primarily to Bob le flambeur, his cult tale of an aging gambler from Montmartre. Yet as the first and still greatest cineaste among film directors, he always avoided to belong to any movement of French postwar film. Well-regarded gangster movies from the 60s (Le doulos, Le deuxième souffle, Le Samouraï, Le cercle rouge), literary adaptations (Le Silence de la mer, Les enfants terribles), and dramas set during the Second World War (Léon Morin, Priest;

Army of Shadows) revealed Melville’s obsession with classic Hollywood movies and his defining life experiences as a member of the French army and of the resistance. Filmmakers the likes of Quentin Tarantino, John Woo, Michael Mann and Martin Scorsese consider the charismatic lo-

ner to have been a key influence on their work. Foremost film columnist and critic Rui Nogueira, author of the acclaimed collection of interviews Le cinéma selon Melville, will be on hand at the 47th KVIFF to introduce nine of the director’s pictures in the Melville tribu■ te.

Michelangelo Antonioni Documentary Retrospective As part of its 47th edition, the Karlovy Vary IFF will focus on one of the most outstanding contemporary Turkish directors, Reha Erdem, as well as on a key figure of postwar French cinema, JeanPierre Melville. The festival will also honor the hundredth anniversary of the birth of Michelangelo Antonioni with a complete presentation of his documentary work. This September marks 100 years since the birth of Italian film

master Michelangelo Antonioni (1912-

2007), and the 47th KVIFF will note the occasion with a complete retrospective of the 16 documentaries he made throughout his long and illustrious career. Viewers will thus have the rare opportunity of enjoying such celebrated documentaries as People of the Po Valley (Gente del Po, 1943/47) and Sanitation Department (Nettezza urbana, 1948). As well as other examples of the filmmaker’s short works,

including the staged documentary Lies of Love (L’amorosa menzogna, 1949). In addition to many other short films, the festival will screen the two-part, featurelength documentary Chung Kuo China, shot in China in 1972 with the permission of the Communist authorities. The overview of the creator’s documentary work will be rounded out by Michelangelo Eye to Eye (Lo sguardo di Michelangelo) from ■ 2004.

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Tribute to Reha Erdem As part of its 47th edition, the Karlovy Vary IFF will focus on one of the most outstanding contemporary Turkish directors, Reha Erdem, as well as on a key figure of postwar French cinema, Jean-Pierre Melville.

The festival will also honor the hundredth anniversary of the birth of Michelangelo Antonioni with a complete presentation of his documentary work. Following up last year’s successful retrospective of Canadian director Denis Villeneuve, the

KVIFF will present another filmmaker whose renown spread beyond the borders of his native country long ago. Reha Erdem (b. 1960, Istanbul) will personally introduce all six of his movies produced thus far.

This highly-regarded director belongs to Turkey’s outstanding contemporary generation, a group that includes Nuri Bilge Ceylan, Zeki Demirkubuz, and Semih Kaplanoglu. After studying in Istanbul and Paris, his debut film A Ay (Oh Moon, 1989) gained instant cult status and helped revitalize a domestic film industry. His breakthrough film Be_ vakit (Times and Winds, 2006), which achieved marked international success, employs experimental narrative approaches to explore the director’s harrowing poetic vision of life in the Turkish countryside. Erdem continued to jettison classic narrative schemes in favor of hypnotic film visuals in the pictures Hayat var (My Only Sunshine, 2008) and Kosmos (2010), both of which were successfully presented at the ■ Berlinale.

The Firemen’s Ball in world premiere Last year, the Karlovy Vary International Film Festival initiated a long-term project to digitally restore major works of Czechoslovak cinematography. The Ministry of Culture and the National Film Archive are also involved in the project. The common

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aim is the gradual digitisation of titles from the Czech film industry’s gold collection, to preserve them and to make them accessible to future generations of viewers who would perhaps otherwise never have the chance to see them.

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Tribute to Josef Somr

The first film on the list, whose digitally restored copy was screened in its gala premiere at last year’s Karlovy Vary IFF, was Franti_ek Vlá_il’s Marketa Lazarová. This year the 47th Karlovy Vary IFF will be hosting the world premiere of the digitally restored copy of Milos Forman’s film The Firemen’s Ball (Ho_í, má panenko).

On the occasion of the director’s landmark birthday, which he celebrated in February, this film will be screened on Saturday 30 June 2012 in the Grand Hall of the Thermal hotel. The film became one of the vintage symbols of the Czech New Wave and, in fact, closed Forman’s promising career in his native country; his endeavours thereafter conti-

As part of this tribute Josef Somr will present the film The Joke (ert) on Friday 6 July 2012 at the Karlovy Vary Municipal Theatre. Director Jaromil Jire based his 1968 film on the famous novel by Milan Kundera; like a number of other works of Czech cinematography, The Joke suffered at the hands of totalitarian censorship. Josef Somr is one of the leading names in Czech theatre and film. A graduate of the Janá_ek Academy of Performing Arts in Brno (JAMU), he was a member of the Drama Club (_inoherní klub). in Prague for many years and was subsequently a mainstay of

the drama company at Prague’s National Theatre. He has created dozens of roles in television productions and series. His role as train dispatcher Hubi_ka in Ji_í Menzel’s Oscar-winning Closely Observed Trains (1966) has become the stuff of legend. He has been a regular face in Czech film since the 1980s. He appeared most recently in a main role in Vladimír Michálek’s intimate tale Of Parents and Children, which was screened at the Karlovy Vary IFF in 2008 in the competition section East of ■ the West.

nued overseas. Apart from the cinematic invention of Milos Forman and his colleague and friend of many years, cinematographer Miroslav Ond_í_ek, The Firemen’s Ball also acknowledges other major names in 1960s Czech film, such as Jaroslav Papou_ek and Ivan Passer, who cowrote the screenplay. The digitally restored copy of The Firemen´s Ball was finan-

ced by the Czech company Casting ■ Centrum.

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Festival argentino Pantalla Pinamar

Fuerte presencia española La VIII edición de Pantalla Pinamar celebrado hace unas semanas fue, como años anteriores, con la exhibición de buenas películas europeas y argentinas un éxito para el numeroso y entusiasta público que colmó las dos nuevas salas cinematográficas (Oasis) de esta conocida ciudad turística Argentina

Carlos Hugo Aztarain

En su inauguración Internacional En su inauguración la presidenta del INCAA, Liliana Mazure, entregó los galardones denominados Balance, a las trayectorias del realizador español Montxo Armendariz, quién presentó su reciente film No tengas miedo, y al argentino Daniel Burman. Ocurrió lo mismo con el director Eliseo Subiela, al cumplirse 25 años del estreno de Hombre mirando al sudeste. En la gala de comienzo de las proyecciones fue exhibido el film español También la lluvia, de Icíar Bollain, y más tarde en función trasnoche el film iraní Una separación, ganador del Oscar 2012 a la mejor película extranjera. Fueron, asimismo, aplaudidas El niño de la bicicleta, de los cineastas belgas Dardenne, El puer-

to, de Aki Kaurismaki, Essential killing, de Jerzy Skolimowsky, El molino y la cruz, de Lech Majewsky, y Vidas pequeñas, del realizador hispano-argentino Enrique Gabriel y por el cual la actriz Ana Fernández —ambos presentes en el Festival— tuvieron la aprobación de la crítica y el público. Otras películas españolas ya reconocidas en el

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Festival de Málaga como Cinco metros cuadrados, de Max Lemcke, con el importante trabajo interpretativo de Fernando Tejero; la producción vasca Arriya- La piedra, de Alberto Gorriteberea, que fue presentada por una de sus protagonistas Sara Casasnovas, y la catalana Catalunya über alles!, con presencia de su joven director Ramón Térmens.

De los numerosísimos filmes argentinos exhibidos merecen mencionarse Juan y Eva, de Paula De Luque, con el excelente trabajo del actor Osmar Núñez quien da vida al general Juan Perón con convicción y autoridad. Y Las acacias, de Pablo Giorgelli, ya galardonada en diversos Festivales internacionales.

Liliana Mazure (presidenta del INCAA) y - Daniel Burman en el preestreno de su pelicula ‘La suer te en tus manos’.

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La actriz Ana Dernandez, el director Enrique Gabriel, la productora Lina Echeverr y y el alcalde de Pinamar Blas Altieri.

El cine francés tuvo también un rol muy destacado en Pantalla Pinamar con la exhibición de las producciones Tournée, de Mathieu Amalric; La chica de Mónaco, de Anne Fontaine; Le cochon de Gaza, de Sylvain Estibal, La fuente de las mujeres, presentada personalmente por ese buen realizador rumano-francés Radu Mihaileanu, y en la noche de clausura la interesante Las mujeres del 6º piso, de Philippe Le Guay. Además de los anteriormente mencionados otras figuras internacionales estuvieron presentes en este Encuentro EuropeoArgentino como la actriz Carine Crutzen (Majestad), Malena Alterio (Cinco metros cuadrados), la sueca Malin Busca (Happy End), los realizadores Lech Majewski (El Molino y la cruz), el suizo-catalán Enrique Ros que presentó el documental El encuentro. Una película para bandoneón y

violoncello, Aylin Prandi (Gianni y las mujeres), y el boliviano Juan Carlos Aduviri (También la lluvia), entre otros. Finalmente, votados por el público y la crítica, fueron concedidos los premios Balance de Oro, Plata y Bronce a las películas argentinas Tiempos menos modernos, de Simón Franco; El dedo, de Sergio Teu-

bal, y El túnel de los huesos, de Nacho Garassino. El premio EGEDA — dotado con 6.000 euros— fue para el productor de Tiempos menos modernos, y el premio SIGNIS fue para la realizadora Milagros Mumenthaler por su película Abrir puertas y ventanas. Además de la calidad de los films exhibidos, hay

que destacar la afluencia masiva de espectadores, más de 25.000, que ha transformado a esta cita anual en casi imprescindible gracias al intenso trabajo de su creador y director el periodista Carlos Morelli, acompañado por un eficaz equipo y el apoyo del INCAA y el Ayuntamiento de esta acogedo■ ra ciudad.

Radu Mihaileanu, realizador de la coproducción franco- marroquí ‘La fuente de las mujeres’.

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Uncipar

Cortos nacionales e internacionales El pasado mes de abril se realizaron las 34 Jornadas Argentinas e Internacionales de Cine y Video Independiente en la villa turística argentina de Villa Gessell, que cuentan con el apoyo del INCAA, el Ayuntamiento local y el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. Varios cortometrajes fueron premiados

Carlos Hugo Aztarain

Gran cantidad de jóvenes cineastas —algunos debutantes— se acercaron a este certamen a presentar sus trabajos. Como siempre, gracias a un buen comité de selección, pudieron verse variadísimos en cuanto a temáticas y propuestas. Además fueron proyectados los cortos ganadores del concurso Georges Méliès 2012 cuyo 1er.premio fue Este, mi

corto de anteojos, de Marcos Banina y el segundo premio el cortometraje El olvido, de Lucía Kearney. En cuanto a los cortos internacionales que participaron en la sección competitiva un jurado de tres miembros, no demasiado representativos, decidió conceder el primer premio a Angeli, de Beth Formaggini (Brasil), y dos menciones al corto Un río, de Ángel Muñoz (México) y al guión de Javier Veiga por De qué se réen las

hienas (España), también galardonaron a Horror en el Distrito Rojo, de Edgar Pera (Portugal). Por su parte el jurado de la sección de cortos argentinos otorgaron el primer premio a Lo que haría, de Natural Arpaju; el segundo premio fue exaequo para Implantación, de Fermín Acosta y Luminaris, de Juan Pablo Zaramella. Y dos menciones especiales a Gestación, de Alejandro Rath, y La puerta, de Cristina Nigro.

Los ganadores Natural Arpajou, Mar tín Boggiano, Romina Ballester y Alejandro Rath.

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En los premios no oficiales también APECA (Asociación de críticos locales) reconoció a Implantación, y el jurado de SICA (Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina) decidió entregar su premio a La mirada perdida, de Damian Dionisio. Además se seleccionaron los cortos argentinos (70 minutos en total) que participarán en el 74º Festival UNICA a celebrarse del próximo 25 de agosto al 1 de septiembre en la ciudad de Ruse (Bulgaria), ellos son: Lo que haría; Implantación, Vine solo, y la multipremiadísima Luminaris. Fueron estas 34 Jornadas desarrolladas con brillantez, con algunos problemas organizativos en cuanto al cumplimiento de horarios, y donde la gran cantidad de jovencitas y jóvenes cineastas aprovecharon la bonanza climática para aprovechar la playa y compartir por las noches copas y diversión, sumadas a las sabrosas em■ panadas criollas.

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Primer Plano at Cannes

About Primer Plano Film Group Sales Activities Primer Plano Film Group is a leading independent sales agent company focused on the world-wide commercialization of South American films, especially Argentinean ones

We offer a large diversity of good quality and awarded films by acclaimed directors and promising young talents. Most of these

films were also released in Argentina by our company. Besides our slate of current films, we also handle a catalogue of

• Penumbra by Ramiro García Bogliano & Adrián García Bogliano/ Thriller / Best Directors at La fantastique Semaine du Cinema- France 2011. • El campo by Hernan Belón / Drama / Special Jury Award & Best Actor Leonardo Sbaraglia at Amiens FF 2011. • El Estudiante by Santiago Mitre / Drama / International Premiere at Locarno FF 2011 Best Film & Best Actor Esteban Lamothe at Mostra de Cine Latinoamericano de Catalunya, Lleida Spain 2012. • Mia by Javier Van de Couter / Drama / Maguey Award at Guadalajara Film Festival 2012. • Mi primera boda by Ariel Winograd / Comedy / With Natalia Oreiro & Daniel Hendler. • Verdades verdaderas.

La vida de Estela by Nicolás Gil Lavedra / Drama / Public Award , Jury Special Mention: Susu Pecoraro at Mostra de Cine Latinoamericano de Catalunya, Lleida Spain 2012. • Juan y Eva by Paula de Luque / Drama- Romance / Best Actor Osmar Nuñez at Huelva FF 2011. • Los Marziano by Ana Katz / Drama- Comedy / Official Section at San Sebastian Film Festival 2011. • El Pozo by Rodolfo Carnevale / Family Drama / Best Foreign Film, Best Director, Best Intl´ Actress Ana Fontán, Best Intl´ Actor Ezequiel Rodriguez, Best Original Music & Audience Award at The New York Independent Film Festival 2011. • Dulce de leche by Ma-

around 400 titles for television, dvd, ancillary and digital markets. Cannes line-up includes different genres as dramas, comedies,

riano Galperin / Drama / Movie City Award at Mar del Plata FF 2011. • La Plegaria del Vidente by Gonzalo Calzada / Thriller. • La máquina que hace estrellas by Esteban Echeverría / 3D Animation. • El notificador by Blas Eloy Martínez / Drama / Official Selection at Biarritz FF 2011. • Pecados by Diego Yacer / Drama / Mostra de Cine de Valencia 2011. • Una cita, una fiesta y un gato negro by Ana Halabe / Comedy. • El cuarto de Leo by Enrique Buchichio / Drama / Special Jury Award at GLBT Torino FF Italy 2010. • Una mujer sucede by Pablo Bucca / Drama / Special Screening at Mar del Plata FF 2011.

thrillers, documentaries and animation feature films. ■ IN CANNES: RIVIERASTAND Nº C 16 / PH: +33 (0) 4 92

• El Vagoneta en el mundo del cine by Maxi Gutierrez / Comedy. • Tata Cedron, el regreso de Juancito caminador by Fernando Pérez / DocumentaryTango. • Tierra Sublevada II, Oro Negro by Fernando E. Solanas / Documentary- Social Responsibility / Venice FF 2011. • Escuela Normal by Celina Murga / Documentary- Social /Special Mention of Caligari´s Jury Awards Berlinale Forum 2012. • Cuento chino, clasista y combativo by Pepe Salvia / DocumentarySocial / Special Mention at La Sudestada Paris 2011. • Beirut Buenos Aires Beirut by Hernán Belón / Documentary- Social / Best Documentary at ■ Latin Arab FF 2011.

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Unasur Cine

Dirigido por la realizadora argentina Paula de Luque La realizadora argentina Paula de Luque es la Directora General del Festival Internacional de Cine UNASUR, que se realizará del próximo 22 al 29 de septiembre en la provincia argentina de San Juan y se perfila como uno de los eventos culturales mas importante de América del Sur con una fuerte mirada sobre la identidad de los países del Cono Sur

Carlos H. Aztarain

Pese a su juventud, Paula de Luque tiene como realizadora una larga trayectoria. Su primer largometraje Cielo azul, cielo negro, codirigido con Sabrina Farji, fue excelentemente recibido por la crítica en diversos Festivales. Luego dirigió El vestido, protagonizada por el actor español Eduard Férnandez; también el documental sobre las minorías sexuales Todas esas cosas fue muy bien acogido, así como el telefilm. Su más reciente largometraje ha sido Juan y Eva donde refleja fielmente los primeros años de convivencia entre el presidente Juan Domingo y Eva Perón. En estos momentos rueda un documental sobre el fallecido ex-presidente argentino Néstor Kirchner y está preparando su próximo largometraje de ficción Variaciones sobre una misma mujer, una historia de amor.

Pero además Paula está abocada a la organización del primer Festival Internacional de Cine Unasur, que se celebrará el próximo septiembre. Un certamen que será un encuentro que consolidará la pertenencia suramericana manteniendo las identidades propias de cada país. Este Festival está auspiciado por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación y el INCAA, y ha sido declarado de interés cultural por el Senado de la Nación. Unasur contará con una sección a concurso con alrededor de 30 películas, dividido en tres apartados: largometrajes de ficción, largos documentales y cortos de ficción o documental. A los que se otorgarán premios de U$S 15.000, U$S 10.000 y U$S 5.000. A ellos se unirá la sección Cines del Sur que contará con otras películas de los países que integran Unasur. La Secretaría de Derechos Humanos también

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participará con una muestra sobre Cine de Género. Diversas actividades paralelas como retrospectivas, un concurso de cortometraje denominado ‘El vino nos une’, charlas, debates, seminarios y cine político, además de la gala de aperura en que la Orquesta Sinfónica Nacional ejecutará en vivo un concierto de música compuesta especialmente para pelícu-

las, completan la grilla de actividades. La acogedora e histórica ciudad de San Juan será vestida con el logo, los afiches y las banderas de los países integrantes de UNASUR como sede integradora de las diversidades ■ culturales. Las información y bases para participar se encuentran disponibles en: www.unasurcine.com.ar

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histórica

50 años sin el mito

La otra vida de Marilyn Monroe ¿Qué ocurrió la noche del 4 de agosto de 1962 en la casa de Marilyn Monroe? La muerte a los 36 años de la actriz más popular del mundo continúa siendo un misterio. Accidente, suicidio y asesinato son las opciones barajadas con más o menos fundamento

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Ramiro Cristóbal

etrás de la rubia ingenua y encantadora hubo una mujer lista, comprometida y enérgica. Escondida tras Marilyn Monroe estaba Norma Jean, rebelde, autodidacta y apasionada. Un considerable informe del FBI sobre ella, nunca bien conocido, tiene que ver con esa vida oculta del más grande símbolo sexual americano de todos los tiempos. Dicen que fue un comentario en apariencia inocente, durante una cena de personalidades de Hollywood, lo que primero llegó a los suspicaces oídos del todopoderoso John Edgard Hoover, director general del FBI. Corrían los años 50, con el Comité de Actividades Antiamericanas del senador McCarthy afilando las espadas, cuando Marilyn Monroe dijo, al hilo de la conversación: “¿La bomba atómica? ¿Es esa cosa que se lleva todos nuestros impuestos para matar a más gente de una vez?”. Hubo un silencio helado y un buen amigo trasladó el comentario a los oídos del Despacho Federal de Investigación. Vinieron después años de prueba para la actriz. Aún no se había casado con Arthur Miller cuando éste tuvo que responder a una llamada del Comité de Mc Carthy. Al principio fueron asuntos de puro trámite; al fin, se le pidió que diera nombres de todos los comunistas a los que conociera. Miller se negó y eso significaba desacato al Comité y la posible condena de hasta

Norma Jean era una mujer rebelde, autodidacta y apasionada.

dos años de cárcel. Su respuesta al tribunal fue digna y humanitaria: “no podría utilizar el nombre de otra persona y acarrearle un disgusto” —dijo—. “Por lo que yo pude ver, esos hombres eran escritores, poetas... Y la vida de un escritor, a pesar de lo que pueda parecer algunas veces, es bastante dura. No querría hacerla más dura para nadie. Les pido que no me hagan esa pregunta.” Una mujer astuta Marilyn, que se había casado con él el 29 de junio de 1956, se vio inevitablemente involucrada. En todo momento respaldó a su marido con lo que eso suponía para la carrera de la actriz. Astutamente tomó la postura de la mujercita ignorante y fiel esposa que tiene, ante todo, la obligación de estar con su marido en las buenas y en las malas. Un periodista comentó que fue tal la habilidad de Marilyn que consiguió no aparecer nunca como la mujer de un acusado por desacato, sino que dio la vuelta al asunto y logró que Miller apare-

Miller fue llamado por el Comité de Mc Carthy y Marilyn tomó la postura de esposa ignorante C I N E A R T E 1 6 • m a y o 2 0 1 2 • Nº 14 • 4 9

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Memoria histórica ciera como el perseguido amante de Marilyn. Durante todo el tiempo que duró la causa legal contra Miller, casi dos años, las declaraciones de Marilyn a la prensa fueron del tipo de : “yo no entiendo mucho de política. Tendría que hablar con mi marido y él parece muy cansado”. Un carácter firme Sin embargo y según testigos de la época, Marilyn mantuvo una terrible lucha contra todos incluido su propio marido al que animó, en todo momento, a hacer frente a las acusaciones y a mantenerse firme. Su amigo Danny Greenson afirma que fue ella la que le decía a Miller: “no puedes dejarte intimidar por esos bastardos. Tienes que enfrentarte a ellos”. En 1960 le dijo al escritor inglés W. J. Weatherby: “algunos de esos bastardos de Hollywood querían que yo abandonase a Arthur, decían que el mantenerme a su lado iba a arruinar mi carrera. Son cobardes por naturaleza y quieren que tú seas como ellos. Una de las razones que tengo para que gane Kennedy es que su oponente Nixon está metido en todo este asunto”. El dinero de Marilyn sirvió para pagar las escalofriantes cantidades que cobraron los abogados. Al final, Arthur Miller ganó el pleito y fue declarado inocente y una triunfante Marilyn declaró: “he estado estudiando a Thomas Jefferson durante años y, de acuerdo con Thomas Jefferson, este caso no podía terminar de otra manera”. Es curioso que la mayor

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Marilyn mantuvo una estrecha relación con Yves Montand y Simone Signoret, ambos muy comprometidos con la izquierda europea.

parte de las lecturas de Marilyn, al menos en esta década de 1950, parecen haber sido los pensadores y políticos relacionados con la independencia norteamericana y el nacimiento de la primitiva democracia en Estados Unidos. A esa afirmación de haber estudiado a Jefferson, se une las declaraciones de Miller y de ella en el sentido de que cuando preguntó a su marido escritor qué podría leer, éste le recomendó a Abraham Lincoln y ella siguió el consejo. Un retrato de Lincoln presidía la sala de estar de su casa común del 57 East de Nueva York. En uno de sus frecuentes retrasos durante el rodaje de Con faldas y a lo loco (Some Like it Hot) argumentó que se había distraído leyendo Los derechos del hombre, de Thomas Paine. Amistades de extrema izquierda Este aspecto de la cultura política de la actriz ha sido frecuentemente olvidado a la hora de intentar comprender muchos de los hechos posteriores de su vida. No cabe duda que tuvo la influencia de Arthur Miller, un escritor izquierdista y comprometido, pero además, como escribe su biógrafo Anthony Summers: “sin contar a Miller, algunas de las personas más próximas a Marilyn eran, en términos de los años 50, de extrema izquierda. El Comité de Actividades Antiamericanas tenía informes sobre Lee y Paula Strasberg que los relacionaba con lo que el comité llamaba ‘Frente comunista’. Paula, antigua afiliada al Partido Comunista, era ahora la maestra de Marilyn. Al FBI no se le habían pasado por alto estas asociaciones”. La relación que mantuvo a fines de 1959, durante el rodaje de El multimillonario con Yves Montand y Simone Signoret, ambos muy comprometidos entonces con la causa

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Memoria histórica de las izquierdas europeas, debió significar bastante para ella en esa desordenada formación política progresista. Existe una curiosa anécdota, también registrada por el FBI: en la recepción que hubo en Hollywood al dirigente soviético Nikita Krhuschov, fue Marilyn la que estuvo más tiempo con él y la que mantuvo una conversación más larga y distendida. Después diría, llena de satisfacción: “Krhuschov me miró como mira un hombre a una mujer”. En cambio, su relación con el socialista Einstein es apócrifa. Algunas personas vieron una fotografía del

Los dos últimos años de su vida, después de su separación definitiva de Arthur Miller, fueron 24 meses de pastillas, drogas y alcohol.

descubridor de la relatividad, dedicada a Marilyn con excesivo cariño. Es cierto también que una vez le confesó a su amiga Shelley Winters que entre los 17 hombres con los que deseaba acostarse uno era Albert Einstein. Sin embargo, al parecer, nunca se conocieron y la foto fue una broma del actor Eli Wallach, amigo de Marilyn y por cierto uno de los de la lista de los 17. Los dos últimos años de su vida, después de la separación definitiva de Arthur Miller fueron 24 meses de locura. Pastillas, drogas y alcohol acompañaron la relación ya comprobada con el presidente John F. Kennedy y con su hermano Robert, fiscal general de los Estados Unidos. El punto de partida de este periodo de decadencia de Marilyn fue precisamente el final de la relación con Miller durante el rodaje de la película Vidas rebeldes (The Misfits) escrita por Miller, dirigida por John Huston, e interpretada por Clark Gable, Marilyn Monroe y Montgomery Clift en los papeles principales. Es posible que haya sido Clark Gable el último hombre que la comprendió y se la tomó en serio. Más allá de eso, su relación es dudosa aunque hubo, desde luego, algún tipo de atracción mutua. Muy poco después de terminar el roda-

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Memoria histórica je, Gable moría y, enseguida, Clift. Marilyn apenas viviría dos años. La relación con los hermanos Kennedy alarmó seriamente al FBI y la CIA. Al parecer Robert presumía en la intimidad de los secretos mejor guardados por el Departamento de Estado y Marilyn, frecuentemente al borde de la embriaguez, difundía estos secretos. Sus amigos se enteraron de los pormenores de la invasión de Bahía Cochinos contra el régimen castrista de Cuba, mucho antes que los periódicos los difundieran. Al sentirse abandonada por John primero y por Bob después, Marilyn amenazó con contarlo todo. La muerte de Marilyn Así que tanto las dos agencias de seguridad, como el aparato secreto del Partido Demócrata decidió intervenir. El día de la muerte de Marilyn un atribulado agente encubierto de la CIA, Nicolás Nabokov, telefoneó a Mary Mc Carthy diciéndole que “Marilyn Monroe se había suicidado porque tenía una aventura con Robert Kennedy y la Casa Blanca había intervenido”. (Citado por Frances Stonor Saunders, La CIA y la guerra fría cultural. Debate 2001). No se sabe qué alcance tuvo esa intervención de la Casa Blanca, aunque 20 años después de la muerte de la actriz, en 1982, el caso fue abierto para dilucidar si se encontraban indicios criminales en su muerte que fue diagnosticada en 1962 como fallecimiento por imprudencia o por propia voluntad. Esta segunda investigación fue cerrada rápida-

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Según el escritor Gore Vidal, existen muchos indicios de que Marilyn fuera asesinada.

mente con un análisis superficial y con la afirmación pretenciosa de que “no había indicios que sustentaran la conclusión de la existencia de indicios criminales”. Lo cierto es que durante esa noche hubo de todo. Llamadas desde la casa de Marilyn, conferencias precipitadas a Washington desde la casa del actor Peter Lawford, cuñado de los Kennedy y vecino de Marilyn, un helicóptero que aterrizó a la playa y una ambulancia que trasladó un cuerpo que nunca llegó al hospital. La presencia de Bob Kennedy en las inmediaciones y muchas otras cosas, incluido el sospechoso tema de que no había restos en el estómago de la actriz de las cubiertas entéricas de las pastillas que debió ingerir por docenas. Des-

Su estrecha relación con los hermanos Kennedy alarmó seriamente al FBI y a la CIA

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Memoria histórica cartada la posibilidad de una inyección letal solo queda la espantosa posibilidad del enema cargado de barbitúricos. De hecho, mucho tiempo después, Pater Lawford en una fiesta con copas encima, dijo que esa noche “Marilyn recibió su último enema”. Suicidio o asesinato En unas declaraciones realizadas por el escritor Gore Vidal, muy cercano entonces a la familia Kennedy, dijo: “por las investigaciones de Hirsch (Seymour Hirsch, del New York Times) la conclusión es que existen muchos indicios de que fuera asesinada. Los Kennedy le habían pagado mucho dinero con un pacto de que nunca hablaría sobre las cosas que le habían contado en la intimidad de su alcoba. Pero ella comenzó a beber mucho alcohol y a consumir drogas, de modo que rompió el pacto y empezó a hablar. Fue advertida de que si seguía por ese camino tendría desagradables noticias. En fin, el día que murió Robert estaba en California y el rumor insistente es que la mataron los Kennedy o mandaron a alguien que lo hiciera”. El entrevistador pregunta entonces: “¿habrían sido capaces de hacerlo?”. Y la respuesta de Gore Vidal: “Sí. No me cabe ninguna duda sobre ello”. A una conclusión parecida llegó una encuesta realizada en 1980 por la televisión italiana para el programa Videosera, el cual subrayó el hecho de la desaparición del presunto diario de Marilyn y la no menos también sospechosa muerte

En uno de sus retrasos en el rodaje de Con faldas y a lo loco dijo que se había distraído leyendo Los derechos del hombre, de Thomas Paine.

por paro cardiaco del actor David Jansen (el primer Fugitivo), que estaba escribiendo un libro, desaparecido, sobre la extraña muerte de Marilyn. En fin, accidente, suicido o asesinato, la desaparición de la actriz debió ser un alivio para muchas personas. El tiempo ha venido a sacar del anonimato obligado a la otra Marilyn que pudo y quiso ser algo más que “la rubia estúpida, toda tetas y culo”, como decía ella misma. Sobre esa Norma Jean, uno de sus íntimos amigos, el ya nombrado Danny Greenson dijo: “era verdad que no se preocupaba por la política, pero por instinto siempre estaba del lado del mas débil y, a mi modo de ver, del lado que debía estar. Marilyn era mucho más de lo que parecía a pri■ mera vista”.

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el telón

‘ Tí o Vania’

Vuelve la obra más conmovedora de Chejov Agotó localidades en su primer paso por la capital a comienzos de año. Ahora regresa, en esta ocasión a la sala Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes de Madrid, la versión de la inmortal obra de Antón Chejov, ‘Tío Vania’, de la compañía L’Om-Imprebís, bajo la dirección de Santiago Sánchez

agotó localidades cada día en el Teatro del Canal. Ahora, y hasta el próximo 27 de mayo, será la sala Fernando de Rojas quien acoja esta inmortal obra. Escrita a finales del siglo XIX, Tío Vania narra, enclavada en el escenario de una casa de campo rusa, la historia de cuatro hombres y cuatro mujeres en plena madurez, llenos de deseos y pasiones cruzadas, que toman conciencia de lo inestable de la vida y del destino. La pregunta que se impone es ¿afrontar la realidad o soñar con otras formas de vivir? Con humor, ternura y emoción plantean un dilema eterno: reaccionar o resignarse.. El maestro ruso presenta con cercanía y sutileza a ocho seres humanos que, rehenes en un juego lleno de trampas, podrí© DAVID RUANO

a vida, ya se sabe, no suele dar segundas oportunidades, pero en este caso ha hecho una excepción. Tío Vania, la bella pieza teatral del autor ruso Antón Chejov en la versión de la compañía L’Om-Imprebís, vuelve a Madrid después del éxito de taquilla del que gozó en su primera representación a comienzos de año, donde

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‘Tío Vania’ permanecerá en escena hasta el próximo 27 de mayo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

de L’Om-Imprebís (Galileo, de Bertold Brecht; Quijote, de Miguel de Cervantes; o Calígula, de Albèrt Camus— han tratado del idealismo y la utopía. De su necesidad y sus riesgos. Rosana Pastor —ganadora de un Premio Goya por Tierra y Libertad, con dirección de Ken Loach; y dos veces nominada por las películas Juana la Loca y La conjura de El Escorial— interpreta el papel de la enigmática y sensual Helena. Junto a ella, un reparto de primer nivel —formado por Sandro Cordero (Calígula), Vicente Cuesta (Quijote), Paca Ojea (Galileo), Carles Castillo y Carles Montoliu (Imprebís), Xus Romero (Don Juan, con John Strassberg) y Carmen Arévalo (La Celestina, de Robert Lepage— levanta esta pieza, ejemplo cumbre de la magia del gran teatro, que podría condensarse en una pregunta, objetiva y honesta: ¿qué hemos ■ hecho con nuestras vidas?

an ser hijos de cualquier tiempo y lugar. Porque poco importa el argumento, la época o el país. Inquietantemente familiar, es fácil para el espectador de hoy reconocer el juego y sus reglas: cuanto más nos empeñamos en la huida, más nos enredamos en la tela de araña de la que tratamos de escapar. Con luminosos cuadros de costumbres, hilvanados con un humor feroz, Chéjov construye una metáfora brillante, desasosegante en su proximidad, sobre la miseria que se esconde en nuestras rutinas y sobre la posibilidad de luchar por una vida mejor y conseguirla. La obra se presenta bajo la dirección de Santiago Sánchez y su personal versión, que nos conduce a través de un laberinto de espejos en el que vernos cómicamente reflejados. Subyugados por las circunstancias, pero también capaces —si de verdad lo deseamos, si de verdad estamos dispuestos a reaccionar— de vencerlas. De la mano de su director, los últimos espectáculos

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histórica

Capri en el cine

La más bella iconografía natural ¿Cuántas películas se habrán rodado en Capri? Yo he calculado más de noventa sin incluir los numerosos documentales. La primera se remonta al año 1903 y lleva por título ‘Tourist landing at Island of Capri, Italy’, dirigida por Alfred C. Abadie, uno de los operadores de la Thomas Edison

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César Antonio Molina*

a primera que tuvo un gran éxito fue The white sister dirigida por Henry King en el año 1923 e interpretada por Lillian Gish y Ronald Colman. Esta era ya un remake de otra, del año 1915, dirigida por Fred E. Wright. La tercera versión fue dirigida por Victor Fleming en 1933 e interpretada por Clark Gable y Helen Hayes. Es la que yo he visto. La trama basada en una novela de Francis Marion Crawford es una mezcla de peleas familiares, muertes aparentes, conversiones en monjas y azares incontrolables bajo la erupción del Vesubio. September affair (1950) la dirigió William Dieterle. Joan Fontaine y Joseph Cotten tenían los papeles estelares. Siempre me ha resultado una película muy emotiva y cercana, en cierta medida, a Viaggio in Italia de Roberto Rosellini (1954). David Law-

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Viaggio in Italia (1954), de Roberto Rossellini.

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rence (Cotten) es un ingeniero casado con un hijo, cuyo matrimonio está en crisis. Marina Stuart (Fontaine) es una pianista. Ambos coinciden en el aeropuerto de Nápoles donde pierden el avión que, poco después, sufrirá un gravísimo accidente. A ambos la noticia les coge camino de Capri donde habían decidido hacer una excursión. Allí acuerdan darse por muertos y emprender una nueva vida juntos en Florencia. Son felices pero los remordimientos acaban haciendo mella en David y dan término con este viaje sentimental. La canción September Song de Kurt Weill, cantada por Walter Huston, padre del director John Huston, con letra de Maxwell Anderson, fue compuesta para el teatro de music hall Knickerbocker Holiday en el 1938. Este asunto de las infidelidades consumadas –con buena o mala conciencia- se hicieron tópicas y recurrentes en el cine. Nunca entendí por qué Alex (George Sanders) le hacía la vida imposible a Katherine (Ingrid Bergman en Viaggio in Italia, de Rosellini). Mujer más sensible, inteligente y bella imposible. Después de diferentes discusiones (la utilización de los escenarios naturales de Nápoles, Cumas y Pompeya es extraordinaria) Alex decide irse con unos amigos a Capri donde intentará infructuosamente recaer en otras manos femeninas que lo rechazan. El filme acaba en reconciliación en medio de una masiva procesión donde Katherine sufre un ataque de pánico. Es una de mis películas favoritas, con escenas magistrales, donde la escenografía (de Brancati-Rosellini) le disputa el protagonismo a los dos grandes actores. It started in Naples (1960) de Melvin Shavelson, enfrentaba al veterano Clark Gable (Michael Hamilton, un abogado americano) con la jovencísima napolitana Sophia Loren (Lucia Curcio). Vittorio de Sica interpretaba a un abogado local (de Capri) muy sensible a las lisonjas del dinero y la belleza femeni-

Ingrid Berman en ‘Viaje a Italia’, mujer más bella, sensible e inteligente era imposible

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Memoria histórica na. Michael, tras la muerte de su hermano que vivía en Capri y dejó un hijo huérfano (la madre también muere en el accidente) acogido por su tía Lucía, se traslada a la isla para hacerse cargo del menor. La belleza del viejo mundo se impone a la del escrupuloso norteamericano. Comedia divertida también con el papel estelar de la isla. Italia, primer destino Axel Munthe – Der Arzt von San Michele, o como se tituló en España La historia de San Michele, una coproducción alemano-francesa-italiana dirigida por Giorgio Capitani y Rudolf Jugert, fue la primera película que yo vi sobre Capri. Me quedé fascinado con la historia de Munthe y leí inmediatamente su libro del mismo título. En el año 1962 estaba a punto de cumplir diez años y aquellas imágenes influyeron definitivamente en mi vida. Desde entonces supe que mi primer viaje sería a Italia y, especialmente, a Nápoles y Capri. Se llevó a cabo apenas siete años después. Y todo cuanto vi, incluso la casa de Munthe en Anacapri, no me decepcionó sino que alimentó mi pasión aún más por estos territorios. Estaba interpretada por un actor alemán muy famoso en aquellos años O.W. Fischer —intérprete también de Luis II de Baviera— y lo acompañaban actrices italianas como Valentina Cortese y Rosanna Schiaffino. El joven médico sueco Axel Munthe (1859-1949) viaja por Europa y participa intensamente en Nápoles cuando se declara el cólera en el año 1880. Será entonces cuando conozca Capri y se enamore de la isla, donde llevó a cabo excavaciones arqueológicas y construyó

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en Anacapri una gran mansión repleta de piezas antiguas. En el filme, Valentina Cortese vistió los trajes de Eleonora Duse. Le mépris, El desprecio de Jean-Luc Godard (1963) reunió a Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Jack Palance y al propio Godard y Fritz Lang. Un productor (Palance) corteja a Camille (Bardot), la joven esposa del escritor Paul Javal (Piccoli) quién está encar-

‘Boom!’, de Joseph Losey, es la más poética de las que tienen a Capri como protagonista

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Memoria histórica vey, Dirk Bogarde y José Luis de Villalonga que había también intervenido en Desayuno en Tiffany. Tras la ruptura de su matrimonio, Diana Scott (Christie), modelo londinense, decide llevar una vida de rica y famosa. Va de aventura amorosa en aventura hasta que conoce a un periodista de la televisión Robert Gold (Bogarde) que la introduce en la alta sociedad. Abandona a su familia y se va a vivir con él,

gado de revisar un guión de cine basado en La Odisea dirigido por el propio Lang. La tolerancia e indulgencia del esposo provocan el desprecio de ella que retorna a Roma con el productor y ambos son víctimas mortales de un accidente de coche. El filme estaba basado en la novela de Moravia. Capri es la escenografía perfecta para los deseos incontrolables. Una historia semejante solo que, esta vez, con retorno al marido, es Darling (1965) dirigida por John Schlesinger e interpretada por una Julie Christie deslumbrante —como actriz, le valió un Oscar, y como mujer—, Laurence Har-

pero tampoco logra reprimir su larga carrera de extravagancias que la llevan a Capri acompañada por un fotógrafo gay. Allí conoce a un noble italiano que le pide matrimonio. Tampoco encontrará la paz con él y cuando decide abandonar Italia y regresar a Londres para volver con Robert, éste la convence para que regrese con su marido. Un camino iniciático alocado que finaliza en los orígenes. De entre todas las películas en que Capri interviene como protagonista, Boom! de Joseph Losey es la más poética y enigmática. Por supuesto que es otra de mis favoritas. Un duelo interpretativo entre Elizabeth Taylor y Richard Burton con la presencia de Nöel Coward. El filme rodado en 1968 estaba basado en una obra teatral de Tennessee Williams, The Milk Train Doesn´t Stop Here Anymore. Flora Goforth (Taylor) viuda de cinco maridos, de los cuales ha heredado una gran fortuna, vive en una isla del Mediterráneo rodeada de perros y sirvientes. Mientras dicta sus memorias a Blackie, su secretaria, llega a la isla Chris Flan-

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ders (Burton), un poeta de pasado tormentoso conocido con el sobrenombre de el Ángel de la muerte. Su verdadero oficio —en realidad como el de la propia poesía— es el ayudar a las personas a realizar su tránsito entre el más acá y el más allá. Ambos emprenden una gran disputa de la que Flanders saldrá vencedor por la extraña fascinación que crea en ella. Flora asume su fin y le pide que se quede para ayudarla. Aunque ambientada y rodada la historia en Capri, muchas de sus escenas también fueron rodadas en Cerdeña, en la villa del productor del filme Dino de Laurentis. Uno de los filmes más poéticos que he visto jamás, repleto de referencias literarias y la poesía de Coleridge de fondo.

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La Gruta azul está presente en el Ludwig de Luchino Visconti (1973). La gruta artificial que construyó el rey de Baviera para oír a Wagner. Helmut Berger, Silvana Mangano, Romy Schneider —la emperatriz Isabel asidua visitante de Capri, aunque ella construyó su Aquileion en Corfú—, y Trevor Howard dieron vida a los tristes monarcas y primos, así como al músico y su amante Cosima. Las últimas películas que yo he visto en las que Capri aparecía son Calígula de Tinto Brass (1980) con Malcolm Mc Dowell, Peter O´Toole y John Gielgud; La piel de Liliana Cavani (1981) con Marcelo Mastroianni, Claudia Cardinale y Burt Lancaster, basada en la novela de Curzio Malaparte; Il petomane (1983) de Pasquale Festa Campanile, interpretada por Ugo Tognazzi; Capriccio de Tinto Brass (1987) basada en la Carta de Capri de Mario Soldati y Vacaciones de Navidad en Nueva York, dirigida por Neri Parenti (2006). A pesar de la dura competencia que le ha salido a Capri con lugares más lejanos y exóticos, la isla ha sabido defender su primacía e integrarse también en el siglo XXI. Pocos lugares pueden presumir de tanta paz, tanta histo■ ria, tanta belleza, literatura y cine.

Pocos lugares pueden presumir de tanta literatura, belleza y cine como Capri

* Ex-ministro de Cultura y actual director de Casa del Lector.

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Actualidad

Un año de cine español

La selección del Festival de Málaga Según el director del Festival de Málaga, Carmelo Romero, su certamen es una especie de repaso a lo mejor que hicieron los realizadores, guionistas y productores españoles en los últimos doce meses: de abril a abril. En su caso, los que seleccionaron las películas para dicho festival tuvieron que escoger entre 99 largometrajes de ficción Ricardo Sastre

ara el próximo año las cosas estarán un poco peor, porque en los meses que llevamos del 2012 apenas se han comenzado 25 películas y la mayoría son cortos o documentales. De esas 99 películas, 13 fueron elegidas para la Sección Oficial a concurso, otras seis, también a competición, para la Sección ZonaZine y dos más para la Sección de cine malagueño. Todas ellas, en opinión de Carmelo Romero son películas “muy interesantes” y se felicitaba por la buena cosecha de filmes españoles de esta añada. En la Sección Oficial a Concurso hubo de todo. Un todo que los espectadores pudieron ver por primera vez y del que saldrá la correspondiente separación del trigo de la paja que, los jurados primero y el público después, realizaron implaca-

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blemente. Hay películas dirigidas por veteranos como Imanol Uribe que presentó Miel de naranjas, de la que dice que “el guión le cautivó” desde que lo leyó, siendo jurado de un concurso de libretos de cine. Define su película como “el viaje iniciático” de un luchador clandestino antifranquista. Subraya el hecho de que han sido muchas las películas sobre militantes antifranquistas pero casi siempre han tenido, como telón de fondo, el medio rural. Miel de naranjas, en su opinión, rompe con esta tendencia para situarse en el medio urbano. Otra directora ya consagrada y respetada, Patricia Ferreira, presentó Los niños salvajes (Els Nens salvatges), cuyo título, dice, es equívoco porque no corresponde a lo que sus personajes son, sino más bien a lo que los adultos dirían de ellos. La película, rodada en Barcelona y Sevilla —“con un calor agobiante durante el rodaje, en julio y agosto” dice Ferreira—, tiene una trama que se apoya en las vivencias de un

Paco León se estrena en la dirección con una película donde participa toda su familia

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grupo de adolescentes, muchachos condenados a vivir en un mundo de adultos y que deben salir adelante. Unos lo consiguen, otros sobreviven y otros fracasan, aunque, en opinión de la realizadora “de su fracaso también son culpables los adultos”. ‘La suerte en tus manos’ El director argentino Daniel Burman ganó varios premios con su película Los abrazos rotos. Ahora, compite en Málaga con La suerte en tus manos, una comedia a su estilo: “le gusta bromear con su medio judío” decía la representante del grupo Tornasol que es la productora española que ha respaldado la película. Sus dos actores son el cantante Jorge Drexler —ganador de un Oscar— y la actriz argentina Valeria Bertuccelli. Memoria de mis putas tristes, según el relato de Gabriel García Márquez, está dirigida por Henning Carlsen y con un guión adaptado por el histórico Jean-Claude Carriére. Geraldine Chaplin hace una “Madame” excepcional y sus productores ruegan porque en esta ocasión hayan conseguido hacer una obra grande de una novela grande. Cosa que hasta ahora no ha sucedido con las películas basadas en obras del Nobel colombiano. La inauguración del Festival corrió a cargo de una película en competición: Los Pelayos. Trata de una familia que existe realmente y que descubrió una forma legal de ganar en los casinos. A puerta fría es la historia de un vendedor en horas bajas, asistente de un mercado internacional que intenta

La actriz argentina Valeria Bertucelli y el cantante Jorge Drexler protagonizan ‘La suerte en tus manos’.

vender un suculento paquete a una gran hombre de negocios extranjero, que interpreta Nick Nolte. El actor Paco León se estrena tras las cámaras con una película que se llama Carmina o revienta, a la que califica de “insólita” y en la que trabaja toda su familia: madre, hermanas y primos. Hay una película de animación para adultos, O Apóstolo de Fernando Carrizo que tardó nada menos que tres años en hacerla —“es un producto artesanal”, dice su director— y a la que han prestado sus voces algunos de los mejores actores gallegos como Luis Tosar y Celso Bugallo. Dos de las películas a concurso transcurren en sendos lugares africanos. Wilaya de Pedro Pérez Rosado, producida por Wanda y cuyo presidente, José María Morales califica

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Actualidad de ficción sobre dos hermanas saharauis, una de ellas residente en España. La otra película de temática africana es Karimambo, titulo que transcribe la palabra “gracias” en el idioma del lugar de Mozambique en el que tiene lugar la acción. Esta es triple y dirigida por tres realizadores, Abdelatif Hwidar, Adán Aliaga y Carla Subirana. El productor Lluis Miñarro, puntualizaba que es una mezcla de estilo documental y de ficción. Tres historias que transcurren independientes pero que se interfieren en algún momento. Más Sección Oficial Completaron la Sección Oficial El sexo de los ángeles de Xavier Villaverde, una investigación sobre las relaciones, el amor y el sexo; Ali de Francisco Baños hecha por una productora sevillana y que tiene por protagonista a una mujer que tiene “miedo a conducir y miedo a enamorarse”. Y, por último Buscando a Eimish de Ana Rodríguez, en la que su protagonista, el notable actor Oscar Jaenada, en busca de su novia, se descubrirá a sí mismo. En sección de clausura estuvo la película hispano francesa Adiós a la reina de Benoit Jacquot. En el apartado ZonaZine, calificada como “la sección del Festival dedicada al cine más independiente y de género, del panorama nacional”, se presentaron seis películas a competición que se pasaron en el Cine Albéniz de Málaga. Son 12+1. Una comedia metafísica de Chiqui Carabante. Seis puntos sobre Emma de Roberto Pérez Tole-

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La inauguración del Festival corrió a cargo de una película en competición: ‘Los Pelayos’.

do. Esperando a Septiembre de Tina Olivares, que dice de su película que “hemos intentado crear cine haciendo de la carencia una virtud”. Cecilia y Juan de Alberto Córdoba. El mundo es nuestro de Alfonso Sánchez. Y La senda de Miguel Angel Toledo. Hace ocho años, en el 2004, el Festival de Málaga decidió dar un lugar especial al cine de América Latina en su Sección Territorio Latinoamericano. Los responsables del Festival dicen que se trata de “una exigente y pequeña selección de las última producciones latinoamericanas, en la que se incluyen algunos estrenos mundiales”. Un total de ocho largometrajes a concurso componían esta programación. Hubo tres películas argentinas, una de México y otras de Chile, Perú, Uruguay y Colombia. Nada menos que dieciocho largometrajes documentales compiten en una Sección especial. “La cuidada selección, decían en el press book del festival, ha dado pie a una variedad temática y estilística, rica en miradas, que aborda tanto cuestiones sociales, artísticas, políticas etc. como historias íntimas”. En el capítulo de homenajes hubo reconocimientos a películas que ya son un clásico, como La tía Tula de Miguel Picazo, inolvidable versión cinematográfica de la obra de Unamuno, que fue la Película de Oro. El Premio Málaga “Sur” fue para la actriz castellana Elena Anaya, de la que se pasaron las películas África de Alfonso Ungría, La piel que habito de Pedro Almodóvar, Familia de Fernando León Aranoa, Lucía y el sexo de Julio Medem y Una habitación en Roma , también de Julio Medem.

El Premio Málaga Sur fue para la actriz Elena Anaya. De ella se pasaron varias películas

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Actualidad El Premio Retrospectiva, Málaga Hoy, fue para el veterano Jaime Chávarri del que se pasaron El desencanto, Las cosas del querer, Besos para todos, El año del diluvio, Sus ojos se cerraron y el mundo sigue andando y Camarón. El Eloy de La Iglesia, en memoria de ese gran realizador fallecido, fue para Cesc Gay. Y el Ricardo Franco, para Roque Baños. Pero el Festival ofreció muchas más cosas. Como la Masterclass, durante la cual, un profesional del cine, veterano, cuenta sus experiencias a jóvenes estudiantes. Este año lo hizo Fernando Colomo y, con él, dos profesionales de la anima-

ción, Matías Marcos y Raúl García. La empresa BRB, de la que salieron algunas de las series de animación más famosas de televisión, protagonizó una exposición con el título de “40 años de BRB”. Hubo conciertos y presentaciones y una interesante experiencia titulada “Afirmando los derechos de la mujer”, la cual tiene como objeto: “promover el cine como medio para transmitir los problemas femeninos actuales”. Se proyectaron Los ojos de Brahim de Macarena Astorga, Las constituyentes de Oliva Acosta; y Virgen Negra de Raúl de la Fuente. Además, claro, se llevaron a cabo varias mesas redondas. En fin, el Festival de Málaga, que, como en todos los casos de actividades culturales también ha sifrido un recorte de un 11'5 por ciento de su presupuesto del año último ha sacado fuerzas de flaqueza y llevó adelante, con el mejor talento y ánimo, la gran fiesta del cine español. Su director, Carmelo Romero, que arremetía contra el excesivo número de festivales y el dinero gastado inútilmente, en su opinión, en ellos, reinvidicaba la clara finalidad del festival malagueño y concluía. “este festival es como una foto fija de todo lo que se ha hecho en España, en cine, duran■ te el último año”.

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Actualidad

Los mejores de los mejores. Palmarés Oficial. SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES El Jurado de la Sección Oficial de Largometrajes del 15 Festival de Málaga. Cine Español, integrado por Gonzalo Suárez (presidente), Raúl Arévalo, Enrique Brinkmann, Inma Cuesta, Isona Passola, Goya Toledo e Iván Trujillo, emitió el siguiente fallo: Biznaga de Oro a la Mejor Película: • Els nens salvatges, de Patricia Ferreira. Biznaga de Plata Premio Especial del Jurado: • Carmina o revienta, de Paco León. Mención especial: • Kanimambo, de Abdelatif Hwidar, Carla Subirana y Adán Aliaga. Biznaga de Plata a la Mejor Dirección: • Imanol Uribe, por Miel de naranjas. Biznaga de Plata a la Mejor Actriz: • Carmina Barrios, por Carmina o revienta. Biznaga de Plata al Mejor Actor: • Antonio Dechent, por A puerta fría. Biznaga de Plata a la Mejor Actriz de Reparto: • Aina Clotet, por Els nens salvatges. Mención Especial: • Ángela Molina, por Memoria de mis putas tristes. Biznaga de Plata al Mejor Actor de Reparto: • Ex aquo a Álex Monner, por Els nens salvatges. • Álvaro Cervantes, por El sexo de los ángeles. Biznaga de Plata al Mejor Guión: • Patricia Ferreira y Virginia Yagüe, por Els nens salvatges. Biznaga de Plata a la Mejor Banda Sonora Original: • Aziza Brahim, por Wilaya. Biznaga de Plata Mejor Fotografía ‘Premio Deluxe’: • Sergi Gallardo, por El sexo de los ángeles. Biznaga de Plata ‘Premio Alma’ Mejor Guionista Novel: • Remedios Crespo, por Miel de naranjas. Biznaga de Plata al Mejor Montaje: • Koldo Idigoras, por The Pelayos. Biznaga de Plata Premio del Público ‘Gas Natural Fenosa’: Otorgado por votación del público asistente a la Sección Oficial de Largometrajes, supervisada por el notario D. Manuel Tejuca García. • Carmina o revienta, de Paco León. Biznaga de Plata Premio de la Crítica Fnac: Otorgado por el Jurado de la Crítica de la Sección Oficial de Largometrajes, integrado por Manuel

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Bellido, José Luis Picón y Óskar Belategui. • A puerta fría, de Xavi Puebla. Premio Especial del Jurado Joven a la Mejor Película: Otorgado por el Jurado integrado por los alumnos de la Universidad de Málaga (UMA) Mélanie Martínez, Lucía Molina Quero, Curro Moreno, Carolina Rojas e Ignacio Rodríguez. • Memoria de mis putas tristes, de Henning Carlsen. SECCIÓN OFICIAL DE DOCUMENTALES El Jurado de la Sección Oficial de Documentales del 15 Festival de Málaga. Cine Español, integrado por Manuel Jiménez Núñez, Andrés Duque y Tania Balló, emitió el siguiente fallo: Biznaga de Plata al Mejor Documental: • Yatasto, de Hermes Paralluelo. Biznaga de Plata Segundo Premio Mejor Documental: • Otra noche en la tierra, de David Muñoz López. Biznaga de Plata Premio Especial del Jurado: • El foso, de Ricardo Íscar. Mención Especial: • Sibila, de Teresa Arredondo. Biznaga de Plata Premio del Público: Otorgado por votación del público asistente a la Sección Oficial de Documentales, supervisada por el notario D. Manuel Tejuca García. • Uma longa viagem (Un largo viaje), de Lucía Murat. PREMIOS NO OFICIALES Premio ‘Signis’: Otorgado por el Jurado de la Organización Católica para los Medios de Comunicación compuesto por Jesús de la Llave Cuevas, Juan José Loza Gómez y Luis Coleto Pérez. • Buscando a Eimish, de Ana Rodríguez Rosell. Mención especial • A puerta fría, de Xavi Puebla. Premio Asecan ‘Ópera Prima’: Otorgado por el Jurado de la Asociación de Escritoras y Escritores Cinematográficos de Andalucía (ASECAN) compuesto por Francisco Griñán, Fernando F. Ariza y Pablo López. ■ • Ali, de Paco R. Baños.

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Actualidad

‘ La venta del paraí so’

Retrato de la dignidad en clave de realismo mágico Tras ‘Morente’, nominada como mejor documental en los últimos Premios Goya, el director Emilio Ruiz Barrachina vuelve con ‘La venta del paraíso’. Una película protagonizada por la actriz mexicana Ana Claudia Talancón y narrada con toques de un surrealismo genial, homenaje a grandes del cine como Buñuel o Berlanga

a venta del paraíso es, sobre todo, un cuento de hadas que no lo parece. Cruel como los cuentos y como la vida”. Así define la película Gonzalo Suárez, uno de sus guionista junto con Andrés Acevedo y el propio director, Emilio Ruiz Barrachina, autor de la novela homónima en la que se basa el film. Novela podríamos afirmar que ‘visionaria’ en el año 2006 de su publicación, pero de plena actualidad a día de hoy. Y es que la historia narra, en la voz de una inmigrante mexicana que viaja a España para trabajar, la realidad de muchos inmigrantes que viajaron a nuestro país con la esperanza de encontrar un paraíso que terminó no siendo tal. Y que, frustrados por la escasez de oportunidades y abundancia de decepciones y reveses que encuentran aquí, prefieren regresar a sus lugares de procedencia manteniendo, al menos, un pedacito de la dignidad originaria. El elenco de actores que da vida a esta comedia trá-

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‘La venta del paraíso’, que presentó su trailer teaser en el Festival de Málaga, se estrenará después del verano.

gica lo encabeza, con singular maestría, la mexicana Ana Claudia Talancón, quien se diera a conocer en 2002 con El crimen del padre Amaro y a la que ya muchos señalan como la sucesora de Salma Hayek. Con ella comparte papel protagonista el actor de origen inglés William Miller —Águila Roja. La película (2011)—, completando el reparto una nómina de actores bien conocidos por el público español y de gran calidad interpretativa como son Carlos Iglesias —actor y realizador de Un franco, 14 pesetas (2006)—, Juanjo Puigcorbé —Vassile en la última película de Álex de la Iglesia, La chispa de la vida (2011)— y María Garralón —la entrañable Julia en la mítica serie Verano Azul—, entre otros. Una película que guarda más de una sorpresa, como la actuación de Juanjo Puigcorbé, quien interpreta un papel femenino, o el salto al cine de la cantante Soleá Morente, y que, en palabras de su director, Emilio Ruiz Barrachina, constituye “una apuesta fresca, diferente y atrevida que, escrita en tono de comedia, deja a la vez un regusto trágico y ■ reconciliador”.

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EL PRIMER EVENTO GLOBAL SOBRE s3D Y MUNDOS VIRTUALES

2ª EDICIÓN 22 AL 27 DE MAYO DE 2012

www.expo-3d.es

CIUDAD DE LA IMAGEN · MADRID

Conferencias Exposiciones Proyecciones Talleres Campus

3D · SIMULACIÓN · REALIDAD VIRTUAL

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■ ■ Acción

Desperado / El mariachi ‘Desperado’. El director Robert Rodriguez realiza su secuela de su legendario primer film, El Mariachi, acerca de un misterioso guitarrista, que vuelve para vengar la muerte de su amante y la mutilación de su mano. Pero cometerá un error, implicarse en el mundo de Carolina, la dueña del café-librería de un pueblucho tomado por una banda de traficantes de drogas. Al conocer al mariachi, comprende que éste va a marcar su destino.

‘El mariachi. El sólo quería ser un mariachi, como lo fueron su padre, su abuelo y su bisabuelo. Pero cuando llega a la ciudad donde cree que va a triunfar, no sospecha que un error en su identidad podrá desbaratar todas sus aspiraciones. Ahora el Mariachi, obligado a cambiar su guitarra por un arma, luchará por su vida en una exitosa ópera prima de Robert ■ Rodriguez. Dir: Robert Rodríguez Sony Pictures 10 €

Thriller

No habrá paz para los malvados Madrid, principios del siglo XXI. Un día, el inspector de policía Santos Trinidad, volviendo a casa muy borracho, se ve involucrado en un triple asesinato. Pero hay un testigo que consigue escapar y que podría incriminarlo. Santos emprende una investigación destinada a localizar y a eliminar al testigo. Ganadora de ■ 6 Premios Goya 2012. Dir: Enrique Urbizu Warner 9,95

■ Animación

Las aventuras de Tintín. El secreto del unicornio

Dir: Steven Spielberg Sony Pictures 14,88

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El joven reportero Tintín y su perro fiel, Milú, los personajes emblemáticos creados por Hergé, cobran vida en este éxito de taquilla mundial, Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio.

Después de descubrir una maqueta que esconde un secreto explosivo, Tintín y sus amigos acaban en la mira de un villano diabólico. Desde alta mar hasta las arenas del desierto del nor■ te de África.

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Libros

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de cine Un recorrido por las calles, restaurantes, parques y tiendas en las que los Corleone, los Soprano y demás familias se reúnen para negociar, comer o zanjar sus disputas. A través de las principales localizaciones de Nueva York y sus alrededores podremos adentrarnos en un mundo de lugares míticos, restaurantes, edificios... que aparecen en películas y series míticas como El Padrino, Uno de los nuestros, French Con■ nection, Los Soprano...

El Nueva York de El Padrino y otras familias de la mafia ■

■ Ava Gardner. Una diosa con pies de barro

Adell, María / Llavador, Pau Editorial: Lunwerg 19,95 €

El ascenso de Ava Gardner desde un pueblecito de Carolina del Norte al superestrellato de Hollywood comenzó cuando un cazatalentos de Metro Goldwin Mayer vio su retrato en el escaparate de un estudio fotográfico. Puede que a primera vista pueda parecer la típica historia de Cenicienta, pero Lee Server nos presenta una versión sin censurar de Ava Gardner: su alcoholismo, su feroz individualismo y su apetito sexual —nos narra sus matrimonios con Mickey Rooney, Artie Shaw y Frank Sinatra, e incontables romances—. Esta es también la historia del sistema de estudios, y de cómo Ava Gardner fue una sus víctimas más notables, desaprovechada durante toda su carrera, obligada a hacer malas películas y a ver cómo las buenas eran destrozadas en la sala de montaje. Server evalúa los éxitos y los fracasos, deteniéndose en aquellos momentos eléctricos en que la cámara capturaba los “movimientos felinos de su exquisito cuerpo”. Server, Lee Editorial: T&B Editores 26 €

La mirada americana. Cincuenta años de FilmComment ■

VV.AA. / Yáñez Murillo Editorial: T&B Editores/Festival Internacional Las Palmas 24

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Asentada como un fenómeno global, la crítica de cine se presenta, hoy más que nunca, como una forma de diálogo intercultural. En este contexto, la crítica norteamericana, con su

dinamismo y espíritu ecléctico, ofrece un buen ejemplo de la curiosidad revoltosa y febril que requieren los nuevos tiempos y, con él, indiscutiblemente, también ■ el nuevo cine.

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■ Elisabeth Taylor.

La biografía de la mujer más hermosa del mundo

Heymann, C. David Editorial: Libros Cúpula 21

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Elisabeth Taylor fue la protagonista de una vida mucho más dramática que la de cualquiera de los personajes que interpretó en la gran pantalla. La diva de ojos violeta fue un icono y una de las celebridades más admiradas de nuestro

tiempo. Estrella infantil, hija de una madre controladora, ganadora de varios Oscar, seductora como pocas, madre de cuatro hijos y abuela de 10 nietos... Liz Taylor interpretó, durante casi ocho décadas, su mejor papel: el de sí misma. ■

Los juegos del hambre

En una oscura versión del futuro próximo, doce chicos y doce chicas se ven obligados a participar en un ‘reality show’ llamado Los juegos del hambre. Solo hay una única regla: matar o morir. Cuando Katniss Everdeen, una joven de dieciséis años, se presenta voluntaria para

ocupar el lugar de su hermana en los juegos, lo entiende como una condena a muerte. Sin embargo, Katniss ya ha visto la muerte de cerca; y la supervivencia forma parte de su naturaleza. ¡Que empiecen los septuagésimo cuartos Juegos del Hambre! ■

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Pedro Almodóvar Editorial: Anagrama 16,90

Collins, Suzanne Editorial Molino 18

La piel que habito

Desde que su mujer sufriera quemaduras en todo el cuerpo en un accidente de coche, el cirujano plástico Robert Ledgard se interesa obsesivamente por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su pro-

pio laboratorio, una piel sensible a las caricias, pero una auténtica coraza contra todas las agresiones, tanto externas como internas, de las que es víctima nuestro mayor órgano. Para lograrlo ha utilizado las posibilidades que proporciona la terapia celular. ■

Esta información ha sido facilitada por OCHO YMEDIO LIBROS DE CINE c/ Martín de los Heros, 11, 28008 Madrid / Tel.: (34) 91 559 06 28 | Fax: (34) 91 540 06 72

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Nuevas

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tecnologías

Segunda edición de Expo-3D

Evento global sobre 3D y mundos globales La segunda edición de EXPO-3D, ‘Evento global sobre 3D y Mundos Virtuales’, que tendrá lugar en Kinépolis y la ECAM, en la Ciudad de la Imagen de Madrid, entre los próximos 22 y 27 de mayo, va a establecer un canal de comunicación directo con los principales especialistas en la producción y posproducción de películas y retransmisiones directas de TV estereoscópica

n diversas conferencias y proyecciones se mostrarán los últimos avances en las técnicas de conversión 2D a 3D de películas como Titanic o Starwars y, como gran novedad, se ofrecerá un avance sobre cómo se va a realizar la cobertura televisiva de los primeros Juegos Olímpicos de la historia que serán emitidos en TV-3D dos meses antes de la celebración de Londres 2012. EXPO-3D 2012 albergará además un área monográfica dedicada a la exposición de deportes en 3D que proporcionará al público la experiencia de presenciar diferentes deportes de forma inmersiva y contará con una muestra de las últimas producciones realizadas en 3D. Otra novedosa sección que se incorpora este año a EXPO 3D es la denominada ‘Campus Nuevas Tecnologías Audivisuales’, un espacio donde Universidades, centros de I+D y empresas de spin-off podrán intercambiar experiencias y

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conocimientos y expondrán al público sus proyectos y desarrollos más innovadores. El programa de actividades se completa con visitas a instalaciones avanzadas que permitirán conocer in situ las nuevas tecnologías audiovisuales aplicadas en diferentes sectores —formación, industria, entretenimiento, etc.— y diversos talleres de fotografía, vídeo, cine, animación y videojuegos en 3D que facilitarán el conocimiento práctico del trabajo con herramientas 3D en sus diferentes fases según los diferentes soportes y géneros. “La buena acogida de la primera edición de EXPO-3D y la positiva evolución de estos nuevos medios nos han estimulado para el lanzamiento de una nueva propuesta de encuentro, exposición y muestra de contenidos en 3D,” afirma Fernando Campos, promotor de EXPO-3D 2012. “La oferta de contenidos que hemos diseñado para esta edición de EXPO-3D nos convierten en un evento verdaderamente global sobre las últimas tecnologías audiovisuales, de interés estratégico.” Asimismo, la celebración de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 y la Eurocopa de Fútbol de Ucrania y Polonia, así como la proyección de películas en 3D como Starwars, Men in Black 3, Titanic 3D, Flying Moster, Hugo y Las Aventuras de Tintín entre otras, van a permitir a EXPO-3D 2012 convertirse en un observatorio privilegiado para estar en contacto directo con creadores y técnicos vinculados con estas producciones y visionar diversos ■ contenidos 3D acabados o en proceso de finalización. Para más información a la prensa: Fajardo Comunicación 915103087 Inma López: il@fajardocomunicacion.com Luis Fajardo: lf@fajardocomunicacion.com

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para ver

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y olvidar

■ Cine polí tico

Las nieves del Kilimandjaro Conciencia de clase, pobreza, conflicto generacional y el sol de Marsella en esta película comprometida y cercana de Robert Guédiguian, presentada en Cannes y finalista del Premio Lux 2011. Robert Guédiguian, quien presentó Les neiges du Kilimandjaro en la selección de Un Certain Regard del 64 Festival de Cannes, vuelve a sus orígenes, a su barrio popular

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La película está inspirada en el poema de Víctor Hugo ‘Les pauvres gens’.

del Estaque, a su luminosa Marsella, a la amistad y al compromiso sociopolítico. La película, inspirada en un poema de Victor Hugo, Les pauvres gens, difunde una alegre nostalgia alimentada por emociones simples y un idealismo reconsiderado en la dificultad de la confrontación generacional. Robert Guédiguian, al agitar un espejo —al reflejo más complejo de lo que parece— sobre la pérdida hoy en día del espíritu de solidaridad y de conciencia de clase, continúa resistiendo como un indio cercado por un mundo nuevo donde los pobres luchan entre ellos. Las primeras imágenes de Les neiges du Kilimandjaro muestran una lotería muy particular. En una empresa del puerto, los sindicalistas sortean 20 nombres, 20 personas que perderán su trabajo, incluido Michel (Jean-Pierre Darroussin), un pilar de la

CGT que habría podido salvarse fácilmente, como lo subraya su cuñado, amigo y colega Raoul (Gérard Meylan). Pero Michel el soldador, que cita con facilidad a Jean Jaurès, tiene sus principios: “algunos días es duro vivir con un héroe” declara con dulzura su mujer Marie-Claire (Ariane Ascaride) al enterarse de la noticia. Michel, desempleado a los 50 años, no tiene razones para quejarse. Es propietario, va a recibir prestaciones por desempleo suficientes, se divierte en la playa con sus nietos en el seno de una familia omnipresente, y está muy enamorado de Marie-Claire que trabaja como empleada domestica. Una felicidad concretada por una fiesta y un regalo colectivo para la pareja: un viaje de una semana en el Kilimanjaro. Pero una noche, esta felicidad estallará en pedazos: dos delincuentes armados, enmasca-

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rados y violentos se introducen por la fuerza en casa de Michel y Marie-Claire que estaban jugando a las cartas con Raoul y su mujer Denise (Maryline Canto). El dinero y los billetes del viaje desaparecen. Este acontecimiento traumatizante será revelador. Michel descubre que uno de los dos jóvenes ladrones (Gregorio Leprince-Ringuet) formaba parte de los 20 despedidos al principio de la historia. Lo entrega a la policía antes de darse cuenta, poco a poco, que sus agresores actuaron por necesidad y que sus ideales de juventud han sido olvidados, por él mismo, por sus allegados y por la juventud actual. Remando a contracorriente, hará todo lo posible junto a Marie-Claire para recobrar la estima de sí mismo y reavivar la llama de la solidaridad. El encanto mediterráneo, representado maravillosamente por amplios planos abiertos sobre el puerto surcado por grandes buques y la calidad del reparto (que incluye también a Anaïs Demoustier, Adrien Jolivet et Karole Rocher) constituyen los mejores atributos de Les Neiges du Kilimandjaro. La humanidad del director hace el resto, y no importa si el guión toma algunos atajos o si algunos pasajes son forzadamente emotivos. Un estilo en armonía con el temperamento marsellés y el espirito combativo de Guédiguian, resumido en una banderola que aparece en la película: “La lucha tiene mucha clase”. Fabien Lemercier Les neiges du Kilimandjaro Dir: Robert Guediguian Agat Films &Cie/Ex Nihilo/France 3 Cinéma

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■ Comedia

El mundo es nuestro

Gamberra, frenética, insultantemente viva. Presentada en la seccion Zona Zine del último Festival de Málaga, El mundo es nuestro es el resultado de la desbordante pasión, a veces incluso excesiva, de sus jóvenes creadores, con el director y guionista Alfonso Sánchez a la cabeza. ‘Er Cabesa’ y ‘er Culebra’, dos ladronzuelos de poca monta de un barrio marginal de Sevilla, deciden llevar al mundo un poco de justicia social. Eso sí, a la manera de su héroe, ‘el Dioni’: atracar un banco y huir con el dinero a Brasil. Pero todo se tuerce cuando caen ellos mismos rehenes de un desesperado empresario cargado de bombas que amenaza con explotar la sucursal. Los rehenes son un microcosmos de la Sevilla en tiempos de crisis: el parado que hace chapuzas con su cuñado, el empresario sin escrúpulos, la pareja presionada por la necesidad de sacarse una hipoteca, la cajera alienada por su trabajo mal pa-

‘El mundo es nuestro’ tiene desparpajo a raudales, y diálogos divertidos y brillantes.

gado y la limpiadora con hijo madurito a su cargo. Cuando la opinión pública conoce la situación, se desencadena un circo mediático y social imprevisible. El mundo es nuestro, realizado con apenas medio millón de euros, parte de los cuales conseguidos a través de crowdfunding, tiene desparpajo a raudales, diálogos divertidos y brillantes —aunque quizás difíciles de comprender fuera de Andalucía— y personajes carismáticos. La fuerza que emana es tal que pone en segundo plano sus defectos —la trama protagonizada por la policía es mucho más débil que la del banco, el guión tiene algunos altibajos— y la escasez de medios. Pero es que hay películas, y El mundo es nuestro es una de ellas, cuyo encanto reside en su ■ impetuosa imperfección. Sergio Ríos Pérez El mundo es nuestro Dir: Alfonso Sánchez

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para ver y olvidar ■ Comedia

Russendisko

■ Drama

Là-bas: Una educación criminal

Paramount ha sido la encargada de distribuir, primero en Alemania, una producción de Black Forest Films y Seven Pictures esperada con impaciencia desde principios de año. Se trata de Russendisko , primera película como director del guionista Oliver Ziegenbalg (autor de Friendship! , de Markus Goller). El actor principal de Friendship!, Matthias Schweighöfer también protagoniza esta nueva película.

El joven actor vuelve a trabajar tanto con Friedrich Mücke, su compinche en la popular comedia de Goller, como con la caída del muro de Berlín. El argumento de Russendisko transcurre una vez más en el este de Europa; sus héroes son tres moscovitas: Wladimir (Schweighöfer), Mischa (Mücke) y Andrej (Christian Friedel), que consiguen reunirse en Berlín y se encuentran con un universo y una atmósfera nuevos a prin■ cipios de los años 90. Bénédicte Prot Russendisko Dir: Olivier Ziengenbalg Paramount

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Película impactante sobre la inmigración africana en los alrededores de Nápoles gobernados por la Camorra. Mejor ópera prima en Venecia. “Là-bas”, allí abajo, es como los africanos se refieren a Europa. Un lugar lejano, donde van sus amigos y familiares en busca de una vida mejor, una oportunidad. Uno de los destinos más recurrentes es Castel Volturno, situada a unos treinta kilómetros de Nápoles, “la ciudad europea más africana”, según el escritor Roberto Saviano, donde viven 20.000 inmigrantes, de los cuales la mitad son ilegales. Allí, el 18 de septiembre de 2008, fueron asesinados seis jóvenes de color a manos de un comando de camorristas que pretendía dejar claro quién manda. Là-bas, ópera prima del realizador napolitano Guido Lombardi, en concurso en la Semana de la Crítica de la 68 edición del Festival de Cine de Venecia, se inspira en este episodio y, a caballo entre la realidad y la ficción, relata la educación criminal de Yssouf, uno de los tantos inmigrantes africanos llegados a Italia pensando en encontrar un trabajo honrado y que termina

‘Là-bas’ es un retrato honesto de una realidad silenciada: la de tantos inmigrantes de buena voluntad que cometen crímenes por falta de alternativas.

por darse cuenta de que el único modo para sobrevivir es el crimen. “Una decisión tan racional que son muchos losque la siguen”, explica el director, “ya que, en lugar de ganar 10 euros al día vendiendo pañuelos, puedes conseguir 100 en una hora traficando con drogas. Y porque no hay trabajo de verdad para los clandestinos”. Là-bas es un retrato honesto de una realidad silenciada: la de los tantos inmigrantes de buena voluntad que cometen crímenes por falta de alternativas. Interpretado por actores no profesionales —a excepción de la hermosa Esther Elisha, que encarna a una prostituta—, la cinta se basa en las confesiones de arrepentidos y del único superviviente de la masacre de Castel Volturno, así como en la experiencia personal de Lombardi, que durante años trabajó como cámara en fiestas africanas celebradas en discotecas ■ de la zona. Vittorio Scarpa Là-Bas, Educazione Criminale Dir: Guido Lombardi

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Bando sonoro

La música de ‘The Artist’ Como seguramente tantos de ustedes, quedé cautivado por esa pequeña joya con forma de viaje en el tiempo que es The Artist. No está de más —y es de oficio en esta columna— el recalcar el importantísimo papel que la música cumple en una película muda, pasando de ser un elemento necesario a uno de los protagonistas, y además pudiendo ser percibida de una forma más consciente y analítica por el espectador, sin las habituales ‘distracciones’ auditivas de diálogos y ruidos de ambiente y haciendo evidente el necesario maridaje emocional entre la acción y emoción de las imágenes y la banda sonora. Es de agradecer el trabajo de Ludovic Bource, y de hecho se lo han agradecido con el Oscar de Hollywood. Son muchos minutos de buena música que acompaña con oficio y de forma efectiva la historia. Ahora bien, tengo un par de ‘peros’ al asunto.

El primero es el sonido del piano: o bien es un piano eléctrico o bien está pésimamente grabado y suena como si lo fuera —cosa improbable, ya que el resto de los instrumentos están grabados de una manera correcta, como mínimo—. ¿Por qué se utiliza un piano eléctrico en una banda sonora por lo demás tan cuidada? ¿Cuánto pudieron ahorrarse, de dinero o de problemas —grabar un piano real implica afinarlo y emplear tiempo, trabajo y oficio para registrar bien su sonido—? Sobre todo teniendo en cuenta que son unas cuantas las escenas en las que el piano es el único acompañante de la imagen —como buen homenaje, por otro lado, a los orígenes del cine—, eso desmerece un tanto al conjunto de la banda sonora. Yo, al menos, no podía evitar revolverme con un poco de incomodidad en mi butaca al oír esas notas producidas

por unos y ceros acompañando el blanco y negro mudo de la pantalla. Anticipo la respuesta a la protesta de : “¡Hombre, no te pongas tan exquisito! ¿Cuánta gente se da cuenta de que es un piano ‘de mentira’? Bueno, digamos que aunque seamos un cinco por ciento, eso son miles y miles de personas. Un músico con la responsabilidad que le tocó a Bource debería tener eso en cuenta. Además, como ya he dicho en otras entregas de esta columna, una cosa es el ‘darse cuenta’ consciente, y otra el que las emociones que siente todo el público son de una calidad distinta según como sea tocado y grabado el sonido. Es decir, seguramente unos pocos sabemos que ese piano es falso, pero todos en su butaca están siendo embaucados con emociones de segunda, o al menos, emociones no de la profundidad que la película —y la gente— merece. El segundo ‘pero’ es un poco más ambiguo y personal. Seguramente por capricho del director, el clímax emocional de la historia va acompañado por la música de la película de Hitchcock Vértigo, del genial Bernard Herrmann. Es para mí la parte más intensa de toda la banda sonora y, por comparación, empequeñece un poco al resto. Me parece un factor a tener en cuenta a la hora de conceder el máximo galardón a una banda sonora. Por lo demás, y a pesar de lo dicho, uno de los mejores momentos que se pueden pasar hoy por hoy en ■ una sala de cine. Federico Lechner

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del director

Carta

Amor, cine, sexo, vejez Ramiro Cristóbal Acaba de presentarse la película Memoria de mis putas tristes, adaptación al cine de la novela de García Márquez del mismo título. La película dirigida por el danés Henning Carlsen, autor del guión junto al histórico JeanClaude Carrière, participa de la peculiar forma de contar del nobel colombiano y su narrativa única en la que se confunden realidades, leyendas, sueños y fantasías. Pero, sobre todo, es la historia de un amor, sexo incluido, entre un anciano de 90 años y una joven adolescente. Es un avance considerable. Los ancianos en el cine participaron, durante años, de un elenco cómico, de dudoso gusto, del que también formaban parte los homosexuales, los borrachos, los gordos, los enanos y algunas rubias. Poco a poco, el propio cine ha ido reivindicando a esos personajes ridiculizados. ¡Como dignificó a los gordos Orson Wells en Sed de mal, Dirk Bogarde a los homosexuales en Muerte en Venecia y Marilyn Monroe a las rubias en Vidas rebeldes! Los ancianos en el cine clásico eran cascarrabias y un tanto confundidos, seniles, torpes y vacilantes. Recordemos al barquero de La noche del cazador, borrachín y perdido en sus recuerdos: descu-

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bre el crimen, pero es incapaz de reaccionar de forma normal. En bastantes ocasiones el viejo de la película, era el padre o el abuelo de la chica, al que el joven protagonista debía burlar con su mente más ágil y su mejor apostura. Después, los viejos subieron un peldaño, hasta el drama de su desamparo, incomprensión y soledad. La mejor, seguramente, fue Umberto D de Vittorio de Sica y Cesare Zavattini, aquel jubilado peleando contra la indigencia y la terrible sensación de estar de mas en una sociedad de jóvenes y de ricos. Por cierto, inolvidable el actor Carlo Battisti, profesor de Filosofía de 70 años, que jamás había trabajado en el cine y nunca más volvió a pisar un plató. El novelista italo germano Italo Svevo ha sido quizás uno de los escritores que más ha intentado llegar a los motivos secretos de los ancianos. Su novela Senilidad, que fue llevada al cine por Mauro Bolognini, es todo un muestrario de rasgos de la vejez en un cuerpo sin ella. Murió antes de poder Los ancianos del llevar adelante su libro Las confesiones de un anciano. La nostalgia de los ancianos. Lo que se quiso hacer cine formaron parte y no se hizo. Luis Buñuel a los 82 años quería dirigir una película sobre terrorismo. Tierna materialización de durante años de un la nostalgia y del deber no realizado, la del conductor de tractor Alvin Straight, de 73 años, en busca de su elenco cómico de hermano perdido hace tiempo en la película de David Lynch, Una historia verdadera (The straight Story). dudoso gusto junto Algo dice el poeta Kavafis de un anciano sentado en un café, recordando y lamentando las oportunidades a homosexuales, de amar a las que no se atrevió. De ahí a la posibilidad de amar de los ancianos hay un paso. Amores inocengordos y algunas tes, infantiles como los dos asilados en un siniestro geriátrico franquista, regentado por monjas, en Del rosa rubias al amarillo de Manolo Sumnmers. Con el sexo de los viejos no se había atrevido el cine salvo en raras ocasiones. Recuerdo una extraña película, Secretos de una esposa, se llamó en España, donde dos abuelos, Ingrid Bergman y Anthony Quinn, viven una apasionada relación con sexo incluido. Claro que en aquel tiempo, 1970, tanto Anthony como Ingrid tenían 55 años y quién puede extrañarse de que dos adultos de esa edad practiquen sexo, por más abuelos que fueran. Lo novedoso de la película que queda mencionada al principio es que su protagonista masculino está celebrando su 90 cumpleaños y en ningún momento se cuestiona su posible disfuncionalidad sexual en su relación con la muchacha. La fuerza del concepto, la propia calidad del deseo, parece estar por encima de cuestiones tan mundanas como una prosaica recurrencia a la farmacopea al uso. Sin que haya que entrar en calidades cinematográficas, lo que viene a defender García Márquez y sus traductores a la pantalla, es un derecho y una libertad asumida de un colectivo largamente marginado o dulce y paternalmente protegido, al menos en ■ el terreno a que nos referimos.

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