Cinemascomics: La revista. Nº 12

Nº 12. Año 2

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La revista

ESPECIALES Venganzas con estilo David Fincher La saga Underworld Estrenos

Millennium Buranku Underworld Arrugas The Muppets STAR WARS: EPISODIO I ubre c s e D ¡ per ú s o r nuest rso! concu CLÁSICOS DE LOS 80 Robocop

Entrevista Jason Segel

ESPECIAL SERIES Person of interest

Orient Express Avnace 2012

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cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego Christian Arza (www.moonfilms.es) David Larrad Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Enrique Abenia Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Gustavo Martín Francisco Nieto Sánchez (www.cinedeaqui.es) Javier Calvo José Joaquín González (www.defanafan.com) Manuel Moros María Laura Gutiérrez Pedro Pinos Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) COMICS Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) Moratha (moratha.blogspot.com) PUBLICIDAD

EDITORIAL Hola a tod@s! Una vez más debo pediros disculpas por tanto retraso, pero realizar una revista como la que estáis ahora mismo leyendo es algo realmente difícil sobre todo si la realizas en tu tiempo libre, tienes una página web como cinemascomics.com y el hosting al que acabas de mudarte te da problemas, de hecho, en apenas 15 días hemos tenido que mudarnos de proveedor de alojamiento web dos veces, aunque creo que esta última será la definitiva; toco madera.

Como la revista que en un principio iba a ser el número de enero sale tan tarde me he limitado a llamarla número 12. Un número muy especial porque significa que pese las dificultades llevamos una año teniendo la oportunidad de presentaros Cinemascomics: La revista, con la que empezábamos nuestra aventura editorial dedicando la portada a nuestro querido Capitán América. Por ello quiero daros las gracias por seguirnos mes a mes y hacer posible que el último número contara con más de 500.000 visitas, y cómo no, a nuestro equipo de colaboradores que pese a todas sus ocupaciones nos apoyan de forma incondicional con unos artículos y viñetas realmente espectaculares que sin duda no tienen nada que envidiar a los que se pueden ver en cualquier publicación impresa: ¡Sois un cracks!

Y sin enrollarme mucho más os cuento que os vais a encontrar en este número. María Laura nos trae un especial titulado Venganzas con estilo repasando desde Kill Bill a la recién estrenada Buranku; Christian Arza nos hablará de la filmografía del maestro Fincher y Francisco Nieto nos da un pequeño avance de los próximos estrenos del Lejano Oriente. Sergio Reina, aprovechando que se cumple el 25 aniversario del estreno de Robocop nos recordará el clásico de Paul Berhoeven y Javier Calvo en la sección series nos habla de Persons of interest, serie creada por hermanísimo de Christopher Nolan y guionista de The Dark Knight, Jonathan Nolan, que además cuenta con la producción de J.J. Abrams. Enrique Abenia nos trae un especial acerca de la saga Underworld aprovechando el estreno de la cuarta entrega y cómo no contamos con dos nuevas tiras de nuestros artistas Diego Burdio y Moratha.

Espero que os guste el número que hemos preparado con la promesa de que muy pronto volveremos a la normalidad y nuestra fecha de lanzamiento habitual.

Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics.

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Carlos Gallego Director de Cinemascomics

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Especial 2012 Número 12

94 comics 7│La página de Diego Burdio 145│Gordos con Mochila

ENTREVISTA: JASON SEGEL

Actualidad

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8│Primer imagen oficial de MEN IN BLACK III 10│Nueva imagen de El Hobbit: Un viaje inesperado 12│Nuevas imágenes de Frankenweenie 14│Nueva imagen Prometheus

de

criticas 114│Sherlock Holmes 2 115│Juan de los muertos 116│Millennium 118│The Collector

VENGANZAS CON ESTILO

122

119│La hora más oscura 120│Underworld 4 121│El Monje 4 │

Cinemascomics

│Especial 2012

LA SAG

EL AÑO DEL DRAGÓN

ESPECIAL PERSONS INTEREST

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contenido 32

estrenos 16 │ Millennium: Los hombre que no amaban a las mujeres 13 de enero 40 │ Juan de los muertos 13 de enero 42 │ La hora más oscura 13 de enero

DAVID FINCHER: UN GENIO SIN LAMPARA

L SERIES: S OF T

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64 │Underworld: El Despertar 27 de enero 84 │ Arrugas 27 de enero

80

GA UNDERWORLD

54 │Buranku 20 de enero

86│ The Muppets 3 de febrero 98 │ Star Wars: Episodio I 10 de febrero

132

que leer 146 │ Zona Cómic

CLÁSCIOS DE LOS 80: ROBOCOP

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Primeras imรกgenes oficiales

MEN IN BLACK III Primera imagen oficial de Los Hombres de Negro 3 (Men in Black 3), para su estreno en cines 3D, 2D y IMAX 3D el 25 de mayo.

En Men In Black 3 los agentes J ( Will Smith) y K ( Tommy Lee Jones) han vuelto… a tiempo. J ha visto algunas cosas inexplicables en estos 15 años con los Men In Black pero nada, ni siquiera los alienígenas, le deja tan perplejo como su irónico y reticente compañero. Pero cuando la vida de K y el destino del planeta están en juego, el agente J tendrá que viajar atrás en el tiempo para poner las cosas en su sitio, J descubre que hay secretos en el universo de los que K nunca le habló– secretos que se irán revelando a medida que se una con el joven agente K (Josh Brolin) para salvar a su compañero, a la agencia y al futuro de la humanidad.

La película está dirigida por Barry Sonnenfeld. El guión es de Etan Cohen, basado en el cómic Malibu de Lowell Cunningham. Los productores don Walter F.Parkes y Laurie MacDonald, y los productores ejecutivos son Steven Spielberg y Mac Brown.

Nuevas imágenes

EL HOBBIT

UN VIAJE INESPERADO El director galardonado con un premio de la Academia® Peter Jackson nos ofrece El Hobbit: Un viaje inesperado, la primera parte de la adaptación de la imperecedera y popular obra maestra El Hobbit, de J.R.R. Tolkien. La segunda película es El Hobbit: Partida y regreso.

Ambos largometrajes están ambientados en la Tierra Media sesenta años antes de El Señor de los Anillos, que Jackson y su equipo llevaron a la gran pantalla en la taquillera trilogía que culminó con la oscarizada El Señor de los Anillos: El retorno del rey.

La aventura acompaña en su viaje al personaje al que hace mención el título, Bilbo Bolsón, que se ve arrastrado a una épica búsqueda para recuperar el reino enano de Erebor, secuestrado por el terrorífico dragón Smaug. Reclutado inesperadamente por el mago Gandalf el Gris, Bilbo se halla a sí mismo enrolado en una compañía formada por trece enanos y liderada por el legendario guerrero Thorin Escudo de roble. Su viaje les llevará a tierras salvajes, a territorios peligrosos repletos de trasgos y orcos, mortíferos wargos y arañas gigantes, cambia pieles y hechiceros.

En la imagen podemos ver a Martin Freeman como Bilbo Baggins

Primeras imágenes

FRANKENWEENIE

Del genio creativo Tim Burton (Alicia en el país de las maravillas, Pesadilla antes de Navidad) llega FRANKENWEENIE, una conmovedora historia sobre un niño y su perro. Tras la inesperada muerte de su adorado perro Sparky, el pequeño Victor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida… con unos pocos ajustes menores. Victor intenta ocultar su creación, pero cuando Sparky logra salir, los compañeros de escuela de Victor, sus maestros y el pueblo entero aprenderán que crear una nueva vida puede convertirse en algo monstruoso.

Estreno 5 de octubre de 2012

Nueva imagen

Prometheus Precuela de la saga iniciada por Ridley Scott con “Alien el octavo pasajero” 1979, que vuelve a ponerse a la ordenes en esta nueva entrega en la que cuenta con Noomi Rapace, Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba, Guy Pearce, Patrick Wilson, Sean Harris, Kate Dickie, Rafe Spall y Logan MarshallGreen como protagonistas.

Situada en los más peligrosos rincones del universo. El film lleva a un grupo de científicos y exploradores a un viaje que pondrá a prueba sus límites físicos y mentales en un remoto planeta, donde descubrirán las respuestas a nuestras preguntas más profundas y al mayor misterio de la vida: el por qué de los orígenes de la humanidad en la Tiera.... Ideada inicialmente como una precuela de ‘Alien’, Fox confirmó más adelante que se trataría de una película de ciencia-ficción totalmente original, cuyo estreno en USA está previsto para junio de 2012.

Estreno

MILLENNIUM:

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

13 de enero

En Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres, el director nominado al Oscar® David Fincher (La red social) traslada a la gran pantalla el universo del éxito literario mundial de Stieg Larsson.

En el laberinto de la historia hallamos asesinatos, corrupción, secretos familiares y los demonios internos de dos inesperados socios en búsqueda de la verdad sobre un misterio oculto durante 40 años.

Mikael Blomkvist (Daniel Craig) es un periodista financiero dispuesto a restaurar su honor tras ser declarado culpable por difamación.

Contactado por uno de los empresarios más ricos de Suecia, Henrik Vanger (el actor nominado al Oscar® Christopher Plummer), para llegar al fondo de la desaparición muchos años atrás de su querida

sobrina Harriet – asesinada, según cree Vanger, por uno de los miembros de su familia numerosa – el periodista llega a una isla remota de la congelada costa sueca sin saber lo que allí le espera.

Simultáneamente, Lisbeth Salander (Rooney Mara), una inusual pero ingeniosa investigadora de Milton Security, es contratada para averiguar los antecedentes de Blomkvist, una tarea que en última instancia la lleva a unirse a Mikael en su investigación sobre el asesinato de Harriet Vanger.

Aunque Lisbeth se protege de un mundo que la ha traicionado una y otra vez, sus habilidades de hacker y su capacidad de concentración y determinación inquebrantable, la hacen imprescindible.

Mientras Mikael se enfrenta cara a cara con los herméticos Van-

ger, Lisbeth trabaja en la sombra.

Ambos comienzan a trazar una cadena de homicidios desde pasado hasta el presente, forjando un frágil hilo de confianza, aún siendo arrastrados hacia una de las corrientes más salvajes del crimen contemporáneo.

Columbia Pictures y Metro-Goldwyn-Mayer Pictures presentan una producción de Scott Rudin / Yellow Bird de una película de David Fincher, Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres, protagonizada por Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Steven Berkoff, Robin Wright, Yorick van Wageningen y Joely Richardson. La película está dirigida por David Fincher y producida por Ole Søndberg, Søren Stærmose, Scott Rudin y Ceán Chaffin, a partir de

un guión de Steven Zaillian basado en el libro de Stieg Larsson originalmente publicado por Norstedts. Los productores ejecutivos son Steven Zaillian, Mikael Wallen y Anni Faurbye Fernandez; los coproductores son Berna Levin y Eli Bush. El equipo técnico del filme incluye al director de fotografía Jeff Cronenweth, ASC, el director de producción Donald Graham Burt, los editores Kirk Baxter, A.C.E. y Angus Wall, A.C.E., la diseñadora de vestuario Trish Summerville y los compositores Trent Reznor & Atticus Ross.

Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres es el punto de partida de la adaptación cinematográfica de la popular Trilogía Millennium de Stieg Larsson, la épica serie de novelas que ha vendido 65.000.000 de ejemplares en 46 países. La primera novela, Los hombres que no amaban a las mujeres, se publicó por primera vez en 2005, poco tiempo después de la muerte del propio Larsson, y en ella se presentaba a los lectores al periodista financiero Mikael Blomkvist y a la hacker vengadora Lisbeth Salander.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

Con Salander, Larsson forjó una heroína totalmente diferente a

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todas las que la habían precedido en el mundo de la novela negra: un prodigio punk cuya apariencia advierte a la gente que no se acerque, que no interactúa “con normalidad” con los demás, sin embargo, el vínculo personal que mantiene con aquellos que han sido violados la seduce para ayudar a Mikael a resolver el misterio de la desaparición de Harriet Vanger. La búsqueda de venganza y su frágil colaboración con Mikael se convertirían en el hilo conductor de Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres y de los dos libros siguientes – La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina y La reina en el www.cinemascomics.com

cho que las novelas Millennium sean tan atractivas a tantas personas en todo el mundo. “Lo que más nos interesó fueron estos dos personajes: Blomkvist y Salander; ellos son el motor de estos libros, los que los han convertido en el fenómeno cultural que son” explica Fincher. “Había mucha sustancia, mucha fricción y mucho potencial dramático.”

Añade Zaillian: “Lisbeth es un gran e inusual personaje, pero creo que si los libros trataran únicamente de ella, no funcionarían tan bien como lo hacen. Lo que hace que los libros lleguen a tanta gente, es la forma en la que se entrelaza su historia con la de Blomkvist, y lo que cada uno está viviendo.”

palacio de las corrientes de aire.

El director David Fincher y el guionista Steven Zaillian procuraron mantenerse fieles a la inquebrantable mirada de Larsson sobre la corrosión corporativa, social y personal que enfrentan Mikael y Lisbeth según se adentran en las profundidades del misterio de la desaparición de Harriet Vanger.

Zaillian se inspiró directamente en las palabras de Larsson. “El guión se cortó entero sobre la tela de la novela,” afirma Fincher. Asumiendo la necesidad de compactar el detallado argumento del primer libro, se centraron también en resaltar lo que ha hewww.cinemascomics.com

Fincher y Zaillian no tuvieron interés alguno en prescindir de la fuerza de las escenas de brutalidad y venganza del libro. “Estábamos firmemente comprometidos con la idea de que ésta es una película que trata sobre la violencia contra las mujeres, sobre clases específicas de degradación, y eso no puedes evitarlo,” asegura Fincher. “Pero a la vez debes andar sobre una línea muy fina para que los espectadores sientan de manera visceral la necesidad de venganza al tiempo que puedan contemplar el poder de las ideas expresadas.”

Eso es precisamente lo que logró Larsson con las novelas, atrayendo a los lectores hacia temas como el poder corrupto, la misoginia, la intolerancia, el fanatismo, la globalización, el bienestar social, la justicia y el juicio, a través de los entresijos de la renegada investigación de Mikael y Lisbeth. Explica Rooney Mara, que se ganó el papel de Lisbeth Salander: “Creo que a la gente le intriga más el funcionamiento interno de la sociedad de lo que está dispuesta a admitir. Les interesan los oscuros

secretos que encierran personas y sociedades. Los hombres que no amaban a las mujeres tiene ese componente unido a dos personajes marginados a los que la gente realmente quiere.”

VENGADORES Y CASTIGADOS: PERSONAJES Y REPARTO Blomkvist Al igual que lo fue el autor Stieg Larsson antes de su muerte, el personaje de Mikael Blomkvist es un periodista de investigación dedicado a destapar la corrupción en el sistema financiero y en el gobierno. Como copropietario de la exclusiva revista Millennium, no es ni mucho menos un activista, sin embargo es conocido por llegar demasiado lejos – hasta el punto de meterse en aprietos legales, e incluso correr peligro mortal, en sus despiadadas investigaciones sobre los ricos y poderosos. Para interpretar a Blomkvist, Fincher escogió a Daniel Craig, el actor británico cuyo equilibrio entre profundidad y atractivo le han valido el papel de James Bond en Casino Royale y Quantum of Solace.

“Realmente el filme es de Blomkvist, porque es él quien nos proporciona la vía de entrada,” afirma Fincher. “Es el personaje más convencional y Lisbeth es el satélite que gira alrededor de él. Necesitábamos a alguien como Daniel, alguien que no solo tiene un tremendo atractivo cinematográfico sino que además tiene un don de Dios para la interpretación. Es tan bueno que puedes explotar sus matices.”

Como mucha gente, Craig había leído Los hombres que no amaban a las mujeres al poco de publicarse, en medio del furor inicial.

“Alguien me regaló un ejemplar estando de vacaciones y lo leí en dos días,” recuerda el actor. “Es uno de esos libros que no puedes Cinemascomics │Especial 2012

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parar de leer. Sientes la inmediatez de saber que sucederán cosas malas y creo que, en parte, por eso son tan amenos para tantas personas.”

A pesar de ello, se sintió inexorablemente atraído a Lisbeth Salander. “Lo que me llamó la atención de ella es que a pesar de ser víctima de violencia sexual, psicológicamente jamás se convierte en una víctima” observa Craig. “Su fortaleza y la forma en la que recibe un golpe, se levanta y sigue, es algo que realmente engancha a la gente.”

La novela se mantuvo en su conciencia, pero fue gracias al equipo creativo que se formó para llevarla a la gran pantalla, por lo que Craig decidió aceptar el papel de Blomkvist. “De por sí era una buena historia, pero la combinación de David como director y el guión de Steven Zaillian, me resultó tremendamente irresistible” asegura el actor. “Confiaba

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en el material, y confiaba en sus ideas visuales.”

Desde el principio también sintió afinidad por Blomkvist. “Me gusta su actitud, me gustan sus políticas, me gusta y me resulta interesante su confusión” comenta Craig. “Está luchando en una guerra buena, intentando destapar la corrupción y ser un periodista influyente, si es que eso sigue siendo posible.”

Steven Zaillian se sintió impresionado por la forma en la que Craig se introdujo en el personaje.

“Blomkvist es un tío que no es tan duro como le gustaría ser, pero es realmente un hombre bueno y decente. Daniel lo interpretó maravillosamente,” observa. “Su papel es tan complicado como el de Salander.”

Desde el primer momento Craig decidió no adoptar un acento extremo para el personaje y mantener la forma de hablar de Blomk-

vist en un registro más natural, que resulta más apropiado para la cultura cosmopolita de Estocolmo. “Busqué algo muy sencillo” explica. “David y yo lo hablamos y ninguno de los dos queríamos que el acento estorbara al personaje. En realidad, muchos suecos hablan inglés maravillosamente bien, con y sin acento. Sentí que ese debería de ser el camino a seguir. Blomkvist es un hombre que ha viajado, que conoce el mundo, ha sido oyente de la BBC desde los seis años, y creo que esa es la persona que él es.”

Tras haberlo deseado durante tanto tiempo, a pesar de todos los retos, el trabajar con Fincher resultó ser una experiencia muy estimulante para Craig. “David es conocido por hacer muchas tomas, y así lo hicimos, pero no me importó en absoluto” explica Craig. “Por mí podemos estar repitiendo tomas todo el día si al final sale algo bueno, siempre que creemos algo en cada una de www.cinemascomics.com

ellas. Además, David es muy específico y – ¿cómo decirlo de la forma más correcta?– particular.

Pero una vez que ves la forma en la que él construye, ladrillo a ladrillo, cada escena, resulta ser un proceso en el que es muy fácil relajarse. Te entregas completamente, sabiendo que su mirada abarca todos los detalles importantes.”

Craig apunta que estaba en la mejor forma física de su vida cuando le dieron el papel, lo cual no encajaba del todo con la de un periodista que pasa la mayor parte de su tiempo sentado en una mesa, o entrevistando a sus fuentes. “David me dijo que engordara y, a pesar de que fue una lucha, lo conseguí” dice entre risas.

Los retos físicos se presentaron especialmente en las escenas culminantes del filme, pero apunta Craig que incluso en ellas, su concentración se dirigía hacia su interior. “Aquellas escenas finales

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presentan un alto grado de emoción para Blomkvist,” resume el actor.

Salander Nada más arrancar la producción de Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres, comenzó la búsqueda de la actriz que interpretaría a Lisbeth Salander. El peligro: que todos los que habían leído el libro ya se habían formado una imagen personal de ella en su imaginación. Michiko Kakutani del New York Times describió así a Lisbeth en su reseña: “Lisbeth Salander, la feroz hada y heroína de Stieg Larsson, es uno de los personajes más originales que hemos visto en mucho tiempo: una chica de encanto misterioso, una Audrey Hepburn con tatuajes y piercings, con la actitud guerrera de Lara Croft y el intelecto cool y poco sentimental del Sr. Spock. Ella es la vulnerable víctima convertida en vigilan-

te; una chica deliberadamente antisocial, la que fuera calificada como mentalmente incompetente por los servicios sociales del estado, ha demostrado que está tan incandescentemente capacitada como cualquier guerrera de vídeojuego.”

A la hora de adaptar el personaje, la meta de Steven Zaillian era la de captar todos esos tonos contradictorios del personaje de Salander, quien se protege con una gran armadura y sin embargo es vulnerable si alguien se atreve a acercarse. “Ella es la clase de personaje que resulta más divertido escribir” explica Zaillian.

“En cierto sentido representa el cumplimiento de un deseo en cuanto a su forma de llevar las cosas, de estar dispuesta a aguantar hasta un límite, pero además tiene otras muchas caras. Gran parte del poder del filme se debe a Lisbeth Salander.”

Fincher quería encontrar todas

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esas cualidades en una actriz, pero lo que más quería era encontrar a una persona dispuesta a caminar en el límite de un personaje ya de por sí arriesgado, y precipitarse al vacío. Eso es lo que encontró en Rooney Mara, pero el camino no fue en línea recta.

Los productores emprendieron una búsqueda exhaustiva para el papel de Lisbeth. Entre las candidatas se encontraba Mara, que tuvo un pequeño pero memorable papel en La Red Social de Fincher, como la ex novia de Mark Zuckerberg, Erica Albright. Fincher la sometió a una aparentemente interminable serie de intensas pruebas – en las que le pidió que hiciera de todo, desde recitar poesía sueca a posar con motocicletas – para demostrar lo que sería capaz de hacer en el papel.

“Lo que más me hizo encariñarme con ella durante el proceso de casting fue precisamente lo

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que quería de Lisbeth: no se rinde. Quería una persona que fuera invencible,” dice el director. “Al final del proceso de casting, supe que era una persona por la cual merecía la pena arriesgar.”

Continua explicando: “De inicio ella partía con muchas de las cualidades que buscábamos, que necesitábamos. En su vida real también es solitaria. Pero más que eso, estuvo dispuesta a trabajar para entender al personaje. Dije: ‘No sé si ella lo puede hacer, pero sé que lo intentará y se dejará la piel en ello si tan solo somos capaces de inspirarla y apoyarla, y luego dejarla volar.’

Y eso es lo que finalmente ocurrió. Se cortó el cabello, aprendió a conducir una motocicleta y se marchó a Suecia por su cuenta y desapareció del mapa. Si tienes a alguien dispuesto a hacer todo eso, eso lo es todo. Los piercings son piercings, eso lo puede hacer cualquiera.”

Para Mara, esta sucesión de pruebas la mantuvo alerta, ayudándole a conocer al personaje aún más. “Estaba preparada y dispuesta a hacer y a demostrar lo que hiciera falta para conseguir el papel” asegura la actriz. “Y a medida que me acercaba, pensé: ‘¿Qué más tengo que demostraros? Lo he hecho todo. Tengo que seguir con mi vida o si no, hagámoslo. Estoy a punto de dejarlo, así que decidíos de una vez.’”

Los meses de pruebas y de espera culminaron en un ultimátum.

“David me llevó a su despacho y me empezó a hablar largo y tendido acerca del papel, dándome todas las razones por las que una actriz lo rechazaría – que podría cambiarme la vida, y no necesariamente para mejor. Luego me entregó su iPad con un comunicado de prensa que decía que yo había sido elegida para el papel.

Me dijo que pensaban enviarlo esa tarde y que tenía media hora para decidir si quería el papel o www.cinemascomics.com

no.”

Mara no lo dudó. El personaje ya se le había metido en la piel.

“Nunca antes había existido un personaje femenino como Lisbeth, una especie de persona menuda, andrógina, con tantas facetas diferentes,” asegura la actriz. “Te pones de su lado – y sin embargo simultáneamente la cuestionas porque no siempre estás de acuerdo con las cosas que hace. Eso me resulta muy interesante.”

Añade la actriz: “Creo que aunque les resulte extraña, muchas personas se identifican con ella porque en algún momento de sus vidas la mayoría de las personas se han sentido marginadas, o como si hubieran fuerzas que las oprimieran o limitaran.”

En cuanto aceptó el papel, Mara se puso manos a la obra. “Una hora después de decirle que sí a David, estaba desmontando un

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ordenador, montando en moto, y dando clases para aprender a patinar. Y, literalmente, cinco días después ya estaba en Estocolmo” recuerda la actriz. “No había tiempo para pensar lo que significaba para mí recibir el papel, o como me sentía. Literalmente me concentré como un láser en lo que tenía que hacer.”

Pero sin duda las advertencias de Fincher no la asustaron. “Me dijo: ‘Tendrás que irte a Suecia tu solita y experimentar la vida de esta chica.’ Me dijo: ‘La película te va a consumir. Tendrás que despedirte por un tiempo de tu familia y los amigos.’ Pero en ese momento realmente no me conocía,” explica. “No sabía que de hecho paso mucho tiempo sola y que lo que me dijo no me asustó. Tal vez hubiera asustado a otra persona, pero a mí no.”

Eventualmente también transformó radicalmente toda su apariencia, se cortó la melena, se

hizo numerosos piercings, llegó al punto de teñirse las cejas, lo cual resultó ser lo más chocante para la actriz. No sólo le aportó una inquietante mirada transgresora, sino que además abrió el rostro de Lisbeth, permitiendo que la mezcla de fría inteligencia y rabia contenida del personaje tuvieran más espacio para manifestarse.

“Antes de teñirme las cejas me sentía bien, en control y preparada, estaba entusiasmada,” recuerda Mara. “Cuando me vi en el espejo me asusté. Pero creo que es una de las mejores decisiones que tomamos en cuanto a la apariencia del personaje. Realmente le pusimos nuestro sello.”

Otro sello característica de Mara en el personaje de Lisbeth fue el encontrar la forma adecuada de revelar sus propios bloqueos emocionales. “David y yo hablamos acerca de la idea de que Lisbeth no tiene heridas abiertas. Ella es una cicatriz entera. No llora, en

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contadas ocasiones se permite sentir algo, sin embargo los espectadores tienen que saber que bajo las cicatrices están sus heridas” describe la actriz.

Cuanto más se adentraba Mara en el cerrado mundo interior de Lisbeth, más empezó a comprender porqué Stieg Larsson consideraba la legendaria heroína de cuentos infantiles Pippi Calzaslargas una influencia en el personaje. Observa que: “Lisbeth es lo que Pippi Calzaslargas hubiera sido 25 años después. Ha cambiado el caballo por la motocicleta. Ahora tiene ordenador pero sigue obedeciendo su propio código moral luchando contra los tipos malos.”

La complejidad de Lisbeth se pone de manifiesto en algunas de las escenas más perturbadores de la historia – un par de asaltos violentos en el despacho del tutor legal de Lisbeth, Nils Bjurman, que abren y cierran la historia.

Estas escenas supusieron un gran

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reto – tanto física como psicológicamente – pero también son esenciales para comprender su ímpetu por ayudar a Blomkvist a encontrar a un asesino de mujeres. “Las escenas con Bjurman son las que más hablan de Lisbeth,” dice Mara. “El abuso la empuja, y en muchos sentidos, también conduce el resto de la historia. Esas eran las escenas en las que siempre pensaba.”

Cuando llegó el momento de representarlas en el set, se podía palpar el riesgo emocional de las secuencias. Recuerda la actriz que: “Siempre supe que esas escenas serían duras pero fueron mucho más duras de lo que imaginé.”

Para mantener la intensidad de la situación Mara evitó al actor que interpreta el papel de Bjurman, Yorick van Wageningen. “Yorick es un chico tan dulce, pero yo me alejé de él porque no quería pensar en lo dulce que es en rea-

lidad,” comenta la actriz. “Nos vino mejor no hablar mucho, sino entrar en la habitación y ver cómo se iban desarrollando las cosas.”

Las cosas empiezan a desmoronarse para Lisbeth pero también otras empiezan a encajar a medida que se acerca más y más a Mikael Blomkvist. Lo que le resulta sorprendente no es la atracción sexual– sino el instinto desconocido de confiar. “Lisbeth se pasa gran parte de la película alejando a los demás. Constantemente intenta suprimir las cosas y alejarlas de su persona. No mantiene relaciones en las que realmente conecte con las personas,” observa Mara.

“Pero con Mikael, empieza a pensar que tal vez haya encontrado finalmente una persona en la que puede creer, pero también tiene buenas razones para pensar que es estúpida si confía en alguien.”

Al final, Mara dice que la experiencia de interpretar a Lisbeth fue la meta por la que luchó tanwww.cinemascomics.com

tos meses intentando conseguir el papel. “Es la clase de personaje que llega una vez en la vida,” concluye la actriz. “Pero aparte de eso, lo que más me emociona de la experiencia y lo que me llevo es sentirme más capaz. He aprendido tanto y he hecho tantas cosas que jamás pensé que podría hacer.”

Concluye: “Es lo que más me gusta de David, que reta a todo el mundo. Por eso sus películas son tan estupendas. Porque te desafían y te hacen pensar en cosas que de otra manera no pensarías– y creo que a la gente le gusta ser retada.”

EL ENTORNO Desde el principio David Fincher y Steven Zaillian decidieron mantener el enclave sueco de Stieg Larsson de Los hombres que no amaban a las mujeres, y no asumir que dejarían caer la historia en bloque en los Estados Unidos.

“No había manera de trasladarla,” afirma Fincher. “No podrías hacer esta película en Seattle, ni siquiera en Montreal. Tenía que transcurrir en Suecia porque las raíces de la historia son completamente suecas.”

De hecho Larsson había invitado a los lectores internacionales a una Suecia que la mayoría no habían visto jamás. Aunque se evidencian elementos de la democracia social sueca, su paisaje rústico y su énfasis cultural en la funcionalidad, la trilogía Millennium también mostró claramente las grietas frecuentemente no vistas en el pulido barniz de la nación.

Para captar el juego de Larsson de luces y sombras ante el paisaje sueco, Fincher reunió un equipo artístico que incluye al director de fotografía nominado al Oscar® Jeff Cronenweth (La red social) y el director de producción ganador www.cinemascomics.com

del Oscar® Donald Graham Burt (La red social, El curioso caso de Benjamin Button).

Los actores también se sumergieron en la vida sueca. “En cierta medida el estar en Suecia me ayudó mucho más que el resto de mi preparación,“ dice Rooney Mara, “porque no puedes comprender realmente a Stieg Larsson ni a Lisbeth si no conoces al pueblo sueco y sientes la energía de Estocolmo como ciudad.”

De la helada costa de Norrland al minimalismo modernista de Estocolmo, el paisaje sueco fue una constante fuente de inspiración para Jeff Cronenweth, ASC, quien trabajó con la cámara digital RED One (que ya utilizó en La red social) al igual que con la última cámara RED, la Epic, aprovechando al máximo la versatilidad y resolución de ambas. Desde un principio se tomó la decisión de que la apariencia del filme debería ser la de cierta aspereza en el contorno atmosférico, reflejando así el tono de Larsson en las novelas.

“La idea era utilizar fuentes de luz no ortodoxas y mantenerlo todo dentro de la realidad,” explica Cronenweth. “Así que pueden haber sombras, pueden haber errores, pero es la realidad. Permites siluetas y oscuridad pero al mismo tiempo también queríamos planos que hicieran de contraste, evitando así una continua imagen dramática.”

Rodando in situ en exteriores, Cronenweth trabajó sincronizado con los volubles cambios de las estaciones suecas para aumentar el tono emocional de la película.

“La climatología sueca juega un gran papel en esta película,” continua Cronenweth. “Está siempre presente de fondo y era muy importante que se perciba como espectador. El invierno se convierte en un personaje mudo en la película y le aporta a todo una luz

baja y fría, muy suave e indirecta.”

A Cronenweth le impresionó comprobar cómo la cámara Epic se manejaba ante las austeras condiciones. “Fue muy interesante rodar tantos árboles negros ante la blancura de los campos nevados – elementos que resultan difíciles de captar para cualquier cámara, mucho más para una digital. David y yo nos sentimos, muy, muy satisfechos con las imágenes.”

A estas alturas, Cronenweth ha desarrollado más que un lenguaje propio con Fincher; comparten muchos instintos visuales.

“Me gusta pensar que tenemos la misma visión en cuanto a las decisiones estéticas,” dice el director de fotografía. “Hemos tenido una relación tan, tan, larga, que siento que puedo acercarme más que nadie a la forma en que David ve las cosas. David realmente es asombroso al conceptualizar toda clase de planos emocionales.”

Cronenweth explica que muchos de esos planos se centran en el rostro de Rooney Mara en situaciones que van desde las más terroríficas hasta las más tiernas.

“Su piel en el papel de Salander es tan pálida que la luz se refleja mágicamente en ella. Así que pudimos utilizar muy poca iluminación y ella siempre quedaba de maravilla.”

Una de las secuencias preferidas de Cronenweth es aquella en la que Lisbeth persigue a un ladrón informático por el frenético metro de Estocolmo. Explica que: “David montó ese set en unas largas escaleras mecánicas en una estación real del metro sueco.

Vemos a Lisbeth provocada hasta convertirse casi en un animal y el truco era captar esa energía. Fue una de las situaciones en la que más utilizamos las cámaras Epic porque son capaces de hacer plaCinemascomics │Especial 2012 │

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nos muy cortos. A veces las equilibrábamos sobre una pelota de beisbol como trípode. También creamos andamios a través de los cuales podían pasar los pasamanos de la escalera mecánica. La idea era adentrarnos como participantes de la batalla. La rodamos para que de pronto entraran algunas cosas en plano y otras quedaran ocultas, aumentando la tensión porque los espectadores no pueden verlo todo. Ya sea en una escena de lucha, una violación, o una escena de sexo, es algo que David hace realmente bien.”

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Añadiendo más capas a la imaginería de la película entra en acción el trabajo del director de producción Donald Graham Burt, quien también ha colaborado con Fincher desde hace muchos años, recibiendo un Oscar® por El curioso caso de Benjamin Button (compartido con el ambientador Victor J. Zolfo). En Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres, Burt se sintió cautivado por la oportunidad de sumergirse completamente en una cultura que le era muy poco familiar. “Pensé que sería un reto muy interesante hacer la primera gran producción de Hollywood en

Suecia. Es una cultura que no se ha explorado realmente y me resultaba algo nuevo y diferente, lo cual me intrigó.”

Emprendió un recorrido de todo un mes por toda Suecia, no tanto para buscar exteriores donde rodar, sino más bien para empaparse del ambiente. “Lleva tiempo asimilar los matices culturales, identificar los temas recurrentes en la arquitectura, el paisaje, la organización de las ciudades y los hábitos de las personas” observa Burt. “Sentí que realmente tenía que integrarme en este mundo para desarrollar un sentir auténwww.cinemascomics.com

tico del lugar para el filme. No se trataba únicamente de comprender el aspecto físico de los lugares, sino el metafísico, y cómo se refleja la forma de vida de estas personas mediante el diseño.”

Más tarde, Fincher se sumó a Burt en Suecia y los dos empezaron a hablar acerca de la estructura general del diseño. “El planteamiento fue mantenerlo todo muy fiel a la realidad sueca pero sin llegar a la postal fotográfica, alejándonos de los lugares típicos.

Queríamos lugares que estuvieran más al margen, que fueran menos familiares, más desconociwww.cinemascomics.com

dos,” describe Burt.

Mientras que Burt construyó algunos platós en exteriores en Suecia, trabajando con equipos locales suecos, la mayor parte del trabajo de decorado se hizo en los EEUU para proporcionar mayor flexibilidad creativa a Burt y su equipo. Estos decorados incluyen dos de los lugares más esenciales: los apartamentos diametralmente opuestos de Blomkvist y Salander.

“El apartamento de Salander gira en torno a su ordenador y su actividad como hacker y todo lo demás es secundario,” apunta Burt.

“Cuando ella está en su ordenador está completamente abstraída en esa actividad, es su mundo entero, así que tenemos la sensación de que todos los demás objetos de su vida están algo desplazados o ignorados. Vive en un bloque de apartamentos grande y anónimo que además es muy básico, aportando así la sensación de que es una chica solitaria, que está oculta. El apartamento de Blomkvist, por el contario, es más estiloso y abierto. Trabaja para una revista exclusiva y sin embargo es investigador así que él también tiene algo no convencional.”

Uno de los retos más fascinantes de Burt fue crear la hacienda Vanger, rodada en una mansión al sudoeste de Estocolmo que el equipo convirtió en un enclave familiar repleto de secretos. Según Burt, la hacienda obedece al estilo típico de “mansión de Småland” – basada en la arquitectura francesa del siglo XVIII. “Queríamos algo muy austero, muy organizado, muy formal y que oliese fortuna antigua” resume Burt. “A los suecos se les da muy bien lo moderno y minimalista pero también cuentan con maravillosas mansiones rurales que se pueden yuxtaponer contra la ciudad moderna – sin embargo ambas respiran dinero.”

La banalidad del despacho de Bjurman contrasta con la extensa mansión rural de la familia. “Ubicamos su despacho en un edificio de mediados del siglo en el que todo es limpio y rectilíneo,” comenta Burt. “No tiene nada de lujoso ni exclusivo. Es muy sencillo, a diferencia de lo que ocurre en su interior.”

En cada aspecto del diseño de producción, Burt se esforzó plenamente en reflejar lo sueco en Larsson, al igual que su fascinación por la traición subyacente que transcurre en el día a día.

“Todo lo que hicimos era inherente a la cultura sueca, hasta las jarras de zumo de arándano rojo presentes en todas las cocinas,” dice Burt. “Hay una estética que recorre cada capa de la sociedad sueca, desde los adinerados, hasta los márgenes más pobres, sobre la simplicidad, la funcionalidad, la mayordomía de sus posesiones.

Lo único que evitamos fue la paleta de colores rosas y naranjas de la arquitectura sueca antigua que se ve en los distritos históricos porque esta historia demanda tonos más oscuros y apagados.”

VESTUARIO, PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE La tarea de vestir a personajes tan diferentes de Stieg Larsson, que provienen de todas las esferas de la sociedad sueca, recayó sobre la diseñadora de vestuario Trish Summerville. Summerville formó equipo con el peluquero Danilo y la maquilladora Pat McGrath para forjar los elementos que forman el look de Lisbeth Salander: un estilo que intencionalmente intimida a los demás, con cabello corto, maquillaje oscuro, piercings en las cejas, chaquetas y gabardinas con gorro, piel, y vaqueros rotos.

La clave de todo fue permitir que Lisbeth fuera transgresora pero también real – alguien que destaCinemascomics │Especial 2012 │

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cara en el mundo corporativo de la seguridad en el que trabaja, pero que también pudiera desaparecer con facilidad en los márgenes de la sociedad. “No queríamos que fuera llamativa o extravagante, sino muy, muy auténtica,” afirma Summerville. “No queríamos que pareciera que estuviera en una banda punk o gótica, queríamos que fuera muy cool de una forma cómoda y casual. Veíamos a Lisbeth como alguien que puede simplemente desaparecer en las sombras si ella quiere.”

Su vestuario en tonos oscuros

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consiste en cazadoras moteras, botas militares, zapatillas altas, cinturones con hebilla, brazaletes de cuero, pendientes dilatadores gordos, y camisetas con declaraciones provocadoras (frecuentemente en sueco) – y cada prenda muy lavada, desgastada, blanqueada, para aportarle la sensación de uso. “Y luego están las sudaderas,” apunta Summerville al mencionar una de las elecciones de moda más metafóricas de Lisbeth. “Siempre lleva una sudadera y también se pone una gran braga en la cabeza– a la que David llama el ‘Caballero Jedi’ – cuando

se convierte en hacker.”

Para diseñar el look inicial del corte de pelo de Lisbeth, Summerville llamó a su amigo Danilo, un peluquero que ha trabajado con artistas como Lady Gaga o Gwen Stefani, pensando que él tenía la estética adecuada. “Él es un tipo punk auténtico y lo ha sido siempre, un hombre que ha vivido en medio mundo así que pensé: ‘Si este chico no lo pilla, nadie lo hará.’”

Fincher quería que el pelo de Lisbeth fuera expresivo, y fluido y cambiante. “David insistía en que esta historia transcurre en un año así que no puede llevar siempre el mismo peinado,” explica Summerville. “Danilo le hizo un corte radical a Rooney, quien para ese entonces tenía un melena que le llegaba a la mitad de la espalda. Tiene un microflequillo, afeitado por debajo, y por detrás se lo cortó muy corto, y por delante dejó mechones más largos – pero hay muchas formas de llevarlo. Lo puedes recoger con pinzas, dejarlo suelto, o peinarlo en cresta.”

Danilo fue quien tiñó las cejas a Mara. Summerville recuerda la metamorfosis. “Descubrió su rostro de forma asombrosa y cambió por completo su apariencia,” dice la diseñadora. “Rooney quedó tan afectada que nos pidió que la dejáramos sola durante unos minutos. A continuación fuimos a un estudio de tatuaje y se hizo un piercing en la ceja ese mismo día.

La transformación fue instantánea, de repente emergió como el personaje de Lisbeth.”

Summerville trabajó con Fincher en el diseño y ubicación específica de los tatuajes de Lisbeth, incluyendo la característica imagen que adorna el hombro de Salander. Comenta que: “Sin duda, el www.cinemascomics.com

dragón fue el más difícil.”

En el set, los cambios del cabello, maquillaje, y tatuajes de Mara entre escena y escena fueron supervisados por el diseñador de peluquería y maquillaje Torsten Witte, un colaborador de toda la vida de Summerville, quien además había trabajado de antemano con Fincher durante las pruebas y el casting de Salander. Recuerda que: “En ese momento ya sabía que David estaba pensando en Rooney. Para mí, ella era el lienzo perfecto sobre el que pintar.”

Ella tuvo mucho que aguantar en la silla de Witte. “Me sentía fatal al sentar a Rooney a las 4:30 de la madrugada para cortar, afeitar, y teñirle el cabello y tatuarle la piel,” explica el estilista. “Todos sus looks requerían mucho mantenimiento. David y Trish tenían las ideas muy claras respecto a lo que querían ver en cada escena.

En general, David quería que hubiera un ir y venir entre la Lisbeth atractiva y la que aleja a los www.cinemascomics.com

demás– al mirarla piensas, ‘parece interesante’ pero a la vez te preguntas, ‘¿Qué es eso?’ Pero el look nunca era estático. Si Lisbeth llevaba 36 horas despierta ante el ordenador, fumando cigarrillos y sin comer, tendría ojeras y estaría despeinada. Su imagen podía cambiar de muy dura y fuerte a más inocente y sencilla, según la situación.”

Su corte de pelo ayudó a crear esa flexibilidad. “El cabello corto y oscuro realmente enmarca maravillosamente bien la tez pálida y frágil que jamás ve la luz del sol,” observa Witte. “Podíamos hacer mucho con ello. Me encantó la trenza, la cresta quedaba muy fuerte en Rooney y también me encantó la sencillez de engominarlo hacia atrás o en gorro. Al final, lo importante era que David fuera capaz de ver su rostro en todo momento.”

Para el diseño del maquillaje de Mara la productora Ceán Chaffin sugirió a la maquilladora britá-

nica Pat McGrath, nombrada por Vogue como la maquilladora más influyente en la moda, para discutir una serie de ideas. “Ceán realmente admira su trabajo así que se vino a Suecia y durante dos días probamos una gran variedad de looks,” recuerda Summerville.

“Hizo un trabajo hermoso. Y luego conceptualizó el maquillaje para toda la película, con más de 30 looks diferentes para los distintos personajes. Ella y Danilo y los demás formaron un equipo de ensueño. David tuvo la posibilidad de proponer cualquier idea – por alocada que fuera – y fomentar la creatividad.”

El maquillaje cotidiano de Lisbeth diseñado por Witte se basó en el probable rechazo que sentiría el personaje a mantener una rutina de belleza complicada. “Trish y yo discutimos cómo hacer que fuera muy real, y coincidimos en que probablemente tendría muy pocos productos de maquillaje de uso diario, como un lápiz negro y sombras oscuras, así que nos liCinemascomics │Especial 2012 │

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mitamos a sólo unos 5 productos para cada uno de sus looks” explica Witte.

Witte pintaba cada día los siete tatuajes que lleva Mara en la piel. “Utilizamos tinta de verdad y cuando pensaba en la cámara RED y que los tatuajes serían tan grandes como una casa en la pantalla, sentía la importancia de hacerlos diariamente” dice el estilista.

Además del piercing en la ceja, Mara fue un paso más allá. Explica que: “Es difícil simular un piercing en el pezón, así que un día sin más, Rooney decidió que era algo que tenía que hacer por el personaje así que todos la acompañamos y se lo hizo. Los demás piercings, en la nariz, y los labios, pudimos recrearlos. Pero todo ello significó un enorme trabajo para Rooney y su compromiso fue asombroso. Formamos un gran equipo con ella, Trish y David, todos pensando qué nece-

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sitaba el personaje en cada momento.”

Aunque el estilo de Lisbeth es una parte imprescindible del trabajo de Summerville, resultó igualmente importante crear el contraste con el personaje de Daniel Craig, Mikael Blomkvist. “Me lo pasé genial con Daniel porque es muy divertido vestirlo.” Dice la diseñadora de vestuario, “Trabajamos con muchos jerséis y capas para que se viera más pesado y encorvado. Todo lo que lleva Lisbeth está muy gastado, pero la ropa de él es más ajustada, más como un uniforme. Sin embargo, también es un look relajado. No se plancha las camisas y no se abrocha el cuello, y las lleva por dentro a medias. Siempre lleva los mismos vaqueros – de Scotch & Soda. Le compramos 30 pares a Daniel.”

Summerville disfrutó especialmente el amplio espectro de la película, con docenas de persona-

jes de diferentes trasfondos. Una de sus preferidas es Erika Berger, la amante y colega de Blomkvist, interpretada por Robin Wright.

“Yo imaginé a Erika como una versión madura y profesional de una Lisbeth Salander mayor y más tierna,” explica la diseñadora.

“Al igual que Lisbeth, tiene una gran intuición femenina, y creo que esa es la razón por la que Blomkvist se siente tan atraído por ella. Fue muy divertido trabajar con Robin.”

En cuanto a trabajar con Fincher, Summerville dice que ha sido la mejor experiencia de su carrera hasta el momento. “Realmente tienes que dar lo mejor de ti,” concluye, “pero en verdad, ¿porqué querrías dar menos?”

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DAVID FINCHER UN GENIO SIN LÁMPARA Por Christian Arza David Fincher es un genio, y no lo digo sólo yo. Lo ha demostrado tantas veces que su talento es innegable y público y crítica se rinden ante sus trabajos. Desde sus orígenes en los videoclips hasta su última película, este director nacido en Colorado en agosto de 1962 ha demostrado en apenas 10 películas porqué es uno de los mejores entre su gremio.

Pero vayamos poco a poco, porque es interesante repasar su trabajo despacio para poder conocer en profundidad a “Finch”, que es como le llaman sus amigos. Empezó su carrera en la omnipotente “Industrial Light and Magic” de George Lucas, para la que trabajó en efectos visuales para películas como “Star Wars: Episodio VI. El retorno del Jedi”, “Indiana Jones y el templo maldito” o “La historia interminable”, pasando luego a dirigir anuncios publicitarios y vídeos musicales.

Se puede decir que tuvo oportunidad de trabajar con muchos cantantes y artistas famosos durante la época comprendida entre 1985 hasta más o menos el año 2000, así que ha ido compaginando su faceta de director de películas con la de videoclips. Ha trabajado con artistas como Patty Smith (“Downtown Train”), Mark Knopfler (“Storybook Store”), The Outfield (“No Surrender”), Sting (“Englishman in New York”),

Madonna (“Vogue”), Aerosmith (“Janie’s Got A Gun”), Michael Jackson (“Who Is It?”) o los Rolling Stones (“Love Is Strong”), por citar algunos.

claustrofóbico, tono moral y ciertas dosis de tensión. La película supuso el fin momentáneo a la saga, que más tarde sería resucitada (nunca mejor dicho).

Su gran oportunidad llegó en 1992 con la película “Alien 3”, la nueva vuelta a las pantallas del xenomorfo más famoso de la historia cinematográfica con una Ripley en estado final de gracia. En esta ocasión, Ripley cae en un planetoide con una cárcel siderúrgica en la que el Alien causará de nuevo estragos, infectando a los reclusos y provocando el inevitable desenlace en el que Ripley se suicida al llevar dentro una reina Alien. Una película que recupera toda la claustrofobia que tuvo su primera entrega y que conecta muy bien con la segunda parte, empezando donde la dejó esta.

Parte del buen hacer en la puesta en escena se debe a los sellos imprescindibles que establecería Fincher en sus sucesivas películas, pulso narrativo, ambiente

En 1995, “Se7en” lo coronó con sólo una película a sus espaldas como el genio que es hoy en día. Esta película que mezcla el suspenso y el thriller de manera magistral nos traía la historia de dos policías de Nueva York, el detective William Somerset (Morgan Freeman) y el detective David Mills (Brad Pitt), que tendrán que investigar los misteriosos asesinatos cometidos por un hombre que se hace llamar John Doe (Kevin Spacey) y que representan los 7 pecados capitales. Ahora todos pensaréis cuáles eran, así que os ahorraré el esfuerzo mental y os los recordaré: ira, gula, lujuria, pereza, soberbia, avaricia y envidia. Cada una de ellos con una muerte y unos mensajes para que los detectives puedan encontrar al asesino.

Fotograma de Se7en. 1995

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mo. Fincher quiso así hacer una sátira de toda la gente poderosa que ve pasar sus vidas sin ningún aliciente y reducirlo a una historia sobre la supervivencia de uno mismo. Con momentos verdaderamente esplendidos como el payaso que encuentra en la entrada de la casa, cuando es abandonado en México a su suerte o nuevamente la sorprendente escena final cuando nos damos cuenta del significado verdadero de la pesadilla que ha vivido. Todo un ejercicio de suspense que merece ser revisada de vez en cuando para deleitarse sobre todo con un Michael Douglas en estado puro.

Poster de “The Game”. 1997

Aún hoy creo que es una de las mejores películas que nos ha dado el cine, con un cierto aire a cine negro mezclado con thriller psicológico, Fincher nos brindó una obra maestra que muy pocos pueden llegar a alcanzar hoy en día. La última que me pareció que estaba a la altura era “Shutter Island”, de Martin Scorsese, salvando las diferencias claro. Una vez más, los sellos de Fincher marcaron indiscutiblemente el devenir de la película, incrementado además por el gran final que no voy a desvelar para los que no la hayan visto. www.cinemascomics.com

En 1997, “The Game” fue un nuevo pulso narrativo para Finch en el que exploraba la vida del multimillonario Nicholas Van Orton (Michael Douglas), al que un día su hermano pequeño Conrad (Sean Penn) le regala una tarjeta de invitación a CRS, una compañía que te hace la vida divertida.

Poco a poco y sin darse cuenta, se ve involucrado en una serie de acontecimientos que rozan lo surrealista con lo irreal y que le llevaran a cuestionarse toda su vida y el papel que juega cada pieza que posee en ella, incluso él mis-

Con “El club de la lucha” (1999), Fincher filmó su película mas controvertida hasta la fecha. Contó con Edward Norton y nuevamente con Brad Pitt para poner en imágenes la historia de El narrador (Norton), que conoce a un vendedor de jabones llamado Tyler (Pitt), y juntos fundan un club clandestino de lucha que poco a poco se convierte en un movimiento anticapitalista por todo el país. Lo que poco a poco descubre El narrador es cuánto tiene en común con Tyler, que representa todo lo que no es él. Se generó mucha polémica en torno a esta película y su distribución, e incluso Fincher animó a los espectadores con su temática moral al declarar que “Estamos diseñados para ser cazadores y estamos en una sociedad de compradores. Ya no hay nada que matar, ni para pelear, nada para triunfar, ni que explorar. En esa castración social este cualquiera [el narrador] es creado”. Toda una declaración de objetivos para la película y una motivación para su protagonista, que veía en esta frase la razón de su existencia.

Además, incluyó ciertos “extras” (por llamarlos de alguna manera) a lo largo del film, como un banner de la película “Siete años en el Tibet”, protagonizada por Brad Pitt, el fantasma de Tyler, que es Cinemascomics │Especial 2012 │

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Brat Pitt y Edward Norton en “El Club de la lucha”. 1999

una breve imagen de Pitt mezclada en el metraje que aparece menos de medio segundo o la famosa escena pornográfica, que para generar cierta incomodidad se incluyó justo al final de la película.

Todas ellas incluidas a propósito por Fincher para suscitar más interés. Convertida en película de culto ya, su popularidad se vio incrementada a raíz de su salida en dvd.

Su obra mas floja llegó en el año 2002 con “La habitación del pánico” donde Jodie Foster y su hija Kristen Stewart (sí, la de Crepúsculo) tomaban el rol de madre e hija respectivamente y veían como su casa era asaltada por unos ladrones. Ambas se encierran en la habitación del titulo, una cámara oculta a modo de refugio sin saber que lo que quieren los asaltantes se encuentra dentro de esa cámara. A partir de ese momento empieza una carrera para sobrevivir a los tres extraños. Definitivamente esta película carece

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del tono moral de sus anteriores trabajos en los que claramente se podía extraer una enseñanza, pero mantiene el sello narrativo que posee Fincher. Incluso de forma más clara, diría yo, que en sus anteriores trabajos.

Casi cinco años tardó Fincher en volver al ruedo, concretamente en el 2007 con “Zodiac”, película sobre el famoso asesino del zodiaco que mataba a sus víctimas y enviaba un criptograma a los principales medios de comunicación para retar a la gente a que lo resolviera. Protagonizada por Robert Downey, Jake Gyllenhal y Mark Ruffalo en la piel de un corresponsal, un dibujante y un policía respectivamente que intentan encontrar y atrapar al asesino. No fue un gran éxito en la taquilla (apenas 85 millones), pero teniendo en cuenta que costó casi 65 estamos hablando de un relativo acierto. Por poco se salvó de la quema, y si se salvó fue porque Finch demostró una vez

más que es capaz de manejar la trama con mucho acierto, con un gran pulso y prestando atención a los detalles, a las imágenes. Sin duda, escoger unos hechos que ocurrieron en realidad puede ser que le pasara factura a nuestro genio. El asesino del zodiaco nunca pudo ser atrapado. Todos los hechos descritos en la película están basados en un libro que escribió Graysmith, el personaje que intepretó Jake en la película, con el que Fincher se reunió para desarrollar la trama y los acontecimientos. Con el aliciente además de que el propio director vivió cerca de donde ocurrieron los primeros asesinatos y que contó después así: “Recuerdo llegar a casa y contar que la patrulla había estado siguiendo los autobuses de la escuela por un par de semanas. Y mi padre, que trabajaba desde casa, y que era muy seco y no minimizaba la importancia de las cosas, giró lentamente de su silla y dijo: Oh sí. Hay un asesino en serie que ha matado cuatro o www.cinemascomics.com

cinco personas, que se hace llamar Zodiac, que ha amenazado con tomar un rifle de gran potencia y volar los neumáticos del coche escolar y luego disparar a los niños cuando salen del coche”.

Imagino que Zodiac era lo más parecido al Hombre del Saco que recuerda Finch.

Volvió a reunirse con Pitt para filmar “El curioso caso de Benjamín Button” en el 2008, una bella historia donde el personaje de Pitt (Button) nace con el cuerpo de un hombre de 80 años y a medida que pasa la vida va rejuveneciendo. Con esta historia que mezcla lo fantástico con lo onírico, consiguió estar entre los nominados a los Oscars a mejor director ese mismo año, acumulando 13 nominaciones la película en diferentes apartados de los cuales sólo se llevó 3 en categorías menores.

Recrear todas las experiencias por las que pasa Benjamín no fue tarea fácil, quizá por eso ganaron el Oscar a los efectos visuales, y

lo que Fincher nos hizo cuestionarnos es si realmente aprovechamos el tiempo que se nos da.

Al menos, esa extraigo yo, pero no cabe duda de que el tiempo juega un papel importante y decisivo en la historia, casi como un nexo de unión entre este y sus anteriores trabajos, también marcados por el devenir del tiempo, en una carrera a contrarreloj para encontrar una respuesta, para desenmascarar a un asesino o para encontrarnos a nosotros mismos. Quizás un poco excesiva en su metraje, para mi gusto, pero es una muestra del gran quehacer de Brad Pitt, que demuestra una vez más que es uno de los mejores actores que tenemos hoy en día, un auténtico todoterreno en cualquier campo.

El 2010 fue el año de Facebook. ¿El culpable? No los millones de usuarios que lo tienen, o por lo menos no en parte. La culpa es de Fincher. Él nos trajo una obra carismática, atrevida e incluso

un poco sucia para ver de lo que se es capaz de hacer por el éxito. “La red social” nos contó la historia de Mark Zuckerberg y su arrollador programa para conectar a la gente, Facebook. Toda una maraña de secretos, traiciones, y enemigos para ser testigos del ascenso y posterior caída de uno de los mejores emprendedores y genios que nos ha dado esta última década. Jesse Eisenberg bordó un papel complejo, de difícil entendimiento, pero lleno de matices. Junto a él, el cada vez más ascendente Andrew Garfield y Justin Timberlake, compañeros de programa y de ideas. “La red social” cautivó a público y crítica, en gran parte debido creo al excelente guión de Aaron Sorkin, creador de la serie “El ala oeste de la Casa Blanca”, que precisamente ganó el Oscar ese año gracias a esta película. Fincher no podía haber elegido mejor eslogan moral para su película que “No haces 500 millones de amigos sin ganarte algunos enemigos”,

Imagen de “El curioso caso de Benjamin Button” www.cinemascomics.com

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una clara constante en toda la película. Periódicos como El New York Times la calificaron de “Brillante” o revistas como Rolling Stones dijeron “La Red Social es la película del año”. Además de tener una secuencia inicial brillante en la que todo el buen hacer de Fincher en la narración queda patente, descubrimos a su próxima adquisición para su nueva película, Rooney Mara, en la piel de la novia de Zuckerberg. Una joven actriz a la que no perder el rastro porque dará mucho que hablar a partir de ahora.

Y ella es precisamente, junto a Daniel Craig, la que ocupa las portadas de este mes, al protagonizar la nueva película de Fincher “Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres”, remake de las películas suecas que se basaron en las obras de Stieg Larsson, fallecido antes de que pudiera ver el éxito de las mismas.

Un tándem algo extraño, por la extrañeza de sus personajes, que intenta descubrir el paradero de la sobrina de un magnate de Sue-

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cia. Para tal tarea, un periodista llamado Blomkvist (Craig) contará con la ayuda de Lisbeth Salander (Mara), experta hacker e inteligente investigadora. Las críticas para Fincher no podían ser mejores, alabándole la labor narrativa del film junto con la increíble manera de hacer un remake, tan diferente del original que parecen dos películas distintas. Quizá no es que sean dos películas diferentes, sino dos maneras de ver una misma cosa. Fincher es especialista en contarnos en una misma historia dos versiones diferentes o dos puntos de vista distintos, depende de cómo lo miremos. Seguro que con esta cinta muchos se plantearán contratarle para más remakes, visto el gran trabajo que ha realizado, pero tengo la intuición que su sello está marcado por otras características, aunque sea muy bueno con estos encargos.

un currículum como el de él? Ahora se lo rifan los grandes estudios mientras le tientan con superproducciones como “20.00 leguas de viaje submarino”, obra de sobras conocida del escritor Julio Verne que se llegó a rumorear que Will Smith protagonizaría, en la piel del Capitán Nemo y que seguro que será una nueva prueba para Finch si al final logra dirigirla. Ya se ve que no es muy amigo de este tipo de producciones pero seguro que lo puede hacer fantásticamente bien. Es lo que tienen los genios, que hagan lo que hagan las cosas les salen bien, aunque muchos nos preguntemos si es por suerte o por talento. Yo lo tengo claro, es una combinación de ambas.

Lo que es innegable es que su buen hacer, con casi sólo diez películas, es evidente. ¿Cuántos directores querrían para sí mismos www.cinemascomics.com

Estreno

13 de enero

50 años después de la Revolución Cubana, otra nueva Revolución llega a La Habana. Una misteriosa infección está convirtiendo a sus habitantes en muertos vivientes sedientos de carne humana.

Juan, como buen cubano, decide montar un negocio para sacar partido de la situación: “Juan de los Muertos, matamos a sus seres queridos”. Eliminando a los infectados, Juan y sus amigos comienzan a hacer fortuna.

Sin embargo la situación se complica cada vez más. Nadie sabe de donde proviene la infección ni mucho menos cómo acabar con ella, mientras el gobierno cubano insiste en que son disidentes pagados por los Estados Unidos para acabar con la Revolución.

Muy a su pesar, Juan se va a convertir en un nuevo héroe.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN Juan de los Muertos es una comedia de zombies, un término que en los últimos años se ha vuelto popular porque son dos géneros que se combinan perfectamente gracias a un punto que tienen en común: el subtexto.

“Desde niño, he sido seguidor de las películas de zombies (las películas de zombies tienen segui-

dores, no fanáticos). La segunda película que tuve en mi vida fue Evil Dead, de Sam Raimi, y desde ese momento no he podido dejar de perseguir cualquier cosa que tuviera muertos vivientes. Era sólo cuestión de tiempo el que apareciera una idea que creyera lo suficientemente buena como para decidirme a probar suerte en este género y hacer mi pequeña aportación. Así surgió Juan de los muertos, en Cuba. Un país que lleva 50 años preparándose para un enfrentamiento con los Estados Unidos. ¿Y si en lugar de eso, tuviéramos que enfrentarnos contra zombies?”

“Los cubanos tienen básicamente tres formas de afrontar los problemas: ponen un negocio; se acostumbran y siguen con sus vidas; o se tiran al mar y huyen.

Juan me da la oportunidad de hacer las cosas realmente difíciles para los cubanos, llenando el país de zombies, pero a la vez me presenta a un protagonista que puede tomar una opción diferente, que puede decir “no voy a tolerar esto, es mi país, lo amo y me voy a quedar a defenderlo”… después de probar con el negocio y lo de seguir con su vida, claro”.

“La idea con Juan es hacer una comedia totalmente irreverente, con personajes muy cubanos, llena de acción y aventuras,

una película que a la vez pueda asustarte o tenerte al borde del asiento mientras ves cómo somos realmente. Llenarla de escenas de acción espectaculares pero que a la vez no sean del todo descabelladas para el lugar (cientos de personas tirándose al mar en balsa y autobuses que se estrellan contra embajadas son cosas que yo he visto personalmente), pero que también tenga todos los momentos de duda, de quejas y reflexión que tenemos día a día.

Por otro lado, quiero fotografiar una Habana preciosa, una Habana que amo. Una Habana por la cual uno arriesgaría su vida y por la cual vale la pena luchar. Pero, lo más importante, Juan me permite hacer la película de zombies que desde niño quise siempre ver, y eso la hace más sincera que cualquier cosa que haya hecho antes.

Pero, lo más importante, Juan me permite hacer la película de zombies que desde niño quise siempre ver, y eso la hace más sincera que cualquier cosa que haya hecho antes”. Explica Alejandro Brugués.

Estreno

LA HORA MÁS OSCURA 13 de enero Bienvenidos a Moscú.

LA HORA MÁS OSCURA es la historia de cinco jóvenes que se encuentran en Moscú abandonados a su suerte, luchando por sobrevivir después de un devastador ataque extraterrestre. Este thriller rodado en 3D destaca la clásica belleza de Moscú al tiempo que ofrece unos efectos especiales alucinantes, fruto de las mentes del imaginativo realizador Timur Bekmambetov (Wanted, Guardianes de la Noche) y del director Chris Gorak (En la Puerta de Casa).

ORIGEN DEL PROYECTO TERRESTRES EN MOSCÚ La hora más Oscura nació como semilla plantada por una idea frecuentemente discutida entre el productor Tom Jacobson y el productor ejecutivo Monnie Wills.

“Hace unos cinco años, estábamos hablando de cómo sería la supervivencia después de un apocalipsis extraterrestre en el que hubiéramos sido derrotados,” explica Jacobson. “¿Qué sucede al día siguiente de Independence Day? Nos interesaba un relato que se centrara exclusivamente en los personajes. ¿Dónde estaban? Me gustan los relatos sobre humanidad y ciencia ficción, con temas clásicos como personas corrientes en medio de circunstancias extraordinarias. ¿Qué sucedería si fuéramos atacados, conquistados y ocupados? Ése fue el origen de la idea.”

“También me gusta la de las personas que viven en un territorio ocupado y no capitulan, como ocurre en las películas sobre la

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resistencia francesa,” añade Jacobson. “Así que nos hemos inspirado en cierta medida en aquellas grandes películas sobre la Segunda Guerra Mundial, sólo que en lugar de detrás de las líneas alemanas, estamos detrás de las de un ocupante extraterrestre.

Ese género, en su conjunto, nos permite examinar el heroísmo y la forma como uno se comporta cuando se ve sometido a una prueba. En un mundo teatral, la mejor ciencia-ficción puede recalcar estos temas y, por consiguiente, resultar muy entretenida para el público.”

Jacobson recurrió a su viejo amigo Leslie Bohem, y al joven compañero de creación de éste, M.T. Ahern, para desarrollar el concepto. “Cogieron un jirón de idea, inventaron el relato y propusieron el título de La Hora más Oscura,” dice Jacobson. “A continuación, evolucionó en muchas direcciones distintas. Les y Megan escribieron un argumento verdaderamente sensacional sobre la supervivencia humana, que yo vendí a New

Regency, y luego surgió la idea de añadir un elemento sorprendente y singular. A través de todas esas narraciones de ciencia-ficción o de guerra hemos visto versiones de todo; añadamos, pues, una capa de originalidad.”

“Se tomó una gran decisión. Desde la primera página, ambientémoslo en Moscú,” revela Jacobson. “Ésta es una de esas grandes ideas que lo cambiaron todo… quiénes eran los personajes y por qué estarían en Moscú. Llegan a esta apasionante y vibrante ciudad de la que muchos han oído hablar, pero en la que la mayoría de la gente, en especial el común de los estadounidenses, nunca ha estado. Moscú parecía la clase de lugar en la que unos personajes jóvenes podían aventurarse,” explica Jacobson. “Todos estábamos entusiasmados porque la película girarse en torno a un grupo de personas que ya son forasteros en una tierra desconocida, y cuando llegan los extraterrestres, se vuelven aún más extraña.”

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El guionista Jon Spaihts comenzó a trabajar en un guión totalmente nuevo ambientado en Moscú, y el realizador residente en Moscú, Timur Bekmambetov, que dirigió los éxitos mundiales Wanted y Guardianes de la Noche, se incorporó al proyecto como productor. “Nos apasionaba asociarnos con Timur Bekmambetov porque le gustaban los componentes de cienciaficción y los elementos visuales de la película,” afirma Jacobson.

“Además, conoce por dentro la realización de películas en Moscú.”

El innovador director se sintió feliz participando como productor.

“Para mí, producir y dirigir es casi lo mismo. Cuando uno dirige, no filma, no actúa, no viste a los actores… sólo dirige,” explica Bekmambetov. “El productor también dirige procesos -personas y expectativas- por lo que para mí producir significa tener la película en la cabeza y tener que encontrar a la gente adecuada que la realice. Es casi lo mismo. Uno no está dando vueltas y pegando gritos en el plató, pero aun así tiene que hallar a las personas www.cinemascomics.com

adecuadas y dar con la estrategia acertada.”

“Al principio, quizá haga 4 años, la acción se desarrollaba en una pequeña ciudad de los Estados Unidos. La primera vez que hablé con Tom Jacobson, le dije: ‘¿Podemos trasladarla a Moscú?’

Al cambiar el punto de vista se convierte inmediatamente en un proyecto interesante, al igual que King Kong en Moscú. Nadie quiere entrar en el juego de King Kong en Nueva York porque ya se ha hecho,” comenta Bekmambetov.

“Sigue siendo muy interesante para el espectador porque no son muchas las películas occidentales que se ruedan en Moscú. Eso hace que la película resulte enseguida excelente.”

“Moscú es un ambiente singular y muy interesante por ser inhabitual. Moscú no es tan bonita como París ni tan grande como Manhattan, pero tiene su propio carácter y su propia luz. Si cualquier argumento convencional y clásico se traslada a Moscú, se transforma al momento en algo interesante,” reitera Bekmambe-

tov. “En segundo lugar, tenemos la cultura rusa, disponemos de la historia del cine ruso que es distinta y que, en cierta medida, ha influido sobre las películas realizadas en Rusia. El público disfrutará con todo ello y sentirá que es algo nuevo. La fórmula de un proyecto exitoso tiene que ser un argumento con el que el público pueda identificarse y que esté ambientado en un mundo singular. Quien tenga un buen argumento y pueda rodar en Moscú, tendrá una película interesante, como Distrito 9, rodada en Johannesburgo (Sudáfrica).”

“Los propios exteriores pasaron a formar parte de la fuerza de la narración,” añade Jacobson.

“Visualmente, Moscú tiene una fuerza y un poder en su arquitectura que queríamos captar y que contemplamos desde el punto de vista de un extranjero. Moscú también tiene una reputación de lugar desenfrenado, con mucha vida nocturna y mucho dinero.

También queríamos captar esa nueva sensación de Salvaje Oeste… la excitación, el brillo, el atractivo, el ruido, la música y el Cinemascomics │Especial 2012 │

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dinamismo de la ciudad… y luego establecer un contraste entre todo ello y el silencio que sigue a la caída.”

“Timur tiene una visión y una imaginación fantásticas, pero también cuenta con un gran grupo de personas que trabajan con él en su empresa, “Bazelev,” quienes se encargan de muchos de nuestros efectos visuales. Muy pronto dimos comienzo al desarrollo visual y ellos realizaron mucho arte conceptual y mucha animación preliminar -o previsualización- de elementos clave,” explica Jacobson. “La película giraba en torno a la idea, y, luego, en torno a la visualización y la realización de la idea. De modo que el equipo de efectos visuales de Timur en Moscú comenzó a trabajar casi dos años y medio antes del rodaje y generaron muchas imágenes que

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dan mucho sentido a la película.”

“Crearon conceptos previos de los extraterrestres y realizaron una prueba general del aspecto conceptual de un Moscú deshabitado, porque ése era uno de los grandes elementos: coger una enorme ciudad internacional de 14 millones de habitantes y vaciarla,” añade Jacobson. “En un momento posterior de la película, los personajes también descubren que los extraterrestres están haciendo algo aquí. Hay fábricas y planteamos los diseños de unas torres de los extraterrestres. Este primer paso de arte conceptual brindó un criterio en el momento adecuado al director, que comenzó a orientar ese trabajo cuando dio comienzo a la realización de la película.”

Aproximadamente un año antes del inicio del rodaje, el director Chris Gorak fue seleccionado para

pilotar el proyecto. “Me entusiasmaba asociarme con Chris porque me había encantado su película En la Puerta de Casa. Me pareció auténtica, sincera, aterradora y creíble; los actores estaban excelentes; y la historia, narrada con convicción,” dice Jacobson.

“Chris leyó nuestro guión, se interesó y todo lo que dijo de él nos pareció más que acertado. Específicamente, sobre ciertos aspectos de la narración, como la forma que tienen los personajes de moverse por el argumento. Chris pensaba que su odisea de conocimiento era muy importante… lo que aprenden acerca de los extraterrestres y de sus propias circunstancias es lo que empuja la emoción del relato. Por medio de nuestros personajes se abre la ventana que permite ver el relato. El punto de vista narrativo de la película consiste en seguirlos a www.cinemascomics.com

medida que entienden lo que está sucediendo,” explica Jacobson.

“La Hora más Oscura es sólo su primer trabajo de dirección, pero Chris ha aportado algo realmente interesante porque trae consigo una auténtica concentración en los personajes,” coincide Wills.

“Ha pasado mucho tiempo trabajando con los actores y pensando sobre sus experiencias aquí… qué significa estar en Moscú y lograr que estos personajes cobren realmente vida. Chris también tiene antecedentes en el diseño de producción y en la dirección artística, lo que le ha permitido escenificar la película no sólo para sacarle partido a Moscú, sino para colocar a nuestros personajes en medio de una ciudad postapocalíptica muy creíble.”

“Puesto que me siento muy cómodo con los aspectos visuales de la www.cinemascomics.com

realización, puedo centrarme en el guión, los personajes y en contar la historia acertadamente. Y lo demás es un acto reflejo,” dice Gorak. “Pero Moscú fue una de las primeras cosas con las que me entusiasmé de veras. Lo primero, fueron los extraterrestres y la forma como interactuaban con nuestro mundo, pero lo segundo fue la propia Moscú como exteriores. La ciudad añadió a la película una textura y un carácter completamente diferentes que son irreemplazables.”

“Históricamente, Moscú es una cultura independiente y una región de Europa que en realidad es como la última frontera. Nosotros queríamos situar a nuestro grupo de viajeros en un lugar en el que se sintieran faltos de equilibrio.

Moscú es eso y además ofrece una enorme riqueza y densidad,”

precisa Gorak. “Por si no basta, el ruso es un idioma extranjero para todos los que participan en la película. Moscú es una isla de oportunidades para un joven occidental, y sin embargo no pueden ni leer los letreros de las calles porque están en alfabeto cirílico; de modo que no saben a dónde ir.

Eso crea una historia sobre la supervivencia de gallinas en corral ajeno.”

“Ha habido muchísimas películas sobre invasiones de extraterrestres y Moscú le dio al concepto un nuevo enlucido. Yo nunca había estado aquí, y ahora me dedico a destruirla,” dice Gorak, riéndose.

“Me apasionaba explorar Moscú y encontrar todos sus exteriores emblemáticos, trabajar aquí con el equipo y crear una versión de Moscú desconocida hasta ahora.”

“Era muy importante que Chris realizara un verdadero recorrido Cinemascomics │Especial 2012 │

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como realizador al mismo tiempo que estaba preparándose para la película; que se aprendiera la ciudad y escogiera los lugares que, en su opinión, tuvieran una fuerza impactante para los personajes que se hallaran plantados delante de algo muy enorme, poderoso y bello; a veces, de una belleza bárbara. Esperamos que tenga el mismo efecto sobre el público,” añade Jacobson.

“Cuando andábamos en busca de exteriores, el equipo técnico ruso se resistía un tanto a mi deseo de fotografiar todos los lugares emblemáticos que yo nunca había visto en una película norteamericana. Para ellos, escoger la Plaza Roja es como para nosotros filmar la Estatua de la Libertad, Times Square o el letrero de Hollywood.

Pero yo quería todas las tomas de postal y colocar a nuestros personajes y nuestro argumento dentro de esa tarjeta postal. Quería la Plaza Roja, el Puente del Patriarca, la Iglesia de Cristo… toda esta arquitectura rusa tan em-

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blemática. Todo lo que hace que Moscú sea Moscú y que resulte tan rica y tan vibrante. Aprender historia mientras rodábamos fue simplemente extraordinario y yo sabía que con todo ello íbamos a lograr una consistencia que una gran mayoría del público nunca había experimentado en persona, no digamos en una película sobre una invasión extraterrestre.”

Jacobson añade que “Chris tiene, evidentemente, un gran ojo y un gran poder de imaginación.

Su conjunto de habilidades visuales es el gran plus que vemos en la película; en especial, los exteriores. Cuando llegamos a Moscú descubrimos que es como cualquier otra gran ciudad internacional -Roma, París, Londres o Nueva York- en el sentido de que es difícil de fotografiar porque es enorme y tiene sus propias normas cívicas. Chris planteó un verdadero reto a la producción porque quería rodar una película internacional de forma narrativa enmarcando a los personajes y al

relato en esos fondos a fin de que la película diera una sensación de realidad. Quería fotografiar Moscú de una forma que jamás había sido vista.”

La energía del director ayudó a que el rodaje de exteriores, todo un reto, como queda dicho, no se desarticulara. “Chris Gorak no dejó de moverse desde el día en que aterrizó en Moscú,” comenta Wills riéndose. “No hay nadie en nuestro equipo técnico que trabaje más, y semejante liderazgo por parte de un director es un verdadero acicate para que el resto del equipo pise el acelerador. Dispusimos de un tiempo limitado para estar en esos exteriores y había mucho que queríamos conseguir, por lo que cada segundo contaba.

Cuando el director se pone en primera línea de fuego las cosas son muy diferentes.”

Gorak se sentía especialmente atraído por las irrepetibles tomas de las partes de ciencia-ficción del argumento. “El contenido era www.cinemascomics.com

muy interesante. Como soy un fanático del cine de ciencia-ficción, cuando me llegó el guión de este proyecto me atrajo la idea del apocalipsis; pero, sobre todo, qué son los extraterrestres,” nos dice Gorak. “Lo que realmente me atrajo fue su naturaleza invisible y la originalísima idea del efecto que tienen sobre la electricidad del entorno. Sentí que la forma de presentarlo cinematográficamente era un enorme desafío.”

“La mortífera naturaleza de esos extraterrestres se deriva de que son, en su mayor parte, invisibles. Sus ataques son instantáneos, mortíferos e irreversibles.

La gran idea consiste en que son criaturas eléctricas, algo que los personajes descubren según avanza la película,” dice Jacobson.

“Aunque fuera una lógica de ciencia-ficción, nosotros queríamos que resultara creíble. Por lo que pasamos mucho tiempo, especialmente cuando se nos unió Chris Gorak, incorporando la ciencia.

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Estas criaturas son una especie de combinación de mecánica y electromagnetismo, y su sangre es electricidad. Se nos ocurrió la idea de que ellos generan el escudo que los hace invisibles. Dicho escudo tiene una doble finalidad: es una arma ofensiva y defensiva.”

de fuego a todo lo que conduce electricidad. Ésa es la forma que tienen de buscar y ver. No son rayos X ni infrarrojos… es algo nuevo,” añade Gorak.

Después de ocultarse durante el ataque inicial, los personajes principales salen a la luz y comienzan a buscar a otros supervivientes. “Con su ataque, las criaturas han devuelto a todo el planeta a la Edad de Piedra. No hay electricidad, ni teléfono ni nada… estamos en la Edad de las Tinieblas. Nuestros personajes no saben lo que ha ocurrido,” declara Jacobson.

“Lo que me cautivaba de este proyecto es que vuelve del revés el género de terror … la luz es más peligrosa que la oscuridad,” explica Gorak. “En este género, la oscuridad es habitualmente lo que más aterroriza, pero ahora, como los extraterrestres son invisibles pero encienden las luces al acercarse a éstas, la bombilla se convierte en un indicador de peligro. Por lo tanto, es en realidad más seguro viajar de noche, evitar la luz y mantenerse en tinieblas. Ahora es la luz del día lo que da miedo.”

Los supervivientes cruzan un Moscú desierto en busca de ayuda, tratando todo el tiempo de evitar al enemigo. “Los extraterrestres expelen energía que se transmite en ondas por el ambiente y pren-

Jacobson está de acuerdo: “La interacción de los extraterrestres con la luz, con cualquier dispositivo eléctrico, crea un terror invertido, porque normalmente la luz es seguridad. Pero en nuestra

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película, representa la aproximación del peligro.” “Cuando un extraterrestre esté cerca de una luz, ésta parpadeará sin estar conectada a ninguna fuente de energía, ya que el propio extraterrestre la genera. Los personajes comprenden el fenómeno por sí mismos, y luego empiezan a darse cuenta de que las bombillas, las radios, las linternas o los teléfonos móviles son dispositivos de alerta temprana.”

El arma preferida de los extraterrestres es la triza. “Uno de los aspectos destacados de nuestros enemigos es que tienen un violentísimo protocolo de ataque.

Los extraterrestres hacen trizas a los humanos mediante una cauterización instantánea de nuestras partículas… dejando el cuerpo

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hecho cenizas. El destrozo es un proceso muy violento, orgánico y desordenado; nunca es perfecto.

No hay dos trizas que sean iguales,” explica Gorak. “El proceso se basa en la física y en ello se asienta la película, contribuyendo a que nuestro público experimente un verdadero peligro.”

“El resultado del proceso parece ser obra de una trituradora de madera o de una lijadora de cinta,” añade Jacobson. “Todo ello nos remite al concepto de que es de naturaleza eléctrica; quedar hecho trizas es más parecido a ser desintegrado por un rayo. Como queríamos que la película fuera autorizada para menores de 13 años acompañados de sus padres, la intensidad de la desintegración fue sometida a un prolongado de-

sarrollo visual. Queríamos que transmitiera una sensación de aventura, en vez de una de miedo absoluto. No queríamos que resultara sangriento sino que tuviese una base científica.”

El público ve las cosas desde el punto de vista de los extraterrestres cuando éstos van a la caza de supervivientes. “El guión original no contemplaba el punto de vista (POV, por sus siglas en inglés) del extraterrestre; fue Chris el que aportó ese elemento. Comenzamos a darnos cuenta de que cuando uno tiene que lidiar con algo invisible, es necesario indicar al público la presencia de una amenaza. ¿Dónde está esa cosa?

Dotándola de POV, dábamos una pista de que detrás de ello hay una inteligencia, de que los huwww.cinemascomics.com

tratando de proteger a Chris, de dejar que juegue su propio partido y sea creativo. Yo puedo ayudarle a comprender las realidades de Rusia, y puedo asegurarme de que esta película resulte emocionalmente correcta para el público ruso. Pasamos mucho tiempo con el personal ruso de efectos visuales para desarrollar las previsualizaciones y los conceptos artísticos, y yo estuve ayudando a que ello se hiciera realidad.

Como productor nunca planifiqué ni quise dirigir la película. Ésta es la historia de unos jóvenes americanos en Moscú… es mejor que sea Cris quien la cuente, porque él mismo es un joven americano en Moscú.”

manos están siendo cazados; esto no sucede simplemente de forma aleatoria. Hay algo que piensa y respira y que persigue a nuestra gente. Estos extraterrestres no ven nuestra “firma térmica” ni nuestros huesos; lo que de verdad ven son los impulsos eléctricos que circulan por nuestro cuerpo, emanando del cerebro y bajando por la espina dorsal. Una vez que dimos con esa idea, todo encajó.”

Bekmambetov ofreció orientación práctica y creativa a Gorak durante la preproducción del rodaje, pero, una vez que las cámaras empezaron a rodar, no pasó mucho tiempo en Moscú. “Intento permanecer lejos del plató”, reconoce Bekmambetov. “Es una experiencia singular porque yo nunca había sido productor de una película americana. Estoy www.cinemascomics.com

“Timur y su equipo han sido unos colaboradores fantásticos de principio a fin del proceso. Al principio, Tom, Monnie y yo nos reunimos con Timur en su casa de Los Ángeles y celebramos unas sesiones creativas que resultaron verdaderamente fructíferas,” dice Gorak. “Timur es, por derecho propio, un realizador increíblemente imaginativo y añadió toques al diseño, el movimiento y la actividad de los extraterrestres que nosotros habíamos elaborado; a su sutil existencia; a los peligros que encierran los extraterrestres y a la forma como presentar todo ello al público.”

“Timur,” prosigue Gorak, “siempre añade un ligero toque que lo hace especial… se le da francamente bien. ¿Qué era el enemigo y cuáles eran sus reglas? A Timur le gusta vigilar la mitología de la ciencia ficción. ¿Qué son esos extraterrestres, de qué están hechos y qué quieren? Mantuvimos numerosos debates al respecto, que acabaron llevándonos a los momentos divertidos del relato; por ejemplo, sembrar bombillas como dispositivo de alerta. Esa clase de momentos que Timur añade pueden convertirse en

imágenes clásicas e indelebles.”

Jacobson añade que “la combinación ha sido realmente buena porque Chris aporta una sólida realidad en la que colocar a nuestros personajes, y nuestra asociación con Timur aporta teatralidad y chispa. Su labor de producción de este Moscú por dentro ha supuesto una ayuda enorme. El trabajo de Timur aporta dinámica e imaginación a esta originalísima visión.”

Durante el desarrollo de La Hora más Oscura, la innovadora película en 3D de James Cameron, Avatar, fue estrenada con arrollador éxito de crítica, de taquilla y de creación. “En principio, La Hora más Oscura que yo tenía en la cabeza era una película de 2D, pero al estrenarse Avatar, los estudios comenzaron a pensar en serio sobre qué características admitirían el 3D. Así que en la primavera de 2010 filmamos algunas pruebas en 3D en Los Ángeles para ver cómo encajaba la tecnología con lo que intentábamos crear. Francamente, yo me resistía porque tenía en mente un tipo distinto de película desde hacía tanto. Una vez que tuvimos en las manos el equipo de 3D, montamos la toma nocturna de prueba, la elaboramos en postproducción añadiendo algunos efectos visuales y la proyectamos en la pantalla… cambié de opinión,” reconoce Gorak.

“Cambiar a 3D era muy ambicioso porque cuesta más dinero,” apunta Bekmambetov. “Rodar en 3D y no hacer después la conversión fue una decisión muy valiente, porque cambió todo el plan de producción y nos hizo replantearnos todas las tomas afectadas. La coreografía de las tomas en 3D es un lenguaje distinto al de una película de 2D. Estamos en los comienzos del 3D y parte de este lenguaje no existe todavía. Cada nueva película en 3D es un paso adelante en el desarroCinemascomics │Especial 2012 │

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llo de dicho lenguaje. Tenemos que aprender cómo se hace, pero también tenemos que enseñar al público cómo verlo porque es muy distinto. Pero está bien porque tenemos una oportunidad de jugar con estos nuevos juguetes y adivinar cómo funcionan.”

“Optamos por el rodaje en 3D para captar, lo primero, el ambiente de esta excepcional ciudad; y, lo segundo, a nuestros extraterrestres y la forma como se comportan y hacen trizas al que se les pone por delante. Pensamos que la naturaleza eléctrica de los extraterrestres quedaría fantástica en 3D. Para nosotros, Moscú es la nueva Pandora. Ser la primera película rodada aquí en 3D es una gran oportunidad que no queríamos perder,” nos dice Gorak.

“Cuando uno se compromete a

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rodar una película en 3D, lo que quiere es conseguir un nivel de experiencia que simplemente no puede alcanzarse en 2D. Si no, ¿para qué hacerlo?” pregunta Wills. “La capacidad de proyectar las cenizas al interior de la sala era algo que teníamos muy fijo desde muy pronto y queríamos que formara parte de la experiencia en 3D.” “Rodar en 3D tiene la cualidad de que te hace sumergirte en el rodaje. Me gusta llamarlo inmersión dinámica innovadora, o IDI. No se trata de 3 dimensiones… sino de cuatro, cinco o seis dimensiones. Es HD con un tratamiento de esteroides en la que uno se encuentra metido en el entorno y el ambiente adquiere una forma distinta para los espectadores. Se trata de agarrar a los personajes y ponerlos en el regazo del público; y agarrar al público y meterlo

en el ambiente,” afirma Gorak.

“La película va a ser una correría muy emotiva y estremecedora.

Una vez que los personajes abandonan su refugio y tratan de encontrar un camino para atravesar la ciudad, el ritmo no da tregua.

Chris y nuestro director de fotografía, Scott Kevan, diseñaron específicamente tomas con mucha profundidad de campo por detrás de los personajes de modo que el espectador sienta que está allí, que está metido en la escena.”

Así lo describe Jacobson. “Es natural que esta película esté en 3D porque el argumento tiene una condición de aventura y odisea, y esos elementos quedan muy bien en 3D. También estamos tratando de rodar la acción de forma naturalista, algo que no creemos que se haya realizado mucho en 3D. Hemos visto grandes películas de ciencia-ficción y gran fantasía, www.cinemascomics.com

en realidad,” afirma Wills.

“La aportación de Stefen a la película no tiene precio,” manifiesta Gorak. “Le añadió un gran nivel de creatividad y detalle que es el resultado de su veteranía y de su experiencia como director.

Nos dio algunas excelentes sugerencias, no sólo en el rodaje, sino también en la postproducción a medida que íbamos desarrollando más a los extraterrestres y la forma como se aproximarían a la cámara en 3D.”

películas familiares y películas de videojuegos rodadas en 3D, pero todavía no hemos visto en 3D una película de aventuras.”

Justo antes del comienzo del rodaje, el aplaudido supervisor de efectos especiales Stefen Fangmeier se incorporó al equipo de creación. “Timur desempeñó un papel decisivo en el desarrollo de los conceptos primitivos: la forma como podríamos definir los movimientos de los extraterrestres al ser eléctricos, iluminando lo que les rodea; cómo destrozan a sus víctimas y algo de la iluminación que de ello sale. Pero cuando llegó de veras el momento de ejecutarlo, Stefen ha sido decisivo a la hora de ayudarnos a hacer un todo de la producción y los efectos visuales. Es muy importante no dar una sensación excesiva de creación por ordenador. Es necesario sentir que está ocurriendo www.cinemascomics.com

Jacobson comenta que “Stefen ayudó con la forma de incorporar los efectos visuales a la película a fin de lograr la combinación de realidad y efectos que queríamos. La acción se desarrolla en el mundo real, pero a la vez tiene que tener entidad y ser capaz de provocar exclamaciones; queríamos que pareciera que realmente les estaba ocurriendo a esas personas. Los mismos extraterrestres, sus acciones, sus torres y la forma como aterrizan, todo ello tiene espectáculo pero está dentro del mundo real.”

“Cuando comenzamos a trabajar con Timur él ya contaba con un equipo de enorme talento en ‘Bazelev,’ dirigido por el supervisor de efectos visuales Dmitry Tokoyako, que era quien realmente dirigía todo esto, y, luego, durante el rodaje, se nos unió Stefen Fangmeier con el que se creó un fantástico equipo,” añade Jacobson.

“Stefen y Dmitry aportan una verdadera comprensión de lo que esto podría ser,” coincide Gorak. “El diseño de estas criaturas tiene una naturaleza muy sutil, al no salir a la luz en la primera página. Hay un largo proceso hasta revelar qué son los extraterrestres, cuánto vemos de ellos y cómo empiezan nuestros héroes a comprenderlo. Una vez com-

prenden la física por la que se rigen los extraterrestres, pueden empezar a defenderse. Nuestra odisea nos lleva a través de ese entendimiento y tengo la sensación de que Stefen y su equipo lo captaron por completo, así como la forma de no sacarlo a la luz enseguida.”

“El 3D ayuda a crear unos escenarios épicos para una historia íntima. Su núcleo es la relación entre personas; ésa es la columna vertebral dramática de la película, lo que la hace emotiva,” afirma Bekmambetov. “Pero la amplitud nos da la escala y el fondo. Esto es extremadamente excepcional porque el 3D crea la experiencia de estar ahí. Espero que esta película proporcione al público la ocasión de sentir literalmente lo que ocurre cuando sobreviene un gran desastre. Es la primera película en la que vemos el mundo destruido en 3D.” Rodar en 3D hace que el trabajo de los actores resulte todavía más decisivo. “Es muy importante la relación con los personajes porque en una película en 3D no es posible cortar y forzar la atención del espectador; no es posible zarandearle y es preciso dejarle estar ahí junto a los personajes.

Afortunadamente, contamos con grandes actores.”

“El público cinematográfico moderno está sediento de algo que no haya visto. Pero nada le va a importar si no establece una relación con los personajes que están pasando por la experiencia,” coincide Wills. “Lo primero y principal para nosotros era establecer una relación entre la odisea de los personajes y el público y, luego, dejar que la experiencia que están teniendo con los extraterrestres, los efectos visuales y el 3D informasen y complementaran dicha relación sin aplastarla.”

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Estreno

Buranku

20 de enero

Dirigida por Guy Moshe, BUNRAKU, está protagonizada por Josh Hartnett, Gackt, Woody Harrelson, Kevin McKidd, Jordi Molla con Ron Perlman y Demi Moore.

BUNRAKU toma su nombre de un espectáculo de marionetas japonés de unos 400 años de antigüedad, en el que varios titiriteros vestidos completamente de ne-

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gro, se suben al escenario quedando visibles para el público y manejan marionetas de casi dos metros. Sobre el escenario también se encuentran el shamisen (un músico) y el narrador, que habla por cada una de las marionetas y añade importantes comentarios normalmente enmarcando el mensaje de la historia en un contexto que conecte con el mun-

do real en el que está el espectador. Además, el narrador también ofrece información sobre los personajes arquetípicos que existen en el ámbito de la historia de un género determinado.

El film con unos efectos visuales de última generación y unas luchas coreografiadas espectaculares, BUNRAKU combina el cómic www.cinemascomics.com

con el spaghetti western, películas se samurais, vídeo juegos y mucho más, en un impresionante futuro alternativo. En un mundo sin armas de fuego, un misterioso vagabundo (Josh Hartnett) llega a una extraña ciudad en la que sus habitantes viven aterrorizados por el despiadado Nicola (Ron Perlman) y su ejército de matones, encabezados por nueve asesinos www.cinemascomics.com

mortales entre los que destaca el cruel Asesino nº 2 (Kevin McKidd).

El vagabundo se ve forzado a confiar en un joven samurai (la súper estrella japonesa Gackt), que busca restablecer el honor de su familia, y en el dueño del bar de la ciudad (Woody Harrelson) que ha estado esperando reunir a un equipo para acabar con el tiránico régimen de Nicola.

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S A Z N A G N VE O L I T S E N CO tiérrez

aura Gu r María L

Po

Bunraku y Ghost Rider: Espíritu de venganza se estrenan este mes para narrarnos la historia de la búsqueda de la venganza, un salvaje modo de hacer justicia, tal y como hiciera Uma Thurman en Kill Bill, la venganza más violenta de la historia del cine, pero no la más inquietante, categoría reservada para El cabo del miedo. Sólo un aviso: amantes del perdón y demás métodos pacíficos, absténganse de seguir leyendo, porque lo que les espera a continuación son las mejores venganzas cinematográficas y los consejos más cinéfilos para perpetrar cualquier vendetta.

FASCINANTE VIOLENCIA JUSTIFICADA

transgresora, única en su especie, la mejor de todas las venganzas, la más irrepetible, la más espectacular, sin duda es Kill Bill, la obra más elaborada, compleja y profunda del astro rey de la dirección, genio hiperactivo e hijo bastardo de Hollywood: Quentin Tarantino. En 2003, y tras seis angustiosos y largos años sin que la sangre salpicara con acierto alguno la gran pantalla, Kill Bill llegó para enamorar. La más grande historia jamás contada sobre el rencor que se puede llegar a acumular tras años de coma profundo y un ensayo de boda algo accidentado, pasaba a ser obra maestra indiscutible y pieza imprescindible para todo amante del buen cine.

Violenta, trepidante, fascinante,

La novia había despertado en el

Imagen de Kill Bill V.I Quentin Tarantino (2003)

imaginario del excéntrico Quentin Tarantino, y éste no paró hasta convertirla en el fenómeno cinematográfico que es hoy en día.

Uma Thurman (la mal llamada musa de Tarantino) cedió cuerpo, alma y mirada de odio perpetuo a su ya célebre rol de “Mamba negra”, ganándose la complicidad del público, que, sin poder resistirse a la fuerza magnética del personaje y el coraje ilimitado que ésta mostraba en cada uno de los fotogramas, se colocaba instintivamente al lado de la bella justiciera. ¿Quién puede negarle el derecho a hacer justicia a la novia? Después de todo, aquellos que ella creía sus amigos se propusieron asesinarla. Si bien es cierto que la violencia ha sido una de las razones que ha llevado a más de un insensato a censurar las magistrales obras de Tarantino, ¿de qué otra manera se iba a vengar “Mamba negra”? Cualquier otro acto de carácter más pacifico resultaría, simplemente, de lo más ridículo en esta enrevesada y perfecta na-

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rración.

El gran éxito de la obra, compuesta de dos espléndidos volúmenes, es sin duda su adictiva narración.

El ritmo pausado se mezcla con las trepidantes y frenéticas escenas de lucha protagonizadas por Uma Thurman y los protagonistas de su mortífera lista, peleas todas ellas de un carácter épico e irrepetible. Desde su visualmente fascinante enfrentamiento con ORenn Ishii, a la espectacularidad más sobrecogedora de asistir a la épica victoria de la novia frente a los 88 maniacos (entre los que se esconde el genial director de la obra), pasando por su enigmático encuentro con Elle Driver, la película resulta un glorioso ejemplo de venganza.

GENIO HIPERACTIVO Tarantino pierde al espectador en un mundo de violencia, sangre y resarcimiento del que es imposible escapar, ya que el humor, el dolor y el sentimiento de ira se entremezclan durante todo el

metraje para goce de todo el que opte por acompañar a la novia en su plan de venganza, una tarea que lleva a la protagonista al límite de sus capacidades de supervivencia y que demuestra que no hay mayor arma que la fuerza de voluntad y el obstinado deseo de llevar algo a cabo, características que además definen el modus operandis de Tarantino a la hora de filmar una película.

Los motivos del éxito de Kill Bill son tan ilimitados como el ímpetu de la protagonista, y resulta difícil resumirlos, pero es imposible no hacer mención a la brillante y exquisita mezcla de géneros de los que el cineasta se ha valido para dotar de un insolente espíritu poético a su obra más cuidada (escenas de manga incluidas), el coraje casi inhumano del que ha dotado a su personaje principal más icónico hasta la fecha (inolvidable la escena en la que la novia se encuentra enterrada viva), la profundidad casi demencial de los argumentos que, no obstante, cautivan por su simpleza y sinceriwww.cinemascomics.com

dad, y, por supuesto, todos y cada uno de los personajes que hacen acto de presencia, son excepcionalmente inolvidables.

tóricamente incorrectas pero increíbles cintas de todos los tiempos: la provocadora, descarada y brutal Malditos Bastardos.

una actriz, y unos enamorados de su causa?

El universo Tarantino podrá gustar o desagradar, pero nunca dejar indiferente. Y si de venganzas con estilo hablamos, no existe en el cine mayor y mejor obra que Kill Bill, porque nadie maneja la katana con tanta elegancia y desgarro como Uma Thurman, e, incuestionablemente, nadie idea, escribe y dirige tan artesanalmente como Quentin Tarantino, por lo que podría decirse que sobran los motivos para situar a Kill Bill como la primera venganza de la lista.

Prepárense para un viaje desconcertante, lleno de escenas inesperadas en las que los personajes derrochan carisma, empatía u odio por doquier. No existe venganza más insurrecta o villano tan magistral como el encarnado por uno de los mejores actores del momento, Christoph Waltz. Tarantino firma una venganza que hace historia, y que demuestra que no hay más límite que la imaginación a la hora de crear un colosal y pasional acto de venganza.

Una vendetta, que dicho sea de paso, concluye en un cine, está narrada por Samuel L. Jackson, regala la primera buena actuación de Brad Pitt y cuenta con todo el poderío y frescura de una historia original se mire por donde se mire. Porque, puestos a vengarse, ¿qué menos que cambiar el curso de la historia de la humanidad con ayuda de un crítico de cine,

Hasta ahora me he centrado en las dos femmes fatales más celebres de la historia del celuloide, pero ahora llega el turno de un hombre que hizo de su venganza casi un arte. A pesar de que el cine nos ha brindado grandes monstruos llenos de testosterona y rencores varios, sólo uno destaca entre todos ellos, sólo uno reina con sobrada diferencia entre el resto: el intenso, extraordinario e irrepetible Max Cady, de la inquietante El cabo del miedo, rol encarnado magistralmente por el mejor actor vivo: Robert DeNiro.

HISTORIA BASTARDA La segunda vendetta está también protagonizada por una mujer, Soshanna Dreyfus (Mélanie Laurent), una joven judía dispuesta a cambiar el curso de la historia a fin de vengar la muerte de su familia. La brava protagonista forma parte de una de las más épicas, e his-

TESTOSTERONAYRENCORESVARIOS

TÓMATE TU TIEMPO Sabes que una venganza es buena cuando el actor secundario Bob le rinde tributo en uno de los mejores capítulos de Los Simpsons sobre el ya eterno y desesperante intento de venganza hacía el simpático Bart Simpson. El maestro Martin Scorsese daba a conocer

Brad Pitt y Eli Roth en una escena de Malditos Bastardos. Quentin Tarantino (2009) www.cinemascomics.com

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Robert es Max Cady en El cabo del Miedo. Martin Scorsese (1991) 60 │

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en 1991 la venganza más inquietante y perturbadora de todos los tiempos, la llevada a cabo por un maquiavélico convicto no demasiado satisfecho por la vaga defensa que su abogado le prestó.

Durante catorce años en prisión, Max Cady no ha hecho otra cosa que planear minuciosamente como destrozar la idílica vida de su defensor legal, Sam Bowden (Nick Nolte), pero lo más aterrador no es el tiempo dedicado a pensar en cómo acabar con una vida, sino la implacable serenidad que DeNiro expira en cada escena, haciendo visible una frialdad que pone en evidencia la atroz personalidad de su personaje, que parece guiarse por su salvaje locura sin perder la compostura en ningún momento.

El miedo de la familia Bowden se contagia sin remedio al espectador, que siente como se para la respiración ante el temor de que Max se encuentre en cualquier parte, observando desde lo lejos con su desalmada tranquilidad, acechando el momento de atacar, de poner en práctica su ansiada, obsesiva y trastornada venganza.

Quizá se encuentre en tu jardín, delante de ti en la sala de cine, o

debajo de tu coche. Nadie puede garantizarte que estés a salvo, y nadie ha implantado tanto temor entre defensores de la justicia como Max, el autor de una venganza que podría definirse como lenta tortura. Por todo ello, él es el mayor vengador del cine.

CONSEJOS Huérfanos, payasos de sonrisa perpetua y jugadores de fútbol americano resentidos entre otros, han implantado las claves para llevar a cabo la más cuidada venganza. Puedes tenerlos en cuenta, obviarlos o simplemente disfrutar de las películas que a continuación se exponen. Es una promesa que, ignores o no mis consejos, no habrá resentimiento alguno.

SACA PROVECHO ENCANTOS

A

TUS

Cuando la dulce y angelical Meg Ryan dio una lección de venganza en Adictos al amor, la veda quedó abierta para todo un ejército de féminas enfurecidas, entre las que destaca Angelina Jolie, la más salvaje belleza del actual panorama cinematográfico, gracias a Wanted, filme de múltiples

resentimientos en el que el sentimiento de impotencia y rabia transforman a una dulce niña en la más letal asesina, Fox (Angelina Jolie). Ésta se mueve por el deseo de impedir que otros inocentes como su padre acaben muertos, y para ello hará lo inhumanamente posible.

Balas con precisión milimétrica, movimientos imposibles y una escalofriante falta de escrúpulos la convierten en la vengadora más peligrosa, ya que sus ansias de justicia la llevan a arrebatar la vida de cualquiera, incluida la suya.

Otra belleza letal fue Natalie Portman, la precoz Mathilda de El profesional (Leon), que estremeció a medio mundo por su sincera interpretación de una joven capaz de conmover con la mirada al más frío de los asesinos (Jean Reno), y con el coraje suficiente como para enfrentarse a un atroz agente de policía (Gary Oldman), responsable de la muerte de su familia. Sin duda la vengadora más inocente, la más desvalida de todas las mencionadas hasta ahora, y la única que no se sirve de la espectacularidad para contar su historia. Mathilda se ha gana-

Samuel L. Jackson y Bruce Willis en “La Jungla 3: La venganza”. John McTiernan (1995) www.cinemascomics.com

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Mel Gibson en Braveheart. 1995

do la complicidad del espectador por su descorazonada voluntad de aferrarse a la vida.

IMPROVISA SI ES NECESARIO Otro de los requisitos a la hora de llevar a cabo una venganza es contar con que todo saldrá tal y como estaba previsto, algo que sucede en la sorprendente y demasiado poco valorada El caso Slevin. Josh Hartnett es Slevin, un genio del engaño y la improvisación que, sacrificando la integridad de su nariz y su propia seguridad física, consigue diseñar un enredado método que le lleva a unir a los responsables de la muerte de su padre, unos mafiosos que hasta ese momento nadie había conseguido reunir en la misma habitación, y que ahora se encuentran a merced del joven huérfano. Fresca, de ritmo ágil y diálogos simples, la obra demuestra que se necesita muy poco para crear una muy original e inesperada historia, tan sólo algo de suerte y un reparto de lo más magnánimo.

NO TE OLVIDES DE LA DIVERSIÓN Vale que la venganza es un asunto muy serio, pero, ¿por qué renunciar al buen humor? La jungla 3:

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La venganza nos regala a un divertidísimo Bruce Willis en su mejor versión del siempre enojado John McClane. La cinta es, simplemente, irrepetible, como irrepetible es ver al resacoso McClane en medio de Harlem con un letrero que indica que odia a los negros, o intentando averiguar un sencillo acertijo sobre botijos y agua con la que es la mejor pareja posible para el entrañable agente de la ley, Samuel L. Jackson que ofrece muchos de los mejores momentos de la cinta.

ELIGE UNA FRASE CON GANCHO Los hechos perpetrados podrán pasar a la historia, pero nada se recuerda tan bien y rápido como una simple frase. Mel Gibson marcó a toda una generación con tan sólo diez palabras: “Pueden quitarnos la vida, pero jamás nos quitarán… ¡¡la libertad!!”. El mejor grito de guerra no sólo se hizo con cinco Oscar de la Academia, sino que se consagró como la cinta más inspiradora de la historia, y posiblemente la última decente de Gibson, que tiempo después de saborear el éxito como director empezaba a perderse en su propio mundo de historias demasiado complejas como para ser entendi-

das por todos. No obstante, Braveheart es la más noble de todas las venganzas, porque es llevada a cabo por la simple valentía de un hombre que luchó contra un reino y lo hizo sin más armas que su insigne coraje (y algunos fieles seguidores), algo que desarma los sentidos de cualquier espectador.

NO DEJES PRUEBAS Es imprescindible que cuides el más mínimo detalle, no puedes dejar que tu identidad te delate. Por ello, no tengas miedo y haz los cambios de imagen que estimes necesario: por ejemplo, cambia de sexo. Sí, puede sonar algo drástico, pero Sean Young es el claro ejemplo, en Ace Ventura, un detective diferente, de que el resultado es de lo más convincente para despistar a detectives de mascotas y astros de la Super Bowl cuando se quiere perpetrar una enfermiza venganza. Claro que si Jim Carrey está en escena, es fácil que cualquier otro personaje pase desapercibido en esta desenfrenada y genial excentricidad del humor más absurdo y contagioso.

EL INGREDIENTE SECRETO ES EL www.cinemascomics.com

TERROR Si tus sentimientos han sido heridos, date el gustazo de sembrar el más aterrador desasosiego entre los culpables. Puedes perseguirlos hasta la extenuación para que aprendan la lección: Nunca juegues con extraños, o puedes rescatar alguna vieja Leyenda Urbana de carácter adolescente con poca originalidad pero con alto grado de impacto en espectadores con tendencia a mirar en el asiento trasero del conductor después de repostar en una siniestra y tétrica gasolinera.

MARCA ESTILO Y por último, si estás dispuesto a perpetrar un sinfín de actos en pro de la justicia, hazlo con estilo. Brandon Lee dedico los últimos días de su vida a dar forma y carácter a un icono que traspasa los límites de la mortalidad: el irremplazable y originario El cuervo. Este héroe romántico no sólo desafía a la mismísima muer-

te, sino que define un estilo casi irrepetible. Y si de versiones imposibles de superar hablamos, no podemos olvidar a otro apasionado de la moda más radical, el Joker ideado por Tim Burton en Batman. La cinta no sólo ofrece al mejor Batman hasta la fecha, sino que describe la más desquiciada, frenética y simpática venganza del Joker con más sentido del humor de todos los tiempos.

Todo ello sin olvidar los matices excepcionalmente extravagantes que caracterizan el singular modo que tiene Bruce Wayne de vengar, a su estrambótico modo, a sus fallecidos padres.

Si llegados a este punto no has sido capaz de encontrar inspiración alguna, siempre te queda revisar las venganzas de corte más clásico (Hamlet, Las amistades Peligrosas), o aprovechar para recuperar a tu chica y, de paso, sacar algo de dinero (Ocean´s eleven). Pero, hagas lo que hagas, mantén tus sentimientos a raya o acabarás aturdido entre el

sentimiento de afecto y odio que tu victima te despierta (Gangs of New York).

SE ADMITE EL PERDÓN Puede que el mustio Will Munny de Sin perdón no conozca piedad alguna, pero si la extremadamente violenta y descarnada 44 Inch Chest nos han enseñado algo es que el perdón es siempre una opción válida. Porque si Po supo perdonar en Kung Fu Panda 2, ¿por qué el resto no? Desde luego la paz interior garantiza poder dormir tranquilamente sin remordimiento alguno y sin las preocupaciones propias de un elaborado plan de venganza. Aunque nunca olvides que lo que en apariencia es un inocente sueño puede ser el más malévolo de los sentimientos de venganza de un ser quemado por el rencor (Pesadilla en Elm Street).

Fotograma de Batman de Tim Burton. 1989 www.cinemascomics.com

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Estreno

Underworld: El despertar 27 de enero La batalla milenaria entre vampiros y licántropos continúa con fuerza, en un impresionante 3D, en Underworld: El Despertar, la cuarta y más espectacular entrega de la muy popular franquicia.

Llevando el sello de acción y caos de la saga a todo un nuevo nivel, en Underworld: El Despertar la legendaria guerrera vampira Selene (Kate Beckinsale) se enfrenta a su mayor y más poderoso adversario, al tiempo que descubre un perturbador secreto que cambiará todo por lo que siempre luchó.

Quince años han pasado desde

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que Selene y su amante Michael, híbrido entre humano y licántropo, derrotaran al Vampiro Mayor Marcus en Underworld Evolution.

En esos años la humanidad ha descubierto la existencia tanto del clan de los vampiros como del de los licántropos y se ha lanzado a una lucha encarnizada para erradicar ambas especies. Selene, capturada durante el genocidio, se despierta después de más de una década y se da cuenta de que se encuentra cautiva en un laboratorio herméticamente cerrado en Antigen, una poderosa corpo-

ración biotecnológica que se dedica a desarrollar la vacuna en contra de los virus que han creado a vampiros y licántropos.

Selene se siente destrozada cuando descubre que Michael está muerto, pero su dolor es eclipsado por el descubrimiento de que mientras se hallaba en estado de criogenización ha dado a luz a la hija de ambos, Eve (India Eisley).

Mientras busca asilo para ella y su hija, Selene se encuentra con que el mundo en el que su raza se alzara orgullosa ya no existe y que www.cinemascomics.com

su gente ha sido perseguida hasta el borde de la extinción y que los pocos supervivientes se ocultan bajo tierra.

más poderoso oponente en toda la historia de Underworld: un super licántropo alterado genéticamente.

Rechazada por los clanes que aún quedan, Selene se enlista para apoyar a un joven vampiro, David (Theo James), quien se une a ella en su sangrienta venganza contra Antigen, donde oscuras fuerzas conspiran para destruirla tanto a ella como a su hija. Con sus tradicionales enemigos, los licántropos, otra vez en ascenso, incluso Selene parece no tener el poder suficiente para hacer frente a su

Underworld: El Despertar está protagonizado por Kate Beckinsale (Underworld, El aviador, Nothing But The Truth), Stephen Rea (V de Vendetta, Juego de lágrimas), Michael Ealy (Siete almas), Theo James (Conocerás al hombre de tus sueños), India Eisley (Vida secreta de una adolescente) y Charles Dance (Juego de Tronos, Alien3).

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ACERCA DE LA PRODUCCIÓN Para la cuarta entrega del gran éxito que es la franquicia de Underworld, los productores Tom Rosenberg, Gary Lucchesi y Richard Wright, junto al creador de la franquicia Len Wiseman se han arriesgado de forma extraordinaria al reinventar y darle nuevo vigor a un título que ha obtenido el aplauso y el éxito en todo el mundo. Los realizadores han trasladado sus personajes de vampiros y licántropos a un mundo contemporáneo, dominado por los humaCinemascomics │Especial 2012 │

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nos y en el que ambas especies son perseguidas hasta el borde de la extinción, y a la mezcla le han añadido la emoción de la última tecnología de 3D. Con otros compromisos pendientes, incluyendo la dirección de la próxima nueva versión de Desafío Total (Total Recall), el creador de la franquicia Len Wiseman decidió no dirigir la película, pero se ha mantenido muy cerca del proyecto como productor y como fuente de inspiración para el extraordinario argumento del filme.

“Len imaginó un escenario donde Selene y Michael habían creado un hijo”, explica Gary Lucchesi, presidente de Lakeshore Entertainment. “Este fue el punto de partida para la película. Hubiera sido imposible hacer una película tan buena sin la contribución de Len. Ha estado involucrado en todas las áreas del filme desde la producción, pasando por el diseño artístico y el guión, hasta la elección del reparto”.

Kate Beckinsale, que protagonizó las dos primeras entregas de

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la saga Underworld, regresa una vez más en el papel de la Vampira Guerrera Mortal Selene, que escapa de un largo encarcelamiento y descubre que los humanos están al borde de erradicar por completo a vampiros y licántropos.

“Esta es la continuación de la historia que finalizó en Underworld Evolution”, cuenta David Coatsworth, productor ejecutivo de la película. “Poner a Selene en el contexto del mundo moderno y hacer que interactúe con humanos es uno de los dos grandes nuevos elementos. El segundo es el descubrimiento de que es madre de una joven adolescente.

Esto le da toda una nueva dirección a la evolución de Selene y establece la posibilidad de una continuación en el futuro”.

Ambientada 15 años después de la conclusión de Underworld Evolution, Underworld: El Despertar añade nuevos personajes y nuevas reglas a la historia. “Creo que los fans incondicionales encontrarán aún más acción y, en cierta medida, un Underworld más violento

que los que han visto hasta ahora”, afirma Lucchesi. “Selene es más dura en esta película que en ninguna anterior. Es capaz de una violencia aún mayor. Es una historia muy fuerte dramáticamente y con una gran interpretación.

Hemos puesto el listón muy alto con las anteriores películas y creo que el público encontrará esta entrega realmente fascinante”.

Esta actualización aparta la historia de su mitológico pasado y la coloca en el mundo del thriller de acción de ciencia ficción. “No transcurre en nuestro pasado, presente o futuro”, explica Richard Wright de Lakeshore. “Tiene lugar en su propia versión de estos tres períodos temporales”.

Con un incondicional de la serie como Wiseman sin poder hacerse cargo de la dirección, los productores se lanzaron a la búsqueda de alguien que pudiera llevar la dirección de esta nueva producción. “Consideramos a un gran número de directores jóvenes que han mostrado interés por la franquicia de Underworld”, cuenta Lucchesi. “Dentro de ese gruwww.cinemascomics.com

po se incluye el equipo formado por los directores suecos Måns Mårlind y Björn Stein. Ambos codirigieron una película interesantísima titulada Storm, que en nuestra opinión está fuertemente influenciada por Underworld”.

“Cuando vimos esa película, por la forma en que fue rodada, los movimientos de cámara, los colores y por muchos otros elementos, nos dimos cuenta de que entendían a la heroína”, asegura Wright. “Entonces nos entregaron un libro con una muy detallada presentación de cómo pensaban tenía que ser la película. Era obvio que estos tíos iban a aportar muchísimo al proyecto”Mårlind y Stein, que previamente han dirigido tanto juntos como por separado, se conocen desde niños. Han desarrollado una conexión única que les permite trabajar en tándem de forma más efectiva, en la que cada uno dirige alternando días. “Tiramos una moneda al aire antes de que comience el rodaje”, cuenta Stein.

“En general gana Måns, aunque yo no diría que es necesariamente ganar. Porque si aciertas cara o

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cruz, tienes que dirigir el primer día, y ese día es siempre caótico”.

“Cuando Måns dirige, soy su ‘mejor amigo’”, continúa. “Siempre estoy junto a él apoyándole. Él dirige el espectáculo y toma todas las decisiones con respecto a los actores, la cámara y todo lo demás. Yo estoy allí para ocuparme de aquello que no es inmediatamente urgente, cosas del reparto, la dirección artística, los efectos visuales o lo que sea”.

Dirigir un día sí y un día no, les da a ambos directores una sensación que ellos consideran una enorme ventaja. “Los dos tenemos tiempo para recargar energía y prepararnos para el día siguiente”, explica Mårlind. “Cuando no tienes que apagar incendios todo el día, puedes tener más claridad y pensar en el conjunto”.

Por poco ortodoxo que pueda parecer este método, los actores y productores de la película apoyan el resultado de manera sólida.

“No sé cómo voy a habituarme otra vez a tener un solo director”, afirma Beckinsale. “Con los

cambios de turno, se encuentran siempre en gran forma. Nunca se agotan. Yo estoy casada con un director, y sé que es un trabajo que no termina nunca. Siempre hay 50 personas preguntándote cosas.

Con un compañero pudiendo contestar a todas ellas, el que dirige se puede centrar en los actores y en la toma que tiene entre manos”.

Los directores eran totalmente conscientes de todo el trabajo que hay detrás de la creación de la serie a través de las tres entregas previas y tenían un gran respeto por la franquicia. “Las películas están basadas en una fuerte, interesante y bien desarrollada mitología, razón por la cual siempre hemos sido fans”, recalca Mårlind. “Aquí tratamos con temas universales como el amor, la supervivencia y la muerte. Nos tomamos esa parte muy en serio, pero gracias a tantas cosas chulas que pasan, nunca se vuelve pretenciosa. La serie se distingue por una buena mezcla de interpretaciones y de estilo visual, que es algo que nos gusta mucho. No nos consideramos solamente directores visuales o directores de actores. Nos encan-

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tan las dos facetas”.

La principal preocupación de los directores, según Stein, era que pudieran aportar nuevos y atractivos elementos a la pantalla y a la vez preservar lo mejor de las anteriores. “No lo dudamos ni un instante porque el guión era buenísimo”, afirma Stein. “El concepto del film mismo se desvía ligeramente de las anteriores películas, por lo que estamos caminando sobre una línea muy fina. Underworld: El Despertar no es el presente, no transcurre en nuestro mundo. Esto ha sido un desafío porque hemos tenido que crear un nuevo mundo y a la vez mantener el sello de Underworld para mantenernos fieles a la franquicia”.

“Hablamos muchísimo con Len Wiseman y él nos fue de gran ayuda para establecer pautas en cuanto a lo que era adecuado o no en términos de los mitos de Underworld”, continúa. “Todas esas nuevas situaciones se presentan en un entorno completamente diferente, y tuvimos que tomar

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muchas decisiones al vuelo, lo que también fue divertido”.

Los eternos arquetipos de hombres lobo y de vampiros se mantienen. “El vampiro es el lado oscuro y sexy de todos nosotros”, define Mårlind. “Pero también tenemos al hombre lobo dentro que es la fuerza destructiva”.

La mayor diferencia está en el equilibrio de poder, según Stein.

“Los vampiros por primera vez son los desvalidos, y se convierten en un minoría a la que quieres apoyar”, se explaya el director.

“Pueden matar con facilidad a un hombre, pero no pueden matar a la humanidad. Creo que esto es lo que será apasionante para los fans porque se va un paso más allá y se profundiza en la mitología que expandirá este universo”.

Hay varios personajes nuevos que ayudarán a lograrlo, incluyendo al grupo de vampiros derrotados bajo tierra y la hija de Selene, Eve (interpretada por la actriz de 17 años India Eisley), a quien su combinación de sangre de vampiro y licántropo le otorgan una

desconocida cantidad de poderes aún por descubrir. “Eve no es un vampiro ni un licántropo”, describe Eisley. “Es el primer híbrido entre licántropo y vampiro y la última descendiente de Alexander Corvinus, lo que la convierte en alguien molesto tanto para los licántropos como para los vampiros”.

Otra nueva variable en el mito de Underworld es la división evolutiva de la raza de los licántropos que amenaza con romper el equilibrio entre estos enemigos milenarios. “Ahora hay tres diferentes tipos”, explica Lucchesi. “Un involucionado tipo de licántropos que apenas sobrevive y que ha sido empujado a la clandestinidad. Sufren de desnutrición. Son malignos, casi como si fueran zombis-licántropos. Y también tenemos a los licántropos que hemos visto en las entregas anteriores”.

Pero el desarrollo más significativo es el del súper licántropo.

“Se trata de una criatura completamente nueva”, explica el www.cinemascomics.com

productor. “El súper licántropo es enorme. Mide más de tres metros y medio y pesa unos 550 kilos.

Tiene un mayor torso y los brazos más largos, mientras que las piernas son ligeramente más cortas, más similar a un gorila que a los previos licántropos. Solo hay uno de ellos y está siempre enfadado.

Arroja coches, aplasta paredes y no le tiene especial cariño a Selena”.

Mårlind llama a esta nueva criatura, “el licántropo por excelencia.

Es el resultado de experimentos hechos por el ser humano. Sabemos que puede sobrevivir a un ataque con plata, que es el talón de Aquiles de los hombres lobo, así que es prácticamente imbatible”.

“Hay algo de poesía en los personajes de Underworld”, agrega Burnett. “Los actores en su mayor parte son extremadamente buenos con el lenguaje. Queríamos darle a sus personajes un alto grado de elocuencia”.

Con Underworld: El Despertar, los

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realizadores se lanzaron a crear toda una nueva historia que pudiera atraer tanto a los amantes incondicionales de la franquicia como a aquellos que aún no han experimentado la saga. “Creo que la gente que ha disfrutado con los filmes anteriores y que va a ver uno nuevo, espera ver ciertas cosas, ciertas convenciones a las que adherirse”, explica Coatsworth. “Pero creo que también quieren algo nuevo. Esto representa un doble reto. Tenemos que ser leales a las reglas del juego pero también añadir una nueva dimensión a la historia”.

Coatsworth cree que el filme logra ambas cosas y es una película emocionante y entretenida en sí misma. “No es necesario haber visto las otras películas de Underworld para apreciarla. Creo que todo un nuevo grupo de gente que disfruta de los filmes de acción y del 3D serán una gran parte de nuestro público”.

Con la hija de Selene y Michael, los realizadores esperan poder extender la vida de la franquicia al futuro. “Como ambas, Selene y

Eve, son inmortales, quién sabe lo que pasará”, agrega Wright. “Pueden estar juntas por mil años”.

DESCUBRIENDO LA PRÓXIMA GENERACIÓN Los fans de las dos primeras películas de Underworld estarán encantados con el regreso de Kate Beckinsale en el papel de Selene, la Vampira Guerrera Mortal.

“Realmente queríamos trabajar nuevamente con Kate”, asegura Lucchesi. “Hay ocasiones en que los astros se alinean a la perfección y esa es una de esas ocasiones”.

Beckinsale admite que se lo pensó dos veces antes de volver a meterse dentro del traje de látex negro y aceptar otra vez el papel.

“Pero para mí fue un papel que me cambió la vida y le tengo cariño. Es emocionante seguir con un personaje después de un período tan largo de tiempo. No es frecuente tener una oportunidad como esta”.

Tom Rosenberg, presidente y di-

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rector general de Lakeshore Entertainment, está encantado de tener a Beckinsale en la película.

“Ella es Selene, y Selene es el corazón y el alma de Underworld.

Desde la primera escena de la primera película, ella fue la perfecta encarnación del personaje”.

Durante el rodaje quedó claro que no había perdido ninguna de las cualidades que convirtieron a Selene en una figura icónica de la tradición de Underworld. “Kate puede convertirse en Selene en un santiamén”, se maravilla Mårlind chasqueando los dedos. “En un momento dado, ella puede estar de risas, pero cuando dices acción, levanta las armas y parece que va a asesinarte. Hay una autovía que la conduce a Selene,

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y eso es fantástico. Como director, es maravilloso contar con alguien que está tan cerca de su personaje”.

Volver al personaje y la mitología que impulsó su carrera como estrella de cine fue una gran diversión para la actriz. “Fue genial poder hacer esto junto a aquellos que crearon la película original, pero en un nuevo entorno y nuevos problemas para Selene”, afirma la actriz. “Todos queríamos un nuevo enfoque y creo que lo logramos”.

El cambio más perturbador para Selene es descubrir que tiene una hija. “Que de repente te enteres que tienes una hija ya crecida es un gran shock, especialmente

cuando el padre de la joven ya no está contigo”, asegura Beckinsale. “Son muchas cosas para asumir. No diría que Selene de un momento a otro se vuelve suave y maternal, pero sí que tiene un instinto de protección diferente”.

Después de siglos de no tener que responder ante nadie, Selene solo puede abrazar a su hija muy lentamente, explica el coguionista J. Michael Straczynski. “Saca otro lado de ella. En las películas previas estaba concentrada básicamente en combatir a los malos.

Luchaba contra ellos, pero no luchaba por alguien como ahora”.

La jovencita abre el personaje de Selene a todo un nuevo abanico de www.cinemascomics.com

fantástica”, recuerda Rosenberg.

“Recuerdo a su encantadora madre, Olivia Hussey, cuando hizo su primera película con Zeffirelli, Romeo y Julieta (Romeo and Juliet), así que fue emocionante dar con India”.

En una extraña coincidencia, Eisley estaba en un café de Santa Mónica poco después de su audición y Kate Beckinsale, que se encontraba allí junto a Len Wiseman y la hija de ambos, Lily, la señaló. “Se volvió hacia Len, y le dijo: ‘mira a esa chica’”, recuerda Eisley. “‘Deberías preguntarle si querría estar en la película. Es como una mini yo. Y él le contesto: “acabamos de ver el vídeo con su prueba’”.

En la película, Eve es descubierta por Selene y David acurrucada en un vestíbulo donde la jovencita se había refugiado de un ataque licántropo. “Ella ha pasado toda su vida en Antigen y es una especie de rata de laboratorio”, describe Eisley. “Ha adoptado su forma híbrida pero no tiene ni idea de que hacer porque nunca ha estado fuera. Una vez que sale al mundo real está en un estado de conmoción absoluta”.

posibilidades permitiéndole que tenga algunos momentos emocionales a diferencia de las películas anteriores. “Por primera vez, se ve una cierta vulnerabilidad en Selene”, define Wright. “Tiene un intercambio con Eve muy anti-Selene. Ella es fría e impasible. No ama a nadie y es una máquina de matar... y ahora tiene una hija”.

Eve agrega una nueva dimensión a una historia ya de por sí única, observa Beckinsale. “No hay muchas franquicias lideradas por mujeres que funcionen sin una carga deliberada de sexualidad sobre el personaje femenino. Creo su maternidad, con todos los conflictos implícitos, es una de las grandes cosas sobre Selene”.

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La debutante India Eisley interpreta el papel de Eve, la adolescente cuya vida ha sido la de una rata de laboratorio en manos de la empresa biotecnológica que ha tenido prisionera a su madre.

Eisley, quien asume su primer rol principal en el cine en Underworld: El Despertar, ha cautivado a los realizadores con su solemne precocidad y su belleza de otro mundo. “India tiene una cualidad exótica”, asegura Lucchesi.

“Además es totalmente creíble en el papel de hija de Kate. Ella hizo la prueba el primer día de casting y nadie pudo superarla.”

Eisley se hizo con el papel en una dura competición: tal vez un testamento de sus raíces en el mundo del espectáculo. “Fue

Eve es un cúmulo de contradicciones, afirma la joven actriz, no es consciente de sus poderosas habilidades, todo lo está experimentando por primera vez y está aterrorizada. “Eve es ambas cosas, dura y vulnerable a la vez”, continúa Eisley. “Como la mayoría de las jóvenes adolescentes, va de un extremo a otro en lo emocional, pero en este caso es aún más extremo. Tiene impulsos contradictorios dentro de sí que no puede controlar, por lo que oscila entre mostrar una gran contención y volverse completamente animal”.

Como admiradora de la franquicia, Eisley aplaude los cambios que Underworld: El Despertar aporta a la historia. “Es genial cómo reintroducen a Kate a la vez que se presentan nuevos perCinemascomics │Especial 2012 │

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sonajes”, apunta la joven actriz.

“Han entrelazado todas las líneas argumentales sin fisuras. Kate es una de mis actrices favoritas y es todo lo encantadora que imaginé que sería. Me siento afortunada de poder trabajar con ella”.

Otro elemento nuevo en la franquicia es el vampiro David, interpretado por Theo James. David ha estado en busca de Selene cuya reputación le ha inspirado para querer luchar contra la agresión humana. “Para David, Selene es una especie de leyenda”, afirma James. “Ella es una vampira súper atractiva, pero también es dura como la piedra. Cuando David escucha que puede ser que se encuentre con vida nada puede detener su búsqueda”.

David y su clan, liderado por su padre Thomas, se han refugiado bajo tierra del continuo ataque de los humanos. Pero David arde en deseos de entrar en acción.

“El guión es muy sólido”, asegura James. “Tenemos una mezcla de lazos de sangre, uniones familiares y venganza, además del ángulo genocida. Trabajé mucho para saber exactamente de dónde venía mi personaje y cuál era su lugar en toda la historia. Hablé con Måns y Björn acerca de dónde podría haber nacido David, cuándo había sido convertido y todo este tipo de cosas”.

David es el primer vampiro con el que Selene se encuentra cuando teme que ya no quede ninguno en todo el mundo. Él la lleva a su escondite secreto donde están los pocos vampiros supervivientes, pero su padre quiere a Selene y Eve lejos de ellos. “Siendo justos, Selene tiene la reputación de haber matado a los vampiros mayores y haber causado todo tipo de problemas”, argumenta Beckinsale. “David se convierte en una especie de paladín para ella. Ella nunca había tenido a nadie de su lado hasta este momento”.

Beckinsale fue una especie de mentora para James en su en-

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trada al mundo de los vampiros.

“Kate está completamente empapada de la mitología” se admira el actor. “Ella conoce a Selene como nadie. Fue de mucha ayuda con pequeñas puntualizaciones acerca de los límites de los vampiros, lo que pueden y lo que no pueden hacer”.

Agregar nuevos jóvenes actores como Eisley y James abre mayores posibilidades para la franquicia, asegura Lucchesi. “La historia no se percibe como completa al final de la película. Sientes que realmente la franquicia debería seguir y creo que vais a ver papeles importantes para Eve y David en futuras entregas de Underworld, y también para Thomas, el personaje de Charles Dance”.

Dance da vida al padre de David, un vampiro mayor y jefe de uno de los pocos clanes de vampiros que sobreviven. “Han estado escondiéndose y ya no son los ricos y poderosos vampiros que eran”, explica Lucchesi. “Pero para el final de la película sí que tendrán un renacimiento”.

Dance aporta una natural y ligeramente siniestra elegancia a su papel. “Es muy alto, por lo que es muy imponente”, afirma Björn Stein. “Pero también es su voz.

Puede hablar de polvo y paja y sigues escuchándolo porque tiene una de esas voces que te atrapan”.

Thomas está escondido en su marginado grupo cuando David aparece con lo que semeja ser el cuerpo de una joven muerta. “Es Eve”, aclara Dance. “No está muerta, pero casi, y es un híbrido. Thomas no está contento con la situación.

Somos una especie amenazada, nosotros los vampiros, y existe una especie de acuerdo tácito de no llevar desconocidos a nuestros santuarios”.

La decisión de interpretar a Thomas fue muy fácil para Dance.

“Mi hija es una fan y no volvería a hablarme si no lo hubiera he-

cho”, afirma el veterano actor, entre cuyos muchos trabajos para cine y televisión se incluye su papel como Clemens en Aliens3 y más recientemente como Tywin Lannister en la serie éxito de HBO, Juego de tronos (Game of Thrones). “Sumarme a una franquicia ya establecida no es muy diferente a entrar en cualquier otra película y presentar un nuevo personaje. El único factor de continuación es Kate Beckinsale”.

El estelar reparto también incluye a Stephen Rea como el Dr. Lane, el despiadado director de Antigen. “Jacob es uno de esos tipos malos que está en guerra consigo www.cinemascomics.com

mismo”, retrata Beckinsale. “Lo define el odio que se tiene a sí mismo y sus arrepentimientos.

Varias tragedias en su vida le han hecho coger el camino equivocado por las razones equivocadas, lo que lo convierte en una figura aún más oscura y vulnerable”.

El personaje de Rea parece tener motivaciones muy simples para llevara a cabo sus acciones, pero oculta un secreto que afecta a todos en la película. “Creo que lo más interesante de esta serie es la gran profundidad de los personajes”, asegura Rea. “No son superficiales. Hay una gran historia detrás de su dolor y su búsqueda”. www.cinemascomics.com

Además de David, Selene encuentra un aliado en el detective Sebastian, interpretado por Michael Ealy. Sebastian es un humano que perdió a su mujer vampira en una de las salvajes purificaciones. “Trabajar con Kate ha sido muy divertido y todo un honor” afirma Ealy. “Obviamente ella es Underworld, pero es todo lo humilde y dulce que se puede ser.

Y es totalmente profesional. En nuestra primera escena juntos, me impresionó cómo se transformaba automáticamente en Selene sin siquiera pensar en ello”.

Los amantes incondicionales de la franquicia estarán encantados

con que Beckinsale haya vuelto más mala que nunca, opina Ealy.

“Por otra parte, esta película es perfecta para cualquiera que no esté familiarizado con la franquicia. El detective Sebastian, como el primer personaje completamente humano de la serie, representa una dinámica inexistente en las otras películas. Por primera vez tenemos la oportunidad de ver cómo es para un humano vivir entre todas esas criaturas sobrenaturales”.

Los cambios han abierto la película y la han sacado del “submundo” según Beckinsale. “Hay algunos personajes nuevos estuCinemascomics │Especial 2012 │

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pendos interpretados por excelentes actores” aprecia la actriz.

“India tiene un talento fantástico y Theo es un verdadero hallazgo.

Stephen y Charles aportan algo nuevo pero con un toque muy familiar. Tienen algo de la gravedad que tenía Bill Nighy en las primeras entregas, quien interpretó a Viktor, el vampiro mayor. Todo esto le añade una nueva capa de intriga y peligro”.

UNA NUEVA VISIÓN DE UNDERWORLD En Underworld: El Despertar, para llevar a los vampiros y licántropos a la fría luz del mun-

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do humano, los realizadores se esforzaron en diferenciar el “Underworld” basado en el viejo mundo de fantasía, del moderno mundo urbano en el que despierta Selene. Al rodar en Vancouver encontraron bastantes ventajas que pudieron aprovechar, como la moderna silueta de la ciudad, los alrededores salvajes y la atmósfera taciturna. “Vancouver es una de esas grandes ciudades para rodar”, asegura Coatsworth.

“Aprovechamos tanto los aspectos contemporáneos como los aspectos más antiguos de la ciudad para tratar de crear la extensión de nuestra ciudad europea y al mismo tiempo, con sutileza, pro-

yectarla al futuro”.

Las calles de los suburbios de Vancouver aportaron la oscuridad y la atmósfera húmeda que deseaban los realizadores para el futuro anti-utópico, al tiempo que la arquitectura modernista brindó la inspiración para la extensa ciudad sin nombre”. Underworld no es nuestro mundo”, explica Mårlind.

“No puedes decir es Moscú, Nueva York o Roma. Es Underworld.

Para nosotros esto fue muy interesante porque pudimos explorar nuevas ideas”.

“Si miras alrededor, verás tipos de arquitectura muy concretos” www.cinemascomics.com

ques de cemento de formas simétricas. En Vancouver, hay muchos edificios diseñados por el arquitecto Arthur Erickson que entra en este estilo y tuvimos la suerte de poder usar algunos de ellos, incluyendo el de la Universidad Simon Fraser, que fue nuestra localización clave: el centro de operaciones de Antigen”.

Con la tecnología láser llamada LIDAR, los realizadores pudieron volver a darle forma a la silueta basada en la de Vancouver con las especificaciones de los directores, construyendo en esencia una nueva ciudad por completo para el mundo humano de Underworld: El Despertar. James McQuaide, productor ejecutivo de la película y supervisor de efectos visuales utilizó la habilidad del LIDAR de capturar el volumen geométrico para construir por completo una silueta original de una ciudad moderna que no es reconocible geográficamente porque en realidad no existe.

continúa el director. “No se trata para nada del estilo gótico de un sitio como Budapest, pero aporta una sensación nueva que fue muy divertida explorar”.

Los realizadores le dieron a esta ciudad de ficción una silueta inspirada en edificios de la era soviética de Europa del Este. “Nos decidimos por un look muy específico, el del estilo arquitectónico conocido como brutalista”, afirma el director artístico Claude Paré. “El brutalista fue el estilo predominante en la era comunista. Es funcional, no tiene adornos y es rectilíneo. Típicamente está construido con descarnados blowww.cinemascomics.com

“Escaneamos diferentes edificios de todo Vancouver, luego pusimos esas imágenes todas juntas para crear una especie de foto-collage”, explica McQuaide. “Los edificios puede que sean reconocibles si se conoce bien Vancouver, pero no están situados uno junto al otro a excepción de en nuestra ciudad. Una vez que capturamos la verdadera geometría del espacio, recreamos prácticamente lo que allí había. Como se trata de datos, no estamos atados a ningún ángulo en particular, por lo que la cámara se puede mover con libertad en el espacio virtual”.

El director artístico Paré también creó una especie de cueva como refugio del clan de vampiros. Perseguidos hasta casi el punto de su extinción, un pequeño grupo se ha refugiado bajo tierra en una guarida bajo una gigantesca central hidroeléctrica. “Y por casualidad había una fantástica planta hidroeléctrica a media hora de Vancouver”, se maravilla Wright.

La guarida es un monumento a tiempos pasados, lleno de reli-

quias de sus antiguas y lujosas vidas. “Todo está muy húmedo y mohoso”, describe Paré. “Está hecha en tonos de ocre, marrones, verde oscuro y mucho, mucho negro”.

Es un nítido contraste con la dura geometría de la ciudad, afirma Mårlind. “Queríamos que el mundo vampiro fuera antiguo, sensual y redondeado”, continúa el director. “Da la sensación de ser un vientre materno, porque ese es el tema de Selene en la película”.

Los interiores tanto de la guarida de vampiros como de Antigen se tuvieron que hacer especialmente para el rodaje. “Vancouver tiene varios estudios y eso nos permitió dispersarnos y construir esos decorados”, agrega Wright. “Vancouver también cuenta con gente muy capacitada en el tema de la construcción. Con ellos creamos una cueva del estilo de una cripta medieval para la guarida y luego unos interiores de hormigón y cristal de alta tecnología para Antigen, ambos acabados completamente diferentes”.

El icónico traje de Selene ha sido recreado hasta el más mínimo detalle por la diseñadora de vestuario nominada al Oscar® Monique Prudhomme. “La primera vez que la vi en su traje, pensé, ¡ha vuelto!”, relata Prudhomme. “El reto fue encontrar un tejido que transmitiera la misma sensación y a la vez fuera cómodo. El vestuario es muy simple, pero era vital hacerlo bien. El traje de látex no tiene ningún atractivo cuando está en una percha, pero como Kate es tan bella y atlética, cuando se lo pone hace que se vea fantástico.

El detalle de su vestuario lo da el corsé de cuero que es grande y adornado. Es como su armadura”.

Otro elemento que le agrega brillo a la actriz es su inmenso abrigo mortífero. “Es un abrigo de cuero bordado elaboradamente en los hombros, en el frente y en las mangas”, continúa la diseñadora.

“El abrigo le da ese gran ‘sonido’ Cinemascomics │Especial 2012 │

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al movimiento y además le da el punto tradicional de vampiro a su look”.

Cuando me puse el traje por primera vez fue como volver a casa, asegura Beckinsale. “Solo el sonido que hace es muy específico.

En un principio me sentí bastante intimidada por el vestuario, pero ahora confío en él. De hecho en realidad me ayuda”.

El diseñador de los efectos especiales de maquillaje Todd Masters fue el encargado de crear el concepto visual original para Eve, el primer híbrido vampiro-licántropo. “Fue un gran honor que depositaran en mí una tarea de tal magnitud”, asegura Masters. “La tecnología y la técnica artística se desarrolla con tal rapidez que el listón está muy alto. El híbrido de Eve sufrió varios desarrollos.

Era importante seguir viendo a India, que no fuera solo un monstruo cuando sufriera esa transformación dinámica. Queríamos ver interpretación. Realizamos unos colmillos muy chulos para ella, así como lentillas y alucinantes

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uñas de color rubí”.

Eisley afirma que el elaborado maquillaje completó para ella su personaje. “Me encantó. Me pusieron unos colmillos licántropos que son muy grandes y desagradables y unas garras largas de un intenso rojo. Las lentillas eran de una mezcla única de negro y azul hielo, porque Eve no es totalmente licántropo ni vampiro.

Las lentillas eran muy cómodas, pero las garras eran bastante difíciles de llevar. Estaban pegadas a mis dedos y sentía que iban a arrancarme las uñas, no fue nada placentero. ¡Pero se ven fantásticas!”

Además de introducir nuevos personajes y decorados, Underworld: El Despertar alcanza un nuevo nivel de acción para la franquicia.

“Para la primera película no teníamos nada de presupuesto”, recuerda Wright. “Lo que hizo que funcionara fue la atmósfera, la historia y la interpretación. Aquí utilizamos más cables que en ninguna de las películas que haya hecho. Veréis a Selene saltar cer-

cas y hacer piruetas imposibles.

Se ha subido tanto el listón que creemos que hemos elevado el juego”.

Brad Martin, que comenzó como coordinador de escenas de acción en Underworld, ha sido director de segunda unidad en esta ocasión. “Brad conoce la franquicia de Underworld tan bien como nadie, así que tuvimos la tremenda suerte de que aceptara ser director de la segunda unidad de secuencias de acción de la película”, afirma Lucchesi. “Además es un gran amigo de Kate, así que cuenta con su confianza para pedirle que haga algunos movimientos realmente impresionantes.

Kate hizo muchas de sus escenas peligrosas porque Brad la hace sentir cómoda”.

Martin tuvo diez semanas para preparar la película, los trucos y las herramientas que necesitaba para esta gran empresa. “Había un par de cosas para las que necesitábamos investigar y diseñar”, relata Martin. “La mayor investigación y desarrollo la llevó el súwww.cinemascomics.com

per licántropo. ¿Cómo hacer que la gente interaccione con esta enorme criatura que está generada completamente por ordenador?”

sé por qué asumí que no podría hacer un montón de cosas y luego me encontré con que de verdad había subido por una pared... y fue ¡muy divertido!”

Según Martin, Beckinsale no necesitó mucho entrenamiento para el papel. “Kate tiene una capacidad de retención extraordinaria”, elogia. “En la primera Underworld entrenamos un mes con ella. Trabajábamos tres veces por semana y ella entrenó muy duramente. Pero desde entonces han pasado diez años. Le mostramos todo lo que tenía que hacer en el estudio y puede que en un principio estuviera un poco oxidada pero después de uno o dos ensayos, lo pilló todo por completo.

Ella tiene la actitud que se necesita”.

Martin ha tenido un gran papel en el diseño y ejecución de las escenas de alto voltaje de la película. “Brad no solo puso en marcha las escenas de acción”, aprecia Wright. “Tiene un talento alucinante para darle sentido a toda esas secuencias”.

La actriz dice que en ocasiones sintió que la situación le quedaba un poco grande, pero sabía que podía confiar en Martin y su equipo. “Pero como conozco muy bien al personaje y he tenido tanto entrenamiento, fue como montar en bicicleta”, cuenta la actriz. “No

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El detective Sebastian pelea codo a codo con Selene en algunas de las escenas más trepidantes del filme. “Después de hacer Ladrones (Takers), me quise convertir en el próximo héroe de acción, así que en el momento en que tengo la oportunidad de disparar armas en el entorno seguro de una película, no pierdo la ocasión”, admite Ealy. “Es muy divertido y esta gente en particular ha logrado que me vea genial con un arma en la mano. Esto es como el sueño de un actor joven... intentarlo y parecer lo chulo que se ve Bruce Willis y los tipos de Corrupción en

Miami (Miami Vice), porque esos son los tipos que uno veía”.

La dinámica visual, la pura acción y el look altamente estilizado de Underworld hicieron que el 3D fuera el paso lógico siguiente para el desarrollo de la franquicia. Los directores, el director de fotografía, el especialista en 3D y el equipo de efectos visuales estuvo de acuerdo en no tratar al 3D como truco sino como una forma de capturar imágenes más verdaderas, más bellas, parecidas a la transición que hay entre la definición normal y la alta definición. “En su look, la película es muy fiel a la franquicia”, asegura Lucchesi. “Hemos mantenido las mismas tonalidades y estilo. Se percibe en los mismos términos en cuanto a su belleza y elegancia, pero lo que la diferencia mucho es que ha sido rodada en 3D”.

La película fue rodada con las nuevas cámaras RED Epic. La extraordinaria resolución de 5K de las cámaras es como unas cinco veces más que el HD. “Es una imagen de una calidad asombrosa”, explica

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Kasimir Lehto, especialista en 3D de la película y que se ocupa de todo lo relacionado con las tres dimensiones y de monitorear las imágenes estereoscópicas cuando se están grabando. “Es realmente limpia y nítida”.

A medida que el 3D es cada vez más frecuente, muchos realizadores optan por el proceso más simple que es el de la dimensionalización en postproducción, explica Wright. “A diferencia de muchas de las películas de acción que se ven, nosotros rodamos en 3D estereoscópico en todo el filme. Lleva un tiempo increíble, es muy difícil y hace que todas las tomas de la película sean un efecto especial”.

También crea una imagen que afecta al cerebro humano de una forma diferente al de la dimensionalización en postproducción.

“Se ve mucho más real. Puede que no se vea tan ostentoso, porque no se labra cada plano y se remarca de forma diferente. Las dos cámaras imitan los dos ojos del espectador, así que estarán

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viendo algo que los afecta emocionalmente e intelectualmente como espectador”, explica el productor.

Lehto está de acuerdo: “Cuando el espectador ve 3D estereoscópico, existe una reacción psicofísica. Porque la información visual se recibe de la misma forma que en el mundo que nos rodea en la vida real, el cuerpo envía señales al cerebro que son acordes a la experiencia de realidad. Por eso los licántropos de Underworld: El Despertar ¡darán muchísimo miedo!”

Los realizadores han llevado la tecnología a un nivel aún mayor para el final de la película, la brutal batalla que enfrenta a Selene y su pequeña banda de seguidores al super licántropo. “Le pedimos a RED que nos diera un programa que nos permitiera rodar a mayor velocidad en 3D”, relata James McQuaide. “Hasta ese momento podíamos rodar hasta 72 fotogramas por segundo. RED se comportó estupendamente y lo convirtió en prioridad y nos envió lo que en

esencia era un firmware pre-alfa que nos permitió rodar a 120 fotogramas por segundo. Fue la primera vez que esas cámaras se utilizaron para una película real. Y creo que la gente se dará cuenta de la diferencia. Las pruebas que hicimos nos dieron un resultado fenomenal”.

Lucchesi no recuerda jamás haber visto una película de acción real en 3D visualmente tan impresionante como esta. “La mayoría de las películas tienen un gran componente de CG”, explica. “Esta tiene mucho más de acción real, lo que significa un reto mayor para que se vea bien. La combinación de las nuevas cámaras RED Epics, y el trabajo realizado y el talento de nuestro director de fotografía, Scott Kevan, y nuestro director artístico Claude Paré, y la visión inicial de Len Wiseman, han dado por resultado una película en 3D hermosa e irrepetible”.

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24 DE FEBRERO EN CINES TAMBIÉN EN 2DCINES E IMAX│3D 24 DE FEBRERO EN Cinemascomics Diciembre 2011 │ 75

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Por Enrique Abenia

En unos tiempos en los que lo políticamente correcto y los productos de consumo rápido han pervertido los géneros, se agradece la honestidad de ‘Underworld’, una saga cimentada sobre el interés que despiertan dos razas de monstruos clave en el fantástico y el terror, los vampiros y los hombres lobo. Una guerra entre especies es la premisa de una franquicia, ahora casi de culto, que nunca ha ocultado su condición de serie B. Cuatro largometrajes componen el universo ‘Underworld’, dotado de una mitología propia y que ha convertido a Kate Beckinsale en una heroína de acción (además de en un icono sexual por el ajustado traje negro de Selene, su personaje). El estreno, el 27 de enero, de la tercera secuela, justifica el repaso de los filmes anteriores.

La primera entrega de ‘Underworld’, rodada en 2003, introdujo la historia de fondo: la enemistad entre los vampiros y sus www.cinemascomics.com

antiguos esclavos, los licántropos, un enfrentamiento que se remonta a siglos atrás. Selene, una guerrera vampiro, conoce a Michael (Scott Speedman), un humano mordido por un hombre lobo y, por lo tanto, un futuro rival. Ella aún no lo sabe, pero el joven jugará un papel relevante en la contienda al ser una fuente para crear híbridos, es decir, criaturas con la sangre de ambas razas. Selene protegerá a Michael mientras hace frente a los licántropos, comandados por Lucian (Michael Sheen), y a las luchas intestinas y las traiciones que amenazan con mermar a los ‘chupasangre’.

La película entretiene, si bien pierde fuelle conforme avanza el metraje por culpa de la dirección de Len Wiseman, algo torpe en determinados momentos, y una historia que no explora todas las posibilidades. Tampoco ayuda el hecho de que apenas se profundice en la relación de amor entre

Selene y Michael. No obstante, ‘Underworld’, con guiños a ‘Matrix’ (ese ‘tiempo bala’...) y a ‘Blade’, sobresale por un elemento que va a ser el punto fuerte de la saga: su cuidada ambientación gótica.

En 2006 llegó ‘Underworld. Evolution’, que reanuda la trama donde se quedó su predecesora, con Selene en el punto de mira después de asesinar a Viktor (Bill Nighy), el líder vampiro, al descubrir que mató a su familia cuando ella era humana. Selene contará con la ayuda de Michael para intentar derrotar a Marcus (Tony Curran), el poderoso primer vampiro. Como suele ocurrir con las segundas partes, la película, de nuevo dirigida por Len Wiseman, gana en espectacularidad y mejora los efectos especiales (ya de por sí competentes, a pesar de que abusa de los CGI, una constante en el cine contemporáneo).

‘Underworld. Evolution’ ahonCinemascomics │Diciembre 2011 │

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da en los orígenes de la rivalidad mortal entre vampiros y licántropos al aludir a los hermanos Marcus y William Corvinus, los primeros seres de cada especie. Su padre, Alexander (Derek Jacobi) fue el primer hombre inmortal.

Una sucesión de nombres e historias paralelas que pueden hacer que el espectador no familiarizado con los personajes se pierda.

Pese al aparente galimatías, se trata de una propuesta superior al original.

rra. Aquí el argumento se centra en el romance entre Sonja (Rhona Mitra), hija de Viktor, y Lucian, primer licántropo de un nuevo linaje. Un amor que propició el alzamiento de las bestias contra sus antiguos señores y que en ‘Underworld’ ya se mostró mediante ‘flashbacks’. Antes del nacimiento de Lucian, los licántropos eran criaturas salvajes que no podían canalizar su ira y volver a su forma humana. Su presencia supone un avance evolutivo.

Y en 2009, con la moda de las precuelas en pleno apogeo, fue el turno de ‘Underworld. La rebelión de los licántropos’, de la que se hizo cargo Patrick Tatopoulos, responsable de efectos visuales. A simple vista, puede parecer una estratagema comercial para estirar la historia, pero la saga necesitaba un episodio para explicar las incógnitas aún no resueltas.

Cabe destacar que en esta ocasión no sale Selene al desarrollarse la acción en el comienzo de la gue-

La tercera parte es un producto digno, aunque languidece debido a un guión previsible y trillado. Lo mejor reside en que demuestra la coherencia interna de la franquicia e incluye varios guiños a sus seguidores.

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los humanos, hasta ahora meras comparsas y daños colaterales en una guerra en la que no estaban representados. Los humanos han descubierto la existencia de ambas especies y se han convertido en el enemigo a batir.

La película ha recaído en las manos de Måns Mårlind y Björn Stein, artífices de ‘Storm’, filme sueco inspirado en ‘Matrix’. Como no podía ser de otra forma, se exhibe en 3D, lo que suscita temor ya que quizá ‘Underworld’ tome un punto de no retorno, olvide la historia que le ha hecho ganar adeptos y se centre únicamente en el aspecto visual. Esperemos que no nos decepcione y sus creadores (con Wiseman a la cabeza) no vayan por el camino fácil.

En ‘Underworld. El despertar’, Selene recupera la consciencia tras permanecer 12 años recluida en una prisión. La saga deja de mirar atrás y da un paso adelante al introducir en el conflicto a www.cinemascomics.com

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Estreno

Arrugas 27 de enero

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ARRUGAS es un largometraje de animación 2D para un público adulto basado en el aclamado cómic del mismo título de Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008). Arrugas narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, que acaba de llegar a la residencia en un estado inicial de Alzheimer será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los asistidos que es como llaman allí a los deshauciados. Su alocado plan tiñe de comedia y ternura el tedioso día a día de la residencia porque aunque para muchos sus vidas habían acabado, ellos acababan de empezar una nueva.

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Estreno

The Muppets 3 de febrero La Rana está de vuelta. Y no está sola.

Los fanáticos de los Muppets de todo el mundo cuentan los días que faltan para que La rana Gustavo, Srta. Peggy y el resto de los Muppets se reúnan con Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper y el recién llegado Walter para una nueva aventura en la pantalla grande con la película de Disney LOS MUPPETS. Durante sus vacaciones en Los Án-

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│Especial 2012

geles, Walter, el fan número uno de los Muppets, su hermano Gary (Jason Segel) y la novia de Gary, Mary, (Amy Adams) de Smalltown, Estados Unidos, descubren que el magnate Tex Richman (Chris Cooper) planea arrasar con el Teatro de los Muppets para perforar y extraer el petróleo hallado debajo del viejo estudio de los Muppets.

Para montar el mayor show de los Muppets jamás visto y recaudar los 10 millonesde dólares necesarios para salvar el teatro, Walter, Mary y Gary ayudan a La rana Gus-

tavo a reunir nuevamente a los Muppets, cuyas vidas ahora han tomado rumbos diferentes: Fozzie trabaja en un casino de Reno con una banda tributo llamada los Moopets; Srta. Peggy es una editora de moda de talla grande de la revista Vogue Paris; Animal se encuentra en una clínica de Santa Bárbara para aprender a controlar su ira; y Gonzo es un magnate de la industria de la plomería.

LOS MUPPETS, de Disney, está dirigida por James Bobin (“Los www.cinemascomics.com

Conchords”, Ali G) y producida por la doblemente nominada a los premios Oscar e integrada por David Hoberman y Todd Lieberman (The Fighter, La proposición). El guión es de Segel y Nicholas Stoller (Todo sobre mi desmadre), quienes también son productores ejecutivos junto con John G. Scotti y el veterano de “El show de los Muppets”, Martin G. Baker.

Bret McKenzie, quien participó, escribió y fue compositor de la serie de HBO “Los Conchords”, es el supervisor musical y el autor y www.cinemascomics.com

productor de tres canciones originales. La música incidental es de Christophe Beck y Michael Rooney es el coreógrafo. Rahel Afiley es la diseñadora de vestuario; James Thomas es el editor; Steve Saklad es el diseñador de producción y Don Burgess (ASC) es el director de fotografía.

El elenco incluye a La rana Gustavo (The Muppet Movie, el programa de TV “El show de los Muppets”), Srta. Peggy (The Muppet Christmas Carol), Segel (Forget-

ting Sarah Marshall, Bad Teacher), la tres veces nominada al premio Oscar® Amy Adams (The Fighter,La Duda), Fozzie el Oso (The Muppets Take Manhattan), Gonzo (The Great Muppet Caper), Walter y el ganador del Oscar® Chris Cooper (The Town. Ciudad de ladrones, Adaptation. El ladrón de orquídeas). También con Rashida Jones (Parks and Recreation, La red social). Para rendir tributo a la tradición de los Muppets, la película cuenta con algunas apariciones especiales de celebridaCinemascomics │Especial 2012 │

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des, entre ellas Donald Glover, Leslie Feist, Alan Arkin, Kristen Schaal, Ken Jeong, James Carville, Rico Rodriguez, Judd Hirsh y John Krasinski. LOS MUPPETS, de Disney, llegará a los cines denuestro país el 3 de febrero.

LA REUNIÓN DE LOS SEGUIDORES DE LOS MUPPETS El eterno cariño por La rana Gustavo y la pandilla posibilita la nueva aventura cinematográfica Entre los 8 y los 80 años, los fanáticos de los Muppets vienen en todas las formas y tamaños y están en todas partes del mundo.

Por eso tiene mucho sentido que la película de LOS MUPPETS, de Disney, haya sido idea de uno de estos fans. “Todo comenzó cuando era niño”, dice Jason Segel.

“Los Muppets fueron mi primera influencia cómica; yo estaba enamorado de las marionetas. Siempre pensé que son una maravillosa forma artística”.

“Todos los escritores de comedias

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│Especial 2012

son fanáticos de los Muppets”, agrega Nicholas Stoller. “Es la puerta de entrada al humor. Es lo primero que uno intenta y luego, lentamente, se ingresa al mundo de la comedia”.

Una película en la que Segel y Stoller habían colaborado previamente fue el motor que puso todo en marcha, explica Segel. “Concluimos Forgetting Sarah Marshall con un espléndido musical de marionetas diseñadas por The Jim Henson Company. Allí fue cuando comencé a sentir algo internamente y Nick llegó con una idea más formal que luego presentamos a Disney. A Disney le gustó el plan y así comencé a escribir el guión”.

Los productores David Hoberman y Todd Lieberman tienen, cada uno, su propia afinidad con todo lo relacionado con los Muppets.

“Creo que siempre ha habido una cualidad de eternos en los Muppets”, afirma Hoberman, quien cita el éxito del reciente video viral de los Muppets interpretan-

do el clásico de Queen “Rapsodia Bohemia”. “Estos personajes son tan contemporáneos hoy en día como lo fueron cuando Henson les dio vida por primera vez. Creo que la gente de todas las edades sentirá lo mismo al verlos nuevamente en pantalla gigante”.

Durante su presidencia de la división de films de The Walt Disney Studios, Hoberman fue responsable de realizaciones como The Muppet Christmas Carol y Muppet Treasure Island. En tanto, el aprecio de Lieberman por la franquicia surgió de su propia experiencia personal. “Siempre he sido un gran seguidor de los Muppets”, asegura. “Hay claramente un amor nostálgico por ellos. Estos personajes son inherentemente adorables y estoy encantado de reunirlos nuevamente para esta película. Ha sido hermoso presentárselos ahora a mis hijos”.

Y eso es, sin dudas, muy bueno, según afirma el director del nuevo film, James Bobin. LOS MUPPETS, de Disney, dará la bienvewww.cinemascomics.com

nida a toda una nueva generación al mundo de estos personajes y Bobin da fe de la influencia positiva que ellos pueden tener en la audiencia infantil. “Yo vi a los Muppets desde una edad muy temprana, en Inglaterra, y puedo asegurar que han influenciado mi sentido del humor y mi registro de lo que encuentro gracioso hasta hoy en día”.

EL ARTE IMITA LA VIDA REAL Influenciado por su propia afinidad con la tradición de los Muppets, Segel creó un personaje principal inspirado en su eterno amor por esta pandilla. Según él mismo, la mayor fantasía de Walter es conocer a los Muppets.

“Walter es inocente, dulce y naif; es también listo, bastante parecido a La rana Gustavo antes de haberse convertido en alguien famoso”, cuenta Segel. “Y lo único que quiere es pertenecer a ellos.

En realidad, lo que busca es tener una familia. Los Muppets son los únicos seres que ha visto parecidos a él mismo, por eso su mayor

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búsqueda es convertirse en uno de ellos”.

Walter, quien es tan fanático de los Muppets en la vida real como su personaje en la película, agrega: “Primero empiezo sólo queriendo conocer a los Muppets, pero luego debo ayudar a La rana Gustavo a reunir a toda la pandilla para salvar los estudios. Es el mejor personaje de mi vida. De hecho, ésta es mi vida”.

La película comienza en Smalltown, EE.UU., hogar de Walter, de su hermano Gary y de la novia de éste, Mary. Es el típico pueblo donde la gente sonríe mucho, los niños le llevan manzanas a sus maestras y todos cantan juntos sólo porque sí. Pero el trío abandona la seguridad de Smalltown para emprender un largamente añorado viaje a Hollywood y tener la oportunidad de visitar al fin el viejo estudio de los Muppets.

Mientras están allí, Walter escucha por casualidad el malvado plan del nefasto petrolero Tex

Richman, y de repente se ve envuelto en una ansiada pero jamás imaginada nueva reunión de los Muppets. A partir de allí, no pasa mucho tiempo hasta que el más grande fan de los Muppets se encuentra cara a cara con La rana Gustavo. “La rana Gustavo es mi héroe de todos los tiempos”, reconoce Walter. “Tengo su póster en mi habitación; he visto todo lo que ha hecho y conocerlo fue el momento más importante de mi vida”.

Para La rana Gustavo, “Walter está tan entusiasmado de estar cerca de los Muppets…. Nunca conocí a alguien como él… excepto quizás por Jason Segel”.

Segel ciertamente comparte el entusiasmo de Walter pero su personaje, Gary, muestra demasiado interés en el sueño Muppet de su hermano. “Gary está muy enamorado de su novia, Mary, pero se debate entre priorizar a su hermano o entrar en una nueva etapa de maduración en la cual es momento de estar más con su no-

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via. Él ha vivido con su hermano desde siempre, así que esta duda es una gran lucha interna”.

Mary tiene sus propios sueños californianos, tal como se descubre después, y ansía secretamente recibir una propuesta de matrimonio durante el viaje a Hollywood.

A ella le encanta ser parte del equipo y gustosamente se suma al plan para ayudar a reunir a los Muppets y salvar el viejo estudio.

Para ello, rastrean a La rana Gustavo y se dan cuenta de que éste ha vivido una etapa muy tranquila

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desde la última vez que los Muppets actuaron juntos. Les tomará un tiempo convencer a la rana – ahora muy tranquila- para que se sume al plan, pero una vez que La rana Gustavo descubre cuánto extraña a sus amigos, se lanza a la aventura.

“Se embarcan en una enorme travesía alrededor del globo para encontrar al resto de los Muppets, quienes han tomado distintos caminos”, explica Bobin. “El primer Muppet al que encuentran es a Fozzie, quien actúa con una banda tributo llamada los Moo-

pets, integrada por unos cínicos personajes que lo único que hacen es sacar ventaja del legado de los Muppets. Así, interpretan impresentables versiones de sus temas musicales y, tristemente, Fozzie es el único Muppet real que se ha unido a ellos -¡y que integra una banda tributo de su propio grupo!-. Obviamente, no toma mucho esfuerzo persuadirlo para que deje todo eso y se sume a la aventura”.

Luego está Gonzo, quien ha dejado atrás el mundo del espectáculo para trabajar en su vocación priwww.cinemascomics.com

maria: la plomería. Sí, Gonzo es a la plomería lo que Tex Richman al mundo del petróleo –bueno, todo menos la parte villana-. Pero su imperio de la fontanería no va de la mano con el atractivo del escenario y, rápidamente, él accede a regresar al estudio de los Muppets para retomar su temerario acto.

Tal vez la pieza más difícil de la reunión de los Muppets sea Srta.

Peggy, quien tiene un empleo de lujo en Francia como editora de moda para tallas grandes en la revista Vogue París. Allí, Piggy disfruta de la vida a lo grande y no www.cinemascomics.com

tiene, precisamente, el sueño de volver a reunirse con los Muppets –a menos, claro, que sea La rana Gustavo quien se lo pida-. Pero no todo es romance entre ellos, dice Srta. Peggy. “La escena en la que La rana Gustavo me ruega que vuelva a Hollywood con él es la más divertida de la película”, afirma. “Yo estoy divertidísima y él no está nada mal tampoco”.

Al fin juntos, los Muppets deberán montar el mejor show de sus vidas, una hazaña no menor considerando sus épocas pasadas.

Y han transcurrido muchos años

desde la última vez que actuaron juntos así que la expresión ‘faltos de forma’ no alcanza para siquiera empezar a describir el estado en que se encuentran. ¿Podrán sobrepasar los obstáculos y crear un súper espectáculo? ¿Podrán convencer a un canal de televisión para que transmita el show? ¿Lograrán recaudar los fondos suficientes para silenciar de una vez por todas a Tex Richman, o frustrará él sus esfuerzos y destruirá los viejos estudios pese a todo? “¡Bueno, vean la película y descúbranlo ustedes mismos!”, dice Cinemascomics │Especial 2012 │

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Srta. Peggy. “Yo no puedo hacer todo”.

SIN PEQUEÑECES Es tiempo de que suene la música… Es tiempo de encender las luces…

Los Muppets han sido largamente conocidos por sus grandes números musicales, así que los realizadores se aseguraron de que en LOS MUPPETS, de Disney, no sólo se mantuviera la tradición sino que ésta fuese llevada hasta los límites. Tanto nuevas canciones como las grandes favoritas de la audiencia están en la película, diseñada para maximizar la diversión y entregar al público lo mejor de su música.

Bret McKenzie fue el supervisor musical del nuevo film LOS MUPPETS. “Conozco a Bret de la serie “Flight of the Conchords””, relata el director, James Bobin. “Ambos solíamos mirar “El show de los Muppets” cuando estábamos escribiendo juntos los episodios de

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la serie. En uno de los capítulos de “…Conchords” hasta incluimos un tributo a los Muppets. Así que, la conclusión es que los amamos.

Pensamos en las canciones de las películas pasadas y en cómo se escucharían hoy. Pensamos en Jason y Amy –Jason es un buen cantante y se mueve bien y Amy es, obviamente, una fantástica cantante y bailarina-. La música es enormemente importante en el film por la rica tradición de canciones que tienen los Muppets”.

CANTO Y BAILE McKenzie escribió la canción de la apertura y del final, llamada “Everything’s Great” (Todo es genial) e interpretada originalmente en la versión en inglés por Jason Segel, Walter y Amy Adams.

La película reunió a 60 bailarines para el número musical de apertura y el veterano coreógrafo Michael Rooney, hijo de la legendaria estrella de Hollywood Mickey Rooney (quien aparece fugazmente en el film), se sumó para aportar su magia.

“Michael Rooney coreografió to-

dos los números de baile”, relata el productor David Hoberman.

“Tiene una energía impresionante; es realmente creativo y muy ágil”.

“La canción “Everything’s Great” comienza con Gary y Walter lavándose los dientes”, continúa Hoberman. “Después salen y están en Smalltown, y van por allí eligiendo gente que canta y baila con ellos: el carnicero, el pastelero, el lechero, el vendedor de la tienda de flores, todos se involucran. Es uno de esos musicales que recuerdan el espíritu de las viejas películas musicales de los años 50”.

El tema musical vuelve a escucharse en la escena final de la película, cuya realización cerró la famosa calle Hollywood Boulevard durante dos noches e involucró a 100 bailarines. “Adoro ese final”, afirma La rana Gustavo.

“Tiene de todo: está Jason, Amy, Walter y todos los Muppets. No quiero adelantar lo que ocurre en la película pero creo que tiene un final muy feliz”. www.cinemascomics.com

ENTREVISTA

JASON SEGEL LA COMEDIA MODERNA SE SIRVE DE LA BROMA A EXPENSAS DE LOS OTROS JASON SEGEL (Gary/Guión/Productor ejecutivo) captó la atención del público con su papel de Jason en la exitosa comedia de Judd Apatow, Lio embarazoso.

Posteriormente, escribió el guión y encarnó el papel de Peter en la película del director Nicholas Stoller en Paso de ti. También, se desempeñó como coproductor y guionista en la secuela de la película Todo sobre mi desmadre.

rie de NBC “Freaks and Geeks”, producida por Apatow y nominada a los premios Emmy.

Otros títulos de Segel incluyen los largometrajes Bad teacher, Los viajes de Gulliver y Te quiero, tío. Además, prestó su voz a Vector en el éxito de animación Mi villano favorito.

Bueno, todo comenzó cuando yo era niño: los Muppets fueron mi primera influencia cómica y yo estaba enamorado del teatro de marionetas. Me parecía una forma de arte sencillamente increíble. “En el final de la película Paso de ti incluimos un magnífico musical de marionetas, diseñadas por The Jim Henson Company. Y en ese momento, algo comenzó a despertar en mi interior. Entonces fue cuando a Nick y a mí se nos ocurrió esta idea y se la presentamos a Disney. Y a Disney le gustó, así que escribimos el guión.

Pronto se lo podrá ver en Jeff Who Lives at Home, así como en The Five-Year Engagement (para la cual él y Nicholas Stoller también escribieron el guión), junto con Emily Blunt.

En televisión, Segel actualmente encarna a Marshall en la exitosa serie humorística de CBS Cómo conocí a vuestra madre, en cuyo elenco también se encuentran Alyson Hannigan, Josh Radnor y Neil Patrick Harris. Tuvo un papel recurrente interpretando a Eric en la serie de Fox Vida Universitaria, producida por Judd Apatow. También interpretó a Nick Andopolis, un desgarbado y raro amante de la diversión que sueña con alcanzar el estrellato como batería de rock-and-roll en la sewww.cinemascomics.com

Segel nació y se crió en Los Ángeles, donde continúa residiendo.

ENTREVISTA CON JASON SEGEL ¿Por qué deseabas ayudar a que los Muppets regresaran a la pantalla grande?

Nuestro principal objetivo era asegurarnos de que si íbamos a realizar una nueva película de los Muppets, ésta no defraudara las expectativas de lo que todos sentían por los Muppets. Cada vez que se lo contaba a alguien, la respuesta invariablemente era: “Cielos, eso es maravilloso”; para luego agregar: “No vayas a echarlo a perder”.

¿Cómo es tu personaje?

Gary es de Pueblochico, Estados Unidos. Es un personaje muy ingenuo, dulce, inocente, y está profundamente enamorado de su novia Mary. Está dividido entre seguir con su hermano o madurar e iniciar su vida con su novia. Siempre ha vivido con su hermano, de manera que éste es su gran desafío. ¿De qué trata la película LOS MUPPETS de Disney?

La película comienza con mi hermano Walter y yo. La mayor fantasía de Walter es conocer a los Muppets. Mi sueño es ir de vacaciones a Los Ángeles con mi novia Mary. De manera que todos partimos hacia Los Ángeles y mientras recorremos el Teatro de los Muppets, completamente en ruinas, descubrimos que lo van a derribar para perforar y extraer el petróleo que se encuentra debajo.

Así que debemos hallar a La rana Gustavo, reunir a los Muppets — cuyas vidas ahora han tomado rumbos diferentes — y montar un show para recaudar los fondos necesarios para salvar el teatro. ¿Cómo es Walter?

Walter, el personaje, —es gracioso porque su nombre real también es Walter, extraña coincidencia— es ingenuo, dulce, inocente, muy parecido a como era La rana GusCinemascomics │Especial 2012 │

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tavo antes de volverse famoso.

Sólo desea sentir que pertenece a algo. Y lo que en realidad busca es una familia. Los Muppets son las únicas personas que él conoció parecidas a él, de manera que lo que busca es convertirse en uno de los Muppets.

todo es risa y amor y hacer lo que está bien.

¿Y cómo son los otros personajes de LOS MUPPETS de Disney?

Gonzo es impredecible. Es el peligro suelto del grupo, pero al igual que todos los Muppets, es increíblemente bueno.

A Mary le gustan ciertas cosas más típicas de hombres que de mujeres como enseñar oficios y reparar coches. Pero su sueño es casarse con Gary —yo— quien, bueno, ya sabes, ¿quién no tiene ese sueño?

Amy Adams es sumamente dulce e inocente, con éxitos cinematográficos de la talla de Encantada, la historia de Gisele era perfecta para este papel. Sabe captar el humor y está dispuesta a jugar.

Realmente tuvimos suerte al poder contar con ella.

La rana Gustavo es el arquetipo del hombre común. Es como Atticus Finch. Sólo desea ser un ciudadano honrado y amable. Para él

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Fozzie se parece mucho a mí.

Fozzie nunca ha hablado mal de nadie y sus bromas no son muy buenas, pero no va a dejar de intentarlo.

Miss Piggy es la diva máxima.

Animal es esa parte de todos nosotros que está un poquito desquiciada. Animal es como nuestro subconsciente. Es como Calibán, el personaje de La Tempestad.

Rowlf es genial, dulce y apacible.

Toda la banda Confusión Eléctrica es como Nueva Orléans: Son sumamente agradables, con su toque de ritmo y estilo. ¿Cómo te sentiste al cantar y bailar con los Muppets?

Al final de la película, hay cerca de 200 extras, 100 bailarines y 50 Muppets. Fue una experiencia surrealista y casualmente tuvo lugar el día de mi cumpleaños. Ese día salí de mi camerino pensando que venía a rodar y todos comenzaron a cantar el “Feliz Cumpleaños”, incluyendo los Muppets. Yo no dejaba de pensar: “Me he salido con la mía. De algún modo he logrado que este extraño sueño de la infancia se hiciera realidad”. Es la cosa más loca que me ha sucedido en la vida. ¿Qué crees que hace tan especiales a los Muppets?

La comedia moderna se sirve de la broma a expensas de los otros.

Los Muppets nunca se burlan de nadie. Para ellos sólo se trata de ser bueno y amable e intentar hacer del mundo un lugar mejor. Es sencillo hacer reír burlándose de otra persona, pero los Muppets nunca harían eso.

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Cinemascomics │Diciembre 2011 │

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Estreno

Star Wars

EPISODIO I

L A A M E N A Z A FA N TA S M A 10 de febrero

Hace ya mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana ‌

Hace veintidós años que estas palabras cruzaron como un relámpago las pantallas de los cines de todo el mundo, dando origen a una moderna leyenda. Cientos de millones de personas trabaron conocimiento con una saga que dejaría en sus vidas una huella que entonces no podían ni sospechar. La Guerra de las Galaxias, El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi, junto con las Ediciones Especiales de las tres películas, se convirtieron en sucesos que dejaron huella en dos generaciones. La acción trepidante de las aventuras, que se desarrollaban en un universo nuevo y excitante, mostraba unos diseños grandiosos y proporcionaba diversión sin límites. Las películas infundieron en el ánimo de innumerables espectadores cuestiones que resultan universales e intemporales: el conflicto entre el bien y el mal y entre la tecnología y la humanidad, la exaltación del heroísmo y las ilimitadas posibilidades del ser humano.

La saga Star Wars es un moderno

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cuento de hadas que recoge la forma de concebir el mundo que tenía George Lucas. Lucas impregnó este nuevo mito de elementos de la cultura popular norteamericana, incluidas las películas del Oeste, las de capa y espada y – para sazonarla un poco – las epopeyas japonesas de samurais.

La Guerra de las Galaxias también supuso una reacción contra Watergate, Vietnam y otros periodos de incertidumbre nacional que parecían haber socavado la idea de héroe que se habían hecho los ahora desilusionados norteamericanos.

Con la saga Star Wars, Lucas decidió reunir estas líneas argumentales reconocibles y actuales, envolviéndolas en una estructura fundamental del mito – la odisea del héroe – que ha estado presente a lo largo de miles de años en centenares de civilizaciones.

Gracias esa mezcla de tradición y modernidad, la nueva mitología Star Wars emocionó por igual a jóvenes y a menos jóvenes.

Ahora, con LA GUERRA DE LAS GALAXIAS: EPISODIO I LA AMENAZA FANTASMA, Lucas nos devuelve al origen de la historia, cuando Darth Vader no es más que un ilusionado niño de nueve años llamado Anakin Skywalker y Obi - Wan Kenobi es un joven y decidido caballero Jedi. Este primer capítulo, espléndido por el arte, los diseño, el vestuario, la arquitectura y la tecnología, narra el peregrinar de Anakin cuando se lanza en pos de sus sueños y hace frente a sus temores en medio de una galaxia que es presa de la confusión. orígenes y diseños Llevar EPISODIO I a la pantalla fue una empresa cuya planificación y realización requirió años. Empezó en Noviembre de 1994. George Lucas se sentó a escribir el guión a mano usando una carpeta que ha empleado en todas sus películas. Cinco años más tarde, habiendo rodado en tres países, elaborado miles de diseños, trabajado con docenas de miembros de los equipos artístico y técnico, www.cinemascomics.com

y apoyándose en todo un mundo nuevo de innovadores efectos especiales – incluido el primer “fondo digital” de la historia del cine – la primera película de la serie Star Wars de los últimos dieciséis años llega por fin a los cines del mundo entero.

Las semillas de EPISODIO I se plantaron hace más de veinte años, cuando Lucas estaba escribiendo el argumento de la primera entrega de la serie. Mientras lo hacía, creó una historia que dejó en segundo plano y que tenía lugar una generación antes de los sucesos objeto de su guión. “No era más que un pequeño esbozo argumental con un poco de esto y de aquello,” recuerda Lucas. “Pero tenía una estructura que en todos estos años no ha sufrido muchos cambios.”

Ni que decir tiene que, por aquel entonces, nunca llegó a pensar que este relato secundario pudiera acabar convertido en una película – hasta que La Guerra de las Galaxias se convirtió en un fenómeno de proporciones mundiales.

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“Todo el mundo empezó entonces a preguntarme: ‘Cuántas piensas rodar?’” nos dice Lucas. “De modo que se me ocurrió que podría volver atrás y rodar lo que habían sido argumentos de apoyo de la trilogía original …”

Los personajes y los mundos que Lucas concibió para la nueva película no podrían haberse creado mediante efectos tradicionales.

Pero una vez que contempló las soberbias innovaciones digitales logradas por Industrial Light & Magic – una compañía fundada por Lucas en la década de los setenta para crear los efectos especiales de La Guerra de las Galaxias – en la película de 1993 Parque Jurásico, Lucas se dio cuenta de que ILM podía hacer frente al formidable reto que representaba superponer sin solución de continuidad animación digital y acción real en la nueva película de la serie de Star Wars. “Parque Jurásico marcó un verdadero hito,” recuerda Lucas. “Eso, junto a la conclusión de Las Aventuras del Joven Indiana Jones (la galardonada serie de televisión producida por Lucas),

me llevó a preguntarme qué sería lo que haría a continuación.” La respuesta fue un nuevo capítulo de la saga Star Wars.

Un año y medio después de que tan innovadores efectos especiales llegaran a las pantallas, Lucas comenzó e escribir el EPISODIO I de su imborrable saga. Pero hubo de hacer frente a algunos retos de primera magnitud. Los espectadores del mundo entero ya conocían el desenlace de la serie; ahora Lucas tenía que dar marcha atrás y crear el principio. El relato tendría que mantener la coherencia con las tres películas anteriores (Episodios IV al VI), además de con las dos que la seguirían (Episodios II y III).

Estos desafíos también le señalaban el camino de una oportunidad excepcional: la creación de una saga todavía más rica. La idea de continuar una historia épica ha sido un aspecto crucial desde la misma concepción de La Guerra de las Galaxias. “A fin de cuentas, serán seis películas y una sola historia que dura unas doce horas,”

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precisa Lucas. “A lo largo de la elaboración del guión y la realización de EPISODIO I, no aparté la vista ni por instante del momento en que la nueva trilogía haya sido acabada, dentro de diez años.

Entonces podrán los espectadores ver las seis películas juntas, tal y como se pretendía que se exhibieran.”

Lucas compara la estructura y la trama de la saga con una composición musical. “La saga de Star Wars tiene, hasta cierto punto una naturaleza sinfónica,” explica el creador. “Hay unos cuantos estribillos musicales que repito con toda intención – el acorde

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puede ser diferente, pero, con todo, se repiten.”

Estos ecos temáticos provienen del paralelismo entre la historia de Anakin Skywalker en EPISODIO I, y la del futuro hijo de Anakin, Luke, en la trilogía original. “En las primeras tres entregas, conté una historia concreta,” prosigue Lucas. “Con la nueva trilogía, la historia que narro es casi igual y tiene muchos momentos semejantes desde el punto de vista emocional, el psicológico y en cuanto a la toma de decisiones.”

Un tema que se repite particularmente es el del valor: el que hace falta para abandonar el hogar,

para dejar atrás lo que resulta cómodo, para seguir los propios sueños y decidirse a correr riesgos.

En la saga de Star Wars, tanto Anakin como Luke dan muestras de ese valor, pero éste les lleva en direcciones muy diferentes.

La estructura sinfónica de EPISODIO I se hace eco e incorpora otros temas clave, incluido el equilibrio entre el bien y el mal, la revelación y lo que Lucas define como “relaciones simbióticas.” Esto quiere decir que los personajes trabajan juntos y dependen unos de otros para el logro de sus objetivos – y para su supervivencia.

De modo que existen otros varios www.cinemascomics.com

personajes y líneas argumentales clave de importancia casi igual, todos los cuales se entrelazan cuidadosamente y contribuyen a la narración de la historia.

La fascinación que siente Lucas por las tramas argumentales enrevesadas y entremezcladas se remonta a su entonces original trabajo con múltiples y convergentes aspectos de la misma trama en American Graffiti, un recurso frecuentemente empleado en la actualidad por realizadores de todo el mundo. En EPISODIO I, Lucas continúa experimentando con la estructura del guión, enriqueciendo la trama hasta el exwww.cinemascomics.com

tremo de que llega a haber cinco hilos argumentales que se desarrollan simultáneamente a lo largo de la película.

La idea que sirve de marco a la trama de EPISODIO I se centra en el Senador Palpatine, un influyente político que se mueve sigilosamente con el fin de consolidar su poder en una época en que los disturbios se han apoderado de la República, durante la cual el gobierno se ha debilitado y ha acabado convertido en un cenagal burocrático.

Un incidente en particular que se desarrolla dentro de este marco

coloca a Palpatine en el núcleo de un conflicto que estalla entre la gigantesca Federación Comercial y el pequeño y pacífico planeta de Naboo. Naboo siente la amenaza del poder de los inagotables recursos de la compañía, que empiezan a ignorar las restricciones impuestas por el débil gobierno de la galaxia.

La joven reina de Naboo debe enfrentarse a difíciles decisiones personales. Decidida a mantener la paz, debe escoger entre sacrificar sus ideales o no, cuando la guerra se abate sobre su pueblo.

Dos de los caballeros Jedi, los guardianes de la paz y la justicia Cinemascomics │Especial 2012│

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en la galaxia, son enviados para negociar una solución de la crisis.

Preparados para hacer frente a una disputa política, el Maestro Jedi Qui - Gon Jinn y el aspirante Obi - Wan Kenobi descubren que la Federación Comercial se dispone a desencadenar sus poderosas fuerzas en una guerra abierta contra Naboo. A menos que los dos Jedi logren el éxito, el futuro del planeta se presenta sombrío.

En el transcurso de su aventura, Qui - Gon descubre a un niño, Anakin, que vive como esclavo en el desértico planeta Tatooine. Qui - Gon siente que Anakin es quien está destinado a aportar equilibrio a la Fuerza y toma

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│ Especial 2012

la profética decisión de instruir a Anakin como a un Caballero Jedi.

Al mismo tiempo, Anakin entabla amistad con la Reina de Naboo.

Para dar vida a estas historias y personajes, Lucas decidió ocupar de nuevo la silla del director, después de un intervalo de más de veinte años que se abrió después de haber llevado las riendas del episodio original de La Guerra de las Galaxias. “Tuve desde el principio la sensación de que probablemente tendría que dirigir EPISODIO I,” confiesa, “porque un buen número de ideas experimentales formaban parte de la película.” Lucas también calculó

que se ahorraría mucho tiempo y no poco esfuerzo si el él mismo se encargase de la dirección. “Así no tendría que discutir con el director ni haría falta que le explicase nada,” concluye, sin poder contener la risa.

Una parte fundamental a la hora de ayudar a Lucas a trasladar sus ideas a la pantalla corresponde al productor Rick McCallum, quien ya había desempeñado idéntico papel en Las Aventuras del Joven Indiana Jones y el la Edición Especial de la Trilogía de La Guerra de las Galaxias. La dedicación y la destreza de McCallum contribuyeron de manera fundamental www.cinemascomics.com

a que la producción se desarrollase sin impedimentos, evocando la época cuando la labor de los productores también acarreaba trabajo creativo. “La contribución de Rick a la película es inconmensurable,” dice Lucas acerca de su infatigable colega. “Sus dotes de organizador y su capacidad creadora son formidables.”

McCallum tiene una idea muy sencilla de su complicadísimo trabajo. “Mi labor consiste en ayudar a que las ideas de George se conviertan en realidad,” según él lo explica. “Yo tenía que estar al tanto de todo a fin de que lo que él había pensado, sucediera.” www.cinemascomics.com

El trabajo de McCallum comenzó en época muy temprana – cuando Lucas plasmaba sus ideas en el papel. Para empezar, el productor anduvo de acá para allá por todo el mundo, localizando exteriores.

De entre la multitud de sus primeras responsabilidades, destacaba por su importancia la busca y contratación de artistas conceptuales para un pequeño departamento artístico, el que, andando el tiempo, produciría miles de diseños de vestuario, criaturas, vehículos y escenarios para EPISODIO I.

Este departamento artístico llegaría a desempeñar un papel cru-

cial en la película. El relato de Lucas, que abarca varias culturas, planetas y estilos, exigía un diseño rico y variado. “Intenté representarme cómo era cada cultura,” afirma Lucas, “y qué clase de diseño sería el apropiado para cada una de ellas.” Esta empresa requería un número incalculable de diseños para absolutamente todo: empezando por una ciudad submarina en estilo Art Nouveau, pasando por los broches que luce la reina y acabando con docenas de naves espaciales, centenares de prendas y millares de piezas de attrezzo dignas de otro mundo.

Sólo la arquitectura incluye todo lo imaginable: casas tunecinas de Cinemascomics │Especial 2012 │

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adobe ibadita y edificios de barro del estilo de Malí, rascacielos futuristas de una milla de altura, palacios del Renacimiento italiano y unos interiores de forma libre y aspecto muy extraterrestre.

Doug Chiang, uno de los director es artísticos de ILM, se incorporó al equipo de EPISODIO I en 1994 para supervisar el diseño. En el competente grupo de artistas conceptuales que trabajaba a las órdenes de Chiang figuraban Terryl Whitlatch, cuyos conocimientos de zoología hacía de ella la persona ideal para diseñar los centenares de criaturas de la película, y Ian McCaig, cuya labor incluía el diseño del complicado vestuario.

Con su interpretación de las ideas de Lucas, Chiang aportó un nuevo aspecto a la épica saga. Para empezar, Chiang estudió con todo cuidado el estilo Star Wars. Pero Lucas tenía en mente algo muy

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distinto: en vez de limitarse a reproducir el aspecto físico de la trilogía original, quería crear muchos decorados y otros tantos mundos completamente nuevos.

La importancia atribuida por Lucas al diseño de la película fue evidenciada por las reuniones que empezó a mantener con Chiang y con el departamento artístico en las primerísimas etapas de la preproducción. “La primera vez que nos reunimos, George me dijo que quería algo nuevo y diferente,” recuerda Chiang. “Me dio una gran alegría que George me dijera, ‘Rebasa los límites; descubre algo nuevo.’”

Esta actitud de romper moldes caracteriza el aspecto de EPISODIO I, incluido su rico diseño de modas y vestuario. Si bien el artista conceptual Ian McCaig y la diseñadora de vestuario Trisha Biggar gozaron de amplia libertad de acción, Lucas, a pesar de todo, tomó parte muy activa en el

proceso de dar forma al mundo de moda que recoge la película.

En menos de un año, Biggar y su equipo diseñaron y confeccionaron concienzudamente más de mil vestidos de todas clases, tanto los atuendos formales, complicados y repujados como las sencillas, aunque cuidadosamente detalladas, vestiduras de los esclavos.

El departamento de vestuario y attrezzo llegó incluso a fabricar todos los accesorios, incluidos los cascos, las prendas de cabeza y las hebillas de los cinturones.

En lo referente a los vehículos que aparecen en EPISODIO I – incluidos los cazas estelares, la nave de la Reina, los que participan en la carrera de naves, los transportes de tropas, los carros de combate y los acorazados – la función cede con frecuencia el primer lugar a la forma. En opinión de Chiang, algunos pueden incluso ser considerados como obras de arte, puesto

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que expresan lo que Chiang llama “arte y estética en estado puro.”

Para dar a sus diseños un carácter singular, Chiang prescindió de la estética contemporánea, decidiéndose, en vez de ello, a basar sus diseños en diferentes épocas de la historia del mundo.

Después de que Chiang y su equipo de artistas hubieran finalizado su trabajo en los elaborados diseños arquitectónicos, correspondía al diseñador de producción Gavin Bocquet la tarea de darles vida.

Bocquet, quien empezó su trabajo en 1996 – casi dos años después de que Chiang hubiera dado comienzo al suyo en los diseños conceptuales – fue el responsable de supervisar la construcción de los más de sesenta decorados de la película en Inglaterra, Italia y Tunicia, contribuyendo así, de manera fundamental a la deslumbrante apariencia visual de EPISODIO I. los actores y los personajes En todas sus películas, Lucas ha www.cinemascomics.com

puesto especial interés en incluir en el reparto a los actores que, a su modo de ver, mejor podrían encarnar a los personajes. “El reparto de papeles es lo más importante de la labor de un director,” asegura. “A lo largo de mi carrera he tenido la enorme suerte de tropezarme con personas que parecían haber nacido para interpretar sus papeles. Eran exactamente como los personajes que había imaginado cuando estaba escribiendo el guión.”

“Me interesa mucho el conjunto,” añade Lucas, “y la forma que tienen los actores de interpretar a sus personajes en relación mutua.”

Para EPISODIO I, Lucas, McCallum y la directora de reparto Robin Gurland reunieron a una impresionante compañía para satisfacer las exigencias de Lucas en cuanto a reparto. Mas al principio el trío tuvo que hacer frente a algunos retos interesantes. No sólo estaban dando forma al conjunto de un reparto cuyos componentes tenían que encajar, sino que va-

rios personajes necesitaban tener un parecido físico con posteriores encarnaciones de sí mismos o, en algunos casos, con sus hijos. “En los casos de Anakin y la Reina, tuvimos que realizar un proceso inverso,” nos explica Gurland. “Ya conocíamos el aspecto que tendrían sus hijos, Luke y Leia, por lo que hubimos de basarnos en ello para asignar los papeles de sus padres. Y, naturalmente, el actor que interpreta a Obi - Wan tenía que guardar un parecido con el mismo personaje al alcanzar éste una edad más avanzada.”

Liam Neeson interpreta a Qui Gon, una nueva incorporación a la familia de personajes de Star Wars. La interpretación de Neeson en La Lista de Schindler , por la que fue candidato al Oscar®, es quizá el punto culminante de una distinguida carrera que también comprende Michael Collins, Rob Roy y Los Miserables, junto a su aplaudida participación en Anna Christie, escenificada en Broadway.

La idea original de Lucas era dar Cinemascomics │Especial 2012│

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al papel a un actor norteamericano pero Neeson, que es irlandés, causó toda una impresión en el realizador con sus dotes y su presencia: “Es una gran ventaja contar con un actor al que se considera un maestro, en quien los demás actores pueden fijarse, que tiene los rasgos de la fuerza que exige el personaje.”

La imagen que Neeson se hace de Qui - Gon es la de un espíritu sabio, intemporal, dotado de una filosofía de origen oriental.

Siendo un Jedi, el personaje también domina las artes marciales.

“Creo que es lo más parecido que se puede esperar al modelo de

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guerrero sabio que rebosa confianza,” comenta Neeson. “Qui Gon es como un guerrero samurai dotado de grandes poderes y no menos humildad.”

Neeson también aprecia que la saga tiene temas de mayor alcance y un ámbito más amplio.

“Estas películas intentan sacar partido de algo que está vacío,” asegura. “Hemos perdido la tradición oral de contar cuentos, mitos y leyendas, y La Guerra de las Galaxias contribuye a compensar esa falta.”

El actor escocés Ewan McGregor se encarga del papel de Obi - Wan

Kenobi, que Alec Guinness había interpretado en la trilogía original. En EPISODIO I, Obi - Wan es un joven aspirante a Jedi, que en ocasiones las tiene tiesas con su rebelde mentor , Qui - Gon Ginn.

Obi - Wan prefiere no plantarle cara al Consejo Jedi y querría que Qui - Gon se atuviera a las reglas.

Uno de los miembros de la última generación de actores más polifacéticos y aplaudidos por la crítica, McGregor cuenta con intervenciones memorables en películas tales como Trainspotting, Emma y las recientes Velvet Goldmine y Little Voice. Lucas, que apoda a McGregor el “Joven Turco de la industria cinematográfica europea”,

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valoró las múltiples facetas del actor: “Ewan tiene la energía, la gracia y el entusiasmo que todos esperamos del joven Obi - Wan.” Gurland quedó impresionada con la semejanza existente entre McGregor y Guinness, que van más allá del simple parecido físico.

“Alec daba un toque de picardía a muchos de sus papeles,” explica la directora de reparto. “A pesar de que Obi - Wan es un personaje serio y de fuerte carácter, conserva un destello o quizá un atisbo de luz en sus ojos. Ewan también lo tiene.”

Como preparación para EPISODIO

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I, McGregor estudió varias de las interpretaciones de Guinness, tanto las de sus primeros trabajos como las de las películas de la serie Star Wars. “Era importante que mi actuación fuera comparable a la de Guinness en algunos aspectos relevantes,” subraya McGregor. “Me esforcé de modo especial en lograr el justo timbre de voz, imaginando cómo sería la de Obi - Wan en su juventud.”

La decisión de aceptar tan deseado papel fue fácil de tomar para McGregor. “Cualquiera comprenderá que me fuera imposible rechazar la oferta del papel,” afirma. “En un verdadero honor

formar parte de este leyenda y mito moderno.” McGregor también tiene vínculos familiares que le unen al universo Star Wars: su tío es Denis Lawson, quien dio vida a Wedge, el piloto de combate rebelde, en las películas de la trilogía original. Por último, fue imposible rechazar la ocasión de esgrimir el arma favorita de los Jedi. “¡Nadie puede imaginarse lo que se siente al desenvainar un sable de luz y encenderlo!”

Obi - Wan tiene el rango de discípulo, o Aspirante Padawan, del venerable Caballero Jedi Qui Gon Jinn. A pesar de su estrecha relación, Obi - Wan y Qui - Gon

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tienen ideas diferentes sobre cuestiones clave que determinarán sus respectivos destinos. Por ejemplo, cada uno tiene una opinión diferente acerca de Anakin.

Qui - Gon toma bajo su protección al joven esclavo, que según él traerá el equilibrio a la Fuerza, a pesar de los recelos de Obi - Wan y los miembros del Consejo Jedi.

fica incluye películas como The Professional y Beautiful Girls, y a la que se pudo ver en Broadway en El Diario de Ana Frank, se hace cargo del papel de la Reina. “Yo buscaba alguien que fuera joven y fuerte según las pautas marcadas por Leia,” explica Lucas. “Natalie encarnaba todos esos rasgos y algunos más.”

Obi - Wan y Qui - Gon acuden en ayuda de una joven y hermosa reina cuyo planeta sufre el ataque de la Federación Comercial.

La parte exigía a una mujer joven que pudiera resultar creíble como gobernante de dicho planeta, pero que a la vez pareciese vulnerable y franca. Natalie Portman, cuya carrera cinematográ-

Portman aceptó el papel con los brazos abiertos, dando muestras de haberlo valorado rápidamente y comprendiendo que el personaje era un modelo de comportamiento. “Resultó maravilloso interpretar a una joven reina que tiene tanto poder,” dice, entusiasmada. “Creo que será bueno para las jóvenes el ver a una

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fuerte mujer de acción que también tiene inteligencia y dotes de mando.”

A diferencia de la mayoría de sus coprotagonistas, Portman no estaba familiarizada con el fenómeno Star Wars cuando se incorporó al EPISODIO I. Pero alguno de sus parientes le sirvieron de apuntadores a la hora de transmitirle el entusiasmo. “Mis primos siempre han estado obsesionados con las películas,” recuerda, “pero yo ni siquiera las había visto cuando me dieron el papel. Cuando me vi metida en todo esto, mis primos se pusieron a gritar: ‘¡Oh, Dios mío, te has metido en Star Wars!’”

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La busca de Anakin, el esclavo Tatooine de nueve años de edad, supuso el reto más grande de la confección del reparto. Las especiales habilidades del niño, algunas de las cuales salen a la luz en el curso de una electrizante carrera de naves, atraen la atención de Qui - Gon y Obi- Wan, quienes se encuentran abandonados en el planeta en que vive el niño.

A lo largo de un periodo de dos años, Gurland sometió a pruebas a centenares de adolescentes que pudieran dar vida al ingenioso y esperanzado niño, ignorante por completo del destino y de los terribles retos que le aguardan. Lucas quería que Anakin fuera muy extrovertido, intuitivo, imaginatiwww.cinemascomics.com

vo y lleno de confianza en sí mismo. El personaje debía resultar atractivo a los espectadores jóvenes y a sus padres.

Como resultado de su minuciosa busca, los realizadores se acabaron decidiéndose por Jake Lloyd.

“Yo buscaba a alguien que fuera un buen actor, entusiasta y lleno de energía. Jake tiene un don natural,” afirma Lucas. Rick McCallum abunda en la opinión: “Jake tenía todas las cualidades apropiadas que George estaba buscando en Anakin. Es listo, revoltoso y le gusta todo lo que sea mecánico: exactamente igual que Anakin.”

Jake describe a Anakin como “el

que siempre se mete en líos y follones.” Pero añade: “Anakin es muy inteligente y muy buena persona, y se preocupa de los demás más que de sí mismo.” La futura encarnación de Anakin fue, sin que pueda extrañarnos, un importante incentivo para Jake. “Interpretar a Anakin suponía mucho para mí porque Darth Vader es mi personaje favorito de La Guerra de las Galaxias.”

La mezcla de sentido del humor, gracia y desenvoltura que caracterizan a Jake se ganó en seguida a sus compañeros de reparto. Así lo segura Ewan McGregor: “Nunca había trabajado con un actor infantil tan bueno como Jake.

Parece que siempre haya querido Cinemascomics │Especial 2012 │

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ta, interpreta el papel. Originalmente, Park se incorporó a la producción para trabajar al lado del coordinador de especialistas Nick Gillard, pero fue tal la impresión que causó en Lucas, , McCallum y Gurland que obtuvo el ansiado papel, que supone su primer trabajo en el cine.

Junto con sus enemigos en la pantalla, Liam Neeson y Ewan McGregor, Park colaboró estrechamente con Gilliard en las escenas de lucha que aportan una nueva dimensión atlética y un nuevo estilo de lucha a la saga Star Wars.

Gillard, la verdad sea dicha, creó un nuevo arte marcial mediante la combinación de varias de las grandes técnicas del combate a espada, rematando la faena con algunos movimientos de leñador y otros de tenista. En el culminante duelo con espadas de luz entre el Jedi y Darth Maul se pueden ver acrobacias tan complicadas como meticulosamente planeadas en cuyo rodaje hubo que emplear semanas.

ser actor y siempre se comportaba como un profesional aunque le gustara gastar bromas de cuando en cuando.”

Como bien saben las muchedumbres de seguidores desde la primera trilogía, el destino de Anakin acabará en manos del Emperador Palpatine. En la primera trilogía, el Senador Palpatine es un poderoso mandatario que comienza a moverse para consolidar su poder.

Ian McDiarmid recupera su papel de Palpatine sin el maquillaje que envejeció al actor en El Retorno del Jedi.

La experiencia resultó memora-

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ble para McDiarmid. “Entrar por vez primera en el estudio donde se rodaba EPISODIO I era parecido a retroceder en el tiempo a causa de mi experiencia en el Jedi,” recuerda. “Palpatine es un personaje interesante; exteriormente es de los que no destacan, pero tiene un interior diabólico: siempre está en el límite, intentado ir más allá de lo que es posible.”

Otro personaje de los que caminan por el filo es Sith Lord Darth Maul, quien junto a su mentor, desencadena una cruenta guerra contra los Caballeros Jedi. Ray Park, campeón de artes marciales y consumado esgrimista y gimnas-

Volvemos a encontrarnos en el universo Star Wars, aunque en formas ligeramente diferentes, a los entrañables robots R2 - D2 y C - 3PO. Kenny Baker vuelve a ocupar el cuerpo metálico de “R 2”, y Anthony Daniels se reengancha en la saga como “3 -P - O”, el robot de protocolo, al que en el EPISODIO I Anakin tiene a medio construir. Dado que a “3 - P - O” no le han puesto aún la “piel”, Daniels no pudo trabajar dentro del traje, como hizo en la trilogía original; en vez de ello, puso la voz del robot fuera de cámara mientras que un titiritero manipulaba al personaje.

Otro regreso muy bien recibido es el de Yoda, el Maestro Jedi, en esta ocasión, como es natural, en una encarnación ligeramente más joven. Frank Oz da vida una vez más a Yoda sirviéndose de una marioneta creada por el equipo del supervisor de criaturas Nick www.cinemascomics.com

Dudman, quienes en total produjeron alrededor de ciento cuarenta personajes.

En EPISODIO I, Yoda es un miembro de Consejo Jedi, del que también forma parte un nuevo personaje de la saga Star Wars, Mace Windu, encarnado por Samuel L. Jackson. Antes de comenzar la producción, a Jackson, admirador desde hace mucho de La Guerra de las Galaxias, le preguntaron durante una entrevista con qué directores le gustaría trabajar. Su respuesta inmediata fue: George Lucas, añadiendo acto seguido que le gustaría trabajar en la nueva entrega de la serie. Gurland, enterada del interés de Jackson, se puso en contacto con él ofreciéndole el papel de Mace Windu.

La experiencia resultó inolvidable para el veterano actor. “Ahí estaba yo, al lado de Yoda, actuando en EPISODIO I,” recuerda mientras sonríe. “Uno de mis sueños se había hecho realidad.”

Las precisas instrucciones dadas por George Lucas para encontrar el mejor actor para cada papel se ponen también de manifiesto en la selección de la actriz sueca Pernilla August, que da vida a la madre de Anakin, Shmi Skywalker.

Las escenas en que intervienen madre e hijo aportan a la historia momentos conmovedores. Vetewww.cinemascomics.com

rana de varias películas de Ingmar Bergman, August, afirma Rick McCallum, “tiene toda la dignidad y la fuerza que uno cabría desear en el personaje de la madre de Anakin.”

Otra nueva incorporación a la familia Star Wars es Jar Jar Binks, una criatura torpe y de aspecto infantil que habla un idioma completamente de su propia cosecha.

Jar Jar se une al grupo de Qui Gon, Obi - Wan, la Reina y Anakin y comparte sus aventuras. En la pantalla, Jar Jar será un personaje creado por un ordenador que interactúa realmente con los personajes reales. Se prestó gran atención a la hora de dar el papel a un actor cuyas características físicas y de voz respondieran a las del personaje, y a partir del cual se elaborara la imagen de la figura creada mediante ordenador. El artista escénico Ahmed Best, que fue localizado por Gurland durante una representación de Stomp en San Francisco, interpreta a Jar Jar.

“Ahmed es Jar Jar,” certifica Robin Gurland. “Fue su trabajo lo que hizo posible el personaje.” A lo que añade Liam Neeson: “Ahmed es un artista muy divertido y con muchas dotes del que puede decirse que de verdad da vida a Jar Jar.” Algunas veces, las paya-

sadas de Best, singularmente teatrales, cogían desprevenidos a sus compañeros de reparto. “Hubo muchas tomas en las que resultaba difícil mantener una expresión seria,” recuerda Neeson, “porque se ponía a hacer movimientos ridículos y a emitir sonidos raros y originales de su propia cosecha.”

Para que Jar Jar resultase tan cómico y divertido como fuera posible, Best dotó al personaje de todo un repertorio de movimientos inusitados que habitualmente acababan con la criatura metida en problemas. “Jar Jar ansía con desesperación agradar a todos y hacerlo todo bien,” asegura Best.

“Pero lo intente como lo intente, siempre acaba rompiendo algo y cayéndose encima de alguien.”

Otras intervenciones fundamentales con que cuenta EPISODIO I son el afamado actor inglés Terence Stamp en el papel del Canciller Valorum, cuya posición como Presidente del Senado se ve amenazada por el Senador Palpatine; Ralph Brown encarna al piloto de Naboo Ric Olié; y Hugh Quarshie da vida al valeroso guardia de la Reina, el Capitán Panaka.

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criticas

Sherlock Holmes: Juego de Sombras «««««

Por David Larrad

Aventuras / EEUU / 2011 / 129 minutos / Warner Bros Pictures. Director: Guy Ritchie. Actores: Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace, Jared Harris, Stephen Fry, Kelly Reilly, Rachel McAdams, Geraldine James, William Houston, Gilles Lellouche, Eddie Marsan. Guión: Kieran Mulroney, Michele Mulroney (Cómic: Lionel Wigram). Música: Hans Zimmer.

“Sherlock Holmes: Juego de Sombras” trata sobre un detective obsesionado con acontecimientos que están ocurriendo por todo el mundo, desde atentados, asesinatos de magnates y adquisiciones fraudulentas de empresas relacionadas con la guerra. Todo ello lleva al mismo hombre el profesor James Moriarty, destacado caballero ingles amigo personal del primer ministro que está dirigiendo entra las sombras a Europa a un enfrentamiento entre las naciones más poderosas. El único que puede ver esa conspiración y elaborado plan es el detective más brillante del mundo Sherlock Holmes. ASi que la batalla de dos de las mayores mentes de su generación esta servida.

“Sherlock Holmes: Juego de Som-

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bras” es un gran film que nada tiene que envidiar a la primera entrega, ya que pierde el factor novedad pero gana en intensidad y en escenas de acción, como por ejemplo la huida de la fabrica de armas que es espectacular mezclando cámaras a velocidad normal con cámaras lentas donde se ven las explosiones con todo lujo de detalle.

Guy Ritchie muestra que es un gran director ya que sabe mezclar humor, intriga y acción por partes iguales y las 2 horas que dura el film se te pasan volando, lo que tiene mucho mérito, además de incluir detalles donde se podrán saborear de mejor forma cuando se vea por segunda vez, muy atentos a los tatuajes de los secuaces carteles que hay por la

ciudad y sobre todo al disfraz final de Sherlock.

Todo un acierto es la pareja de protagonistas Robert Downey Jr. y Jude Law que están de diez, dandose la réplica una y otra vez, lo que hace que tengan un carisma desmesurado juntos lo que provoca que el malvado Moriarty interpretado por Jared Harris, no les esté a la altura y le coman el terreno en todo momento sobre todo cuando las escena los juntan como en la discusión en la Universidad o la partida final de ajedrez.

En definitiva, una gran película que hará que empecemos con buen sabor de boca el nuevo año cinematográfico.

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Juan de los muertos

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Por Gustavo Martín

Terror / Comedia / Cuba / 2011 / 94 minutos / Coproducción Cuba-España; Producciones de la 5ta Avenida / La Zanfoña Producciones / ICAIC / Canal Sur / TVE. Director: Alejandro Brugués. Actores: Alexis Díaz de Villegas, Jorge Molina, Andrea Duro, Andros Perugorría, Jazz Vilá, Eliecer Ramírez, Antonio Dechent, Blanca Rosa Blanco, Elsa Camp, Luis Alberto García, Susana Pous.

Guión: Alejandro Brugués. Música: Sergio Valdés.

La película es una comedia Hispano-cubana que ha sido escrita y dirigida por Alejandro Brugués, que ha dirigido anteriormente la película “Efectos personales”.

Los actores principales son Alexis Díaz de Villegas, Jorge Molina, Andrea Duro, Andros Perugorría, y Jazz Vilá.

En la tranquila ciudad de la Habana surgen disturbios por toda la ciudad. Según la noticias estos disturbios están provocados por disidentes al régimen pagados por los EEUU, pero la realidad es que una horda de zombis está atacando a la población para comer carne humana, propagando la plaga por toda la isla. Juán (Alexis Díaz de Villegas) junto a sus amigos aprovechan para montar un newww.cinemascomics.com

gocio para acabar con los zombis por encargo. Su eslogan es “Juán de los muertos, acabamos con sus seres queridos”.

Juan de los muertos es una divertida comedia de terror, en la que los personajes se van encontrando en situaciones inverosímiles, que resuelven casi siempre de un modo impactante y con un gran toque de humor. Los efectos especiales están bastante logrados, así como la caracterización de los zombis y los escenarios de la película. Es bastante divertida aunque el argumento varía poco y llega un momento que pueda llegar a cansar. Pero en líneas generales se van sucediendo situaciones muy divertidas, que no nos dejan de sorprender. Los actores inter-

pretan el papel a la perfección, y nada más comenzar la historia, logran conectar con el público. La película ha sido premiada en el festival de Sitges 2011 en la sección de oficial fantastic competición.

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Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres «««««

Por Enrique Abenia

Thriller / Drama / EEUU / 2011 / 158 minutos / Columbia Pictures / Scott Rudin Productions / Yellow Bird Films. Director: David Fincher. Actores: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Robin Wright Penn, Steven Berkoff, Yorick van Wageningen, Goran Visnjic, Geraldine James, Joely Richardson, Embeth Davidtz, Alan Dale, Inga Landgré, Mats Andersson, Eva Fritjofson, Donald Sumter, Elodie Yung, Ulf Friberg, Julian Sands. Guión: Steven Zaillian (Novela: Stieg Larsson).

Música: Trent Reznor, Atticus Ross.

La saga ‘Millennium’ fue un pelotazo editorial, un éxito rotundo cuya repercusión llegó a las salas de cine y la televisión. Era cuestión de tiempo que Hollywood quisiera tener su propia versión, y es una suerte que el encargo de adaptar ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’ recayera en David Fincher, un director con talento narrativo y visual capaz de crear películas comerciales con un componente de autor. El responsable de ‘La red social’ hace suya la novela de Stieg Larsson en una producción superior al original cinematográfico, que a pesar del interés que suscitaba no conseguía desprenderse de su apariencia de telefilme de sobremesa.

Mikael Blomkvist (Daniel Craig) es un periodista sueco que no pasa por su mejor momento profesional debido a una sentencia que le acusa de calumnias. Esta tiene su origen en una demanda interpuesta por un millonario, molesto por una información publicada en la revista ‘Millennium’. A pesar de su pérdida de reputación, un poderoso empresario contrata a Blomkvist para que investigue la desaparición de su sobrina 40 años atrás, ya que cree que fue asesinada por alguien de su entorno. Blomkvist se adentrará en un mundo sórdido y peligroso, para lo que contará con la ayuda de Lisbeth Salander (Noomi Rapace), una problemática joven con gran-

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des conocimientos informáticos.

‘Millennium’ entronca con la filmografía de Fincher al aludir a la perversidad y la podredumbre moral inherentes al ser humano.

La narración funciona como un reloj gracias a la labor de Fincher y el guión de Steven Zaillian (no se nota su abultado metraje, de dos horas y media de duración). También hay que destacar el apartado técnico, con una cuidada fotografía y un acertado uso de la música.

No obstante, lo mejor reside en la caracterización de los protagonistas, en especial Salander, convertida ya en un icono del género policiaco. Rooney Mara interpreta al personaje con un magnetismo que hace olvidar a Noomi Rapace (Lisbeth en las películas suecas).

No alcanza el nivel de ‘Seven’, o ‘Zodiac’, pero ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’ es un ‘thriller’ potente y con personalidad. Ahora la taquilla determinará si la industria estadounidense lleva a cabo las siguientes entregas de la saga. Esperemos que sí.

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The Collector

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Por Enrique Abenia

Terror / Thriller / EEUU/ 2011 / 88 minutos / Fortress Features / Imaginarium Entertainment Group. Director: Marcus Dunstan.

Actores: Josh Stewart, Michael Reilly Burke, Andrea Roth, Juan Fernández, Karley Scott Collins, Madeline Zima, William Prael, Diane Ayala Goldner, Daniella Alonso, Haley Pullos, Robert Wisdom, Alex Feldman. Guión: Marcus Dunstan, Patrick Melton . Música: Jerome Dillon.

Marcus Dunstan y Patrick Melton están detrás de los guiones de las cuatro últimas entregas de ‘Saw’ o las secuelas de ‘Feast’. Estos trabajos dan una idea de su gusto por lo retorcido y el ‘gore’, inquietudes que plasman en el argumento de ‘The collector’, filme que supone el debut en la dirección de Dunstan. Un ‘thriller’ no apto para espectadores sensibles debido a la brutalidad de sus escenas y que tiene potencial para convertirse en un título de culto en la vertiente macabra del género. De momento ha propiciado el rodaje de una segunda parte, ‘The collection’.

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Un hombre se dedica a hacer chapuzas en la casa de una adinerada familia. Ante las deudas de su ex mujer, decide perpetrar un robo en esa vivienda. A priori, un golpe sencillo. Sin embargo, el protagonista descubrirá con horror que un perturbado ha entrado en el domicilio. Oculta su rostro bajo una siniestra máscara y ha colocado trampas por todas las habitaciones. El ladrón deberá utilizar su astucia para sobrevivir y salvar a los inquilinos, que han sido torturados.

sarrollo se mueva por derroteros previsibles. Funciona como largometraje de suspense gracias a la tensión que produce, su tono tétrico y los guiños a ‘Saw’ (atención al desenlace). Se trata de una serie B de bajo presupuesto (algo evidente en la ambientación y un reparto con rostros televisivos poco conocidos) que entretendrá a los aficionados, quienes pasarán por alto imperfecciones como las incoherencias argumentales o el horrendo uso de la música.

‘The collector’ parte de una premisa atractiva, aunque en su dewww.cinemascomics.com

La hora más oscura

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Por Enrique Abenia

Sci-fi / Acción / Terror / EEUU / 2011 / 89 minutos / Regency Enterprises / Summit Entertainment. Director: Chris Gorak.

Reparto: Emile Hirsch, Olivia Thirlby, Max Minghella, Rachael Taylor, Joel Kinnaman, Dato Bakhtadze, Yuriy Kutsenko, Artur Smolyaninov, Pyotr Fyodorov, Nikolay Efremov. Guión: M.T. Ahern, Leslie Bohem, Jon Spaihts. Música: Tyler Bates.

Las invasiones alienígenas y el consiguiente fin del mundo son dos de los temas predilectos de la ciencia ficción. ‘La hora más oscura’ ratifica esta tendencia.

Detrás del proyecto se encuentra Timur Bekmambetov (‘Guardianes del día’, ‘Wanted’), cuyo estilo visual queda reflejado en el largometraje, que supone el debut del director Chris Gorak (‘En la puerta de casa’) en productos de mayor presupuesto. La principal baza comercial del filme reside en el diseño de los extraterrestres, aquí seres invisibles que identifican (y eliminan) a los humanos por la energía que desprenden. www.cinemascomics.com

La trama se desarrolla en Moscú, capital rusa a la que llegan dos jóvenes estadounidenses para hacer negocios. Sin embargo, una traición frustra su andadura empresarial y optan por olvidar las penas y disfrutar de la noche moscovita. En un local de moda conocen a dos atractivas mujeres. La alegría dura poco, puesto que los ‘aliens’ hacen acto de presencia, ante lo que empezará la lucha por la supervivencia.

ofrece poco al espectador. Una historia sin alma y que funciona en piloto automático lastra cualquier atisbo de originalidad, con unas situaciones y diálogos trillados. El envoltorio no basta para crear una película. Se deja ver, pero no aporta nada.

Al margen de su llamativo diseño de producción y la ambientación (con unas calles de Moscú desangeladas), ‘La hora más oscura’ Cinemascomics │Especial 2012 │

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Underworld: El despertar

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Por Enrique Abenia

Terror / Acción / EEUU / 2012 / 88 minutos / Lakeshore Entertainment / Screen Gems. Director: Måns Mårlind, Björn Stein.

Actores: Kate Beckinsale, Stephen Rea, Michael Ealy, Theo James, India Eisley, Sandrine Holt, Charles Dance, Kris Holden-Ried, Jacob Blair. Guión: John Hlavin, J. Michael Straczynski. Música: Paul Haslinger.

El género fantástico cuenta con más adeptos que nunca pese a que no pasa por su mejor momento. ‘Underworld. El despertar’ es un fiel reflejo de la coyuntura cinematográfica. Kate Beckinsale vuelve a la saga que la convirtió en una heroína de acción en una cuarta entrega no tan pendiente de la mitología de los filmes anteriores y más centrada en el puro espectáculo. Un producto digno que sin embargo no está a la altura de los precedentes al sucumbir a las tentaciones fáciles del cine de multisala.

“No reconozco este mundo”, dice la vampiresa Selene (Beckinsale, con su característico traje de cuero). Tras permanecer 12 años

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dormida en una cápsula criogénica, Selene se encuentra con que la ancestral guerra entre vampiros y licántropos ha cambiado al irrumpir en el conflicto los seres humanos, hasta ahora simples comparsas. Después de sucesivas purgas, ambas especies han sido aparentemente reducidas a la mínima expresión. Selene descubrirá que tiene una hija (fruto de su relación con el híbrido Michael), a la que protegerá de la nueva amenaza.

‘Underworld. El despertar’, dirigida por Mans Marlind y Bjorn Stein (Len Wiseman, creador de la franquicia, no pudo hacerse cargo debido al rodaje de ‘Desafío total’), tiene un ritmo trepidante y no da

respiro al espectador con sus secuencias de acción. El problema reside en que el guion queda relegado a un segundo plano, lo que propicia una historia floja y sin mordiente por mucho que haya sorpresas argumentales. Los personajes, a excepción de la protagonista, carecen de carisma. Era necesario que la saga introdujera novedades, pero paradójicamente alejarse del espíritu original ha restado fuerza al relato. Tampoco ayuda el abuso de unos efectos digitales que dan sensación de artificialidad. Por el bien de la franquicia, confiemos en que las continuaciones enmienden los errores de ‘El despertar’.

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El Monje

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Por Enrique Abenia

Thriller / Fantástico/ Francia / 2012 / 101 minutos / Diaphana Films / Morena Films. Director: Dominik Moll. Actores: Vincent Cassel, Déborah François, Joséphine Japy, Sergi López, Catherine Mouchet, Jordi Dauder, Geraldine Chaplin, Roxane Duran, Frédéric Noaille, Javivi. Guión: Dominik Moll. Música: Alberto Iglesias.

La tentación, el morbo que despierta lo que se considera prohibido, siempre está ahí, a la espera de los momentos de flaqueza.

El cine ha retratado la encrucijada moral que se presenta en esas situaciones, y una forma de mostrarla ha sido desde una perspectiva religiosa. ‘El monje’, coproducción entre Francia y España, narra el descenso al infierno de lo carnal de un hombre de Dios que ha sucumbido a los deseos mundanos. La película, presentada en los festivales de San Sebastián y Sitges, ha sido dirigida por Dominik Moll (responsable de las inquietantes ‘Harry, un amigo que os quiere’ y ‘Lemming’), quien adapta una novela gótica de Matthew G. Lewis, polémica en su día. www.cinemascomics.com

En la España del siglo XVIII, unos monjes capuchinos encuentran a las puertas de su monasterio a un bebé abandonado al que llaman Ambrosio. No dudan en cuidarlo y educarlo de acuerdo con las creencias de la orden. Ya adulto, Ambrosio destaca por sus férreas convicciones y los discursos que pronuncia delante de los feligreses, lo que le convierte en un líder espiritual y un modelo a seguir.

La llegada a la comunidad de un misterioso novicio, que oculta su rostro bajo una siniestra máscara, supondrá un punto de inflexión para el monje al dejarse llevar sin remedio por sus deseos ocultos.

‘El monje’ parte de un planteamiento osado, no por su temática, sino porque opta por un estilo

de cine en desuso, con una narrativa clásica y pausada. Una atmósfera envolvente, plagada de visiones oníricas, atrapará al espectador receptivo entre las dudas de Ambrosio, interpretado de forma notable por Vincent Cassel.

El francés está secundado por Déborah François, Jordi Dauder (en uno de sus últimos papeles), Sergi López y Geraldine Chaplin. Como curiosidad, llama la atención la presencia del cómico Javivi en un registro serio.

Es una pena que el largometraje no vaya más allá en su retrato del mal y la tentación, en parte porque lo que escandalizaba en el siglo XVIII no lo hace ahora.

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Orient Express

o ñ a El l e d n ó g a r D

2 1 0 2 s o n e E s t rcisco Nieto Por Fran

Según el horóscopo chino, el 23 de enero de 2012 entraremos en el Año del Dragón, que llegará hasta el 9 de febrero de 2013. Si echamos un vistazo a los jugosos estrenos que la pujante cinematografía de este país nos tiene preparados para toda la temporada que está a punto de arrancar no estaría de más cogerse un avión y plantarse en mitad de Beijing para disfrutar de todas estas apetitosas ofertas.

Además, desde el ministerio de Cultura se ha comentado que este año tienen previsto estrenar el doble de films autóctonos que en 2011.

En el lugar más destacado de este avance colocamos, cómo no, The Flowers of War, el megahit dirigido por Zhang Yimou e interpretado por Christian Bale que tiene visos de arrasar en taquilla durante varias semanas. El director chino que en su día filmó una obra maestra detrás de otra (La Linterna Roja, Vivir, Ni Uno Menos...) acomete los atroces acontecimientos que tuvieron lugar en 1937 durante seis semanas en la ciudad china de Nanking, entonces capital de la República, ocupada por el ejército japonés. Como bien se pudo apreciar en otras dos aproximaciones cinematográficas actuales de igual temàtica, el documental de nacionalidad americana Nanking (2007), dirigido por Bill Guttentag y Dan Sturman, y la más conocida y multipremiada (ganó el premio a la mejor película en Cannes) producción china Ciudad de Vida y Muerte de Chuan Lu, lo acaecido durante esos días no fue precisamente moco de pavo: violaciones a menores, asesinatos

a quemarropa, desmembramiento de civiles y el vandalismo más salvaje compusieron uno de los episodios más tristes de la Historia. Habrá que ver cuál ha sido la aproximación realizada por Yimou a los hechos históricos, aunque las primeras críticas aparecidas tras el estreno ya apuntan a una cierta desdramatización de la trama, que prefiere centrarse más en los actos individuales de heroísmo en general, y en el cambio de actitud de un sacerdote extranjero en particular, para dejar al público con la sensación de que quizás la especie humana no es tan mala después de todo.

Y si sonado será el estreno de este film, no le va a la zaga el nuevo trabajo de uno de los directores más prolíficos y a la vez más espectaculares del cine chino. Nada más y nada menos que la nueva producción de Tsui Hark, The Flying Swords of the Dragon Gate, una nueva versión del film Dragon Inn que el mismo director

realizó en 1992, y que a su vez ya era un remake de otro clásico del 1967 de mismo título rodado bajo la batuta de King Hu. Esta nueva versión tiene el honor de ser considerada como la primera película del género wuxia rodada íntegramente en 3D. El elenco actoral es de los que quita el hipo, con Jet Li a la cabeza, acompañado de Fan Siu-wong (a quien veremos en pocos meses compartir cartel con Donnie Yen en The Monkey King) y Zhou Xun (vista en Confucio y True Legend). Tsui no sólo ejerce tareas de dirección sino que también ha escrito el guión y se ha jugado parte de su patrimonio en la producción de lo que promete ser un espectáculo visual a gran escala.

Otro título a tener en cuenta durante el primer semestre de 2012 es Magic to Win, el film familiar de ciencia ficción filmado por Wilson Yip. Después del rotundo éxito de crítica y público cosechado con su anterior trabajo, Ip Man,

En la imagen podemos ver a Crístian Bale en The Flowers of War

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Yip se decanta en esta ocasión por la comedia de acción más familiar. Basada en la famosa serie de películas Happy Ghost de finales de los 80, Magic to Win nos cuenta la historia de una chica cuya vida cambia de manera radical cuando hereda los superpoderes de su padre. Gracias a ellos empieza a vivir de manera más cómoda e incluso los utiliza para sobresalir en el mundo del deporte. El abuso de sus poderes acaba por atraer a un acérrimo enemigo de su padre, quien lleva años tramando una cruel venganza. Protagonizan la cinta Louis Koo (Triple Tap, Don’t Go Breaking my Heart), Chun Wu (14 Blades, My Kingdom) y la guapísima debutante Karena Ng (ojito con ella, porque promete y mucho).

Cuarto lugar en preferencia para White Vengeance, también conocida como Hong Men Yan, un film que centra su trama en el histórico banquete que tuvo lugar en el año 206 a.C. en Hong Gate, un lugar situado a las afueras de Xianyang, la capital de la Dinastía Qin. Las principales partes implicadas en tan singular ágape fueron Liu Bang y Xiang Yu, dos prominentes líderes de las fuerzas insurgentes que llegaron a rebelarse contra esta dinastía, llegando el primero de ellos a fundar la Dinastía Han. Entre el nutrido elenco actoral que participa en el film hay que destacar la presencia del siempre efectivo Anthony Wong (Vengeance, Exiled) junto a otros actores menos conocidos para el gran público como los emergentes Leon Lai (Bodyguards and Assassins, The Matrimony) y Yifei Liu (A Chinese Fairy Tale). Dirige Daniel Lee, todo un especialista en rodar films épicos, con títulos como los recientes Three Kingdoms o 14 Blades.

Que uno de los temas preferidos por los chinos es la velocidad y todo lo relativo a las carreras de coches queda plasmado en dos www.cinemascomics.com

propuestas que prometen acción y adrenalina en su máxima esencia. La primera de ellas es Speed Angel, la historia de tres mujeres que harán lo indecible por cumplir su sueño de llegar a ser corredoras profesionales de coches de carreras. ¿Y quiénes son estas tres intrépidas chicas? Pues tres bellezones de la talla de las chinas Rene Liu (A World without Thieves, The Matrimony) y Tang Wei (Wu Xia, Late Autumn), y la japonesa Chie Tanaka (Ping Pong, Initial D). Mientras tanto, la segunda cinta automovilística colocada en la octava posición es Racer Legend, una adrenalínica

cinta que mezcla drama y acción a partes iguales, con la presencia del sempiterno Eric Tseng, que en este 2011 que ahora finaliza ha rodado la friolera de seis películas, un auténtico todoterreno.

Un título que tiene todos los números para reventar taquillas: en julio llegará The Monkey King, una superproducción con Donnie Yen y Chow Yun-Fat como protagonistas y directores de escenas de acción filmada en Imax 3D. Como anécdota resaltar que este film significará el debut en la gran pantalla de la guapísima Zhang Zilin, coronada en 2007 con el título de Miss Mundo.

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En cuanto a comedias se refiere ha creado bastante expectación You Are the Apple of my Eye, una comedia con tintes melodramáticos que nos cuenta de manera harto nostálgica y divertida la vida de un adolescente taiwanés en tres etapas: sus años de instituto, de universidad y su llegada a la edad adulta. Todo un exitazo en su país y seguramente uno de los “sleepers” de la temporada. Y si longeva está resultando la andadura de You Are the Apple of my Eye, qué decir del film indio 3 Idiots, un auténtico bombazo en taquilla que lleva la friolera de quince semanas instalado en nuestro top diez. Esta comedia de 2009 dirigida por Rajkumar Hirani nos cuenta el periplo de dos amigos que buscan a otro compañero perdido. En este viaje se encontrarán con una apuesta perdida, una boda y un funeral fuera de control.

Por último, también vale la pena

resaltar que en este 2012 varios realizadores conocidos por su faceta “underground” o independiente se adentrarán en el cine comercial. Este es el caso de Jia Zhangke con In the Qing Dinasty, y Wong Kar-Wai con The Grandmasters. Mientras tanto, Lou Ye estrenará Love and Bruises, una adaptación de la novela autobiográfica de Jie Liu-Falin llamada Bitch.

nes de la terrible tragedia acaecida. Así, en el pasado Festival de Sitges, ya se pudo ver Himizu, del siempre excesivo Sion Sono, quien no duda en contextualizar su radical propuesta durante el fatídico tsunami. Tambien Haru´s Journey, de Masahiro Kobayashi nos plantea una trama que tiene lugar precisamente en los mismos lugares que fueron arrasados a los pocos días por el tsunami.

Japón afronta este año 2012 la reválida de levantar su maltrecha cinematografía después de la horrible catástrofe natural de Fukujima, que ha abocado al país a una tremenda crisis económica y social. Las comedias y el cine de evasión son las máximas apuestas para un público que necesita ahogar las penas pasando un buen rato; aunque por otro lado los directores más irreverentes que enarbolan la bandera de lo autoral ya han comenzado a dejar huella en sus últimas produccio-

Pero como decimos, la mayoría de estrenos irá destinado al consumo masivo y a la evasión: A Ghost of a Chance (Sutekina kanashibari, 2011) es uno de los títulos más esperados. Esta comedia nos presenta a Emi Hosho, un abogado al que todavía no le ha sonreído la fortuna del éxito profesional y al que se le presenta un nuevo caso bastante inusual: su cliente está acusado de asesinar a su acaudalada esposa y su única coartada es la de que en el momento del suceso se hospedaba en un

Imagen de You Are the Apple of my Eye

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Imagen de A Ghost of a Chance

albergue mientras sufría una especie de parálisis conocida como “kanashibar” (Kanashibari es una criatura de la mitología japonesa que castiga a los ingratos visitándolos en su dormitorio y causándoles un estado de bloqueo físico cuando se despiertan). El problema se acrecienta cuando resulta que el único testigo que puede corroborar su historia es el comandante militar Rokubei Sarashina, un fantasma de más de 500 años que se mantuvo sentado sobre el pecho del acusado durante toda la noche. Participan en esta rocambolesca historia actores y actrices de la talla de Eri Fukatsu (The Magic Hour, 2008), Toshiyuki Nishida (Space Battleship Yamato, 2010) e Hiroshi Abe (Still Walking/ Caminando, 2008).

Otro título esperado por los seguidores de los dramas de acción es Kaiji 2 (2011), dirigido por Toya Sato (Gokusen: the Movie, 2009). Estamos ante la continuación de uno de los bombazos del www.cinemascomics.com

año pasado en Japón. Basado en el popular manga de Nobuyuki Fukumoto, se nos explica la adrenalítica vida que lleva Kaiji, al que da vida Tatsuya Fujiwara (The Incite Mill, 2010), un perdedor que se ha acostumbrado a cursar grandes apuestas a cambio de su propia vida. En esta su segunda aventura serán las máquinas de pachinko y la posibilidad de apañarlas las que llevarán a nuestro protagonista por la calle de la amargura. Una apuesta fascinante que demuestra que la moda de los Live Action va viento en popa.

Otra comedia recomendable es Love Strikes! (Moteki, 2011), film basado en una conocida serie de televisión donde un trabajador temporal que nunca ha tenido suerte con las mujeres comienza a recibir invitaciones de varias mujeres hermosas, periodo conocido como Moteki (un tramo de vida en el que una persona es muy popular y atractiva para los demás).

Con todo y con ello el primer es-

treno potente de esta temporada ha sido el drama bélico Admiral Yamamoto, the Untold Story of the Pacific War (Rengou Kantai Schireichoukan Yamamoto Isoroku, 2011), dirigido por Izuru Narushima (Love Fight, 2008; Rebirth, 2011), que repasa la obra y milagros de Isoroku Yamamoto, jefe naval de la flota japonesa durante la Segunda Guerra Mundial que fue encargado de liderar el ataque a Pearl harbour el 7 de diciembre de 1941. El protagonista del film no es otro que el carismático Koji Yakusho, a quien recordamos por interpretaciones tan notables como las que realizó en Tokyo Sonata (2008) donde daba vida a un ladrón que secuestraba a la mujer del protagonista, o en dos de los trabajos más recientes del prolífico Takashi Miike, 13 asesinos (2010) y Hara-Kiri, Muerte de un Samurai (2011). La figura de este legendario marino ya fue llevada al cine en el año 1968 por el realizador Seiji Maruyama bajo el mismo título. En aquella Cinemascomics │Especial 2012 │

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Imagen de Inazuma Eleven Got he Movie

ocasión fue el gran Toshiro Mifune quien dio vida al militar.

También se anuncian un buen puñado de estrenos de animación basados en mangas, series de TV e incluso videojuegos. El primero de ellos es Inazuma Eleven Got he Movie (Inazuma Eleven Go Kyukyoku no Kizuna Gurifon, 2011), nueva adaptación a la pantalla grande del archiconocido videojuego deportivo Inazuma Eleven para la consola portàtil Nintendo DS. Tambíen en 2008, al amparo del éxito del juego, la editorial Shogakukan publicó un manga en la revista Coro Coro Comic. En este caso se trata de la primera película de la serie Inazuma Eleven Go. Otro film esperado es la enésima adaptación de la serie de TV Kamen Rider, que suele aparecer sobre febrero. El último título de la saga recién estrenado es Kame Rider x Kamen Rider Fourze and OOO Movie Taisen Mega Max, 2011. Nuestros héroes deben hacer frente a una amenaza exterior en forma de meteorito

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que contiene una misteriosa substancia llamada SOLU que, entre otras lindezas, tiene la capacidad de distorsionar el tiempo. Otra nueva película japonesa animada, y ¡ya van tres! (ojalá nuestra cartelera dejara de vez en cuando algún resquicio entre tanto empalago yanquee para que se estrenaran más películas españolas y latinoamericanas de dibujos animados), Friends Naki on Monster Island (Friends Mononoke-jima no Naki, 2011), un film distribuido por la Toho en la que un grupo de monstruos apacibles que temen a los humanos deberán hacerse cargo del cuidado de un niño. El film, cien por cien animado por ordenador está basado en la novela japonesa para niños Naita Aka Oni, de Hirosuke Hamada. Las voces de los personajes principales corren a cargo de Shingo Katori, miembro del grupo musical SMAP y Koichi Yamadera, un auténtico especialista en poner voz a personajes animados (Slippy Dandy, Dragon Ball Z). Otra adaptación de un manga aunque en esta ocasión a imagen real: Kaibutsu-Kun The Movie (Eiga Kaibutsu-Kun,

2011), la historia de Kaibutsukun, el joven príncipe de Kaibutsun que decide ir a la Tierra para probar a su pueblo de que es digno de convertirse en rey. La particularidad es que su país de origen está trufado de monstruos clásicos, así que durante el metraje del film veremos desfilar a Drácula, El Hombre Lobo o a Frankenstein.

Imprescindible para los amantes del Japón más bizarro.

Otras adaptaciones que irán llegando a las pantallas nipones a partir de 2012 son: K-On! Movie (K-On! Movie, 2011) la apuesta animada de esta temporada de la Shochiku, y el trepidante thriller Wild 7 (Wairudo 7, 2011) donde una unidad secreta motorizada de la Policia Nacional Japonesa luchará contra la creciente delincuencia y el terrorismo en el país del sol naciente.

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Cine de los 80

Por Sergio Reina

A punto de cumplirse los 25 años del estreno de esta magnífica película, y ahora que hay noticias de un inminente remake (aunque no sabemos si al final se realizará o no, pues ha sufrido varios contratiempos), me parece de lo más oportuno hablar de este film, dirigido por el holandés Paul Verhoeven, que supuso su primer trabajo para la industria norteamericana.

La historia es de sobras conocida, sobre todo si andas en la treintena. Alex J. Murphy es un agente de policía modélico en un Detroit degenerado, lleno de crímenes, actos vandálicos y policías corruptos, donde la seguridad ciudadana está en manos de una gran corporación llamada OCP. En su primer día de patrulla, Murphy es masacrado por unos delincuentes de la banda liderada por Clarence Boddicker, un cruel asesino, que entre otras cosas, disfruta matando y torturando. Dada su ineficacia, la OCP está trabajan-

do en un nuevo programa para crear a un superpolicía, el cual será mitad robot, mitad humano, y encuentran en el mutilado Murphy el candidato ideal. Tras borrarle la memoria, recomponen su cuerpo para transformarlo en un cyborg, con partes orgánicas e inorgánicas, una auténtica máquina programada para “servir al público, proteger a los inocentes y defender la ley”. Tras unas primeras misiones, el ya convertido en Robocop se cruza con su antigua compañera, lo que le facilitará recuperar los recuerdos de su anterior vida como humano. Estos recuerdos llenarán a Robocop de frustración, depresión y melancolía, y también de sed de venganza. En su camino para atrapar a los que le mataron como ser humano, se dará cuenta de que las más altas esferas de la OCP están involucradas con la banda de Boddicker.

Verhoeven llegó a la película casi in extremis, pues en un princi-

pio declinó el trabajo, arrojando el guión a la basura. Menos mal que su mujer rescató el escrito, y convenció a su marido del gran trabajo que podía hacer.

El guión, escrito a dos manos por Edward Neumeier y Michael Miner tiene muchas influencias, desde la inspiración que tuvo Neumeier al ver Blade Runner, al personaje Rom de la Marvel y al manga.

En cuanto a los personajes, en un principio se pensó en Rutger Hauer para encarnar al protagonista (como ya he comentado, Blade Runner influyó mucho en el principal guionista), pero al declinar éste la oferta, el papel fue a parar a un inspirado Peter Weller. Robocop no sería lo mismo sin este actor, el cual, hizo uno de sus mejores trabajos en cine (por no decir el mejor, ya que no conozco la trayectoria total del actor), dotando a Robocop de toda la humanidad posible. También se contó con varios secundarios de

La agente Anne Lewis (Nancy Allen) junto a Alex J. Murphy / RoboCop (Peter Weller) www.cinemascomics.com

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lujo, como Ronny Cox, en el papel de Dock Jones, el directivo de la OCP sin escrúpulos; Kurtwood Smith, interpretando al ya mencionado Clarence Boddicker o Miguel Ferrer, también perfecto en su papel de trepa.

La película de Verhoeven es claramente un blockbuster, pero no se queda tan solo en eso, sino que va mucho más allá, dejando clara la realidad que quiere mostrar con toda su brutalidad y violencia y los sentimientos que quiere albergar. Y es que no es un blockbuster típico, sino que contiene su gran parte de drama, donde podemos ver lo mal que lo llega a pasar Murphy convertido en Robocop, y su gran parte de denuncia social, donde el director nos plantea un futuro muy cercano (nunca aparece ninguna fecha en la película, lo que facilita el que podamos encuadrarla en cualquier época), y a la vez muy real, ya que es fácil imaginarse que esa realidad puede no estar muy lejana de nuestro presente.

También contiene escenas con un alto grado de violencia, que tampoco son típicas de los grandes

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blockbusters, como la escena de la tortura de Murphy, la de la ejecución del directivo de la OCP a cargo del experimento fallido del anterior Robocop, o la muerte de uno de los secuaces de la banda, prácticamente disuelto en ácido.

Todas estas escenas, se muestran tal como son, sin apartar la cámara, lo que hizo que la película en su estreno en Estados Unidos tuviera que recortar metraje por estar ratificadas como escenas X. Todo esto lo convierte en cine de autor, escondido tras el blockbuster, y es lo que la ha convertido en la gran película que es, que puede seguir viéndose hoy en día y seguir resultando actual.

La película tuvo un éxito arrollador en su estreno, lo que le permitió rodar dos secuelas más.

Robocop 2, siguió estando interpretada por Peter Weller, pero Verhoeven se bajó del carro, dejando la batuta a Irvin Keshner, el director del quinto capitulo de Star Wars, con un guión de Frank Miller que tuvo que ser reescrito (con el consiguiente enfado de Miller), por lo violento que resultaba. En la tercera entrega ya no se contó con Peter Weller, susti-

tuido por Robert Burke, y la calidad de esta cinta es muy inferior.

La franquicia también dio lugar a serie de televisión y a serie animada, así como a su edición en comic, con Frank Miller como guionista. Y por supuesto, la película ha tenido infinidad de homenajes en series y películas, desde Los Simpsons, South Park o Padre de Familia, por ejemplo.

Una película que no me canso de ver, y que no me ha hecho falta revisar para poder escribir de ella, pues la he visto tantas veces que la tengo grabada en mi memoria. Solo espero que si al final se llega a hacer el remake se respete al máximo el original, aunque veo difícil que se pueda llegar a plantear una película igual que la primera, que tenga no solo éxito comercial sino también la calidad de la de Verhoeven.

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¿VÍCTIMA O VERDUGO?

PERSON OF INTEREST

Y SUS JUSTICIEROS PROFÉTICOS Por Javier Calvo

Un nuevo producto de J.J. Abrams, aunque en el papel de productor. Una serie creada por Jonathan Nolan, y cuidado con ese apellido. Un punto de partida fascinante, aunque peligroso. ¿Pueden los policías del futuro predecir los crímenes antes de que sucedan? Da igual: los protagonistas de Person of Interest no son policías. Ni siquiera están del lado –oficial- de la ley. Pero sus andanzas han seducido, y mucho, a la audiencia americana.

La adrenalina es el recurso de base del género policíaco. Y el misterio, su camino de renovación. Series de la última época como CSI, Fringe o, si nos remontamos más allá, Expediente X, unen estos dos factores para conjugar productos que el público ha degustado con deleite.

En este terreno, un nuevo realizador ha querido meter mano. Amparado por el buen hacer de algu-

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nos guiones cinematográficos (El Caballero Oscuro… ¿a alguien le suena?), ha decidido dar el salto a un proyecto de mayor envergadura y elaborar una ficción seriada que mezcle acción y suspense, con un toque propio. Se trata de Jonathan Nolan, hermanísimo de Christopher Nolan –con el que ha colaborado no sólo en sus películas de Batman, sino también en El Truco Final o Memento- y creador de Person of Interest, la serie que

aquí nos ocupa. Ah, y uno de los productores es J.J. Abrams.

Afirmar, en cualquier caso, que Person of interest es una serie policiaca quizá resulta incompleto. La trama parte de un concepto que recuerda la base de Minority Report (la película de Spielberg) pero adaptada a nuestra realidad histórica cercana: la prevención de crímenes en el contexto de la sociedad post 11-S, justo antes de que estos sucedan. De este www.cinemascomics.com

modo, la parábola del thriller se acerca, en su curvatura, a la ciencia-ficción, una combinación muy del gusto de su productor, el ya mencionado J.J. Abrams, y de su creador, Nolan.

El espectador se introduce en Person of interest a través del personaje de Finch, un misterioso multimillonario que queda profundamente afectado por el ataque a las Torres Gemelas. Sawww.cinemascomics.com

bemos poco de sus motivaciones reales, pero parece enteramente decidido a evitar que tragedias de tal calibre vuelvan a suceder. Por ello, desarrolla para el gobierno un programa informático capaz de predecir ataques terroristas a través de la información que recopila de la masa ciudadana.

Esta información queda dividida en dos grupos: relevante o irrelevante, en función de la potencial peligrosidad de sus protagonistas.

Finch descubre, sin embargo, que la información irrelevante – desechada desde las autoridades por su inutilidad- puede desembocar también, en ocasiones, en actos criminales de diversa naturaleza. Por eso, y antes de desaparecer oficialmente del mapa, crea un acceso secreto al programa que le permite continuar utilizando estos datos, pero de una manera especial: el programa sólo le ofrece el número de la Seguridad Social de un individuo –esa “persona de interés” del título- que va a estar involucrado en el crimen, sin saber, por el contrario, si aquel será la víctima o el propio verdugo. Tan escueta información le permite seguir oculto, ya que si el gobierno descubre ese acceso, sólo encontraría una serie de números sin sentido, y ninguna posibilidad de saber quién los consulta.

trama que se suponía realista. Algunos, de hecho, han tenido gran éxito. En Fringe, Abrams jugaba con las posibilidades de la ciencia más extrema, dando lugar a situaciones tan inverosímiles como la lectura de la mente de un muerto, o la posibilidad de conectar dos mentes humanas, todo ello al servicio del FBI. Y en El Truco Final, Nolan introducía en el guión una máquina de clonación humana en la lucha entre dos magos rivales ¡del siglo XIX!

Gran idea la del detonante dramático de la serie, y a la vez hándicap para tomar en serio su propuesta. Puesto que el tono general se plantea como realista, obviamente parece poco probable que hoy día una máquina pueda predecir la intencionalidad de actos delictivos. Lo que en la obra de Spielberg –basada en un relato del maestro Philip K. Dickconstituía la base fantástica del sci-fi, se torna aquí propuesta argumental de thriller. Es cierto, sin embargo, que ya otros productos de sus artífices se asentaban en contextos pseudo-científicos y tecnológicos que debíamos asumir como ciertos para seguir una

PARANOIAS MODERNAS

Pero el detonante continúa cuando Finch, al cual se supone muerto, recluta al ex agente de la CIA John Reese, también oculto para la sociedad, y le propone utilizar sus capacidades policiales para hacer frente a esos crímenes. De esta desinteresada forma, contribuirán a proteger una parte de un planeta cada vez más inseguro.

Reese completa así el par clásico mente-acción, con un deje de héroe solitario que arrastra trauma (novia muerta) y que en su nuevo cometido puede encontrar, seguramente, el motivo para redimir su dolor. Apoyado por su acaudalado mecenas, juntos conforman un par de antihéroes que deciden rebelarse contra el sistema o, más correctamente, suplir sus deficiencias.

En Person of interest se recogen dos de las principales paranoias de nuestra sociedad contemporánea. Ambas planean, de soslayo, entre las vicisitudes de la trama, como dos grandes razones que justifican la aparición de la serie: el miedo al terrorismo y la vigilancia gubernamental.

Desde los desgraciados acontecimientos del 11-S, la agenda internacional se ha visto copada por políticas antiterroristas a escala global. Las posibilidades de un nuevo conflicto mundial quedaron al descubierto y, de hecho, Cinemascomics │Especial 2012 │

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afectaron de forma profunda a la mentalidad colectiva. Así, el personaje de Finch podría encarnar a ese ciudadano contemporáneo que, a causa de la aldea global, ha ampliado sus preocupaciones mucho más allá de los muros de su casa. Quizá el tiempo convierta el suceso de las Torres Gemelas en el punto de inflexión para la creación de una nueva Edad. De momento, la paranoia terrorista ha sido el foco de muchas ficciones, y Person of interest las lleva a la televisión.

En cuanto a la posibilidad de ser vigilados, los dos curiosos personajes de la serie son un ejemplo vivo de la teoría de la conspiración, y de cómo las fuerzas de la autoridad pueden jugar a Gran Hermano, entrometiéndose en nuestros mails, grabándonos por la calle o, peor aun, desgarrando nuestra intimidad. Forzados a “no existir” de forma burocrática, Finch y Reese abandonan su

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rol legal de ciudadanos para poder moverse en la sombra, sin ser vigilados, y a su vez, convertirse en nuevos vigilantes. Claro que ellos, en teoría, son los abanderados de un Bien más puro que el que nuestro imperfecto sistema político puede ofrecer. En Person of interest, el gobierno vigila y censura, pero son los dos protagonistas quienes “luchan contra el mal”.

Uno no puede evitar, en ocasiones, ver reflejadas en las figuras de Reese y Finch los perfiles de Batman y Alfred, su fiel criado -la relación entre ambos es una de las líneas de interés de la serie-.

Quizá la cercanía de Nolan con este universo le haya hecho más permeable al homenaje. Lo cierto es que se trata de dos roles muy cercanos al cómic, por sus excesos y sus defectos.

Reese es un héroe de acción con pasado trágico por descubrir, res-

catado de la miseria personal por Finch, y hace gala de un arsenal de habilidades dignas del propio Caballero Oscuro. Sus maneras, rudas y firmes, son las del Rambo clásico, aunque en un entorno hi-tech. En la sombra, queda dirigido por ese arquetipo de científico loco –aunque no haga gala de locura explícita, emprender una tarea como esa es ya síntoma de inestabilidad mental- que es Finch, dotado de recursos económicos, poderes visionarios y capacidad de resolución. Junto a ellos se mueve un arsenal de secundarios entre lo correcto y lo genial, entre los que podemos destacar, por este último motivo, al misterioso Elías, un villano más bien atípico que guarda buena parte de las sorpresas de la serie.

Una serie de interés Sorprende el enorme éxito que, de entrada, obtuvo Person of Interest en el mercado televisivo americano. La serie, emitida por www.cinemascomics.com

CBS, tuvo un estreno rompedor que superó los 13 millones de espectadores; de hecho, la cadena acabó moviendo de día su programa estrella para las noches del jueves, CSI, para poder ofrecer ese nicho a la serie de Nolan.

También destacan los buenos augurios de la crítica, señalando la fortaleza de su historia y las buenas interpretaciones de algunos roles. Destaca aquí el traumatizado Reese, encarnado por el muy cristiano Jim Caviezel, que ya había interpretado a otro héroe de acción, Jesucristo, en La Pasión de Mel Gibson. Por su parte, los más catódicos reconocerán con facilidad a Michael Emerson, Finch en la ficción, que ya tuvo un notable papel en Lost.

La globosfera, sin embargo, ha vertido opiniones de todo tipo. Algunos bloggers destacan un cierto cansancio en las formas de la serie, mientras que otros defienden su buen hacer. Así, destacan algunos valores de su propuesta.

Por ejemplo, en cada capítulo se desarrolla un caso con principio y cierre que ayuda a dinamizar la trama. Existe una línea narrativa de fondo que hila las diferentes historias, pero, al modo de Expediente X o Fringe, su binomio protagonista debe hacer frente a nuevas dificultades en cada ocasión. El hecho de que hasta el último momento no se sepa si la “persona de interés” de cada caso es realmente la víctima del suceso o su propio ejecutor permite introducir un siempre efectivo giro en la trama que gusta mucho al televidente. Y además, ¿quién puede resistirse a un producto J.J. Abrams?

Por el contrario, también se habla de una cierta dejadez en el trasfondo científico del producto.

En algunos momentos, da la impresión de que Person of Interest se mueva en el campo de la ciencia ficción. Tampoco el papel de algunos personajes resulta muy www.cinemascomics.com

coherente, como el encarnado por la actriz Taraji P. Henson, una detective miembro de las fuerzas oficiales que debería hacer la vida imposible al supersecreto Reese, y que, a pesar de la labor de su intérprete -nominada al Oscar hace unos años- no consigue despegar del todo. Y la competencia, con otras series ya mencionadas, pesa tanto como el buen recuerdo de algunos productos míticos.

ofrecido un notable éxito comercial en EE UU, quizá más que en el resto del mundo. Aun así, existen afirmaciones de que CBS ha firmado una segunda temporada.

De momento, los “interesados” españoles pueden verla en Calle 13 y La Sexta –Vigilados, se llama aquí- y convertirse en ejecutores de un acto ¿criminal? de opinión.

Seguramente, alguien les estará vigilando.

En general, la temática de la serie y el vínculo de su director ha Cinemascomics │Especial 2012 │

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STAN LEE’S BOOM COMICS. STARBORN 1 Contiene Contiene Starborn 1-4 USA Guión: Chris Robertson Dibujo: Khary Randolph Formato: Libro con solapas. 96 páginas.

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THE LEAGUE OF EXTRAORDINARY GENTLEMEN: CENTURY 19 Guión/Dibujo: Alan Moore, Kevin O’Neill Formato: Rustico, 80 págs. a color .

Precio:4,95 € Editorial Planeta DeAgostini Cómics La exitosa serie de la Liga de Los Hombres Extraordinarios viaja hasta 1969, época del amor libre, las drogas y el rock and roll. Todo bajo el prisma de una de las plumas más prestigiosas del momento: Alan Moore.

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A destacar: *Kirkman bate records de ventas con su cómic Los Muertos Vivientes y de la adaptación para TV. *En España, Los Muertos Vivientes lleva más de 300.000 ejemplares vendidos. El éxito de la serie ha propicidado una campaña de intercambio promocional con La Sexta y con Fox España: samplers, spot de TV, stickers...

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