Cinemascomics: La revista nº 14 by Carlos Gallego

Nº 14. Año 2

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La revista

ENTREVISTAS

Rodrigo Cortés Julia Roberts

ESPECIALES JULIA ROBERTS LOS VENGADORES REPASO AL GÉNERO ZOMBI LA EFECTIVIDAD DE LA AMENAZA: SERIES DE TERROR LOS TITANES

Diego Matos y Alberto Vicente,autores del libro “Caminando entre los muertos” CLÁSICOS DE LOS 80 La mosca

Especial series Alphas

Orient Express Godzilla y Gamera

Ver trailer

cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego Christian Arza: moonfilms.es David Larrad Diego Sánchez: planta13.blogspot.com Enrique Abenia Gerard Fossas: butacapreferente.com Gustavo Martín Francisco Nieto Sánchez: cinedeaqui.es Javier Calvo José Joaquín González: defanafan.com Manuel Moros María Laura Gutiérrez Pedro Pinos Sergio Reina: critico-de-cine-aficionado.blogspot.com Teresa Garza: checalamovie.net Vicente Barrena xtraidos.sentinelstudio.com COMICS Diego Burdio: diegoburdio.blogspot.com Moratha: moratha.blogspot.com PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 publicidad@cinemascomics.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics. A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

EDITORIAL Hola a tod@s!! A costado pero que aquí estamos de nuevo con tod@s vosotro@s. Este número cómo no podía ser de otra manera y se lo dedicamos al grupo de súper héroes más grande de todos los tiempos, Los Vengadores, qué el próximo 27 de abril llegan por fin!! y tras una larga espera a nuestros cines. Hemos tenido que esperar cuatro años desde que viéramos en los créditos finales de Iron Man, salir de entre las sombras de la mansión de Tony Stark la figura de Nick Furia (Samuel L. Jackson) diciendo a este la famosa frase de “...soy Nick Furia y he venido a hablarle de la iniciativa Vengador”. Os puedo prometer que no os defraudará y que colmará todas las expectativas que tengáis puestas en ella. Pero en Cinemascomics no solo podréis encontrar un amplio reportaje de Los Vengadores; nuestra colaboradora Mª Laura nos trae una entrevista a Rodrigo Cortés que nos habla de Luces Rojas y un reportaje sobre la villana de Blancanieves (Mirror,mirror), Julia Roberts, actriz a la que pudo entrevistar en L.Angeles nuestra amiga Teresa Garza de checalamovie.net y que ha querido compartir con todos nosotros. Desde aquí mi agradecimiento y mis disculpas por la tardanza en lanzar la revista. También tenemos que darle la bienvenida a un nuevo colaborador, Vicente Barrena de xtraidos.sentinelstudio.com, que nos trae un interesante artículo sobre la serie del canal Sci-fi, ALPHAS. Por otro lado Diego Sánchez entrevista a los autores del libro “Caminando entre los muertos”, del cual ya os hablamos en el número de diciembre, y nos habla del fenómeno de las nuevas series de terror que podemos encontrar en la pequeña pantalla. Francisco Nieto en la sección Orient Express nos habla de Godzilla y Gamera, mientras que Christian Arza nos hace un repaso de Furia de Titanes. Sergio Reina recuerda en cine de los 80 el clásico de David Cronenberg, La Mosca. Y nuestros artistas Diego Burdio y Moratha nos volverán a entretener con sus fantásticas viñetas. Tampoco puedo olvidarme de las críticas de David Larrad y Enrique Abenia el cual mientras escribo estas líneas se encuentra en el Festival de Cine de Málaga para contarnos tanto en cinemascomics.com, como en el próximo número todo lo que acontece en él. Así pues, llegamos tarde pero bien cargaditos, prometiéndoos que pese al tremendo esfuerzo que supone sacar este proyecto adelante seguiremos tratando de mejorar día a día y demostraros ser dignos de la confianza que tanto colaboradores como vosotros queridos lectores habéis depositado en nosotros. Y como diría El gran Wyoming para despedir el programa de El intermedio. El próximo mes más, pero no mejor, porque es imposible, aquí, en Cinemascomics. Carlos Gallego Director de Cinemascomics

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Número 14 2012

comics 7│ La página de Diego Burdio 45│Gordos con Mochila 165│Gordos con Mochila

Actualidad 8│Primera imagen The Long Ranger

Entrevista: RODRIGO CORTÉS

JULIA R DESTRO CORAZO

ENTREVISTA: JULIA ROBERTS

10│Primera imagen de Hotel Transylvania 12│Nueva imagen de Total Recall

ANTIHEROES UNIDOS

REPASO ZOMBIE

criticas 128│Lorax , en busca de la trúfula perdida 129│ Ira de Titanes 130│Blancanieves (Mirror,Mirror) 131│Devil Inside 132│Battleship 133│Los Juegos del Hambre 134│Los Vengadores

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ORIENT EXPRESS: GODZILLA Y GAMERA

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CINE DE LA MOS

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contenido 158

ROBERTS: ONADA REINA DE ONES

ENTREVISTA A DIEGO MATOS Y ALBERTO VICENTE AUTORES DEL LIBRO, CAMINANDO ENTRE LOS MUERTOS

40 70

estrenos 22 │ Blancanieves (Mirror,Mirror) 23 de marzo 38 │ [REC] 3, Génesis 30 de marzo 46 │ Lorax en busca de la trufula perdida 30 de marzo 76 │ Battleship 13 de abril 100 │ Los juegos del hambre 20 de abril 102 │ Marvel: Los vengadores 27 de abril

que leer 166 │ Zona Cómic

O AL GÉNERO E

E LOS 80: SCA

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LA IRA DE LOS TITANES DESATADA

146 ESPECIAL SERIES: ALPHAS

150 LA EFECTIVIDAD DE LA AMENAZA Cinemascomics │abril 2012 │

Nuevas imagen

The Lone Ranger Desde Disney nos llega la primera imagen oficial de “The Lone Ranger” (El llanero solitario), nueva adaptación está vez para la gran pantalla del famoso personaje creado por George W. Trendle y desarrollado por el escritor Fran Striker, producida por Jerry Bruckheimer Films. La película reúne el equipo de las tres primeras entregas de “Piratas del Caribe”: el productor Jerry Bruckheimer y el director Gore Verbinski, junto a Johnny Depp que creó el personaje icónico del Capitán Jack Sparrow nominado a los Oscar y que prestó su voz al protagonista de “Rango”, la película de Verbinski ganadora de un Premio de la Academia.

Primeras imágenes

Hotel TRANSYLVANIA - 3D Desde Sony Pictures nos llegan las primeras imágenes oficiales de HOTEL TRANSYLVANIA, película de animación que cuenta en su versión original con Adam Sandler que presta su voz a Drácula, protagonista principal del film. Acompañan Adam Sandler, que también prestan sus voces los siguientes “huéspedes”: Andy Samberg, Kevin James, Selena Gomez, Steve Buscemi, CeeLo Green y David Spade.

Nuevas imágenes

Desafío Total (Total Recall)

Ver trailer en español

Nueva imagen de DESAFIO TOTAL, dirigida por Len Wiseman y basado en el relato breve de Philip K. Dick, “Podemos recordarlo todo por usted”. Con guión de Kurt Wimmer producida por Neal H. Moritz y protagonizada por Colin Farrell, Jessica Biel y Kate Beckinsale se estrenará en todos los cines de España el próximo 17 de Agosto de 2012. Podéis ver el trailer aquí.

ENTREVISTA

RODRIGO CORTÉS “NO SE PUEDE TRABAJAR CON MIEDO” Por María Laura Gutiérrez

Rodrigo Cortés ha conseguido triunfar en Hollywood, y lo hace copiando con cierto ingenio (pero poca originalidad) las fórmulas básicas del éxito de los blockbuster. Poco o nada aporta “Luces rojas” a la gran pantalla, salvo un puñado de preguntas que pueden resumirse en una sola: ¿existe lo paranormal? Su sonrisa y simpatía en la entrevista le delatan: es un momento importante para él, y no pierde la atención en ningún momento para hablarnos de su nueva película. ¿De dónde viene el título de “Luces rojas”? Las luces rojas son como notas discordantes que desvelan que algo va mal, que hay algo no debería estar sucediendo. Y eso es precisamente lo interesante del filme, porque es lo que hace que el espectador empiece a desconfiar de todo lo que ve y oye. Lo que he intentado es que el espectador tenga la necesidad de ubicarse en una historia que hace que se cambie de opinión y de punto de vista según va desarrollándose la trama. Desde luego, es innegable que el espectador se convierte en protawww.cinemascomics.com

gonista de la acción, hasta que, como has comentado, se siente atrapado por el misterio.

mente, en “Luces rojas” el personaje más fuerte es el interpretado por Sigourney Weaver.

Ése era mi objetivo, que el espectador conviviera de manera activa con la película, intentando descubrir qué se esconde detrás de la maraña de cosas, y sobre todo, que se replantee la percepción de todo, que se dé cuenta de que su cerebro no está lo suficientemente capacitado para desvelar los misterios de la película o de la propia vida. Quiero que todos los que vean la película salgan con la sensación de no saber la verdad de las cosas.

Y hablando de los actores, ¿pensaste en ellos desde el principio?

Y sin duda lo has conseguido. En otro orden de cosas: tus personajes suelen ser siempre seres condicionados por la búsqueda de la verdad, ¿por qué? Es cierto que tanto en “Concursante”, como en “Buried”, o ahora en “Luces rojas”, los protagonistas son hombres sometidos a un único propósito: conocer la verdad. Y ese proceso es para mí un camino tortuoso y siempre doloroso, por lo que suelo idear personajes llevados al límite, y que por tanto han de tener una gran fuerza interior. Aunque, curiosa-

No, lo cierto es que no. A excepción de Sigourney Weaver, el resto lo elegí una vez realicé el casting. Sin embargo, y no me preguntes por qué, Weaver era la única en la que pensaba a la hora de desarrollar los personajes sobre el papel, mucho antes de finalizar el guión y realizar castings. Un director español en tierras hollywoodienses. Dinos, ¿cuál es la clave para hacerse oír en una industria tan cruel? El secreto es no trabajar con miedo. Un director tiene que trabajar con toneladas de confianza y esperanza en que lo que a él le interesa, y entonces seguramente interesará a miles de espectadores por todo el mundo. No puedes dirigir una película de otra manera. Y una vez que la confianza está adquirida, ¿qué otros secretos esconde la dirección para ti?

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Rodrigo Cortés dando instrucciones a Cillian Murphy

Creo sinceramente que hay dos formas de disfrutar de un espectáculo de magia. Puedes pagar doscientos dólares por ver como David Copperfield vuela en el escenario, o puedes ir para descubrir los trucos que hacen que parece que vuele, porque es obvio que no vuela. Y, después de esto, contesto a tu pregunta, porque para mí, el trabajo de un director es el mismo que el del ilusionista, hacer que el espectador mire su mano izquierda, mientras que con la derecha se hace con alguna cartera.

que deseaban hacer sus personajes tal y como los concebí en un primer momento, y a ellos se ciñeron. Cada mañana se presentaban todos ante mí, esperando que les dijera qué debían hacer, y eso hice. Para el actor es muy importante sentirse arropado y protegido por el director, por lo que si les dices aquello que esperas de ellos, les haces sentir mucho más libres a la hora de actuar.

detalle de la trama. ¿Cómo surge la inspiración?

... como libre te has sentido tú a la hora de poner de manifiesto el mundo de la estafa...

Y hablando de trucos, es conocido por todos que Robert DeNiro acostumbra a improvisar en escena para añadir cierta autenticidad al personaje. ¿Fue algo que complicó el rodaje?

¿Hay denuncia en mi película? Sí, y no, depende de cómo lo mires. Desde luego lo que no hay es un intento de crear un bando de malos y buenos. La película te coloca desde todos los puntos de vista posibles, haciendo que sea el espectador el único encargado de emitir un juicio de valor.

No sé si sabrás que es frecuente que te comparen con Alfred Hitchcock, una comparación algo incomprensible, para ser sincera, que supongo te enorgullece.

No, me temo que en esta ocasión DeNiro respondió al guión de una manera muy estricta. Supongo que he tenido suerte, porque me he encontrado con unos actores

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Vaya, parece que has pensado minuciosamente cada pequeño

Es difícil responder a eso. Todo surgió con el estudio de lo paranormal y lo científico. Durante todo un año estuve documentándome, para al final acabar entendiendo cómo funcionan ambos mundos. A partir de ese momento, los personajes empiezan a surgir de forma natural.

Sí, aunque preferiría que me comparasen con directores peores que yo, así saldría ganando en la comparación. Cuando te comparan con alguien tan grande como Hitchcock te sientes en el absurdo de convivir con un genio en la misma frase, porque tendría que nacer diez veces para poder igualarle en talento. www.cinemascomics.com

Y si de comparaciones hablamos, ¿qué diferencias encuentras en el cine hollywoodiense frente al español? Después de todo, tus obras responden más a un corte americano. No creo que la nacionalidad de las películas sea un género. “Luces rojas”, mi gran obra, está destinada al público internacional, porque no busco complacer a sectores, sólo interpelarlos. Aunque si pienso alguna diferencia tengo que decir que en Hollywood el director español encuentra mucho más respeto que en España. Y, ¿qué encuentra el espectador en “Luces rojas”? Un espectáculo de magia en el que primero se dejan ver los trucos expuestos, pero que al final pierde al espectador en la duda de no saber qué está pasando. Desde luego, es una sensación de incertidumbre que se mantiene

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hasta el final. El desenlace resulta algo confuso. Tengo que reconocer que cuando escribí la historia me di cuenta de que no sabía cómo acabarla, por lo que tras varias lecturas y revisiones opté por dejarme llevar por la trama y ver qué pasaba. Dices que tu cinta es como asistir a un espectáculo de magia, y precisamente a una película de magia, “El truco final”, me recordó tu película. En ambas el personaje se obsesiona por descubrir el secreto de un hombre, y en ambas el secreto es que ha estado sacrificando toda una vida para que aquello con lo que juega en escena no sea descubierto: en el caso de “El truco final”, un hermano gemelo, y en el caso de “Luces rojas”, la visión. ¿Te inspiró ésta u alguna otra película?

han visto tantas películas es difícil que no lo hagan. Aunque lo que me inspiró realmente fueron cintas como “Poltergeist”, “El exorcista” o “La semilla del diablo”. El resultado fue que “Luces rojas” se acabó pareciendo más a una película policiaca de los años setenta, en la que el peso de una amenaza se ciñe sobre los investigadores, que intentan encontrar la verdad. Y ya, para ir acabando, ¿cuál es el secreto para captar la atención del público? Crear personajes que importen al espectador: sólo te importará lo que ocurra en la película si te importa lo que le pase al personaje. Y, ¿qué es lo que le va a pasar en su futuro?, ¿nuevos proyectos? Ahora mismo, mi único proyecto es dormir (serio).

Seguramente, porque cuando se

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JULIA ROBERTS DESTRONADA REINA DE CORAZONES Por María Laura Gutiérrez Jiménez

“Mirror, Mirror” llega a la gran pantalla, y nos trae el reflejo de una reina de corazones dispuesta a demostrar que las manzanas no son siempre la opción más sana. ¿La malvada y presumida reina?: Julia Roberts, ¿quién si no? Erase una vez, en un reino muy muy lejano llamado Hollywood, una joven camarera de cabello rojo como el fuego, cuya sonrisa, se decía, podía alcanzar dimensiones gigantescas. Y es que, cuenta la leyenda que cuando la muchacha sonreía, las comisuras de sus labios iban de oreja a oreja.

que tanto tiempo había estado esperando se cumplió por fin. La actriz protagonizaba “Mystic Pizza”, una de las comedias juveniles más emblemáticas de la época, y que, sin duda, más ha marcado a todos cuantos la vieron. Es cierto que pasadas las doce campanadas del éxito en taquilla de la cinta, es fácil descubrir que lo que parecía un original carruaje no es más que una calabaza podrida, pero… como he dicho, eran finales de los ochenta, y eso poco importópara que numerosos directores le ofrecieran la oportunidad de calzarse los zapatos de casi cualquier personaje.

Julia Roberts, que así se llamaba la bella dama, se ganaba la vida trabajando como humilde camarera, aunque su sueño era poder ser una auténtica estrella de cine y protagonizar grandes historias de amor, de romances imposibles y… bueno, poco más. Porque, al contrario que la sonrisa de Roberts, su talento era limitado. Pero nada de eso importaba en Hollywood: eran finales de los ochenta y ningún director buscaba destreza interpretativa, sólo nuevos rostros con el carisma suficiente para atraer al público a las taquillas. Y si hay algo que ningún espejito mágico podría negar es que Roberts posee una cara con gancho, de esas con las que empatizas nada más verla. Por todo ello, cuando nuestra joven protagonista sopló las velas de su 21 cumpleaños, el deseo

No obstante, Julia no estaba dispuesta a meter sus pies en ningún zapato que pudiera quebrar su incipiente carrera. Por eso, y para demostrar que, aunque no fuera la actriz con más valía interpretativa del reino hollywoodiense, podía encarar cualquier papel que se propusiera, aceptó intervenir en “Magnolias de acero”. ¡Y por los siete enanitos que no hubo reino que no mencionara la emotiva interpretación de la actriz! De repente no había director, hada madrina (también llamados agentes) o actor que no quisiera hacerse acompañar de la joven Roberts. Y es que, el gran éxito de la actriz estaba a punto de llegar: la inolvidable, y repetida una y otra vez en televisión, “PrettyWoman”. Garry Marshall, director de la cinta, fue para Julia Roberts lo que el hada madrina para Cenicienta,

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y el encargado de hacer que no hubiera persona en la tierra que no conociera el largo pelo ondulado de la actriz, sus grandes labios, sus risueños ojos, y…en fin, todo cuanto luce Julia en pantalla (a excepción de las piernas). Y es que, cual princesita Ariel, Roberts fue privada de sus piernas durante el rodaje de “PrettyWoman”, ya que Marshall decidió usar una doble de piernas en las escenas donde era necesario un primer plano.No obstante, con o sin dobles, con príncipe de pelo canoso o no (Richard Gere), y con profesión más que polémica para algunos sectores, Vivian Ward conquistó a todos los que la vieron. Era 1990, Roberts era coronada reina y novia de América, y su reinado no hacía más que empezar... Y empezó entonces su eterno intento por demostrar que ella es una actriz seria, capaz de hacer algo más que comedias románticas. “Línea Mortal” y “Durmiendo con su enemigo” fueron toda una declaración de principios de la actriz, que luchaba por hacerse un hueco en la industria cinematográfica más allá de su aspecto físico o éxito en taquilla. Pero por mucho que se empeñara, Roberts siempre fue, es y será aquella actriz de comedias románticas de los noventa. No obstante, si el Rey midas de Hollywood, Steven Spielberg, te llama para trabajar con él (“Hook”), y lo único que te ofrece es un personaje de tamaño diminuto cuyo único requisito es que sea un rostro entrañable y Cinemascomics │abril 2012 │

muchacha de rojizos cabellos, que por fin parecía sentirse agusto consigo misma, e incluso se embarcó en distintas comedias como “TheMexican”, y “La pareja del año”, a fin de agradar a sus seguidores, pero ya era tarde. El público venía tiempo advirtiéndola, y ahora sentenciaba a la que fuera reina de la comedia romántica durante diez años seguidos. El público pedía su cabeza tanto como ella la de Katherine Heigl a día de hoy. Y es que la joven rubia ha sabido aprovechar su tirón televiso (“Anatomía de Grey”) para destronar a la actriz mejor pagada durante años.

Julia Roberts junto a Richard Gere en Pettry Woman. Garry Marshall 1990.

simpático, poco o nada queda por decir. No obstante, la actriz siguió intentando apartarse del rol de actriz de comedias con cintas como “El informe pelícano”, “Mary Reilly” o “Conspiración”. Pero eran “Me gustan los líos”, “Todos dicen Iloveyou”, “La boda de mi mejor amigo” y “Quédate a mi lado” las que llenaban de oro sus alhajas. Porque todo soberano se debe a su pueblo, y los espectadores habían decidido que preferían verla en comedias como “NottingHill” y “TheMexican”, junto a Hugh Grant y Brad Pitt, actores de dudoso talento, dicho sea de paso. Claro que la fama de testaruda y perseverante precede a la actriz,

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por lo que no hay crítico lo suficientemente mordaz, ni fan lo suficientemente franco como para hacer entrar en razón a Roberts. Así que, cansados ya todos de sus intentos de conquistar a la crítica más exigente, se decidió en las más altas esferas que había llegado la hora de que Roberts viera cumplido su sueño de ser tratada como una actriz de reconocido talento, y en el año 2000, la por aquel entonces reina hollywoodiense se alzaba con el Oscar por su papel de Erin Brockovich en la cinta de homónimo nombre. Aquél fue el mejor momento de la regia actriz:aquello que tanto había anhelado se había cumplido por fin.

¿Les suena “Grand Champion” o “Full frontal”? Claro que no; fueron películas de Roberts de principios del nuevo milenio. No obstante, y como no hay nada que baje el ego de la actriz, ésta siguió intentando demostrar que su Oscar no era cosa del azar, y en 2003 intervino en “La sonrisa de Mona Lisa”, una película descaradamente pretenciosa e ideada para lucimiento de Roberts, en 2004 intervino en “Closer”, y en 2007 pudimos verla en “La guerra de Charlie Wilson”, entre otras. Todas realizadas con el objetivo de mantenerse en una industria cruel, y todas fallidas en sus propósitos. No obstante, Roberts no se rinde, y por eso ya tiene dos nuevos proyectos en mente (“The normal heart” y “August Osage County”). Aunque, Julia, has de saber que una retirada a tiempo siempre es una victoria. Pudiste haber cerrado tu carrera con “LarryCrowne, nunca es tarde”, que pese al batacazoque se dio en taquilla, hubiera sido mejor broche que hacer de madrastra celosa de su joven heredara, porque, entre otras cosas, parece un fiel reflejo de la realidad. No lo digo yo, lo dice el espejito mágico.

Y este hecho pareció aliviar a la www.cinemascomics.com

Estreno

BLANCANIEVES (MIRROR, MIRROR) 23 de Marzo Ver trailer

Uno de los clásicos más queridos de todos los tiempos cobra vida en BLANCANIEVES (MIRROR, MIRROR). Esta nueva y divertida versión del cuento, está protagonizada por Lily Collins en el papel de Blancanieves, una princesa en el exilio y la oscarizada Julia Roberts, que interpreta a la malvada madrastra que reina en lugar de Blancanieves. Siete valerosos y rebeldes enanitos ayudarán a Blancanieves a preparase para que pueda reclamar su derecho al trono que le pertenece por nacimiento y también a conseguir al Príncipe. Esta mágica aventura está llena de comedia, celos, romance y traición. La película cuenta además con Armie Hammer, que interpreta al Príncipe Alcott y Nathan Lane como el torpe y desdichado sirviente de la Reina. Blancanieves (Mirror, Mirror) está

protagonizada por Julia Roberts (Erin Brockovich, Come Reza Ama), Lily Collins (The Blind Side – Un sueño posible, El sicario de Dios), Armie Hammer (La red social), Nathan Lane (Una jaula de grillos), Sean Bean (“Juego de tronos”), Mare Winningham (Brothers – Hermanos) y Michael Lerner (Elf); con Mark Povinelli (Agua para elefantes), Jordan Prentice (2 colgaos muy fumaos), Danny Woodburn (Watchmen), Sebastian Saraceno (Bedtime Stories), Ronald Lee Clark (Epic Movie), Martin Klebba (Piratas del Caribe) y Joe Gnoffo (Los calientabanquillos) como los Siete Enanitos.

(Mi vida es una ruina). Los productores son Rayan Kavanaugh (The Fighter, Sin límites), Bernie Goldmann (300, Como locos… a por el oro) y Brett Ratner (la franquicia Hora punta, 21: Blackjack). El director de fotografía es Brendan Galvin (Immortals, Tras la línea enemiga). Los editores son Robert Duffy (Imparable, The Fall: el sueño de Alexandria) y Nick Moore (Morning Glory, Tenías que ser tú). El diseñador de producción es Tom Foden (Immortals, La celda – The Cell). La diseñadora de vestuario es Eiko Ishioka (Immortals, Dracula). La música original es de Alan Menken (La bella y la bestia, Aladdin).

Tarsem Singh (Immortals, La celda – The Cell) dirige un guión de Marc Klein y Jason Keller (Machine Gun Preacher) basada en una historia para la pantalla de Melisa Wallack

Los productores ejecutivos son Robbie Brenner (Sin límites, The Fighter), John Cheng (Cómo acabar con tu jefe, Código negro), Jamie Marshall (Warrior, Crepús-

culo), Kevin Misher (Enemigos públicos, La intérprete), Josh Pate (The Take, “Moonlight”), Tucker Tooley (Immortals, Sin límites), Tommy Turtle (Immortals, El curioso caso de Benjamin Button) y Jeff G. Waxman (Immortals, Un ciudadano ejemplar). Los co-productores son Ajit Singh (The Fall: el sueño de Alexandria) y Nico Soultanakis (Immortals, La celda – The Cell). SOBRE LA PRODUCCIÓN Una joven inocente de la realeza, una madrastra malvada, un príncipe encantador y siete hombrecillos viviendo en los bosques – los elementos de la última película de Tarsem Singh - pueden resultar familiares, pero el público se sorprenderá y emocionará con los giros que este director visionario ha aportado al antiguo relato en Blancanieves (Mirror, Mirror). Según el productor Bernie Goldmann, quien colaboró con el productor Josh Pate y la escritora Melisa Wallack para desarrollar el concepto inicial de Blancanieves

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(Mirror, Mirror), lo que les inspiró fue una foto de una modelo caracterizada como la heroína del cuento de hadas. “Lo que nos propusimos fue hacer una versión de acción real del cuento de hadas clásico, Blancanieves, que tuviera el sentimiento, la talla y alcance de una película de animación. Nos dimos cuenta de que es una historia genial que nunca ha sido explorada narrativamente en una película de acción real.” Buscando a un director para que convirtiera este concepto en realidad, Goldmann dice que Tarsem Singh era la elección obvia. “Tarsem era el cineasta perfecto para dirigir esta película,” dice Goldmann. “Sabe cómo potenciar la historia con luz y color, y se siente cómodo con el tipo de alcance que queríamos para esta película. No hay nadie como él.” Para Singh, que estaba terminando su trabajo en la película de acción Immortals para Relativity Media, este proyecto era una oportunidad para hacer algo que no había hecho antes: una pelícu-

la para toda la familia que combina acción, comedia e intriga con un esplendor visual singular. “Éste era uno de los pocos proyectos que me interesaba hacer”, dice Singh. “Tiene una energía totalmente diferente a mis otras películas y estaba profundamente interesado en actualizar una historia clásica y eterna.” Con Singh a bordo, el guión empezó a tomar la forma de un espectáculo imponente para la gran pantalla, lleno de humor y romanticismo. Singh y Goldmann decidieron que la mejor manera de empezar la búsqueda para un acercamiento único al cuento clásico era volver a la historia original. Descubrieron una gran riqueza de opciones. “Esta historia ha existido durante cinco o seis siglos en Europa, en países diferentes y con diferentes versiones,” dice Goldmann. “Fuimos capaces de incorporar lo que aprendimos en nuestra investigación sobre el concepto en nuestra película.” Singh explica: “retroceder y considerar la historia original fue un proceso muy importante. Hay www.cinemascomics.com

miles de variantes diferentes que se han desarrollado desde que se escribió por primera vez. Estas variantes nos inspiraron muchas ideas que luego usamos en la película.”

imaginación en busca de inspiración. “Supe inmediatamente que gran parte de esta narrativa iba a centrarse en la relación entre la Reina, Blancanieves y el Príncipe,” dice.

Por ejemplo, en una de las primeras versiones, los enanitos se ganan la vida como asaltadores de caminos. En las palabras de uno de los personajes de la película, ellos “roban a los ricos – y se lo quedan.” “Pensamos que sería algo interesante de retomar,” dice Goldmann. “Da una dimensión nueva a estos personajes. Han estado marginados por la sociedad y ésta es su venganza. En algunas de las historias, también descubrimos una especie de bestia que vivía en el bosque y decidimos sacarla en nuestra historia,” continúa Goldmann. “También ampliamos el papel del Rey y añadimos algo de misterio a su figura.”

Goldmann confía que la película gustará a un público de todas las edades y querrán verla ocupar su lugar junto a otras adaptaciones de cuentos clásicos para la gran pantalla. “Esperamos que esta película sea vista durante años como una favorita para familias y que redefina la historia de Blancanieves.”

Además de las encarnaciones históricas del cuento de Blancanieves, Singh sondeó su considerable

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BUSCANDO A LA MÁS BELLA Según Singh y Goldmann depuraron la historia de Blancanieves (Mirror, Mirror). Un personaje que tradicionalmente se mantiene en el fondo empezó a destacar como una villano con motivaciones complejas. “En la versión tradicional de la historia, la Reina se mueve por vanidad,” dice Singh. “En nuestra película, se trata más de poder. Quiere controlar el reino y

su belleza es un medio para este fin.” Habilidosa, vanidosa y completamente amoral, la Reina se podría haber convertido en la típica villana con facilidad, pero Singh tenía una idea más sutil, e hizo una elección de casting que contradecía la sabiduría convencional. Para interpretar al mal, quería una actriz que representara justo lo contrario para el público. “Vi a la Reina como alguien que es malvada, oscura y maliciosa pero también increíblemente encantadora,” dice el director. “Julia Roberts es tan intensante y carismática que fue capaz de encarnarlo con relativa facilidad.” Roberts usa su magnetismo característico como una hechicera sin escrúpulos cuyos planes incluyen a un acaudalado y hermoso joven y una animosidad sinfín hacia la huérfana que tutela. “Fue nuestra primera y única elección para este papel,” dice Goldmann. “Su risa y sonrisa la han convertido en un icono. Aquí estos atributos

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se convierten en una parte de su lado malvado. Es divertido ver su imagen vuelta sobre sí misma.” Saliéndose del estereotipo, Roberts trae una nueva dimensión al papel. “¿Quién mejor para el papel de una reina malvada que la Novia de América?” dice el productor Kevin Misher. “Pedirle a alguien que es una celebridad colosal como Julia Roberts que personifique a una de las mayores villanas clásicas en un cuento de hadas, fue una oportunidad genial para hacer algo fresco e innovador.” Roberts, que ya estaba familiarizada con el trabajo de Singh, se sintió intrigada de inmediato. “Sus películas son tan visuales, originales e interesantes,” dice. “Siempre me preguntaba, ¿cómo funciona eso? Su valentía aportó una sensación de integridad increíble a la película, lo que permitió que todos los actores pudieran meterse de lleno en estos personajes. La historia de los

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hermanos Grimm tan sólo ocupa unas pocas páginas y la película de Disney, que no tiene nada que ver con nuestra película, sólo permite interpretaciones limitadas de los personajes. Tarsem cuenta la historia a un nivel mucho mayor.” Roberts dice que el aspecto multidimensional de su personaje fue otro incentivo a la hora de aceptar el papel. “Hay un componente de personalidad dual que era realmente intrigante,” explica la actriz ganadora de un Oscar. “Vemos a la Reina según aparece en el día a día y después, por supuesto, como el reflejo de la Reina en el espejo. La Reina del reflejo tiene más calma y serenidad. Posee el poder y la confianza que le cuesta tener a la Reina.” Pero, en el fondo, la película sigue siendo una historia sobre la maduración de una joven mujer que se enfrenta a muchos retos. Como dice Roberts, “la Reina es el conflicto. Lily Collins está impresionante como Blancanieves.

Tiene el aspecto exacto que esperas que tenga Blancanieves. Estaba completamente hechizada por ella, porque es una chica muy joven y ya es toda una profesional. Se portó como una campeona porque mi personaje era tan horrible y malvada con ella y ella siempre fue muy dulce conmigo.” Collins, quien ya ha impresionado al público con su trabajo en The Blind Side: Un sueño posible y Sin salida, veía maravillada cómo Roberts se transformaba. “Julia tiene esa sonrisa que todo el mundo adora, pero la usa de una manera tan siniestra, tan inquietante. Blancanieves, siendo joven e inocente, no se da cuenta de la naturaleza malvada de la Reina. Al principio, la Reina juega con una gran ventaja, pero al final Blancanieves hace que las palabras de la Reina se vuelvan en su contra. Fue muy raro ser mala con Julia Roberts.” Los cineastas montaron un casting enorme para buscar a una actriz que pudiera encarnar la inocencia www.cinemascomics.com

y determinación de Blancanieves, pasaron un mes de pruebas hasta que descubrieron a Collins. “El instante en que entró todos supimos que Lily era nuestra Blancanieves,” dice Misher. “Fue elegida el 1 de abril (el día tradicional de las inocentadas en Estados Unidos) y cuando su agente llamó a las 24 horas después de haber hecho la prueba, pensó que se trataba de una broma. Es tan difícil encontrar una actriz actual que tenga la elegancia de Audrey Hepburn y la clase de Elizabeth Taylor y parezca ajena a los vicios contemporáneos. Lily parecía encarnar la clásica bondad que el personaje necesitaba.” Goldmann está de acuerdo: “Blancanieves ama la naturaleza y la naturaleza la ama a ella. A pesar de su belleza externa, se mueve por su belleza interna. Las chicas jóvenes de hoy en día son tan sofisticadas, cuando tienen 21 años ya parece que tienen 35. Pero Lily parece tan joven e inocente. Proyecta autenticidad, no sólo en la pantalla, también en la vida real, y eso era lo que realmente buscábamos.” Esta versión de la historia actualiza el personaje, según Collins. “Y me encanta la idea de modernizar a Blancanieves. Empieza siendo la princesa de cuento de hadas que todos conocemos, ingenua e impresionable, inocente. Ha estado encerrada en su torre, ignorando todo lo que ocurre en el exterior, pero acaba convirtiéndose en una chica que lucha por lo que cree. En cuanto acepta quien es, Blancanieves es capaz de abrirse al mundo y madurar hasta convertirse en una joven mujer.” Collins cree que el personaje tiene un atractivo universal. “Creo que todas las mujeres jóvenes y adultas tienen algo de Blancanieves en ellas,” dice. “Intentamos hacer todo esto con humor. Es una aventura cómica para toda la familia.” www.cinemascomics.com

El pretendiente de Blancanieves, el Príncipe Alcott, también se ha sacado del marco convencional de los personajes de cuentos de hadas y transformado en un héroe contemporáneo. Interpretado por Armie Hammer, el Príncipe es una figura esencial en el conflicto entre Blancanieves, que le pide ayuda para recuperar su trono, y su madrastra, que tiene la intención de casarse con el joven cueste lo que cueste. “Hay muy pocos actores que puedan comportarse dando una sensación de dignidad y realeza y, al mismo tiempo, con humor y, a veces, haciendo las payasadas que exige la película,”

dice Misher. “Armie sabe moverse entre esas dos facetas con una seguridad y naturalidad que resulta gratificante. Creo que es alguien con quien los hombres se podrán identificar y que enamorará a las mujeres. Esa es realmente la definición de una estrella de cine.” Hammer, que mide unos dos metros y tiene el aspecto de un galán, estaba hecho para este papel, dice Goldmann. “Si hubiera un Príncipe en Estados Unidos, sería Armie. Es un tío muy guapo, con una cualidad muy señorial, pero en esta película vemos todo un lado nuevo de él. Es tan accesible y encantador y gracioso. Cinemascomics │abril 2012 │

Todo el mundo en el set se sentía como que él era su mejor amigo.” Roberts también piensa que Hammer es perfecto para el papel. “En primer lugar, es un joven encantador,” dice. “Pero teníamos muchas escenas largas juntos y estaba muy preparado, y era muy gracioso en su papel. Le aporta mucho sentido del humor y naturalidad. Simplemente quieres ver más de él.”

que quería hacer una película sobre la búsqueda de la valentía, la búsqueda del amor, y el encontrar tu lugar en este mundo, llena de humor e interpretaciones geniales. Su entusiasmo por el proyecto era contagioso. Trae consigo una efervescencia sinfín al set, siempre dándolo todo sin excepción. No puedes evitar sentirte lleno de energía cuando estás en el set con él.”

La oportunidad de trabajar con Roberts fue uno de los grandes alicientes para Hammer. “Pone todo lo que tiene en la película, es fantástico. Era tan impresionante verla trabajar. En cada momento, cada gesto, era tan precisa. El público va a ver una Julia que no se ha visto antes.”

Hammer se encontró con un personaje que está buscando su propósito, un poco como Blancanieves. “El príncipe tiene todas estas virtudes,” dice. “Como cualquier buen príncipe, ha sido entrenado para luchar y para bailar. Sabe de Historia, Ciencia y Matemáticas. Entiende el mundo – pero sobre el papel. No sabe cómo funciona realmente, así que se dispone a buscar aventuras y las encuentra en abundancia. Encuentra más de las que puede manejar al principio.”

Hammer admite que, inicialmente, se sentía un poco escéptico hacia el papel del “Príncipe Azul”. “Pero hablé de mis reticencias con Tarsem y me aseguró que yo estaría involucrado en la construcción del personaje. Dijo

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Alejándose del relato original, los

cineastas añaden un personaje crucial en la corte de la Reina: Brighton, su fiel pero torpe sirviente. “Brighton sustituye al cazador de las versiones antiguas,” dice Goldmann. “Es un papel muy complejo. Es la persona que decide si Blancanieves vive o muere, pero también es el secuaz de la Reina. Según contemplábamos a diferentes actores en contraste con Julia, eso fue lo que empezó a definir lo que será la película.” El actor ganador de un Tony y un Emmy Nathan Lane, interpreta a Brighton, convirtiendo su papel en una obra maestra de la comedia. “Nathan también ayudó a moldear muchas de las otras interpretaciones en la película,” dice Goldmann. “Es un actor cómico de gran habilidad y tan generoso. Estuvo ahí para los personajes con los que interactuaba.” Como el muy sufrido y vapuleado sirviente de la Reina, Brighton intenta complacerla lo mejor que puede, dice Lane. “Pero es una decepción continua para ella. Es como me imagino al asistente de www.cinemascomics.com

Faye Dunaway. Pero afortunadamente, desemboca en comedia.” Lane da sus razones para aceptar el papel con su brío característico. “Dije que sí al papel por el vestuario,” dice. “Era la oportunidad de parecer una anciana Shirley Booth lo que me llevó a interpretar el papel de Brighton.” Realmente, confiesa que no dudó ante la posibilidad de trabajar con Roberts. La pareja se conoció en un acto benéfico para el campamento Hole in the Wall Gang Camp de Paul Newman hace años. “Pensé que podríamos divertirnos juntos,” dice Lane. “El personaje es un poco como el que interpretó en La boda de mi mejor amigo, pero mucho más malvada. No es una buena persona, pero los villanos siempre son los mejores papeles. Si vas a ser la Reina malvada, parte de la diversión consiste en interpretar a alguien que parece no tener conciencia. Y está fabulosa con esos vestidos impresionantes.” La relación entre Lane y Roberts se convirtió en una de las pie-

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zas clave del aspecto cómico de la película. “Juntos crearon una sensación de juego dentro de sus planes malvados,” dice Misher. “Son villanos para adultos, pero también son cómicos para los chavales. El papel originalmente iba a ser relativamente pequeño pero, con un actor con el talento de Nathan, se convirtió en un papel para una estrella.” Después de que Brighton la abandone en el bosque, Blancanieves se encuentra rodeada de una panda de proscritos, ninguno de los cuales le llega a la barbilla. Singh ha reinventado la pandilla familiar de mineros como una banda de bandidos que han recurrido al crimen después de que les obligaran a abandonar sus cómodos hogares en el pueblo. “La Reina, que está interesada en la belleza exterior, les ha exiliado porque no forman parte de su ideal físico,” dice Goldmann. “Ese detalle añade a la narración, al contribuir una profundidad emocional a los personajes y al hacer que sea más fácil identificarse con ellos.”

Para esta reinterpretación de los icónicos enanitos, Singh encontró a siete actores extraordinarios. “Tuvimos una suerte increíble en el casting de la película y estos actores no son una excepción,” comenta. “El nivel de energía y creatividad que trajeron a la historia fueron extraordinarios.” En vez de partir del grupo familiar de personajes de animación para inspirarse, los cineastas permitieron que cada uno de los actores definieran un personaje original. “Contratamos a los actores primero y después desarrollamos los personajes alrededor de sus personalidades,” explica Goldmann. “Todos estos actores participaron en un proceso de taller que ayudó a definir los personajes. Cada uno de ellos tenía que aportar algo especial en cuanto a ayudar a que Blancanieves se convierta en la mujer que tiene que ser.” Con eso en mente, los personajes de Matón, Mandamás, Media Pinta, Napoleón, Lobo, Risitas y Glotón (Martin Klebba, Danny

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Woodburn, Mark Povinelli, Jordan Prentice, Sebastian Saraceno, Ronald Lee Clark y Joe Gnoffo respectivamente) empezaron a tomar forma. Cada uno de ellos proviene de una parte distinta de la comunidad. Su única conexión es que todos han sido expulsados por su estatura. Clark añade, “Después de ser expulsados del reino, los siete nos convertimos en familia. Nos peleamos todo el rato, pero somos capaces de mantener cierto orden porque sabemos lo mucho que nos necesitamos.” Sola en el mundo, Blancanieves tiene que depender de estos siete hombres para aprender cómo buscarse la vida. Según va conociendo a sus atípicos mentores, el público empieza a descubrir sus atributos únicos. “Cada uno de nosotros le enseñamos a hacer algo diferente – cómo luchar con una espada, cómo defenderse, cómo hacer trampas y cómo pensar bajo presión. Más importante aún, le ensañamos a confiar en ella misma,” dice Woodburn. Collins trabajó estrechamente con todos ellos desarrollando una camaradería no muy distinta de la

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que vemos en pantalla entre Blancanieves y los enanitos. Según ella “Martin, Danny, Mark, Sebastian, Jordan, Ronald y Joe son geniales. Han creado estos personajes memorables que encajan tan bien en un grupo a pesar de ser tan diferentes los unos de los otros.” Rematando este distinguido reparto están la nominada al Oscar Mare Winningham, que interpreta a la panadera Margaret, la amiga de Blancanieves en palacio; el nominado a un Oscar Michael Lerner como el Barón, cuyos torpes intentos de seducción hacen que la Reina estalle de rabia; el ganador de un Premio SAG Sean Bean como el Rey, el benevolente pero desafortunado padre de Blancanieves; y el prometedor joven actor británico Robert Emms como Charles Renbock, el fiel ayuda de cámara del príncipe que no comparte su entusiasmo por los viajes. Singh estaba encantado con los esfuerzos de los actores de reparto que poblaron este mundo de fantasía que él creó, explica “siempre quieres grandes actores en tu película. Tienes la esperanza de hacer una película que resistirá el paso del tiempo y un reparto increíble es lo que hace eso posible.”

CONSTRUIR UN REINO MÁGICO Nadie que haya visto los trabajos anteriores de Tarsem Singh se sorprenderá de que Blancanieves (Mirror, Mirror) sea un acontecimiento visual extraordinario. Construido en escenarios de sonido inmensos en Montreal, los sets incluyen un bosque nevado encantado, una cabaña rústica llena de detalles dentro de un tronco hueco, una sala gloriosa y desmedida para las elaboradas y lujosas fiestas de la Reina y un dormitorio aparentemente infinito en el palacio en el que ésta planea sus complots nefastos. Completando las localizaciones fantásticas, la película cuenta con suntuosos trajes, peinados y maquillaje, que pasan de un siglo a otro, incorporando tanto detalles históricos auténticos como totalmente fantásticos. Como productor ejecutivo Kevin Misher dice, “Tarsem trae una mezcla de poesía, magia y brillo visual a todas las películas en las que ha trabajado. Incorpora un amplio rango de influencias, desde arquitectura oriental hasta cultura occidental pasando por todo lo que dista entre ellas.” www.cinemascomics.com

El diseño de la producción era un elemento central de la película desde el principio del proceso creativo, según Singh. “Cuando desarrollábamos el concepto de Blancanieves (Mirror, Mirror), me acordé de una película rusa que había visto, La infancia de Iván. Hay una escena romántica en esa película que tiene lugar en un bosque plateado de abedules. Inmediatamente pensé que si podía tener un set parecido eso podría definir el tono de esta película.” Singh explica su pasión por los detalles visuales de la siguiente manera: “Construir físicamente una realidad alternativa es una bella experiencia. Quiero crear el mundo en el que viven los personajes para que los actores entiendan mejor cómo tienen que ser interpretados. Fue un placer auténtico crear el mundo que habitan estos personajes.”

anteriores. Esta prolongada colaboración fue la clave del éxito del diseño de producción, dice Goldmann. “Tom y Tarsem han desarrollado una manera de trabajar juntos para definir el look de la película. Tom nos aportó una base tanto para la magia como para la emoción que imaginábamos. Es un diseñador increíble que nos ha ayudado a construir los personajes con su trabajo”.

El diseñador de producción Tom Foden, el director de fotografía Brendan Galvin y la diseñadora de vestuario Eiko Ishioka han colaborado con Singh en tres películas

En vez de recurrir a los efectos especiales para crear el inmenso universo de Blancanieves (Mirror, Mirror), los cineastas optaron por sets reales siempre que fuera po-

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“Ver cómo toman forma los sets a lo largo del tiempo me dejó anonadado,” continua. “Siempre fui consciente de que quizá nunca volvería a ver un set así. Realmente fue hacer cine a la antigua usanza y me sentí como si estuviéramos rodando una película de la Warner Bros. de los treinta o cuarenta. El nivel de detallismo y artesanía fueron increíbles. Es desorbitadamente opulenta.”

sible. “Evidentemente usamos un fondo verde y efectos visuales maravillosos en la película,” dice Singh. “Sin embargo, también quería que el entorno de los actores fuera tan visceral y real como fuera posible. Por eso los sets tenían que ser desproporcionados.” Julia Roberts nunca había visto un diseño de producción igual. “Los sets son sensacionales,” dice maravillada. “La cabaña mágica, donde la Reina se reúne con su alter ego, es preciosa y el Gran Salón, donde hicimos muchas de las escenas de fiestas, es alucinante. Cuando ves el sitio lleno de todas esas personas con trajes extravagantes, es impresionante. Ya no se hacen películas como ésta.” Hammer dice que los sets eran más grandes y más soberbios de lo que jamás hubiera imaginado. “El dormitorio de la Reina era más grande que la mayoría de anfiteatros,” dice. “La gente va a entrar en esta película y va a ver algo verdaderamente único.” El vestuario es igual de sublime,

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desde los escandalosos vestidos dorados y rojo sangre de la Reina hasta los vestidos color pastel de Blancanieves y su sobria pero escultural vestimenta de batalla, todos creados por la difunta Eiko Ishioka en lo que fue su última película. Esta diseñadora ganadora del Oscar trabajó con Singh en cuatro de sus películas antes de fallecer en enero de 2012. “La relación entre Tarsem y Eiko era especial a un nivel espiritual y el trabajo que hicieron juntos muestra esa conexión,” dice Misher. “Creo que su trabajo para esta película es un testamento de su arte en general y de su relación en particular. Es un precioso regalo que deja tras de sí para que recordemos lo especial que era.”

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Ishioka, quien ganó un Oscar por el espectacular vestuario de Dracula de Francis Ford Coppola, también era una respetada artista visual cuyo trabajo forman parte de la colección permanente del MOMA de Nueva York. “Era una artista increíble,” dice Singh. “No diseñaba piezas de vestuario sin más, creaba obras de arte.” Sus diseños elaborados e imaginativos combinan esplendor y personalidad, con influencias desde el siglo XVI hasta el XIX para crear algo totalmente nuevo. “A Eiko le encantaba el espectáculo,” dice Goldmann. “Pero, al igual que Tom Foden y Brendan Galvin, todo lo que hacía también trataba de aportar algo en la creación

de los personajes. Era un genio en lo visual, pero también fue una gran ayuda en la construcción de los personajes de Blancanieves y el Príncipe. Los actores tenían una gran profundidad emocional y física.” Sus diseños sensacionales no se limitaban a los trajes de las estrellas de la película. Ishioka también diseñó más de 300 trajes para vestir a los extras. Casi todos hechos a mano. Hammer dice que todo ese esfuerzo es parte de lo que hace la película tan especial. “El vestuario realmente marca el tono de toda la película. Eiko hizo un trabajo maravilloso creando algo que parece tan operístico y exuberante, y al mismo tiempo totalmente creíble.” www.cinemascomics.com

sobresale un metro del cuerpo, la peluca tiene que estar en proporción y ser lo suficientemente alta para que parezca extraordinaria.” UNA BATALLA REAL Sobre el fondo de este mundo meticulosamente imaginado, tiene lugar una jovial aventura física, en la que una princesa reclusa va aprendiendo a adaptarse a la vida fuera de las murallas de palacio. De sus rústicos anfitriones, Blancanieves empieza a aprender a defenderse sola en secuencias de acción emocionantes. Como siempre, Singh estaba preocupado con la autenticidad. “Quería peleas físicas reales con armas y agresión verdaderas,” dice Singh. “Pero más que nada, quería que los actores realmente tomaran parte en los momentos de aventura en esta película.”

El maquillaje y los peinados diseñados para la película por la artista de maquillaje y peluquería Felicity Bowring añadieron el toque final a la opulencia hiperbólica del vestuario. “Todo parte de los diseños de Eiko,” dice Bowring. “Fue delicioso trabajar con sus colores vibrantes. Imagina a gente vistiendo colores vivos, rojo, amarillo, naranja, verde, rosa y plata todo en la misma escena. Para un baile de disfraces, creamos unas diez máscaras pintadas de animales para los invitados en vez de usar las máscaras habituales que suele usar la gente. Y los peinados tenían que estar en proporción con los trajes. Cuando un vestido tiene un polisón que www.cinemascomics.com

Las estrellas de la película pasaron meses entrenando intensamente para las durísimas escenas de acción que incluían luchas con espada, acrobacias, galopar a caballo y más. “Durante cinco días a la semana, casi seis horas al día luchábamos con espadas,” dice Hammer. “Y tenía ampollas y callos que lo demostraban. Aprendí a dar una voltereta hacia atrás con la espada en mano, hacia delante con la espada en mano, hacia un lado y volteretas de todo tipo – cosas que nunca había hecho antes. Siempre estaba ilusionado por saber lo que íbamos a hacer a continuación. Lo que más me gustó fue montar a caballo a todo galope en el escenario de sonido.” Collins añade, “Había mucho entrenamiento de lucha en esta película. Luchamos con espadas, practicamos esgrima, lucha sin armas, acrobacias y entrenamiento físico. Entrenamos en el gimnasio, corrimos y levantamos pesas. Fue realmente intenso.”

El coordinador de luchas Jean Frenett enseñó a los actores las cuestiones elementales de combate, pasito a pasito. “Hay una progresión en ello,” dice. “Es como entrenamiento de combate al principio. El proceso de repetición ayuda a que los actores aumenten su confianza y habilidades a lo largo del tiempo. Queremos que se lo tomen en serio pero no queremos que se quemen entrenando. Es muy parecido a la preparación de un atleta para una competición.” El coordinador de los dobles de acción Marc Desourdy añade, “Lily y Armie fueron fantásticos. Son tan coordinados y tienen tanto talento. Aprendieron muy rápido. Lily se empeñó en hacer todas sus escenas de acción. La pusimos a hacer volteretas y acrobacias. E hicimos lo mismo con Armie. Cuando les ves de cerca, luchando con la espada, son ellos en todo momento.” Al final, el trabajo dio su fruto en secuencias de acción que parecen fáciles, dice Goldmann. “Viéndoles en pantalla, es fácil olvidarse todo el trabajo que supuso. Lily y Armie ensayaron y entrenaron, ensayaron y entrenaron. Invirtieron tanto tiempo que cuando rodamos estas escenas salieron perfectas.” Una de las innovaciones más audaces de Singh fue una serie de escenas de acción que requerían una preparación compleja y que eran todo un reto físico. Como los enanitos habían sido expulsados del pueblo por su tamaño, él pensó que podían haberse quedado limitados por su tamaño. Intentando compensar su estatura, estos hombres en Blancanieves (Mirror, Mirror) cometen sus robos sobre zancos. Desourdy encontró un grupo de intrépidos hombres que andaban en zancos en Toulouse, Francia, para enseñar a los actores a luchar sobre zancos. “Eran increíbles,” dice. “Enseñaron a nuestros hombres a andar, correr y saltar con zancos. Las acrobacias con zancos son absoCinemascomics │abril 2012 │

lutamente sensacionales y no se parecen a nada que hayas visto antes. El público se va a sorprender.” El clímax espectacular de la película es un baile real en celebración del enlace de Blancanieves con su Príncipe. Singh quería realzar la atmósfera festiva con un número musical brillante hecho al estilo clásico de Bollywood. Seleccionó la canción pop de finales de los 60 de Nina Hart “Love”. “Tenía la canción en mente desde el principio, pero me decían una y otra vez que no iba a poder conseguir los derechos,” dice el director. “Finalmente, justo antes de empezar a rodar, lo solucioné. Cuando me enteré de que Lily podía cantar, le pedí que grabara una versión de la canción para nosotros. Fue fantástica. Sabíamos que teníamos que incluir su voz en la escena del gran baile.” El coreógrafo Paul Becker vino durante la preproducción para diseñar el número musical, que incluye a todo el reparto además

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de 200 extras. “Empieza casi sin aviso,” dice. “Lily de repente se arranca a cantar y bailar y todos los demás parecen preguntarse qué está haciendo. Pero después los enanitos se van uniendo poco a poco y todo el mundo empieza a bailar. Es una gran fiesta.” Becker diseñó el baile para que se pareciera a uno de esos números musicales inolvidables de Busby Berkeley, con planos aéreos captando las formas en remolino de los bailarines. Según Collins, “Fue un momento genial. Parecía un vídeo musical con cientos de personas bailando mi alrededor. Nos soltamos del todo. Nunca en un millón de años hubiera imaginado que sería capaz de hacer un número así. Fue asombroso.” El efecto global de los brillantes saltos de imaginación de Singh es este viaje que transporta tanto a las estrellas de la película como al público a un efervescente mundo de fantasía. Como dice Collins, “A todos nos encanta un buen cuento de hadas. Crear un espacio donde

te puedes reír, donde te puedes asustar y donde, simplemente, puedes asombrarte. La nuestra es una historia multi-generacional y eso es lo que se supone que debe ser un cuento de hadas, algo que todo el mundo puede disfrutar.” Roberts está de acuerdo, añade “Creo que el público se va a sumergir en esta película. Me encantaría que se relajaran y se transportaran a un lugar durante dos horas.” La mayor esperanza de Singh es que el público disfrute del resultado de los meticulosos esfuerzos del reparto y del equipo. “Mi objetivo principal con esta película es crear un película familiar con la que la gente se divierta,” dice. “Ha sido un gran honor poder reinterpretar creativamente esta historia clásica, que ha significado tanto para tantas generaciones. Realmente espero que el público disfrute lo que hemos creado.”

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ENTREVISTA

JULIA ROBERTS UNA REINA ADORABLEMENTE MALVADA EN “MIRROR, MIRROR” Por Teresa Garza Durante el día de prensa de esta película que transporta al espectador en el tiempo y en el espacio a un mundo de fantasía, con una ambientación y vestuarios espectaculares, hicieron su entrada triunfal en uno de los Salones del Hotel Casa del Mar en Santa Mónica una Reina llamada Julia Roberts y una princesa, Lilly Collins. Hoy dedicamos este espacio a Julia Roberts quien hace el papel de la malvada y la a vez carismática (extraña combinación) madrastra de Blanca Nieves. A pesar de que su nombre nos recuerda personajes de heroínas de cuentos de hadas o cenicientas, la actriz ganadora del Oscar por su papel en Erin Brockovich en el 2000, confesó que inicialmente una nueva versión de Blanca Nieves no les interesaba en lo más mínimo. Fue el hecho de que el director Tarsem estuviera involucrado en el proyecto lo que le hizo tomar la decisión. “No tenía la intención de participar hasta que Tarsem me convenció”, dijo la actriz que se volvió una de las consentidas de Hollywood después de “Pretty Woman”. Tarsem sabía quien era su Reina desde las primera fases del pro-

yecto. Antes de encontrar quien haría el papel de Blanca Nieves o Snow White, el director sostuvo una conversación muy intensa con la actriz, explicándole los beneficios de ser una villana moderna. “Me gusta este papel de mala porque no existen reglas, ni una sintaxis que aplicar al personaje... Yo podía hacer lo que quería (bajo la dirección de Tarsem) ... No tenía que preocuparme por tener que estar dentro de contexto real”, dijo Roberts añadiendo con tono sarcástico que para tranquilidad de todos la buena noticia es que esa malvada mujer no habita en ella. “Me inspire en algunas personas que conozco, de las cuales obviamente no mencionaré sus nombres... fue algo divertido”. Julia Roberts representa la vanidad que raya en lo grotesco y una competencia enfermiza con Snow White, no solo por ser la más bella del pueblo, sino por enamorar al Principe interpretado por Armie Hammer. Pero en ningún momento pierde ni su estilo, ni su compostura, ni su belleza. Es fascinante la personalidad de Julia Roberts y su seguridad en ella misma.

En algún momento surgió la pregunta de que cuál es el secreto para mantenerse bella. Inicialmente bromeó mencionando una marca de productos de belleza. “Uso Lancomé”, dijo la actriz. Pero más adelante, ante la insistencia de algunos dijo la mayor verdad. “Todos los días me despierto siendo Julia Roberts”. Hablando en su papel de madre, Roberts dijo que la película, aunque trata sobre un cuento de hadas, no la han visto sus hijos: Ha�� zel y Phinneaus de 7 años, y Henry de 4 años. “Pienso que son muy jóvenes considerando el papel que interpreto”, dijo la actriz de 44 años. “Somos bastante rígidos en cuanto lo que se ven casa”, dijo hablando de las políticas que comparte con su esposo el director de fotografía Danny Moder. Por ahora sus niños no ven nada de televisión. “Esos momentos pequeños, lindos, acogedores... que compartimos como familia antes de ir a la cama, preferimos conversar e intercambiar historias sobre lo que nos ha pasado durante el día o leer un libro”, dijo orgullosa de su familia.

Estreno

[âREC]

30 de Marzo

No hay dos sin tres. No puedo creer que esté ocurriendo otra vez. Miro alrededor y todo me es familiar; miro la fecha de una revista de atrezzo y veo que hemos vuelto a donde todo empezó. Cuando en aquel momento rodábamos [REC] como una travesura, como un experimento, hubiera sido inconcebible imaginar que años más tarde iba a estar yo rodando la tercera parte!!! Imposible imaginar todo lo que esa

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película iba a significar, para mí y (afortunadamente) para tanta gente. Pero aquí estamos, una vez más en el centro del infierno, y disfrutando como locos. Paco Plaza [REC]3 GÉNESIS, dirigida por PACO PLAZA y protagonizada por LETICIA DOLERA (Spanish movie, De tu ventana a la mía) y DIEGO MARTÍN (Tres metros sobre el cielo, “Aquí

no hay quien viva”). La tercera entrega de la franquicia [REC], dirigida en solitario por Paco Plaza, cuenta la historia de Koldo y Clara, una pareja hecha el uno para el otro. Van a celebrar su enlace acompañados de sus seres queridos. Pero una negra sombra se cierne sobre ellos. En el día más feliz de sus vidas, el infierno va a desatarse.

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[REC]3 GÉNESIS es una producción de JULIO FERNÁNDEZ para Filmax y cuenta con JAUME BALAGUERÓ como productor creativo de la película.

Plaza y Jaume Balagueró, han conseguido generar más de 100 millones de euros en todo el mundo, sumando todas las ventanas de explotación.

[REC] 3 GÉNESIS es uno de los títulos más ansiados por los amantes de género a nivel nacional e internacional y la única franquicia española, cuyo éxito ha traspasado fronteras. [REC] y [REC]2, dirigidas conjuntamente por Paco

La magnitud del “fenómeno fan” también se puede observar en las más de 15 millones de reproducciones de contenidos relacionados con [REC] que se contabilizan sólo en Youtube.

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La nueva entrega ya ha sido vendida prácticamente en todo el mundo, destacando países como USA, Francia, Reino Unido, Alemania, Portugal, Japón o Australia, etc. Muchos de ellos, incluso, ya tienen fecha de estreno en cines. En Francia, Bélgica e Indonesia se estrenará el 4 de abril, en México el 13 de abril, en Japón el 28 de abril y en el Reino Unido en mayo (fecha por determinar).

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O S A REP AL O R E GÉN I B M ZO benia

Por Enrique A

Los zombis casi siempre han caminado por el terreno de la serie B, lugar de disfrute de los aficionados a un subgénero históricamente devaluado. Ahora se han convertido en un fenómeno de masas debido a la influencia de determinadas películas en la cultura popular y, sobre todo, a la serie de televisión ‘The walking dead’. Los muertos vivientes están de moda. Por tanto, es un buen momento para repasar su presencia en el cine, industria en la que llevan nada menos que 80 años. Toda una vida en busca de carne

humana. ¿Qué tienen para gustar (y aterrorizar) tanto al público? Quizá interesan porque, al margen de la orgía de sangre y vísceras, los zombis juegan de forma macabra con el concepto religioso de resurrección y el miedo a la muerte; después de la existencia hay algo, pero peor. Los muertos vivientes aparecieron por primera vez en ‘La legión de los hombres sin alma’ (1932), de Victor Halperin. Protagonizada por el mítico Bela Lugosi, mostraba cómo las personas volvían

a la vida para ponerse a las órdenes de un siniestro personaje que controlaba ese peculiar ejército a su antojo. Entre los cinéfilos goza de mejor reputación ‘Yo anduve con un zombie’ (1943), de Jacques Tourneur. En este periodo también destaca ‘Los muertos andan’, de Michael Curtiz (‘Casablanca’) y con Boris Karloff. En el filme, un hombre muerto en la silla eléctrica regresa para vengarse de quienes lo condenaron injustamente. Otro director que probó suerte con esta temática fue Ed Wood con la delirante

‘Plan 9 del espacio exterior’. Si hay alguien que se merece el reconocimiento como padre del subgénero, ese es, como todo el mundo sabe, George A. Romero. ‘La noche de los muertos vivientes’ (1968) tiene la aureola de pieza de culto y es la obra de referencia dentro del universo zombi. Rodado en blanco y negro, este filme de bajo presupuesto sentó las bases del subgénero. Los zombis, lentos y de escasa inteligencia, están ávidos de carne humana. Lo importante no es por qué vuelven a levantarse, sino el apocalipsis que desata su mera presencia. No obstante, Romero deja caer que el mayor peligro no reside en los monstruos, ya que el hombre es un lobo para el hombre. Una crítica social que el director ha diseminado a lo largo de su filmografía, famosa por su

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lectura política. Solo basta con recordar el turbador desenlace de su ópera prima o el duro ataque al consumismo que incluía ‘Zombie, el amanecer de los muertos vivientes’. ‘El día de los muertos’ (1985) supuso el cierre de lo que en principio iba a ser una trilogía, si bien Romero continuó con la saga. ‘La tierra de los muertos vivientes’ mantuvo el nivel, no así ‘El diario de los muertos’ (en la que coqueteó con la estética del falso documental) y ‘La resistencia de los muertos’, productos que evidencian que Romero se encuentra en horas bajas. Los fans confían en que el verdadero Romero regrese con fuerzas renovadas. La influencia del debut de Romero quedó patente en la explotación de la fórmula zombi que tuvo lugar en las décadas posteriores.

Surgieron un elevado número de producciones, en su mayoría filmes menores, algunos de los cuales rozaban la serie Z. El cine de terror italiano, con Lucio Fulci a la cabeza, aprovechó la coyuntura para lanzar títulos como ‘Nueva York bajo el terror de los zombies’. La representación española corrió a cargo de Jorge Grau con ‘No profanar el sueño de los muertos’. Ya en los años 80 y 90 sobresalieron títulos tan dispares como ‘ReAnimator’, de Stuart Gordon; ‘La serpiente y el arcoíris’, de Wes Craven, quien recuperó la premisa del vudú asociada a los zombis, o la gamberrada ‘gore’ ‘Braindead. Tu madre se ha comido a mi perro’. Antes de viajar a la Tierra Media, Peter Jackson ofreció una serie B salvaje, una obra de culto con mayúsculas. Tampoco puede pasarse por alto el cóctel referenwww.cinemascomics.com

cial de Sam Raimi en la trilogía de ‘Posesión infernal’. Con la entrada del nuevo milenio, dos largometrajes dinamizaron y redefinieron el subgénero, al que le hacía falta adaptarse a los nuevos tiempos: ’28 días después’ y ‘Amanecer de los muertos’. En el primero, un virus afectaba a la población, transformando a sus miembros en seres rabiosos. Los infectados, a diferencia de los zombis clásicos, corrían a una velocidad endiablada para dar caza a sus presas. El ecléctico Danny Boyle realizó una propuesta con un potente estilo visual y un demoledor mensaje político. Una vez más, la amenaza residía en los propios hombres. El éxito del filme originó una secuela, la estimable ’28 semanas después’, dirigida por el español Juan Carlos Fresnadillo. En 2004, el entonces desconocido Zack Snyder tuvo la osadía de rodar un ‘remake’ de ‘Zombie’.

‘Amanecer de los muertos’, que siguió la línea emprendida por ’28 días después’ (zombis rápidos, una potente factura visual y grandes dosis de violencia), demostró que las nuevas versiones no siempre están reñidas con la calidad. Se trata, sin duda, del mejor ‘remake’ de una obra de Romero (para muchos superó al original). En 1990, Tom Savini dirigió ‘La noche de los muertos vivientes’ (con Romero de guionista), y Steve Miner hizo lo propio con ‘Day of the dead’ en 2008. El producto resultante no gustó nada a los fans (de momento sigue inédita en España).

the dead’, bodrio cinematográfico que lanzó a la fama al alemán Uwe Boll. El filme, del que hubo segunda parte, entra dentro de la serie B, ámbito en el que hay multitud de ejemplos. La mayoría de los casos son subproductos, pero hay excepciones, como ‘Planet terror’, el homenaje de Robert Rodriguez al cine ‘grindhouse’. Dentro de esta amplia categoría llaman la atención la australiana ‘Undead’, que en su día gozó de cierta repercusión, o ‘Colin’, rodada con un presupuesto irrisorio y que ejemplifica las ventajas que presentan las nuevas tecnologías para los autores primerizos.

Inspirada en el mundo del videojuego, y aunque de calidad dudosa, la franquicia de ‘Resident Evil’, compuesta hasta la fecha por cinco películas (el estreno de la última está previsto para septiembre), ha contribuido a popularizar el fenómeno zombi. Las consolas y los ordenadores fueron el origen de ‘House of

Los zombis no solo han aparecido en producciones de terror. ‘Zombies party’ (ridículo título español de ‘Shaun of the dead’) constató que los muertos vivientes pueden hacer reír al público. El filme fue la carta de presentación del director Edgar Wright y de los actores y guionistas Simon Pegg y Nick Frost. El humor gam-

Fotograma de “Amancer de los muertos”. Zack Snyder 2004 www.cinemascomics.com

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Fotograma de [REC] 3. Paco Plaza. 2012

berro también estuvo detrás de la divertida ‘Bienvenidos a Zombieland’. Por su originalidad, ‘Fido’ merece una mención especial, ya que parte de la premisa de que un collar convierte a los muertos vivientes en sirvientes o mascotas. Una comedia que, seis años después de su realización, continúa sin llegar a los canales de exhibición españoles, un error que deberían subsanar las distribuidoras. Estos seres no conocen fronteras. Hay zombis franceses (‘La horda’, ‘Frontières’), cubanos (‘Juan de los muertos’) y, por supuesto, españoles. Jaume Balagueró y Paco Plaza rodaron a cuatro manos ‘REC’, toda una sorpresa dentro del subgénero por la frescura de su punto de partida (un virus se extiende por los pisos de un inmueble de Barcelona) y la inquietud que generaba entre los espectadores. El montaje cámara en mano, al estilo del falso documental, supuso un gran acierto. El éxito propició la creación de una saga que tendrá cuatro partes y que cuenta con un considerable número de seguidores. Plaza se ha encargado de ‘REC 3. Géne-

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sis’, ‘precuela’ que se desarrolla en una boda, mientras que Balagueró cerrará la franquicia con ‘REC. Apocalipsis’. Hollywood copió la idea con mucha menor fortuna (‘Quarantine’ y su secuela directa a DVD, ‘Cuarentena terminal’).

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Estreno

Lorax. En busca de la trufula perdida 30 de Marzo Los creadores de Gru - Mi villano favorito y la imaginación del Dr. Seuss se unen para llevar a la gran pantalla el esperado largometraje LORAX - EN BUSCA DE LA TRÚFULA PERDIDA, la adaptación en animación digital 3D de la clásica historia acerca de un guardián del bosque que conserva el eterno poder de la esperanza. La aventura cuenta cómo un niño de doce años sale en busca de un auténtico árbol trúfula, lo único que le permitirá ganarse el amor de la chica

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de sus sueños. Pero para conseguirlo, debe descubrir la historia de Lorax, una criatura tan mordaz como encantadora que lucha para proteger el mundo. Las talentosas voces de la película pertenecen a DANNY DeVITO (la serie “Colgados en Filadelfia”, Los gemelos golpean dos veces, L.A. Confidential, La guerra de los Rose) como Lorax, el icónico protagonista, y a ED HELMS (Resacón en Las Vegas, Resacón 2, ¡ahora

en Tailandia!, la serie “The Office”) como el enigmático Una-Vez. Les acompañan las superestrellas ZAC EFRON (Hairspray, 17 otra vez) en el papel de Ted, el joven idealista que parte en busca de Lorax, y la ganadora del Premio Grammy TAYLOR SWIFT (Historias de San Valentín) como Audrey, la chica que puebla los sueños de Ted. Completan el elenco ROB RIGGLE (Resacón en Las Vegas, Una aventura extraordinaria) como el villano Alisios O’Hare; JENNY www.cinemascomics.com

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SLATE (Alvin y las ardillas 3, el programa “Saturday Night Live”) en el papel de la superprotectora madre de Ted, y la muy querida actriz BETTY WHITE (La proposición, la serie “Hot in Cleveland”) como la sabia abuela Norma.

larante y adorable personaje que no se detiene ante nada para proteger el bosque y los árboles que viven allí. Cuando Una-Vez corta un árbol, Lorax aparece de pronto y lanza una airada advertencia al joven empresario.

LORAX - EN BUSCA DE LA TRÚFULA PERDIDA es una aventura divertida y conmovedora que subraya la importancia del equilibrio entre la naturaleza y el progreso. La película gira en torno a Lorax, el hi-

El bucólico paisaje de Valle Trúfula está lleno de una gran variedad de animales, desde los majestuosos cisnes cisneros hasta los armoniosos cantapeces. Los más amorosos son probablemente

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unos seres llamados barbalutosos, que se dedican a rodar entre los árboles. La tarea de Lorax, como guardián del bosque, es puesta a prueba cuando el ambicioso y joven UnaVez empieza a cortar árboles trúfula y amenaza con seguir para conseguir sus objetivos económicos. Desde el principio, Lorax critica sin miramientos lo que hace Una-Vez. Son enemigos natos y cada uno está empeñado en echar Cinemascomics │abril 2012 │

al otro, pero el tiempo pasa y acaban desarrollando un extraño afecto mutuo. Sin embargo, Lorax no puede hacer nada contra la avaricia y la ambición que consume a Una-Vez, y este acaba por destruir todo el bosque para que su empresa funcione. Años después, en un mundo sin árboles, Ted se aventura más allá de los límites de la impecablemente industrializada ciudad de Thneedville para encontrar a Una-Vez y preguntarle cómo puede llevarse a casa un árbol para Audrey, la chica de sus sueños. Al principio, Una-Vez no se decide, pero hay algo en Ted que le convence para contarle la historia de su encuentro con Lorax, y el niño entiende que debe restaurarse el equilibro en Thneedville plantando árboles trúfula. CHRIS MELEDANDRI, expresidente de 20th Century Fox Animation, fundó Illumination Entertainment en 2007. En 2010 estrenó el éxito mundial Gru – Mi villano favorito, al que siguió en 2011 Hop, un largometraje híbrido de animación digital. Durante su estancia en Fox, Chris Meledandri supervisó el departamento de animación y se ocupó de la producción ejecutiva

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de Ice Age: La edad de hielo, Ice Age 2: El deshielo y Horton.

Su libro favorito: El Dr. Seuss y The Lorax “The Lorax no pregona que la industria maderera sea inmoral. Vivo en una casa hecha de madera y escribo libros impresos en papel. Es una historia acerca de cómo se debe cuidar lo que tenemos. Va en contra de la contaminación y la avaricia. Theodor “Dr. Seuss” Geisel Uno de los autores de libros infantiles más vendidos de la historia, Theodor “Dr. Seuss” Geisel, escribió relatos que se publicaron en 95 países y en 17 idiomas. Este icono estadounidense conocido en el mundo entero consiguió vender la nada despreciable cifra de más de 500 millones de libros. Antes de convertirse en el autor de libros infantiles conocido como Dr. Seuss, fue dibujante de publicidad y de viñetas políticas. En un ensayo publicado en 1960, el Dr. Seuss explicaba la importancia

que tenía para él escribir libros destinados a lectores jóvenes: “La lectura y el pensamiento de los niños son la piedra angular en la que se apoyará este país para levantarse, o no levantarse. En esta época de tensión y confusión, los escritores han empezado a darse cuenta de que los libros infantiles tienen un potencial mayor para el bien y el mal que cualquier otra forma de literatura en esta tierra”. En septiembre de 1970, intentando aliviar el bloqueo de su marido y la frustración que este sentía por el consumismo desaforado de sus conciudadanos, Audrey Geisel sugirió que se fueran de viaje al este de África. Durante el viaje, después de ver una manada de elefantes cruzando el Serengeti, le vino la inspiración para escribir The Lorax. Esa misma tarde anotó los puntos principales del libro en el único papel de que disponía, la lista de lavandería de la habitación del hotel. Los libros del Dr. Seuss están profundamente unidos a sus dibujos, y los árboles del Serengeti le sirvieron de inspiración para las trúfulas. Por primera vez cambió la paleta de colores que usaba habitualmente, basada en colores www.cinemascomics.com

primarios, para usar tonos malva, ciruela, violeta e incluso verde salvia. El escritor siempre dijo que estos cambios se debían a su esposa, y dedicó The Lorax a Audrey y a las hijas de ambos, Lark y Lea. Publicado en otoño de 1971, ahora puede decirse que The Lorax fue un precursor. Cuando el movimiento medioambiental irrumpió con fuerza una década después, la popularidad del libro creció exponencialmente. Los lectores, jóvenes y viejos, se identificaban con la historia de un chico que quería saber qué había pasado con los árboles. The Lorax se ha convertido en un cuento que enseña y entrega a los niños la posibilidad de hacer cambios en sus vidas. De los más de cuarenta libros que escribió el Dr. Seuss antes de fallecer en 1991, a menudo dijo que The Lorax era su preferido.

De la imagen clásica a la digitalización A pesar de la gran experiencia que tienen Chris Renaud, Chris Meledandri y Janet Healy en la super-

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visión de animaciones digitales, al reinterpretar las creaciones del Dr. Seuss y trasladarlas a este nuevo mundo se enfrentaron a las mismas dificultades que en Horton. “En este caso también nos hemos basado en los dibujos de Ted para trasladarlos al 3D”, explica el productor. “En realidad, no sabíamos si podríamos hacer justicia a The Lorax hasta que no tradujimos el dibujo de Lorax a un personaje 3D. Solo entonces vimos que el espíritu del dibujo de Ted seguía vivo y coleando en esta nueva dimensión”.

unas manos verdes, así que hicimos trampa con la iluminación. En la animación digital suele funcionar mejor cuando la imagen es más realista, pero también hace falta saber cuándo quitar realismo a la imagen. Por ejemplo, detrás de Una-Vez hay mucha luz, pero sus ojos siguen viéndose. Si fuera real, no se verían sus ojos porque su rostro desaparecería con tanta luz detrás de él”.

El Dr. Seuss es conocido por sus líneas ondulantes y edificios destartalados, dos condiciones difíciles de trasladar a 3D. “Fue todo un reto convertir estos dibujos aparentemente simples en objetos tridimensionales”, dice el director. “Por ejemplo, tomemos la forma del Lerkim, donde vive Una-Vez. Transmite la sensación de que está a punto de derrumbarse, incluso en el dibujo”.

Desde el punto de vista técnico, es mucho más difícil trabajar en 3D, dado que los animadores deben duplicar cada fotograma. “Siempre pensamos en 3D cuando empezamos a desarrollar el proyecto”, explica Chris Renaud. “Si hablamos de dificultades, mencionaré el pelo de los árboles trúfula. Para hacer la película en 3D, todo se planeó con antelación, desde los planos donde se adopta el punto de vista del personaje, hasta cuando Una-Vez va hacia el río o cuando los cisnes cisneros vuelan entre los árboles”.

“Intentamos ser lo más fieles posible al aspecto del Lerkim cuando creamos el modelo 3D”, sigue diciendo. Pero hubo que realizar algunos ajustes. “En el libro, UnaVez solo es unos ojos amarillos y

La creación de un mundo tridimensional a partir de imágenes inmóviles y planas requiere grandes conocimientos técnicos. “Un dibujo puede comunicar muchas cosas”, explica Yarrow Cheney,

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“pero a la hora de convertirlo en un espacio tridimensional, es necesario diseñarlo todo de nuevo. Y cuando digo todo, me refiero desde el objeto más pequeño, como un sacapuntas, pasando por los coches y los edificios, hasta el cielo y las nubes. Todo debe dibujarse desde cero y desde cualquier ángulo”. Cada plano requiere meses de trabajo, no solo por los dibujos, sino también por la construcción requerida. El diseñador de producción sigue diciendo: “Hay que añadir color y luz a los objetos y a los personajes. El diseño es de suma importancia en la animación porque se parte de la nada. Hay que diseñar la ropa, lo que implica escoger el tipo de tela para las camisas, los pantalones, todo”.

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El mayor desafío, sin lugar a dudas, fue la cantidad de pelo humano, animal y vegetal. El supervisor de animación digital BRUNO CHAUFFARD dice: “El Valle Trúfula se basa casi todo en el pelo vegetal de los árboles, de la hierba. Los barbalutosos también tienen pelo. Hay una escena general donde todos entran en el valle, lo que implicaba muchísimos polígonos tridimensionales al mismo tiempo. Cuando vi el concepto por primera vez, estaba con Chris Renaud y los dos nos preguntamos cómo íbamos a crear algo semejante. No disponíamos de programas capaces de generar tantos polígonos, tanto pelo diferente”. Pero la innovación tecnológica resolvió el problema. “Nos esforzamos mucho, probamos diferentes soluciones, todos los departamentos echaron una mano y

conseguimos crear un programa especial para generar las imágenes de la película”. La cantidad de escenas de multitudes planteaba otro problema. El equipo nunca había animado a una multitud cantando. La productora Janet Healy dice: “Hay unas cuantas escenas musicales de grupo donde nos encontramos con cien o doscientos personajes juntos. La dificultad residía en animar manualmente a todos los personajes sin desviar la atención de los personajes de las primeras filas. Pero quedé muy satisfecha con los resultados”.

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Cinemascomics â&#x201D;&#x201A;Diciembre 2011 â&#x201D;&#x201A;

Estreno

Ira de Titanes 30 de marzo

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Sam Worthington, Ralph Fiennes y Liam Neeson vuelven a convertirse en dioses para Ira de Titanes, bajo las órdenes de Jonathan Liebesman. Una década después de la heroica derrota del monstruoso Kraken, Perseo (Worthington), un semidios hijo de Zeus (Neeson), intenta disfrutar de una vida más apacible como pescador en una aldea y padre soltero de su hijo de 10 años, Helio. Pero Perseo desconoce la dura lucha que los dioses están librando por la supremacía, que amenazará su idílico estilo de vida. Los dioses, peligrosamente debilitados por la falta de devo-

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ción de la humanidad, comienzan a perder su facultad de inmortales, el control sobre los Titanes encerrados y sobre su feroz líder, Crono, padre de los hermanos Zeus, Hades (Fiennes) y Poseidón (Danny Huston), que llevan mucho tiempo en el poder. El triunvirato había derrocado a su poderoso padre mucho tiempo atrás, abandonándole a su suerte hasta pudrirse en el lúgubre abismo del Tártaro, un calabozo situado en las profundidades del Inframundo. Perseo no puede ignorar su verdadera naturaleza cuando Hades se alía con Ares (Edgar Ramírez),

hijo divino de Zeus, para cambiar de bando y hacer un trato con Crono para capturar a Zeus. La fuerza del Titán aumenta a medida que los poderes divinos de Zeus disminuyen… y el infierno se desata en la tierra. Con la ayuda de la Reina guerrera Andrómeda (Rosamund Pike), de Agenor, semidios hijo de Zeus (Toby Kebbell), y de Hefesto, dios derrocado (Bill Nighy), Perseo se adentra en una valiente y peligrosa búsqueda en el Inframundo para rescatar a Zeus, derrotar a los Titanes y salvar a la humanidad.

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figuran también Rosamund Pike, Bill Nighy, Edgar Ramirez, Toby Kebbell y Danny Huston, y cuenta con los nominados al Oscar® Ralph Fiennes (El paciente inglés) y Liam Neeson (La lista de Schindler). Detrás de las cámaras, la película cuenta con Ben Davis, director de fotografía; Charles Wood, director de producción; el oscarizado editor Martin Walsh; y Jany Temime en el diseño de vestuario. El nominado al Oscar® Javier Navarrete (El laberinto del Fauno) se encarga de ponerle música al film. Ira de Titanes reúne también a varios artistas de la primera película, incluyendo al supervisor de efectos visuales nominado al Oscar® Nick Davis (El caballero oscuro); al supervisor de prótesis Conor O’Sullivan (El caballero oscuro, Salvar al soldado Ryan), también con una nominación a la estatuilla; y Neil Corbould (Gladiator), supervisor de efectos especiales y de animación electrónica ganador de un Oscar®.

SOBRE LA PRODUCCIÓN SIENTE LA IRA

Jonathan Liebesman dirige esta película con un guión de Dan Mazeau y David Leslie Johnson y una historia de Greg Berlanti, David Leslie Johnson y Dan Mazeau basada en los personajes creados por Beverley Cross. La producción del largometraje corre a cargo de Basil Iwanyk, que también produjo la primera parte de la saga Furia de Titanes, y de Polly Johnsen. Los productores ejecutivos son Thomas Tull, Jon Jashni, Callum McDougall, Kevin De La Noy y Louis Leterrier. Sam Worthington encabeza este internacional reparto, en el que www.cinemascomics.com

Ira de Titanes nos transporta a la batalla librada en la tierra mítica de los dioses y los monstruos, a una lucha de proporciones catastróficas, la más grande y complicada de la historia. Y para nuestro héroe, Perseo, esta vez es algo personal. “Es una aventura increíble la que lleva a Perseo a lugares en los que ningún mortal ha estado antes y a enfrentarse con enemigos a los que ningún hombre se ha enfrentado todavía”, comenta Jonathan Liebesman, el director, que aprovechó la oportunidad de trabajar en uno de sus géneros favoritos al tiempo que narra una historia sobre cómo afrontar tu destino. Y añade: “Es algo que, al igual que Perseo, todos tenemos que

hacer antes o después, aunque quizá no de manera tan heroica. La razón por la que la mitología griega resulta tan atemporal es porque está plagada de arquetipos clásicos, como la tragedia, la comedia, la traición y la venganza. Lo tiene todo, y forma parte de nuestra cultura general. Todo el mundo sabe quiénes son Zeus y Hades; todo el mundo sabe qué es el Inframundo”. Perseo, tras sobrevivir, hace diez años, al Inframundo en la cueva de Medusa, ha intentado olvidar los demonios del pasado y llevar una vida tranquila como pescador con su hijo. Pero no le queda más remedio que implicarse cuando la guerra llega hasta él, y, a pesar de intentar esconder su condición de semidios durante años, ya no puede negar su procedencia... ni su función en la batalla. “En su primera búsqueda, Perseo había perdido todo cuanto le importaba y quería venganza, así que, de alguna manera, ni si quiera le importaba morir”, Sam Worthington, que le da vida de nuevo, lo recuerda: “Pero ahora ha madurado, tiene un hijo al que quiere con locura y es feliz con su vida. Ve el mundo de otra forma y no quiere que cambie. Pero ha de cambiar, en parte por su sentido de la obligación para con su padre Zeus, el rey de los dioses. Liam Neeson, que vuelve a encarnar a Zeus, nos cuenta que estaba deseando poder explorar más profundamente el vínculo entre padres e hijos, y también entre hermanos. “Jonathan y los guionistas querían minar la complicada relación entre Zeus y sus hijos, Perseo y Ares, y su compleja historia con Hades y su propio padre, Crono”, añade el actor. “Eso me atrajo mucho, el realismo dentro de la fantasía, las emociones humanas que son el hilo conductor de esta historia que se desarrolla en un mundo legendario”. Ralph Fiennes, que interpreta, de Cinemascomics │abril 2012 │

nuevo, a Hades, añade: “Siempre he pensado que los dioses griegos eran proyecciones de los anhelos y los deseos humanos, especialmente si lo relacionas con nuestro deseo de ser inmortales, de poseer fuerza y belleza infinitas y de poder. Y, como no podemos tener nada de eso, creamos a estos personajes grandiosos con historias fantásticas”. Esta épica aventura también cuenta de nuevo con el productor Basil Iwanyk, que estaba encantado de poder participar en otro largometraje mitológico con nuevas bestias, incluso más grandes, y con el director Jonathan Liebesman al frente. “A Jonathan le fascinó el material tanto como a mí, y, al igual que yo, pensó que sería muy divertido estar por Tenerife, Gales y el Reino Unido, rodando batallas a escala real y luchando contra monstruos”, comenta Iwanyk sonriendo. “Su entusiasmo era contagioso, y realmente inyectaba energía a todo el entorno, sacando lo mejor de cada uno, tanto del reparto, como del resto del equipo”.

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De todas formas, antes de blandir una sola espada, el guión tenía que estar totalmente terminado. Iwanyk y su colega, productor también, Polly Johnsen recurrieron a los guionistas Dan Mazeau, David Leslie Johnson y Greg Berlanti para que creasen una búsqueda que desafiase a la muerte para Perseo, la cual no solamente tenía que ser como la anterior, sino que todavía mayor. Mazeau comenta: “Fue un proceso de colaboración realmente divertido. Dave, Greg y yo nos sentamos juntos varias horas al día, investigando y decidiendo qué queríamos que llegara a la gran pantalla, porque los tres somos entusiastas de este tipo de material”. Según Johnson: “En mitología, la mayor aventura de Perseo termina después de salvar a Andrómeda, que aparece en la primera película. Así que tuvimos que imaginarnos qué es lo que haría después, inventarnos una nueva aventura para él, básicamente teníamos que crear un ’mito perdido’ que pareciera realmente

parte de su historia mitológica.” “A todos nos resultan familiares los mitos antiguos, y nos podemos identificar con ellos, que es por lo que han perdurado a lo largo de los siglos”, apunta Polly Johnsen, productor. “A los escritores se les ocurrió una que encajaba; una historia que venía al caso y que se centra en los temas universales del amor-odio entre padres e hijos, y la rivalidad fraternal. Entonces Jonathan aportó sus potentes y realistas escenas, que, en mi opinión, combinadas con los inmensos elementos fantásticos, aprovechan lo mejor de ambos mundos. Intentamos hacer una película épica en todos los sentidos, queríamos una historia inspiradora que se centrase en temas valiosos, con enormes criaturas, escenas de acción en movimiento, decorados espectaculares y personajes legendarios interpretados por un elenco que rezuma talento”, nos cuenta Liebesman.

EL REGRESO DE UN HÉROE Ira de Titanes no solamente reúne www.cinemascomics.com

a Perseo con su divino padre, Zeus, y su astuto tío, Hades, sino que también reunió al trío de actores que les dan vida: Sam Worthington, Liam Neeson y Ralph Fiennes. “No podia imaginarme a nadie más para estos papeles, así que me alegró muchísimo que los tres retomasen sus personajes para continuar la historia”, añade Liebesman. Worthington cuenta que le interesaba explorar los cambios que su personaje había experimentado en diez años. “Al contrario que antes, ahora es reticente a unirse a la lucha. Es una decisión que no le resulta fácil y sus dudas vienen dadas porque intenta determinar qué es lo correcto: ¿deja a su hijo para ir a ayudar a su padre o se queda con su hijo y deja a su padre solo?” “En la mitología griega, los dioses siempre reniegan de sus familias humanas”, aclara Liebesman. “Son muy egoístas. Perseo, a pesar de ser un semidios, intenta llevar una vida desinteresada como mortal, dedicada a educar a su hijo”.

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La opción inicial que elige Perseo parece la más fácil: es padre, así que no se va a ningún sitio, sin importarle cuánto se lo suplique Zeus o cuántos de sus sueños persiga. Pero al final la decisión no es suya, ya que la batalla llega, literalmente, hasta él en forma de una terrorífica quimera de tres cabezas que ataca su pueblo. Y por supuesto, al luchar contra el monstruo, a todos, incluyendo a su hijo, les queda claro que Perseo no es un simple pescador. A pesar de cuánto desea Perseo que las cosas vuelvan a ser como antes, es obvio que no va a ser posible, que Zeus tenía razón: el mundo está cambiando. Es un mensaje que el dios del trueno ha intentado hacer llegar también a su hermano Hades, pero sus avisos han caído en saco roto. “Jonathan estaba decidido a redefinir las relaciones entre los dioses, en concreto la de Hades y Zeus”, comenta Fiennes. “Siempre han tenido una historia complicada, pero esta vez llega realmente a un punto crítico. Los poderes de los dioses disminuyen y los humanos empiezan a valorarse más. Hades ha decidido que la única manera de mantener

algún tipo de poder (lo que para él significa la inmortalidad) es liberar la destructiva fuerza eterna de su padre, Crono, del lugar en el que lleva prisionero tanto tiempo. Zeus está en contra de hacerlo, ya que sabe que ello conllevará una destrucción masiva, así que los hermanos están en desacuerdo desde el principio. Zeus se da cuenta de que los dioses se están debilitando porque ha llegado el momento de que los humanos sean fuertes”, nos explica Neeson. “Entiende que eso es lo que tiene que pasar, comprende el nuevo orden mundial, y está de acuerdo. Desafortunadamente es incapaz de convencer a Hades, y su benevolencia para con los mortales le deja a expensas de los viejos trucos de su hermano.” Aunque en pantalla son enemigos, Neeson y Fiennes son, en realidad, grandes amigos y han disfrutado mucho trabajando juntos de nuevo. “Ralph es un muy buen amigo mío, ha sido genial tener tantas escenas juntos esta vez.” Aunque, de vez en cuando, la seriedad de sus personajes les afectó. “Hubo ocasiones en que nos partimos de la risa”, nos cuenta Neeson, “porque, bueno, imaginaos: con pelucas de pelo largo,

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barbas postizas y armaduras en el torso, yo con mi rayo y él con su guadaña”. Fiennes agrega: “Liam y yo hemos tenido mucha más interacción en esta película que en la anterior, y hemos compartido algunas escenas con mucha fuerza, cosa que nos ha encantado. Trabajar con un amigo siempre es bueno.” También hay nuevos miembros en el reparto que interpretan papeles importantes. Como el actor venezolano Edgar Ramírez, que le da vida a Ares, el resentido hijo de Zeus. Dolido por la atención que él cree que su padre le presta a su medio hermano Perseo, el dios de la guerra está sediento de sangre. A Ramírez le fascinó el personaje. “Me he criado viendo películas de fantasía y siempre he deseado participar en una”, nos confiesa. “Así que, interpretar a Ares, uno de los dioses Olímpicos más importantes y, por definición, el mejor guerrero de todos los tiempos ha sido una forma muy divertida de cumplir mi sueño. Ares

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disfruta luchando; el fragor de la batalla es lo que fortalece a este personaje. Es violento y agresivo, con mucho ego, pero aún así tiene un punto débil: su orgullo se resiente con facilidad por lo que él percibe como una clara preferencia por parte de Zeus por Perseo, el hijo que jamás ha amado a Zeus. Ares se siente excluido, así que cuando Hades se presenta ante él con la oportunidad de venganza, no lo duda. Edgar hizo un análisis realmente apasionante sobre Ares. Indagó profundamente en los celos, la pasión y la rabia que llevaba alimentando durante tantos años”, comenta Liebesman. Otro de los dioses despreciados es Agenor, el hijo perdido de Poseidón, que se ha convertido en un criminal. Perseo busca a Agenor, ya que necesita de su experiencia innata en el mar, y lo encuentra como prisionero de la Reina Andrómeda. Toby Kebbell interpreta el papel de Agenor, que sorprendentemente se convierte en un fuerte aliado y aporta bastantes puntos có-

micos que alivian la tensión de la peligrosa causa por la que luchan. “Toby estuvo fantástico”, afirma el director. “Tiene un agudo ingenio que le inculca al personaje, y él y Sam bromeaban un montón. A pesar de que Agenor y Perseo no se conocían antes de nuestra historia, al verlos juntos parece como si fueran familia casi al instante (al fin y al cabo son primos)”. “Mi personaje no tiene ningún interés en los dioses ni en el hecho de que él mismo sea un semidios”, añade Kebbell. “Su padre le abandonó, así que él le ha dado la espalda a ese mundo. Perseo le hace entrar en razón y le hace ver que es responsabilidad de su generación encargarse de este desastre utilizando los poderes que ambos poseen. Y, aunque Agenor se muestra indiferente, es consciente de que posee un basto conocimiento de los mares, gracias a su padre, Poseidón, y de que Perseo le necesita para ganar esta lucha. Aprecia secretamente el respeto que le tiene Perseo. Nadie le ha mostrado respeto antes, todo el mundo le mira como www.cinemascomics.com

a un ladrón, lo que es normal porque es un ladrón”. La actriz inglesa Rosamund Pike interpreta a la captora de Agenor, la reina Andrómeda. Princesa de Argos en la película anterior, Andrómeda heredó la corona tras la muerte de sus padres, el rey y la reina, y se ha convertido en una guerrera para defender su reino, aunque el mundo se derrumbe a su alrededor. El productor Iwanyk consideró que el físico de Pike era “perfecto: duro y fuerte, pero regio al mismo tiempo. Irradia autoridad, pero en ningún momento pierde su feminidad. Y puede ir codo con codo con Sam”. “Me gustaba Andrómeda porque realmente parece una heroína para las chicas”, Comenta Pike. “Creo que los chicos tienen un montón de modelos heroicos en el cine, sin embargo hay muchos menos personajes femeninos de este tipo. Pero Andrómeda ha cambiado muchísimo desde el final de la película anterior, en la que estaba indefensa y necesitaba que la rescatasen. Ahora es la reina de su país y guía a su ejército en la guerra. Es una luchadora, y va a asegurarse de no necesitar ser rescatada nunca más”. Una vez que Perseo reúne sus tropas (Agenor, la reina Andrómeda y unos cuantos soldados) se embarcan hacia la remota isla donde reside Hefesto bajo el mando de Agenor. Mientras Hefesto, forjador de los rayos de Zeus, de la guadaña de Hades y del tridente de Poseidón (comúnmente conocida como la Lanza del Trium), así como arquitecto de la prisión del titán Tártaro, tiene información de gran valor que Perseo necesita conocer para salvar a su padre y al mundo de la ira de Crono. El dios caído, una vez casado con la bella diosa Afrodita, vuelve en un rápido, pero memorable, cameo. Ahora vive solo, con la única compañía de unos cuantos cíclopes giwww.cinemascomics.com

gantes y del búho mecánico Bubo. Bill Nighy interpreta a Hefesto con una especie de locura encantadora, el actor profundizó mucho en el bagaje del herrero para poder aportarle esa ira irónica que le caracteriza. “Si tienes en cuenta el simple hecho de que Hefesto nació cojo, fue repudiado por sus padres, expulsado del Monte Olimpo, desde donde estuvo cayendo siete días antes de chocar con tierra en medio de ninguna parte… me gusta la radicalidad del tema”, afirma Nighy. “Ha sido genial interpretar a este tipo tan atormentado. Es decir, se casó

con la diosa del amor, pero ella se acostaba con todos los que él conocía. Así que nunca lo tuvo fácil. Sin embargo, como actor, si te dan el papel de un semidios cojo de pelo largo, barba desaliñada que se inventa un amigo, es que estás en forma, ¿sabes?” “Bill aportó una bocanada de aire fresco a Hefesto, así como alegría y sentido del humor en plató”, subraya el productor Johnsen. “Era encantador y trabajó mucho el personaje para expresar humor en las escenas que, de otro modo, habrían sido muy serias”. Con la ayuda de Hefesto, Perseo Cinemascomics │abril 2012 │

se embarca en la que sabe será la batalla más complicada de su vida, de la que quizá no regrese. Como siempre, lo más importante para él son la seguridad y el futuro de su hijo Helio. Puesto que, desde el principio de la película, se pone de manifiesto que Helio y Perseo están solos desde la muerte de Io, los cineastas tenían claro que necesitaban a un joven actor para interpretar a Helio que tuviera ese tipo de química con Worthington . Iwanyk nos cuenta: “Esa relación tenía que parecer real, así que Sam se involucró mucho. Cuando le presentamos a John, simplemente encajaron a la perfección. Incluso aunque Sam no había interpretado nunca el papel de padre en la gran pantalla, se sentía muy protector con él y pasaron mucho tiempo juntos, haciendo el tonto y pasándoselo bien, lo cual tuvo mucho que ver a la hora de que John se sintiera cómodo”. “Adoro a John Bell”, comenta Worthington. “Es un gran tipo. Y era un papel duro, porque realmente él es el corazón de la película, cosa que tenía que quedar clara relativamente rápido. Pero hizo un trabajo genial”. El joven actor disfrutó mucho en el rodaje, especialmente en la batalla que su personaje presencia cuando Perseo lucha contra Quimera. “Había explosiones por todas partes, yo tenía que saltar y gritar y me tenían que empujar”, comenta sonriente. “Incluso tuve un ‘brote de furia, que es como llamamos a cuando te caes y te llenas arena del suelo. ¡La mejor parte de la película!” Para completar el reparto, Danny Huston vuelve a aparecer interpretando a Poseidón, inicialmente el único aliado de Zeus; Lily James como Korrina, la doncella de confianza de la reina Andrómeda, que se une a ellos a petición suya; y Sinéad Cusack, que da vida a Clea, la curandera en la que Perseo confía para que eduque y cui-

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de a Helio miestras él se embarca en la lucha de su vida.

EL INFIERNO EN LA TIERRA Como indica el título, en Ira de Titanes gigantescos y míticos adversarios se enfrentan a Perseo: la quimera de múltiples cabezas, tres cíclopes, un ejército de makhais de doble torso y un poderoso y amenazador minotauro. Su mayor oponente, por supuesto, es el desmesurado titán Crono, padre de Zeus, Hades y Poseidón, encerrado hasta este momento y a punto de liberarse para traer el infierno a la tierra. “En esta película hay un verdadero despliegue de acción”, afirma el supervisor de efectos visuales y segundo director Nick Davis, que también trabajó en la primera película. El primer enemigo al que se enfrenta Perseo es la quimera, una bestia que escupe fuego con cabezas de león y de cabra, alas de dragón y la cabeza de una fiera serpiente al final de la cola. “Las cabezas principales son un equipo, una lanza combustible y la otra un chorro de calor que lo prende”, comenta Liebesman sobre el monstruo que arrasa la aldea de Perseo, una terrible señal de advertencia de lo que ocurrirá si no reacciona a tiempo. El monstruo se creó originalmente mediante animación por ordenador, pero los estragos que causa fueron una combinación de efectos visuales y efectos especiales. Neil Corbould, supervisor de efectos especiales de esta película y la anterior, explica: “Para que el público se pregunte ‘¿Es de verdad? ¿o está hecho por ordenador?’ Creo que es mejor fusionar los elementos digitales con los físicos para obtener un resultado final de mayor calidad. También permite a los actores interactuar con la atmósfera que generas, en

este caso trozos de ceniza y otros materiales ligeros. De esta manera rodamos la destrucción de la quimera en plató y luego el equipo de efectos visuales se encargó de intensificarla.” “La quimera desciende a la aldea como un meteoro y acto seguido comienza a destruirla”, cuenta Davis. “Hay una enorme explosión pirotécnica, el suelo empieza a agrietarse, una elaboradísima zanja de 122 metros serpentea a través de la ciudad, destroza una casa y finalmente el monstruo emerge a través de un edificio. Después, empieza la acción”. www.cinemascomics.com

Presionado por la quimera, ahora Perseo debe luchar para salvar a Zeus y a toda la humanidad de Crono, por eso parte para buscar el camino hacia el Tártaro junto a un viejo amigo: el caballo alado Pegaso, que le lleva al campamento de la Reina Andrómeda. Cuando Perseo, Andrómeda y Agenor están en camino, navegan para buscar a Hefesto, cuya remota isla natal está plagada de trampas y bien guardada por un grupo de cíclopes de 9 metros de altura, unas de las criaturas favoritas de Liebesman en la película. El diseñador de prótesis y postizos Conor O’Sullivan facilitó al director unas 15 maquetas de www.cinemascomics.com

cabezas diferentes y trabajó codo con codo junto a Davis en el diseño del cuerpo completo antes de decidir cuál iba a ser el modelo final para los cíclopes. “Lo más difícil fue conseguir que parecieran reales en pantalla. Bueno, todo lo real que puede llegar a ser un monstruo de 9 metros con un solo ojo”, sonríe Davies. Los cineastas se enfrentaron a un proceso similar con el minotauro, que es incluso más espeluznante por el hecho de que puede transformarse en cualquier persona o cosa, pero su verdadera aparien-

cia es monstruosa, además de humanoide al mismo tiempo. “Pensamos que nuestro minotauro sería más bien un hombre deformado con apariencia de toro”, afirma Liebesman. “Es el guardián del laberinto, siendo él mismo un prisionero que lleva miles de años encerrado allí, en la oscuridad, esperando a que alguien intente atravesarlo. Creo que, cuando sale de las sombras, su agresividad extrema, su altura de dos metros veinte y su silueta de toro, le convierten en un ser mucho más aterrador de lo que jamás imaginamos”. Cinemascomics │abril 2012 │

O’Sullivan nos cuenta que el diseño pasó por varias fases. “Nick había adelantado trabajo en Estados Unidos y yo tenía unos cuántos escultores trabajando en varias maquetas, incluido Julian Murray, que hizo una preciosa imagen de un minotauro de aspecto muy humano”. A partir de ahí, utilizaron su perspectiva para crear la apariencia completa. “Ha vivido en esta mazmorra rodeado de putrefacción. Es guarro, viste con andrajos sucios y asquerosos. El caso es que es una pesadilla y es exactamente lo que queríamos que representase”. El gran reto de O’Sullivan con este personaje fueron los cuernos. “Tenían que ser prácticos. Tenía que poder luchar con ellos sin que se le cayeran. Fue difícil fijarlos”. Al especialista Spencer Wilding, que interpretaba a la bestia,

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le cubrieron de la cabeza a los pies. “Creo que no tenía ninguna parte descubierta”, continúa O’Sullivan. “Spencer actúa muy bien con disfraces de criaturas. Le pusimos pies, piernas, torso, cabeza, cuernos, manos, dientes e incluso lentillas, estaba completamente cubierto. Era un disfraz de dos piezas con una columna vertebral hecha de látex de forma tradicional, todo fabricado en conjunto”. Anunciando el resurgimiento de Crono desde su largo confinamiento, legiones de makhais de dos torsos atraviesan furiosos el campo de batalla en un enjambre de muerte y destrucción. Fruto de la imaginación de los guionistas, son guerreros que fueron enviados al Tártaro y a quienes Crono unió de dos en dos. “Fusionaba dos torturadas almas guerreras en una, así creó su propio ejército y luego les envió a sembrar el caos en la tie-

rra”, relata Liebesman. “Un volcán entra en erupción, escupe bolas de fuego hacia los ejércitos y del impacto de esas bolas en el suelo emergen los makhais cargando contra el equipo de Perseo”, ilustra Corbould. “Son guerreros de 7 metros de altura, dos cabezas y seis brazos que pueden correr, rodar, luchar y saltar con una fuerza sobrehumana”, describe Davis. “Pero son solo el preludio del mal que acecha, la colosal batalla final para Perseo, Zeus, Hades... todos”. La guerra llega a su punto álgido cuando Crono, el gigante de más de 457 metros, se libera de su prisión y comienza a atacar. “Crono creó el mundo a partir del caos y quiere devolver el mundo a ese estado”, señala Liebesman. “Lo que me encanta de él es que www.cinemascomics.com

me recuerda a una bomba atómica cuando aparece en pantalla, una explosión masiva con toneladas de material volcánico volando por los aires e incendiando todo lo que encuentra en su paso”. Davis añade: “Crono siempre ha sido esa fuerza inestable y volátil sobre la que los humanos se han apoyado inconscientemente y, en cuanto la fuerza de Zeus le da poder, explota: de él caen rocas en cascada, las paredes de la prisión comienzan a derrumbarse y le salen burbujas de lava de debajo”. Continúa describiendo al rey de los titanes: “tiene proporciones humanas, pero está hecho de torrentes de lava líquida y solidificada que chorrean constantemente de su cuerpo. También está cubierto de nubes piroclásticas que le hinchan y cuando se mueve arroja bombas de lava hacia la gente que hay a su alrededor”. Crono fue creado al completo por ordenador, pero eso no supuso ningún obstáculo para Sam Worthington, que se ha convertido en un experto en luchar contra bestias imaginarias en cromas. Para el actor, todo es cuestión de un día de trabajo. “Es sencillo: tie-

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nes que creer en el mundo. Es igual que cuando mi sobrino corretea por ahí fingiendo que está luchando con monstruos. Siempre que te impliques y creas en lo que estás haciendo, el público también se implicará y creerá lo que está viendo. Sabemos que está hecho por ordenador porque Crono, los cíclopes y la quimera no existen, pero si me sumerjo en la situación al 100%, con suerte el público me seguirá y se introducirá en el mundo”.

REGRESO A UNA ANTIGUA CIVILIZACIÓN Para recrear la antigua Grecia, el equipo de producción de Ira de Titanes regresó una vez más al único y exquisito paisaje de la isla canaria de Tenerife y a los lugares de los alrededores de los Shepperton Studios de Inglaterra, además de a las oscuras canteras de Gales. “Las Islas Canarias aportaron unos contrastes fantásticos, como el precioso mar azul, las ciudades polvorientas y los paisajes desérticos, zonas amplias y abiertas para representar grandes batallas en medio de un volcán.... Simplemente no se puede pedir

más a un mismo emplazamiento”, afirma Liebesman. El director de producción Charles Wood pensó que la zona encajaba a la perfección con la idea del director. “Jonathan es un director muy gráfico y eso me vino genial porque era capaz de dar verdadero sentido a la idea que tenía. Discutimos referencias de color y texturas y reunimos una amplia gama con la que trabajar. Utiliza imágenes impactantes y concisas, que es precisamente lo que ofrece Tenerife”, relata. Se eligió el núcleo costero de Abades para construir el plató más grande de la película: la bulliciosa aldea pesquera hogar de Perseo y su hijo Helio y objetivo del violento ataque de la quimera. “Elegimos ese lugar en particular porque tiene mucho relieve y unas vistas directas al océano, no era solo un espacio llano”, explica Wood. “Tomamos como referencia algunas aldeas de Afganistán, el norte de África y Oriente Medio, donde todavía existen muchas culturas antiguas”. A partir de los diseños de Wood, el equipo de efectos especiales, di-

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rigido por Neil Corbould, esculpió una serie de rocas de porexpán para los edificios, para más tarde detonar muchas de ellas usando aire comprimido a alta presión o cargas pirotécnicas. Liebesman se quedó alucinado con la transformación que Wood y su equipo habían llevado a cabo. “Perseo vive alejado del estilo de vida griego, en una aldea pobre, marginal. Era asombroso ver la atención que Charlie ponía en cada detalle de cada esquina de cada choza y yo quería rodar cada milímetro de lo que él creaba antes de tener que destruirlo”. Cerca de Abades, Los Desriscaderos sirvió de ubicación para rodar los exteriores del intrincado laberinto que lleva al Tártaro. Además, rodamos varias escenas dentro del parque nacional volcánico del Teide: el campamento militar inicial de la reina Andrómeda se construyó en Minas de San José; y Llano de Ucanca fue el espectacular exterior del Monte de los Ídolos. El Parque Rural de Teno, una montaña volcánica donde la erosión

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ha dado forma al paisaje actual de grandes acantilados costeros tuvo una doble misión en la película: en la primera escena sale como la ubicación de la tumba de Io a la orilla del mar, y también fue el lugar donde Perseo, Agenor, Andrómeda y sus soldados embarcan en el majestuoso barco Nomos. “El Nomos salía en la primera película,” dice Wood, “pero para Ira de Titanes le hicimos algunos cambios”. Necesitábamos que fuera más largo, así que lo cortamos por la mitad, añadimos 6 metros al bao y luego volvimos a construirlo. Pusimos una cubierta nueva, rediseñamos la proa y la popa y construimos dos mástiles. El barco se construyó en Cornwall y luego viajó a Tenerife por tierra y mar”. Para una escena en que el barco estaba navegando, el reparto y el equipo de rodaje subieron a varios barcos y se anclaron frente a los acantilados de Los Gigantes, que ofrecieron unas vistas magníficas de fondo. “Los Gigantes son tremendamente grandes y de aspecto misterioso, ya que se formaron

a partir de enormes ríos de lava”, cuenta Wood. “Nunca he visto nada tan impresionante”. Antes de abandonar Tenerife, el equipo de efectos visuales y una segunda unidad auxiliar se separaron de la unidad principal para rodar escenas “recurso” en Roque de Agando, cerca de La Gomera, una asombrosa cúpula volcánica que se formó hace cinco millones de años y uno de los paisajes más impactantes de la zona. Estas escenas adicionales no solo se utilizaron para el metraje, sino también para recrear por ordenador los paisajes de las secuencias del campo de batalla que los cineastas rodarían en Gales. El resto de la película se filmó en el Reino Unido. En Surrey, Inglaterra, el bosque Redlands Wood se convirtió en la Isla de Kail, el bosque donde vive Hefesto y sus feroces guardianes, los cíclopes. El campamento base del equipo se situó en Shepperton Studios, donde también estaban el departamento artístico, el de vestuario, los talleres de efectos visuales y el departamento de edición. Utilizaron varios estudios insonowww.cinemascomics.com

rizados para construir decorados como el laberinto, la guarida del minotauro, la fragua de Hefesto, los interiores del Templo de los Ídolos, la cabaña de Perseo, la cárcel de Agénor y la prisión definitiva, el Tártaro. Puede que ningún decorado ofreciera una combinación de diseño y funcionalidad mejor que la del laberinto. “Con el laberinto nos lo pasamos en grande”, recuerda Wood. “Aunque fue difícil, por todas las partes móviles y el hecho de que tenía que parecer interminable. El equipo de efectos especiales hizo un trabajo fabuloso preparando la mecánica del decorado y ayudándonos a rodar las escenas de la película de cuando los personajes caminan sobre puentes y vemos cilindros giratorios, pasillos que cambian de sitio y bloques de piedra gigantes moviéndose alrededor de ellos”. “Si existiera algún elemento de película de terror en esta película, sería el laberinto”, sugiere Iwanyk. “Es donde vive el minotauro y se adueña de nuestros peores miedos”.

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Otro sitio que da miedo en la película es el Tártaro. Allí es donde Crono se libera poco a poco mientras absorbe la energía que le queda a Zeus, quien resiste encadenado e indefenso gracias a la nefasta alianza formada por Hades y Ares. Inspirado por la obra del pintor John Martin, que el director califica de “turbulenta y surrealista”, Liebesman tenía una idea muy específica del aspecto que quería que tuviera. “Para mí, el inframundo siempre ha sido una representación oscura del interior de la tierra. En realidad no es una cueva, es inmenso y con techos redondeados que son la parte de abajo de los océanos y las montañas, como un mundo dentro de otro mundo, con Tártaro situado en el mismísimo núcleo. Visto así, creo que nos dio mucho margen para jugar con el diseño”. “Construimos un trozo pequeño”, cuenta Wood “y el departamento de efectos rodó el resto de la gigantesca sima de la tierra, que se convirtió en nuestro inframundo”.

El supervisor de efectos visuales Nick Davis disfrutó creando esta estructura que describe como “rara, retorcida con forma de catedral de 1219 metros que es básicamente una cárcel de piedra de la que Crono, durante el transcurso de la película, se fuga y vuelve a la vida”. El equipo de producción viajó a Gales del Sur en las últimas dos semanas de rodaje para grabar la escena de la explosiva batalla en la que el hombre se hace con el control de los temibles poderes del inframundo. El campamento militar de Andrómeda en Argos se construyó en una cantera de pizarra en las afueras de Merthyr Tydfil, antiguamente la ciudad más grande de Gales. Casualmente, esta zona tiene su propia historia real (y violenta): Fue bautizada con el nombre de Santa Tydfil, la hija del rey Brychan de Brycheiniog, asesinado en el año 480 D.C. aproximadamente. “La batalla final es tremenda”, afirma Iwanyk. “Usamos cientos de soldados y caballos. También había catapultas y flechas por

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los aires. Es una lucha hasta el final entre Crono y su ejército de criaturas y los ejércitos de la humanidad (los espartanos, los atenienses, el ejército de Argos). Es como la batalla de las Termópilas o Estalingrado o cualquier conflicto decisivo. Si no ganamos, será el fin de la vida tal y como la conocemos”.

VISTIENDO A UN EJÉRCITO Todo el vestuario de los héroes, los dioses caídos, la antigua milicia griega corrió a cargo de la diseñadora Jany Temime. “La mitología griega es muy interesante, pero nunca antes había diseñado para esta época, así que esta era la oportunidad perfecta para

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aprender más sobre ella”, dice. Temime comenzó por los cambios que habían tenido lugar en la historia desde la última vez que vimos a Perseo y a los dioses, supuestamente diez años antes. “Al principio de la película los dioses ya no están por encima de todo. Están de capa caída porque el hombre ha dejado de tenerles devoción, así que quería representarlos en estado de decadencia, capturando a la vez los diferentes aspectos de cada uno y dejando ver algo de lo que una vez fueron”. La decadencia de Zeus era crucial para ella. “Era el rey de los dioses y ahora lo está perdiendo

todo. Para él elegí seda étnica con mucho peso, magnífica pero no glamourosa. La preparamos minuciosamente y la estampamos con pan de oro. A partir de ahí, la deterioramos al máximo, dejando a la vista solo un ápice del aspecto formidable que tuvo una vez.”. Después de trabajar con él en cuatro películas de la saga Harry Potter, Temime sabía muy bien lo que le iba a Ralph Fiennes, y tenía las ideas muy claras para el vestuario de Hades. “A nadie le queda una capa tan bien como a Ralph”, afirma. “Elegimos una madeja de cuero suave porque quería algo mate que no diera ningún reflejo. Encontré una ilustración de una www.cinemascomics.com

de sus pechos’ Así que seguí ese patrón y realcé el contorno de su cuerpo, lo que al final resultó bastante sexy y bonito, sin dejar de tener fuerza. También desteñimos a mano su vestido, que era de seda y parecía muy auténtico”.

superficie volcánica con agujeros y la usé para diseñar el estampado. Era espantosa y aunque apenas se veía, él podía sentirla”. Aparte de a los dioses, la diseñadora de vestuario tuvo que vestir a otros personajes. “Convertir a una rosa inglesa como Rosamund Pike en una guerrera griega fue un verdadero reto”, declara. “Tenía que hacer que pareciera fuerte y capaz de todo sin esconder su feminidad ni su belleza”. Temime comenzó diseñando la armadura. “Me resultó fascinante cómo los griegos hacían las armaduras con la forma de sus músculos y pensé: “Si los hombres muestran la forma de sus abdominales, las mujeres podrían mostrar la silueta www.cinemascomics.com

Para Temime todos los detalles eran importantes, se vieran o no se vieran en la cámara, siempre que le dieran personalidad al personaje. “Para Agenor, a quien vemos por primera vez en prisión, creamos una capa estampada con reproducciones de monedas antiguas. Él no tiene nada, pero su capa representa algo de mucho valor, como él mismo. Para Helio, que está obsesionado con los dioses y quiere ser un héroe de guerra, hicimos una mini armadura con dos piezas de metal, como si la hubiera diseñado un niño, y hacía juego con su pequeña espada de madera”. Para diseñar el vestuario del padre de Helio, el héroe protagonista de la historia, Temime se inspiró tanto en la personalidad del personaje como en su físico. “Sam es un actor muy físico y tiene un papel extremadamente activo, por eso era importante que la mayor libertad de movimiento fuera posible. Si le hubiera asignado una armadura de metal, le hubiera resultado difícil moverse, así que tenía que ser de cuero. Después, incorporé elementos griegos y japoneses para hacerla ligeramente diferente de la de los demás. Utilicé una seda muy áspera que teñimos y deterioramos y le puse tonos azulados porque recuerdan al color del mar y que él es pescador”. En cuanto al reparto en general, incluido Perseo, Temime cuenta: “Jonathan quería que todos tuvieran un aspecto rudo y real.. Siempre pedía que estuvieran más sucios, más deteriorados. Quería mostrar las consecuencias de cuando se lucha en la guerra durante muchos años y se vive en

un mundo donde los dioses ya no proveen para los mortales”. Para vestir al ejército de Argos, Temime se limitó a seguir a su investigación. “Les di el aspecto de un ejército real, con las capas de color rojo, hechas con trozos antiguos de alfombra que encontramos. Todas las túnicas se pintaron a mano. Se hicieron armaduras, grebas, capas y cascos forjados a mano para aproximadamente 300 oficiales y guardias. Y también vestimos a los atenienses y los espartanos. Había muchos soldados griegos”, sonríe, “muchísimos”. Liebesman tiene en muy alta estima el trabajo de Temime. “La interpretación de Jany de la época fue brillante”, comenta. “Era un reto tremendo y ella y su equipo lo superaron con creces dejando atrás mis expectativas a cada momento.”

ACCIÓN Y ARMAS Ira de Titanes contiene numerosas escenas de acción épicas con cientos de personajes luchando y una amplia gama de armas a su disposición. El coordinador de escenas de acción Paul Jennings y el supervisor de armas Nick Komornicki trabajaron en la primera película y tenían muchas ganas de retomarla y superar la apuesta inicial. “Juegas con monstruos enormes, te peleas, das saltos por ahí y finges ser un dios”, dice Jennings. “Es emocionante y muy divertido”. A Jennings también le gustó volver a trabajar con Sam Worthington. “Sam es un fenómeno para las escenas de acción y le encanta hacer él mismo las escenas peligrosas. Además, aporta muchas ideas de su cosecha, lo cual ayuda a la hora de rodar escenas convincentes y de calidad”. En esta época, en cambio, Perseo ha llevado una vida tranquila y pacífica, así que Worthington y los cineastas querían que repreCinemascomics │abril 2012 │

sentara más bien a un pistolero oxidado. Lleva diez años sin luchar, sus puñetazos nos son tan potentes como antes y ya no es tan hábil con la espada”, señala el actor. “Me gustó el hecho de que tiene que ponerse las pilas, le dio un toque diferente al personaje y me resultó más divertido interpretarlo. Sufre con cada puñetazo que recibe y con cada puñetazo que da. Es como William Munny, pero a los 35.” “Sam es un actor con mucho talento para el trabajo físico capaz de tirarse contra unas rocas, toma tras toma, sin quejarse nunca”, comenta Liebesman riéndose. “Siempre quiere formar parte de la acción”, confirma Iwanyk. “Cuanto más difícil sea la escena, más se motiva y transmite al público. Está dispuesto a todo y eso nos facilita las cosas como cineastas y transmite mucha energía positiva al resto del reparto y el equipo”. “Creo que hoy en día el público es muy exigente”, explica Worthington, “y quiero que el públi-

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co esté satisfecho conmigo y siga la película de principio a fin, por eso intento hacerlo lo mejor posible sin hacerme daño”. Afortunadamente Perseo disponía de algunas armas para luchar, como la espada que llevaba en su aventura de hace años y una pequeña daga de madera que talló su hijo, Helio, y que lleva consigo para que le de suerte. Komornicki y su equipo fabricaron más de 1500 armas para soldados y dioses, entre ellas una variedad hecha de aluminio, goma o incrustaciones metálicas. También crearon las enormes catapultas para la escena de la batalla final. Para el dios de la guerra se fabricó una espada especial. “Le pusimos una hoja de bronce tradicional de la Grecia antigua”, explica Komornicki. “En la empuñadura grabamos los símbolos de Ares: el águila y el pájaro carpintero. En general era bastante simple, resistente y práctica, tenía que parecer que había sobrevivido a muchas batallas”. El dios también lleva un arma terrorífica a la que apodan “la maza de guerra

de Ares”. Komornicki la describe: “es una maza con la parte de arriba de piedra, el mango de bronce y un pincho en la parte de abajo”. El arma más importante de la película es la simbólica y letal Lanza del Trium. Compuesta de tres piezas individuales que Hefesto forjó para los dioses, está formada por el rayo de Zeus, el tridente de Poseidón y la guadaña de Hades. Se sabe que es el único instrumento que ha derrotado a Crono, por eso Perseo debe ingeniárselas para reunir las tres piezas y así tener una oportunidad de vencer esta vez a los titanes. “Para hacerlas más prácticas”, relata Komornicki, “hicimos que las armas de los tres dioses pudieran encogerse y convertirse en versiones más pequeñas. De esta manera, si los dioses no están en peligro y no necesitan la versión grande para luchar, pueden guardarlas más fácilmente”. Además, cada una tenía sus propias características. “La guadaña de Hades no podía ser brillante, tenía que estar un poco sucia y envejecida. El tridente de Poseidón también

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debía parecer viejo y como si hubiera estado sumergido en el mar durante mucho tiempo. El arma de Zeus fue la más difícil de diseñar, porque debía tener forma de rayo y ser práctica a la vez”. Para mejorar la experiencia de los espectadores en las escenas de acción y de lucha con espadas, los cineastas eligieron utilizar una herramienta mucho más moderna: el 3D. “Hicimos la película para 3D, coreografiando escenas y consultando con nuestro estereógrafo entre toma y toma para asegurarnos de que podíamos usar la tecnología de forma que nos favoreciera al máximo”, afirma Liebesman. “Tuvimos mucho cuidado en cada fase para prolongar las tomas, hacer el movimiento más dinámico y evitar cortes repentinos”, explica el director de fotografía Ben Davis. “Teniendo en cuenta eso y www.cinemascomics.com

como íbamos a pasarlo por posproducción, pudimos permitirnos rodar al estilo de Jonathan, con muchos movimientos de cámara y grabación manual, algo que no podríamos haber hecho con las cámaras 3D”. Davis también prefería rodar en rollos de película en lugar de en HD. “Si hubiera sido una obra contemporánea, podría haber funcionado en HD. Pero es una leyenda griega: quería la textura, la sensibilidad y el realismo que te da un rollo de película”. Polly Johnsen dice: “En todas las decisiones que tomábamos sobre el guión o las escenas tuvimos en cuenta el aspecto, la sensación y los elementos 3D de la película, para que los espectadores pudieran sentir la emoción desde sus butacas”. “La gente va al cine para transportarse a mundos con los que

solo hemos soñado”, dice Basil Iwanyk. “Creo que con nuestras criaturas, nuestra acción y nuestra perspectiva y alcance, la película va a ser emocionante y envolvente. El ambiente de monstruos, fuego, polvo y ceniza se apoderará del público. Será divertidísimo”. Jonathan Liebesman añade: “Cuando Crono sale de la pantalla con perdigones de lava saliendo de su cuerpo, los espectadores tendrán la sensación de que va directo a por ellos”. El director explica: “Al mismo tiempo, en la película se tocan muchos temas intensos y emotivos que espero que transmitan a la gente, todo en medio de una guerra épica entre mortales, dioses y monstruos”.

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E D A LAIR S E N A T I T S LO A D A T DESA Arza Por Christian

“Furia de Titanes”, la película dirigida por Louis Letterrier, no pudo tener peor acogida entre el público y la crítica, que la vapulearon sin medida en foros, revistas y programas. Por eso es de extrañar esta inminente secuela de aquella cinta que vio la luz en nuestras pantallas en el año 2010, hace relativamente poco.

Y muchos se preguntarán la razón; los que no, es porque la hemos visto y sabemos de qué va el tema. Pero como de lo que se trata es de informar, aquí estoy para daros buena cuenta de todo lo que rodeó y supuso aquella cinta, y lo enlazaremos con esta secuela, que es la que nos trae a la palestra.

Allá por el año 2009, se hablaba y rumoreaba que Warner Bros estaba pensando en hacer un remake de una película clasificada en la actualidad de “culto” por fans y aficionados al cine. La película en cuestión era “Furia de Titanes”, película dirigida por Desmond Davis y protagonizada por Harry Hamlin�� en la piel del héroe Perseo. Un héroe que debe hacer frente a dioses y seres mitológicos para salvar la vida de Andrómeda, no sin antes recorrer parte de la Grecia clásica creada por la mente del genio Ray Harryhausen, en la última película que realizó, dejando para la posteridad un trabajo aún hoy venerado: el stop motion. “Furia de Titanes” recorría prácticamente toda buena historia de la mitología griega, poblada de dioses, monstruos y seres poderosos. Contenía la esencia que

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toda buena película de aventuras mitológicas debe tener. Por un lado, la visión de los dioses, capitaneados por Zeus (Lawrence Olivier) quien no puede evitar sentir afecto por los humanos, no solo en lo amoroso sino también en lo carnal, y que deja embarazada a Danae, esposa de Acrisio, rey de Argos. Al enterarse de tal humillación, decide lanzar al agua a su esposa y al hijo recién nacido, Perseo. Pero Zeus es incapaz de permitir que su hijo muera y decide ayudarle por medio de Poseidón para que alguien le recoja y lo críe mientras asola Argos con toda su furia. En el camino de su madurez, la visión de la historia por parte de Perseo, su destino se cruza con Andrómeda, quien ante la bravuconería de su madre, la reina Casiopea, es condenada a estar esposada en un risco hasta que se cumpla su sentencia: ser devorada por el Kraken. Naturalmente, Perseo iniciará un viaje en

el que intentará salvar a la bella dama, enfrentándose a Hades y a la terrible Medusa. Mismo punto de partida que la original, como es habitual en�� Hollywood, pero todo a lo grande. Esa fue la premisa del remake que se hizo. Más acción, más criaturas, y como consecuencia, más dinero. Mantuvieron el origen de nuestro héroe Perseo (Sam Worthington), abandonado también por Acrisio, y que es recogido por Dictis (Pete Postleweith), quien lo cría como hijo propio. Una vez adulto, visitando la isla de Argos, unos soldados derriban la estatua de Zeus como muestra de desobediencia. Hades, hermano de Zeus, es consciente de todo aquello y desata su venganza contra los soldados matando también a los padres adoptivos de Perseo que no puede evitar ver cómo su familia es asesinada. Decidido a buscar venganza, acude a la ciudad donde es testigo del destino que le depara a Andrómeda cuando Hades aparece y les obliga a sacrificarla antes del próximo eclipse de sol, porque si no, el Kraken destruirá la ciudad. Es el punto de inflexión para que Perseo inicie un viaje que le llevará a intentar conseguir la cabeza de Medusa y así poder matar al Kraken. Se cruzará con Pegaso, e incluso con un Acrisio deformado y castigado por Zeus, lleno de rabia, que intentará matarle a toda costa. Ese es el punto de partida de ambas, más o menos idénticas en estructura e historia, pero evidentemente contadas desde una perspectiva completamente diferente. La versión clásica, cuidada con cariño y esmero para desarrollar una historia de valentía, de fe, de madurez. La versión nueva, aunque exultante a veces en los efectos, estropeada por intentar un ritmo constante y por incluir esa moda que es el 3D. Algo que no le habría venido mal a una cinta de esas características si no fuera porque no estaba pensada www.cinemascomics.com

para ser rodada de esa forma. Con lo cual ya os podéis imaginar la solución que se les ocurrió a los genios del estudio que, ante un posible aumento de dinero en taquilla, reconvirtieron todo el metraje en la sala de posproducción (donde se monta el film) con el consiguiente chasco, fiasco y decepción de todas las personas que fueron al cine a verla. Yo incluido. De ahí que el hecho de recaudar en todo el mundo cerca de 500 millones cuando costó 125, fue toda una hazaña para el estudio que probablemente respiró hondo y se dijo a sí mismo: “La próxima vez la haremos bien”. ¿Pero es que alguien pensaba que iba a haber próxima? Porque yo no, y menos después de todo aquello que nos vendieron y que se quedó a medio camino entre un episodio de “Caballeros del zodiaco” (sólo hay que echar un vistazo a las armaduras) y “Espartaco”. De todo aquel batiburrillo, el que salió bien parado fue Sam Worthington, el nuevo Perseo del www.cinemascomics.com

remake y su secuela, que consiguió “salvar los muebles” y que James Cameron le fichara para su mega epopeya titánica “Avatar”. En esta ocasión, “Ira de Titanes” nos situará diez años después de lo ocurrido en la primera parte. Perseo es ahora un padre feliz, tiene a su hijo Helio, y vive ajeno a todo de forma tranquila y pacífica. Sin embargo, los dioses debilitados por la falta de fe, pierden el control sobre los Titanes, entre ellos Kronos, el padre de Zeus, Hades y Poseidón. Nuevamente Hades, esta vez junto a su hijo Ares (el dios de la guerra), tramará una artimaña para derrocar y atrapar a Zeus aliándose con Kronos, y permitiendo que los Titanes arrasen Grecia con todo su poder. Nuevamente Perseo tendrá que lidiar con los dioses si quiere salvar a su padre y a todo el pueblo de la amenaza de Hades y los Titanes. Le acompañan en esta aventura Andrómeda, interpretada aquí por otra actriz (Rosamund Pike), y alguno de los dioses que le ayudarán a salvar a su padre,

entre ellos Hefesto (Bill Nighy), el dios de la forja y de los artesanos. Es previsible que seguramente le obsequiará con algún arma para ayudarle a hacer frente a las pruebas que se le presentarán por el camino. Un camino que recuerda vagamente y de forma libre a las 12 pruebas que tuvo que desarrollar Hércules para demostrar su valía a los dioses del Olimpo. En el también se encontró con una hidra, se enfrentó al toro salvaje de Creta y a Gerión el gigante. Así que no nos debe extrañar que esta película beba de otros relatos de mitología clásica, como en este caso ha hecho de Hércules. Imaginad la cantidad de leyendas, de personajes, de aventuras e historias que hay encerradas en los libros de mitología, ya no sólo de la griega y la romana, que comparten deidades pero con diferentes nombres, sino también de la escandinava (recientemente con Thor), la egipcia (Cleopatra, La Momia), la mexicana (Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal), e incluso, si me apuráis, Cinemascomics │abril 2012 │

de la saga de juegos “God of War” con ese imponente Kratos dando estopa a todos los seres que se le cruzan en su camino. Después de reimaginar y rehacer la original, ahora tienen vía libre para poder desarrollar a los personajes hacia donde quieran, sin tener que depender o mirar lo que ya está escrito. El trailer que se nos presentó hace un tiempo la verdad es que no pinta nada mal. Podemos verr al cíclope (No el de los X-Men), tan famoso en la

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mitología griega por su temperamento agresivo y su falta de palabra, haciéndoselas pasar canutas al protagonista mientras aparecen también el minotauro (mitad hombre – mitad toro) y la hidra (le cortas la cabeza y le salen más). Yo particularmente, como bien he expresado, quedé decepcionado con la primera entrega, sobre todo por esa jugarreta que nos hicieron con el 3D, pero en cambio soy un gran aficionado a la mitología griega. Gran dilema el que

se me presenta ahora que se ha estrenado la secuela, “Ira de Titanes”, en la que parece que las cosas se han hecho de manera diferente. Puede que tenga algo que ver el cambio de director de la primera, Louis Leterrier, por Jonathan Liebesman director de la reciente “Battle: Los Angeles” en el que una invasión alienígena era frenada por un grupo de soldados. Cambiamos a los alienígenas por dioses y a los soldados por un grupo de héroes y voilá, ya tenemos la secuela. O puede que el rodarwww.cinemascomics.com

la desde un principio con cámaras 3D haya sido mejor opción que reconvertirla entera. Aunque de eso sí estoy seguro que es mejor. Esperaremos a ver qué nos depara en esta ocasión, y si la vuelven a criticar y vapulear como le pasó a la primera o en cambio, sale un producto decente en el visionado y que nos haga pasar un buen rato. Que al fin y al cabo es lo que prima en este tipo de producciones. Desde luego, no se si llegará a la cifra que alcanzó su predecesora, más que nada porque las www.cinemascomics.com

reacciones de los internautas y cinéfilos es mas bien de escepticismo que de ilusión o ganas. Mal año también con el aluvión de superhéroes y cintas que tienen una expectación altísima y que seguro que dañará algo su paso por los cines. (Recordamos que este mes llegan Los Vengadores). La última gran adaptación que recuerdo ver en la pantalla y gustarme fue “300”. Basada también en otro relato griego “La batalla de las Termópilas” y en el que es

de sobras conocido su personaje principal, Leonidas, y la crudeza de las batallas que fueron todo un espectáculo digno de ver en el cine, gracias a la magia de Frank Miller. Esperemos que al visionarla, por lo menos llegue a algo parecido y no me arrepienta de gastar esos siete euros (ya no pico en 3D) y que me deje un buen sabor de boca. Vamos, que peor que el que me dejó la primera entrega no puede ser...¿O sí?

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Estreno

Battleship 13 de abril PETER BERG (Hancock, La sombra del reino, Luces de viernes noche) dirige y produce BATTLESHIP, una épica aventura de acción que transcurre en el mar, el cielo y la tierra, en la que nuestro planeta lucha por sobrevivir contra una fuerza muy superior. BATTLESHIP está protagonizada por TAYLOR KITSCH (X-Men orígenes: Lobezno, John Carter) en el papel del teniente Hopper, un oficial de la Marina destinado al buque John Paul Jones; ALEXANDER SKARSGARD (la serie “True Blood/ Sangre fresca”, Melancolía) como Stone, el hermano mayor de Hopper y capitán del barco Samson; RIHANNA, la superestrella de la música que debuta en la gran

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pantalla en el papel de la suboficial Cora Raikes, compañera de tripulación de Hopper y especialista en armas del John Paul Jones; BROOKLYN DECKER (Sígueme el rollo) como Sam Shane, fisioterapeuta de la Marina especializada en la rehabilitación de heridos en combate y novia de Hopper; TADANOBU ASANO (Thor, el próximo estreno 47 Ronin) como el capitán Yugi Nagata al mando del acorazado Myoko y gran rival de Hopper, y LIAM NEESON (Infierno blanco, Venganza) como el almirante Shane, el oficial superior de Hopper y de Stone (y padre de Sam). Completan el reparto estelar los actores HAMISH LINKLATER (Los

cuatro fantásticos) como Cal Zapata, un científico de la estación internacional de satélites en Hawai y que estudia el cielo en busca de vida extraterrestre; JESSE PLEMONS (la serie “Friday Night Lights”) en el papel del primer contramaestre del John Paul Jones; el neozelandés JOHN TUI (Sione’s Wedding) como el suboficial Walter “El animal” Lynch, experto de la sala de máquinas; y el coronel del Ejército estadounidense GREGORY D. GADSON, un jefe de batallón que en 2007 perdió ambas piernas en Iraq y que debuta como actor, interpreta al coronel Mick Canales, que ha sufrido una doble amputación y empieza a recuperarse cuando el enemigo ataca. www.cinemascomics.com

Ver trailer

Inspirada en el clásico juego de combate naval creado por Hasbro, la película BATTLESHIP está producida por BRIAN GOLDNER y BENNETT SCHNEIR, de Hasbro (las franquicias de Transformers y G.I. Joe), SCOTT STUBER (El invitado, Todo incluido), SARAH AUBREY, de Film 44 (La sombra del reino), y DUNCAN HENDERSON (Master and Commander: Al otro lado del mundo, La tormenta perfecta). Los guionistas son JON y ERICH HOEBER (Red). El director Peter Berg ha reunido a un grupo de técnicos veteranos entre los que se encuentran varios colaboradores suyos: el director de fotografía TOBIAS SCHLIESSLER www.cinemascomics.com

(Luces de viernes noche, Hancock); el diseñador de producción NEIL SPISAK (Hancock, SpiderMan); los montadores COLBY PARKER JR (Luces de viernes noche, Hancock), BILLY RICH (American Gangster, Robin Hood) y PAUL RUBELL (Transformers, Hancock), y la diseñadora de vestuario LOUISE MINGENBACH (Hancock, Resacón en Las Vegas). La producción ejecutiva corre a cargo de JONATHAN MONE (El hombre lobo) y BRADEN AFTERGOOD. Para los espectaculares efectos visuales de la película, Peter Berg contrató a dos magos del cine de la famosa y premiada empresa Industrial Light & Magic, PABLO HELMAN (La guerra de los mun-

dos, Star Wars: Episodio II – El ataque de los clones) y GRADY COFER (Pozos de ambición, Star Trek). El oscarizado BURT DALTON (El curioso caso de Benjamin Button, Star Trek) supervisó los efectos especiales. La película se rodó en su mayoría en Honolulú, Hawai, y obtuvo un apoyo sin precedentes de la Marina estadounidense. El miembros del equipo fueron autorizados a visitar varios destructores del tipo Arleigh Burke mientras se encontraban filmando en Pearl Harbor; concretamente el Hopper (DDG 70), atracado temporalmente en el puerto de la base, así como el Preble (DDG 88) y el Chung-Hoon (DDG 93), ambos con base en Cinemascomics │abril 2012 │

Hawai. Además, se les concedió permiso para visitar el Chung-Hoo en alta mar, lo que permitió al reparto y al equipo técnico observar a la tripulación durante un entrenamiento. También se rodó en el buque de guerra Missouri (BB-63), convertido en museo flotante, donde la rendición japonesa a los aliados en 1945 puso fin a la II Guerra Mundial.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN De acorazado a destructor: El diseño de producción Cuando el cineasta Peter Berg aceptó �� desarrollar y dirigir BAT�� TLESHIP para Universal Pictures y Hasbro, estaba documentándose para realizar otra película acerca de la Marina estadounidense, una de sus grandes pasiones. El presidente y primer ejecutivo de Hasbro, Brian Goldner, y el ejecutivo del departamento de cine de Hasbro, Bennet Schneir, estaban empeñados en trabajar con el di-

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rector de la espectacular Hancock y de los dramas de acción Luces de viernes noche y La sombra del reino. Además, sabían que desde niño era un apasionado de los barcos. Brian Goldner dice: “Pete se siente tremendamente atraído por los barcos, por la historia de la Marina y por el mar. Estábamos convencidos de que eso se notaría en la pantalla”. Esta película de acción y aventuras es la culminación de un sueño de infancia del realizador, que a menudo visitaba museos navales con su padre. “El juego ‘Batalla naval’ es una de mis pasiones porque, de niño, pasé mucho tiempo a bordo de barcos, escuchando historias de las grandes batallas navales de la II Guerra mundial que me contaba mi padre”, explica el director. “Cuando me ofrecieron el proyecto, enseguida pensé que podíamos contar algo muy contemporáneo, como una flota internacional metida en una batalla intensa, violenta, llena de encuentros en alta mar y de tremendos intercambios de mi-

siles. Da igual en qué parte del mundo estés, si hablas del juego ‘Battleship/Batalla naval’, la gente sabe lo que es. En el mercado actual, es una gran ventaja si se quiere convertir un producto en película”. Peter Berg tenía una magnífica relación con la Marina, lo que le sería muy útil durante la preproducción. “La Marina se sintió halagada de que salvara al mundo en la película”, dice. “Los soldados de los destructores se alegraron de que, por primera vez, una película no se centrara en los portaaviones. Las tripulaciones de los destructores participan en batallas y protegen a los portaaviones”. Pero el título de la película, BATTLESHIP, quizá sea erróneo. “La película se titula BATTLESHIP (Acorazado), pero hace tiempo que los acorazados han sido sustituidos por unos chicos muy malos, los destructores Aegis, los buques de guerra más letales del planeta”, explica Peter Berg. Uno de los productores de la pelíwww.cinemascomics.com

cula es Scott Stuber, de Bluegrass Films, hijo de un veterano de la Marina. La épica BATTLESHIP es el segundo proyecto que produce con el director, después de La sombra del reino, en 2007, y es la siguiente película del productor después de El invitado. Scott Stuber sabía que se trataba de una auténtica superproducción, pero esto no le detuvo porque el público iba a disfrutar de “una flota naval al completo en plena batalla”, dice. “Al haber trabajado antes con Pete, estaba convencido de que haría una película acerca de un conflicto naval en nuestros días con autenticidad y emoción”. Y añade que la carencia de estructura narrativa del juego “Batalla naval” fue una ventaja: “Cuando se adapta una obra literaria o un cómic, el espectador tiene ideas preconcebidas de los personajes. Las historias se visualizan a medida que se leen. Esto era totalmente diferente, debíamos crear los personajes desde cero. El juego es todo estrategia, uno contra uno, no tiene nada que ver. Es muy liberador empezar sin personajes. Se pueden adaptar a la dinámica de la historia y trasladarse a una superpelícula de acción”. La historia de cómo el juego se transformó en película no care-

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ce de interés. En 1984, Hasbro compró la empresa Milton Bradley Company, creadora de varios juguetes y de juegos conocidos mundialmente, entre los que se encontraba “Batalla naval”. Hasbro, uno de los primeros fabricantes de juguetes del mundo, empezó a reflexionar sobre la forma de trasladar los juguetes más populares a otros medios. Bajo la dirección de Brian Goldner desde hace diez años, la empresa ha sabido dar una nueva vida a sus creaciones más clásicas, reinventándolas para nuevos medios, como el cine, la televisión, los videojuegos, publicaciones, bienes de consumo, concesión de licencias y venta directa al detalle. Después del tremendo éxito de películas como Transformers y G.I. Joe, Hasbro estudió su catálogo y seleccionó “Batalla naval” para que fuera el primer juego trasladado a la gran pantalla. Pero la empresa era consciente de que no podría hacerse nada mientras no se resolviera un problema: ¿cómo transformar un juego en una película atractiva? Brian Goldner, al hablar de las razones que le empujaron a sumergirse en este ambicioso proyecto con Peter Berg y Scott Stuber, dice: “El juego es conocido en más de 30 países desde hace 40 años como ‘Battleship’ o ‘Batalla naval’. Todo el mundo que haya

jugado al menos una vez entiende que se trata de una confrontación. Sabíamos que debíamos usar los elementos más atrayentes del juego y reimaginarlos. También pensamos que el elemento alienígena lo haría más contemporáneo y universal”. Hace varios años, Brian Goldner contrató a Bennett Schneir para que ayudara a Hasbro con su experiencia a desarrollar franquicias cinematográficas a partir del catálogo de la empresa. “Estudiamos el juego y vimos que ‘Batalla naval’ requiere inteligencia, intuición y lógica para descubrir quién es el enemigo y acabar ganando”, dice Bennett Schneir. “Tenía todos los elementos de una superpelícula de aventuras y acción. Para los cineastas, el juego era un increíble punto de partida”. Contestando a los escépticos, Bennett Schneir añade: “Muchos preguntarán por qué hace falta el juego ‘Batalla naval’ para hacer una película de barcos y alienígenas. También se puede preguntar por qué hace falta ‘Piratas del Caribe’ para hacer una película de piratas y esqueletos, o por qué se necesita ‘Transformers’ para hacer una película de unos robots que llegan a la Tierra desde el espacio. Simplemente porque el núcleo de ‘Batalla naval’ sirvió de inspiración a los cineastas. Es un

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juego con una triple estructura, con mucha fantasía y fue el lienzo en el que los cineastas pintaron su visión de la historia”. Aunque su homólogo moderno es el destructor, la máquina de guerra conocida como acorazado tuvo mucha importancia en la II Guerra Mundial y se usó hasta la primera guerra de Iraq en 1991. Scott Stuber dice: “Los acorazados se conocían por su fuerza y capacidad de aguantar la metralla. Eran barcos gigantes con cañones enormes y cascos muy gruesos con una fuerza tremenda. Protegían a la flota. Eran como los agentes del servicio secreto: si un enemigo disparaba, se ponían delante para absorber el impacto. Es extraordinariamente heroico ser el

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primero en lanzarse a luchar. En la flota, también hay un portaaviones, otro barco asombroso, un aeropuerto en medio del océano. Era el cometido del acorazado, y ahora del destructor, proteger al portaaviones”. Sarah Aubrey, la socia de Scott Stuber en Film 44, añade: “Los destructores son unos buques espléndidos en manos de personas muy inteligentes y valientes. Nos pareció una oportunidad increíble para conocerlos en el contexto de un juego que tiene tantos seguidores. Entramos dentro de estas enormidades flotantes. Vemos las armas, los misiles, la fuerza. Pero en esta historia, son los débiles. Presentamos a una poderosa flota de barcos haciéndose a la mar. No

se ha visto nada parecido en una película hasta ahora”. Peter Berg y Sarah Aubrey estaban entusiasmados con la idea de plasmar esta aventura náutica de forma épica: “El juego nos daba la oportunidad de realizar una película moderna acerca de una batalla naval”, explica la productora. “La mayoría de películas navales son de época, porque hoy en día no hay grandes batallas en el mar. No se había visto en el cine a la Marina moderna en toda su gloria, con sus barcos y armas, a esta escala”. Los cineastas empezaron con un título, pero necesitaban una historia con héroes y misteriosos enemigos a los que enfrentarse www.cinemascomics.com

en alta mar. “La idea de barcos de la Marina enfrentados a alienígenas me vino de golpe”, explica el director. “Siempre supe que la película solo funcionaría con una historia basada en personajes. Los efectos digitales y el espectáculo servirían de soporte a la historia”.

otoño. Hubo una gran sincronía con Pete durante el desarrollo. Es lo más parecido a un motor muy potente y aportó una gran cantidad de ideas. Nos estrujamos los sesos para decidir cuáles serían los elementos estructurales antes de crear los personajes y las situaciones”.

Peter Berg pidió a los guionistas de Red, Jon y Erich Hoeber, que se unieran a él. Los hermanos vieron al director en la primavera de 2009 para presentarle las primeras ideas. “Tuvimos en cuenta el aspecto alienígena: la Marina salva al mundo de una invasión”, explican. “Cuando nos contrataron, escribimos un tratamiento durante el verano, y la primera versión del guión, en

Los guionistas se sintieron atraídos por la oportunidad de dar vida a una aventura épica naval de grandes proporciones con un complejo ataque extraterrestre: “Nos entusiasmó la idea de escribir una superpelícula de acción naval. Hace mucho que la Marina estadounidense no protagoniza una historia, y menos aún una situada en el momento actual donde lucha contra el enemigo palmo

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a palmo en vez de lanzar mísiles desde la costa”. Los dos hermanos se documentaron a fondo y pasaron tres días a bordo del Preble, un destructor tipo Arleigh Burke con misiles teledirigidos. “Fue una experiencia increíble ver a una tripulación joven en acción”, dicen. “Su profesionalismo, dedicación y ganas inspiran a cualquiera. Nos dieron libertad total para recorrer el barco y no tardamos en familiarizarnos con su forma de hablar, su cultura y el funcionamiento del barco. Nos pusieron ejemplos de ataques para que el guión fuera lo más realista posible”. Los guionistas trabajaron con Peter Berg para saber qué ocurriría si una raza alienígena respondiese Cinemascomics │abril 2012 │

a una serie de transmisiones interestelares de la NASA enviadas a un planeta de otra galaxia. El planeta G, al que los científicos de la NASA llevan seis años transmitiendo mensajes, es una réplica de nuestro mundo. Lógicamente, si un planeta está muy alejado de su sol, hará demasiado frío para que exista vida, y si está demasiado cerca, el calor excesivo impedirá que haya flora y fauna. Este planeta perfecto con el que nos comunicamos es parecido al nuestro, con las condiciones idóneas para tener una atmósfera y vida. Por desgracia para la Tierra, sus habitantes han decidido hacerse con nuestra agua.

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Según Sarah Aubrey, a medida que avanzaba el guión, encontraron la forma de introducir el concepto del juego en la historia. Además del título, tres buques equipados para la batalla se encuentran debajo de un gigantesco campo magnético impenetrable. “A Peter se le ocurrió que nuestro barco funcionara a ciegas, como en el juego”, explica. “Sus radares dejaron de ser operativos muy al principio de la lucha contra los alienígenas, y nuestros héroes buscan al enemigo a tientas. Hopper y Nagata deben inventarse una forma de seguir a la flora alienígena sin radares para poder atacar. Nagata le explica a Hop-

per un método usado por su país para localizar barcos en el Pacífico”. En pleno trabajo de documentación, el director y los guionistas descubrieron que en la costa de Hawai hay boyas antitsunami para medir los movimientos del agua. “Sirven para avisar de posibles maremotos en costas vulnerables”, explica la productora. “Nagata las usa para realizar una cuadrícula que aparece en la pantalla del radar y simula la cuadrícula del juego. Es una forma de que el público reconozca la cuadrícula y que jugamos a ‘Batalla naval’”. www.cinemascomics.com

Además de visitar varios destructores de la flota de la Marina estadounidense, el equipo se desplazó al puesto de mando de Operaciones Especiales (SOCOM) en Florida para conocer de primera mano a los jóvenes, tanto hombres como mujeres que ocupan los puestos técnicos más elevados, y las situaciones extremas para las que se entrenan. Scott Stuber está convencido de que el trabajo de documentación realizado por Peter Berg, así como su experiencia como actor, le permitieron escoger a un grupo de intérpretes que hicieran justicia a los valientes miembros de la Marina que había conocido. “Peter siempre se esfuerza en reproducir la realidad, tanto si se trata de la interpretación de un actor como de una explosión en un barco”, dice el productor. “Para Luces de viernes noche, no se limitó a leer la novela, se desplazó a Texas y se sumergió en el mundo del fútbol en los institutos. Su empeño por el realismo se debe en gran parte a que es actor. Los otros intérpretes se sienten cómodos con él porque les ayuda a sacar lo mejor de sí mismos. Es capaz de colocar a personajes auténticos en grandes relatos”.

Un equipo internacional: El reparto de la aventura de acción Mientras se trabajaba en el guión, los productores y el director empezaron a buscar a los actores que darían vida al grupo de héroes que descubren al enemigo alienígena a través de unos restos que flotan frente a la costa de Oahu. El experto productor Duncan Henderson, que hizo posible películas navales como Master and Commander: Al otro lado del mundo y ocupó puestos clave en la producción de La tormenta perfecta y Harry Potter y la piedra filosofal, se unió a ellos. www.cinemascomics.com

Para Hopper, el protagonista de la película, Peter Berg y los hermanos Hoeber imaginaron a un personaje que se ve obligado a madurar muy rápidamente. Es un chico impulsivo que aprende a ser disciplinado en la Marina, sobre todo gracias a los esfuerzos de su hermano mayor, que le ayuda a escoger un camino. “Es el cariño entre hermanos llevado a otro nivel”, dice la productora Sarah Aubrey. “Hopper es de los que siempre está dispuesto a meterse en una pelea”. “Creo que BATTLESHIP es autobiográfica”, dice Brian Goldner, riendo. “En muchos aspectos, Hopper es Pete. Y es lo que me gusta de él, su disposición a arriesgarse sin filtros. Pete está allí y crea a un

personaje al que el público puede apoyar. Hopper es un tipo duro con un pasado. Es un personaje que evoluciona con la historia. Pete ha conseguido un personaje real, emblemático y atractivo”. Para el papel de Hopper, el director escogió a Taylor Kitsch, un actor con el que ya había colaborado. El trabajo del intérprete en la aclamada serie “Friday Night Lights” ha conmovido al público desde 2006 y dio vida a Gambit en X-Men orígenes: Lobezno. Es el protagonista del reciente estreno John Carter, y pronto le veremos en Savages, de Universal, dirigida por Oliver Stone. Es verdad que solo Peter Berg podía convencer al actor de llevar el pelo corto por primera vez en 12 años. El director empezó trabajando delante de las cámaras, y Taylor Kitsch tiene un estilo parecido como actor. “Me gusta la libertad con la que rueda Pete, sin marcas ni nada de eso”, dice el joven actor. “Ya estaba acostumbrado después de “FNL” (Friday Night Lights) y siempre le estaré agradecido por haberme dado la oportunidad de encarnar a Rig�� gins”. Taylor Kitsch tenía ganas de explorar la dinámica entre los dos hermanos: “Es lo que me conquistó, el recorrido de Hopper, desde que roba y le detienen, pasando por cuando le afeitan la cabeza al alistarse, hasta convertirse en un líder. Para un actor es tremendo: sufre una tremenda pérdida y es capaz de hacerse con el mando del barco. Hopper no deseaba ser así, pero las circunstancias le obligan a sacar lo mejor que tiene dentro. A pesar de estar en la Marina, no ha cambiado, es el mismo que conocemos al principio de la película”. “Stone proporciona un objetivo a Hopper, y este se lo debe todo a su hermano mayor”, sigue diciendo el actor. “Al principio no quiere dar rienda suelta a su potencial Cinemascomics │abril 2012 │

por miedo al fracaso. Prefiere seguir la corriente a arriesgarse”. Convencido de que Taylor Kitsch era el actor idóneo para el papel, Peter Berg se desplazó a Londres, donde rodaba John Carter, para convencerle. El actor recuerda la escena en un restaurante: “No hay reuniones normales con Pete, más bien es: ‘Bueno, ¿qué, quieres hacer esto conmigo? Vamos a por ello, vamos a hacer una superpelícula genial con mucho corazón, ¡venga!’ Es verdad que existía una confianza mutua, y es lo principal en un plató. El actor debe estar convencido de que el director solo quiere lo mejor para él, su personaje y la película”. Taylor Kitsch comparte la pantalla con otro gran favorito de la

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televisión, Alexander Skarsgard, de la premiada serie “True Blood/ Sangre fresca”, en el papel del capitán Stone, el disciplinado hermano mayor de Hopper que le convence para alistarse en la Marina. El director cenó con el actor, esta vez en Los Ángeles. El hijo mayor del gran actor Stellan Skarsgard conocía el juego “Batalla naval” ya que jugaba a “Sänka Skepp” (Hundir el barco) en Suecia cuando era niño. “Pete me cayó bien en cuanto le conocí”, dice. “Tiene una energía contagiosa, y me habló del proyecto con entusiasmo. Al mencionar la fascinación de su padre por la historia naval, su pasión era obvia. Me gustó la dinámica entre los dos hermanos. Stone es diligente,

trabajador y estudió en la Academia Naval. Está muy motivado. Quiere a su hermano pequeño, pero no está seguro de cómo ayudarle”. “Hopper no tiene el mismo empuje”, sigue diciendo. “Siempre mete la pata, pero también es encantador. Stone decide dejar que su hermano aprenda y madure a partir de sus equivocaciones. Es duro con él, pero se nota que hay afecto y una conexión. Es necesario darse cuenta de que su hermano le importa mucho, si no, la historia no funciona”. El actor quiso prepararse a fondo para el papel y pidió permiso para estar un tiempo a bordo de un barco de la Marina, el Benfold www.cinemascomics.com

(DDG 65), con el fin de observar al capitán y a la tripulación. La petición de Alexander Skarsgard coincidió con las maniobras en la cuenca del Pacífico (RIMPAC) 2010, en la costa hawaiana. Es la mayor concentración marítima mundial en la que participan más de doce Cuerpos de Marina de diversos países. La Marina estadounidense es la anfitriona de RIMPAC, con el apoyo del Cuerpo de Marines, los Guardacostas, la Guardia Nacional de Hawai y la Flota Estadounidense del Pacífico, e invita a participar a fuerzas militares aliadas de la cuenca del Pacífico. Con la cooperación de la Marina, Peter Berg dirigió a cuatro www.cinemascomics.com

equipos de cámara integrados en cuatro buques durante doce días para rodar el espectáculo ofrecido por estas maniobras y conseguir asombrosas imágenes de los barcos en alta mar. Estos equipos recibían el apoyo de barcos y helicópteros con cámaras para multiplicar exponencialmente algunas imágenes de la película. A continuación, las secuencias rodadas se fusionaron en el guión. “Por suerte, las maniobras RIMPAC tenían lugar en Hawai, y nos desplazamos hasta allí con Pete y unos equipos de cámara. Fue una semana increíble”, recuerda Alexander Skarsgard. “Pude hablar con el capitán del barco, lo que me sirvió muchísimo. También despegué desde un portaaviones; es espectacular”.

El actor explica cómo Peter Berg integró las escenas rodadas durante las maniobras RIMPAC en la película: “Stone es homenajeado porque el Sampson es el mejor barco entre las decenas de barcos participantes. Stone se siente orgulloso del barco y de la tripulación. Su hermano pequeño es un oficial en otro destructor y le gusta la idea de que ha participado en las maniobras a bordo de otro barco”. Un tercer miembro de la Marina está interpretado por Rihanna, que debuta en la gran pantalla. La ganadora de un Emmy es la dura e inflexible suboficial Cora Raikes, una compañera de Hopper. “Pensé en Rihanna desde el principio”, dice el director. “Tenía el físico Cinemascomics │abril 2012 │

perfecto. Me quedé impresionado con su trabajo como actriz”. La cantante estaba dispuesta a probar suerte en el cine. “No sabía qué papel sería el mío cuando me reuní con Pete”, recuerda. “Leí el guión de un tirón, estaba entusiasmada. Sabía que sería una película con la que disfrutaría como espectadora. Lo que más me gustó de trabajar con Pete fue su energía, su espontaneidad, su sentido de la aventura”. Rihanna entiende que su personaje sea duro: “Raikes se mete con mucha gente. Es uno más de la tripulación, y me gustó explorar esa parte porque siempre me comporté como un chico de pequeña. Está llena de energía en estado puro. Fue la oportunidad de convertirme en alguien totalmente diferente. Me apetecía que el público me viera como Raikes y no como Rihanna”. Peter Berg contrató a una asesora técnica de la Marina que tiene un año menos que Rihanna. Al empezar el rodaje, JACQUELYN CARRIZOSA ya llevaba tres años en la Marina, destinada al portaaviones Ronald Reagan (CVN-76) en San Diego y era ayudante de artillero. El director la vio jugando al fútbol durante el RIMPAC 2010.

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“Quería que Rihanna se diera cuenta de que es posible ser dura, patriótica y fuerte sin dejar de ser femenina y sexy”, dice el director. “Cuando miraba a Jacquelyn, tenía la impresión de que era Raikes. La vi jugar en la Copa de Fútbol RIMPAC y era la única mujer en un equipo de hombres. Estaba llena de tatuajes. Es una marina dura y dedicada. Muy capaz de valerse por sí misma. Pensé que sería un buen ejemplo para Rihanna, y la verdad es que las dos se llevaron muy bien”. Rihanna recuerda su relación con la soldado, que también hace de doble suyo en el partido de fútbol de la Copa RIMPAC: “Jacquelyn y yo siempre estábamos juntas en mi caravana. Escuchaba la misma música que ella e intentaba pensar como ella porque la interpretaba en la película”. Pero Cora Raikes no es la única mujer dura en el guión de los hermanos Hoeber; también está la fisioterapeuta Samantha “Sam” Shane, novia de Hopper e hija de su superior, interpretada por la actriz Brooklyn Decker. “Estaba en Oahu, rodando Sígueme el rollo, cuando me llamaron”, explica la actriz. “Luego me dijeron que necesitaban a alguien más

duro, que era demasiado simpática. Pero volvieron a llamarme y acabé haciendo una prueba para Pete”. “Sabía que era un papel que requería resistencia física”, sigue diciendo. “Peter quería estar seguro de que estaría a la altura. Me interesaba trabajar en la película porque la dirigía Pete. Se le dan muy bien los personajes femeninos; nunca son damiselas en apuros ni débiles. Me gustó que Sam fuera la hija del almirante, con una vena rebelde, fuerte e independiente, y que ayudase a salvar el mundo”. El director explica por qué escogió a Brooklyn Decker: “Es increíblemente madura para sus 23 años. Cuando le di el papel, muchos se preguntaron si la modelo sabía actuar. Van a quedarse muy sorprendidos. Es una mujer inteligente, seria y guapa que se esmera por hacerlo bien. Está estupenda en el papel”. No fue necesario que la actriz pasase una semana a bordo de un barco en alta mar. Se documentó para su papel como fisioterapeuta visitando hospitales y hablando con soldados heridos. “Fui al Centro Médico Tripler en Honowww.cinemascomics.com

lulú y al Intrepid Center en San Antonio”, dice. “Respeto mucho a Pete por su empeño en hacer justicia a las Fuerzas Armadas. Por eso nos apoyaron tanto”. Varios soldados heridos actuaron como figurantes el día que se rodó en el National Intrepid Center of Excellence, un centro de rehabilitación en San Antonio para amputados y quemados. Situado al lado del Centro Médico Brooke del Ejército, en el Fuerte Sam Houston, se construyó especialmente para cuidar a los soldados heridos en Iraq y Afganistán. “En la película, Sam es la terapeuta de Mick, un oficial que sufrió una amputación de las dos piernas. Su amistad crece y se apoyan mutuamente”, explica Brooklyn Decker. “Hablé con los soldados heridos de sus reacciones emocionales, de las etapas postraumáticas a su regreso. Gracias a la tecnología actual, muchos de ellos sobreviven a pesar de haber sufrido amputaciones y heridas inimaginables”. El teniente coronel Mick Canales perdió ambas piernas en Afganistán y lleva una doble prótesis. Sam le ayuda a recuperarse física y emocionalmente. Mientras Hopper está de maniobras, Sam y Mick empiezan la terapia. La fisio lleva al soldado a dar un paseo por las colinas. Pero este sencillo ejercicio se convierte en una pelea para impedir que los alienígenas alcen una torre de comunicaciones que les permitiría pedir refuerzos. El papel de Mick recayó en el coronel del ejército Gregory D. Gadson, un exjugador de fútbol americano cuyas piernas debieron ser amputadas por encima de las rodillas. “Mick tiene heridas con las que puedo identificarme”, explica el coronel. “Soy oficial de artillería. Era jefe de batallón en Iraq y perdí las piernas por culpa de un artefacto explosivo. Pude aportar mi experiencia al papel. Ahí es donde Mick Canales y Greg www.cinemascomics.com

Gadson se unieron”. En sus veinte años como oficial de carrera desde que se licenció en la Academia de West Point, ha luchado en todas las guerras en las que ha participado Estados Unidos (Kuwait, Bosnia-Herzegovina, Afganistán e Iraq). En mayo de 2004 era teniente coronel y encabezaba un batallón de 400 hombres en Bagdad. Fue gravemente herido al regresar de un funeral por dos soldados de otro batallón. Años después, sentado en el plató de BATTLESHIP en el Intrepid Center, el oficial cuenta los detalles de esa terrible noche. “Al volver al cuartel general, el vehículo

pasó encima de una bomba. Salí volando con graves heridas en las piernas. Por suerte, el primer sargento Frederick Johnson me encontró inmediatamente y empezó el procedimiento de reanimación, mientras el soldado Eric Brown me aplicó torniquetes para controlar la hemorragia. Necesité 129 unidades de sangre para sobrevivir”. Después de 22 operaciones y de experimentar con diferentes tipos de prótesis, Greg Gadson explica que ahora lleva piernas de titanio y cómo Peter Berg se enteró de lo que le había pasado: “En enero Cinemascomics │abril 2012 │

Stone y Cora Raikes, y padre de Sam. El famoso actor explica qué le interesó del proyecto: “La piedra angular es el guión, y este era impresionante. Es la prueba de fuego. Cuando leo un guión y llego a la página 78 sin haberme levantado a por un vaso de agua o a hacerme un té, ya está decidido. Me pareció perfecto. Hay acción, aventuras, y los personajes están muy cuidados”. Liam Neeson está acostumbrado a hacer papeles de hombre duro. La estrella de Venganza e Infierno blanco dice: “Rodamos en decorados naturales en Hawai, en Pearl Harbor y en el buque Missouri. No tuve que usar la imaginación, la historia estaba a mi alrededor”. Uno de los momentos más memorables del actor fue cuando rodó una escena clave con el coronel Gadson en el famoso cementerio “Punchbowl”, en Honolulú. “Entrego una medalla al personaje de Greg”, dice Liam Neeson. “Le ayudaron a subir al escenario y vino hacia mí. Su mirada no era la de alguien actuando. Reflejaba todo lo que había vivido, al mismo tiempo que mostraba orgullo, dignidad y fuerza. De pronto, me sentí muy emocionado”.

de 2010, National Geographic publicó un artículo sobre biónica y adelantos en prótesis. Yo estaba probando unas rodillas automatizadas y me fotografiaron vestido de uniforme”. Si el director tuvo alguna duda acerca de trabajar con alguien sin ninguna experiencia, Greg Gadson le tranquilizó de inmediato. “Como teniente coronel, Greg tuvo que actuar delante de cientos de soldados”, dice Peter Berg, “Debía parecer duro para que confiaran en él, y ser un poco como el padre o el tío de los soldados. No tardó en sentirse cómodo en el plató, e incluso en

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disfrutar”. En 2007, mientras se recuperaba en el Walter Reed, el capitán honorífico de los Giants de Nueva York no imaginaba lo que le tenía reservado el futuro: “Nunca pensé que estaría en la línea de banda de los campeones de la Super Bowl”, dice, “ni que me ascendieran a coronel o que me eligieran director del Programa Soldados Heridos. Y menos aún que trabajaría en una película. Solo diré que nunca hay que rendirse, y es lo que he hecho”. Liam Neeson interpreta al almirante Shane, jefe de la flota del Pacífico, el superior de Hopper,

BATTLESHIP es la segunda película de Hollywood para la estrella asiática Tadanobu Asano, que debutó en la taquillera Thor en 2010. Interpreta el homólogo japonés de Hopper, el capitán Yugi Nagata, cuyo barco, el Myoko, es destruido en el ataque alienígena. Se ve obligado a unir sus fuerzas a la tripulación del John Paul Jones. La productora Sarah Aubrey describe al personaje: “Nagata, que cae muy mal a Hopper al principio, se convierte en su mejor aliado durante la gran batalla. Hopper es muy competitivo con los japoneses, tal como se ve en el partido de fútbol. Después del primer choque con los alienígenas, Hopper quiere volver a atawww.cinemascomics.com

carles inmediatamente, y Nagata no cree que sea una buena idea. Pero es un marino valiente y honorable; no quiere dejar a Hopper solo y acaba perdiendo su barco. Nagata y los supervivientes van al barco de Hopper y los dos hombres deben trabajar juntos para vencer a los alienígenas”. Tadanobu Asano dice: “Interpretó a un oficial que lucha junto a un oficial estadounidense, y eso me intrigó. Coincidimos en una convención de oficiales de la Marina con ocasión de las maniobras RIMPAC”. “Nagata y Hopper se conocían antes de la convención”, sigue diciendo. “Hopper cae bien a Nagata, aunque consigue sacarle de quicio a menudo. Yo soy capitán y él es teniente; hay momentos en que le trato con cierta condescendencia. Pero cuando se acerca el enemigo, somos capaces de luchar juntos”. Al igual que el resto del reparto, el actor rodó varias escenas en Pearl Harbor. El lugar hizo que

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“reflexionara sobre lo que ocurrió antaño entre nuestras dos naciones”. Y continúa diciendo: “Sin los hechos históricos, no colaboraríamos en una película como esta. Me duele pensar en todos los que murieron, pero ahora, siendo japonés, puedo trabajar en un ambiente amistoso en Pearl Harbor con un equipo estadounidense, y eso me parece muy significativo”. “Me quito el sombrero ante Tadanobu”, dice Taylor Kitsch. “Fue un placer trabajar con él en las escenas que teníamos juntos. Es un gran actor. Me parece que hace falta mucho valor para venir aquí, aceptar un papel importante en una película de esa envergadura, sin hablar inglés perfectamente. No sé si me iría a trabajar a Japón para que alguien me tradujera las indicaciones del realizador. Pero le salió de maravilla”. Tadanobu Asano le devuelve el cumplido: “Aunque era la segunda vez que trabajaba en una película estadounidense, había muchas cosas que desconocía. Era

como un niño, observaba a mis compañeros para aprender. Estoy muy agradecido a Taylor. Su fuerza y su carisma son palpables, pero también tiene mucho humor y un gran corazón. Si no entendía algo, Taylor me ayudaba. Y cuando rodábamos una escena juntos, si yo hacía un pequeño cambio, se adaptaba inmediatamente”. El actor japonés no fue el único extranjero en un reparto internacional. Excepto Jesse Plemons, ninguno de los actores con papeles clave en los destructores son de Estados Unidos. Taylor Kitsch nació en la Columbia Británica, Canadá; Alexander Skarsgard es sueco, y Rihanna es de Barbados. El tejano Jesse Plemons, que también trabajó en la serie “Friday Night Lights”, es el contramaestre Jimmy “Ordy” Ord, que nunca pensó encontrarse en medio de una batalla naval. Pero el deber le llama y estará a la altura de las circunstancias. El neocelandés John Tui debuta en Hollywood, después de 20 años como actor profesional, en el

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papel del suboficial primero Walter “El animal” Lynch, un técnico de la sala de máquinas. El actor, que nació en las islas Tonga, es otro ejemplo de la universalidad del juego “Batalla naval”. “Hay mucha influencia europea y estadounidense en Nueva Zelanda, y el juego “Batalla naval” es muy popular. Jugué mucho de niño”. En cuanto a civiles, Hamish Linklater es Cal Zapata, el director de proyecto de la estación Saddle Ridge, que debe reunirse con Sam y Mick para impedir que los alienígenas terminen la torre de comunicación. Con los nervios hechos migas, deberá seguir el ejemplo de Mick para completar su misión. Completan el reparto JOJI YOSHIDA como Hiroki, el ingeniero jefe del destructor Myoko; RICO Mc-

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CLINTON como el capitán Brownley; ADAM GODLEY como el Dr. Nogrady, director del proyecto Beacon; JERRY FERRARA como Strodell, un oficial de cubierta, y PETER MacNICOL como el secretario de Defensa.

Siempre con calma: Asesores técnicos y entrenadores Para ayudar al reparto a prepararse, Peter Berg decidió contratar a varios asesores que se dedicaron a poner en forma física y mental a los intérpretes. La soldado de artillería Jacquelyn Carrizosa se encargó de preparar a Rihanna para su exigente papel en BATTLESHIP. De hecho, Rihanna dejó impresionado a todo el mun-

do con su dedicación y disciplina. “Gran parte del entrenamiento consistía en sujetar el arma correctamente”, recuerda Rihanna. “Tuve que aprender a disparar y me gustó. No quería parecer una actriz con un arma disparando no se sabe dónde. Para Pete todo debía ser real, exactamente como si estuviéramos en la Marina. Jacquelyn tuvo mucho que ver con mi actuación en la película”. Durante el rodaje, Jacquelyn Carrizosa tenía el rango de E5, o segundo suboficial. “Manejo todo tipo de armas de fuego, desde revólveres de 9 milímetros, pasando por armas del calibre 50, torpedos, hasta misiles y sistemas VLS”, dice. “También nos ocupamos de las armas de cinco pulgadas que llevan los buques de www.cinemascomics.com

su torre de comunicación. Brooklyn Decker entiende la razón por la que el realizador les animaba a pasar tiempo juntos. “Greg y yo nos hicimos amigos muy deprisa porque debíamos parecer tremendamente vulnerables. Ensayamos y rodamos en las colinas, donde nunca deja de llover. Había barro y muchas pendientes. Las prótesis de Greg resbalaban en el barro y se caía o yo perdía los nervios delante de él, y no tardamos en ayudarnos mutuamente. Me dijo: ‘Cuando bajemos una pendiente, tengo que apoyarme en ti. Tienes que aguantar y retenerme’”. “Hay una escena en la que Sam se pone histérica al ver cuerpos destrozados, coches hechos pedazos y a un alienígena”, explica la actriz. “Mick le da fuerzas. El día que rodamos la escena, no hablamos con el resto del equipo, solo ensayamos. Le dije que me tirara al suelo, que no se cortase. Nos peleamos, pero también nos cuidamos mutuamente”.

guerra como el Missouri”. “Ayudé a Rihanna a sentirse cómoda con el protocolo militar y el manejo de las armas”, sigue diciendo. “Ya había hecho prácticas de tiro antes de que yo llegara, y no estaba asustada. Le enseñé a adoptar la postura correcta, a ponerse firmes y a saludar. Tiene talento, es muy guapa, pero también es inteligente y fuerte”. Al cabo de tres semanas en Hawai, la suboficial regresó a su barco en San Diego. Greg Gadson y Brooklyn Decker se entrenaron de otra forma para luchar contra los alienígenas en el lado este de la isla. Peter Berg los llevó con Hamish Linklater al Rancho Kuala, donde el equipo estuvo tres semanas rodando las escenas en que los alienígenas construyen www.cinemascomics.com

Peter Berg recuerda el primer ensayo antes del rodaje. “Greg nunca había estado delante de una cámara. No se sentía nada cómodo, era un mundo desconocido. Pero se metió de lleno en el papel, sobre todo cuando resbaló. Le ayudamos a levantarse, dio unos pasos y volvió a caerse. Incluso pensé que el golpe le había dañado las piernas. Se quedó muy quieto, y en ese momento pensé: ‘Va a ser un desastre’”.

perder el equilibrio. Según él, andar con la ayuda de un bastón es como estar en el último travesaño de una escalera: “Siempre hay que intentar mantener el equilibrio, como cuando estás arriba de una escalera. Creo que es la mejor formar de describir a un amputado de ambas piernas”. El coordinador de especialistas KEVIN SCOTT recuerda la primera vez que vio una foto de Greg Gadson después de que Peter Berg le diera el papel de Mick. “Me di cuenta de que había sufrido una doble amputación, pero es mucho más que un hombre con dos piernas de titanio. Es un auténtico luchador, una persona fantástica y un magnífico líder. La escena de la lucha con Greg es uno de los momentos más conmovedores de la película. Me aseguré de que fuera un homenaje a las personas que han perdido sus extremidades”. Sigue diciendo: “DAMON CARO, uno de los mejores coreógrafos de cine, vino a echarnos una mano y diseñamos una pelea en la que Greg se sintiera cómodo. Hay un par de movimientos que él mismo sugirió. Puede torcer las piernas de una forma diferente a la habitual. Al terminar el rodaje de la escena, reconoció que no había hecho nada tan físico desde que había perdido las extremidades inferiores. El público verá algo nuevo”.

“Al rato me dijo: ‘Esas cosas pasan cuando no tienes piernas’”, sigue comentando el realizador. “Decidí que debíamos llevarle a la cima de la montaña para ver si aguantaba, si podía moverse en un terreno semejante. Instintivamente, Brooklyn le ayudó a andar. Entonces supe que podía actuar”.

Para asegurarse de que todos los aspectos de la Marina estadounidense fueran lo más exactos posible, Peter Berg le pidió al capitán RICK HOFFMAN que les ayudara como asesor naval. El veterano, que tuvo a su mando dos buques de guerra en sus 28 años de carrera, comprobó cada detalle, desde los diálogos y los decorados, hasta los uniformes y el corte de pelo de los actores.

Las piernas de titanio, a las que el oficial llama “Las de verdad”, soportan su peso, pero es fácil

Rick Hoffman, al que también veremos presidir el Estado Mayor en BATTLESHIP, dice: “Cuando me Cinemascomics │abril 2012 │

entrevisté con Peter por primera vez, me dijo que en una película con tanta fantasía como ésta, las partes de acción real debían ser muy auténticas. Quería usar marinos en activo como figurantes en todas las escenas posibles, y que los actores fueran totalmente convincentes”. Antes de todas las principales escenas rodadas a bordo de un barco, los actores y los figurantes pasaban por lo que acabaron llamando “el campamento del capitán Rick”. Nadie les gritaba ni obligaba a hacer flexiones, pero se familiarizaban con lo que les esperaba a bordo del barco y con el comportamiento de los marinos. Asimismo, era la ocasión para que el reparto y los figurantes militares se conocieran mientras ensayaban juntos. El trabajo del oficial también incluía colaborar con el equipo técnico. “Tuve la oportunidad

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de trabajar con decoradores, atrezistas y diseñadores de mucho talento”, dice. “Añadimos pequeños detalles, como mapas, binoculares u otros objetos de ese tipo para crear un ambiente más realista. Siempre que podía, intentaba pedir la opinión de los marinos. Ellos saben mucho mejor que yo lo que es ‘auténtico’ en un barco”.

La vieja dama gris: Rodar en un auténtico buque de guerra El rodaje en los enormes decorados de BATTLESHIP empezó en Oahu. Era la segunda vez que Peter Berg rodaba en Hawai, después de la taquillera El tesoro del Amazonas. Fueron muchas las razones por las que se escogió Hawai como telón de fondo para la película, pero el productor Scott Stuber saca a relucir el importante papel que las

islas tuvieron en la II Guerra Mundial: “Decidimos que la historia transcurriría en Pearl Harbor en honor a las referencias históricas. Incluso dimos papeles a veteranos de la Marina que estuvieron en la II Guerra Mundial y usamos el icónico barco Missouri”. El productor también habla de la colaboración actual entre Japón y Estados Unidos: “Cada año, las maniobras RIMPAC nos recuerdan lo mucho que hemos avanzado. En BATTLESHIP vemos a soldados japoneses y estadounidenses luchando juntos contra un enemigo común”.

Un campo de fútbol en el mar El equipo de cámara rodó muchos metros de película a bordo de barcos de la Marina. Parece asombroso que la Marina autorizara al equipo técnico rodar en cinco destructores, dándoles la oportunidad de visitar barcos en puerto y en alta mar, y observar la www.cinemascomics.com

vida que llevan los hombres y las mujeres a bordo de esos barcos. El productor Duncan Henderson y su colega, el coproductor TODD ARNOW, se encargaron de llevar a un equipo de doscientas personas, entre actores y técnicos, a alta mar para una semana nada más empezar el rodaje. “Buscamos localizaciones en Australia, pero decidimos quedarnos en Hawai”, explica. “Era mucho más realista. También hablamos de la posibilidad de trabajar en un tanque de agua para las escenas en el mar. Pero en Hawai, podíamos salir a alta mar y eso cambió radicalmente el aspecto de la película. Pete no habría conseguido unas imágenes tan espectaculares trabajando en un tanque”. Entre las escenas rodadas en el Pacífico, a un kilómetro y medio de la costa de Oahu, está el momento crucial en que Hopper y su tripulación, en un barco inflable rígido, dan vueltas alrededor de un misterioso objeto flotante. De hecho, no todas las escenas rodadas en alta mar se filmaron de forma consecutiva. La filmación durante las maniobras RIMPAC se realizó antes del comienzo oficial del rodaje; el trabajo en el Missouri, durante las fechas oficiales de rodaje, y dos días adicionales en el portaaviones Lincoln, en pleno posrodaje.

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En los últimos veinte años, Duncan Henderson y Todd Arnow han ayudado a crear diez largometrajes, de los cuales varios eran historias que transcurrían en el mar (Poseidón, La tormenta perfecta y Master and Commander: Al otro lado del mundo, entre otros). No se trataba de dos novatos enfrentándose a un rodaje en medio del océano, y por eso decidieron proponer algo que no habían probado antes. Se les ocurrió alquilar una enorme barcaza casi del tamaño de un campo de fútbol y zarpar con ella. Eso permitiría a Peter Berg y al director de fotografía Tobias Schliessler diseñar escenas en una punta de la barcaza, con el océano de telón de fondo. El oscarizado supervisor de efectos especiales Burt Dalton construyó un mecanismo de 63 toneladas que simulaba una parte de la nave alienígena hundiéndose en el agua. En el otro lado, el equipo pudo almacenar los vehículos y el equipo necesario para una semana de trabajo. El plató flotante se quedó anclado al lado de la costa durante una semana. Una pequeña flota de barcas a motor llevaba a los actores y a los técnicos al decorado o a tierra. Hablando de la ingeniosa idea, Duncan Henderson dice: “Fue

perfecto porque usamos la parte frontal de la barcaza como plató y la parte trasera para guardar todo lo que necesitábamos para el rodaje. También debo reconocer que tuvimos suerte; no había oleaje y no llovió porque rodamos en la época más seca”. Una vez terminada la filmación en la barcaza, el equipo se desplazó a Pearl Harbor, la histórica base naval donde trabajan y viven 12.000 marinos, además de otros 8.000 miembros de las Fuerzas Aéreas en la vecina Base Hickam. El buque Arizona, uno de los acorazados atacados por los japoneses el 7 de diciembre de 1941, recibe cada año miles de visitas de turistas. Al hundirse el barco, perfectamente visible en el muelle, perecieron 1.177 marinos estadounidenses.

El rodaje en Louisiana La tercera semana de octubre de 2010, el equipo al completo se despidió de Hawai después de dos meses de trabajo y se trasladó a Baton Rouge, Louisiana, donde pasarían los dos meses siguientes rodando interiores en cuatro platós situados en los estudios Raleigh del Celtic Media Centre. La nueva instalación, inaugurada en 2007, ocupa una superficie de 13.500 metros cuadrados repartidos entre ocho platós y está a menos de 16 kilómetros del cen-

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tro de Baton Rouge, a orillas del Mississippi. Gracias a esta situación, los productores tenían acceso a otro barco de importancia histórica. El Kidd (DD-661), ahora convertido en museo flotante en el Mississippi, es un destructor tipo Fletcher botado en 1943 y cuyo nombre hace referencia al primer oficial de la Marina en perder la vida en la II Guerra Mundial, el contraalmirante Isaac C. Kidd. El barco nunca se modernizó y es el único que ha mantenido el aspecto de los destructores usados en la II Guerra Mundial. El atracadero fue diseñado especialmente, ya que debido a los cambios anuales en la profundidad del río, el barco flota la mitad del año y la otra mitad está como en dique

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seco. No hay ninguna base naval cerca de Baton Rouge, y Peter Berg le pidió a Rick Hoffman que contratara extras en la Mayport Naval Station de Florida. “Fui a Mayport al salir de Hawai y antes de llegar a Baton Rouge”, recuerda el capitán. “Hablé con el capitán de mi antiguo barco y no tardamos en reunir a unos cuantos voluntarios dispuestos a tomarse vacaciones y venir a echarnos una mano”.

construir los decorados que simularían los interiores del John Paul Jones.

Todos a cubierta: La construcción de los decorados

Para documentarse, el diseñador de producción visitó uno de los destructores de última generación de la Marina, el Chung-Hoon, con el director artístico y experto en barcos WILLIAM LADD SKINNER, que trabajó en las dos primeras entregas de Piratas del Caribe y fue el diseñador de producción de

Meses antes de que el equipo llegara a Louisiana, el diseñador de producción Neil Spisak, el departamento artístico y un buen número de carpinteros empezaron a

“Obviamente, es preferible rodar todo lo que se pueda en barcos auténticos”, dice Neil Spisak, que vuelve a trabajar con Peter Berg después de Hancock. “Por muy bueno que sea el decorado, la realidad aporta algo más, pero hemos intentado ser lo más fieles posible a los barcos”.

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U-571. Neil Spisak recreó una estructura de acero en el plató 5. “Nos tomamos ciertas libertades con el interior de los barcos”, dice. “Por ejemplo, visité la sala de máquinas donde todo era de color blanco. La nuestra era gris; así, si queríamos dar una nota de alegría, la iluminábamos, pero si queríamos melancolía, la oscurecíamos un poco”.

fue retirar las cajas de protección de los motores para revelar la impecable maquinaria.

Aparte del color, la sala de máquinas es una réplica exacta de la que se encuentra en destructores actuales, con motores de propulsión a reacción fabricados por Rolls-Royce y sistemas eléctricos diseñados por General Electric. Otra de las libertades que se tomó el departamento artístico

Hablando de otro decorado clave, Neil Spisak dice: “El capitán suele estar en el Centro de Información de Combate (CIC) o en el puente. Para no perder dramatismo, era necesario que se viera lo que ocurría en el mar desde el puente. Fue todo un reto diseñar puentes adecuados para ambos tipos de

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“Todo lo que se ve en el decorado está en la sala de máquinas de un destructor”, recalca el diseñador de producción. “Solo lo hemos ensanchado un poco para las escenas de acción. Por ejemplo, la brutal pelea entre el jefe de maquinas y un alienígena”.

naves, humanas y alienígenas”. “En el destructor lucha desde el CIC, que equivale al centro nervioso del barco y está situado debajo de cubierta. Desde allí es posible controlar todas las maniobras defensivas y ofensivas así como los lanzamientos de misiles. La batalla contra los extraterrestres se lleva a cabo desde el CIC en coordinación con el puente. En BATTLESHIP, más que en cualquier otra película actual, se verá el funcionamiento de un destructor. Estamos muy orgullosos de haber conseguido unos decorados tan realistas”. El diseñador de producción explica el funcionamiento de un mecanismo de cardán con control remoto. “Los puentes de los barcos Cinemascomics │abril 2012 │ 95

aparecen en las secuencias de más acción. Para obtener los efectos deseados colocamos el puente en una plataforma móvil. El cardán nos permitía inclinarlo, moverlo de acuerdo con la fuerza de las olas. Era un mecanismo bastante caro y buscamos la forma de que un decorado sirviera para varias escenas”. La solución fue construir un enorme decorado con el puente. Ocupaba todo el plató nº 7, pero se usó, mediante unos cambios puntuales, para los puentes de tres barcos, el Sampson, el Myoko y el John Paul Jones. Hablando del decorado, el diseñador dice: “Hay que tener

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en cuenta que el cardán es una plataforma que se mueve. Todo debía estar atornillado para que no volara por los aires. Es más, construimos un cardán que se acoplaba a las medidas del puente, no al revés. El puente tiene las mismas medidas que el de un destructor”. El diseño del cardán recayó en el supervisor de efectos especiales Burt Dalton. Para emular el cabeceo y balanceo del barco en alta mar, el cardán fue construido artesanalmente. La estructura de acero pesa seis toneladas, mide 21 por 9 metros y se eleva a 2,4 metros del suelo. “Está controlado por ordenador

y es sumamente resistente”, explica Burt Dalton. “Nos permitía hacer lo que queríamos, desde movimientos sutiles a golpes de mar. El diseño no tenía nada que ver con otros cardanes. Debía estar muy cerca del suelo, pero no podíamos bajar más por si la pantalla verde se reflejaba en los cristales o en las caras de los actores, por eso escogimos un sistema en V invertida”. Añade que el cardán “da mucho realismo a las escenas ya que el barco se mueve como si estuviera en alta mar. Pero hay dos o tres ocasiones realmente extremas, por ejemplo, cuando una nave es sacudida por explosiones o se rompen todos los cristales en el www.cinemascomics.com

Sampson. Hicimos explotar los cristales y sacudimos el decorado. Si hacía falta, podíamos parar el cardán de golpe para que la gente se cayera, o si el barco se hundía, inclinar el mecanismo”.

Alienígenas, Stingers y trituradores: Los invasores y sus armas Los productores estaban decididos a ofrecer un espectáculo incomparable a los espectadores. Bennett Schneir dice: “Verán aviones, barcos, alienígenas, trituradores y todo lo demás. Verán el juego “Batalla naval” cobrando vida delante de sus ojos. Y en el centro de todo esto, verán una historia acerca de un puñado de www.cinemascomics.com

seres humanos que luchan contra toda probabilidad de supervivencia”. Los genios de Industrial Light & Magic (ILM), bajo la supervisión de Grady Cofer y Pablo Helman, se ocuparon de crear las probabilidades. “Nos esforzamos en diseñar los alienígenas para que fueran similares a nosotros”, explica Sarah Aubrey. “Somos diferentes, pero al pertenecer a mundos paralelos, necesitan los mismos recursos que nosotros y pueden vivir en el mismo ambiente. Pete siempre quiso que algunos alienígenas tuvieran personalidad propia para que el público pudiera diferenciarlos”.

El productor Scott Stuber reconoce que se quedó sorprendido ante el aspecto intimidante de los alienígenas, así como el de sus enormes naves y armas intergalácticas. “ILM siempre son los primeros en aportar nuevas ideas”, dice. “Llevo años trabajando con ellos, y siempre consiguen asombrarme con sus increíbles diseños”. Burt Dalton, el supervisor de efectos especiales, trabajó con el departamento de efectos visuales en las secuencias que incluían un aparato único, el triturador. “Presentamos a toda una flota alienígena en la película”, dice Peter Berg. “Los mejores cerebros de ILM diseñaron estas naves y consCinemascomics │abril 2012 │ 97

truyeron los modelos 3D para decidir qué tipo de armas debían llevar. Los combates en el mar entre esas naves y los destructores tipo Aegis son impresionantes. También hemos creado unas armas alienígenas muy especiales entre las que se encuentra el triturador. Está programado para destruir todo lo que encuentra en su camino”. Pablo Helman describe el arma: “Tiene unos tres metros de diámetro y una esfera que tritura todo lo que se le pone por delante. Es enorme, con cuchillas y todo tipo de artilugios para cortar metal, cemento, lo que sea”. “Pete nos pidió que pensáramos en un arma diabólica para los alienígenas”, explica la productora Sarah Aubrey. “Y lo primero que se nos ocurrió fue un tritu-

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rador. Imaginen un mecanismo circular con sierras mecánicas metidas en una enorme bola de la altura de una habitación que gira como un derviche y puede hundirse en la tierra con la misma facilidad que corta un camión de 18 ruedas”. El triturador aparece en varias ocasiones. Burt Dalton dice: “En la mayoría de las escenas son efectos digitales; podíamos hacer muy poco en un decorado, va más allá de la física de Newton. Por ejemplo, en una escena, el triturador persigue a Ordy por un pasillo del barco, pero era imposible destruir el pasillo porque necesitábamos hacer más tomas”. En otra secuencia, el aparato levanta una carretera, devora un poste y varios coches antes de cortar un autobús por la mitad.

“Construimos un autobús en tres secciones”, explica Burt Dalton. “El autobús estaba atado a un trinquete, un mecanismo de cable que nos permitía arrastrar el vehículo a 25 o 30 kilómetros por hora. Cuando el triturador ataca, accionamos las cargas colocadas debajo de placas de acero de medio centímetro de espesor, y el autobús se parte por la mitad. Lo único malo es que el especialista al volante tuvo que aguantar las explosiones”. “El triturador sale disparado de una nave alienígena, se dirige a la costa y aterriza en la carretera”, añade Pablo Helman, de ILM, que trabajó con Burt Dalton. Se tardó una semana en rodar la secuencia. Y sigue diciendo: “No era una carretera de verdad, solo un trozo de asfalto rodeado de una pantalla verde, lo que nos www.cinemascomics.com

proporcionaba mucha libertad. Volamos autobuses, hormigoneras y coches. Esa es la parte que más me gusta. Los mejores planos son los que reúnen efectos prácticos, trabajo con miniaturas y efectos digitales”.

diseño: “Desarrollamos los Stingers, las naves alienígenas que se esconden bajo el agua, y Pete planteó la posibilidad de que pudieran saltar en el aire. La idea nos intrigó y decidimos intentarlo”.

Una de las ideas de ILM tuvo que ver con el aspecto y movimiento de las naves de los invasores, los Stingers. “La idea inicial para esas naves fue un chinche de agua”, explica el realizador. “Se mueven como si embistieran, con la espalda curvada y la cabeza hacia abajo, pero son capaces de flotar o posarse en el agua como chinches. Me gustó la idea de que hubiera movimientos inesperados, opuestos a como esperamos que un barco se mueva en el agua”.

“Hicimos una prueba simulando una batalla entre un destructor y un Stinger, con la nave alienígena dando brincos para defenderse y atacar”, sigue diciendo. “Era impresionante, el rasgo más interesante de la nave”.

Grady Cofer, de ILM, habla del www.cinemascomics.com

Pero añade que los alienígenas, los trituradores o las naves no plantearon los mayores problemas: “BATTLESHIP va muy lejos en cuanto a simulación de líquidos. Hay movimientos de agua muy complicados en la película: olas de superficie, olas que salpican y se rompen, vapor, gotas

y espuma. Tuvimos que volver a pensar en cómo enfrentarnos a simulaciones en aguas profundas”. ILM trabajó durante un año después de finalizado el rodaje antes de las navidades de 2010. “Pete tenía muy claro qué oleaje quería, a qué velocidad debían moverse las naves. Tiene experiencia en barcos y sabe cómo se mueven en alta mar. Un barco de este tamaño desplaza el agua cuando se encuentra con una ola”. Para documentarse acerca del desplazamiento del agua, Grady Cofer dice que “el equipo rodó muchos metros de película para ver cómo se mueven estos enormes barcos en un mar agitado. La forma en que se balancean es asombrosa. Desde luego, es algo que se nota cuando se está a bordo de uno”. Cinemascomics │abril 2012 │

Estreno

Los juegos del hambre

20 de abril

Todos los años en las ruinas de lo que era una vez América del Norte, la nación de Panem obliga a cada uno de sus doce distritos a enviar a un chico y a una chica, adolescentes, para competir en Los juegos del hambre. En parte es un entretenimiento rebuscado y en parte es una táctica de intimidación por parte del gobierno. Los juegos del hambre es un evento televisado nacionalmente en el cual los “Tributos” tienen que luchar entre ellos hasta quedar solamente un superviviente. Enfrentada con los bien entrenados “Tributos” quienes llevan toda la vida preparándose para estos juegos, Katniss se ve obligada a recurrir a sus agudos instintos, así como a la tutoría de Haymitch Abernathy, un antiguo campeón ahora alcohólico. Si quiere volver a casa en el Distrito 12, Katniss tendrá que tomar unas decisiones imposibles en La Arena que sopesan la supervivencia frente a la humanidad y la vida frente al amor.

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Los Juegos del hambre está dirigida por Gary Ross, con el guión de Gary Ross y Suzanne Collins y Billy Ray, y producida por Color Force, de Nina Jacobson, junto con el productor Jon Kilik. La exitosa novela de Suzanne Collins es la primera parte de una trilogía, publicada por la editorial Scholastic, que tiene más de 12 millones de copias impresas tan solo en los Estados Unidos y tiene un número enorme de seguidores en todo el mundo. Desde su publicación en septiembre de 2008, y hasta la fecha, lleva más de tres años consecutivos en la lista de las novelas más vendidas del New York Times. Asimismo, ha aparecido continuamente en las listas de los best seller de USA Today y Publishers Weekly. En España, las novelas han sido publicadas por la editorial Molino. Más información en: www.losjuegosdelhambre-es.com

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Estreno 27 de abril

Llega “MARVEL “LOS VENGADORES”” de Marvel Studios, en asociación con Paramount Pictures, la película más esperada del año. Los icónicos Superhéroes de Marvel, Iron Man, el Increíble Hulk, Thor, Capitán América, Ojo de Halcón y La Viuda Negra se incorporan a la acción cuando Nick Furia, Director de S.H.I.E.L.D., la agencia internacional de mantenimiento de la paz, inicia una operación de reclutamiento a escala mundial para reunir al equipo de “Los Vengadores” con el fin de derrotar a un enemigo inesperado que amenaza la seguridad y la supervivencia del planeta. A pesar de reunir al dream team por antonomasia, Nick Furia y su confidente de siempre, el Agente Coulson, tiene que encontrar la forma de convencer a los Superhéroes para que trabajen juntos y no unos contra otros, cuando el poderoso y peligroso Loki se hace con el Cubo Cósmico y su ilimitado poder.

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Protagonizada por Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner y Tom Hiddleston, con Stellan Skarsgård y Samuel L. Jackson como Nick Furia, y dirigida por Joss Whedon, MARVEL: LOS VENGADORES está basada en la popularísima serie de cómics de Marvel “Los Vengadores” que se publicó por primera vez en 1963 y que se convirtió desde entonces en una auténtica institución de este género. Clark Gregg y Cobie Smulders también se incorporan al magnífico reparto al reunir por primera vez en la gran pantalla a los Superhéroes más poderosos del mundo. El equipo de producción creativa del director Joss Whedon incluye al director de fotografía nominado al Oscar, Seamus McGarvey

(“Atonement” [Expiación]), al diseñador de producción James Chinlund (“25th Hour” [La última noche]), a la diseñadora de vestuario ganadora de un Oscar® Alexandra Byrne (“Elizabeth: The Golden Age” [Elisabeth: la Edad de Oro]), al supervisor de efectos visuales ganador de un Oscar® Janek Sirrs (“Iron Man 2”, “The Matrix”), al supervisor de efectos especiales con cuatro nominaciones a los Oscar® Dan Sudick (“Iron Man”, “War of the Worlds” [La guerra de los mundos]) y a los montadores Jeffrey Ford (“Crazy Heart” [Corazón rebelde]) y Lisa Lassek (“The Cabin in the Woods”). MARVEL: LOS VENGADORES está producida por Kevin Feige, Presidente de Marvel Studios. Sus productores ejecutivos son Alan Fine, Jon Favreau, Stan Lee, Louis D’Esposito, Patricia Whitcher, Vic-

toria Alonso y Jeremy Latcham. La historia es de Zak Penn y Joss Whedon, y el guión adaptado es obra de Joss Whedon.

¡VENGADORES, REUNÍOS! Tras el exitoso lanzamiento de la franquicia de “Iron Man” en 2008, se empezó a vislumbrar lo que sería la nueva y más ambiciosa franquicia de Marvel hasta la fecha. Se trataba de reunir a los famosos personajes en una película de “Los Vengadores”, el Santo Grial del Universo Marvel. La idea de “Los Vengadores” salió por primera vez a la luz durante el rodaje de “Iron Man”. Al productor Kevin Feige se le ocurrió que S.H.I.E.L.D. podría formar parte de “Iron Man” y de “The Incredible Hulk” (El increíble Hulk). “Empezamos buscando en la lista

Romita Jr. Avengers de 1963 a la dcha. versión de John A la izda. portada original del N. 1 de The

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de personajes del Universo Marvel Universe utilizada en otros estudios: Iron Man, Hulk, Capitán América, Thor, Ojo de Halcón y la Viuda Negra”, cuenta Feige. “Me pareció muy interesante. De hecho todos los personajes conforman una de las series de cómics más populares del mundo, ‘Los Vengadores”’. “Cuando surgió la idea de hacer un cameo con Nick Furia, llamamos a Sam Jackson y le pareció una idea genial”, continúa diciendo Feige. “Su entusiasmo fue lo que nos llevó a crear esa escena de créditos finales y lo que dice Tony Stark en la escena, ‘Formas parte de un universo más grande, algo que no conoces todavía’. Marvel también se estaba dirigiendo al público en esa frase”. El productor añade: “Al público le encantó el cameo y empezaron a hablar de Nick Furia. Lo volvimos a hacer dos meses después en ‘El Increíble Hulk’ y cuando vimos la reacción comprendimos que la idea de ‘“Los Vengadores”’ iba a funcionar. A partir de entonces nuestro plan fue construir un Superhéroe cada vez porque era muy importante presentar primero a los personajes en sus propias franquicias antes de que se reunieran todos en ‘“Los Vengadores”’. Además, en ‘Thor’ y en ‘Capitán América’ contratamos a realizadores que estuvieran abiertos a la idea de que estaban jugando en un mismo patio de recreo”. Stan Lee y Jack Kirby fueron los creadores de “Los Vengadores” que se publicó por primera vez en septiembre de 1963. El reparto original de “Los Vengadores” está formado por Iron Man, Thor, Hulk, el Hombre Hormiga y la Avispa. El Capitán América se incorporó al equipo en la cuarta entrega, después de que le revivieran tras estar atrapado en un bloque de hielo. Para Stan Lee, ver que muchos de sus personajes siguen siendo tan populares es la prueba de la www.cinemascomics.com

permanencia del Universo Marvel que él contribuyó a crear en los últimos 50 años. “Creo que una de las razones por las que los personajes de Marvel han tenido tan éxito es que cuando los creamos intentamos dotarles de personajes complejos con problemáticas personales para que la gente se interesara en ellos aunque no tuvieran superpoderes”, explica Stan Lee. “En otras, palabras, intentamos que nuestros héroes y heroínas fueran tridimensionales, gente interesante.” Lee añade: “A veces la gente comete el error de concentrarse sólo en el superpoder en vez de en la persona real que se esconde en debajo del disfraz. Todos los personajes de “Los Vengadores”

tienen una historia personal interesantes además de su misión de salvar al mundo.” Durante décadas, los maravillosos personajes de Lee y Jack Kirby han hecho las delicias de los lectores de Marvel. Pero el problema fue que los realizadores de “Thor” y “Capitán América: “El primer Vengador”, todavía estaban montando y presentando ambas películas durante la preproducción y el rodaje de “Los Vengadores”. “Confiábamos muchísimo en el rumbo que habíamos tomado, pero dos de los cuatro personajes todavía no se habían dado a conocer al público así que en cierto modo fue un acto de fe”, dice Kevin Feige. “Una parte importante Cinemascomics │abril 2012 │105

del rompecabezas era presentar tanto a ‘Thor’ como al ‘Capitán América’ en historias independientes con principios y finales muy distintos que encajaran bien en el argumento de ‘Los Vengadores’.” A los realizadores de “Thor” y “Capitán América. El primer Vengador” el plan les salió a la perfección: Fueron éxitos de taquilla durante el verano y abrieron camino para que ““Los Vengadores”” llegaran a la gran pantalla.

DIRIGIR “LOS VENGADORES”: JOSS WHEDON “Cuando corrimos la voz de que buscábamos directores, Josh Whedon se presentó y dijo que estaba muy interesado”, recuerda Kevin Feige. “Conozco a Joss desde 2001 y le dije que una de las cosas más importantes de ‘Los Vengadores’ era que tenía que ser una película en sí misma. La gente no necesitaba haber visto las otras cintas de Marvel para comprenderla”.

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El productor continúa diciendo: “El talento de Josh Whedon reside en haber cogido todos esos elementos tan importantes y ha logrado un equilibrio perfecto de forma que los personajes no desaparecen entre el espectáculo y los efectos visuales. Queríamos que los escenarios y la acción de la película fueran impresionantes pero no queríamos que la espectacularidad de las imágenes dejara en un segundo plano al humor y al interés de la historia. Es apasionante ver a Tony Stark y Steve Rogers juntos y cómo reacciona Tony ante Thor y ver a Nick Furia por primera vez en su propia salsa. Queríamos que la dinámica de esas relaciones fuera el núcleo de la película. Y nos pareció que Joss podía ahondar en el desarrollo de los personajes tanto como en la acción de la cinta”. Joss Whedon (“Buffy the Vampire Slayer [Buffy la cazavampiros],” “Serenity”) explica lo que despertó su interés: “Soy un fan de lo que ha creado Marvel. Las películas que han estrenado son

tremendamente informativas, útiles y divertidas, pero cuando me plantearon dirigirla, ‘Thor’ y ‘Capitán América’ ni siquiera estaban terminadas. Así que les pregunté cómo iban a lograr que

“Mi estilo visual de director viene de los cómics. Mi forma de entender el argumento visual proviene de las tiras cómicas que leía incansablemente cuando era niño. Me gustaban más que las películas”. Joss Whedon, Director todas esas piezas encajaran. Parecía muy difícil que Iron Man, Hulk, Thor y Capitán América coexistieran. Pero eso fue lo que más me gustó y me llevó a aceptar el proyecto”, dice Whedon. “Esa gente no pega nada, pero en cuanto comprendí la dinámica,

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me di cuenta que podía aportar algo.” “Hemos conseguido atraer a directores de inmenso talento y también a los mejores técnicos de la industria. El resultado ha sido películas grandiosas con argumentos y personajes interesantes que hacen las delicias del público”, dice el productor Kevin Feige. “Y logramos que esto ocurrieran también en ‘Los Vengadores’ al contratar a Joss Whedon, un realizador de gran talento que no sólo podía dirigir la película sino también desarrollar una historia y un guión interesantes”. El actor Robert Downey Jr., que interpreta a Tony Stark/Iron Man afirma, “Aparte del reparto, lo que Marvel hace mejor es escoger a los directores más idóneos. Escribir el guión de ‘Los Vengadores’ es una tarea mucho más precisa porque es un pieza de la maquinaria más compleja, donde tienes que hacer interactuar a ocho personajes que son muy diferentes y hacer que funcione”.

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“Mientras escribía el guión pasé tiempo con los miembros del reparto, así que sabían que estaba creando sus personajes fijándome en ellos”, explica Whedon. “A medida que avanzábamos, les mostraba mis ideas y les decía cómo debían interpretar sus papeles. Les preguntaba si querían quitar algo. Si les parecía que el personaje necesitaba algo. Qué deseos tenían. Todos los miembros del reparto aportaron algo. Así que el guión tiene mucho de colaboración desde el principio y estoy convencido que ha ayudado a dar el tono exacto a la película. Mi lema siempre ha sido: ‘Yo sé exactamente lo que quiero y si tú me dices lo que quieres, podemos hacer ambas cosas’”. Para los realizadores, desarrollar el guión supuso un nuevo desafío ya que tenían que basarse más en el universo cinemático de Marvel que en el universo de los cómics de Marvel que comprendía 500 entregas de “Los Vengadores” publicadas en los últimos 48 años.

“Encontrar qué material se adaptaba mejor al guión de ‘Los Vengadores’ supuso otro reto”, explica Jeremy Latcham, productor ejecutivo. “En las películas anteriores pudimos basarnos en los cómics como trampolín, pero en el caso de ‘Los Vengadores’, decidimos ver qué había sucedido en nuestras películas anteriores. Se trataba de ver cómo podíamos amortizar el universo cinematográfico que habíamos creado. ¿De qué forma podíamos dar a los fans de las películas lo que querían sin menospreciar lo que querían los fans de los cómics?” “Marvel tenía una idea muy clara sobre el guión y la estructura de la película”, dice Joss Whedon. “Para mí fue genial porque me proporcionó un punto de partida”. El director añade: “El espectáculo tienes que crearlo tú para que encaje en el conjunto. No puedes limitarte a añadirlo sin más. Me gusta crear acción y hacerlo de forma muy detallada. Al principio Cinemascomics │abril 2012 │ 107

del proceso me hago la siguiente pregunta: ‘¿Quién es esta gente y que hace que sean unos inadaptados?’ ‘¿Qué dificultad tienen para estar juntos y hasta qué punto eso les salva de sí mismos?’” En la película, Nick Furia, director de S.H.I.E.L.D., debe reunir a su equipo de Vengadores al descubrir que el mundo podría estar en peligro. Kevin Feige explica cómo se ha introducido S.H.I.E.L.D. en la película: “Hasta este momento, en las películas anteriores de Marvel, S.H.I.E.L.D. sólo era una organización a la sombra que aparecía alguna vez para dar consejos y que volvía a esconderse. En esta película, ves el mundo a través de los ojos de S.H.I.E.L.D. Así que es la primera vez que el público sabrá que esta gran organización tiene muchísimos recursos, equipos y se le ha encargado la tarea de mantener el mundo a salvo.” El productor continúa diciendo: “Al principio de la película, ve-

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mos cómo están supervisando un experimento con el Cubo Cósmico, también conocido como el Tesseract, del que no sabemos gran cosa. Así que están trabajando en eso y algo sale muy mal. Eso provoca muchos males en nuestro mundo. Así que te preguntas: ¿Si una organización como S.H.I.E.L.D no puede hacer frente a este problema, quién más puede hacerlo? Y es en ese preciso momento cuando Nick Furia se da cuenta de que tiene que coger el teléfono y empezar a reunir a un equipo de Vengadores”. Pero con lo que no cuentan Nick Furia y S.H.I.E.L.D. es con lo difícil que es formar un grupo de Superhéroes que trabaje como un equipo. “Las consecuencias de los acontecimientos que ocurren en la primera parte de esta película son tan enormes que Nick Furia se da cuenta que ‘Los Vengadores’ deben reunirse a pesar de lo que digan el Consejo de Seguridad Mundial u otras fuerzas fue-

ra de S.H.I.E.L.D.”, explica Louis D’Esposito, productor ejecutivo. “Sabe que es una medida desesperada, pero tiene que tomarla si quiere salvar el mundo. Para desgracia de Nick Furia, formar un equipo de Superhéroes no es tan fácil como parece. Tiene medios para convocar al Agente Coulson o a Natasha Romanoff, pero el problema reside en cómo tenerlos a todos juntos en la misma habitación.” Esta dinámica fue uno de los muchos desafíos a los que se enfrentaron los realizadores a la hora de desarrollar un guión que abarcara ocho personajes, porque todos ellos tienen una gran personalidad y cuatro ya han tenido sus propias franquicias individuales. Con tantos personajes y tantos mundos chocando, mantener la homogeneidad de la historia y del guión era esencial para el equipo de realización. “Una de las cosas que siempre intentamos transmitir en las películas de Marvel es que los actos www.cinemascomics.com

tienen consecuencias en el mundo real”, dice D’Esposito. “Por eso, en la secuencia de apertura de la película es muy importante que el público vea que los acontecimientos que van ocurriendo tienen consecuencias en el mundo real y que esto afecta a Nick Furia porque si no dejas eso claro el resto del concepto no vale nada”. “Los tonos de nuestras películas son muy diferentes, pero todos tienen esos elementos clásicos de Marvel: objetos que cumplir, acción, aventura y retos cada vez mayores”, afirma el productor Kevin Feige. “Lo que más me gustó del guión de Joss Whedon fue que todas esas personalidades tan arrolladoras interactúan juntas. Es cierto que la película tiene momentos espectaculares, pero son esos momentos de interacción que hay en el guión los que más impactan en el público porque a veces están de acuerdo entre ellos y otras no y no están tan dispuestos a compartir los juguetes.”

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“Cuando terminé de escribir el guión, me pareció que la historia era original”, dice el director Whedon. “Tienes que ver cómo esos personajes se reúnen para formar ‘“Los Vengadores”’ a pesar de sí mismos y de todas las fuerzas que intentan impedir que esto ocurra. A pesar de que la historia tiene muchos personales, todos tienen momentos y escenas en las que pueden brillar con luz propia.”

“LOS VENGADORES” SE REÚNEN! El undécimo día del calendario del rodaje se reunió el a todo el reparto de ““Los Vengadores”” por primera vez para rodar una escena en la que Nick Furia les comunica por qué les ha hecho venir. Ver a todo el reparto junto fue un momento inolvidable para los realizadores, que durante años habían estado dando forma al Universo Marvel para que este equipo de Superhéroes de Marvel estuvieran todos juntos en un plató.

“Ver a todos juntos por primera vez fue un momento muy especial”, dice el productor Kevin Feige. “’”Los Vengadores”’ es un hito de los cómics de Marvel y llevarlos a la gran pantalla es una auténtica hazaña. Todo el reparto lo comprendió y estaba tremendamente emocionado. Cuando miraba el monitor no podía dar crédito a lo que estaba viendo”. “No hubo muchos días en los que el reparto estuviera al completo en un plató y al mismo tiempo”, añade la productora ejecutiva Patricia Whitcher. “Pero el día que todos recuerdan es el primer día en que todos estuvieron juntos en el Helicarrier. La energía que había en la sala era eléctrica. Después de la primera escena, todos los que estaban en el plató se quedaron quietos, se miraron unos a otros y empezaron a aplaudir. En un día como ese te sientes privilegiado por trabajar en este negocio”. Mark Ruffalo miró a los Superhéroes que estaban alrededor

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vestidos con sus supertrajes y le pareció natural sentir la misma inquietud que Banner sentía en el grupo. “Voy vestido con un traje muy desaliñado que habíamos comprado en una tienda de saldos. Y a mi alrededor tenía a todos esos humanos impecables. Así que no sabía muy bien lo que estaba haciendo allí”, dice riendo Mark Ruffalo. “Sentí unos extraños celos al ver los fantásticos trajes que llevaban en esos cuerpos de infarto. Me pidieron imperativamente que no tuviera músculos para el papel, así que estaba raquítico. Me habría encantado tener un traje fantástico y ser parte del equipo. Y eso es

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exactamente lo que sentía Bruce Banner”. Aparte de las inseguridades de vestuario, Ruffalo tuvo que superar otro obstáculo ya que para el primer día el actor tuvo que aprenderse varias páginas de diálogos científicos ente Bruce Banner y Nick Furia. “Estaba nervioso porque tenía que hablar mucho tiempo con términos científicos”, recuerda el actor. “Pensé que me sabía bastante bien la escena, pero al estar por primera vez al lado de Sam Jackson y del resto de los actores, me vine abajo en las primeras tomas. Afortunadamente

Sam se lo tomó a broma y me hizo sentir a gusto. A partir de ese momento todo fue sobre ruedas”. Para Chris Evans rodar escenas con todo el reparto fue una experiencia surrealista. Sobre todo teniendo en cuenta que muchos de ellos habían sido sus ídolos de infancia y juventud. “Es el papel en el que más me he esforzado por el momento”, dice Evans. “Cuando rodamos nuestra primera escena juntos, me di cuenta de que se trataba de una experiencia increíble. He visto todas las películas de Marvel así que estoy feliz de formar parte de la historia de Marvel. Estoy muy agrawww.cinemascomics.com

que da lugar a momentos inesperados que son oro puro”. “Los Vengadores” son un grupo de los mejores Superhéroes, pero todos tienen sus egos y sus problemas y uno de ellos es trabajar juntos, algo a lo que no están acostumbrados. Chris Hemsworth afirma: “Son muy poderosos pero también son muy diferentes. Todos son líderes de pleno derecho cuando se reúnen. Ese el gran reto y donde surgen los conflictos. ¿Quién va a liderar esta nave, quién va a controlar y cuándo dejamos de lado nuestros egos? Así que todos tenemos que intentar que las piezas del rompecabezas encajen”. Y la tarea no es fácil ya que Iron Man y Thor no están de acuerdo en la forma de hacer frente a Loki y terminan solucionándolo a la antigua usanza en la cima de una montaña, con la excepción de un martillo volador y explosiones de rayos.

decido por trabajar con actores de la talla de Robert Downey Jr., Samuel Jackson, Chris Hemsworth, Jeremy Renner, Tom Hiddleston y Scarlett Johansson. Ha sido una experiencia fantástica”.

Chris Hemsworth lo explica así: “Thor llega un poco tarde a una fiesta después de que “Los Vengadores” hayan capturado a Loki. Destroza el sitio, coge a Loki y desaparece. Una vez que llegan a la cima de la montaña, intenta aclarar las cosas con Loki pero no sale bien. Entonces aparece Iron Man y se enzarzan en una pelea muy agresiva. A Thor le sorprende la fuerza de Iron Man y el escudo del Capitán América, y la cosa termina en una batalla épica que acaba destrozando toda la cima de la montaña y el bosque”.

Además, en esas primeras escenas se puso de manifiesto la fantástica química que reinaba entre los miembros del reparto y el ambiente de colaboración que imperaba en el plató de la película. El director dice: “La totalidad del reparto es muy consciente de lo que todo el mundo hace y eso me gusta porque me gusta que se sientan seguros para crear e intentar algo diferente. Eso es lo

Para Chris Evans, rodar su primera batalla con Robert Downey Jr. y Chris Hemsworth con todas sus armaduras en los papeles de Iron Man y Thor fue una experiencia inolvidable. “En esa escena rodamos de noche en esta maravillosa cima repleta de bosques con Iron Man y Thor resolviendo su s problemas a puñetazos. Entonces se presenta el Capitán América para intentar separarlos porque

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el es el encargado de mantener la paz”, dice Chris Evans. “De hecho fue la primera vez que he visto a Chris Hemsworth entrar en el plató con todo tarje y la capa roja. Robert Downey Jr. también vista su armadura de Iron Man. Recuerdo que pensé lo bien que les sentaba a ambos los trajes. Fue un momento genial para mí. Estaba al lado de ellos, y de repente sentí que mi traje de Capitán América adquiría un nuevo significado. Me dio la impresión de formar parte de algo mucho más grande”. Para Chris Hemsworth, trabajar junto a Robert Downey Jr. también fue fantástico.“Robert es un actor magnífico y está claro que es el padrino de ‘“Los Vengadores”’”, afirma Chris Hemsworth. “El lo empezó todo con ‘Iron Man’, así que le hice muchas preguntas. Le pedía su opinión. Siempre fue muy amable conmigo y no dudó en darme consejos que me resultaron muy útiles”.

“LOS VENGADORES” ENTRENAN CON LOS ESPECIALISTAS El guión de “MARVEL “LOS VENGADORES”” contiene varias secuencias de batallas de gran envergadura. Así que R.A. Rondell, el coordinador de especialistas organizó unas instalaciones en Albuquerque donde su equipo de especialistas podían venir todos los días a entrenar, ejercitarse con las armas y realizar las coreografías de las batallas que hay en la película. En estas instalaciones los miembros del reparto también se entrenaban con Jonathan Eusebio que coreografía las batallas que tenían que librar sus personajes. Las instalaciones pasaron a llamarse “Stunt Dojo” y allí, Eusebio y su equipo entrenaron al reparto en diferentes estilos de lucha, entre las que estaban las técnicas de lucha medieval, el Wushu, el Kung Fu y el Kali. El entrenamiento fue de lo más provechoso ya que los realiCinemascomics │abril 2012 │ 111

zadores estaban encantados con ver a los actores interpretar con gran confianza las secuencias de lucha. Para Scarlett Johansson, la experiencia que tuvo en “Iron Man 2” tuvo un valor incalculable a la hora de prepararse para ““Los Vengadores””. “Los números especiales y las batallas son una parte considerable de mi trabajo en esta película y pude aprovechar lo que había aprendido en ‘Iron Man 2’ y que el público seguro que recordará”, explica Johansson. “Jonathan Eusebio creó y coreografió el estilo y el aspecto de los movimientos y Heidi Moneymaker, mi doble, me ayudó a aprenderlos. Lo que me enseñaron fue tan importante como el trabajo interpretativo que hago yo”. “Queríamos que los movimientos de la Viuda Negra resultaran muy fluidos y acrobáticos”, dice Jonathan Eusebio, el coreógrafo de las batallas. “El Wushu, un estilo de lucha china, se adapta muy bien a su dinámica corporal. Es

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muy elegante pero también exige fuerza y flexibilidad. El público va a ver cómo la Viuda Negra utiliza una gran variedad de armas. Tuvo que aprender muchas cosas nuevas para saber manejar las armas. Y no era nada fácil. Entrenó muchísimo y cuando llegó el momento de rodar esas escenas estuvo perfecta.” Johansson está de acuerdo con la opinión de su coreógrafo. Es cierto que las nuevas técnicas de lucha exigían un entrenamiento muy intenso. “Nos dedicamos mucho al Wushu y está claro que hay muchas más armas. Fue un poco complicado porque me aprendía bien los movimientos, pero luego tenía que hacerlos con una cosa gigante de 10 kilos entre las manos. Así que no fue nada fácil. La verdad es que no las tenía todas conmigo. Pero bueno, fallas una y otra vez hasta que lo consigues, ¡pero cuando fallas menudo dolor!!” “Scarlett entrenó muchísimo antes y durante el rodaje”, dice el coordinador de especialistas R.A.

Rondell. “Venía puntualmente al gimnasio y trabajaba muy duro con Heidi y con Jonathan para aprender todos los movimientos nuevos y las técnicas de lucha. Tenía una base muy buena con lo que aprendió en ‘Iron Man 2,’ así que pudimos saltarnos algunas cosas y enseñarles movimientos y secuencias mucho más complejas y añadir las armas”. “Scarlett trabajó muy duro para estar en forma durante la película y eso no es nada fácil cuanto tienes que ir al gimnasio a las 4 de la mañana y tienes que estar en maquillaje a las 5, dice Whitcher. “Otros días iba directamente del gimnasio a los entrenamientos con los especialistas y después trabajaba todo el día, así que la vida de una actriz no es tan glamurosa como parece. Tenía que hacer todos esos movimientos de forma convincente para que el público viera que era la auténtica Scarlett la que luchaba”. Otro habitual del gimnasio de especialistas fue Tom Hiddleston, que tuvo que aprender la mayowww.cinemascomics.com

ría de las secuencias de lucha de todos los miembros del reparto para sus batallas épicas y sus secuencias de acción con todos “Los Vengadores”. Para Hiddleston todo era cuestión de practicar y practicar para hacerlo a la perfección cuando le tocara el turno de rodar con el Capitán América o Thor. “Tengo moratones por todo el cuerpo, pero la película se llama ‘“Los Vengadores”’, así que si no hubiera habido acción es que hubiésemos fracasado en nuestro trabajo”, dice Tom Hiddleston. “Tenemos el mejor equipo de especialistas del mundo dirigido por R.A. Rondell y Jon Eusebio, así que la primera cosa que hice al llegar a Albuquerque fue ir al gimnasio de especialistas. Empecé con los movimientos y fui avanzando. Así fue como fui identificándome con el personaje porque creo que tus movimientos demuestran a todo el mundo quién eres”. El actor continúa: “Me encanta rodar secuencias de acción por-

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que logro desconectar la mente. Una vez que aprendes los movimientos es como un baile. Todo lo que tienes que hacer es añadir emoción a la hora de dar un puñetazo o lanzar algo. Así que se convierte en una especie de experiencia Zen. Así que cuando llega el día de rodar un batalla entre Loki y el Capitán América, la preparación te sirve muchísimo y todo te sale con naturalidad”. Para Hiddleston, otro desafío fue el vestuario de la película, que era fantástico pero pesaba muchísimo, sobre todo en las secuencias de acción. “El entrenamiento con los especialistas fue mi forma de desarrollar el personaje de Loki desde lo que fue en ‘Thor’ y crear la sensación de que es físicamente más fuerte y más peligroso”, dice Hiddleston. “Hice todo tipo de artes marciales y entrenamiento: Wushu, boxeo, un montón de trabajo con palos, con cuchillos y también combate mano a mono. También había que repetir ejercicios para que tu cuerpo y tus músculos

aprendieran a hacer movimientos reflejos. Así es como aprendes a saltar de un edificio, volar por el aire, rozar la cabeza de Chris Hemsworth, caer de espaldas, levantarte y volver a repetir el mismo movimiento doce veces en un día, embutido en un traje de cuero y metal que pesa 20 kilos”. Thor y Loki se enfrentan en una intensa lucha entre hermanos en el balcón de la Stark Tower. “Intentamos diseñar una lucha entre un hermano mayor y un hermano pequeño”, dice Jonathan Eusebio, coreógrafo de las luchas. “Thor quiere que llevarse a casa a Loki sin hacerle daño, mientras que Loki tiene la intención de matarle. A medida que la lucha avanza, las emociones son cada vez más fuertes. Thor se pone furioso y al final la lucha adquiere tintes brutales.” Tom Hiddleston habla sobre la batalla entre hermanos: “Cada uno de nosotros tiene una arma y es especialista en un tipo de lucha. Es el cetro de Loki contra el mar-

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tillo de Thor. Thor usa el martillo como un guante de boxeo y Loki utiliza el cetro al estilo Wushu. Pero después de un rato, Thor suelta el martillo y Loki el cetro. Sólo queda la imagen de dos hermanos peleándose de forma brutal”. Chris Hemsworth explica cómo aprendió la coreografía de la escena. “Cuando luchas en una película cuenta más la intensidad que la velocidad. Así que íbamos poco a poco a cámara lenta, sin ninguna pasión y a medida que aprendes los movimientos, imprimes la velocidad que necesita la escena”. Tanto Hiddleston como Hemsworth disfrutaron haciendo muchos de sus números. “Como cinéfilo y amante del cine, me encanta ver a un actor volando por la pantalla cuando sabes que es el auténtico el que lo ha hecho”, dice Hiddleston. “Odio cuando lo cortan con un doble y sólo ves la parte de atrás de la cabeza del actor. No me gusta verme la coronilla,

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así que siempre estoy dispuesto a hacer de todo y formar parte del equipo de especialistas”. “Me gusta hacer yo mismo mis escenas de acción porque sé que eso da valor añadido al producto final”, afirma Chris Hemsworth. “Sientes un subidón de adrenalina, pero lo cierto es que aunque seas muy atlético, eso no te impide estamparte contra un muro. Duele un poco pero te levantas, te sacudes el polvo y vuelves a intentarlo. Es muy divertido y hace que el día sea mucho más variado”.

que hace la secuencia desconecta. He tenido la suerte de contar con un equipo fantástico de especialistas y con actores que se rompieron el lomo preparándose para la película, además de pasar un montón de tiempo en el gimnasio mientras rodábamos. Creo que todos van a estar muy contentos cuando vean todas esas escenas montadas”.

Para el director Whedon, ver a sus actores hacer muchos de los números acrobáticos añade muchísimo valor al producto final. “Cuanto más pueda enseñar las caras de mis actores en las secuencias de acción, más interés mostrará el público en nuestros héroes y más se identificarán con ellos”, afirma el director Joss Whedon. “Cuando el público se da cuenta de que no es el actor el www.cinemascomics.com

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QUIEN ES QUIEN EN:

IRON MAN (Tony Stark) interpretado por ROBERT DOWNEY JR.

Además de ser un genio excéntrico, un multimillonario, un playboy y un filántropo, (Robert Downey Jr.) también es el superhéroe blindado conocido con el nombre de Iron Man. Acaba de derrotar a unos cuantos enemigos del mundo, así que Starck acepta de mala gana ser el asesor de Nick Furia (Samuel L. Jackson), director de S.H.I.E.L.D., la agencia de inteligencia secreta encargada del mantenimiento de la paz. Ahora, con una crisis mundial en el horizonte y el destino del mundo en la balanza, Stark tiene que volver a activar el blindaje de su Iron Man para salvar al mundo, y convertirse en un miembro de pleno derecho de “Los Vengadores”. Robert Downey Jr. dice de Iron Man: “Tony Stark está abierto a todas las posibilidades y no se arredra ante nada. Se une a “Los Vengadores” por curiosidad. Quiere saber de primera mano cómo ocurren las cosas. Hace tiempo que se dio cuenta que no está en una isla y en esta ocasión empieza a comprender lo que significa el espíritu de grupo y que ‘nosotros’ es mejor que ‘yo’”.

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a c i r é m A Capitán

CAPITÁN AMÉRICA (Steve Rogers) interpretado por CHRIS EVANS

Después de que un programa secreto de Supersoldados transformara al debilucho Steve Rogers (Chris Evans) en el fuerte y heroico Capitán América, sus increíbles hazañas en la Segunda Guerra Mundial le convirtieron en una leyenda viva. Steve salvó a Nueva York y cambió el rumbo de la guerra, pero en su última misión se estrelló en Ártico. Steve se despierta en el presente y se da cuenta de que ha pasado décadas congelado en el hielo de la tundra. Ahora Steve Rogers está solo en un mundo que apenas reconoce. Cuando Nick Furia (Samuel L. Jackson), director de S.H.I.E.L.D., la agencia internacional para el mantenimiento de la paz convoca a Rogers para que vuelva a ayudar a salvar el mundo, vuelve a adoptar la personalidad del Capitán América, con su famoso escudo y aportando su enorme fuerza liderazgo y sensatez a “Los Vengadores”. Chris Evans habla sobre el Capitán América: “Las cualidades de Steve Rogers son su buen carácter, su rectitud y sus fuertes valores. Pero esa rectitud y esos valores datan de una época en la que la gente se relacionaba de otra forma. El nivel de interacción era más profundo. Ahora la gente está más aislada debido a la tecnología que tenemos a nuestro alcance. Muchas de las cosas en las que él creía, por las que luchó y que amó han cambiado. No es que hayan desaparecido, es que son diferentes. Así que intenta encontrar su sitio en un mundo moderno.”

THOR THOR (El Dios del Trueno)

interpretado por CHRIS HEMSWORTH Thor (Chris Hemsworth), un príncipe arrogante de la lejana tierra de Asgard, fue desterrado a la Tierra después de que su irresponsable comportamiento pusiese en peligro su tierra natal. En su exilio en la Tierra, Thor aprendió a ser humilde y ayudó a salvar a sus nuevos amigos de la amenaza destructiva lanzada por su hermano Loki. De esta forma, Thor se redime ante los ojos de su padre, Odín, el Rey de Asgard. Tras volver a Asgard como un héroe, Thor se ve obligado a volver a la Tierra para impedir una catástrofe de magnitud cósmica. Con Mjolnir en su mano, un martillo legendario dotado de un poder descomunal, el poderoso guerrero se ve inmerso en una extraña alianza con “Los Vengadores”, la iniciativa secreta de Nick Furia. Pone su poder al servicio de su causa contra Loki, su hermano díscolo. Chris Hemsworth habla sobre Thor: “Thor está más implicado personalmente en lo que ocurre que el resto de los Superhéroes porque Loki es su hermano. Él sabe que tiene que ponerse del lado de los buenos, pero también se pregunta qué le está ocurriendo a su hermano.”

HULK HULK (Bruce Banner)

interpretado por MARK RUFFALO Después de que fracasara un experimento de rayos gamma, el afable científico Dr. Bruce Banner (Mark Ruffalo) se transforma en alguien totalmente distinto. Cuando se enfada o le provocan, se transforma en Hulk, un monstruo verde e incontrolable. Ahora, temeroso de los daños que puede provocar Hulk, el Dr. Banner decide llevar una vida discreta en lugares alejados del mundo. Trabaja curando enfermos y ayudando a los pobres e intenta eludir a los que se aprovecharían de su capacidad para transformase en esa enorme amenaza verde. Cuando una inquietante amenaza requiere de los conocimientos científicos de Banner, el Director Nick Furia, director de S.H.I.E.L.D., le recluta. Sabe muy bien que la inmensa fuerza del alter ego de Banner, Hulk, será un activo de enorme valor para “Los Vengadores”. Mark Ruffalo habla sobre Hulk: “Este Hulk es muy voluble. Es totalmente impredecible. Tiene muchas facetas. Está el sentido del humor y también su capacidad de comunicación. Pero es irritable y tremendamente peligroso, igual que un animal salvaje. Su rabia es auténtica; su reacciones son humanas.”

Ojo de halcón OJO DE HALCÓN (Clint Barton) Interpretado por JEREMY RENNER

Clint Barton, cuyo nombre en clave es Ojo de Halcón, es uno de los agentes más elitistas de S.H.I.E.L.D. Es el mejor tirador vivo que hay en la Tierra. Provisto de su arma favorita, el arco recurvo, Ojo de Halcón lanza su arsenal de flechas dependiendo del blanco y la situación y lo hace con una precisión perfecta. Con el potencial de una catástrofe mundial en el horizonte, emplea sus increíbles técnicas de combate para luchar al lado de “Los Vengadores”. Jeremy Renner habla sobre Ojo de Halcón: “Ojo de Halcón va por libre. Es una especie de lobo solitario. Así que no es un jugador de equipo, pero lo será si la situación lo requiere.”

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ra g e n a d u i V La LA VIUDA NEGRA (Natasha Romanoff) interpretada por SCARLETT JOHANSSON

S.H.I.E.L.D. La Agente Natasha Romanoff, conocida como La Viuda Negra (Scarlett Johansson), es una de las mejores espías del mundo, y también una de las asesinas más hábiles. Provista de un amplio arsenal de armas especializadas como aguijones venenosos y bombas racimo, así como un extenso repertorio de técnicas de artes marciales, las cualidades únicas de Romanoff la convierten en una de las mejores agentes de Furia y un miembro indispensable de “Los Vengadores”. Scarlett Johansson habla sobre La Viuda Negra: “Para la Viuda Negra, todo es negocio. Está en una especie de zona gris. En cierto sentido y a pesar de sus antecedentes, se puede decir que lucha con los buenos. Pero se compromete porque ella es así y tiene sentido del deber. Tiene algo de militar. Eso le ha permitido diferenciar el bien del mal.”

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nick furia NICK FURIA (Director de S.H.I.E.L.D.) Interpretado por SAMUEL L. JACKSON

Como legendario director de la organización internacional del mantenimiento de la paz, S.H.I.E.L.D., Nick Furia (Samuel L. Jackson) es la primera línea de defensa de la humanidad contra las mayores amenazas del mundo. Cuando S.H.I.E.L.D. se entera de la existencia de una amenaza que pone en peligro la seguridad mundial, Furia reúne a los seres del planeta y crea “Los Vengadores”. Samuel L. Jackson habla sobre Nick Furia: “Nick Furia controla un montón de cosas y cuando localiza una necesidad suele dejar los principios de lado. Cae mal a mucha gente por tomar decisiones que no gustan, pero él no se echa atrás.”

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loki LOKI

Interpretado por TOM HIDDLESTON Después de que su hermano Thor (Chris Hemsworth) frustrara su intento de derrocar el trono de Asgard, el malvado Loki (Tom Hiddleston) se retira a tierras desconocidas para planear su venganza. No sólo contra su hermano, sino contra la Tierra, cuyos habitantes protege ahora Thor. Ahora, Loki ha regresado para conquistar la Tierra y nada le impedirá hacer realidad su visión. Cuando sus abusos de poder ponen en peligro todo el planeta, es posible que la intervención de “Los Vengadores” no sea suficiente para detenerle. Tom Hiddleston habla sobre Loki: “La maldad de Loki está motivada porque se siente herido y busca su lugar en el universo. Pero en esta película resulta mucho más peligroso y también mucho más poderoso. Se siente mucho más seguro de sí mismo. Además es un dios, más poderoso que cualquier ser humano.”

criticas

Lorax, en busca de la trúfula perdida

Por David Larrad

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Animación / EEUU / 2012 / 94 minutos / Universal Pictures, Illumination Entertainment. Director: Chris Renaud. Actores: Danny DeVito, Zac Efron, Taylor Swift y Betty White. Guión: Cinco Paul, Ken Daurio. Música: John Powell.

“Lorax, en busca de la trúfula perdida” en su versión americana tiene un gran reparto usando las voces de Zac Efron, Taylor Swift, Danny DeVito y Betty White, está dirigida por Chris Renaud, Kyle Balda responsables de el gran éxito de Universal Pictures “Gru, mi villano favorito” de la que ya están preparando la segunda parte. “Lorax, en busca de la trúfula perdida” trata sobre un joven llamado Ted (Zac Efron) enamorado de una chica que viven en una ciudad donde todo es artificial, el césped, los arboles e incluso el aire está embotellado. El sueño de esta chica es tener un árbol auténtico, asi que el joven Ted se arma de valor y decide salir de la supuesta idílica ciudad para bus-

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car la última trúfula que existe, para ello debe contactar con el extraño el Una-Vez, que le cuenta la historia de como desaparecieron los arboles a pesar de las advertencias de una extraña y pintoresca criatura llamada Lorax. Crítica de “Lorax, en busca de la trúfula perdida”: Película puramente infantil que usa maravillosamente los colores para dar una lección de amor y respeto al medio ambiente del que esperemos las nuevas generaciones a las que va destinada la película aprendan algo. El diseño de los personajes es muy parecido a los de “Gru, mi villano favorito” ya que se nota la mano de sus directores, el film está lleno de canciones, lo suficientemente cortas como para

que no se nos hagan aburridas. Por lo que la película nos hace pasar un rato muy agradable, aunque quizás le falte un poco más de humor, ya que las mejores gracias ya las habíamos visto en los trailers. Además que en el doblaje en su versión en español también lo hace Danny deVito y queda un poco raro. En conclusión le doy un 8/10, esperemos que Universal Pictures siga haciendo películas así de buenas en su sección de animación.

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Ira de Titanes

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Por Enrique Abenia

Fantástico / Acció / EEUU / 2012 / 99 minutos / Warner Bros. Pictures. Director: Jonathan Liebesman Actores: Sam Worthington, Liam Neeson, Ralph Fiennes, Bill Nighy, Rosamund Pike, Danny Huston, Toby Kebbell, Édgar Ramírez, John Bell. Guión: Greg Berlanti. Música: Javier Navarrete.

Una década después de que acabara con el monstruoso Kraken, Perseo, un semidios hijo de Zeus, lleva una vida tranquila y se dedica a la pesca y a cuidar de su hijo. Sin embargo, no corren buenos tiempos en el Olimpo, ya que la falta de fe de los mortales ha debilitado a los dioses. Una situación que aprovechan Hades, dios del averno, y Ares, de la guerra, para capturar a Zeus con objeto de entregarlo a Crono, un poderoso titán que se encuentra aletargado y recluido en las profundidades del inframundo. Cuando Crono se nutra de la fuerza de Zeus, en la Tierra se desatará el caos. Perseo luchará para evitarlo con la ayuda de la reina Andrómeda y de Agenor, semidios hijo de Poseidón. www.cinemascomics.com

Crítica de ‘Ira de titanes’ (rodada en Canarias y con la música del turolense Javier Navarrete), representa lo que Hollywood entiende erróneamente por cine épico. La historia no tiene profundidad alguna y se desarrolla como si se tratase de un videojuego (Perseo supera distintas fases para enfrentarse al villano en la pantalla final). Un hilo narrativo pobre plagado de diálogos previsibles que el espectador conoce antes de que los pronuncien los personajes. Asimismo, al espectador le invadirá una sensación de frustración en el desenlace, como ocurrió con ‘Furia de titanes (quien haya visto la primera parte sabrá el por qué).

de titanes’ logra el aprobado gracias al competente apartado visual, con buenos efectos digitales, y a la dirección de Jonathan Liebesman. El punto fuerte de la película reside en los secundarios de lujo: Liam Neeson (Zeus), Ralph Fiennes (Hades) y Bill Nighy (Hefesto), quienes disfrutan con unos papeles claramente alimenticios (es decir, lo importante es el cheque). En ‘Cinemascomics’ le damos de nota un 5 sobre 10.

A pesar de esas deficiencias, ‘Ira Cinemascomics │abril 2012 │ 129

Blancanieves (Mirror,Mirror)

Por David Larrad

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Aventuras / Fantástico / EEUU / 2012 / 127 minutos / GK Films / Infinitum Nihil / Warner Bros / Pictures. Director: Martin Scorsese. Actores: JAsa Butterfield, Chloe Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Emily Mortimer, Michael Stuhlbarg, Ray Winstone, Christopher Lee, Richard Griffiths, Helen McCrory, Frances de la Tour. Guión: John Logan (Libro: Brian Selznick) Música: Howard Shore.

Película del director hindú Tarsem Singh que ya nos horrorizó hace poco con “Immortals” y que ahora nos trae este maltrato a la memoria de los afamados hermanos Grimm. Aunque visualmente se ha intentado crear un mundo de mucho colorido, el guión es tan flojo que el interés por esta película se pierde pronto. Parece que el film solo exista para el lucimiento exclusivo de su mayor estrella Julia Roberts, en ella recae la historia ya que está contada desde la perspectiva de la malvada reina que encarna. La réplica se

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la ofrece Lily Collins, esta guapa actriz debería arreglarse las cejas porque resaltan mas que su actuación. Es una pena ver como Sean Bean está tan poco aprovechado, al igual que Armie Hammer que interpreta al príncipe que es victima absoluta del guión. Los siete enanitos son los únicos que pueden llegar a hacer gracia en esta supuesta comedia. El único punto que puede que hacer que veamos la película hasta el final es saber que pinta tendrá el monstruo del bosque. Pero

todo queda eclipsado por el desastroso final, donde el director hindú recuerda sus orígenes y se marcan un bailecito y cancioncilla bochornosa. Al menos han tenido la decencia de poner la versión inglesa ya que la versión de spanglish de Soraya todavía es más patética. En definitiva le doy un 4/10, quizás sea una película familiar y puedan disfrutar los más pequeños pero los que tengan una cierta edad la encontraran infumable.

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Devil Inside

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Por Enrique Abenia

Terror / USA / 2012 / 87 minutos / Insurge Pictures. Director: William Brent Bell. Reparto: Fernanda Andrade, Simon Quarterman, Evan Helmuth, Ionut Grama, Suzan Crowley, Bonnie Morgan, Brian Johnson, Preston James Hillier, D.T. Carney.Guión: William Brent Bell, Matthew Peterman. Música: Brett Detar, Ben Romans.

Si el cine de terror goza de una dudosa reputación entre aquellos a los que no les entusiasma es por la extenuante repetición de fórmulas narrativas agotadas. La única razón de esta reincidencia reside en el bajo coste de producción, lo que asegura la rentabilidad del proyecto una vez pasa por la cartelera. “Devil inside” apuesta por el falso documental (recurso que, salvo excepciones, perdió su interés hace una década) y el subgénero de exorcismos, que ya no impresiona tanto al público, habituado a las palabras malsonantes de endemoniados. Una propuesta pasable (pura serie B), no tan mala como dice la crítica, que sin embargo no aporta nada nuevo y, por lo tanto, solo www.cinemascomics.com

entretendrá a los aficionados que no le pidan demasiado. “Devil inside” comienza en 1989. Ese año Maria Rossi asesinó a tres miembros de su parroquia durante un exorcismo. La mujer fue trasladada de Estados Unidos a un centro psiquiátrico de Roma. Dos décadas después, su hija Isabella graba un documental sobre lo ocurrido para intentar desentrañar qué pasó y para ayudar a su perturbada madre. La joven pedirá la colaboración de dos exorcistas que actúan al margen del Vaticano para determinar si su madre está loca o poseída. Craso error.

ve’) se desarrolla de forma previsible, y lo que es peor, aburrida. Hay demasiada palabrería de los personajes (mal definidos) delante de la cámara y escasos momentos de acción. Las escenas de exorcismos inquietan, pero por sí solas no justifican el visionado de la película, a la que le sobra falsa trascendencia (las alusiones a que el Vaticano no ha asesorado la producción no vienen a cuento y dan risa). Y qué comentar de un desenlace que decepcionará a la mayor parte del público. Los aficionados disfrutan con filmes más honestos y logrados, como ‘El último exorcismo’.

Crítica de “Devil inside”: La obra de William Brent Bell (‘Stay ali-

En definitiva a “Devil Inside” le damos un 5/10. Cinemascomics │abril 2012 │131

Battleship

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Por David Larrad

Acción / Bélico / Aventuras marinas / EEUU / 2012 / 127 minutos / Universal Pictures / Film 44 / Hasbro / Stuber Productions. Director: Peter Berg. Actores: Taylor Kitsch, Liam Neeson, Alexander Skarsgård, Brooklyn Decker, Josh Pence, Rihanna. Guión: Erich Hoeber, Jon Hoeber. Música: Steve Jablonsky.

Es una película de efectos especiales, estos mandan por encima de los actores, el guión, el director y cualquier otra cosa que suele ser importante en el cine. Con un presupuesto de 200 millones de dólares han conseguido recrear una batalla impresionante entre buques americanos y naves extraterrestres. Pero no se le puede pedir nada más, tan solo entretenimiento de explosiones, destrucción y caos. Incluyendo un homenaje al juego de “Hundir la Flota” cuando se quedan a oscuras. Los actores casi que están mejor en silencio por que cada vez que abren la boca es para soltar una chorrada o un topicazo. Así que

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no podemos ir al cine esperando nada de Taylor Kitsch, Rihanna o Liam Neeson. La subtrama de los dos hermanos la hemos visto doscientas mil veces, el hermano formal y decente tiene que apoyar y ayudar al hermano rebelde, en esta película apuntándolo en la marina, así podrá demostrar de que está hecho y superarse en el momento de más tensión y adversidad. Quizás lo peor del film es que es una “americanada”, un autentico homenaje a la marina, a los veteranos de guerra y a los excombatientes que deben superar sus secuelas físicas para demos-

trar de que pasta están hechos. El principio de la película es una buena forma de conseguir reclutas informándonos de lo guay que es apuntarse a la marina. El film recuerda demasiado a “Transformers” de hecho el diseño de las naves es muy parecido a los “Decepticons”, la banda sonora tambien se le parece con algun golpe de AC/DC al más puro estilo “Iron Man”. En definitiva muy entretenida si vas a ver una película donde lo importante son las batallas y las explosiones. El lunes mismo me rapo el pelo y me apunto en la marina. www.cinemascomics.com

Los Juegos del Hambre

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Por David Larrad

Ciencia ficción / Aventuras | Thriller futurista / EEUU / 2012 / 142 minutos / Lionsgate / Color Force. Director: Gary Ross. Actores: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Donald Sutherland, Toby Jones, Lenny Kravitz, Wes Bentley, Paula Malcomson, Isabelle Fuhrman. Guión: Gary Ross, Suzanne Collins, Billy Ray (Novela: Suzanne Collins) Música: James Newton Howard, T-Bone Burnett.

Película para el lucimiento exclusivo de Jennifer Lawrence que la vemos en plena forma saltando, luchando y sobretodo lanzando flechas con su arco, atención a la escena donde muestra sus habilidades frente a los patrocinadores. El mayor problema del film es que dura dos horas y media, y aunque no llega a hacerse pesada ni lenta, probablemente habría quedado mejor recortándole 30 minutos. La cámara no se queda quieta, está todo el rato dando tumbos, en algún momento puede quedar bien, como al principio de los juegos que te deja aturdido y no sabes muy bien que vive y quien ha www.cinemascomics.com

muerto, pero hay momentos que resulta molesto. Aunque estamos en un futuro, tampoco se nos muestra gran cosa aparte de alguna nave o el tren volador. Ya que los juegos transcurren en medio de un bosque. En cuanto al vestuario es lo que han intentado usar como diferencia entre el capitolio donde todo es colorido y bastante estrafalario, peinados incluidos y el distrito 12 que es minero y van todos de gris.

tado ya que la historia es una mezcla en la mitología del minotauro donde los reinos llevaban jovenes a Creta para meterse en el laberinto y “El Show de Truman”, con unas pinceladas del film futurista de 1987 “Perseguido ” con Arnold Schwarzenegger. En definitiva entretenida pero quizás solo sea apta para adolescentes que les guste la trilogía de los libros.

Por desgracia ya está todo invenCinemascomics │abril 2012 │ 133

Los Vengadores

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Por Carlos Gallego

Fantástico / Acción / Ciencia ficción / Aventuras / Superhéroes / Cómic/ EEUU / 2012 / 135 minutos / Marvel Studios / Paramount Pictures. Director: Joss Whedon. Actores: TRobert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Tom Hiddleston, Samuel L. Jackson, Cobie Smulders, Clark Gregg, Gwyneth Paltrow, Stellan Skarsgård, Stan Lee, Harry Dean Stanton. Guión: Joss Whedon, Zak Penn. Música: Alan Silvestri.

Comenzar diciendo que tal y como había adelantado Joss Whedon el día de su presentación en Los Angeles, los aliens que forman el ejercito que acompaña a Loki en su conquista de la tierra no son los Skrull si no los Chitauris, seres equivalentes a estos, y que ya aparecían en la película animada de The Ultimate Avengers (2006). En cuanto a la película solo una palabra, PELICULÓN. Tenía muchas expectativas acerca de la película pero prefería

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no hacerme demasiadas ilusiones ¿Cuantas veces hemos visto los trailers y el film de turno nos ha decepcionado? el caso es que para bien no solo mis expectativas se vieron cumplidas si no que fueron superadas con creces atreviéndome a decir que tras muchas intentonas, MARVEL: LOS VENGADORES está a la altura de El caballero Oscuro de Nolan y que supera a la mejor película hasta la fecha de MARVEL STUDIOS, IRON MAN. La película cuenta con un gran

guión y hay que reconocer el gran merito de Joss Whedon no solo en la escritura del mismo si no en la dirección del film, ya que no debió resultar sencillo dirigir a tantas estrellas juntas y que todas ellas tuvieran sus momentos de protagonismo, en un film que no pierde el tiempo presentando a los personajes porque al fin y al cabo Los Vengadores es la culminación de un ambicioso proyecto que comenzó con IRON MAN en 2008 con la inclusión en los títulos de crédito finales de la www.cinemascomics.com

famosa escena en la que aparece Nick Furia en la mansión de Stark , y que ha ido desarrollándose en las siguientes películas de Marvel Studios, El increíble Hulk, Iron Man 2, Thor y Capitán América: El primer vengador. Si hay destacar algún personaje de entre todos ellos, destacaríamos a Robert Downey Jr. en el papel del Playboy Toni Stark / Iron Man, que le va como anillo al dedo y sobre todo a Hulk, que está que lo rompe, ya era hora de que el cine hiciera justicia al personaje, el Hulk de Marvel Los Vengadores es Hulk. El departamento de FX sin duda ha realizado un estupendo trabajo, además los movimientos del personaje no son animación 100% como ocurriera en anteriores películas, ya que www.cinemascomics.com

en está ocasión se capturaron por motion capture los movimientos de Mark Ruffalo que al contrario de sus predecesores Eric Bana y Edward Norton si que ha interpretado al gigante verde. La película como decía cuenta con un buen guión y una estupenda dirección que sabe combinar de manera muy acertada momentos de gran dramatismo y acción con toques de humor. Aunque si hubiese que reprochar algo es la caída en el error de la típica peli de invasiones extraterrestres a la tierra, lo que hace que no le de la máxima nota posible.

En definitiva MARVEL LOS VENGADORES, es una película que entretiene de principio a fin, que hará las delicias de los fans y de los que descubren a los personajes por primera vez, que te deja con ganas de ver más e incluso de pedir otro visionado. Aunque dos recomendaciones, la primera si no has visto ninguna película de MARVEL, haz los deberes, todavía estas a tiempo de verlas antes del estreno de la película y segunda no te pierdas la escena de los títulos crédito finales que sirve de adelanto para futuras entregas.

También destacar la banda sonora del film obra de Alan Silvestri autor también de la partitura de Capitán América: El primer vengador. Cinemascomics │abril 2012 │ 135

Orient Express

MIS QUERIDOS MONSTRUOS (Godzilla y Gamera) Por Francisco Nieto

No, en este mes de marzo no nos vamos a referir a esos grandes actores y actrices que han convertido en esenciales las distintas cinematografías orientales. No vamos a repasar las biografías ni de Jackie Chan, ni de Zhang Zhiyi, ni de Takeshi Kitano, ni de otros que en los futuros meses seguro tendrán su hueco en nuestra sección. En esta ocasión cuando hablamos de monstruos nos referimos simple y llanamente a esas criaturas o engendros que presentan una o más características ajenas al orden regular de la naturaleza. Todos aquellos que peinamos canas hemos visto criaturas fantásticas como King Kong, Godzilla o Gamera destruir ciudades de cartón piedra en películas que eran auténticas gozadas para el espectador palomitero. Hoy dedicamos nuestro artículo a esos seres ma-

ravillosos que nos hicieron pasar ratos inolvidables y nos permitieron degustar monstruosos festines de buen cine en nuestra niñez; a los orientales, claro; que de King Kong ya han corrido ríos de tinta. El Kaiju eiga, que podría traducirse por algo así como película de monstruos extraños, define un género cinematográfico genuinamente japonés, nacido inconscientemente del temor a la energía nuclear, después de comprobar los devastadores efectos destructores, resultantes del lanzamiento de las dos bombas atómicas sobre las ciudades de Hiroshima y Nagasaki. Los modelos típicos del kaiju son animales convencionales, insectos o criaturas mitológicas, además de ejemplos un tanto más exóticos. Dentro del Kaiju eiga podemos di-

ferenciar dos grupos, los llamados Daikajiu Eiga o cine de monstruos gigantes, y los Uchu Daikajiu Eiga, o cine de monstruos gigantes venidos del espacio. Este género cinematográfico tiene una fecha de nacimiento y unos padres muy concretos. La fecha es 1954 y los padres fueron el productor Tomoyuki Tanaka, el creador de efectos especiales Eiji Tsuburaya y el director Ishiro Honda. El recién nacido se llamó Gojira (Godzilla, Japón bajo el terror del monstruo, Ishiro Honda, 1954) y fue el primer exponente del Kaiju Eiga propiamente dicho. El nacimiento del género a raíz de esta película fue un poco la manera que tuvieron los japoneses para protestar por las atrocidades perpetradas a su pueblo una década antes, de la misma manera que lo había estado promoviendo, de forma

algo camuflada, el hibakusha eiga (cine de posguerra en el que se muestran los efectos ocasionados por la energía nuclear sobre la población).Hasta la fecha, las sagas más longevas y rentables del kaiju eiga han sido las diseñadas por Toho (Godzilla) y Daiei (Gamera). Mientras que Godzilla nacía de las manos del cineasta Ishiro Honda y del especialista en efectos especiales Eiji Tsuburaya, Gamera intentaba acaparar la atención del público una década más tarde. Ambas series contaron con un sinfín de entusiastas, pero siguieron caminos diferentes. Godzilla (Gojira) apareció en pantalla por primera vez en 1954 en la película Gojira, conocida en España con el título de Japón bajo del monstruo. Desde entonces, este peculiar personaje ha aparecido en veintiocho películas más, sin contar el remake de nacionalidad estadounidense dirigido

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en 1998 por Roland Emmerich. Si atendemos a la etimología de su nombre, Gojira surge de la mezcla de dos palabras: gorira (gorila) y kujira (ballena). Hasta ese punto el monstruo podría ser descrito como un cruce entre ambos animales, aunque una leyenda de los estudios Toho plantea que era el seudónimo de un fisioculturista que trabajaba en la empresa. Godzilla, en su estreno en cines nipones, fue vista por más de nueve millones de japoneses, constituyendo un éxito total para su productora, siendo vendida a la industria americana donde fue remontada con material adicional rodado por los propios cineastas americanos con el título de Godzilla, King of the Monsters! El boom por Godzilla originó un fenómeno inaudito, y la secuela no tardó en llegar: Godzilla, el Rey de los Monstruos (Motoyoshi Oda, 1955), un film que recuperaba al mismo equipo de producción de la

anterior e inauguraba una primera y larga saga. Se supone que el monstruo había perecido al final de la película original, pero luego se hizo uso de la continuidad retroactiva al suponer que no había muerto ya que su cuerpo no había llegado a ser localizado. A esta primera etapa de películas posteriores se le conoce como etapa Showa (que abarca desde 1954 hasta 1975), donde el personaje pasa de ser villano a defensor de Japón ante el ataque de otras amenazas. Así encontramos títulos como Godzilla Contra los monstruos (Inoshiro Onda, 1964), uno de los mejores films de su director, siguiendo a continuación con las aventuras paradisíacas de Jon Fukuda en las divertidas y a la vez patéticas Godzilla contra los monstruos marinos (Jun Fukuda, 1966); El hijo de Godzilla (Jun Fukuda, 1967) y la sobresaliente Invasión extraterrestre (Inoshiro Honda, 1968), perdurando hasta www.cinemascomics.com

el declive con productos ecologistas de la talla de Godzilla vs. Hedorah (Yoshimitsu Banno, 1971); Godzilla vs. Gigan (Jun Fukuda, 1972) o Godzilla vs. Mechagodzilla (Jun Fukuda, 1974). El último intento de esta primera batería de producciones por revivir el mito fue quizás la peor aportación de Honda a la franquicia: Terror of Mechagodzilla (Inoshiro Honda, 1975).A continuación vino la saga intermedia, en la que se modernizaba al personaje al cambiarle sustancialmente el diseño y el tamaño. Esta segunda etapa, denominada etapa Heisei, que comprende los años desde 1984 a 1995, se caracteriza por el hecho de que Godzilla vuelve a su versión más antipática, destruyendo de nuevo Japón y a otros monstruos que se cruzan en su camino, sin necesidad de defender a los indefensos humanos. El film inaugural de este periodo fue El retorno de Godzilla (Koji Hashimoto, R.J Kizer, 1984), a la que siguieron títulos menos relevantes como Godzilla vs. Biollante (Kazu-

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ki Omori, 1989) o Godzilla vs. Space Godzilla (Kensho Yamashita, 1994), saga que se completó con la falsa muerte del personaje en Godzilla Contra Destroyer (Takao Ookarawa, 1995). Por último, la saga contemporánea, conocida como la etapa Millenium, y que abarca desde el año 2000 hasta el presente, en donde la productora Toho recupera los derechos del personaje y propone tanto una refundación del mito así como una mirada adulta de las historias, con títulos de gran envergadura logística como Godzilla Millenium (Takao Okawara, 1999), o Godzilla, Mothra and King Ghidorah: Giant Mosters: Giant Monsters AllOut Attack (Shusuke Kanek, 2001), y que se cerró definitivamente con esa postmodernidad llamada Godzilla: Final Wars (Ryuhey Kitamura, 2004). Del remake estadounidense llevado a cabo por el ínclito Roland Emmerich en 1988 poca cosa se puede decir; las mismas premisas de monstruo que ataca una ciudad (en este caso Nueva York), con unos efectos es-

peciales resultones, pero con una capacidad opaca de entretener sin caer en lo manido y lo trillado. Un elenco actoral bastante endeble, capitaneado por Matthew Broderick, Jean Reno y María Pitillo que no consiguieron elevar el producto a más que un film de mero consumo palomitero. A ver si corre mejor suerte Gareth Edwards con la nueva versión norteamericana que ya está preparando Legendary Pictures en una coproducción con la Warner Bros. Edwards sorprendió con Monsters, su debut en el terreno del largometraje, una producción dramática con “monstruos de fondo” rodada con un presupuesto escaso y mucho ingenio que fue una de las revelaciones cinematográficas de 2010. Poco se sabe del proyecto, aunque los productores ya se han apresurado a indicar que se trata de reinventar al personaje (¿otra vez?) sin dejar de ser fieles a los elementos tradicionales. Esta es, a grandes trazos, la historia cronológica de una criatura jurásica despertada, en pleno siglo veinte,

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por la virulencia de ensayos nucleares, la de un enorme reptil que emanaba radioactividad por todos los poros e incluso había desarrollado un aliento nuclear con un poder destructivo inmenso. Nuestra recomendación es la de que, cuando repaséis las numerosas películas en las que ejerció de protagonista destructor, vayáis predispuestos al espectáculo cutre y a la diversión sin complejos; a partir de ahí, quizás más allá de los fuegos de artificio, podáis disfrutar de de unas maravillosas y entrañables producciones. Gamera, por su parte, es una tortuga voladora gigante producida por los estudios Daiei aprovechando el inmenso éxito cosechado por la Toho y su rey de los monstruos. Este personaje despertó del frío glacial en 1965, concretamente en el film Gamera: El mundo bajo el terror (Daikaiju Gamera, Noriaki Yuasa, 1965). Dicha película fue creada en blanco y negro a conciencia, pese a que por aquel entonces en Japón ya se disponía de televisiones en color. El motivo no fue otro que rivalizar con el éxito de Godzilla, aunque otras fuentes apuntan la posibilidad de que su aparición en pantalla fuera fruto a su vez del discretísimo éxito que la productora tuvo con otro espécimen llamado Kujiragami (La Diosa Ballena). Su director, Noriaki Yuasa, se encargó de la realización de todas las películas consideradas de la serie clásica, o Showa, exceptuando la segunda en orden cronológico, titulada Gamera vs Barugon (1966). Las habilidades de este peculiar galápago pasaban por la habilidad de escupir fuego, volar de varias formas (podía incluso girar a gran velocidad y aparentar ser un ovni) y Hasta autodestruirse. También tenía la capacidad de sanar sus heridas con una rapidez inusitada. Para esto se hacía el muerto. Gamera no tuvo por parte del público la misma acogida triunfal que en su día obtuvo Godzilla, bien fuera por su infantilismo, o

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debido a su irregularidad. Después de seis películas, y el refrito Super Monster Gamera (Noriaki Yuasa, 1980), la saga se canceló definitivamente. Tuvieron que pasar catorce años para que Gamera resucitase en una trilogía moderna rodada por Shusuke Kaneko (Death Note; Azumi 2: Death or Love), el gran gurú del cine fantástico nipón de los noventa, quien con la ayuda de presupuestos relativamente superiores para este tipo de productos, consiguió en sus producciones un dinamismo nunca antes visto en una película de monstruos japoneses. Además, la nueva saga de Gamera inició el movimiento conocido como neokaiju eiga, que ha servido para recuperar la esencia de las añejas kaiju eiga, y conseguir de nuevo el interés del público por ellas , fuera y dentro del territorio nipón. En 2006 se estrenó la que hasta

ahora ha supuesto la última película rodada de Gamera: Gamera the Brave (Ryuta Tasaki, 2006), un entretenido film generacional en el que el hijo de uno de los supervivientes del ataque que supuso la muerte de Gamera encuentra una inofensiva tortuga, que, misterios de lo insondable, resultará ser una descendiente del mítico personaje, y crecerá hasta alcanzar los sesenta metros.

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Cine de los 80 Por Sergio Reina

Reconozco que tengo cierta debilidad por esta película, y es que me marco desde que la vi en alguna reposición siendo más jovencito, cuando en España tan solo teníamos dos cadenas de tv. Cumplidos ya los 25 años de su estreno, me parece más que oportuno hablar sobre esta estupenda película. Jeff Goldblum, es Seth Brundle, un científico que esta trabajando en un experimento para la teletrasnportación. Presenta el proyecto a una periodista (Geena Davis), la que se compromete a realizar un libro, y catalogar en video todo el experimento, pues si este tiene éxito, a buen seguro sería un hito que marcara a la humanidad. En su afán de progresar, y en un ataque de celos algo borrachos, Brundle, decide experimentar consigo mismo, sin darse cuenta de que en la cabina de teletrasnportación, ha entrado otro ser vivo (una mosca), pero que de la cabina que recibe Brundle,

tan solo sale él. Poco a poco, va a ir sintiendo cambios en su fisonomía, y en su forma de pensar, hasta que llega al descubrimiento de que la máquina ha fusionado los dos ADN en uno. La película, realmente, no es un remake, aunque durante mucho tiempo se ha dicho que lo era de la película del año 1956, y del mismo título. Lo que de verdad es, es una nueva adaptación del mismo relato. A este proyecto, Cronenberg llego casi por casualidad, y no sin superar varios obstáculos para llegar a ver la luz. Tras deambular el primer guión sin un estudio que produjera la película, el productor Ohman Kip, consiguió que la Fox recibiera el proyecto, gracias sobre todo a la alianza de dos productores más: Stuart Cornfeld, y Mel Brooks. De hecho, Brooks, intento evitar que se difundiera que era uno de los productores, para que la gente se tomara en serio la película, y no la vincularan a su imagen de ac-

tor, director, guionista, productor cómico. Fox, acepto el proyecto, pero impuso a Cronenberg de director, y este a la vez, exigió rescribir el guión, para hacerlo suyo. Así fue como por fin, el proyecto empezaba a andar. Personajes en la película aparecen pocos. Tenemos el dúo protagonista, Jeff Goldblum, y Geena Davis. Cronenberg, era muy reacio a contratar a Goldblum para el papel, pero tras un duro casting, entre los que estaba Michael Keaton, vio que era la mejor elección, incluso aunque su ayudante de efectos especiales dijera que su piel era difícil de maquillar. Goldblum, por aquella época era la pareja sentimental de Davis en la vida real, y así fue como sugirió a esta para el papel de la periodista, algo con lo que Cronenberg no estaba muy de acuerdo, pues le parecía peligroso juntarlos en pantalla, y que transcendieran sus situaciones reales personales a la pantalla. Al final por supues-

Jeff Goldblum interpreta al científico Seth Brundle www.cinemascomics.com

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to, vio que era la mejor opción. Aparte de estos dos, tenemos a John Getz, en el papel de jefa de Davis. Y contiene un cameo muy especial, el del propio director haciendo de ginecólogo abortista. Este cameo, tiene mucho que ver con Martin Scorsese, pues este le dijo una vez a Cronenberg, tras visionar sus primera películas que parecía el cirujano plástico de Beverly Hills, mote que David, acepto con gusto, y del que se rió en esta película.

Algo que desgraciadamente, pese a los esfuerzos, se nota bastante. Seguro que hoy en día se habría recurrido a la informática, pero no me negareis, que a pesar de sus defectos, estas escenas tienen un encanto del que se carece en el cine de hoy en día, donde se ha perdido ese punto de realidad. La película fue un rotundo éxito, recaudando mucho más de lo invertido, y por supuesto se convirtió en obra de culto instantáneamente.

El rodaje fue intenso, donde los efectos especiales tuvieron que estar muy presentes. El maquillaje de Goldblum, llego a requerir cinco horas de trabajo para poder comenzar a rodar. Así como el construir una habitación giratoria, replica del laboratorio de Brundle, para hacer la simulación de que este anda por el techo.

Este éxito, permitió que se realizara una segunda película, aunque esta vez, no quedaba nadie del equipo original, ni siquiera el director. Esta película, esta protagonizada por el hijo de Brundle, que tras nacer como una larva del vientre de su madre, la cual muere en el parto, enseguida empieza a desarrollar los poderes (o mejor

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dicho los defectos) de su padre, pues tiene un desarrollo vertiginoso, y a los cinco años de edad, ya aparenta 25, y se puede poner al mando de la empresa científica que ha nacido con el nombre de su padre. Por supuesto, acabara igual que él, desarrollando a la mosca que hay en su interior. Una película muy recomendable si todavía no la has visto, y que mejor lo hagas antes de que se plantee seriamente su remake por la original industria de Hollywood, pues seguro que esta al caer, viendo el ritmo de remakes que se están rodando. Desde luego, aquí estará esta vuestra revista para contároslo. Un buen momento para celebrar sus 26 años de estreno en USA, y 25 de su estreno en España.

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Especial series

Por Vicente Barrena

En nuestro mundo hay gente con dones increíbles. El gobierno tiene constancia de ello y cuenta con un equipo de los denominados Alphas para interceptar y detener y controlar a cualquiera de estos sobrenaturales que pueda suponer un peligro para la sociedad. En contrapartida, un ejército terrorista bautizado Bandera Roja utiliza a estos Alphas para dejar clara su posición sobre el humano corriente. El grupo que protagoniza esta serie será el encargado de detener los planes de los miembros de Bandera Roja y lidiar a su vez con los entresijos y planes de un gobierno (norteamericano, por supuesto) que no acaba de confiar del todo en los sobrenaturales.

Bajo esta premisa nace la serie Alphas, encuadrada dentro de ese grupo de series creadas con un presupuesto muy holgado y que se destinan en exclusiva a saciar el hambre de los devoradores de series de este estilo (entre ellos, yo). La serie viene de la mano de Universal Cable Productions y, cómo no, SciFy Channel. Para cualquier lector de comics, esta trama no supone nada original, ya que el tema de sobrenaturales amparados por el gobierno que se dedican a cazar otros sobrenaturales está ya bastante tratado, por ejemplo, en Marvel. El ejemplo más claro es la saga mutante de X-Men y su serie hermana Factor X, cuya esencia encaja perfectamente con la trama de Alphas. A los revolucionarios miembros de Bandera Roja le atribuimos la clara influencia de Mag-

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neto y su Hermandad, si bien en el desarrollo de la serie podremos ir descubriendo algún que otro personaje o rasgo original frente al Amo del magnetismo de la Casa de las Ideas y su obsesión por marcar la diferencia entre humanos y meta humanos. De todas formas, es evidente la similitud de esta serie con el mundo del cómic cuando vemos en los créditos que la serie está creada por Michael Karnow y Zak Penn. Este último tiene una larga carrera como guionista de películas de superhéroes. Responsable del argumento de la inminente película de Los Vengadores, es responsable también de cosas como Hulk, X-Men: Decisión Final, Los Cuatro Fantásticos e incluso si miramos mucho más atrás, El Último Gran Héroe.

Personajes principales Dr. Lee Rosen (David Strathairn) Reputado psicólogo que ejerce el típico rol de mentor del grupo y enlace con el gobierno. Con una influencia más que evidente de Charles Xavier en cuanto a su dedicación, el Dr. Lee muestra una personalidad muy segura de sí misma que a su vez puede hacer que ames u odies al personaje a los pocos minutos de comenzar a ver la serie. No es un Alpha (al menos mientras a los guionistas no les dé por sorprendernos) pero por alguna razón desconocida (a medida que vas viendo la serie vas conociendo cosas sobre el pasado del doctor y su colaboración en proyectos del gobierno relacionados con los sobrenaturales) se ha volcado por completo en codearwww.cinemascomics.com

Bishop en Fringe pero sin ser tan magnífico. Nina Theroux (Laura Mennell) La mujer fatal del equipo. Con un pasado oscuro y cierto vínculo con el Dr. Lee, no podía faltar en el equipo una mentalista. Capaz de introducir órdenes en las mentes de los demás mientras mantiene contacto visual, Nina compagina sus quehaceres diarios en el grupo con una vida de puertas abiertas a todo lo que pretenda conseguir. Es un personaje tópico y nada original para cualquier seguidor de comics de superhéroes. Rachel Pizard (Azita Ghanizada)

se con ellos y por supuesto, en no dejar que sean tratados como simples peones por el gobierno. Gary Bell (Ryan Cartwright) El más joven del equipo Alpha. Su don le permite interactuar con cualquier señal electromagnética de tal manera que vive rodeado de señales de televisión, radio, teléfono o incluso internet. Supuestamente debido a esa sobrecarga continua de información, el chaval muestra un grado de autismo y además aporta al grupo una visión distorsionada de los objetivos del equipo e incluso de la mera convivencia. Es maniático y si algo se sale de su rutina establecida, puede llegar a estallar. Bien podría decirse que este personaje ejerce el rol de la mente maravillosa del equipo, algo similar a lo que podría ser Walter www.cinemascomics.com

La segunda fémina de a bordo destaca por sus sentidos desarrollados a un nivel superior. Gracias a ello ejerce las labores de investigación en los casos de tal manera que si Grissom la tuviera en su equipo, cerraría los casos de tres en tres. El trasfondo de este personaje está situado en una familia de origen indio con una lavandería como empresa familiar y una mente un tanto obsoleta y cerrada ante los poderes de su hija y el propio destino de esta, cosa que permanece constantemente presente en el desarrollo de Rachel a través de la serie. Bill Harken (Malik Yoba) Ex agente del FBI que tras un accidente queda retirado de servicio pero entra a trabajar para el equipo del Dr. Lee. Ejerce de mediador entre las operaciones de los Alphas y las fuerzas del orden. Su don sobrenatural es el de obtener una mejora de fuerza y velocidad considerables ante situaciones de estrés, cosa que de manera secundaria le produce también un rápido desgaste físico además de alimentar su furia.

ra impresión de pretender ser el líder o manejar en lo posible el control de todo. El marco donde se ambienta el trasfondo del personaje es también bastante típico dentro de estas series. Bill está casado, busca estabilidad y muestra una clara obsesión por recuperar su anterior trabajo. Si tuviera que hacer una rápida comparación, diría que podría ser La Cosa de Los Cuatro Fantásticos.

El Episodio Piloto y la primera temporada De manera simple y directa se hace una presentación de los personajes y sus operaciones. La búsqueda de un antiguo jugador de beisbol cuyo don sobrenatural es una puntería asombrosa será la trama del capítulo. A partir de ahí la serie se desarrolla presentando un nuevo caso en cada capítulo, con un pequeño hilo conductor de la trama principal que se va desarrollando cada vez más. La relación entre el Dr.Lee y sus Alphas, la existencia de viejos miembros, aparición de enemigos inesperados, alianzas forzadas y el propio desarrollo de la relación (amistosa o no) entre los miembros del equipo alimentarán el desarrollo de la historia de manera más o menos amena. A modo de despedida, decir que Alphas no es una gran serie cargada de efectos especiales o con súper poderes épicos. El trasfondo es bastante aceptable para llegar a pensar que podría suceder de verdad, que hubiera gente con una mejora frente al resto de la humanidad y todo lo que ello conllevaría. Recomendable para cualquiera que quiera ver otra vuelta de tuerca más en cuanto a sobrenaturales y que no espere encontrarse toda una revelación.

Este personaje aporta la experiencia táctica y operativa al equipo del Dr. Lee, con una claCinemascomics │abril 2012 │ 149

Siempre he tenido la necesidad de ver qué hay más allá, qué hay al girar la esquina. El mundo trata de decirte “Esto es lo que hay y no te aventures más lejos, porque ahí fuera hay monstruos”. Pero yo quiero ver esos monstruos. Terry Gilliam

Muchos son los espectadores que van a las salas de cine para ser asustados, para saltar en la butaca o clavarle las uñas al espectador de al lado. A los espectadores les gusta pasar miedo. Aunque sólo sea para probarse a sí mismos, para probar sus límites y hasta dónde pueden soportar. Hasta ahora, parecía que sólo la oscuridad de las salas de cine era el lugar adecuado para ello, pues la televisión llevaba muchos años sin caer en las redes oscuras de lo tenebroso. Sin embargo, dentro de la edad dorada de las series de televisión que llevábamos años disfrutando, se está desarrollando un fenómeno televisivo del que no se está hablando demasiado, quizá porque aun está en desarro-

Poster promocional de Tales from the crypt

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llo y no alcanzamos a ver su potencial final. The walkind Dead, American Horror Story y The river son la prueba del auge y asentamiento del terror en formato televisivo. Pero, ¿puede el terror realmente funcionar en este formato? ¿Cuál es la clave del éxito? ¿Puede mantenerse la tensión de un filme de terror durante decenas de capítulos?

El terror llega al hogar Antes de que Frank Darabont y los zombis empezaran a perseguir humanos por las calles de Atlanta en el episodio piloto de The walking dead, ya algunos habían intentado acercarse al género. Los ejemplos más famosos los encon-

tramos en Tales from the crypt o La dimensión desconocida, pero desde entones nadie había apostado de forma tan directa y con tanto éxito por el terror. Seguramente el éxito de series cercanas al terror, como True Blood o Dexter, haya sido uno de los alicientes para que AMC apostara por un producto de género como The Walking dead. La presencia y el interés de Darabont, un maestro del género que nos había entregado la fantástica La niebla en 2008, fue el broche final para que el proyecto saliera adelante. Y el éxito fue arrollador. Después llegarían American Horror Story y The River, expaniendo un género olvidado en televisión y dando origen a un fenómeno televisivo aun incipiente. Pero, ¿por qué ahora? ¿Por qué estas series están teniendo éxito? El terror, es evidente, no es un género apto para todo tipo de espectadores, por eso las audiencias no pueden ser todo lo grandes que deberían para garantizar una buena tajada en publicidad. Sin embargo, el éxito de series adultas como Los soprano, no aptas para todos los paladares, empezaron a abrir las puertas. Porque el miedo principal de las productoras con este género es que reducir el público implica un riesgo elevado de no recuperar el dinero invertido. Otro de los factores por los que quizá esté funcionando el terror televisivo es la necesidad de salir de la rutina, la adrenalina y fascinación de las historias de terror son un reclamo que el público disfruta. Cuando el cerebro suelta adrenalina, al igual que en las montañas rusas, se libera una sensación de placer posterior, similar también al sexo, que otorga una satisfacción que los espectadores, hasta hace poco, sólo podían buscar fuera de casa. Ahora también pueden sentarse frente al televisor o el ordenador de su casa después de un largo día de trabajo o estudio para disfrutar de estas montañas rusas que son www.cinemascomics.com

Imagen promocional con los protagonistas de American Horror Story

algunos episodios de género. Uno de los grandes desafíos del cine de terror es conseguir que los personajes te importen, que tu, espectador, empatices con ellos. A día de hoy parece muy difícil conseguirlo, pues la mayoría de los personajes del género suelen ser planos o poco interesantes. Por eso el terror en cines ha degenerado en el éxito de la porno tortura, pues en estos productos los personajes no importan, lo que busca el espectador es un compendio de muertes espectaculares y originales. Las series de televisión hacen que pases horas y horas con un personaje, acompañándole en sus sufridas aventuras. Así, los guionistas del terror televisivo han creado personajes con problemas tangibles, emocionales, que a todo espectador le resultan fáciles de identificar y, por tanto, personajes con los que www.cinemascomics.com

es fácil empatizar. De esta forma, puedes conseguir que el espectador sufra realmente con lo que viven los protagonistas. La duración de una serie, además, permite crear universos muy amplios, donde explorar temas de ética, moral o filosofía sin caer en el aburrimiento, pues requieren de un ritmo ligeramente diferente al de los filmes. En una serie de televisión puedes ir llevando a tus personajes a limites donde quizá un filme no pueda llegar, probablemente por la necesidad de acortar y darle al público más carnaza. Al mismo tiempo, el terror siempre se ha caracterizado por explotar miedos de la sociedad contemporánea. Y la sociedad de hoy vive en un mundo interconectado, global, donde todos estamos más en contacto y al mismo

tiempo mas alejados los unos de los otros. Vivimos en una sociedad en la que la gente que nos rodea puede ser la que menos conozcamos. Si vivimos en un mundo individualista, donde cada uno lucha por sí mismo y no hay conciencia de grupo, a veces, incluso, ni de familia, el terror es una vía para explorar estas cuestiones que flotan latentes en el subconsciente de los espectadores. De ahí que American Horror Story cuente los problemas internos de una familia rota cuyos fantasmas son el reflejo de sus propios miedos y problemas como familia; The walking dead muestra cómo los amigos y seres queridos pueden convertirse en nuestros peores enemigos, ahodando en una discusión compleja sobre individualismo o trabajo en grupo. Por ultimo, The river refleja el intento de reconstruir lo perdido por parte de varios personajes cuyas familias Cinemascomics │abril 2012 │

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Imagen de The Walking Dead. Rick escapándose por los pelos de los caminantes.

estaban también rotas y desechas Como se puede apreciar todas testas series tienen algo que permite al espectador seguir la trama de forma cercana y disfrutar del las emociones que nos transmiten, pues nos resultan cercanas y familiares. Aunque sean emociones de terror o disgusto, encontramos placer en su visionado porque podemos empatizar con los personajes. Porque, en lo más recóndito de nuestra mente, estamos haciendo terapia sobre nuestros miedos internos con estas tramas y porque, todo ayuda, el nivel técnico y de entretenimiento que ofrecen los giros de sus tramas a menudo superan los de producciones cinematográficas.

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Sin embargo, este nuevo auge del terror en televisión aun está dando sus primeros pasos, inestables, intentando andar por si sólo sin sucumbir en el intento. Es demasiado pronto para saber si estos nuevos productos de éxito aguantarán el paso de los capítulos y las temporadas. No sabemos si engancharán a más espectadores o los irán perdiendo. Porque el mayor obstáculo del género en televisión, en narraciones capitulares y tramas extensas y amplias, es mantener una amenaza constante que atrape al espectador. ¿Cómo matar a los suficientes personajes como para que el espectador sienta una amenaza real ante ellos pero a un ritmo lo suficientemente lento como para mantener a los personajes en situaciones creíbles? Esta es la pregunta que en Hollywood

vale millones de dólares. El éxito a largo plazo de estas series de terror reside en esta pregunta. Y la prueba está en la recién terminada segunda temporada de The Walking Dead. En ella, muchos espectadores se han molestado con el ritmo excesivamente lento del show de la AMC. Robert Kirkman y el equipo de guionistas de la serie han decidido pasar toda la segunda temporada en una granja. Tras una primera temporada marcada por el ritmo, el cambio de las localizaciones y el continuo sentimiento de amenaza, la segunda temporada pulsó el botón de pausa y se puso filosófica. Es cierto que la serie de comics tiene esa esencia, los debates morales y filosóficos evidentes que implica la transformación de amigos y seres queridos en zombis. La lucha por el liderazgo, la www.cinemascomics.com

necesidad de afecto en momentos de crisis y caos, las relaciones personales… Capítulos enteros, en definitiva, dedicados al diálogo y no a la acción. Para que la sensación de amenaza se hiciera patente, los últimos capítulos de temporada han incluido varias muertes y por fin un cambio drástico que plantea el escenario de la tercera temporada. Pero, por desgracia, para algunos espectadores ha sido demasiado tarde y han abandonado la serie. La audiencia sigue respondiendo (más de diez millones de personas vieron el final de temporada en Estados Unidos) aunque las dudas empezaron a surgir y la tercera temporada deberá responder las peticiones del púbico y encontrar el balance entre diálogo y amenaza. American Horror Story, por su parte, nació consciente de esa lacra. El show de Ryan Murphy comenzó sabiendo que la trama

terminaría con el último episodio de la temporada. Esto no quiere decir que la serie haya finalizado, sino que estamos ante un formato televisivo híbrido. A caballo entre la serie y la miniserie, American Horror Story seguirá una historia diferente cada temporada, con personajes diferentes y tramas independientes. Situadas todas en el mismo universo, con la posibilidad de Crossovers y guiños varios, cada temporada contará una historia completamente diferente. Así, los guionistas tienen la ventaja de una miniserie, pues la amenaza puede ser más palpable, puedes matar a personajes a un ritmo mucho mayor que otras series, ya que sabes que no van a seguir en temporadas futuras. Sin embargo, la ventaja evidente en cuanto a la efectividad de la amenaza necesaria del género se contrapone al riesgo de toda serie en su episodio piloto. Y es que el capitulo uno de cada temporada

será una prueba de fuego para la serie. Si la audiencia no responde bien a la trama presentada en el capítulo uno puede suponer su fin. Así que el show tendrá que probarse en cada capítulo uno, cada nueva temporada, cada año. Un riesgo que los creadores ven necesario pues les permite mantener la amenaza constante pero que puede ser un arma peligrosa. Por último llegó The River, una serie amparada por el director de Paranormal Activity, Oren Peli, y por la producción de Steven Spielberg. The river ha intentado lidiar con el problema de la amenaza amparándose en una estructura inicial de capítulos autoconclusivos. La temporada aun no ha terminado y por tanto lo escrito en estas líneas aun puede variar. Pero es cierto que los primeros cinco capítulos siguieron una estructura en la que se planteaban amenazas diferentes que se resolvían al final del episodio, aunque

Imagen de los integrantes de The River www.cinemascomics.com

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siempre dentro del McGuffin de la trama. Es decir, los personajes siguen las pistas dejadas por el investigador Cole Emmet a través del amazonas, pero en cada capítulo los protagonistas se enfrentan a una amenaza diferente. De tal forma, la incógnita de la amenaza parece resuelta. Pero cuidado. Sólo lo parece, puesto que enfrentar a los protagonistas, dentro de un numero tan reducido de personajes, a continuas amenazas sin que ninguno fallezca, puede resultar en aburrimiento o incredulidad por parte del espectador. En los últimos capítulos, sin embargo, la estructura ha variado ligeramente introduciéndonos dentro de una dinámica diferente a la experimentada. El Mcguffin ha pasado a ser el punto central de los últimos episodios y la búsqueda de Emmet ha provocado apariciones y desapariciones que han balanceado la ecuación de la amenaza para reenganchar a los

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espectadores justo a tiempo. Como es evidente, las tres series están tanteando los terrenos narrativos en que se van a mover. Buscando encontrar la respuesta a esa pregunta valorada en millones. Porque quien encuentre la fórmula para balancear la ecuación de la amenaza será quien más éxito consiga. El género de terror aun se mantiene y, aunque no tenga aun clara su línea narrativa, aunque aun no sepamos si va a funcionar el estilo, es evidente que el éxito inicial se debe a la morbosa curiosidad de la mente humana. A esa curiosidad que avanzaba la cita de un pequeño genio llamado Terry Guilliam. Porque a él, como a millones de espectadores en todo el mundo, le interesa ver lo que hay detrás de la esquina, encontrarse con esos monstruos más allá de las sombras. Y por eso, el terror en televisión está funcionando. Pero,

ahora que ya hemos visto a esos monstruos, ¿cómo mantenemos el interés y el morbo por ellos? ¿Cómo jugamos con ellos cada semana sin desmitificarlos o perder la sensación de amenaza que les hace tan interesantes? Lo siento, queridos lectores, si tuviera esa respuesta estaría escribiendo guiones desde mi mansión en Hollywood. Tendremos que esperar a próximos capítulos y temporadas de estas series para ver hacia donde evoluciona el género de terror en televisión, pero si algo ha quedado claro, es que los monstruos nos atraen porque son una amenaza, cuando dejan de serlo, dejan de ser interesantes.

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CAMINANDO ENTRE LOS MUERTOS ENTREVISTAMOS A LOS ESCRITORES DEL LIBRO QUE EXPLORA EL UNIVERSO DE

THE WALKING DEAD Los dos crecieron en Salamanca, rodeados de comics, videojuegos y televisión. Amigos desde que compartieran clase en la Universidad Pontifica de Salamanca, se han unido para escribir sobre una de sus pasiones comunes: los zombis. Diego Matos y Alberto Vicente recuerdan la gestación de su primer libro y revelan algunos secretos para el día del apocalipsis zombi. ¿Cómo surge la idea de hacer este libro? DM. Pues la idea original surgió de dos frentes distintos aunque, como vimos más tarde, complementarios. Por una parte, nosotros somos muy aficionados a los productos sobre zombis, tanto a Alberto como a mí nos gusta el cine de muertos vivientes, la literatura de terror, hemos leído mucho sobre el tema y estábamos siguiendo la serie de “The Walking Dead”, que se basaba en un www.cinemascomics.com

cómic de “Image” (que en España publica “Planeta DeAgostini”), escrito por Robert Kirkman y dibujado, primero por Tony Moore y después por Charlie Adlard, así que siempre habíamos albergado la posibilidad de hacer algo sobre no muertos. Y por otro lado, Vicente García, editor de Dolmen, nos contó que estaban detrás de hacer un libro sobre la serie y nos propuso encargarnos. En principio lo iba a hacer otro autor con el que Alberto y yo debíamos coordinarnos, pero más tarde desde la editorial decidieron que nos encargásemos nosotros. Nos reunimos con la gente de Dolmen en el Salón del Cómic de Barcelona del año pasado (2011), les contamos un poco las ideas que teníamos para el libro, les mostramos un índice provisional y les encantaron. Firmamos el contrato allí mismo y pusimos una fecha de entrega. Fue todo muy rápido, desde la editorial nos pusieron

todo tipo de facilidades desde el principio, cosa que es de agradecer, porque confiaron mucho en nosotros y en el potencial del libro. La última pieza para este puzle también apareció en el citado Salón. Me encargaba de moderar una mesa redonda titulada “Dibujando muertos vivientes”, en la que participaron los dibujantes Estaban Maroto, Víctor Santos, Angelo Stano y Charlie Adlard. Después de la charla nos acercamos a Charlie y le contamos la idea del libro. Se mostró muy atento y muy cercano, lo que nos sorprendió para bien. Y entonces le propusimos que colaborase, pero no le pedimos un dibujo, que sería lo más lógico, si no que nuestra propuesta fue que escribiera el prólogo. La idea le encantó. Nos regaló un texto estupendo, con que comienza el libro, algo original y diferente… y también le entrevistamos en profundidad (aparece el Cinemascomics │abril │

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resultado como anexo) y nos hizo un dibujo, por supuesto. ¿fue difícil lidiar con el tema de derechos de autor? DM. El tema de los derechos de autor siempre es complicado, en este caso, acreditamos la fuente de cada cita y las imágenes están utilizadas únicamente como apoyo informativo, ilustrativo de los textos. La titularidad de los textos es de sus respectivos autores (uno de ellos es Charlie Adlard, que colabora en el libro, mostrando así su apoyo al proyecto). ¿Cómo conseguisteis involucrar al dibujante para el prólogo y la entrevista? AV. Como comentaba Diego, tuvimos la oportunidad única de conocer a Charlie durante el Salón del Cómic de Barcelona del año pasado. Nada más terminar la charla de “Dibujando Muertos Vivientes”, nos acercamos a él y

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le explicamos nuestro proyecto y cómo nos encantaría que participara. Adlard, además de un gran profesional, se mostró muy accesible desde el principio y aceptó casi de inmediato (especialmente desde que le propusimos escribir el prólogo, algo muy poco habitual para él). Dado que reside en Inglaterra, a partir de ese momento mantuvimos el contacto por correo y tuvimos una larga charla/entrevista a través de Skype, que está incluida en el libro y que ofrece una visión profunda de su obra, influencias… reflejando ese optimismo característico suyo que comentábamos. ¿Cómo se escribe un libro a dos manos? ¿Dividisteis las tareas y capítulos? AV. Aunque efectivamente el libro está escrito a dos manos, nuestra intención desde el principio fue crear un texto fácil de seguir y homogéneo, que diera la impresión de estar escrito por

una sola persona. Precisamente por eso estructuramos el libro de una forma manejable, con capítulos bien diferenciados entre sí (género zombi, autores, trama, personajes,…), y decidimos que ambos escribiéramos en todos los capítulos. Según escribíamos los textos, repasábamos los del otro para asegurarnos de que el tono y el estilo fueran lo más similares posibles, con un resultado que es la mezcla de ambos. Al final logramos un libro con el que los dos nos sentimos satisfechos, fundamentado en que nos compenetramos muy bien y entendemos la forma de funcionar del otro. Cualquier persona que lo lea no podrá distinguir donde comienzan las líneas de uno y donde terminan las del siguiente, permitiendo que se concentre y disfrute de lo que realmente importa, que es el contenido. ¿Creéis que la serie debería ser más fiel a los comics?

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DM. La serie y el cómic son dos productos diferentes pero complementarios. Nosotros vimos cada capítulo de la primera temporada varias veces, hasta desgranar cada detalle, y somos de la opinión de que la esencia del cómic está ahí. Los responsables siempre han comentado que mantendrán los puntos básicos de las tramas de la historieta, aunque luego cambiarían el camino intermedio, las sendas, y creo que es algo positivo, porque así ni siquiera los fans tendrán las sorpresas argumentales chafadas. Una muestra de ello es el acierto de dejar con vida a Shane (un personaje que en el cómic fenece pronto), el juego que da en sus relaciones con los otros personajes en sitios y momentos en los que en las viñetas no llegó a estar, es muy interesante.

res y que también ha tenido éxito en otros ámbitos culturales. Ahora hay líneas literarias dedicadas a los zombis, cómics de zombis, más cine de zombis, series de zombis… marchas zombis, comunidades zombis en internet… En los momentos de crisis los muertos vivientes proliferan, no hay nada más que puedan quitarte, cuanto ya te han quitado todo, que tu propia carne. Y ése es el miedo final, que tus seres queridos, tus familiares, tus vecinos, tus amigos… te devoren. Hay mucha vida aún para estos modernos lázaros, que se han levantado y siguen caminando.

Aunque en el cómic es todo mucho más sutil y en la serie se ve mucho más claro, la base se reconoce, y ésa es la clave de las adaptaciones, que no copien, si no que se basen en las obras originales. La fidelidad nunca “llueve” a gusto de todos. Hay espectadores que son lectores y quieren una traslación viñeta a viñeta y plano a plano, mientras que otros prefieren ver productos con personalidades diferentes, pero una misma esencia. Nosotros estamos en un punto intermedio.

AV. Tanto el cómic como la televisión son dos medios de gran calado social, pero muy diferentes entre sí. Precisamente por eso, era inevitable que en la traslación del material de un medio al otro surgieran diferencias notables, aunque por otra parte muy necesarias. La intención de Darabont fue siempre mantener vivo el espíritu del cómic en cuanto a las formas como elemento diferenciador dentro del género, esto es, dejar claro que los protagonistas genuinos son los personajes y las relaciones que mantienen entre ellos, más allá de un mero espectáculo visceral y sanguinolento. Llama la atención como se ha llegado a cuidar detalles tan concretos como asegurarse de que el aspecto de los propios zombis fuera lo más parecido a como Adlard los dibuja en los cómics, resaltando mucho los dientes.

¿Creéis que el género zombi está sobrexplotado en la cultura popular de hoy? DM. El género zombi vive un momento fabuloso. La figura del muerto que camina y que devora a los seres humanos que encuentra a su paso, la metáfora del sucumbir ante la masa… siempre ha estado ahí. Desde Romero, el cine de zombis se ha elevado a crítica social, a serie B, a terror y a humor. Un subgénero del cine de terror que atrae a los espectado-

comienzan prácticamente de la misma manera, pero según avanza la serie empezamos a conocer personajes nuevos, vemos situaciones distintas, lugares diferentes… que ponen de manifiesto que la serie vendría a ser una especie de universo paralelo respecto al cómic. En ambos aparecen ciertos personajes y situaciones clave, para luego abandonar la senda conjunta y tomar caminos distintos. Esto permite, por ejemplo, que los fans del cómic encuentren en la serie un material fresco e impredecible que queda muy lejos de ser una mera traslación de lo que ya leyeron.

¿Cuáles son las diferencias entre leer los comics y ver la serie? ¿Se ha respetado el espíritu de los comics en la televisión?

Más allá de eso, tanto la serie como el cómic

¿Cuál consideráis que es la receta del éxito de los comics y la serie? ¿Qué tienen de especial para atraer al público de esta forma? AV. Cuando Kirman propuso h a - cer un cómic de larga

pontánea y realista, sin grandes discursos o momentos heroicos. Y a la vez, es imposible disfrutar del argumento y seguir los pasos de estos individuos tan complejos y durante tanto tiempo sin que te importen de verdad. Esta irónica contradicción forma parte de la huella agridulce e imborrable que la obra deja en el lector. Lo que llevamos de segunda temporada, ¿es lo que esperabais?

trayectoria centrado en un grupo de supervivientes de una plaga zombi, nadie apostaba por que esa idea funcionase de verdad. Sin embargo lo hizo, y creo que la razón de que haya funcionado tan bien es precisamente el enfoque único que Kirkman le da a su obra. Que quede claro que los verdaderos protagonistas de la historia (los muertos vivientes de título) y quienes realmente nos importan son los personajes y sus relaciones, y no lo zombis, que quedan relegados a un segundo plano como la excusa o mcguffin

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que mueve la trama. Otra de las claves del éxito del cómic (y por extensión de la serie que sigue sus pasos) es su completa imprevisibilidad. Una de las máximas de Kirkman para “The walking dead” es que “nadie está a salvo”. Literalmente. No puedes permitirte el lujo de encariñarte demasiado con un personaje, porque por mucho peso o trayectoria que tenga en la historia puede que muera, de un disparo en la cabeza, algunos números después, de forma es-

DM. Había mucha expectación en esta segunda temporada y también muchas dudas. El showrunner de la serie, Frank Darabont, había abandonado el proyecto de manera apresurada por desavenencias con AMC (según parece por cuestiones creativas y por temas de presupuestos), lo que conllevó el temor de los fans por la calidad y por la continuidad de la serie. 13 capítulos divididos en dos tandas tenían que calmar las ansias y las dudas. A nuestro juicio, lo han conseguido. El primer arco de capítulos nos devolvía a los protagonistas y los colocaba en una situación de peligro que en el cómic no habían vivido. Más tarde conoceríamos a Hershel y su familia y aparecería el primer gran enclave de la historia, la granja. Y aunque los capítulos se desarrollaban con un tono pausado, cosa que molestaba a algunos espectadores, que esperaban más acción y más caminantes, el final del capítulo 6 dejó a todos con la boca abierta. Fue emocionante, tenso, sobrecogedor. Después de aquello descontamos los días hasta la vuelta, hasta el 7, y no nos han defraudado. Esta segunda mitad de temporada está dando lo prometido: la crudeza y la emoción de los cómics, sumado a un nuevo giro en relación a las tramas y a los personajes. No podemos dar nada por supuesto, personajes que el cómic mueren, en la televisión sobreviven… y viceversa. www.cinemascomics.com

Si hubiera un apocalipsis zombi, ¿qué arma elegiríais y por qué? ¿Dónde os esconderíais? DM. En mi caso, llámame clásico o nostálgico, pero creo que me decantaría por una buena escopeta y por una motosierra (creo que a Ash le vino de perlas contra todos los ejércitos de las tinieblas a los que se enfrentó –risas-). Bueno, en realidad también me aprovisionaría con una Beretta o algún tipo de revolver pequeño y manejable. Y me haría con un buen cuchillo de caza. En un amanecer de los muertos nunca se está bien armado. AV. Según parece las armas de fuego atraen a más zombis, así que aunque sean muy efectivas lo más inteligente sería descartarlas. A partir de ahí se abre un mundo de posibilidades que incluyen armas de mano como machetes, palas, hachas… o armas arrojadizas como cócteles molotov, flechas, virotes de ballesta… Creo que me decantaría por un par de tomahawks, que son una combinación de ambas. Y admitámoslo, ¿Qué es más divertido, dispararle en la cabeza a un zombi o atizarle con una sartén hasta “freírle” los sesos? (Risas). DM. En cuanto al sitio, un Centro Comercial siempre es buena idea (otro clásico). Allí hay un poco de todo y si está a las afueras de una ciudad, será el sitio que cualquier superviviente desearía. Mientras los zombis pululan por los alrededores, siempre se puede reactivar el cine del Centro Comercial o incluso ir de tiendas (risas). Una isla alejada puede ser un lugar ideal, si la infección no ha atravesado el mar. Y la idea de Rick y los suyos de parapetarse en granjas o en cárceles también me parece buena. AV. Aquí estoy de acuerdo al 100%. Un centro comercial bien protegido sería la mejor opción. www.cinemascomics.com

Si los zombis empezaran a acumularse a su alrededor (como en el remake de “Amanecer de los Muertos”), tampoco sería demasiado problema. Bastaría con coger algunas furgonetas y “hacer limpieza” por el perímetro de vez en cuando. Caso resuelto… al menos, hasta que se acaben las provisiones. ¿A qué personaje, ficticio o histórico, os gustaría ver zombificado? Ya sea en las páginas de los comics o en la serie de televisión. AV. Hay muchísimos personajes que me gustaría ver zombificados en los dos medios, pero como Kirkman siente tanto respeto y devoción por la obra de George Romero, un cameo suyo como líder una manada zombi me parecería un homenaje digno del padre de los muertos vivientes. Además, Charlie Adlard nos comentó como de vez en cuando incluye a amigos suyos o fans en las páginas del cómic a modo de cameo. ¿Y por qué no? Me encantaría verme a mí mismo zombificado mientras Rick me aplasta los sesos con una tubería (risas).

Robert). A Bill Murray lo zombificaron en “Bienvenidos a Zombieland” (2009), si no sería otra buenísima opción (risas). Ah, y me gustaría verte zombificado a ti, querido lector… ¡Cuidado!, alguien se arrastra a tu espalda y parece hambriento… (más risas). ¿Continuareis con una segunda parte de este libro? AV. Ni el cómic ni la serie han terminado aún y siguen pisando fuerte, así que una segunda parte parece una idea de lo más natural. Esa hipotética secuela podría funcionar a modo de expansión del libro original, cubriendo los siguientes números del cómic y las nuevas temporadas de la serie. Al fin y al cabo, ambos universos están en constante expansión y siempre habrá material más que suficiente para analizar y discutir durante muchas páginas. La decisión última la tiene la editorial Dolmen, pero ganas por nuestra parte no faltan. ¿Y cuál podría ser el nuevo título? Cuanto más descubrimos sobre los zombis de Kirkman más inteligentes parecen, así que quizás habría que dejar de “caminar entre ellos” para “correr delante” (risas).

DM. Es una pregunta complicada, ya se ha zombificado a tanta gente y a tantos personajes, que ser original es difícil. Hay Quijotes y Lazarillos zombis, actores o actrices, como Amaia Salamanca, que también se han disfrazado de muertos viviente… A mí me gustaría ver a versiones zombificadas de personajes como Hitler (me lo imagino haciendo su particular saludo de brazo en alza, pero sin brazo) o a Benjamin Franklin, agarrando un pararrayos mientras gime buscando cerebros. También me gustaría ver, aunque no son personajes históricos, versiones zombis de Bruce Campbell (el mítico actor de serie B, imagináoslo en una viñeta o en un pequeño cameo en la serie) o del propio Robert Kirkman (Charlie se animó, por qué no debería hacerlo Cinemascomics │abril 2012 │ 163

PANINI NOIR. HIT MOLL Contiene Powers vol. 5: Anarchy TPB USA Guión de Brian Michael Bendis Dibujo de Michael Avon Oeming Formato: Libro en tapa dura 224 pags. PVP: 21,95 € Editorial Panini

En la tradición del cine de Luc Besson (Nikita, Leon El Profesional), llega la historia de Corinna, una joven asesina adiestrada por su padre, que se ve envuelta en una trama de traición, venganza y asesinato de una crudeza pocas veces vista. Dos grandes talentos del cómic italiano saltan a escena.

100 % CULT. KIRBY: GÉNESIS 1 Contiene Kirby: Genesis vol. 1 TPB USA Guión de Kurt Busiek y Alex Ross basado en conceptos de Jack Kirby Dibujo de Jackson Herbert Libro con solapas. 160 páginas. PVP: 15 € Editorial Panini

Los creadores de Marvels se reúnen para su primera colaboración en más de tres lustros. El motivo no es otro que la creación de un nuevo universo a partir de personajes que fueran creados por el mayor genio que haya conocido jamás la industria del cómic... ¡Jack Kirby! La humanidad envió un mensaje a las estrellas. Ahora, la respuesta ha llegado, pero no es la que nadie esperaba. La vida de tres personas cambiará para siempre, y con ellas, también las de todo el planeta. ¡Contempla el comienzo! ¡Contempla el Génesis!

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JUEGO DE TRONOS Nº1 Edición original: A Game of Thrones #1-6 USA Guión/dibujo: George R.R. Martin (novela), Daniel Abraham/Tommy Patterson Formato: Libro cartoné, 192 págs. color. Precio:14,95 € Editorial Planeta DeAgostini Cómics Juego de Tronos nº1 es la adaptación oficial de la brillante novela del mismo nombre. Ahora, George R. R. Martin se une al aclamado novelista Daniel Abraham y al dibujante Tommy Patterson para insuflar nueva vida a la obra maestra de la fantasía heroica Canción de hielo y fuego como nunca se había visto antes: en una novela gráfi ca a todo color, dando una visión única sobre el mundo ideado por Martin. Este volumen inicia la adaptación de Juego de tronos, la primera parte de la saga bestseller en todo el mundo, que será recogida en cuatro entregas.

LA CAPA Edición original:The Cape Legacy Edition # 1, The Cape # 1-4 USA Guión/dibujo: Joe Hill, Jason Ciaramella y Zach Howard Formato: Libro cartoné, 160 págs. color. Precio: 14,95 € Editorial Planeta DeAgostini Cómics Eric ha cruzado el límite. Está harto de su madre, a quien ha defraudado; de su casa, que considera una prisión; de su chica, que le engaña con otro; de su inexistente trabajo, porque no destaca en nada; de su hermano, al que odia y envidia... Eric cree que no hay salida del agujero en el que ha metido su vida... hasta que descubre que hay algo en lo que sí es bueno: en vengarse. Y para ello, hace uso de su capa para repartir el odio que siente hacia todos sus supuestos seres queridos, en una miríada de desastres, asesinatos, traiciones y giros de guión inesperados. Llevar una capa era símbolo de heroísmo, pero después de leer esta historia, nunca las volverás a ver igual. www.cinemascomics.com

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