Nº 2 Cinemascomics: La revista. Marzo 2011

Marzo 2011. Nº 2. Año 1

www.cinemascomics.com

La revista

Especial

Zack Snyder

ESTRENOS

EXORCISMOS DE CINE

EL RITO RANGO DESTINO OCULTO...

Entrevista

Matt Damon ESPECIAL SERIES

URSO C N O ¡C AR ALL ST N! MA R E P U S

ESPADA Y BRUJERÍA

EL GÉNERO QUE REVIVE EN 2011

CRÓNICAS VAMPÍRICAS SUPERHÉROES CON IDENTIDAD PROPIA

THE CRITTERS LOS INMORTALES 25 ANIVERSARIO

25 ANIVERSARIO

cinemascomics la revista DIRECTOR

EDITORIAL

Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego Manuel Moros David Larrad Pedro Pinos Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Úrsula Karivdis Javier Calvo José Joaquín González (unblogdefanafan.blogspot.com) Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) TIRA CÓMICA Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics.

A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

¡Hola amigos de Cinemascomics! Aquí estamos de nuevo con nuestra cita mensual. Marzo es un mes especial porque www. cinemascomics.com cumple el próximo día 14 dos añitos en la red, trayendo las últimas noticias, los mejores trailers, críticas y entrevistas del género.

Este mes dedicamos nuestra portada a Baby Doll, personaje principal del tan esperado estreno estrella de este mes: “Sucker Punch”. Y como buenos fans de Zack Snyder que somos, Diego Sánchez nos habla del realizador de “300” y “Watchmen”, mientras que Manuel Moros nos desvelará algunas claves de éste, su más reciente trabajo.

Con motivo del estreno de “En tiempo de Brujas”, Gerard Fossas nos trae un artículo especial de “Espada y Brujería”, Manuel Moros nos hablará de los exorcismos en el cine y en la sección clásicos del terror Pedro Pinos nos dará a conocer las adaptaciones cinematográficas de la obra de Edgard Allan Poe. Es un año de aniversarios. Sergio Reina conmemora el 25 aniversario de “Los Critters” mientras que David Larrad hace lo propio con la cinta de culto “Los Inmortales”.

Cierran este número dos interesantes artículos. Javier Calvo dedica su especial series a “Crónicas Vampíricas” y José Joaquín González nos trae “Superhéroes con identidad propia”, un artículo en el que nos habla de películas del género no basadas en comics.

Y una vez más, muchas gracias a nuestros colaboradores que de forma desinteresada hacen posible esta revista, a mi familia por la paciencia que tiene conmigo y por supuesto a vosotros , queridos lectores, por seguirnos fielmente.

Carlos Gallego Director de Cinemascomics

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MARZO 2011 Número 2

La tira de diego burdio. pag 7

Zack Snyder: Repaso a una mente Friki

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Actualidad 23│Capitán América

Primera imagen del Craneo Rojo

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25│ Spider-man Reboot

Primera imagen oficial de Andrew Garfield con el traje del súper héroe aracnido, con la máscara

26│Linterna Verde Nuevas imágenes

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Exorcismos de cine

The Cri 25 aniv

criticas 80│En tiempo de brujas 81│ Rango 82│ The Mechanic 83│El Oso Yogui

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9 Crónicas Vampíricas www.cinemascomics.com

Matt Damon

contenido 50

estrenos 16│ Sucker Punch 25 de marzo 30│ Destino Oculto 4 de marzo 38│ Rango 4 de marzo 44│ En tiempo de Brujas 4 de marzo

Espada y brujería, el género que revive en 2011

56│ El Rito 18 de marzo 70│ Gnomeo y Julieta 18 de marzo 74│ Piraña 3D 24 de marzo

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DVD/Blu-ray

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itters. versario

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84│ All Star Superman (Superman Viaja al sol)

que leer

Edgar Allan Poe y el cine

112│ Zona cómic

106 Los inmortales. 25 aniversario

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Superhéroes con identidad propia Cinemascomics │ Marzo 2011 │

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ZACK SNYDER: REPASO A UNA MENTE FRIKI Por Diego Sánchez Se atrevió a rehacer una película del genio Romero. Conquistó la taquilla con una ultraviolenta lucha histórica e hizo la película de una novela gráfica supuestamente imposible de llevar a la pantalla.

Frenó un poco para hacer un filme que pudieran ver sus hijos y está a punto de estrenar la mayor épica friki jamás rodada. Y por si fuera poco, ahora trabaja en devolver por la puerta grande al superhéroe por antonomasia. Con motivo del estreno de Sucker Punch, nos introducimos en la mente de uno de esos frikis que terminan haciendo grandes películas.

como los de 300 o Amanecer de los muertos, donde lo que interesa es qué les ocurre a los personajes, cómo se ven envueltos en la acción y casi arrastrados a enfrentarse a su destino, siempre violento. Porque si de algo se ha caracterizado el cine del realizador de 300 es por la violencia.

Los destellos de gore de su carta de presentación en Amanecer de los muertos eran ya una muestra

Grande, muy grande

Zack Snyder

“Intentamos hacer algo realmente épico. El mayor reto es ponerlo todo en pantalla”. Con estas palabras declaraba el realizador en una revista inglesa su intención de reventar la pantalla con detalles y locuras salidas de su mente para Sucker Punch. Y es que si algo destaca de este taquillero director es la épica que imprime a todos y cada uno de sus proyectos. Los personajes se enfrentan siempre a situaciones extremas; las gestas más imposibles se interponen el camino de los protagonistas; las consecuencias de sus decisiones siempre son trascendentales, cargadas de emoción, de acción, de riesgo… De épica. Porque el cine del “visionario director”, como muchos le han calificado, reúne las principales características de la novela épica.

Los personajes, como en muchas de estas novelas, son bastante planos. Especialmente en casos www.cinemascomics.com

“Intentamos hacer algo realmente épico. El mayor reto es ponerlo todo en pantalla”

evidente de ello. Pero fue en 300, la historia de un reducido grupo de soldados espartanos enfrentados a miles de persas, donde la violencia fue glorificada como en las antiguas gestas de caballerías.

Gracias al estilo comic que adop-

tó el realizador, el espectador podía sentir la sangre salpicando, casi literalmente, la pantalla.

En las dos películas ya citadas, como en Watchem o Ga'Hoole, la trama sigue una estructura seriada, una búsqueda del “más difícil todavía”, en la que los protagonistas van enfrentándose poco a poco a la adversidad y por muy imposible que parezca, no dudarán en arriesgar sus vidas con el fin de demostrar su valor, su honra y su buen corazón.

Y para conseguirlo vivirán mil y una aventuras, sudarán en decenas de batallas y vencerán siempre en geografías fantásticas, irreales pero creíbles al mismo tiempo, fusionándose bajo un tiempo histórico extraño, a veces remoto. Desde la realidad pervertida del apocalipsis zombie hasta la fantástica visión que ofrece Ga'Hoole, pasando por el modificado tiempo histórico de Watch-

Fotograma de “El Amanecer de los muertos”, 2004 Cinemascomics │Marzo 2011 │

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Fotograma de “300”, 2006

men o la espectacular visión que ofrece 300 del siglo V antes de Cristo.

Todas estas características eclosionan finalmente en Sucker Punch. En la película, una joven encerrada viajará con su mente a mundos fantásticos en los que se irá enfrentando a pruebas, enemigos y batallas que deberá superar con la espada y con las armas para demostrar su honor y escapar de la prisión en la que se encuentra.

Un friki suelto en Hollywood

Acaba de cumplir cuarenta y cinco años, y aunque su cine nunca esté en la ceremonia de los Oscar se ha convertido en uno de los realizadores más cotizados del momento, capaz de llevar sus películas directamente al número uno de la

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taquilla mundial y con el poder de amasar millones en taquilla. Pero en el fondo, Zack Snyder no deja de ser un friki más como los muchos que existen (existimos) por el mundo.

Cuando nació en Green Bay, Wisconsin, poco se imaginaban sus padres que su hijo terminaría dirigiendo una película de Superman.

Tampoco lo harían sus compañeros en el instituto de Arte de Inglaterra en el que estudió, aunque quizá ser compañero de clase de Michael Bay en el Centro de Arte y Diseño de Pasadena, California, empezó a dar pistas de por dónde iba a transcurrir la vida del realizador.

Su papel tras las cámaras comenzó en el mundo de la publicidad.

Comenzó como director de fotografía para pasar a realizar spots

para marcas de la talla de Audi, BMW, Nissan, Nike, Reebok o Gaterode, hasta que finalmente se lanzó al mundo del cine revisionando una de las obras cumbre del terror: El amanecer de los muertos, del maestro George A. Romero. Aunque no fue hasta su segunda película, 300, cuando saltó a la fama. Su épica narración de la lucha de los espartanos en las Termópilas amasó más de doscientos millones de dólares sólo en Estados Unidos. Gracias a esta película, su vida cambió por completo.

Dejó de asistir a la Comic Con de San Diego como aficionado, como un friki más, y empezó a acudir como invitado. Ya nunca tuvo problemas para comprar figuras de acción, para comprar objetos de coleccionista. Él mismo creaba iconos que la gente compraba www.cinemascomics.com

Snyder hablando con las protagonistas de Sucker Punch en un momento del rodaje.

después. Y es que Snyder podría sentir la Comic Con como su propia casa. Acérrimo lector de comics, su carrera está íntimamente ligada al mundo friki. Comenzó con zombies, siguió con una novela gráfica de violencia y sangre y saltó al mundo de los superhéroes de capa caída con Watchmen. A esta película le siguió Ga'Hoole, una historia sobre búhos luchadores y aventuras fantásticas, y ahora, este mes de marzo, estrena la primera película escrita de su puño y letra (o mejor dicho, del tecleo sobre su ordenador): Sucker Punch. ¿Y qué se puede encontrar uno en la película? Todo lo que un friki podría desear: dragones, chicas sexys, armas, robots y explosiones.

Y por si fuera poco, Christopher Nolan le ha elegido personalmente como director del reinicio de www.cinemascomics.com

Superman, una de las grandes apuestas para el verano de 2012.

Así que está claro. Ahora que ha sido apadrinado por uno de los directores de cine más en alza del momento (tras El Caballero Oscuro y Origen, el prestigio de Nolan es estratosférico) Zack Snyder ha dejado de ser un friki más. Ahora es un friki respetado.

Jugando con el tiempo

Pero en esto del cine hay que ganarse el puesto, el reconocimiento y el respeto. Snyder ha recorrido peldaño a peldaño el camino al respeto y la libertad de trabajar en Hollywood “a su manera”. El éxito del director no ha llegado solo, sino que es producto de un tipo de relatos épicos, como ya hemos dicho, pero rodados y llevados a la pantalla con un estilo muy personal, moderno e incluso innovador.

En Amanecer de los muertos ya mostró destellos de su narrativa visual (los planos casi cenitales siguiendo el coche de la protagonista y mostrando los efectos del caos zombi son un buen ejemplo).

Pero lo que ya quedaba claro en aquella ópera prima era su “gusto” por la violencia, por la sangre.

Ráfagas de efectos gore anticipaban la visualización sangrienta pero estilizada de la violencia que se aprecia en casi todos los trabajos del director. Hay películas que suavizan la violencia y eliminan la sangre de la pantalla para conseguir una calificación para mayores de trece años, y así hacer más taquilla. Sin embargo, Snyder no entra en ese juego: si la acción mostrada en pantalla es sangrienta, la sangre tiene que verse. La violencia, las palabras malsonantes, no se eliminan, sino que forman parte del lenguaje Cinemascomics │ Marzo 2011 │

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Imagen de Ga’Hoole: La leyenda de los guardianes

cinematográfico del director del mismo modo que forman parte de cualquier sociedad humana.

Pero, una vez más, 300 fue la película que dejó claro el estilo de Snyder. Multiplicando el grado de violencia a grados estratosféricos, Snyder creó su propio estilo partiendo de la alteración del tiempo. Dentro de un único plano sin cortes, el director aceleraba el movimiento para después pasar a cámara súper lenta. El efecto

visual conseguido es tan espectacular como original, dejando a la audiencia fascinada con la fuerza del efecto conseguido. A partir de esta película la cámara súper lenta ha permitido a Snyder controlar el tiempo, haciendo de esta técnica una de sus señas de identidad, siempre con espectaculares resultados. Algunos critican un excesivo uso de la cámara lenta y quizá sea cierto, pero al fin y al cabo es su seña de identidad y sus películas no serían lo mismo sin estos efectos.

Al mismo tiempo, y directamente relacionado con la alteración del tiempo, Snyder imprime a sus filmes un estilo visual cercano al cómic. Ver una película suya se asemeja a lo que podría ser una novela gráfica en movimiento. Este aspecto pudo verse con mayor claridad en 300 pero es igualmente válido en Watchmen, Ga'Hoole e incluso en Sucker Punch. La planificación, los encuadres, la puesta en escena y, efectivamente, la alteración del tiempo, reflejan con claridad una de las mayores influencias en su filmografía: los comics.

Otra de las grandes bazas del director es su entendimiento del color y la luz. Larry Fong demostró entenderse a la perfección con Snyder siendo director de fotografía en 300 y, desde entonces, siempre han trabajado juntos.

El resultado de su trabajo es tan plástico que se ha llegado a comparar algunos de sus planos con cuadros pictóricos. Desde luego, ver una película de Snyder es todo una experiencia visual que desde luego no pasa desapercibida para nadie. Podrá gustar más o menos, pero es lo que tienen los frikis. No son del gusto de todos.

El grupo de superheroes de “Watchmen” al completo

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Estreno 25 de Marzo

Sucker Punch: Las chicas son guerreras Por Manuel Moros

Cuentan viejas crónicas que cuando en 2004 se hizo público que estaba a punto de estrenarse una nueva versión de El amanecer de los muertos (Dawn of the Dead, George A. Romero, 1978), muchos seguidores del género se rasgaron las vestiduras, pues la equiparaban al Ciudadano Kane del género y la consideraban, por tanto, inmejorable y tan intocable como la mujer del jefe. Se dice que desde Intenet se lanzaron furibundos ataques contra el film y que muchos críticos e influyentes escritores del género se dedicaron a hacer correr el infundado rumor de que, para mayor ultraje, se trataría del típico y estúpido producto para típicos y estúpidos adolescentes hormonados. Sin embargo, cuando finalmente se estrenó Amanecer de los muertos

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(Dawn of the dead), estos iracundos puristas se tuvieron que callar la boca, pues el resultado fue, sin duda, un trabajo asombroso y tan bueno (y, según que secuencias, superior) a la película original. ¡Ya le gustaría a Romero haberla realizado él! Su director era un novato llamado Zack Snyder y, realmente, no podía haber empezado mejor su carrera. Amanecer de los muertos cumplía todos los requisitos exigidos a una peli de zombis moderna y se situó a la cabeza del renacimiento del cine serio de terror. Sin segundas lecturas, diremos que también nos gustó mucho 300 (2007), y que en 2009 Snyder superó con nota la dificilísima tarea de llevar a la pantalla el magnífico Watchmen de Alan Moore. Y aunque no nos guste demasiado el género de

la fantasía con animalitos, también nos sorprendió gratamente la impresionante animación de Ga´Hoole, la leyenda de los guardianes (2010).

Así que después de rodar un remake y tres adaptaciones, Snyder debió pensar que había alcanzado el punto en el estaba preparado para compartir alguna de las originales ideas surgidas de su propia cabeza, y así nació Sucker Punch, una película de acción y fantasía a la que Snyder ha estado dando forma durante muchos años y que no solo es una idea original del cineasta, sino que además le permite literalmente abrirnos su corazón cinéfilo y adentrarse en géneros que no ha visitado anteriormente.

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Sucker Punch cuenta la historia de una adolescente llamada Babydoll, interpretada por Emily Browning, a la que tal vez algunos recordéis por su papel de Violet Baudelaire en Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket (Brad Silberling, 2004) o por el de Anna Ivers en Presencias extrañas (The Guard Brothers, 2009). Tiene lugar en unos años 50 alternativos del pasado siglo, cuando su desalmado padrastro la interna en el Hogar Lennox para Enfermos Mentales para que no pueda testificar contra él después de que su hermana muera en un horrible accidente. Allí se encuentra con Blue Jones (Oscar Isaac, al que pudimos ver en Red de mentiras, Ágora y el Robin Hood de Ridley Scott), un siniestro celador que hace un trato con su www.cinemascomics.com

padrastro para que se le haga una lobotomía dentro de cinco días.

Babydoll está tan traumatizada por la muerte de su hermana que se refugia en su propio mundo de fantasía, en el que el asilo mental se convierte en un burdel y ella es una virgen que será desflorada por el acudalado High Roller, interpretado por John Hamm, el Don Draper de Mad Men. “Si la realidad es una prisión, tu mente es la forma de salir de ella”, se nos dice en el tráiler.

Como en El mago de Oz, los personajes están encerrados en la institución al comienzo y al final del film, pero básicamente, la mayor parte de la historia tiene lugar en el burdel, e interpretan dos papeles. Así, Blue Jones, es el jefe de los celadores, pero también

dirige el burdel y Mrs. Gorsky, interpretada por Carla Gugino, es una psiquiatra en el mundo real pero una coreógrafa llamada Madame Gorsky en el burdel. Gugino ya tenía muchos puntos de referencia de la forma de trabajar de Snyder, pues había interpretado a Espectro de seda trabajado en Watchmen. También la vimos en Sin City, Noche en el museo y la reciente La semilla del mal.

Siendo consciente de que tiene que escapar del asilo/burdel antes de cinco días, Babydoll necesita encontrar cinco objetos (un cuchillo, un mapa, una llave, fuego y el otro es un misterio), y para hacerlo recurre a la ayuda de otras cuatro chicas internadas allí, interpretadas por un cuarteto de jóvenes actrices que incluCinemascomics │ Marzo 2011 │

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ye a Abbie Cornish (Un buen año, Elisabeth: La edad de oro) como Sweet Pea; Jena Malone (la chica de Donnie Darko) como su hermana Rocket; Vanessa Hudgens (Thirteen, High School Musical) como Blondie y Jamie Chung (Niños grandes y series como Veronica Mars y CSI New York) como Amber, la piloto.

Un aspecto importante del burdel que Babydoll ha creado en su mente es que las chicas están allí no solo para satisfacer los deseos sexuales de los clientes, sino que también realizan elaborados números musicales para entretenerles. Esto no quiere decir que se trate de sórdidos números de clubs de carretera, sino que es la forma en la que Snyder le rinde

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tributo a la gloriosa película musical Moulin Rouge (Baz Luhrmann, 2001). Esto es evidente no solo por el terciopelo rojo del escenario, sino también porque Snyder contrató a Marius De Vries, de Moulin Rouge, como supervisor musical para crear arreglos originales junto con Tyler Bates, su colaborador habitual, para acompañar cada uno de los números de las chicas. Especialmente memorable es el de Babydoll, cuyos movimientos realmente hipnóticos usará para distraer la atención de los espectadores mientras las otras chicas buscan los objetos necesarios para su fuga. Cada vez que baila, nos transporta al interior de su mente, a los diferentes mundos donde ella y las otras chicas deben encontrarlos.

Cada uno de estos mundos de fantasía es el reflejo de los géneros cinematográficos que Snyder ha querido explorar. Una de sus primeras ensoñaciones transcurre en una pagoda japonesa donde conoce a El hombre sabio, interpretado por Scott Glenn (El silencio de los corderos, El ultimátum de Bourne, Training Day...), que guiará a las chicas en cada una de sus misiones. Será él quien les dirá los objetos que necesitan y quien le proporcionará a Babydoll sus armas, una katana ricamente decorada y una pistola, que utilizará para luchar contra tres gigantes samurais.

Después de acabar con ellos se unirá a las otras chicas para buscar el mapa en el próximo mundo www.cinemascomics.com

de fantasía, ambientado en las trincheras de la Primera Guerra Mundial, donde las chicas deben luchar contra un grupo de soldados alemanes zombis mientras los Zeppelins y biplanos sobrevuelan sus cabezas. El siguiente nos recordará mucho al Excalibur de John Boorman o a El Señor de los Anillos de Peter Jackson, pues las chicas llegan a un castillo en medio de una batalla entre Orcos y Caballeros Oscuros, que deben atravesar para enfrentarse a un fiero dragón que protege el talismán de fuego. El último de los mundos nos retrotrae a las pelis de ciencia-ficción y anime, pues la acción transcurre en un planeta extraño que recorre un trenbala al que las chicas deben subir para desarmar una bomba gigante www.cinemascomics.com

custodiada por robots de la que deben tomar otro de los objetos. ¿Conseguirán las chicas huir o será finalmente lobotomizada/desvirgada Babydoll? ¿Es todo producto de su mente? Lo podremos saber a partir del 25 de marzo, fecha del estreno de la peli en nuestro país.

El utilizar diferentes ambientes ha permitido a Snyder retomar algunas de las técnicas que ya usó en 300 y volver a trabajar con Larry Fong y The Crush, el proceso que filtra los diferentes colores para dar a cada mundo una atmósfera distinta. Cada vez que las chicas llegan a uno nuevo adoptan sus uniformes de combate, con una estética muy influenciada por las vestimentas sexy del anime, como el de colegiala de Babydoll

y el cuero con medias de mallas de Rocket. Así que tenemos chicas de buen ver con ropas muy ajustadas, al gran Zack Snyder, violencia extrema, artes marciales, números musicales, explosiones, orcos, robots gigantes y zombis, y si encima la historia acompaña, como parece...¿Alguien da más? ¡Reserva ya tu butaca y no dejes que te la cuenten! Claro que también te puedes ir a ver Pan negro, que le han dado muchos Goyas (es broma, que hay gente pa to y todos los gustos son respetables, por raritos que sean).

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Primera imagen

Hugo Weaving como CRANEO ROJO en “Capitán América: El primer Vengador” Hugo Weaving, da vida al archienemigo del Capitán América en la adaptación del famoso héroe de Marvel dirigida por Joe Johnston y que protagoniza Chris Evans, más conocido por haber dado vida a otro famoso personaje de Marvel, La antorcha Humana. La película se estrena en España el próximo 5 de agosto.

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Primeras imágenes

THE AMAZING SPIDER-MAN El reinicio de la saga comenzada por Sam Raimi ya tiene título definitivo y será “The Amazing Spider-man”. El anuncio vino acompañado de una nueva imagen del sorprendente hombre araña, de cuerpo entero, con la máscara puesta y con su típica pose con las manos accionando sus lanzarredes.

Spider-man 3 de Julio de 2012

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Nuevas imรกgenes

Green Lantern 17 de Junio de 2011

Linterna verde lleva a la gran pantalla por primera vez a este popular y duradero superhéroe, el protagonista es Ryan Reynolds en el papel que da título a la película, (X-Men Origines: Lobezno) y el director es Martin Campbell (Casino Royale).

En un universo tan vasto como misterioso, durante siglos ha existido un pequeño cuerpo especial pero poderoso. Protectores de la paz y la justicia, se llama El Cuerpo de los Linterna Verde (Green Lantern Corps). Es una hermandad de guerrilleros que han jurado mantener el orden intergaláctico. Cada Linterna Verde lleva un anillo que le confiere superpoderes. Pero un nuevo enemigo llamado Parallax amenaza con destruir el equilibrio del poder en el Universo, mantener ese equilibrio y el destino de la Tierra están en las manos del recluta más recienwww.cinemascomics.com

te, el primer humano que ha sido seleccionado: Hal Jordan.

Hal es un piloto de pruebas, con talento y algo chulito, pero los de la Linterna Verde sienten poco respecto por los humanos, que nunca jamás han aprovechado los poderes infinitos que da el anillo. Pero está claro que Hal es la pieza que faltaba en el puzzle.

Junto con su determinación y su voluntad, tiene una cosa que ningún miembro del Cuerpo ha tenido nunca: humanidad. Si, con la ayuda de su piloto colega y eterna novia Carol Ferris (Blake Lively), Hal puede llegar a dominar rápidamente sus nuevos poderes y encontrar la valentía para superar sus temores, puede que no solo sea la clave para derrotar a Parallax…sino que llegaría a ser el miembro más importante de los Linterna Verde.

La película está dirigida por Martin Campbell (Casino Royale) y protagonizada por Ryan Reynolds, Blake Lively (Gossip Girl, la serie de televisión) en el papel de la fogosa Carol Ferris, Peter Sarsgaard (An Education) interpretando al científico Dr. Hector Hammond; Mark Strong (Sherlock Holmes) como Sinestro, el poderoso mentor de Jordan dentro del Cuerpo de Linterna Verde; Jay O. Sanders (Revolutionary Road) como Carl Ferris, el padre de Carol y diseñador de aviación; Temuera Morrison (La guerra de las galaxias: Episodios II y III) como Abin Sur, Taika Waititi (la serie de televisión, The Flight of the Conchords) como el navegante de vuelo Tom Kalmaku, Angela Bassett, como la enigmática científica del gobierno Amanda Waller; y Tim Robbins (Mystic River) como el Senador Robert Hammond, el influyente padre de Hector.

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II Certamen e d o d n u g e “S Chomón” de s e j a r t e m o t r Co con Efectos . s e l a i c e p s E

La Asoziazión Cultural Bente d’Abiento, convoca en colaboración con otras entidades públicas y privadas, su II Certamen “Segundo de Chomón” de Cortometrajes con Efectos Especiales.

En esta edición, contamos con la colaboración del Festival de Cine de Zaragoza, por lo que, las dos obras seleccionadas por el jurado, se clasificarán directamente para la fase final de concurso del Festival de Cine de Zaragoza del 2011, siempre y cuando cumplan los requisitos que se especifiquen en las bases del mismo.

BASES PRIMERA: La participación en el Certamen de Cortometrajes está abierta a todas aquellas personas físicas, que presenten uno o varios cortometrajes de temática libre en los que se hayan utilizado efectos especiales. No se admitirán ni videoclips ni trailers.

SEGUNDA: Las obras se presentarán a concurso en formato en DVDVídeo, PAL, o preferiblemente PAL Widescreen en cualquiera de los siguientes formatos: wmv, avi o mpg. Independientemente del formato de producción, su duración máxima será de 20 minutos.

Cada obra deberá presentarse en un soporte DVD independiente.

TERCERA: La fecha límite de recepción de las obras será el 30 de mayo del 2011 bajo la referencia y dirección siguiente: II Certamen de Cortometrajes “Segundo de Chomón” Talleres V. Longares C/ Luis Antonio Oro Guiral (antiguo Teniente Catalán) 14 50.005 Zaragoza CUARTA: Las obras deberán ser enviadas en sobre cerrado y el disco DVD etiquetado con el título de la obra y su duración, junto con la correspondiente ficha de inscripción (que será facilitada

por la organización electrónica a quien así lo solicite a la dirección de correo electrónico del certamen) donde se recogerán todos los datos personales del autor o autores (apellidos y nombre, dirección, teléfono, etc.) y a la que se acompañará fotocopia del DNI o de Residente. El correo de la organización es certamensegundodechomon@gmail.com QUINTA: La participación en este concurso implicará la cesión dentro del ámbito del Certamen de los derechos de difusión de las imágenes enviadas, y en ningún caso se devolverán las obras recibidas, que quedarán depositadas en el archivo de la organización.

SEXTA: Sólo concursarán cortometrajes y guiones que utilicen el idioma castellano en los diálogos o en los subtítulos.

SEPTIMA: No podrán concursar cortometrajes que ya lo hicieron en la primera edición de este certamen.

OCTAVA: El Jurado estará compuesto por figuras relevantes de la cultura y el cine, así como por un representante de la organización, siendo su veredicto inapelable. El Jurado elegirá entre los trabajos seleccionados tres premios finales: •Cortometraje aragonés con los mejores efectos especiales: 400 euros y la clasificación directa para el Festival de Cine de Zaragoza, si cumple los requisitos del mismo.

•Cortometraje internacional con los mejores efectos especiales: 400 euros y la clasificación directa para el Festival de Cine de Zaragoza, si cumple los requisitos del mismo.

•Premio especial del público al mejor cortometraje con efectos especiales: 200 euros.

Los premios se declararán desier-

tos si a juicio del Jurado los trabajos no presentan un mínimo de calidad.

NOVENA: El comité de selección, formado por miembros de nuestra Asociación, designara los trabajos que finalmente pasarán a la fase final de concurso. La proyección de dichos cortometrajes, fallo del jurado y entrega de premios tendrá lugar el mismo día de la proyección de los cortos después de la proyección de los mismos.

Nuestra Asociación avisará a los participantes de la fase final de concurso, comunicándoles fecha, hora y lugar, unos días antes de dicho acto.

DÉCIMA: En caso de que los autores de las obras sean menores de edad, deberán acompañar correspondiente ficha de inscripción, la declaración responsable que se acompaña relativa a participación de menores firmada por la/s persona/s que ejerzan su patria potestad o tutela, en la que deberá constar nombre y apellido de la/s persona/s que ejerza/n la patria potestad o tutela sobre el menor, teléfono, domicilio a efecto de notificaciones, correo electrónico, fotocopia legitimada del DNI, y declaración de aceptación del contenido de las presentes bases, así como de que la obra presentada a concurso es original y que no infringe ningún derecho de terceros. La organización facilitará los documentos a quien los solicite a través del correo electrónico del certamen.

UNDÉCIMA: Los participantes eximen a la Asoziazión Cultural Bente d’Abiento y sus colaboradores en este Certamen de cualquier responsabilidad derivada del plagio o cualquier otra trasgresión de la legislación vigente por parte de los participantes.

DUODÉCIMA: La organización resolverá a su entender cualquier eventualidad no especificada en estas bases, reservándose expre-

samente el derecho a modificar el contenido de las mismas, con el fin de facilitar el mayor éxito del Certamen y de contribuir a la difusión del espíritu del certamen.

Las bases del Certamen y sus posibles modificaciones serán publicadas de forma permanente en la Página Web del Certamen, que es la siguiente: http://certamensegundodechomon.wordpress.com/ DECIMOTERCERA: La participación en este Certamen implica la plena conformidad y aceptación de estas bases.

Estrenos

Destino Oculto 4 de Marzo

¿Somos realmente responsables de nuestras vidas o las decisiones ya están tomadas de antemano? ¿Controlamos nuestro destino o lo manipulan fuerzas invisibles?

El oscarizado MATT DAMON (las entregas de Bourne, Valor de ley) y EMILY BLUNT (El diablo viste de Prada, El hombre lobo) protagonizan el thriller romántico DESTINO OCULTO. Matt Damon interpreta a un hombre que descubre el futuro que la vida le tiene reservado y decide que quiere otra cosa. Para conseguirlo, deberá ir tras las huellas de la única mujer a la que

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ha amado (Emily Blunt) y enfrentarse a los agentes del Destino, un misterioso grupo de hombres que controlan sus vidas.

El carismático político David Norris (Matt Damon) está a punto de ser elegido senador cuando conoce a la preciosa bailarina de ballet contemporáneo Elise Sellas (Emily Blunt), una mujer diferente a todas las que ha conocido hasta ahora. Se da cuenta de que se está enamorando de ella y descubre que unos extraños hacen todo lo posible para impedirlo.

David no tarda en entender que debe luchar contra el mismo Destino, los hombres del Departamento de Ajuste usarán todo su poder, que es considerable, para que David y Elise no compartan su vida. Deberá escoger entre dejar que Elise se vaya y seguir el camino predestinado, o arriesgarlo todo desafiando al Destino para estar con ella.

En el reparto de este thriller romántico se unen a Matt Damon y a Emily Blunt estrellas de la talla de ANTHONY MACKIE (En tierra hoswww.cinemascomics.com

til, La conspiración del pánico) en el papel de Harry, el comprensivo agente asignado al caso de David; JOHN SLATTERY (“Mad Men”, Iron Man 2) como Richardson, el tenaz y nervioso supervisor de Harry; MICHAEL KELLY (El intercambio, Amanecer de los muertos) como Charlie Traynor, el mejor amigo de David y su director de campaña, y TERENCE STAMP (Wanted/Se busca, Valkiria) como Thompson, el jefe de los agentes que deberá resolver el problema de Norris de una vez por todas.

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GEORGE NOLFI (guionista de Ocean’s Twelve y coguionista de El ultimátum de Bourne) es el director y autor del guión de DESTINO OCULTO, basada en el relato Equipo de ajuste, de Philip K. Dick (El informe de la minoría, Podemos recordarlo todo por usted y ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?).

Entre los miembros del equipo técnico destacaremos al dos veces oscarizado director de fotografía JOHN TOLL (Leyendas de pasión, Braveheart); el diseñador

de producción KEVIN THOMPSON (Duplicity, Michael Clayton); el montador JAY RABINOWITZ (8 millas, y el próximo estreno The Tree of Life); la diseñadora de vestuario KASIA WALICKA MAIMONE (Amelia, Truman Capote); el supervisor de efectos visuales MARK RUSSELL (Hellboy, Minority Report), y el compositor premiado por los Grammy THOMAS NEWMAN (WALL.E, batallón de limpieza, Revolutionary Road).

Los productores de DESTINO OCULTO son MICHAEL HACKETT Cinemascomics │ Marzo 2011 │

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(Paycheck), George Nolfi, BILL CARRARO (La brújula dorada) y CHRIS MOORE (El indomable Will Hunting). La producción ejecutiva corre a cargo de ISA DICK HACKETT y JONATHAN GORDON (El indomable Will Hunting).

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN George Nolfi estaba escribiendo n guión cuando su amigo y socio productor Michael Hackett le habló del relato Equipo de ajuste, de Philip K. Dick, durante una conversación telefónica. A pesar de no tener los derechos, la relación del productor con los herederos del novelista era buena y quería desarrollar el proyecto.

La idea de que el mismo Destino intentaba impedir que un hombre estuviera con la mujer amada in-

“Nadie encajaba en el papel como Matt porque es muy creíble en un romance” George Nolfi 32 │

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trigó a George Nolfi. “Enseguida le interesó la idea”, recuerda Michael Hackett. “De hecho, se empeñó en que nos viéramos aquel mismo día para hablar del proyecto”.

Las novelas y relatos de Philip K. Dick pueden describirse como proféticos y distópicos. En este caso, la idea central del relato Equipo de ajuste, donde el Destino es en realidad un grupo de personas que vive entre nosotros, entrelazada con una historia de amor, le pareció a George Nolfi un concepto original que podía profundizar en las “grandes cuestiones” de la vida.

Mientras Nolfi trabajaba con Matt Damon en Ocean’s Twelve, siguió adaptando con Hackett lo que acabaría convirtiéndose en DESTINO OCULTO. Ambos estaban seguros de que el actor debía ser el protagonista, y Nolfi construyó el personaje pensando en Matt Damon. El guionista y director dice: “Nadie encajaba en el papel como Matt porque es muy creíble en un

romance”.

La historia de un hombre que descubre un vasto y poderoso mundo invisible en la periferia del nuestro interesó mucho a Matt Damon. Dijo a los cineastas que si el guión definitivo era tan prometedor como el primero, podían contar con él. “Hace tiempo que trabajo con George y somos amigos”, explica el actor. “Me trajo un primer guión y dijo que quería dirigirlo. Enseguida me convencí de que George podía hacerlo”.

George Nolfi pulió el guión antes de volver a hablar de la idea con Matt Damon durante El ultimátum de Bourne, de la que es coautor.

“Esta versión me pareció adecuada para Matt”, dice Nolfi. “Cuando me confirmó que le interesaba de verdad, empezamos a colaborar”. Hablaron mucho del material y Michael Nolfi sacó ideas de estas conversaciones que incorporó al guión.

A Matt Damon le gustó la forma en que Nolfi expandía el relato www.cinemascomics.com

y lo hacía más relevante para un público moderno: “George es muy específico con cualquier detalle, empezando por el físico de los actores para la película. Sabía perfectamente lo que quería”.

Matt Damon y George Nolfi habían trabajado previamente con Chris Moore, y ambos estaban de acuerdo en que sería un socio sensacional para el desarrollo de un proyecto tan ambicioso. El productor dice: “Me interesó el enfoque de George acerca del control que ejercemos sobre nuestra vida.

También me gustó que el material no se limitara a un género, sino que abarcara muchos. Contiene elementos de thriller, hay acción, es una historia de amor y también es la historia de la crisis personal de un hombre enfrentado a lo que cree y a quién quiere ser. Además de todo lo anterior, es una gran película de acción acerca de superar al destino. No se puede pedir más para una gran película”.

El tercer miembro del equipo prowww.cinemascomics.com

ductor es el notable cineasta neoyorquino Bill Carraro, cuya experiencia en desarrollar proyectos y en producción demostró ser muy valiosa. El productor, que se asoció con Nolfi por primera vez para La sombra de la sospecha, trabajó con el director durante más de un año en la planificación del rodaje de algunas escenas y en la localización en Manhattan de los decorados descritos en el guión.

Bill Carraro, con una gran experiencia en efectos visuales, entendió inmediatamente que los efectos debían ser perfectos para la credibilidad de la historia: “Seguimos a los hombres del Departamento de Ajuste cada vez que abren una puerta, y eso son muchos decorados”. A continuación, los cineastas no tardaron en conseguir la financiación necesaria de Media Rights Capital.

El personaje original del relato es un vendedor de seguros, pero George Nolfi estaba convencido de que en la película debía ser un político. Para el protagonista

veía a un congresista carismático y popular del Partido Demócrata originario de Brooklyn.

El productor Michael Hackett explica por qué: “Las decisiones de un político no solo le afectan a él, van más allá. Si decide seguir por el camino trazado quizá pueda, según en qué circunstancias, hacer algo para millones de personas. Cuando llega el momento de escoger, quizá deba sacrificar su felicidad y lo que es mejor para él personalmente”.

Al principio de la historia, el congresista David Norris encabeza todas las encuestas durante la campaña para senador. George Nolfi explica el gran carisma del político: “Es el congresista más joven que se haya elegido nunca.

Su reputación ha crecido como la espuma debido a una fuerte personalidad”.

Su natural afable y su franqueza le han convertido en el favorito, pero es humano. “Tiene una cierta tendencia a meter la pata en su vida personal”, dice Matt Cinemascomics │Marzo 2011 │

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Damon. “A veces es demasiado sincero, no es bastante político”.

Por eso protagoniza un penoso incidente que le costará la elección al Senado.

“Su exuberancia juvenil le hace cometer un error”, explica el productor Michael Hackett. “Si se escarba un poco más, hasta podríamos decir que su subconsciente deseaba salirse del camino trazado para encontrarse a sí mismo”. La metedura de pata de David, de la que se hace eco la prensa en el momento clave de la campaña, le hace perder terreno en las encuestas y, cuando llega el momento, en las elecciones.

Tanto en las entregas de Bourne como en las de Ocean’s, los personajes femeninos son decididos y fuertes, pero esta es una de las pocas películas en las que el actor se enamora de una mujer por la que sería capaz de mover montañas.

La noche después de las elecciones, antes de dar un discurso en el Waldorf Astoria, se retira al lava-

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bo de caballeros para reflexionar.

George Nolfi dice: “Ha perdido las elecciones y está destrozado. No solo por él, también siente que ha defraudado a sus seguidores”.

Allí se encuentra con la preciosa bailarina Elise Sellas, que se esconde del personal de seguridad del hotel después de colarse en una boda. Le parece encantadora e irresistible, y ella le reconoce.

Desde ese momento, se siente atraído por la mujer y se enamora perdidamente… Algo con lo que el Departamento de Ajuste no contaba. Durante los años siguientes, David perseguirá a la huidiza Elise e intentará superar lo que los hombres del Destino tenían planeado para él, aunque puede costarle muy caro.

Pero ¿qué es exactamente ese grupo que nos manipula desde una posición de poder inmutable e invisible? ¿Quiénes son esos agentes que no parecen estar en ninguna parte y que están en todas partes a la vez? “Tienen un sistema burocrático que les permite manipular nuestras vidas con mucha

sutileza, con un empujoncito por aquí, alentándonos, convenciéndonos, engatusándonos hacia el camino que han escogido para nosotros”, explica Michael Hackett. “El Departamento es ese otro poder, esa cosa exterior que guía nuestras decisiones. No tiene nada de accidental que el Departamento de Ajuste, en su forma más pura, represente un gran número de creencias en todo el mundo, religiosas y de otra índole”.

George Nolfi explica el concepto de la organización que mueve el relato: “Son la expresión de un poder superior; no tienen nada que ver con una agencia gubernamental que no quiere que hagamos algo. Tienen poderes que van mucho más allá de los que tendría una organización secreta terrenal. Nos encaminan en la dirección que debemos tomar para que no trastornemos el gran plan.

Esos hombres trabajan en el Departamento, cumplen un cometido, como el personal de Hacienda”.

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“Nadie encajaba en el papel como Matt porque es muy creíble en un romance”

Concept art “Enredados” www.cinemascomics.com

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ENTREVISTA

MATT DAMON EL ACTOR NO PARA. TRAS HABER LLEGADO A NUESTRO PAÍS CON “MÁS ALLÁ DE LA VIDA” Y “VALOR DE LEY”, NOS HABLA DE SU NUEVO TRABAJO “DESTINO OCULTO” ¿De dónde nace está historia?

George ha escrito y concebido el guión basándose en un relato de Philip K. Dick, aunque expándiendolo considerablemente. Ha trabajado muchísimo en el guión. Ha hecho un gran trabajo. Vio que había una película y eso fue lo que más me atrajo. No había nadie mejor para dirigirlo, es casi una idea original suya. ¿Qué es exactamente departamento de ajustes?

sale un poco del plan, hacen un pequeño ajuste para que vuelvan al mismo.

Hay un plan maestro escrito en un lenguaje que nuestras mentes jamás podrían entender.

Cuéntanos algo de tu personaje.

El problema de David Norris, aunque él lo ignora, es que solo puede ver a esta maravillosa mujer una única vez. Porque no entra dentro del plan que estén juntos. Pero David está completamente obsesionado con ella.

compartes escena con alguien así, su talento os cubre a los dos. Me resultó muy fácil, no tuve que esforzarme mucho.

Solo dejarme llevar por su estela. Tiene talento de sobra.

Es una de las mejores actrices, de las mejores personas que he conocido en este trabajo.

Y ¿cuál es el efecto que su personaje Elise, causa en tuyo?

Conoce a una mujer, y básicamente, se enamora de ella tras una conversación de cinco Hay una entidad que se llama minutos. Le da la idea de que oficina de ajustes. Funciona sea él mismo en el discurso de como cualquier otra oficina. concesión. Él lo hace y el disHombres trajeados con somcurso tiene tanto éxito que lo breros. Es un grupo de personas convierte en favorito para ser atemporal. Son básicamente, senador por el estado de New ángeles guardianes. Para hacer ¿Qué tal fue trabajar con York. De repente, parece una su trabajo tienen un cuaderno Emily Blunt? persona auténtica, en lugar de de planes. Hay un plan maesun político al uso. Pero él solo tro escrito en un lenguaje que Es fantástica. Lo tiene todo. puede pensar en esa mujer. nuestras mentes jamás podrían Es divertida, encantadora. ¿Quién es? entender. Su trabajo es mover- Es muy versátil, puede hacer se por el mundo y si alguien se de todo. Como actor, cuando www.cinemascomics.com Cinemascomics │Marzo 2011 │ 37

Estrenos

4 de Marzo

El Oeste norteamericano ha visto pasar toda clase de héroes curtidos y marginales, pero Rango es de una especie nueva: un pequeño camaleón con un gran corazón cuya épica misión consiste en salvar a un pueblo singular, mientras se va convirtiendo en la gran leyenda que antes solo aparentaba ser.

Dirigida por Gore Verbinski, responsable de la épica saga de Piratas del Caribe, y protagonizada por el nominado al Óscar Johnny Depp en el multi-colorido papel

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homónimo, Rango rinde homenaje a los iconos del western, para a continuación darle la vuelta al género mediante una profundísima revisión, transformándolo en una sorprendente aventura familiar que ofrece tanto grandes dosis de humor irreverente como personajes entrañables y acción trepidante. La película lleva al público a un polvoriento viaje por un mundo imaginativamente diferente, hasta un árido pueblo al borde del desierto habitado por un sorprendentemente extravagante grupo de seres que viven bajo la ame-

naza de criaturas corruptas, todo ello materializado por un experto grupo de narradores y un elenco con algunos de los actores cinematográficos más populares.

La historia comienza cuando Rango, tras llevar toda la vida como mascota de una familia mirando pasar el mundo desde un terrario de cristal, se pierde en el Desierto de Mojave, en donde llega andando hasta un poblado perdido del Salvaje Oeste llamado Polvo, un lugar tan polvoriento como su nombre indica. Rango espera powww.cinemascomics.com

der integrarse, pero rápidamente empieza a destacar, incluso entre una población que incluye un alcalde tortuga, una serpiente de cascabel renegada, unos perros de las praderas que roban bancos, lagartos de Gila pistoleros y el primer lagarto hembra que conoce Rango. Cuando Rango se convierte sin pretenderlo en el nuevo sheriff del árido pueblo y en su última esperanza para conseguir hidratarse, se da cuenta de que se ha metido en un buen lío. Es una tradición que los tipos buenos no duren mucho en Polvo, www.cinemascomics.com

pero Rango está listo para arriesgarse mientras recorre su camino para convertirse en lo único que un camaleón no puede imitar: un héroe de verdad.

Rango es la primera película de animación dirigida por Verbinski, quien convirtió a la saga de Piratas del Caribe en una emocionante fábula contemporánea apreciada por el público de todo el mundo. Ahora, le aporta ese vigoroso sentido del humor a una clase de saga diferente: el quijotesco viaje de un cómico cama-

león ambientado en un áspero un mundo del Oeste tan real que uno siente el regusto del polvo en la boca. Rango supone también la primera vez que los magos digitales de la productora de efectos digitales Industrial Light & Magic (ILM) realizan un largometraje de animación. Aprovechando su experiencia en algunas de las películas de acción y aventuras más entrañables, forjan una original estética y sensibilidad.

“Rango es la historia de un lagarto en busca de su identidad y la Cinemascomics │Marzo 2011 │

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historia de cómo se convirtió en una leyenda”, dice Verbinski. “Es una historia chispeante y explosiva que tiene humor, romance, emoción y muchas sorpresas. Rango es un personaje desmesurado, mitad Hunter S. Thompson y mitad Don Knotts, y Johnny Depp se calza sus botas y le da una especie de osada grandeza, con todos sus engranajes echando chispas”.

Continúa Verbinski: “Hacer esta película fue como reunir a una troupe teatral con un extraordinario conjunto de actores, artistas y animadores fundiéndose en un proceso de cooperación en el que todos se fertilizaban mutuamente para dar vida a un gran grupo de personajes. Con las aportaciones de ILM y reinventando los espagueti-western clásicos, fuimos capaces de lograr un paisaje cinematográfico completamente diferente. Es un homenaje a los grandes temas del Oeste y resulta a la vez muy divertida al volverlos del revés”.

Paramount Pictures y Nickelodeon Movies Presentan Una Producción Blind Wink / GK Film de una Pe-

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lícula de Gore Verbinski con animación a cargo de Industrial Light & Magic. La película está dirigida por Gore Verbinski y escrita por John Logan, y basada en una historia de John Logan, Gore Verbinski y James Ward Byrkit. Los productores son Gore Verbinski, Graham King y John B. Carls y el productor ejecutivo es Tim Headington. El montaje es de Craig Wood. La banda sonora original de la película es del ganador del Óscar Hans Zimmer. El reparto está compuesto por Johnny Depp, Isla Fisher, Abigail Breslin, Alfred Molina, Bill Nighy, Harry Dean Stanton, Ray Winstone y Timothy Olyphant como el Espíritu del Oeste.

CREANDO RANGO Cómo el camaleón con una misión recorrió el camino desde la Imaginación hasta la Realidad Virtual Gore Verbinski es famoso por sus super-taquilleras e imaginativas películas de acción real repletas de aventuras e irresistiblemente entretenidas pero, en el fondo, la

narrativa es la narrativa. Ya sea trabajando con actores humanos o con criaturas digitales, con cámaras reales o virtuales, el objetivo de Verbinski es siempre el mismo: elevar los niveles creativos hasta lograr algo que el público no se espere ni haya experimentado antes. En ese sentido, hacer Rango tuvo mucho en común con Piratas.

“Nunca antes había hecho una película de animación, pero tampoco había hecho nunca una película de piratas”, observa Verbinski.

“La idea era no abandonar todo lo que sabíamos y todo lo que hemos aprendido, sino pasar toda esa brillante chispa cinematográfica de la acción real a la animación”.

La idea para Rango nació durante un almuerzo hace varios años, antes incluso de que Verbinski hubiera irrumpido en el género de capa y espada con las películas de Piratas, cuando se reunió con el productor John B. Carls (Colegas en el bosque) y el escritor de libros infantiles David Shannon para sopesar diversas ideas. Los tres empezaron a hablar de lo divertido que sería abordar una frontera clásica (el western norteamericawww.cinemascomics.com

no) de una forma completamente atípica, inspirándose tanto en John Ford, Sam Peckinpah y Clint Eastwood como en Tex Avery y John Lasseter.

“Volví a casa e inmediatamente escribí un borrador de 8 páginas, y ese fue el principio de Rango”, recuerda Verbinski, “pero entonces me lié un poco con las películas de Piratas. Después de la tercera película de Piratas, yo estaba deseando tomarme un respiro, y entonces saqué aquellas viejas notas, llamé a los muchachos y les dije: ‘Creo que esto es estupendo para hacerlo ahora’”.

Carls estaba muy ilusionado al ver lo lejos que podían llegar la imaginación y la irreverencia de Verbinski sobre el amplio lienzo de la animación. “Pensé que sería fascinante ver lo que pasaría si le aportase todo su talento visual y cinematográfico a un western animado, tomando todas las convenciones del género y dándoles un giro diferente”, dice el productor. “El público siempre quiere algo nuevo y fresco, y cierta-

mente lo van a tener con Rango”.

Formando parte del proyecto estaba también Graham King, uno de los productores más arriesgados y de mayor éxito, entre cuyas películas están la oscarizada Infiltrados, así como varios proyectos para Johnny Depp. Para King, su atractivo era sencillo: “Gore es uno de los directores más imaginativos y emocionantes que existen, y era seguro que su primer proyecto animado iba a continuar esa tendencia”.

Verbinski reunió a un trío de guionistas compuesto por él mismo, James Ward Byrkit (que fue asesor conceptual en las películas de Piratas) y al premiado guionista John Logan (entre cuyas películas, más bien dramáticas, están la oscarizada Gladiator, El último samurai, la película de Martin Scorsese El aviador, la adaptación cinematográfica de Sweeney Todd y las películas de próximo estreno Coriolanus, Hugo Cabret y la próxima de James Bond).

Pronto se les uniría, en una serie de desmadradas y desinhibidas

sesiones de lluvia de ideas para la historia, Mark “Crash” McCreery, el mago de los efectos visuales que se ha especializado en la creación de ingeniosas criaturas para la serie de Piratas, así como en películas de acción tan innovadoras como Parque Jurásico y Terminator 2.

El grupo se concentró primero en todos y cada uno de los westerns que ha producido Hollywood: desde la tensión clásica de Shane hasta los giros satíricos estilo espagueti de El bueno, el feo y el malo, desde la astuta camaradería de Grupo salvaje hasta el desmadre vodevilesco de The Gang Who Couldn’t Shoot Straight. Rebuscaron entre el surtido mítico de arquetipos del western: rancheros en busca de justicia, arteros bandidos, alcaldes corruptos, intrépidos pistoleros, niños ingenuos, mujeres duras pero tiernas y abogados nerviosos, y luego trasladaron todo eso a un reino fantástico de animales del desierto con sus propias realidades peludas, aladas y reptantes. Hablaron duran-

El director Gore Verbinski, dando instrucciones a los miembros del equipo de producción www.cinemascomics.com

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te horas sobre el argumento y los personajes, no solo perfilándolos y bosquejándolos, sino también interpretando sus historias, dando vida en el momento a cada una de sus peculiares personalidades.

Pronto, las ideas se convirtieron en personajes completos, y los personajes hicieron que cobrase vida el pueblo de Polvo. “Cuando te sientas con los demás a hacer las voces, te das cuenta de cosas acerca de los personajes, y así era como avanzaba el proceso narrativo”, explica Verbinski. “Se nos ocurrieron todas esas personalidades tan diferentes, que son bastante desaliñadas, polvorientas y sombrías, y que aún así, a su modo forman una familia”.

Recuerda John Logan: “”Nos sentábamos en torno a una mesa grande y nos poníamos a lanzar ideas durante horas. Dado que ese mundo era tan mercurial y extraño, podíamos debatir sobre cualquier cosa. Era locamente creativo”.

Todo empezó metiéndose en la mente reptiliana, pero con un corazón profundamente anhelante, del propio Rango, que deja atrás su vida como mascota con delirios de grandeza para vivir una aventura mucho más fantástica de lo que nunca llegó a soñar. Tras llegar al pueblo de Polvo, el arrogante lagarto pronto recibe la estrella del sheriff, pero lastrada por el cono-

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cimiento de que ni los sheriffs ni los forasteros viven mucho tiempo en esos lares. Ilusionado por ser al fin el centro de atención y temiendo a la vez las consecuencias de resultar un fraude, Rango llega a una encrucijada transformadora en su viaje.

“Creo que lo que hace que Rango sea tan divertido y atractivo como personaje es que tiene su propia y original perspectiva del mundo”, dice Logan. “Tiene un garbo extraordinario, un estilo personal, y es un tipo muy teatral porque se ha criado en su pequeño terrario viendo la televisión. En realidad ha sido siem-

“La idea que había detrás de tener tantos personajes era que cualquier espectador pudiera encontrar su propio prototipo o héroe personal en el conjunto” Gore Verbinsky pre un marginado solitario, pero lo único que quiere es ser amado.

Quiere ser alguien. Y encuentro eso muy conmovedor. Quiere ser un héroe, como todos lo hemos querido ser alguna vez, y en el transcurso de la historia tiene la oportunidad de conseguirlo.

Cuando llega a Polvo, realiza un

viaje muy universal que resulta tratar acerca del poder de confiar en uno mismo, de aprender a saber quién eres realmente, y de entrar a formar parte de una comunidad. Da igual que uno tenga 4 años, o 44 o 104, son unas buenas lecciones que merece la pena recordar”.

El mayor problema de Rango llega hasta el nivel mismo de su especie: puede fingir ser casi cualquier cosa, pero en el fondo sabe que fingir no va a ser suficiente para salvar a Polvo en sus momentos de apuro. Explica Byrkit: “Al ser un camaleón, Rango puede ser muchos personajes asombrosos y diferentes, pero eso hace difícil saber quién es él en realidad.

Pero con todos los problemas que padece Polvo, no tiene más remedio que averiguarlo. Creo que sus retos parecen auténticos porque todos tenemos que pasar por eso de una manera o de otra”.

A medida que Rango iba cobrando vida con toda su escamosa perfección, también lo hacían los amigos y enemigos que hace en Polvo: una pléyade de más de 30 extravagantes personajes principales, cada uno de ellos con su propia y compleja historia. Entre ellos están Habas (Isla Fisher), el lagarto que se congela en los momentos más inoportunos, Priscilla (Abigail Breslin), la impertinente ratita que termina por creer en Rango,

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Armadillo (Alfred Molina), el quijotesco armadillo que se convierte en el guía espiritual de Rango, Veneno Jack (Bill Nighy), el bribón más escurridizo del pueblo, Baltasar (Harry Dean Stanton), el jefe de los perros de la pradera, Bill el Malo (Ray Winstone), un lagarto de gila pistolero, Doc (Stephen Root), un conejo borrachín, Alcalde (Ned Beatty), el correoso y enérgico alcalde, Angelique (Claudia Black), la asistente del alcalde literalmente zorruna, Ambrose (Ian Abercrombie), el búho jugador, y la estoica ave de presa Pájaro Herido (Gil Birmingham), por nombrar solo unos cuantos.

También aparecen unas cuantas especies que nunca antes habían tenido protagonismo cinematográfico, entre ellos una misteriosa cohorte de bichos-bola, unos insectos regordetes que en Rango adquieren una cualidad etérea y espiritual al ayudar a Rango en el momento cumbre de su viaje.

“Cada personaje tiene su momento y su sentido del humor, y a su manera, todos ellos parecen muy humanos, da igual de qué especie sean”, dice Logan.

Añade Verbinski: “La idea que había detrás de tener tantos personajes era que cualquier espectador pudiera encontrar su propio prototipo o héroe personal en el conjunto”.

A medida que cobraban vida, unos tras otro, la amplia gama de personajes anunciaba la divertidamente retorcida visión del western que ofrece la película: un relato de cómo el Oeste podría ser conquistado no solo por vaqueros, forajidos y hombres de negocios, sino por un camaleón del siglo XXI que solamente quiere gustar a todo el mundo, a cualquier precio.

“Pasamos de un género a otro”, observa Logan. “Hay momentos que son un puro western de www.cinemascomics.com

John Ford, pero a continuación hay momentos de vodevil desmadrado, hay romance, hay humor ligero, hay ingenio sofisticado, hay momentos desternillantes y momentos muy conmovedores, y sin embargo después de todo la historia siempre regresa a Rango y al corazón de ese pequeño lagarto”.

Desde el principio, estaba claro que este grupo de intrusos de la animación le iba a aportar una mentalidad fronteriza a toda la producción. “Cuando se lleva a un montón de tipos reales al mundo de la animación, van a hacer las cosas de una forma diferente”, observa Byrkit, “y eso formaba parte de la diversión”. Logan remata: “Puesto que no conocíamos las reglas tradicionales de la animación, no teníamos por qué cumplirlas”.

Eso se hizo realidad sobre todo una vez que Crash McCreery y los artistas conceptuales empezaron a metamorfosear bocetos de personajes en dibujos vibrantemente reales, que a su vez inspiraron a los escritores para ir más allá, lo que a la vez forzaba a los dibujantes a idear detalles cada vez más intrincados e inesperados, poniendo en marcha una especie de círculo vicioso de ideas creativas.

“La cosa se empezó a poner realmente interesante cuando decidimos que queríamos aumentar los detalles, la textura y el realismo cinematográficos de esos perso-

najes”, explica Byrkit. “Crash llegó y ‘crashificó’ nuestras ideas, llevando los dibujos a un plano completamente diferente, y entonces los artistas de ILM convirtieron aquello en una ciudad viva y coleando en la que uno cree”.

A McCreery le impulsaba el deseo de hacer que sus personajes animales fueran tan divertidos, imperfectos y conmovedores como cualquier conjunto de seres humanos. “Creo que todos empezamos a ver a Rango como una película de acción real que le sucede a unos protagonistas animados”, dice. “Lo más importante era sumergir completamente al público en la historia, para que se preocupara de verdad por Rango y por lo que le va a pasar”.

El reseco pero hermoso paisaje desértico le añadía otro matiz narrativo más a la historia, permitiendo a los artistas explorar el atractivo salvaje y anárquico y los bruscos contrastes de la naturaleza que se convierten en parte de la leyenda de Rango. “El desierto es un lugar fascinante, emocionante y peligroso”, observa McCreery. “También es un lugar de introspección, un sitio de inspiración y meditación que uno desea explorar. Queríamos captar esa sensación de grandes paisajes y ese pequeño lagarto dentro de ellos intentando averiguar quién es y cómo puede encajar en el mundo”.

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Estrenos

En Tiempo de Brujas

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El actor Nicolas Cage, ganador del Premio Oscar ® de la Academia (La búsqueda, Ghost Rider: el motorista fantasma) y Ron Perlman (Hellboy, Hellboy 2: El ejército dorado, Hijos de la anarquía) protagonizan esta aventura de acción sobrenatural acerca de un heroico cruzado y su amigo más cercano que regresa a casa tras décadas de feroz lucha, sólo para encontrar que el mundo ha sido destruido por la peste. Los religiosos de mayor rango, convencidos de que una joven acusada de ser una bruja es responsable de la devastación, encargan a los dos la misión de llevar a la extraña joven a un monasterio remoto donde los monjes realizarán un antiguo ritual para liberar a la tierra de su maldición. Se embarcan en un viaje terrible, lleno de acción, que pondrá a prueba su fuerza y coraje a medida que descubren el oscuro secreto de la joven y se encuentran luchando contra una fuerza terriblemente poderosa que determinará el destino del mundo.

Los años de guerra brutal en nombre de Dios han despojado a Bewww.cinemascomics.com

hmen (Cage) de todo gusto por el derramamiento de sangre y de su lealtad a la Iglesia. Esperando con ansia una jubilación tranquila, Behmen y su camarada de armas Felson (Perlman) se quedan totalmente perplejos al encontrar una patria desierta, sin saber que Europa ha sido diezmada por la peste bubónica.

Mientras buscan alimentos y suministros en el Palacio en Marburgo, los dos caballeros son aprehendidos y llamados ante el Cardenal local (Christopher Lee) para explicar su regreso no programado desde Oriente. El Cardenal moribundo les amenaza con pena de prisión por desertar, a menos que acepten llevar a cabo una peligrosa misión. En el calabozo del Cardenal se encuentran a una joven (Claire Foy) acusada de ser una bruja que trae la peste. Sólo podrán ser redimidos si deciden acompañar a la joven a una abadía distante donde será juzgada.

El brutal maltrato al que es sometida la joven en prisión y la impotencia de ella ante las acusaciones de los funcionarios de

la Iglesia conmueven a Behman.

Convencido de que ella es simplemente un conveniente chivo expiatorio y temiendo que será condenada sin un juicio justo, decide escoltarla en el traicionero viaje.

Además de su leal compañero Felson, estará acompañado por un estafador viajero que conoce muy bien la región (Stephen Graham), un joven ansioso que aspira ser nombrado caballero (Robert Sheehan), un caballero amargado que ha perdido a toda su familia en manos de la peste (Ulrich Thomsen) y un sacerdote ingenuo (Stephen Campbell Moore).

La ruta es larga y ardua, y aún más difícil por la cada vez más inquietante serie de eventos que lleva al grupo a través de un territorio sin explorar, a través de gargantas agrestes y profundas y de bosques infestados de lobos. Uno a uno, sus compañeros de viaje se topan con la mala suerte, y el asediado cruzado se encuentra junto a su adversario más aterrador.

Tiempo de brujas está protagonizada por Nicolas Cage (La búsqueda, Ghost Rider: el motorista Cinemascomics │ Marzo 2011 │

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fantasma), Ron Perlman (Hellboy, Hijos de la anarquía), Stephen Campbell Moore (El gran golpe, History Boys), Claire Foy (“Going Postal,” “Little Dorrit”), Stephen Graham (“Boardwalk Empire” episodio piloto para la televisión, El enemigo público número 1), Ulrich Thomsen (Centurion, The International: dinero en la sombra), Robert Sheehan (Cherrybomb) y Christopher Lee (El Señor de los anillos, Alicia en el país de las maravillas).

dinero en la sombra, El perfume: historia de un asesino). La música original es de Atli Övarsson. El Diseñador de vestuario es Carlo Poggioli (Miracle at St. Anna, Cold Mountain). Los productores ejecutivos son Ryan Kavanaugh (Robin Hood, The Fighter), Alan G. Glazer (The International: dinero en la sombra, Superagente 86 de película), Steve Alexander (El factor sorpresa), Tom Karnowski (El ilusionista, Max Payne), y Tucker Tooley (McGruber, Querido John).

La película ha sido dirigida por Dominic Sena (60 segundos, Operación Swordfish) a partir de un guión de Bragi Schut (“Threshhold”). Los productores son Charles Roven (The Dark Knight Rises (Batman 3), Superagente 86 de película) y Alex Gartner (Superagente 86 de película, Más allá del odio). El Director de fotografía es Amir Mokri (A todo gas, Vantage Point). Los editores son Mark Helfrich (X-Men 3: La decisión final, Hora punta 1, 2 y 3) y Dan Zimmerman (Predators, Max Payne). El Diseñador de producción es Uli Hanisch (The International:

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

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Los productores Charles Roven y Alex Gartner de Atlas Entertainment han sido responsables de llevar a la gran pantalla docenas de películas, desde historias de crimen en las altas finanzas (The International: dinero en la sombra), hasta oscuras y trágicas películas de suspense (The Dark Knight Rises (Batman 3)), comedias de acción (Superagente 86 de película) y fantasías musicales (Ritmo salvaje), pero el guión de Tiempo de brujas los cogió a ambos por sorpresa.

El guión llegó a manos de los productores con todo el bullicio generado tras haber ganado uno de los concursos de escritores más prestigiosos en el mundo: el Premio Nicholl Fellowship, otorgado por la Academia de las Artes y la Ciencias Cinematográficas. Siempre en busca de una historia inusual en un guión, los productores se quedaron enganchados por la idea de una película sobrenatural “acerca de un infierno desencadenado” interpretada con un telón de fondo como el siglo XIV minuciosamente creado.

“Cuando lo leímos, no pudimos sacárnoslo de la cabeza,” comenta Roven. “No sólo es una película de época, es una aventura de acción que ocurre en la época. El escritor, Bragi Schut, la llenó de personajes creíbles y tridimensionales. Por lo tanto, más allá de los elementos maravillosos propios del género, hay mucho más sustancia para hacerla interesante”.

Gartner agrega, “Chuck y yo buscamos guiones con ideas originawww.cinemascomics.com

les. La combinación de elementos es lo que distingue a esta historia de muchas otras. Llamarla ‘una película de suspense sobrenatural ambientada en el siglo XIV’ es decirlo todo en términos de la presentación del género, pero es mucho más que esto. Aterrorizará al público y como tiene grandes personajes, se siente totalmente real”.

Pero Tiempo de brujas no es ninguna lección de Historia, explica Gartner. Es una aventura divertidísima llena de muestras de bravura, acrobacias emocionantes y vistas inolvidables. “Está hermosamente realizada, llena de acción y es francamente atemorizante,” dice Gartner. Una extensa filmación en una pequeña parte no conocida de los Alpes austriacos le proporcionó a la película unos telones de fondo impresionantes e intactos y creó las condiciones físicas para que los cineastas pudieran reflejar el difícil camino de los personajes. “Las ubicaciones extraordinariamente escénicas hicieron que todo va-

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liera la pena,” comenta Gartner.

“Hay montañas, grandes gargantas y bellísimos campos que conducen a impresionantes acantilados. Nos dio una sensación de lo que el mundo debe haber sido en el siglo XIV con enormes espacios abiertos y grandes distancias donde no ves nada sino la naturaleza y una impresionante geografía.”

En la película colaboraron expertos en armas de la época y uno de los coordinadores de especialistas más importantes del mundo para llevar a cabo las escenas de batallas, que van desde el épico asedio de los cruzados a una ciudadela turca, pasando por un enfrentamiento en las trincheras y una confrontación sorprendente en el gran scriptorium (biblioteca) de una abadía románica.

Los intérpretes afrontaron caídas precarias desde 60 metros o más para desarrollar complejas escenas con grupos de caballos y acrobacias cuidadosamente coreografiadas, todo esto al servicio del ambicioso alcance de la historia.

Después de largos meses de entrenamiento físico, difíciles condiciones de rodaje y una programación agotadora, Nicolas Cage, quien protagoniza la película en el papel de Behman, está emocionado por la hábil mezcla de estudio de los personajes y de suspense de la película terminada. “La película es complicada y hermosa”, dice. “Dominic Sena hizo un excelente trabajo al concebir y fotografiar una película tan original y apasionante como esta. Cuando la película llega al clímax, te sientes tan sorprendido como los personajes por lo que está ocurriendo. Creo que es muy entretenida”.

El Director Dominic Sena, mejor conocido por películas contemporáneas duras, que incluyen: 60 segundos, Operación Swordfish y Kalifornia, aportó la experiencia de años como Director de fotografía a la película. “En sus películas anteriores, Dom demostró un talento excepcional para contar una historia visualmente y a través de los personajes,” dice

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Roven. “Aportó mucho tanto en términos de mejoras del guión como de lenguaje visual”.

Como lo imaginó Sena, Tiempo de brujas combina la autenticidad de una epopeya histórica con el drama y el ritmo de una película de suspense y de acción sobrenatural contemporánea, que lleva al público a un mundo oscuro y peligroso, donde la fe puede ser la única defensa. La mezcla de drama basado en el personaje íntimo y el suspense del género atraparon a Sena.

“La película narra la historia de unas seis personas en un peligroso viaje a través de un territorio difícil, y logramos conocer a los personajes a lo largo del camino” Dominic Sena Después de más de 10 años en el frente, Behmen, un agotado ex-cruzado interpretado por Nicolas Cage, ha comprendido que las razones por las que fue enviado a la guerra no son lo que parecían ser, pero se da cuenta de que regresar a su hogar es también desalentador. “Behmen y su amigo Felson piensan que lo peor ya ha pasado,” comenta Sena.

“En su lugar, se encuentran en medio de una epidemia que ha diezmado a más de la mitad de la población. Cuando finalmente llegan al palacio del Cardenal, es el primer vestigio de civilización que han encontrado. En lugar de una jubilación tranquila, son elegidos para llevar a cabo una tarea abrumadora.”

Behmen y Felson, quienes abandonaron la misión que tenían sin previo aviso, se ven obligados a llevar a una joven que se piensa es una bruja y la fuente de la peste, a una abadía distante donde se realizará un ritual que pondrá fin a la epidemia. “Ellos no están se-

guros de que no la estén acusando sin ser culpable,” dice Roven.

“En esa época se creía mucho en brujas y encantamientos, pero los juicios no eran exactamente justos. Cuando descubren que esta supuesta bruja es sólo una joven chica de campo que parece haber sido gravemente maltratada, quieren asegurarse de que tenga un juicio justo.”

luchando para devolver el control de Tierra Santa a manos cristianas y llenar las arcas de la iglesia mientras lo hacían. Concibió una historia acerca de dos guerreros cansados que regresan de Oriente Medio para encontrar que todo lo que conocen ha sido destruido por una misteriosa enfermedad, un escenario que probablemente se expandió por toda Europa.

Schut, quien también creó la serie de televisión “Threshold”, se inspiró para escribir Tiempo de brujas después de preguntarle a su padre, un apasionado de la historia, cuál era para él el peor momento de la vida en el planeta.

“Me dijo que probablemente era el siglo XIV, durante la epidemia de `peste bubónica´,” recuerda Schut. “Según algunas estimaciones, las tres cuartas partes de la población murieron en las zonas más gravemente afectadas”.

A medida que Schut investigaba la época, también se sintió fascinado por los cruzados, los “Caballeros de Dios” que pasaban años al servicio de la Iglesia Católica,

“Europa apenas estaba saliendo de la edad media en ese momento,” señala Roven. “La mayoría de la gente vivía en la miseria y la ignorancia. Cuando llegó esta enfermedad, no pudieron descubrir lo que la estaba causando o cómo, y comunidades enteras fueron exterminadas completamente. Como ha ocurrido a lo largo de la Historia, cuando algo no podía explicarse, la gente se volvía muy supersticiosa. La culpa de esto la tiene el vecino, la chica de la granja más abajo, el carnicero, el posadero.”

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sobrenaturales eran normales,” dice Gartner. “Y sin embargo, se llena con elementos suficientemente creíbles en términos de lo que está sucediendo en nuestro mundo. Los personajes cuestionan cosas que mucha gente se pregunta hoy en día.”

“Como director de cine, siempre quiero que la historia resuene en el público de hoy,” explica Roven. “Muchas cosas de las que están sucediendo en el mundo de hoy han sacudido nuestra base de creencias. Cuando nos preguntamos acerca de nuestras creencias y no tenemos respuestas para las cosas, tenemos la tendencia a buscar chivos expiatorios”.

“Ocurre en un momento cuando la gente creía que los eventos Cinemascomics │Marzo 2011 │

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Espada y brujería, el género que revive en 2011

Por Gerard Fossas

La literatura de aventuras ha sido una de las que históricamente más ha nutrido el cine, es el género que hereda de la formalidad esencial del cuento popular y la convierte en un relato de mayor extensión, pero de la misma simpleza, conformando un sinfín de historias con temas redundantes dotadas de un imaginario extraordinariamente rico.

describe a la perfección el nivel de civilización del contexto como el componente sobrenatural de la historia. Nos encontramos pues, ante un subgénero de aventuras deudor de los relatos mitológicos de Homero, las leyendas de la mitología nórdica e incluso de la ficción histórica, que consistía en contar una versión arbitraria y ficticia basada en un suceso real.

Los relatos de aventuras funcionan a través de la definición llana de los roles descritos en el modelo actancial de Greimas (sujeto o héroe, oponente, destinador o elemento movilizador, ayudante del héroe y objeto de la aventura) y gracias a una narración convencional de tres actos muy definidos.

Este subgénero de espada y brujería, pues, se distingue por el marco mítico y fantástico que envuelve las historias protagonizadas por un héroe, normalmente terrenal, que se enfrenta a todo tipo de enemigos (humanos, monstruos o dioses) para lograr un objetivo normalmente individual y simple, como la venganza, la búsqueda de un objeto o un rescate; de modo que la condición épica de estas historias reside en las acciones del héroe y no en la trascendencia de sus motivaciones.

En los años 30 y 40 los autores del género encontraron un paraíso en las revistas pulp y en la publicación por entregas de las historietas varias que enganchaban y fidelizaban al público ávido de unas emociones que por aquel entonces sólo los textos escritos y su propia imaginación podían satisfacer, ya que el cine todavía no podía alcanzar la espectacularidad visual que este tipo de obras requerían por culpa de las limitaciones técnicas y presupuestarias.

Espada y brujería “Espada y brujería” es un término acuñado por primera vez en 1961 por el británico Michael Moorcock para referirse a los relatos de Robert Ervin Howard, del que hablaremos más adelante, y que a la postre se convirtió sirvió para bautizar un subgénero de la literatura de aventuras que atesoraba unos códigos y unos elementos comunes que les distinguían de otro tipo de relatos como por ejemplo los de “capa y espada”, que básicamente eran aventuras de corte realista o con base histórica.

Tal como apuntó Fritz Leiber en el mismo 1961, “espada y brujería” www.cinemascomics.com

También suele haber un punto común en la caracterización del héroe: son caballeros andantes por naturaleza, hombres de acción cuya rutina es la batalla, algo que contagia el relato de una acción constante sin apenas momentos de tregua que permitan dotar de profundidad alguna unas historias que por definición están concebidas para el puro entretenimiento.

Robert E. Howard (1906-1936) fue el creador de personajes emblemáticos del género como Conan el Bárbaro, Red Sonja y Solomon Kane

Howard es padre creador de personajes emblemáticos del género como Conan el Bárbaro, Red Sonja y Solomon Kane, mientras que Smith fue muy prolífico en sus historias míticas situadas en el continente ficticio de Zothique o la región legendaria de Hyperborea.

Las historias de Howard y Smith, junto a la mitología lovercraftiana y a un emergente J.R.R. Tolkien (que en 1937 publicaría El Hobbit), surgieron otros autores importantes para el subgénero de espada y brujería, como Cathe-

Weird Tales Si hablamos de espada y brujería, los dos nombres que debemos escribir en mayúsculas son los de Robert Ervin Howard y Clark Ashton Smith. Ambos amigos y compañeros de H.P. Lovercraft, fueron los tres pilares maestros de la revista Weird Tales, una revista pulp norteamericana que gracias a las publicaciones de historias por tomos firmadas por los anteriormente citados tuvo un gran éxito comercial durante los años 30 y 40, hasta convertirse en objeto de culto para los amantes de la literatura fantástica de aventuras, de terror y de ciencia-ficción.

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rine Moore, el mencionado Fritz Leiber, las series de microrelatos juntados en Pusadian en los 50 (de Lyon Sprague de Camp) o Thongor 60 (de Lin Carter) u otros autores importantes que entraron en la revista Weird Tales, aunque no manejaran el mismo registro, como Manly Wade Wellman, Theodore Sturgeon, Margaret St.Claire, Henry Kuttner o Joseph Payne Brennan.

Y entonces llegó el cine Tarde o temprano tenía que llegar la hora en que algunas de estas historias épicas encontraran su lugar también en el cine y, sin duda, en este ámbito son los personajes creados por Robert E.Howard los que más gancho han tenido y los que más éxito han cosechado con su salto al celuloide.

En los años 80 John Milius y Richard Fleischer encontraron en un joven y fornido Arnold Schwarzenegger el rostro y el cuerpo perfectos para dar vida a Conan el Bárbaro en dos ocasiones, Conan el Bárbaro (John Milius, 1982) y Conan, el Destructor (Richard Fleischer, 1984), y a Kalidor en El Guerrero Rojo (Red Sonja) (Richard Fleischer, 1985).

El auge del cine de acción en esta década contagió estas películas y el cuidadoso diseño de producción con el que eran diseñadas aseguraba un espectáculo de rudeza y violencia física de alta factura que compensan con creces la falta de efectos especiales y el siempre entrañable uso de decorados de cartón piedra.

El resultado, pues, fueron tres cintas de culto para nostálgicos y amantes del género, y el salto al estrellato de un actor cuya labor de poner cara de mala leche y repartir mamporrazos le forjó un hueco en el cine de acción, sobretodo después de que James Cameron lo eligiera para dar vida al mítico T-800 en Terminator (James Cameron, 1984).

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Póster de Conan el Bárbaro. John Milius. 1982

Del cine de género al mainstream La segunda mitad de los 80 y la década de los 90 fueron años dorados para el género de espada y brujería, que en esta década abandonaron la estética barroca para construir historias en las que el romanticismo y la magia desbancaron la contundencia y la agresividad de las películas de la primera mitad de los 80. Además, los estudios explotaron las posibilidades del género para cautivar a un público más infantil sin defraudar a los seguidores más fieles del fantástico de antaño.

En estos años irrumpieron en las pantallas de todo el mundo histo-

rias de amor infinito bañadas por la magia del imaginario medieval, algunas de ellas extraordinarias aventuras, como la inimitable Lady Halcón (Richard Donner, 1985) o la deliciosa La Princesa Prometida (Rob Reiner, 1987), todo un ejemplo de cine imperecedero que todavía hoy es una de las mejores películas de aventuras de la historia.

El éxito de estos filmes puso una alfombra en el camino para que surgieran superproducciones para toda la familia. Willow (Ron Howard, 1988) es sin duda el mejor ejemplo de la tendencia de los 90 de aprovechar las innovaciones técnicas y ponerlas al servicio del www.cinemascomics.com

La maldición tecnológica

Lady Halcon. Richard Donner (1985)

cine de aventuras. El film de Ron Howard combina una agilidad narrativa encomiable con un amplio repertorio de efectos especiales, sentido del humor y el siempre conveniente seguro de rentabilidad que asegura la presencia de una estrella, como en aquel entonces lo era Val Kilmer.

La tónica imperante de suavizar el género y el nuevo público al que se debía hicieron que, por

ejemplo, una película como Dragonheart (Rob Cohen, 1996) – un magnífico entretenimiento, no me malinterpretéis – tuviera más éxito que un intento de recuperar los clásicos con la adaptación cinematográfica de Kull, el Conquistador (John Nicolella, 1997), otro personaje mítico de Robert E.Howard, pasara con más pena ni gloria por las pantallas de cine.

Con los 2000 también llega una época en que con menos se hace más, en la que con un presupuesto pobre se pueden hacer efectos especiales saltones pero suficientemente solventes como para tirar adelante producciones en las que el trabajo de guión y el diseño de producción brillan por su raquitismo. La industria hollywoodiense vuelve la espalda a las raíces de este prolífico género y las posibilidades de la digitalización al alcance de la mano posibilitan que los cines acojan aberraciones fílmicas de baja calidad como Dungeons and Dragons (Courtney Solomon, 2000), versión y maltrato cinematográfico del juego de rol convertido luego en serie de animación, o la olvidable Druidas (Jaques Dorfman, 2001).

Un grande del cine en plena travesía por el desierto como Robert Zemeckis se inmiscuye en la espada y la brujería con Beowulf (Robert Zemeckis, 2007). No obstante, la técnica de digitalización revolucionaria que aplica la película forma parte del club de

Beowulf. Robert Zemeckis. (2007) www.cinemascomics.com

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los “uichs, casi” y todo el trabajo centrado en las aplicaciones tecnológicas hizo que se dejara la historia a un lado, con un cómputo global de fracaso absoluto.

En definitiva, la tecnología y la técnica, con sus innovaciones, pasan de aliadas a traidoras para el cine de espada y brujería. Es Uwe Boll quien con En el nombre del rey (Uwe Boll, 2007) recupera el espíritu de los ochenta, con la violencia sin concesiones y la atmosfera casposa, y lo combina con una suerte de efectos digitales efectivos a pesar del bajo presupuesto que resultan en una película menor, pero de agradable degustación para paladares selectos.

Reviviendo los clásicos De la mano del productor Paul Berrow, los personajes de Robert E.Howard vuelven a meter codos para hacerse un hueco en el cine actual. Berrow asumió la producción de Solomon Kane (Michael J. Basset, 2009) en la primera incursión de este personaje en el celuloide, con una película de aventuras oscura que a pesar de su discutible calidad y nula trascendencia, revive la esencia del género de espada y brujería con un entretenimiento desinhibido y sin pretensiones.

Conan el Barbáro 3D. Marcus Nispel. (2011)

En Tiempos de Brujas Habrá que esperar para vivir las nuevas aventuras de Conan, Red Sonja y Barn Mak Morn, pero el primer plato de este menú de espada y brujería que nos depara 2011 llega este marzo con En Tiempos de Brujas (Season of the Witch, Dominic Sena, 2011). El director de 60 segundos y Operación Swordfish y Tristar Pictures nos presentan a Nicolas Cage, a su terrorífico pelo y a Ron Perlman (también presente en la futura Conan, El Bárbaro) en una aventura épica con tintes fantásticos en la que dos caballeros re-

cién llegados de las cruzadas se embarcan en la misión de llevar a una joven acusada de practicar la brujería hasta una abadía en la que será juzgada.

La joven Claire Foy, el eterno Christopher Lee, Stephen Graham, Robert Sheehan, Ulrich Thomsen y Stephen Campbell Moore completan el reparto de En Tiempos de Brujas, que promete una buena dosis de entretenimiento a medio camino entre la crudeza de Black Death (Christopher Smith, 2010) – todavía pendiente de estreno en España – y el cuento épico que abandera Willow.

El mismo Berrow está al mando de la producción de otra adaptación inédita de un personaje de Howard, Bran Mak Morn, con vistas a 2012. De momento, este mismo año llegarán a nuestros cines los reboots de Conan el Bárbaro, dirigida por Marcus Nispel, y Red Sonja, dirigida por Simon West y producida por Robert Rodríguez.

El joven y forzudo Jason Momoa coge el relevo de Arnold Schwarzenegger como Conan y Rose McGowan provará como mujer de armas tomar en ambas películas.

En tiempo de Brujas. Dominic Sena. (2011)

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El Rito

18 de Marzo

El Rito es un thriller sobrenatural que revela la llegada del demonio incluso a uno de los lugares más sagrados de la Tierra.

Basada en hechos reales, la película sigue al seminarista Michael Kovak (Colin O’Donoghue), al que envían a estudiar exorcismo al Vaticano a pesar de sus dudas sobre esta polémica práctica e incluso sobre su propia fe. Con su profundo escepticismo como armadura, Michael desafía a sus superiores a buscar el problema en la psiquiatría en vez de en demonios a la hora de tratar con personas poseídas.

Hasta que no le envían como aprendiz del poco ortodoxo Padre Lucas (Anthony Hopkins), un legendario sacerdote con miles de exorcismos en su haber, la armadura de Michael no empieza a caer. A medida que se introduce en un preocupante caso que parece trascender incluso la habilidad

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del Padre Lucas, empieza a vislumbrar un fenómeno que la ciencia no puede explicar ni controlar, un mal tan violento y terrorífico que le lleva a poner en tela de juicio todo en lo que cree.

“La lucha constante contra el demonio, que caracteriza la figura del Arcángel Miguel, es actual también hoy, porque el demonio está todavía vivo y operante en la tierra» Papa Juan Pablo II

Dirigida por Mikael Håfström (1408), El Rito está protagonizada por el oscarizado Anthony Hopkins (El silencio de los corderos) y por Colin O’Donoghue en su papel debut, Alice Braga (Predators), Toby

Jones (El desafío: Frost contra Nixon), con Ciarán Hinds (Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte 2) y Rutger Hauer (Batman Begins, Blade Runner).

Beau Flynn y Tripp Vinson (El exorcismo de Emily Rose) son los productores de la película, con el sello de Contrafilm. El guión es de Michael Petroni (Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del alba), inspirado en el libro de Matt Baglio. Richard Brener, Merideth Finn y Robert Bernacchi son los productores ejecutivos junto con la coproducción de Mark Tuohy.

New Line Cinema presenta una producción de Contrafilm, la película de Mikael Håfström El Rito.

La película será distribuida por Warner Bros. Pictures, empresa de Warner Bros. Entertainment.

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Acerca de la producción Los exorcismos y la oscuridad que se viven de primera mano se han mantenido durante mucho tiempo como una fascinación cultural, independientemente de la fe de cada uno o de vivencias anteriores. El director Mikael Håfström asegura: “El interés por el rito del exorcismo es universal. Muchas de las experiencias vienen de la mano de la religión, pero también otras muchas surgen de la cultura popular. La película El exorcista de los años 70 sigue siendo todavía la película más famosa sobre este fenómeno. En todo el mundo, existen personas que se sienten atraídas por este tema, a pesar de que, o quizás incluso porque, no se puede demostrar o comprender del todo. Cuanto más buscas, más compruebas que no hay respuestas sencillas”.

Como actor, Anthony Hopkins ha profundizado en la naturaleza del www.cinemascomics.com

demonio, sobre todo en su encarnación de Hannibal Lecter en El silencio de los corderos. De la película El rito dice: “Existe un debate en esta película: ¿Existe el diablo? ¿Es una personificación? ¿O es solo psicológico? ¿Es Freud o Dios? ¿Quién sabe?”

“Elegir no creer en el demonio no te protegerá de él” Padre Lucas El actor irlandés Colin O’Donoghue, protagonista junto con Hopkins de la película, señala que la historia posee preguntas universales acerca de cómo podemos tratar lo inexplicable. “Existe la razón psicológica en la que la idea de posesión es causa y efecto de una enfermedad mental y existe la creencia en demonios y posesión, un debate que ha existido duran-

te miles de años. La película dibuja inquietantes escenarios y el hecho de que está inspirada en la vida real te hace creer que hay algo de real en todo esto”.

La historia de El Rito empezó como un proyecto de libro de Matt Baglio, un reportero residente en Roma, quien se encontró con el anuncio en 2007 del Vaticano sobre la iniciativa de reinstruir al clero en el rito del exorcismo con el objetivo de ofrecer un exorcista en diócesis de todo el mundo.

Cuando el proyecto de Baglio contaba con 10 páginas intrigó de forma inmediata a los productores.

La productora Beau Flynn dice: “Matt escuchó hablar de una escuela de exorcismo en el Vaticano y se quedó fascinado con la idea.

En el transcurso de su investigación, conoció a un sacerdote norteamericano que estaba recibiendo esta formación, de tal forma que, en vez de un artículo, Matt decidió escribir un libro”.

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tolorum en Roma para aprender cómo ser un exorcista y sus experiencias son las que configuran el personaje central de Michael Kovak en el guión”.

El productor Tripp Vinson comenta: “Cuando haces una película como esta, necesitas tratar el tema de forma seria y con absoluto respeto. Si tratas temas tan grandes como el bien y el mal, no tienes que añadir florituras. La verdad es más convincente que cualquier otro maquillaje que le podamos añadir”.

El resultado de esto fue The Rite: The Making of a Modern Exorcist, (El Rito: La creación de un exorcista), que narra los acontecimientos que inspiraron a la película. “El exorcismo en sí es algo de lo que pocas personas tienen conocimiento”, dice Baglio.

“Quería no solo entenderlo por mí mismo, sino también desvelar el misterio a los demás. Conocí un sacerdote norteamericano, el Padre Gary Thomas, quien había venido al Seminario Regina Apos-

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Los productores contrataron como guionista a Michael Petroni para que adaptara la idea al guión, incluso cuando Baglio aún escribía su libro. “La gente se queda obnubilada con la idea de la posesión porque su existencia sigue siendo una pregunta sin respuesta”, dice Petroni. “La historia es el fruto de una investigación a fondo a través de entrevistas con sacerdotes y crónicas de experiencias reales, en las que todo lo que presenciaron era aterrador”.

El Padre Gary, ahora pastor y exorcista en el Norte de California,

quien ejerció de asesor en la película, explica: “El rito del exorcismo existe desde 1614 y todavía muchos obispos y sacerdotes no tienen ni idea de lo que esperar en un exorcismo, excepto que tiene que ver con Satanás. La oportunidad que tuve para entrenar en Roma me dio una gran base, en la medida en que fui capaz de trabajar con un exorcista experimentado al que puede preguntar todas mis dudas. Lo que realmente me resonaba era el hecho de que se trataba de un sacerdocio curativo que ofrecía a los sacerdotes como yo la oportunidad de ayudar a personas que realmente estaban sufriendo”.

Håfström estaba intrigado con el asunto de explorar el exorcismo con una base tan sólida en la realidad. “No es una película de terror sin más”, aclara. “Es una película de ficción, pero dentro de un marco real y objetivo.

Cuando leí el guión, sentí que había logrado la idea de la posesión demoníaca desde un ángulo que nunca habíamos visto antes, el cual te sumerge en este mundo de una forma de suspense, impactante y entretenida”.

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EXORCISMOS DE CINE Por Manuel Moros

Desde tiempos remotos, todas las religiones han contado con demonios, espíritus o genios maléficos dispuestos a dañar a sus devotos, enalteciéndose de esta forma por contraste la grandeza de sus dioses tutelares y propicios. Ya en Mesopotamia se temía a estos seres, a los que se hacía responsables de enfermedades, catástrofes y toda clase de males. Y no solo podían causar a los seres humanos indecibles sufrimientos o inducirles a realizar malas acciones, sino que también podían poseerlos, instalándose en su interior, en lo que constituría la modalidad más grave de ataque demoníaco. En Mesopotamia, la cuna de la Humanidad, se hallan las expresiones más antiguas de una demonología que influiría a los asirios y al mundo hebraico hasta el cristianismo.

Allí, casi todas las enfermedades, incluso aquellas de las que se conocían en parte sus causas, se consideraban posesiones diabólicas. Para enfrentarse a los grupos de funestos demonios conducidos por Nergal, el rey de los infiernos, era preciso invocar a los dioses mayores, Ea y su hijo Marduk, y a los genios protectores Lamassu y Shedu. Contra ellos se aplicaban numerosos encantamientos, plegarias y conjuros, recitados por sacerdotes y médicos, que al final del tratamiento colocaban amuletos y talismanes para evitar que el demonio de la enfermedad entrase de nuevo en ellos. En la Biblioteca Nacional de París hay una lápida egipcia que relata cómo una princesa de la vigésima dinastía de los faraones fue liberada de la posesión diabólica por el dios Khons, y en el Nuevo Testamento aparecen numerosos casos (sorprendentemente numerosos) de posesión diabólica. Será a la hora de arrojar a los demonios de los poseídos cuando Jesús ejerza el ministerio que heredarían todos los sacerdotes cristianos: el exorcistado, la tercera de las cuatro Órdenes Menores. La diferencia entre la expulsión de demonios por parte de Jesús, por un lado, www.cinemascomics.com

y de sus apóstoles por otro es que el Hijo de Dios no empleaba fórmulas ni conjuros, sino que por su propia autoridad, ordenaba a los demonios que abandonasen a la persona poseída por ellos. Sin embargo, concedió a sus discípulos el poder de expulsarlos actuando en su nombre: “Jesús, llamando a sus doce discípulos, les dio poder sobre los espíritus impuros para arrojarlos” (Mateo 10, 1). En Apóstoles 16, 16-18 puede leerse: “Molestado, Pablo se volvió y dijo al espíritu: En nombre de Jesucristo te mando salir de ésta. Y en el mismo instante, salió”. La Iglesia católica siguió esta tradición y, de hecho, la palabra “exorcismo” deriva del griego exorkismós, “conjuro”, definiéndose como un conjuro ordenado por la Iglesia contra el espíritu maligno, formulado unas veces en forma de mandato directo, pero siempre en nombre de Dios o de Jesucristo, y otras en forma de invocación o súplica dirigidas al Padre o al Hijo, con objeto de alcanzar el cumplimiento de la expulsión del demonio que se ordena. Este acto ha de estar sujeto a la fe, creyendo en el soberano poder que tiene Dios sobre el demonio; por lo tanto, el exorcismo representa en sí mismo un acto de fe y religión. San Justino, mártir del siglo II, recomendaba en uno de sus escritos expulsar a los demonios de los poseídos mediante

la sola invocación del nombre de Cristo: “En el nombre de Nuestro Señor Jesucristo, crucificado bajo Poncio Pilatos (...) te conjuro a que abandones el cuerpo de...”

En el mismo sentido se pronunció Tertuliano en sus escritos. Pero poco después se introdujeron nuevas prácticas como la imposición de manos, la exsuflación (expulsar a los demonios por medio de soplidos), la unción con aceite sagrado y la práctica del ayuno de 20 a 40 días de duración con recepción frecuente de la eucaristía, y aunque al principio cualquier cristiano podía expulsar a los seres infernales, en el siglo III la práctica quedó reservada a una orden especial llamada de los exorcistas. Fue mucho después, en 1614, cuando el Rituale Romanum del papa Pablo V codificó el ejercicio del exorcismo en un texto que ha llegado hasta nuestros días con muy pocas variaciones y en el que se exponen todas las normas que han de seguirse para realizarlo, así como unas partes previas donde se especifican los signos que ha de mostrar un poseso para ser considerado como tal y las virtudes que debe reunir un sacerdote para ser exorcista. Es un conjunto de oraciones en las cuales se pide ayuda a Dios y, por otra parte, se exige al diablo que abandone el cuerpo de la persona posesa, siempre actuando, claro está, en nombre del poder

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de Dios. Los signos reveladores de que alguien está poseído serían signos psíquicos como mostrar una locura furiosa y un odio hacia Dios, la Virgen, los santos y los símbolos sagrados; hablar idiomas desconocidos (xenoglosia) y sostener conversaciones en tales idiomas con otras personas, así como entender los idiomas que se le hablen; descubrir las cosas ocultas y conocerlas aunque estén a mucha distancia del endemoniado; mostrar una fuerza psíquica o moral superior a lo normal; predecir acertadamente cosas futuras; influir sobre la materia levantando y haciendo mover muebles u objetos y haber sufrido un cambio integral en la personalidad primaria y exteriorizar otra secundaria y desconocida. Para que la Iglesia entienda que una persona está poseída también debe presentar signos físicos, como tener una fuerza muy superior a la que corresponde a su edad; experimentar transformaciones físicas en todo el cuerpo o partes del mismo, así como quedar marcada la piel por misteriosas palabras o signos; cambios del tono, pronunciación y calidad de la voz o transformación de ésta en gruñidos animales; violentas convulsiones y contorsiones y movimientos antifisiológicos (girar la cabeza y el cuello 180º ó 360º) y levitación. El exorcista, convenientemente ayudado, reforzado y protegido por los poderes que representa el crucifijo, seguirá la metodología de oraciones, imprecaciones y conminaciones, repetidas todas varias veces, hasta que consiga expulsar al demonio de la persona poseída, ordenándole que vuelva al lugar de donde había salido, es decir, “al mundo de las tinieblas”, lo que hará a través de los orificios naturales del cuerpo que ocupaba.

En teoría, hasta 1972 cualquier sacerdote podía practicar un exorcismo pues para llegar a tal había recibido las Órdenes Mayores y Menores, y entre estas últimas se

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encuentraba, como ya hemos dicho, el exorcistado. Sin embargo, el Código Canónico especifica en los cánones 1151 al 1153 que ningún sacerdote puede efectuar el rito del exorcismo si no está autorizado por el obispo de su diócesis, y que en los casos en que sea necesario, debe pedirse de forma especial y expresa para cada caso en particular. Era responsabilidad del obispo, pues, elegir al sacerdote más adecuado después de hacer una profunda investigación sobre su personalidad. El sacerdote debía tener un historial limpio, ser una persona piadosa, íntegra, ecuánime y tranquila, estar física y psíquicamente bien, no tener hábitos, vicios ni tendencias perniciosas y tener fe en el rito que va a efectuar. Con estas normas se trataba de evitar que el exorcista pueda sufrir daños psíquicos durante o después del rito, pues se han dado casos de sacerdotes que perdieron la razón, se convirtieron ellos mismos en posesos o desfallecieron a causa de un ataque cardíaco o nervioso. Por lo tanto, el mismo sacerdote que solicitara permiso para realizar un exorcismo podía ser quien lo llevara a cabo, pero no siempre.

Sin embargo, en el Concilio Vaticano Segundo de 1972, Pablo VI suprimió las Órdenes Menores, con lo que se “profesionalizó” la figura del exorcista.

En 1999 se presentó ante la prensa una nueva versión del Rituale, producto de más de diez años de trabajo, aprobada por Juan Pablo II, más en armonía con los nuevos tiempos y en particular con los conocimientos de la psicomedicina. La primera consigna que se imparte a los exorcistas es que no crean en la posesión demoníaca con facilidad y la segunda, que el exorcista sepa cuáles son las señales que diferencian al poseído de las personas aquejadas de melancolía, histeria, epilepsia y demás enfermedades neurólogicas o psicóticas. En pocas palabras, que además de teología, el exorcista sepa psicología y conozca los cuadros patológicos más frecuentes.

La reforma del ritual dio al exorcismo un protagonismo insólito en la historia de la Iglesia y fue fruto de la preocupación del anterior papa por lo que juzgaba un crecimiento de la influencia diabólica en el mundo. De hecho, según la revista L´Actualité religieuse

Gabriele Amorth. www.cinemascomics.com

dans le monde, él mismo practicó dos exorcismos en el Vaticano en 1982 y 1984. Desde su papado, muchos arzobispados cuentan con sacerdotes especializados con licencia de la Santa Sede para exorcizar libremente si lo creen realmente necesario. Además, desde 2005, el Vaticano organiza cursos para preparar a sacerdotes para expulsar a los espíritus malignos de los poseídos. Las clases duran dos meses y se imparten en el prestigioso Athenaeum Pontificium Regina Apostolorum de Roma, una universidad católica dirigida por los Legionarios de Cristo. Italia cuenta con entre 300 y 400 exorcistas reconocidos oficialmente, mientras que en Estados Unidos sólo hay 14. En nuestro país son una media docena, entre los que se encuentra el pintoresco y mediático padre José Antonio Fortea, autor de varios libros que se han convertido en manuales de trabajo para exorcistas de todo el mundo, y que lleva varios años empeñado en expulsar al demonio Zabulón del cuerpo de una pobre veinteañera llamada Marta.

Tal vez el más famoso de los exorcistas sea el padre Gabriele Amor-

th, nombrado en 1986 exorcista de la Archidiócesis de Roma por el propio vicario papal, el cardenal Ugo Poletti y uno de los fundadores en 1993 de la Asociación Internacional de Exorcistas, que se reune cada dos años. Durante una entrevista en Cuarto Milenio, emitida el 10 de junio de 2007 por la cadena Cuatro, el padre Amorth se refirió a la que dijo era una de sus películas favoritas, que en su opinión había hecho mucho por el reconocimiento público de la labor de los exorcistas. Estaba hablando, claro está, de la que pasa por ser la película de terror más célebre de todos los tiempos: El exorcista (The Exorcist, William Friedkin, 1973), basada en la novela del mismo título escrita dos años antes por William Peter Blatty, que a su vez se había inspirado en el caso real ocurrido en 1949 de un muchacho de 14 años de Mount Rainier (Maryland). En ella se contaba la historia de una niña de 12 años de Georgetown, Washington D.C., Regan MacNeil (interpretada por la debutante Linda Blair), que un buen día empieza a oír una serie de extraños ruidos en su habitación. Su madre, Chris (Ellen Burstyn), una

actriz de éxito separada más dedicada a su trabajo que a su hija, echa la culpa a las ratas. Sin embargo, poco después los ruidos se convierten en signos mucho más aterradores y finalmente es su hija la que empieza a experimentar toda clase de fenómenos extraños. Después de innumerables pruebas médicas, la situación de la niña empeora sin que nadie les sepa dar una explicación. Finalmente, la familia decide acudir a un sacerdote, el padre Karras (Jason Miller), que está pasando por una profunda crisis causada por el estado de su madre. Aunque al principio se niega a creer que la niña esté poseída, la llegada del veterano padre Merrin (Max von Sydow) le hace cambiar de opinión y finalmente accede a oficiar, como asistente de Merrin, un exorcismo a Regan. Los efectos especiales, potenciados por una agobiante banda sonora, realizados por Dick Smith y un joven llamado Rick Baker (que con el tiempo se convertiría en uno de los grandes de los FX, ganador de un merecidísimo Oscar por Un hombre lobo americano en Londres) se convirtieron en un referente para todo el cine de terror

Fotograma de “The Exorcist”. William Friedkin, 1973. www.cinemascomics.com

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Fotograma de “The Exorcist”. William Friedkin, 1973.

posterior. Tan escalofriantes son su caracterización, su levitación o su famoso giro de cabeza de 360º como la escena en la que, sentada tranquilamente en la cama, Regan habla con voz de hombre.

El exorcista se estrenó en Estados Unidos el 26 de diciembre de 1973 y fue todo un éxito. Recaudó 193 millones de dólares en este país y 400 en todo el mundo e infundió nueva vida a un género que parecía moribundo, animando a los productores norteamericanos a invertir grandes sumas de dinero en películas calificadas superficialmente como de terror.

Además, obtuvo 11 nominaciones a los Oscar, aunque sólo se alzó con dos, al mejor guión adaptado y a los mejores efectos de sonido, suficientes para una película tan radical, incluso vista ahora. Por mi parte, les aseguro que sólo he sido capaz de verla una vez...

A su gran éxito contribuyeron los rumores sobre los extraños sucesos que habían ocurrido durante el rodaje que, como ha ocurrido con otras pelis de terror, nunca se sabrá si se ajustan a la realidad, si son simples coincidencias o fruto

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de la calenturienta imaginación de los departamentos de publicidad de los estudios. Blatty dijo a la prensa en vísperas del estreno que era imposible achacar todos esos hechos a la casualidad: “Si alguien quería pruebas de que las fuerzas del mal existen, creo que los extraños e inexplicables acontecimientos que tuvieron lugar durante la filmación de El exorcista serían suficientes para convencerle”.

Nada más incorporarse al rodaje, von Sydow recibió la noticia de que su hermano había muerto de forma repentina en Suecia y pocos días después, él mismo cayó enfermo; Jack MacGowran, el actor irlandés de 54 años que interpretó el papel de Burke Dennings murió de forma inexplicable como consecuencia de una gripe tan solo una semana después de que su personaje fuera arrojado por la ventana de la habitación de Regan, como también lo hizo la veterana actriz griega Vasiliki Maliaros, que daba vida a la madre de Karras; los rollos de película grabados aparecieron al poco tiempo velados y varios de los técnicos sufrieron graves y aparatosos ac-

cidentes. El decorado de la casa de los McNeil en los Ceco Studios de Nueva York se incendió debido a un cortocircuito, y el rodaje tuvo que suspenderse durante seis semanas. Mientras trabajaban en el plató, uno de los carpinteros se amputó un pulgar y uno de los técnicos de iluminación perdió un dedo del pie. En cuanto estuvo acabado, el sistema antiincendios se averió, causando un nuevo retraso de dos semanas, lo que hizo que el viaje a las localizaciones de Irak donde transcurren las primeras escenas de la película se retrasara a agosto, con temperaturas de hasta 50º. Nueve de los 18 técnicos enfermaron a causa de insolaciones y disentería.

Además, la estatua de bronce del demonio asirio Pazuzu se perdió durante el embarque aéreo desde Los Ángeles a Irak y fue a parar a Hong Kong, causando un nuevo retraso. El hijo de Jason Miller estuvo a punto de morir después de que fuera atropellado por un misterioso motorista que apareció de la nada mientras paseaba por una desértica playa iraquí.

El abuelo de Linda murió durante el rodaje y el hijo recién nacido de www.cinemascomics.com

uno de los asistentes murió poco después del parto, como también lo hizo el encargado del sistema de aire acondicionado y el guarda que vigilaba el edificio, asesinado misteriosamente. Ellen Burstyn afirmó tiempo después que no estaba segura de si realmente había una maldición, pero que “sucedieron muchas cosas extrañas durante el rodaje de aquella película. Estábamos trabajando con un material muy peligroso, y no puedes jugar con esta clase de cosas sin que se manifiesten de alguna forma (...) Creo que en total hubo nueve muertes en el transcurso de la película, lo que es una cantidad increíble...Era aterrador”.

Se dice que Friedkin recurrió al padre Thomas Bermingham, asesor técnico de la película, para que exorcizara el plató. Éste le dijo que no había suficientes indicios de una verdadera actividad satánica como para realizarlo, pero sí celebró una ceremonia de bendición a la que asistió todo el equipo. Después de aquello no volvió a ocurrir nada extraño, pero pocos días después se produjo un aparatoso incendio en la

residencia de la Orden Jesuita de Georgetown.

Lógicamente, tuvo su secuela, que se llamó El hereje (Exorcista II) (Exorcist II: The Heretic, 1977), de infausto recuerdo, dirigida por John Boorman y nuevamente con Linda Blair como protagonista.

En ella, mientras el padre Philip Lamont (Richard Burton) investiga la muerte del padre Merrin, la doctora Tuskin intenta recuperar los recuerdos de Regan por medio de la hipnosis. La película fue un sonoro fracaso comercial y se dice que ya la noche de su estreno en Hollywood Boulevard, el público arrojó varios objetos a la pantalla para expresar su disgusto con lo que habían visto. En 1990, William Peter Blatty dirigió El exorcista III (The Exorcist III), basada en su novela Legión (1983), donde 15 años después, el detective Kindermann investiga unos asesinatos que tienen todas las características de los cometidos por un serial killer abatido por la policía cuyo cuerpo nunca fue recuperado. Sus pesquisas le llevan hasta un psiquiátrico donde empieza a encontrar nexos de unión entre las víctimas y los sucesos narrados

en El exorcista. Aunque no llegó ni de lejos al éxito de la original, la película fue mucho mejor recibida que la primera secuela.

Como curiosidad, decir que era la favorita de Jeffrey Dahmer, el Carnicero de Milwaukee, que la veía continuamente y se la ponía a sus víctimas antes de drogarlas y descuartizarlas.

En septiembre del año 2000 se estrenó El exorcista, el montaje del director (un título engañoso, ya que era más de Blatty que de Friedkin), donde pudo verse todo lo eliminado en la sala de montaje, incluyendo el famoso descenso arácnido de Regan por las escaleras de su casa. Los 11 minutos de más funcionaron perfectamente, la película recaudó casi 40 millones de dólares y se convirtió en el reestreno más exitoso de todos los tiempos.

En 2004 se estrenó una precuela, El exorcista: El comienzo (Exorcist III: The Beginning, Renny Harlin), donde se contaba el primer encuentro de Merrin en una excavación inglesa de Kenia con el demonio Pazuzu, con el que volvería a verse las caras en El exor-

Fotograma de “Exorcist II: The Heretic”. John Boorman. 1977 www.cinemascomics.com

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Fotograma de “El Exorcista: El cominezo”.Renny Harlin, 2004.

cista. Hay otra versión, rodada por el prestigioso guionista Paul Schrader, que fue rechazada en un principio por los productores por considerarla demasiado compleja y poco espectacular para la taquilla. Sin embargo, fue comercializada para uso doméstico en 2005 con el título El exorcista: El comienzo (La versión prohibida) (Dominion: Prequel to the Exorcist).

El éxito de El exorcista propició en su momento la aparición de numerosos productos nacidos a su sombra, de exploitations con la posesión diabólica y el exorcista liberador como protagonistas. En 1974 se estrenó El exorcista turco (Sheytan, Metin Erksan), un remake no autorizado realizado en este país cuya única diferencia con el original era que, obviamente, se prescindía de cualquier elemento católico. También de ese año es Abby, de William Girdler, una blaxploitation que en principio iba a llamarse Blackorcist, donde se contaban las correrías de esta joven, poseída por Eshu,

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el demonio nigeriano del sexo.

Ovidio G. Assonitis rodó Beyond the Door (Chi Sei?), donde Juliet Mills interpretó a una joven embarazada que empieza a mostrar síntomas de posesión (vómitos y giros de cabeza incluidos), lo que no es de extrañar si tenemos en cuenta que lleva dentro de su vientre a nada más y nada menos que al mismísimo Anticristo. A la jovencita de la alemana Magdalena y el mal (Magdalena. Possessed by the Devil, Walter Boos, 1974) la posesión le servía como excusa para mostrar su cuerpazo desnudo y soltar obscenidades a las primeras de cambio. Hasta el gran Mario Bava se vio afectado por esta Fiebre Exorcista. El productor Alfred Leone le hizo incluir con calzador varias escenas de posesión/exorcismo en su Lisa y el diablo (Lisa e il diavolo, 1972), una historia de horror sobrenatural con mansión, necrofilia, asesinatos, magia negra y la presencia del mismísimo demonio encarnado por un carismático Telly Savalas en el papel de maestro de ceremonias. El producto fue lanzado en 1975 con

el título de El diablo se lleva los muertos (House of Exorcism).

Uno de los más conocidos y valorados miembros de la estirpe maldita de El Exorcista fue El anticristo (L´anticristo, Alberto de Martino, 1974), una película no apta para espíritus sensibles donde se contaba la historia de Ippólita, una joven paralítica desde que de niña tuviera un accidente de tráfico en el cual murió su madre. Tras sufrir una crisis de fe, es tratada por un psicólogo que sospecha que su minusvalía pudiera tener un origen psíquico. Tras ser hipnotizada, recuerda que en una vida anterior fue bruja y que murió en la hoguera. A partir de este momento empiezan a ocurrirle sucesos extraños, hasta que una noche es violada por Satanás y queda poseída por el Maligno, lo que le permite volver a andar y, de paso, asesinar a una jovencita, tener sexo con su hermano, obligar a la gente a hacer cosas contra su voluntad, hacer levitar muebles y levitar ella misma. También en Italia se realizó www.cinemascomics.com

Posesión de una adolescente (Malabimba, Andrea Bianchi, 1979), una mezcla de horror y sexo con espíritu lujurioso por medio con un resultado realmente infame.

En nuestro país, en 1973, Amando “templario” Ossorio realizó La endomoniada, también con niña poseída que, curiosamente, caminaba en un momento dado como una araña por la fachada de su casa. La niña fue interpretada por Marian Salgado, la actriz que dobló a Linda Blair en la versión española de la peli de Friedkin. Juan Bosch estrenó en 1975 Exorcismo, donde Paul Naschy (también co-autor del guión junto con Bosch) interpretó al padre Adrian, un exorcista entregado a expulsar del cuerpo de una joven no un demonio, sino el espíritu de su difunto padre en un argumento donde no faltan las sectas satánicas y los crímenes rituales en pleno Londres. En 1990 se estrenó la parodia Reposeída (Repossessed, Bob Logan), con Leslie Nielsen y Linda Blair ya crecidita riéndose de sí misma sin mostrar ningún respeto a la película que la hizo mundialmente famosa (¿o tal vez por eso mismo?).

A sabiendas de que muchos no compartirán esta opinión, diremos que nos gustó Stigmata (Rupert Wainwright, 1999), con los siempre brillantes Patricia Arquette y Gabriel Byrne. Como El exorcista, comenzaba en una tierra exótica, presentaba también a un sacerdote en crisis y en ambas se mostraba el ritual del exorcismo. Patricia se puso en la piel de una peluquera atea de Pittsburgh que ve cómo su vida se derrumba tras presentar en su propia carne los estigmas de la Pasión de Cristo. Para estudiar el caso, el Vaticano envía a Byrne, un sacerdote especialista en hechos milagrosos cuya fe se tambalea desde hace años, que descubrirá una sórdida conspiración liderada por un siniestro cardenal para ocultar un supuesto evangelio donde Cristo cuestionaría la existencia misma www.cinemascomics.com

de la Iglesia. Injustamente criticada en su momento por su estética de videoclip, la película ofrece impactantes imágenes de gran fuerza plástica, tiene ritmo, y una excelente fotografía y ambientación. Hasta los títulos de crédito merecen la pena. Lo único que no nos quedó muy claro fue si quien posee a la peluquera es el mismo Jesucristo, el Diablo o el alma en pena del viejo sacerdote que descubre el evangelio.

2000 fue el año de Poseído (Possessed, Steven E. de Souza), basada en el ensayo que Thomas B. Allen dedicó a los hechos acaecidos al pequeño de Mount Rainer, y en 2005 se estrenó El exorcismo de Emily Rose (The exorcism of Emily Rose, Scott Derrickson), basada en la espantosa historia real de la alemana Anneliese Michel, de 23 años, que murió el 1 de julio de 1976 durante el largo exorcismo (duró casi un año) al que fue sometida por parte de los sacerdotes Ernst Alt y Arnold Renz. Su autopsia reveló que había muerto de hambre y deshidratación, por lo que los religiosos y sus padres fueron llevados a juicio y acusados de homicidio involuntario y omisión del deber de auxilio. Fueron declarados culpables, pero dadas las particulares circunstancias que rodearon al caso, solo fueron condenados

a 6 meses de cárcel y 2 años de libertad condicional. Aprovechando el éxito en taquilla de Emily Rose se intentó vender Maleficio (An American Haunting, Courtney Salomón, 2005) como una peli de niña poseída por el demonio.

Sólo había que ver el trailer con la escena de la niña con los ojos en blanco, el crucifijo volando y una escena “escaleril” para pensar que estábamos ante otro de estos productos. Sin embargo, lo que aquí se cuenta es una versión libre de la leyenda de la Bruja de Bell, un supuesto poltergesist o entidad maléfica que atormentó a la familia Bell de una granja cercana a Adams, Tennessee, entre 1817 y 1821. También de ese año es el despropósito que se llamó Constantine, de Francis Lawrence, con un exorcista atípico, arrogante, cínico y despiadado que se dedica a devolver a los semidemonios que habitan entre los mortales al Infierno para no acabar él mismo allí, un lugar que ya conoce y donde no quiere volver.

Queridos cineastas, ¿qué os ha hecho el pobre Alan Moore para que maltratéis así sus geniales obras? (y no lo digo por Watchmen...)

En 2006, la alemana Réquiem (El exorcismo de Micaela) (Requiem, Hans-Christian Schmid) adaptó de nuevo la historia de la desdichada Anneliese, centrándose no en la

Fotograma de “Constantine”.Francis Lawrence. 2005.

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Fotograma de “La posesión de Emma Evans”. Manuel Carballo. 2010

trama judicial, como la anterior, sino en el sufrimiento psicológico de la joven posesa. Después de todo lo que se ha dicho, poco más podemos añadir a REC (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007) y su secuela de 2009, [REC]2, donde se dio la vuelta de tuerca definitiva al género al considerar la posesión demoníaca una infección que se propaga a partir del “paciente cero”, la niña Medeiros, secuestrada de un hospital por el cura Albelda y recluida en el ático de Rambla Catalunya 34 para intentar obtener a partir de su sangre una supuesta vacuna contra el Maligno.

En 2009 llegó Exorcismo en Connecticut, de Peter Cornwell, título engañoso donde los haya, pues lo que se nos cuenta es una historia “basada en hechos reales” de casa embrujada y de almas atormentadas buscando la luz, mucho más cercana a La guarida (The Haunting, Jan De Bont, 1999), por ejemplo, que a El Exorcista. De hecho, su título en inglés es The

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Haunting in Connecticut. Nada de exorcismos...aunque salga un cura.

Estas navidades pudimos ver La posesión de Emma Evans, dirigida por Manuel Carballo, una producción de Filmax claramente orientada al mercado internacional, ambientada en Londres y rodada en inglés con un reparto principalmente británico. En ella se cuenta la historia de una adolescente que se siente incomprendida por sus padres. Después de invocar al Demonio como signo de rebeldía, empieza a mostrar claros signos de posesión diabólica, por lo que busca la ayuda de su tío, un sacerdote en crisis tras haber sufrido una derrota a manos del Maligno (la muerte de una joven poseída).

Una más que aceptable propuesta que huye de los clichés habituales, que cumple con su función de entretener y hacer pasar un buen/mal rato a los aficionados al género y que ya ha sido comprada por más de 40 países.

Parece que en estos tiempos, cuando uno quiere revitalizar un género no se le ocurre otra cosa más que rodar una peli cámara en mano y usar la técnica del falso documental como técnica narrativa. No parecen darse cuenta de que debido a su excesivo uso, la técnica está perdiendo efectividad poco a poco, por mucho que al producto le cuelguen la etiqueta de “basada en hechos reales”, y que lo poco gusta y lo mucho cansa. Nos estamos refiriendo a la reciente El último exorcismo (The Last Exorcism, Daniel Stamm, 2010), apadrinada por Eli Roth. En ella, el reverendo Marcus Cotton es un exorcista de vuelta de todo que durante años se ha ganado la vida expulsando demonios en los que no cree, y que propone a un equipo de documentalistas la filmación de su último exorcismo durante el cual, por supuesto, se encontrará cara a cara con el Maligno. La premisa no es nada original, pero la peli está bien ambientada, cuenta con buenas interpretaciones y buenos www.cinemascomics.com

Fotograma de “El Rito”. Mikael Håfström. 2011

diálogos y consigue algunos momentos inquietantes. La lástima es un final excesivo que, a pesar de ser consecuente con el resto de la trama, deja completamente descolocado al espectador y da al traste con una historia que se hubiera resuelto mucho mejor sin dar innecesarias respuestas.

A punto de estrenarse está The Rite, dirigida por Mikael Håfström y basada en el libro The Rite: The Making of a Modern Exorcist (2009), escrito por Matt Baglio, que mientras participaba en un seminario sobre exorcismos organizado por el Vaticano conoció a un sacerdote californiano llamado Gary Thomas que había sido enviado por el obispo de su diócesis para que aprendiera el ritual.

Aunque en principio se mostró escéptico, el sacerdote pronto tuvo que afrontar la espantosa realidad de las posesiones demoníacas. Baglio dijo que fue testigo de más de veinte exorcismos, alguno de ellos realizado por el padre Gary, y que la experiencia le había servido a él mismo para reconocer el valor de la fe.

En la película se cuenta la histowww.cinemascomics.com

ria de Michael Kovak, un hombre sin fe que entra en el Seminario simplemente para no tener que costearse sus estudios. Una vez que es ordenado diácono, envía una carta de renuncia a su superior, el padre Matthew, pero éste está convencido de que sería un gran sacerdote, por lo que le da a elegir entre tener que pagar una tasa de 100.000 dólares o viajar a Roma para asistir a un curso de exorcismos, después de lo cual podrá colgar los hábitos si así lo sigue deseando. Evidentemente, Michael no se lo piensa, y durante el curso conoce al padre Lucas, un prestigioso exorcista que después de un fracaso comienza a mostrar también signos de posesión demoníaca...

Estrictamente hablando, The Rite no es una película de terror. De hecho, su director se ha referido a ella como “la historia de un joven buscándose a sí mismo y su camino en la vida”. Sin embargo, el papel del viejo exorcista es interpretado por sir Anthony Hopkins, un actor que nos parecería digno de ver aunque saliera leyendo las Páginas Amarillas, lo

que ya de por sí es un buen aliciente. Máxime cuando él mismo ha declarado que su papel es el más interesante que ha interpretado desde el del doctor Lecter de El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991).

Y para finalizar, una sesuda reflexión. El hecho de que la posesión demoníaca esté presente en tradiciones religiosas de culturas muy diferentes indica que tiene una función más general, sirviendo como válvula de escape para ayudar a los que suelen estar controlados por los que mandan para que puedan hacer, durante un corto período de tiempo, cosas que en condiciones normales habrían sido rigurosamente reprimidas.

La gente puede comportarse de formas social o religiosamente inaceptables y evitar las sanciones habituales que les caerían encima alegando: “El demonio me hizo hacerlo”. Una excusa que le vendría muy bien a Jimmy Hayward para justificar su estado mental mientras realizaba la infame Jonah Hex...

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Estrenos

Gnomeo y Julieta

18 de Marzo

En la Comedia/Aventura de Animación “Gnomeo & Juliet” (Gnomeo y Julieta), la maravillosa obra de Shakespeare experimenta una transformación disparatada y tremendamente divertida. Dirigida por Kelly Asbury (“Shrek 2”) y con canciones clásicas y originales de Elton John, la película incluye las voces de James McAvoy (“Atonement” [Expiación], “The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe” [Las cónicas de Narnia: el león, la bruja y el armario]) y Emily Blunt (“The Devil Wears Prada” [El diablo se viste de Prada], “The Young Victoria” [La Reina Victoria]), en los papeles de Gnomeo y Julieta.

Gnomeo y Julieta, al igual que sus cuasi homónimos, tienen que superar un sinfín de obstáculos al verse envueltos en una disputa entre vecinos. ¿Podrá este pareja vivir feliz para siempre entre flamencos de plástico rosa y demenciales carreras entre cortadoras

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de césped?

Los actores que han prestado sus voces son Michael Caine, con dos Premios de la Academia® (“Cars 2”, “Inception” [Origen]) como Lord Redbrick, el padre de Julieta, Jason Statham (serie “Transporter”, “The Expendables” [Los mercenarios]) como Tybalt, némesis de Gnomeo, Maggie Smith (películas de “Harry Potter”) como Lady Bluebury, Patrick Stewart (“Star Trek”, serie de televisión “Family Guy”) como Bill Shakespeare, Ashley Jensen (“How to Train Your Dragon” [Cómo entrenar a tu dragón]) como Nanette, la amiga y confidente de Julieta, Stephen Merchant (serie de televisión “The Office”) como Paris, el pretendiente de Julieta, Matt Lucas (“Alice in Wonderland” [Alicia en el País de las Maravillas]) como Benny, el mejor amigo de Gnomeo, y Jim Cummings (“Winnie the Pooh”, “Shrek”)

como Featherstone, el flamenco de plástico rosa. Julie Walters (películas de “Harry Potter”) y Richard Wilson (serie de televisión “Merlin”) ponen voz a los vecinos humanos que están peleados, Miss Montague y Mr. Capulet; Ozzy Osbourne es Fawn, el compinche de Tybalt; Dolly Parton interpreta a la gnomo Dolly que empieza la carrera de máquinas cortacésped; y Hulk Hogan presta su voz a la irredenta bestia de una máquina cortacésped, el Terrafirminator.

“Gnomeo & Juliet” está producida por Baker Bloodworth, Steve Hamilton Shaw y David Furnish. El productor ejecutivo de la película es Elton John. Algunas de sus canciones clásicas están incluidas en la película junto con nuevas canciones escritas con su Bernie Taupin, su colaborador habitual, y con la colaboración de artistas invitados. James Newton Howard y Chris Bacon han compuesto la www.cinemascomics.com

partitura original. “Gnomeo & Juliet” (Gnomeo y Julieta) está clasificada G por la MPAA. LA LITERATURA CLÁSICA SE APUNTA A LOS ELEMENTOS DECORATIVOS DE JARDÍN Los realizadores dijeron: “¿Y por qué no lo hacemos con gnomos?”

William Shakespeare escribió “Romeo y Julieta” a finales del siglo XVI. La fábula trágica de dos adolescentes enamorados ha tenido un sinfín de interpretaciones.

Desde la adaptación operística de Georg Benda en los años 1700 hasta el popularísimo musical de los años 50 “West Side Story” seguido de “Romeo + Juliet” de MTV en 1996. En 2010, Twitter estrenó “Such Tweet Sorrow”—una versión tweeteada de la obra realizada por la Royal Shakespeare Company and y Mudlark Production Company. www.cinemascomics.com

Y ahora los protagonistas son gnomos de jardín.

A los realizadores les sedujo la ironía que entrañaba el concepto de la película. El productor David Furnish afirma: “El concepto de la película nos dio la oportunidad de coger una historia clásica muy conocida y darle un giro total—reinventarla para el público actual de forma tremendamente divertida.

El hecho de que contemos con una obra literaria de Shakespeare, el dramaturgo más conocido de todos los tiempos, y unos gnomos de jardín totalmente kitsch nos ofrece un número casi infinito de situaciones cómicas”.

Según el productor Steven Hamilton Show, el reto era que el factor cómico diera lugar a un largometraje interesante. “Es importante que el público se ría, pero también hay que ofrecerle una película que tenga algo de creíble.

Los espectadores necesitan identificarse con los sentimientos de los personajes. Necesitábamos dotarle de alma y corazón para que se sintieran atraídos por la película y que la comedia funcionase mucho mejor”.

Se pensó inmediatamente en Kelly Asbury, a director cuya experiencia en la comedia y bagaje artístico encajaban perfectamente en el proyecto. Entre los créditos de Asbury como director están “Shrek 2”, nominada a los Oscar® (2004) y “Spirit—Stallion of the Cimarron” (Spirit. El corcel indomable) (2002). Trabajó también como artista en películas tan destacadas como “Shrek” (2001), “Toy Story” (1995), “Nightmare Before Christmas” (Pesadilla antes de Navidad) de Tim Burton (1993) y “Beauty and the Beast” (La Bella y la Bestia). Los productores sabían que Asbury podía mostrar la parte emocional de los Cinemascomics │Marzo 2011 │

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personajes cómicos.

Asbury comenta: “Si vas a hacer una película animada para que un público amplio lo pase bien, a las risas hay que añadir algunas lágrimas—pero lo que de verdad importa es la sinceridad”.

Pero, ¿cómo se transforma una de las tragedias más maravillosas de Shakespeare en una comedia animada para toda la familia?

James McAvoy, (voz de Gnomeo), se planteó esta pregunta. “Es extraño, porque en teoría es totalmente incompatible”, dice McAvoy. “Pero lo cierto es que en la mayoría de las obras de Shakespeare que se representan ahora el director se aventura a situarla en entornos nuevos. Es posible que dentro de poco veamos en el West End o en Broadway una versión en la que los actores son gnomos de jardín. Así que lo único que estamos haciendo es adelantarnos.

Estamos abriendo el camino a otros”.

“Gnomeo y Julieta” se desarrolla

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en Stratford-Upon-Avon, el lugar de nacimiento de Shakespeare.

Cuenta la acalorada rivalidad entre los vecinos, Mr. Capulet y Miss Montague, que han llevado al extremo el cuidado de sus jardines.

Sus jardines están repletos de gnomos de jardín hechos de escayola y con un estilo totalmente kitsch. Cuando los humanos no pueden verlos, los gnomos se comportan igual que sus incívicos dueños. La disputa vecinal toma un cariz cada vez más personal en el caso de los gnomos. Ser un Rojo del Jardín Rojo o un Azul del Jardín Azul entraña un montón de prejuicios que la mayoría no entiende pero que no se atreve a cuestionar. “¿Y Por qué gnomos?” pregunta el productor Baker Bloodworth. “¿Y por qué no pueden ser gnomos? Es una historia que merece la pena contarse. Creo que el trabajo artístico es precioso, muy colorista y además está Elton John que le da sentido a todo”.

Afortunadamente para los gnomos

de jardín, además de la extraordinaria banda sonora con canciones nuevas y otras clásicas del catálogo Elton John-Bernie Taupin, esta versión presenta un tercer acto totalmente nuevo que sustituye el trágico final de Shakespeare. “Creo que es el final que la gente siempre ha querido ver en Romeo y Julieta”, dice Emily Blunt, que pone voz a Julieta (de hecho empezó su carrera en 2002 interpretando a una Julieta mucho más tradicional en el Festival de Chichester).

“El argumento de la película es que el amor triunfa sobre el odio.

Y esto es un sentimiento universal”, añade Bloodworth. “Todo el mundo lo entiende. Queremos entretener al público y que salga del cine con algo sobre lo que reflexionar”.

Pero, ¿qué pensaría Shakespeare? “Él fue un magnífico narrador”, dice Bloodworth. “Creo que le hubiera parecido divertido”. www.cinemascomics.com

Estrenos

Piraña 3D 25 de Marzo

PIRAÑA 3D es un remake en tres dimensiones de la película de culto dirigida por Joe Dante y producida por Roger Corman en 1978 sobre unas pirañas carnívoras que irrumpen en un lugar de vacaciones.

Dirigida por ALEXANDRE AJA (Alta tensión, Las colinas tienen ojos) y producida por MARK CANTON (300), PIRAÑA 3D cuenta en su reparto con ELISABETH SHUE (Leaving Las Vegas), RICHARD DREYFUS (Tiburón), CHRISTOPHER LLOYD (Regreso al futuro) y JERRY O’CONNELL (Jerry Maguire), además de las modelos y actrices KELLY BROOK (The Italian Job), JESSICA SZOHR (“Gossip Girl”) y RILEY STEELE.

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SINOPSIS:

EL ORIGEN

Todos los años, el tranquilo municipio de Lake Victoria ve alterada su calma por la fiesta de la primavera, a la que acuden miles de jóvenes de todas partes para disfrutar del sol, el agua... y el alcohol. Pero este año, habrá otro motivo de preocupación aparte de las habituales resacas y las quejas de los vecinos: el terror está a punto de apoderarse del lago.

Después de que un temblor subterráneo libere a cientos de pirañas prehistóricas, un dispar grupo de desconocidos deberá unirse para evitar acabar convertidos en la merienda de los nuevos y sanguinarios habitantes del lago.

Tras el éxito de Tiburón (Jaws), en 1975, llegó a los cines otro depredador submarino que contrarrestaba en número el tamaño de la despiadada máquina de matar de Steven Spielberg. En vez de una amenaza de grandes proporciones, Piraña (Piranha, 1978) presentaba a cientos de voraces peces mordedores y letales. Con la ayuda del director Joe Dante, del productor ejecutivo Roger Corman y del aclamado guionista John Sayles, la película hizo un guiño a la fórmula de Tiburón con un giro inesperado.

Piraña dio paso a una segunda parte dirigida por James Cameron y a una versión para la televisión, www.cinemascomics.com

aunque ninguna de ellas se acercó a los niveles de terror que Dimension Films y el director Alexandre Aja han explorado tres décadas después con Piraña 3D. Aja, director de películas de terror extremo como Alta tensión (High Tension) y Las colinas tienen ojos (The Hills Have Eyes), afirma que Piraña 3D representa su «deseo de recuperar ese aire de los ochenta, esas películas que te hacían sentir aquel placer culpable que tanto molaba cuando eras niño, esas películas que te daban miedo y a la vez eran divertidas, con muchos desnudos y escenas sangrientas... Una experiencia alucinante y entretenida».

Cuando a Aja le llegó el guión de www.cinemascomics.com

Pete Goldfinger y Josh Stolberg, tenía otros compromisos en su agenda, pero lo retomó años más tarde. Aja recuerda: «Les dije que era justo la base de lo que quería hacer. Quería volver al concepto de la fiesta de primavera asediada y aumentar las dosis de terror, de gore. Quería aumentar el elemento de acción, desarrollar más los personajes, convertirlo en algo grande. Y Dimension Films y Bob Weinstein me permitieron hacerlo».

«Creo que ésta va a ser una experiencia insuperable para el público», añade. «La locura de una fiesta de primavera se convierte en una película de catástrofes cuando aparecen las pirañas y atacan a todo el mundo. Entonces

sabes que te vas a divertir, y que vas a pasar miedo.»

Aja considera que, si consigue que el público se lo piense dos veces antes de meterse en el agua, habrá conseguido lo que quería.

«Cuando haces una película de terror, siempre piensas en el tipo de miedo que quieres explorar.

Cuando hice Reflejos (Mirrors), esperaba, y creo que lo conseguí, crear algún tipo de trauma con los espejos que todos tenemos en casa. Y, después de Tiburón, ¿era posible crear otra película que traumatizara a toda una generación?».

El productor ejecutivo, Alix Taylor, cree que sí: «Creo que tiene un punto muy visceral. Hay chicas Cinemascomics │Marzo 2011 │

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desnudas, peces asesinos, buenos actores, un argumento divertido, y tres dimensiones. [El productor] Mark Canton dice que es el Tiburón de nuestra época, pero yo creo que es más que eso. Es incluso más divertida».

tentas hacer una película de esas que no sólo te gustaría ver en el cine, sino que se convierta en una experiencia, porque el miedo y el suspense consisten en hacerte olvidar que estás viendo una película».

Ésa fue la pregunta que Aja planteó a su colaborador, el guionista y productor Greg Lavasseur, cuando preparaban el guión de Piraña 3D. En aquel momento, la película Avatar, de James Cameron, era un proyecto altamente secreto, pero la inminencia de aquel espectáculo despertó la curiosidad de Aja y Lavasseur.

Aja pensaba que el aspecto tridimensional realzaría tanto la historia como los efectos especiales, y no tardó en convencer a la productora Dimension Films de que aplicara en Piraña 3D aquel recurso en auge. Para Aja, la tecnología 3D ampliaba el registro del terror, ya que permitía no sólo amplificar la sangría que pretendían trasladar a la pantalla, sino también colocar al público cara a cara con la amenaza que da nombre a la película. «Tienes que verte arrastrado a ese universo y sentir que estás bajo el agua, con todos esos peces yendo a por ti.»

Aja dice: «Cuando estás haciendo una película, te esfuerzas por conseguir la mayor reacción emocional posible del público. In-

Sonriendo, añade: «Yo crecí viendo Captain EO en 3D en Disneylandia, y Piraña 3D es como aquella atracción tan impactante. Hacer-

UNA NUEVA DIMENSIÓN EN EL CINE DE TERROR «¿Te imaginas ver una peli de terror de las buenas en 3D?»

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la ha sido como hacer los planos de una atracción de un parque o de una montaña rusa. Es justo lo contrario que Avatar en lo que se refiere al 3D: todo se sale de la pantalla, todo vuela en dirección a ti. Porque la historia está pensada así, ¡es una fiesta de primavera asaltada por pirañas prehistóricas! Pero es una sensación que está justificada, no tenemos que ocultarla y decir: “No, estamos siendo demasiado efectistas, nos estamos pasando de la raya”, porque estamos creando una experiencia extrema, y tenemos el 3D para hacerla inolvidable».

EL ANZUELO La fuerza era el rasgo principal que Aja buscaba en la protagonista de la película: la sheriff de Lake Victoria, Julie Forester, una mujer que tiene que lidiar con su rebelde hijo mayor, sus dos hijos pequeños, una muchedumbre de juerguistas desenfrenados y la llegada inesperada de las pirañas.

Aja removió Hollywood hasta enwww.cinemascomics.com

contrar a una actriz que pudiera «ponerse frente a 20.000 jóvenes y ser firme, pero que también pudiera mostrar vulnerabilidad cuando la tragedia se cierne sobre su gente, y que fuera suficientemente humana como para transportar al público a esa pesadilla en la que, tras salvar o intentar salvar a un pueblo, tiene que salvar a su familia, a sus hijos».

El director encontró las cualidades que buscaba en la actriz Elisabeth Shue.

«La energía intrínseca del papel nos atrajo tanto a Alex como a mí», afirma Shue. «Creo que, si hubiera sido otro director, no me habría interesado tanto, pero sabiendo el talento que tiene y conociendo sus trabajos anteriores, y sabiendo que iba a partir de la premisa de una película divertida de fin de semana y que iba a profundizar en ella, aumentar la tensión y el dramatismo y hacerla lo más artística posible, eso me entusiasmó.»

La actriz reconoce que apenas se preparó físicamente para el papel, aparte de su entrenamiento diario de tenis. Y es que las condiciones en que se desarrolló la producción fueron un entrenamiento en sí mismo: desde el calor de las localizaciones en Arizona, hasta rodar en el agua, pasando por las escenas peligrosas.

haciéndoles de canguro, pero no, al parecer están en una barca, y la barca se está hundiendo. Inmediatamente me doy cuenta de que tengo a diez chavales desangrándose en mi lancha, y tengo que encontrar la forma de ir a salvar a mis hijos. Miro alrededor y veo un montón de basura flotando en

“Es justo lo contrario que Avatar en lo que se refiere al 3D: todo se sale de la pantalla, todo vuela en dirección a ti.”

Alexandre Aja el camino de otra lancha. Salto de la mía, atravieso nadando la basura, llego hasta la otra lancha y salgo disparada.»

Para interpretar a Jake, el hijo mayor de la sheriff Forester, Aja recurrió a Steven McQueen, el nieto del legendario actor Steve McQueen. «Tenía el potencial necesario: un aire de Matt Dillon adolescente con el que me interesaba mucho trabajar como director», explica Aja, «porque tiene esa forma inocente de decir las cosas... de encarnar a un adolescente que quiere participar en la fiesta de la primavera. Pero, cuando el peligro aparece, tiene

los recursos y la fuerza necesarios para tomar las riendas».

Además de Shue y Steven McQueen, Aja fichó a Adam Scott, Jessica Szohr, Ving Rhames, Brooklynn Proulx, Sage Ryan y Jerry O’Connell para protagonizar la tragedia, además de algunas sorpresas, como Christopher Lloyd, en el papel del señor Goodman, y Richard Dreyfuss, en el de Matt Boyd.

Goodman es «casi un científico loco», explica Aja. «Por supuesto, “Doc” no hay más que uno, y ése es Christopher Lloyd. Yo crecí viendo las películas de Regreso al Futuro, y pensaba que no iba a poder ficharlo para Piraña 3D. Eso tengo que agradecérselo a Bob Weinstein. Así que conseguí a Christopher Lloyd, y él vino para un interminable día de rodaje, que me atrevería a describir como un rodaje de una semana en un solo día, y él hizo una interpretación increíble que creo que gustará a mucha gente.»

«Pero la mejor aparición estelar de la película empezó como una idea un poco disparatada mientras escribíamos el guión», añade Aja. «En todas las versiones, la película empezaba con un pescador en mitad de un terremoto que acababa asesinado por lo que sea que hay bajo el agua. Esta-

«Creo que mi experiencia favorita fue cuando hice mi primera escena peligrosa», recuerda. «Parecía demasiado peligrosa para mí, pero yo estaba deseando hacerla.

Alex fue muy amable al dejarme rodarla. Yo estaba muerta de miedo, el corazón me iba a cien.

La escena tiene lugar justo después de la masacre, cuando esos peces asesinos se han comido a cientos de chavales en la fiesta de primavera, y yo recibo una llamada de mi hijo mayor diciéndome que los dos pequeños han salido a pescar. Él debería estar en casa www.cinemascomics.com

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ba pensando en quién podía interpretar el papel, cuando se me ocurrió hacer una versión de Matt Hooper, el personaje de Tiburón, retirado del mar y pescando al principio de la película.»

Con el escepticismo que le caracteriza, el que creyó imposible conseguir a Dreyfuss para el papel. Pero, al final, los astros se alinearon «y Richard Dreyfuss apareció en el plató para rodar la escena. Sabía muy bien lo que tenía que hacer. Lleva la misma ropa que Matt Hopper. Las gafas habían sido especialmente diseñadas para que fueran idénticas a las que lleva Matt Hooper en Tiburón. Todo era exactamente igual. Incluso aparece cantando la misma canción, Show Me The Way To Go Home, al principio de la película. A Richard aquello le divirtió mucho. Es un cameo alucinante. Ni siquiera es un cameo, es todavía mejor, es casi como si un personaje saliera de una película para meterse en otra».

FRENESÍ ANTROPÓFAGO Aja se enfrentaba a un difícil equilibrio a la hora de diseñar los efectos especiales de las pirañas prehistóricas. Al documentarse sobre la fauna abisal, el director se debatía entre representar a las pirañas de manera realista o con unas características completamente ficticias.

Si se decantaba por la segunda opción, «perderíamos esa idea de piraña que tiene todo el mundo, porque todos hemos visto pirañas», comenta Aja. «Son unos animales archifamosos. Cuando piensas en una piraña, te imaginas a miles de peces yendo a por ti y comiéndote de una manera muy agresiva. Si cambias eso y los conviertes en monstruos, ya no son pirañas, son un tipo más de monstruos.»

Sobre el diseñador de criatu-

ras Neville Page, Aja recuerda: «Cuando lo conocí, me dijo: “Yo tengo dos pasiones; la era prehistórica y los peces”. Aquello fue lo mejor podía oír, y enseguida nos pusimos a trabajar en diferentes diseños, diferentes enfoques, y antes de empezar a rodar nos fuimos centrando en el diseño que se ve finalmente en la película, que es un término medio entre una piraña real y una piraña monstruosa.»

Mientras se reencontraba con Greg Nicotero, Howard Berger y su equipo, KNB EFX, para abordar el tema de los efectos, Aja recurrió al artista de efectos visuales Derek Wentworth para dar vida a la piraña digital.

Para Piraña 3D han hecho falta más de 250 planos con efectos, que Wentworth describe como «un reto descomunal». Entre la lista de escenas importantes de la película destaca, por ejemplo, una secuencia en la parte del principio en la que dos buceadores se encuentran frente a «miles de peces creados por ordenador que les matan». Sobre la escena de la masacre de la fiesta de primavera, Wentworth explica: «Tenemos a prácticamente cien personas sacudiéndose en el agua, histéricas.

Están pasando muchas cosas, hay gente saltando de las lanchas, y teníamos que aislar a cada una de esas personas y luego añadir las pirañas a su alrededor. Y la forma de hacer eso era poniendo a un especialista por cada persona que se ve en el agua, haciendo más o menos los mismos movimientos, y luego soltando a las pirañas, que intentaban ir a por ellos y esquivarlos si hacía falta. Es una secuencia muy ambiciosa y muy complicada.»

criticas

En tiempo de Brujas

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Por David Larrad

Fantástico / EEUU / 2011 / 92 minutos / Rogue / Atlas Entertainment Director: Dominic Sena. Actores: Nicolas Cage, Ron Perlman, Stephen Graham, Claire Foy, Stephen Campbell Moore, Robert Sheehan. Guión: Bragi F. Schut. Música: Atli Örvarsson.

Aunque tiene un buen arranque es una floja película de la que se podía esperar algo más sobre todo teniendo a dos pesos pesados como Nicolas Cage y Ron Perlman, pero el guión es muy irregular y la dirección brilla por su ausencia, y es que lo que podía ser una buena historia sobre la epifanía moral entre defender tus creencias sobre Dios y salvar a una muchacha que va a ser condenada a bruja se queda en un viaje por tierras lúgubre con la única emoción de los obstáculos que van encontrando por el camino. Aun así hasta llegar a la abadía siempre te queda la esperanza de que la película mejore, pero el final es lo peor de todo, un autentico pastiche al que solo le falta que aparezca de

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repente “Buffy Cazavampiros”.

Con unos efectos especiales bastante malos y es que parece que se hubieran gastado todo el dinero en el maquillaje de la gente que tiene la peste.

La vida de Nicolas Cage debe de ser un autentico desastre porque no se entiende que coja tantos proyectos de mala calidad, y es que parece que lo único que quiere es trabajar y ganar dinero sin respetar lo mas mínimo la calidad artística de sus films, lo que no es nada reprochable pero es uno de esos actorazos que da pena ver que se meta en estas películas sin nivel, como por ejemplo ·El aprendiz de brujo” o la que van a estrenar en breves “Drive Angry

3D” que una vez más las noticias que nos llegan de USA son de fracaso total.

Lo único que la salva del cero más absoluto es la intervención de Ron Perlman un autentico crack con mucho carisma. Y por supuesto la actuación de Claire Foy que hace de muchacha encerrada y acusada de bruja, y que aunque parezca mentira es lo más creíble de todo el film.

Espero que los futuros proyectos de Nocilas Cages sean mejores como “Ghost Rider: Spirit of Vengeance”.

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Rango

Por Carlos Gallego

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Animación / EEUU/ 2011 / 107 minutos / Paramount Pictures Director: Gore Verbinsky. Actores VSO: Johnny Depp, Abigail Breslin, Isla Fisher, Alfred Molina. Guión: John Logan.

Música: Hans Zimmer.

La historia comienza cuando Rango, tras llevar toda la vida como mascota de una familia mirando pasar el mundo desde un terrario de cristal, se pierde en el Desierto de Mojave, en donde llega andando hasta un poblado perdido del Salvaje Oeste llamado Polvo, un lugar tan polvoriento como su nombre indica. Cuando Rango se convierte sin pretenderlo en el nuevo sheriff del árido pueblo y en su última esperanza para conseguir hidratarse, se da cuenta de que se ha metido en un buen lío. Es una tradición que los tipos buenos no duren mucho en Polvo, pero Rango está listo para arriesgarse mientras recorre su camino para convertirse en lo único que un camaleón no puede imitar: un héroe de verdad.

Gore Verbinski ha hecho un gran www.cinemascomics.com

trabajo en esta cinta de animación en el que se nota el buen hacer del director y la experiencia en películas de acción como “Piratas del Caribe”, creando una historia divertida y muy entretenida que no decae en ningún momento; el film homenajea Wensters clásicos de Clint Eastwood como “El bueno, el malo y el feo” o “Por un puñado de dolares”, de hecho, aunque de forma virtual, el propio Eastwood hace un cameo en la película. Cabe destacar el gran cuidado en esta producción del diseño de personajes, sobre todo el personaje principal, que parece hecho a la medida de Depp, copiando incluso sus movimientos y forma de actuar, aunque no deja de recordarnos al Capitán Jack Sparrow. También es de agradecer el buen doblaje del film, ya que no han caído en la tentación de

coger al famosillo de turno y han usado al mismo actor que dobla habitualmente a Johnny Depp.

Técnicamente el trabajo de 3D es impresionante, no obstante la animación, diseño de producción, etc, son obra de la famosa Industrial Light and Magic, empresa de FX creada por George Lucas, responsable de los efectos especiales de películas como Star Wars, Jurassic Park, Regreso al Futuro y Piratas del Caribe entre otras.

Tampoco podemos olvidarnos de la música compuesta por el gran Hans Zimmer, que sigue la misma línea del film, homenajeando al gran Ennio Morricone.

En definitiva una película ideal para poder ver toda la familia y disfrutarla con un buen paquete de palomitas.

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The Mechanic

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Por David Larrad

Acción / EEUU / 2010 / 92 minutos / Aurum Director: Simon West. Actores: Jason Statham, Ben Foster, Donald Sutherland, Tony Goldwyn, Mini Anden, Christa Campbell.

Guión: Richard Wenk, Lewis John Carlino. Música: Mark Isham.

La película trata sobre Arthur Bishop el mejor asesino a sueldo del mundo. Después de hacer un trabajo en el cual debe matar a un viejo amigo suyo. Se siente tan culpable que decide tomar a su hijo bajo su tutela y entrenarle para que sea un asesino como él. Pero el alumno empieza a ser muy cruel y a no hacerle caso de sus lecciones aunque a Arthur no parece que le importe mucho así que juntos deciden deshacer el complot en el cual están metidos.

Crítica: Película para el lucimiento exclusivo de Jason Statham y su aprendiz Ben Foster ya que se centran exclusivamente en el duelo interpretativo entre los dos actores dejando de lado lo que es la propia historia. Aunque sea una película de acción se echa

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de menos alguna que otra escena con más adrenalina como podrían ser los films de Luc Beson estilo “Transporter”, han querido ser más fieles a la película original de los años 70 en vez de intentar ofrecer lo que más demanda el público de hoy, es decir tiros a mansalva y muchas explosiones como vimos en películas recientes como “Red”.

Aunque Jason Statham ya sea un autentico héroe de acción su interpretación en este film es muy seria, muy alejada de sus típicas actuaciones que sin hacer chistes suele hacer comentarios graciosos. Así le dotan de un mayor realismo pero en ningún momento el espectador se encariña con él.

Hay algún que otro giro en el argu-

mento que hace que no perdamos el hilo de la película pero todo se vuelve muy predecible, sobre todo el final que es un autentico topicazo. Eso si la escena del triturador de comida es brutal.

Ben Foster se está consolidando como uno de esos jóvenes actores con mucho talento, ahora esta metido en buenos proyectos como “Contraband” con Mark Wahlberg y “360” que estará dirigida por Fernando Meirelles realizador de “Ciudad de Dios”. Por último podemos destacar a Donald Sutherland que siempre le da calidad a sus interpretaciones.

En definitiva, el film no ofrece toda la acción que se esperaba, sobretodo después de ver los trailers, al menos entretiene. www.cinemascomics.com

El Oso Yogui

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Por David Larrad

Animación / USA / 2010 / 80 minutos / Warner Bros Director: Eric Brevig. Actores: Dan Aykroyd , Justin Timberlake, Anna Faris, Tom Cavanagh. Guión: Brad Copeland. Música: John Debney

Por la falta de ideas en Hollywood se están adaptando muchas series de nuestra infancia, tal vez para atraer a padres que de pequeños veían los dibujos y que ahora pueden compartirlo con sus hijos, ya se probó la formula de animación en 3D con personas reales en varios films como por ejemplo “Garfield”, “Scooby-Doo”, “Alvin y las Ardillas” y en breves podremos disfrutar de “Los Pitufos”. Los resultados suelen ser bastante discretos en cuanto a calidad pero las películas son rentables. Por poner un ejemplo “El oso Yogui” consiguió 97 millones en taquilla solo en USA. La película esta destinada a un público infantil, ya que todos los gags son de caídas o excentriciwww.cinemascomics.com

dades del simpático oso, aunque siempre esta bien que intenten enseñar un amor hacia la naturaleza y el medio ambiente que muchas veces ignoramos, sobre todo representado por la pareja formada por el Ranger Smith y la reportera Rachel. Por tanto la película es una sucesión de escenas con el único propósito del lucimiento de Yogui, al que cuando se le mete algo en la cabeza es imposible de parar.

Lo mejor es que han adaptado muy fielmente la serie de dibujos, algo que es de agradecer ya que se suelen tomar muchas libertades en este aspecto, aquí sin duda han plasmado toda esencia de la animación tradicional para televisión.

Mención especial hacia los decorados del parque sobretodo los del principio que son una autentica pasada, la animación esta bien integrada, así que no se hace muy raro ver a un enorme oso parlante. Mientras que los actores cumplen el tramite, ya que son meros secundarios frente a las grandes estrellas que son los dos osos animados.

En definitiva demasiado infantil, aunque es una buena adaptación de la serie, el 3D no es de los mejores que hemos visto, pero al menos no molesta como en otras películas, y hay varios momentos donde se lanzan objetos hacia el espectador que llegan a dar la esa sensación de profundidad tan buscada.

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Superman se está muriendo. Envenenado con radiación solar por su archienemigo, Lex Luthor, el Hombre del Mañana debe enfrentarse por fin a su propia mortalidad. Le quedan semanas de vida, y trata de hacer realidad los tenido en su vida - especialmente el de revelar su verdadera identidad a Lis Lane - hasta que Luthor proclama su último plan para controlar el mundo, sin que ningún héroe intente pararle. Mientras sus fuerzas van desapareciendo.

Superman se enfrenta a Luthor en una batalla mortal que realmente puede significar el fin del Protector de la Tierra.

Clásicos del Terror

EL ALMA DE LA TORTURA EDGAR ALLAN POE Y EL CINE Por Pedro Pinos

Mi vida no ha sido más que capricho, ilusión, pasión, deseo de soledad, desprecio del presente, anhelo del porvenir…

-Edgar Allan Poe-

Fuente de la imagen http://www. bloody-disgusting.com

El atormentado genio de Edgar Allan Poe (Boston, 1809 - Baltimore, 1849) y la profundidad de su obra precisan un estudio minucioso y detallado, resistente a interpretaciones simplistas y alejado de banales exégesis.

Los laberintos de su mente son tan complejos como numerosos los recovecos de su alma; allí se esconden angustiosos temores, extrañas fobias y retorcidas aprensiones. La visión que el Séptimo arte ha dado de sus narraciones no ha dejado de ser menos inquietante…

Dada la complejidad de la obra de Poe, el cine ha precisado desarrollar un lenguaje propio para interpretar los cuentos de horror y fantasía del genio estadounidense. Según reflejó H.P. Lovecraft en su obra El horror en la literatura (1927): Poe estudió la mente humana más que los usos de la ficción gótica, pues comprendió la base psicológica de la fascinación por el horror.

Y por esa misma dificultad de llevar a la pantalla las sugerencias siniestras y la profundidad psicológica de las letras nacidas de la mente de Poe, los cineastas no han tenido otro remedio que argumentar sus obras fílmicas en base a un párrafo, una idea o tan solo un título de las creaciones del atormentado escritor.

La aproximación cinematográfica a la obra escrita de Edgar Allan Poe ha sido desigual, dejando tan solo algunos destellos de calidad aislados y el mérito de honrar la memoria del inmortal genio a través de un medio tan universal como la cinematografía.

Bautizado por Baudeleire como El héroe de las letras, y por Rubén Darío como El príncipe de los poetas malditos, nos legó algunas de las más bellas y angustiosas joyas de la literatura universal. Su expresión poética de lo macabro rewww.cinemascomics.com

volucionó por completo el mundo de los libros a pesar de no obtener en vida el reconocimiento que la posteridad le otorgó. Su atracción por lo morboso y lo macabro estuvo impregnada de una belleza y unas dosis de romanticismo que denotaban una sensibilidad extrema y un sufrimiento interno insostenible, de los cuales surgían a borbotones sus hermosas creaciones.

her relumbraron en la época del cine mudo: La chute de la Maison Usher (Jean Epstein, 1928), pequeña maravilla del impresionismo francés con singulares toques vampíricos y el cortometraje The Fall of the House of Usher, dirigida por Melville Webber y James Sibley Watson en el mismo año, sobresaliente en sus tintes expresionistas y surrealistas.

Y el Cuervo nunca emprendió el vuelo.

Aún sigue posado, aún sigue posado En el pálido busto de Palas, en el dintel de la puerta de mi cuarto.

Y sus ojos tienen la apariencia de los de un demonio que está soñando.

Y la luz de la lámpara que sobre él se derrama tiende en el suelo su sombra. Y mi alma, del fondo de esa sombra que flota sobre el suelo, no podrá liberarse… ¡Nunca más!

En los años treinta, la sombra del genio de Poe llegó con dos filmes; Satanás (The Black Cat, Edgar G. Ulmer, 1934) y El Cuervo (The Raven, Louis Friedlander, 1935), que nada tenían que ver con las obras del insigne escritor -aunque utilizaban como título dos de sus más grandes creaciones literarias-, pero cuyo regusto por lo macabro servía de pretexto para ambas. Boris Karloff y Bela Lugosi demostraron una vez más su talento interpretativo para el cine de terror al protagonizar estas dos tenebrosas obras.

EL CUERVO (1845)

Poco antes, en 1932, Robert Florey llevó al celuloide con éxito las pesquisas del detective de ficción Auguste

Pero no solo se ha buscado convertir en imágenes sus fantásticas obras literarias; incluso la imagen física del propio escritor ha sido recreada en numerosas ocasiones; El actor Henry Walthall le dio vida en The Raven (Charles Bravin, 1915); Shepperd Strudwick hizo lo propio en The loves of Edgar Allan Poe (Harry Lachman, 1942) y Robert Walker Jr. en El Espectro de Edgar Allan Poe (The Spectre of Edgar Allan Poe, Mohy Quandour, 1974).

El estupendo actor español Rafael Navarro le dio vida en el episodio El Cuervo (1967) perteneciente a la serie Historias para no dormir dirigida por Narciso Ibáñez Serrador.

Dos notables adaptaciones de El hundimiento de la Casa Us-

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Dupin en El doble asesinato en la Calle Morgue (Murders in the Rue Morgue). El original relato de Poe fue publicado en 1841 y su gran mérito consistió en inaugurar el relato policial moderno tal y como hoy lo conocemos.

The Tell-Tale Heart, mediometraje basado en El corazón delator (1845) fue dirigida por Jules Bassin en 1941; de marcado corte academicista, aunque no por eso menos tenebroso y aterrador. El mismo relato aparecería años más tarde en la serie televisiva Historias para no dormir con el título El último reloj (1967).

El cineasta inglés Ivan Barnett versionó de un modo morboso y aterrador La Caída de la Casa Usher en The Fall of the House of Usher en 1949, prescindiendo de la fidelidad a la obra de Poe y sumiendo al espectador en un universo gótico, oscuro y terrorífico.

En los años sesenta, el cineasta Roger Corman se deleitó con la traslación a la pantalla grande de varios relatos de Poe: La Caída de la Casa Usher (House of Usher, 1960), El Péndulo de la Muerte (Pit and the Pendulum, 1961), La Obsesión (Premature Burial, 1962), Historias de Terror (Tales of Terror, 1962), El Cuervo (The Raven, 1962), La Máscara de la Muerte Roja (The Masque of the Red Death, 1964) y La Tumba de Ligeia (The Tomb of Ligeia, 1964). A ellos podría añadirse El palacio Encantado (The Haunted Palace, 1963), que toma el nombre de un poema de Poe pero bebe de las fuentes del escritor H. P. Lovecraft. Quien conozca en profundidad la obra de Poe comprenderá que Corman y sus guionistas nunca fueron realmente fieles a los cuentos del maestro, y que tan solo se limitaron a copiar ideas y recrear ambientes. No tener que pagar derechos de autor por la obra de Poe se sumó a la pretensión de Roger Corman de dotar a su cinematografía -plenamente inmersa en la serie B y el

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Imagen de El doble asesianto en la Calle Morgue. Robert Florey. 1932.

bajo presupuesto- de relumbrón literario.

El estudio American International Pictures, para el que Roger Corman había realizado sus trabajos, se adueñó de la relación Poe-cine hasta la extenuación, filmando una buena cantidad de películas en las que la única relación con el magistral escritor era la aparición de una cita poética o una referencia a sus obras y en las que los argumentos no respetaban al autor de ninguna manera. Así surgieron La Caja Oblonga (The Oblong Box, Gordon Hessler, 1969), que se alejaba por completo del relato original, para llevarnos a sanguinarios ritos de vudú y terribles venganzas; Cry of the Banshee (Gordon Hessler, 1970), que se iniciaba con una cita del poema Las Campanas, o Murders in the Rue Morgue (Gordon Hessler, 1975), que reinterpretaba la trama detectivesca original al sumirla en una representación teatral dentro de otra sin mucho concierto argumental. Esta misma productora compró el filme británico Witchfinder General (Michael Reeves, 1968), para rebautizarlo como Conqueror Worm, título de un célebre poema incluido en la extraordinaria narración Ligeia (1838). El otrora excelente di-

rector Jaques Tourneur cayó en la misma trampa con La Ciudad Sumergida (City Under the Sea / War Gods of the Deep, 1965), realizando un soporífero filme de aventuras cuyo título copiaba el de un poema de Poe. Desgraciadamente, el nombre de Edgar Allan Poe estaba sirviendo exclusivamente para promocionar sangre e historias truculentas, sin preocuparse de la altura literaria del autor ni de la calidad cinematográfica.

Sin embargo, los realizadores italianos de terror como Mario Bava, Ricardo Freda y Antonio Margheritti acoplaron sus películas con notable éxito al Universo Poe. Solazándose en lo macabro y oprimiendo al público con las inquietantes atmósferas en filmes como La Máscara del Demonio (La maschera del demonio, Mario Bava, 1960), El horrible secreto del doctor Hichcock (L´orribile segreto del dottore Hichcock, Riccardo Freda, 1962), Lo Spettro (Riccardo Freda, 1963), La frusta e il corpo (Mario Bava, 1963), Horror (Alberto de Martino, 1963), Danza Macabra (Antonio Margheritti, 1964), I lunghi capelli della morte (Antonio Margheritti, 1964) o Vicios Prohibidos (Il tuo www.cinemascomics.com

vizio e una stanza chiusa e solo io ne ho la chiave, Sergio Martino, 1972) lograron adentrarse en los siniestros temas tratados por Edgar Allan Poe: apariciones de ultratumba, familias malditas, amores enfermizos, sexualidad frustrante, vicios ocultos, necrofilia, cementerios, nieblas, mujeres etéreas, enfermedades incurables, fetichismo o casonas repletas de misterios insondables.

Pero nuestro amor era más fuerte que el amor de aquellos que nos aventajan en edad y en saber, y ni los ángeles del cielo ni los demonios de los abismos de la mar podrán separar jamás mi alma del alma de la bella Annabel Lee… ANNABEL LEE (1849) La ambigüedad preside los textos de Poe; el autor nunca concluía con una explicación clara acerca de los inverosímiles y terroríficos acontecimientos narrados, sino que admitía por igual la explicación sobrenatural como la lógica y razonable; o incluso ambas a la vez. Plasmar tan imbricada arquitectura literaria en un medio como el cine no podía resultar sencillo, y probablemente puede ser considerado fallido en su conjunto.

Desde luego, Roger Corman jamás concluyó sus filmes en el vacilante terreno de la duda y la extrañeza fantástica, sino que buscó una explicación final, ora amparada por la razón, ora sumida en el terreno de lo inexplicable por completo. No puede negarse de ningún modo que el cineasta abandonó por completo las sutilezas de los relatos de Poe, impidiendo absolutamente que los acontecimientos pudieran verse como las interpretaciones subjetivas de los protagonistas, tal como pretendía Poe en sus narraciones. Roger Corman se atrevió con las breves narraciones de Poe, convirtiéndolas en largometrajes de alrededor www.cinemascomics.com

de noventa minutos, llenándolas de añadidos que no comulgaban de ninguna manera con el sentido original de los relatos. Así mismo no se amedrentó ante el reto que suponía llevar al cine las vivencias psicológicas de los personajes literarios -un desafío a priori ciertamente complejo para un medio visual como el cinematógrafo-, por lo que intercaló extrañas imágenes oníricas fundamentadas en las sobreimpresiones y fundidos permitidas por la técnica de la época, y siempre que no se sobrepasase el exiguo presupuesto monetario con que emprendía sus proyectos.

El atrevido Roger Corman se permitió licencias tales como integrar dentro de su cinta La máscara de la Muerte Roja -basada en la narración de Poe del mismo título- otra historia procedente de la fecunda mente del escritor: Hop Frog (1849). El resultado global de la incursión del avispado director en la literatura de Poe fue sumamente positivo para su reputación, pues Corman ganó fama y dinero, y el público le otorgó su favor sin ambages.

A pesar de la unánime consideración de Edgar Allan Poe como

padre de la novela detectivesca debido a las andanzas del singular Auguste Dupin en tres relatos: Los Crímenes de la calle Morgue (1841), El misterio de Marie Rogêt (1843) y La carta robada (1844), nunca gozaron tales narraciones de notables adaptaciones por parte del cine, a excepción de la primera de ellas. El misterio de Marie Rogêt saltó a la pantalla de la mano de Phil Rosen en 1942, mas no pasó de ser un mediocre producto interpretado por María Montez. Por su parte, La Carta robada sólo ha dado para una pobre adaptación televisiva como episodio de la serie Suspense en 1952. El doble asesinato en la Calle Morgue (Murders in the Rue Morgue, Robert Florey, 1932), interpretada por Bela Lugosi, formó parte del imaginario terrorífico de los estudios Universal; sin embargo, la primera versión del singular relato se rodó en 1914 y fue producida por Sol Rosenberg, aunque no existe copia alguna de dicho filme. El fantasma de la Rue Morgue (The Phantom of the Rue Morgue, Roy del Ruth, 1954) se amparó en la magnificencia de las tres dimensiones y fue protagonizada por Karl Malden. Le siguieron Asesinatos en la Calle Morgue (Murders in the Rue Morgue, Gor-

Imagen de La máscara de la muerte roja. Roger Corman. 1964 Cinemascomics │Marzo 2011 │

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punto culminante con el largometraje Sleepy Hollow (1999), inspirado en el cuento La Leyenda de Sleepy Hollow, escrito por ����� Washington Irving en 1809. La novia cadáver (The Corpse Bride, 2006) resultó ser un producto comercial más que un ejercicio de género, aunque bien podría encuadrarse por su temática dentro del reducto Poe.

Jane Fonda en Metzengerstein. Roger Vadim (1832)

don Hessler, 1975) y la adaptación televisiva de 1986 protagonizada por George C. Scott, curiosamente la que más se aproxima al original.

El repaso de toda la obra de Edgar Allan Poe nos conducirá a la conclusión de que el genio de Nueva Inglaterra puede ser considerado sin ambages como el progenitor del thriller moderno y el género criminal y negro en su conjunto.

El espíritu de Poe ha sido capaz de embriagar a todo tipo de cineastas, procedentes de los cuatro puntos cardinales, así que no debe extrañarnos la coproducción franco-italiana de 1968 Historias Extraordinarias (Histoires Extraordinaires / Tre passi nel delirio), compuesta por tres episodios, uno de ellos dirigido por el maestro Federico Fellini, con el título Toby Dammit, y que constituía una libre adaptación del cuento No apostéis nunca vuestra cabeza con el diablo (1841).

En la misma cinta Louis Malle dirigía otro capítulo basado en el angustiosa historia William Wilson (1840), y Roger Vadim se encargaba del tercero adaptando el terror inabarcable de Metzengerstein (1832), sustituyendo el género del protagonista para introducir

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a la voluptuosa Jane Fonda, que luciría sus atributos de acuerdo a los cánones estéticos de la época.

Del artista multidisciplinar checo Jan Svankmajer pueden destacarse dos cortometrajes: La Caída de la Casa Usher (Zánik domu Usheru, 1981) y El pozo, el péndulo y la esperanza (Kyvadlo, jáma a nadeje, 1983). En el año 2005 rodó el largometraje Lunático (Silení), llevando a cabo una extraña mixtura basada en El sistema del doctor Tarr y el profesor Fether (1845) y El entierro Prematuro (1844).

Imagen de Vincent. Tim Burton. 1982

El cortometraje experimental del aclamado director Tim Burton Vincent (1982) delimitó el imaginario en el cual fundamentaría su cine a lo largo de su carrera, que bebe directamente de las fuentes Poe-Corman y que alcanzaría su

Maestros del terror como Darío Argento y George A. Romero no podían dejar de hacer su incursión en el universo Poe, uniéndose en el filme de 1989 Two evil eyes / Due occhi diabolici, compuesto El gato Negro de Argento y Valdemar de Romero.

Si la obra de Poe se encuentra cuajada de referencias metafísicas acerca de esas realidades incognoscibles que nos rodean, las cuales sólo existen o existirán en función de nuestros estados mentales, su referencia fílmica moderna más aproximada puede encontrarse en Dark City (Alex Proyas, 1998), que por ende entronca perfectamente con el desasosegante cuento de Poe El hombre de la multitud (1840) del mismo modo que Stanley Kubrick entremezcló magistralmente sueños, pesadillas y realidades en su desasosegante obra final Eyes Wide Shut (1999), directamente inspirada en la obra del psicoanalista vienés Arthur Schnitzler Relato Soñado (1925).

El tema de las hermosas mujeres que vuelven de la tumba, por el que Poe sentía una especial predilección, se constata en la época actual con varios exponentes: Historia Macabra (Ghost Story, John Irving, 1981), Cementerio viviente (Pet Semetery, Mary Lambert, 1989), Gothika (Matthieu Kassovitz, 2003), Audition (Ôdishon, Takashi Miike, 1999), À l´interieur (Julien Maury & Alexander Bustillo), Himitsu (Yohiro Takita, 1999) y su remake europeo Si j´etais toi www.cinemascomics.com

(Vincent Pérez, 2007), Reencarnación (Birth, Jonathan Glazer, 2004), Deadgirl (Marcel Sarmiento & Gary Hadel, 2008).

De un salto llegué a sus pies.

Estremeciéndose a mi contacto, dejó caer de la cabeza, sueltas, las horribles vendas que la envolvían, y entonces, en la atmósfera sacudida del aposento, se desplomó una enorme masa de cabellos desordenados: ¡Eran más negros que las alas de cuervo de la medianoche! Y lentamente se abrieron los ojos de la figura que estaba ante mí. “¡En esto, por lo menos –grité-, nunca, nunca podré equivocarme! ¡Éstos son los grandes ojos, los ojos negros, los extraños ojos de mi perdido amor, los de… los de Ligeia!”

LIGEIA (1838) Si la impresión del doble o doppelgänger que tan brillantemente trató Edgar Allan Poe en William Wilson aparece en películas como Trouble (Harry Cleven, 2005), Los abandonados (Ignacio Cerdá, 2006), The Broken (Sean Ellis, 2008), no puede dejar de men-

cionarse aquí la magistral El otro (The Other, Robert Mulligan, 1972), soberbia producción que sumía al espectador en el terror de la apacible vida cotidiana en una granja, donde primaba el horror psicológico y metafísico y donde las relaciones familiares se transmutaban en un laberinto de terrores abismales al gusto de Edgar Allan Poe conforme se sucedían los acontecimientos.

Recientemente, la sombra de Poe ha vuelto a pasearse por las pantallas, aunque la idiosincrasia de sus relatos no ha sido reflejada adecuadamente, pues se ha hecho más hincapié en el efectismo y los aspectos superficiales, lo que ha dado como resultado filmes fútiles y prescindibles. Entre estos renqueantes largometrajes hay que nombrar el fallido acercamiento a la vida de Poe rodado por Mark Redfield en 2006 en The Death of Poe; The Black Cat (Stuart Gordon, 2007), episodio de la serie televisiva Masters of Horror, de tan buena factura como aplanado resultado y Ligeia (Michael Staininger, 2009), perteneciente a la serie Z, donde nunca debió plasmarse la audacia narrativa de Poe. Más adelante Michael Cuesta trató de modernizar al au-

tor en el año 2009 con Tell Tale, tan penosa como absurda.

Tan solo podemos encontrar destellos de interés en obras que procuraron inspirarse en los tormentos y maldiciones ideadas por Poe, sin las pretensiones establecidas por los que tratan de emular al maestro. Así, filmes como Saw (James Wan, 2003), Cossette no shôzô (Akiyuki Shinbo,2004) o La llave del Mal (The Skeleton Key, Ian Softley, 2005) constituyen notables incursiones dentro del género del terror.

La explicación para la conexión entre Edgar Allan Poe y el director de culto David Lynch ha sido descrita de modo inmejorable por Ángel Salas en su interesante y erudito estudio La deconstrucción de Poe en el cine de la posmodernidad, aparecido en Las Sombras del Horror (Ed. Valdemar, 2009): Podrían aplicarse a David Lynch ciertos parecidos con el gran escritor convirtiendo las formas de la experiencia no comprendidas en expresiones de significado alegórico, como consecuencia de la cualidad fundamentalmente irracional de la creación artística.

Ambos representan la tradición más desarrollada del concepto

Imagen de El Otro (The Other, Robert Mulligan, 1972) www.cinemascomics.com

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de lo siniestro tal y como Freud lo definió en su famoso tratado, pues en ambos creadores se rompe con suma facilidad la frontera entre lo real y lo fantástico. Para el señor Salas, el largometraje de David Lynch que mejor representa a Poe es Carretera Perdida (Lost Highway, 1997): Concebida según el director como un relato de horror negro del siglo XXI. (…) esta película constituyó un modo de adaptar a las nuevas tendencias artísticas la concepción del relato clásico de terror que tiene como base principal a Edgar Allan Poe, si bien el guión recoge la influencia directa de Ambrose Bierce y su relato corto “An ocurrent at Owl Creek Bridge”, escrito en 1890.

El gusto de David Lynch por las personalidades desdobladas y el desorden interno de los personajes, tan claramente herederos de la literatura Poe, alcanzará nuevas cimas con Mulholland Drive (2001) e Inland Empire (2006).

En la cinematografía de habla hispana también han aparecido referencias a su obra a lo largo de los tiempos. En España Luis Delgado y Fernando Fernán Gómez rodaron Manicomio en 1954, basándose en

el cuento El sistema del doctor Tarr y el profesor Fether (1845); en Argentina, Enrique Carreras La brisa, -esa respiración de Dios-, reposa inmóvil, y la bruma que se extiende como una sombra sobre la colina, como una sombra cuyo velo no se ha desgarrado todavía, resulta así un símbolo y un signo. Como logra permanecer suspendida a los árboles, ese es el misterio de los misterios…

LOS ESPÍRITUS DE LOS MUERTOS (1827) adaptó en 1960 La verdad sobre el Caso del Señor Valdemar, El tonel de Amontillado y El Corazón Delator en su filme de sketches Obras maestras del Terror; y en México Juan Buñuel rodó en 1981 El jugador de ajedrez según el relato El jugador de ajedrez de Maelzel. Así mismo Narciso Ibáñez Serrador rodó varios mediometrajes inspirados en las obras de Poe para su serie televisiva de terror Historias para no dormir, con El tonel (basado en El tonel de amontillado, 1846), El Pacto (en La verdad sobre el caso del señor Valdemar, 1845) o el remake de

1982 El caso del señor Valdemar.

La relación entre Edgar Allan Poe y el cine mantiene su latido hoy en día, como lo atestiguan Annabel Lee (Michael Rissi, 2009), The Pit and the Pendulum (2009), obra del esteta del cine Z David DeCoteau; o el singular proyecto de Sylvester Stallone de llevar a la pantalla la vida de Edgar Allan Poe, con Robert Downey Jr. como protagonista, y cuyo guión está ya escrito.

El regusto del cine actual por la dualidad realidad-sueño, y su semejanza con matruskas, soslayando a posta el lugar que ocupa la siguiente muñeca que aparece, se encuentra íntimamente imbricado con la extraña percepción del mundo, las cosas y el yo que aparece en toda la obra de Edgar Allan Poe. Y al final de nuestro viaje, no puede encontrarse mejor epílogo que las palabras de Edgar Allan Poe en su poema Un Sueño (1849)

Hasta nuestro último empeño es sólo un sueño dentro de un sueño…

Imagen de Mulholland Drive. David Linch. 2001.

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Por Sergio Reina

Próximamente se cumplen los 25 años de esta divertida película, así que no hay mejor ocasión para hablar de ella.

Critters fue rodada en 1986, y aunque en muchos sitios se la presenta como la versión gamberra de la también maravillosa película Gremlins (Joe Dante, 1984), son completamente diferentes a pesar de tener alguna semejanza.

La trama nos sitúa en un pequeño pueblo de Kansas, donde han ido a parar unos terroríficos y pequeños alienígenas, escapando de su cautiverio. Se instalan en una granja donde vive la familia Brown, y es ahí, donde empezaran a cometer sus diabluras, pasando a aterrorizar a todo el pueblo. Menos mal, que dos cazarrecompensas espaciales han viajado a la Tierra para devolver a prisión a los Critters, aunque su paso por el pueblo también va a provocar algunos destrozos.

Como podéis leer, alguna semejanza tiene con los Gremlins, pero tan solo en su planteamiento de asedio a una pequeña población de EEUU, pues el resto no se parece tanto. Lo que sí ocurrió después de su estreno es que aparecieron varios clones aprovechando el tirón de videoclub que tuvo la cinta como por ejemplo, Ghoulies (Luca Bercovici, 1986).

El videoclub fue el vehículo por el que esta película se movió y triunfo, como muchas de las películas de los años 80 y buena parte de los 90. Tengo mucha añoranza por estos locales llenos de cine, donde pasaba casi a diario parte de mi niñez y adolescencia. Especialmente recuerdo el Videoclub Hollywood de Zaragoza, donde veneraba a la persona que lo regentaba, pues para mí era una fuente de sabiduría cinéfila, y me sabía recomendar muy bien los títulos que podía ver ese fin de semana. He llegado a pasar horas intentando decidir que película ver ante tanta carátula exhibida en sus fundas de VHS, donde por supuesto estaban los títulos de www.cinemascomics.com

la saga Critter.

Volviendo a la película de la que estamos hablando, hay que decir, que no es un título que destaque por su brillantez o calidad, sino que destaca por lo divertida y entretenida que resulta, sobretodo cuando está hecha con tan pocos medios. Su recaudación entre salas de cine y videoclub llegó a triplicar su modesto presupuesto. Su modestia es patente en muchos aspectos, desde los descuidados diálogos, a la simpleza de alguna de sus escenas, pero aun con todo, sigue teniendo un encanto que te mantiene pegado a la pantalla; el encanto de auténtica serie B, donde todo está hecho de una manera artesanal, sin recurrir a los engañosos efectos digitales: salsa de tomate y mucho látex y goma.

Su director Stephen Herek, debutaba con esta película, y aunque ya no se encargó del resto de la saga, le valió para seguir rodando títulos, como: Las alucinantes aventuras de Bill y Ted, Los tres mosqueteros (versión Disney) o la más reciente El hombre de la casa, con Tommy Lee Jones.

La película tiene como protagonistas esenciales a la familia Brown, a las terroríficas y divertidas pelotas que son los Critters, y a los dos cazarrecompensas que los persiguen. Estos dos últimos, son de lo mejor del film en cuanto a originalidad, pues supuestamente, son unos alienígenas sin cara, que pueden ir moldeando a su gusto para no desentonar con el medio en el que se mueven. Así, mientras que uno de ellos lo tiene claro y transforma su cara en la de un exitoso cantante, su partenaire es muy indeciso, y tan pronto cambia su rostro por el de un accidentado de tráfico como por la del borracho del pueblo. Hay que añadir a la lista de protagonistas precisamente al borracho del pueblo, que es el que da la alarma del peligro, y nadie le cree. Al final se convierte en una especie de héroe que, como premio, será reclutado por los

cazarrecompensas en su lucha por distintos mundos. Este personaje es el que se repite en todas las entregas de la saga.

La madre de la familia, es Dee Wallace, conocida actriz de la época, sobre todo por protagonizar películas de este género como Cujo, Aullidos, y en especial especial ET el extraterrestre. También como rostro conocido, podemos ver a un joven Scott Grimes, que ya de mayorcito, hemos podido ver en la serie de TV Urgencias (ER).

En cuanto a sus secuelas, cabe destacar tan solo la segunda parte, pues las otras dos, aunque se dejan ver, ya carecen de toda la originalidad de las dos primeras y parecen meros vehículos para seguir aprovechado el tirón de la saga. En la tercera parte, dirigida por Kristine Peterson en 1991, trabajó un joven Leo Di Caprio y en la cuarta, dirigida por Rupert Harvey en 1992, Angela Basset .

La segunda, Critters 2, dirigida por Mick Garris en 1988, resulta muy divertida, sobre todo viendo al indeciso de los cazarrecompensas, transformando su cuerpo y cara en las de una play mate, causando sensación allí por donde pasa. En esta segunda parte, repiten Scott Grimes, Don Keith Opper (el borracho del pueblo), y Terrence Mann, que sigue interpretando al cazarrecompensas con el rostro del famoso cantante. Una de las escenas más divertidas de esta segunda parte, es sin duda, la bola de Critters, una buena demostración de que la unión hace la fuerza “devastadora”.

En definitiva, una película que se mantiene en mi recuerdo desde la primera vez que la vi, y que aunque cuando la repaso en mi casa, me doy cuenta de cómo ha ido avanzando la técnica, resulta nostálgica y sigue divirtiéndome un montón.

Feliz 25 aniversario, y espero que esto os traiga una decente edición en DVD y Bluray, como merecéis.

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“Del amanecer de los tiempos venimos. Hemos ido apareciendo silenciosamente a través de los siglos hasta completar el número elegido. Hemos vivido en secreto luchando entre nosotros por llegar a la hora del duelo final cuando los últimos que queden lucharán por el premio. Nadie jamás ha sabido que estábamos entre vosotros…hasta ahora”.

Se hace un silencio y comienza la canción Princes of the Universe, de Queen. Así se inicia una saga de películas que, como su título indica, se resiste a morir. En su versión original el titulo era The Highlanders, en referencia a los montañeses habitantes de las Tierras Altas de Escocia.

La historia de Los inmortales trata sobre unos hombres que luchan

a través de los siglos entre ellos ya que sólo puede quedar uno, y que sólo mueren cuando se les corta la cabeza. Este argumento tan simple ha dado para seis películas, dos series de televisión y varios comics.

Ahora han pasado ya 25 años desde que se estrenó en Estados Unidos en 1986, aunque lo más curioso es que en principio no fue un éxito de taquilla ya que sólo recaudo 5 millones de dólares en USA, y fue su paso al VHS y sobre todo su banda sonora lo que le dio la popularidad y la categoría de película de culto. Con la fiebre del remake en plena efervescencia en Hollywood ya se está hablando de una nueva versión, un reboot que inicie de nuevo la saga, tal vez con mejores efectos y nuevos personajes, pero respetando la esencia de la primera película y sobre todo sus inmortales reglas:

1. No pueden luchar en terreno sagrado no importa la naturaleza de su consagración (ya sean iglesias, cementerios, etc.).

2. Los duelos deben ser uno a uno, sin interferencias externas de otros Inmortales. El vencedor asume los poderes del derrotado (Quickening).

3. Deben mantenerse en el anonimato sin revelar su naturaleza al mundo.

Los inmortales fue dirigida por Russell Mulcahy, director también de la segunda entrega, Los Inmortales 2: El Desafío, y responsable asimismo de películas como Extremadamente peligrosa y Resident Evil: Extinction. El guión fue escrito por Gregory Widen, responsable de las cuatro primeras entregas de Los Inmortales.

El reparto estaba formado principalmente por Christopher Lambert (Fortaleza infernal, Druidas, Jaque al asesino), Roxanne Hart (Cartas desde Iwo Jima, The Good Girl), Clancy Brown (Pesadilla en Elm Street, El guía del desfiladero) y el gran Sean Connery (James Bond contra Goldfinger, El nombre de la rosa y tantas otras).

Ramirez (Sean Connery) dando instrucciones a un joven Connor MacLeod (Christopher Lambert) en Los Inmortales parte I www.cinemascomics.com

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Fotograma de Los Inmortales

La película trata sobre un hombre llamado Russell Edwin Nash, un anticuario de New York que durante un combate de lucha libre en medio de la multitud enfervorecida se da cuenta de que él si que ha vivido autenticas batallas en su pasado, en su tierra natal de Escocia. En el aparcamiento del estadio un hombre le espera, quiere un duelo con Russell así que ambos sacan sus espadas y pelean hasta que uno le corta la cabeza al otro.

El anticuario es en realidad un hombre nacido en Escocia en 1518 llamado Connor MacLeod, del clan

de los MacLeod, que durante una batalla con un clan rival muere al enfrentarse a un terrible adversario llamado The Kurgan. Sin embargo, no le llega a cortar la cabeza así que horas después revive bajo el asombro de sus hermanos y amigos, que lo consideran maldito y le expulsan del clan. En un principio no comprende lo que le ocurre, pero otro inmortal llamado Juan Sánchez Villa-Lobos Ramírez le explica su condición y se convierte en su mentor. Así, tiene que recorrer el mundo luchando contra otros inmortales hasta llegar a nuestros días, cuando vuelve a enfrentarse en una gran batalla

final con The Kurgan.

Los Inmortales 2: El Desafío es la segunda entrega de la saga, también dirigida por Russell Mulcahy y escrita por Gregory Widen. Fue estrenada en 1991 y su recaudación fue superior a su predecesora, consiguiendo 15 millones de dólares, pero su calidad era muy inferior y llena de controversia, ya que la primera versión fue tan mala que tiempo después se reeditó con el título Los Inmortales: Versión Renegada, eliminándose por completo las escenas del origen de los Inmortales que no gustaron nada. Repiten en el re-

Fotograma de Los Inmortales II: El desafío

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parto Christopher Lambert como Connor MacLeod y Sean Connery como Juan Sánchez Villa-Lobos Ramírez.

La película trata sobre un apocalíptico futuro donde la raza humana esta cerca de la extinción debido a que el agujero de la capa de ozono está acabando con la vida. Connor MacLeod ve como su mujer muere por las quemaduras del Sol, así que dedica su vida como científico a inventar un sistema para proteger la Tierra. Lo consigue creando una capa que hace de escudo protector del planeta, que queda sumido en una noche permanente. 25 años después, ya en su vejez, durante un concierto de opera empieza a recordar su pasado. 500 años atrás, en su planeta natal Zeist, fue considerado un rebelde y enviado a la Tierra como castigo, pero antes un amigo suyo le da el poder de la inmortalidad y le asegura que cuando le necesite acudirá a su rescate. En Zeist, el malvado Katana dictamina que no puede recordar su origen, así que manda unos asesinos para que acaben con él, pero no lo consiguen y en cambio recupera su juventud y su fuerza. Invoca la magia para resucitar a su amigo Juan Sánchez Villa-Lobos Ramírez para que le ayude. Finalmente, Katana decide ir él mismo a la Tierra para acabar con McLeod, y asistiremos a un gran enfrentamiento final.

Los Inmortales 3: El hechicero (1994) cambió de director por el mal resultado de la segunda parte. En lugar de Mulcahy se eligió a Andrew Morahan, más relacionado con el mundo del videoclip y responsable de películas como Goal 3. En el guión sí repitió Gregory Widen, y Christopher Lambert encarnó de nuevo a Connor MacLeod, esta vez acompañado por Mario Van Peebles (que hizo de Malcom X en la película Ali) y Deborah Kara Unger, a la que pudimos ver en The Game y Hurricane. Recaudó unos 14 millones de dólares en taquilla, pero también las mismas malas críticas www.cinemascomics.com

Kane (Mario Van Peebles) luchando contra Connor en Los Inmortales III: El hechicero

que su predecesora.

La película trata sobre los hechos acontecidos antes de Los Inmortales 2: El Desafío, así que se trata de una precuela de la segunda.

En el pasado, Connor MacLeod vagó por todo el mundo luchando con otros inmortales. En uno de sus viajes conoció a Nakano, un hechicero que le enseñó tucos del arte de la lucha y la magia.

Un tiempo después otro inmortal llamado Kane ataca a Nakano, y recibe sus poderes tras cortarle la cabeza, pero la cueva donde vivía se derrumba y queda atrapado allí durante siglos. Una excavación hace que Kane quede libre y pueda ir en busca de MacLeod, así que se enfrentan en un combate final por ver quién quedará el último. Se intentó copiar la formula de la primera entrega, es decir, un joven inmortal con un mentor que muere a manos de un enemigo en el pasado y una lucha final en nuestros días, pero el resultado fue bastante peor e intrascendente.

Los Inmortales 4: El juego final (2000) contó como director con Douglas Aarniokoski, más conocido por ser ayudante de dirección en numerosas películas ya que ésta fue la única de relativa importancia que dirigió. El guionista fue de nuevo Gregory Widen, que ya con tres películas de la saga a sus espaldas, se atrevió con una

cuarta. En el reparto de nuevo tenemos a Christopher Lambert, pero el auténtico protagonista es Adrian Paul, que hacia de Duncan MacLeod en la serie de televisión.

El villano fue encarnado por Bruce Pyne (Pasajero 57, Dragones y Mazmorras). Logró unos 12 millones de dólares y fue objeto de feroces críticas debido sobre todo a las controversias que había dentro de la propia película.

La película trata sobre Connor MacLeud y su amigo Duncan MacLeod, ambos inmortales, que se reúnen para recordar viejas batal-

las. Cuando Connor se marcha a su casa, ve como explota matando a su hija adoptiva, lo que hace que Cinemascomics │ Marzo 2011 │ 99

se replantee su vida y decida retirarse a un Santuario donde viven los Inmortales que quieren vivir en paz. Su amigo Duncan está 10 años buscándolo, pero hasta que no tiene un sueño no se dirige al Santuario. Una vez allí es atacado por un Inmortal llamado Jacob Kell y sus secuaces. A punto de perder, es salvado por un guardián llamado Joe Dawson, que le explica que Kell es un inmortal apunto de llegar a la cifra mítica de las 666 victimas, más del doble que cualquier otro inmortal. También dice que Connor murió en el Santuario, pero Duncan no le cree y le busca para que puedan vencer a Kell. Finalmente, Connor se enfrenta a Duncan y le dice que use su golpe invencible para acabar con él y conseguir su poder, y así estar preparado para poder hacer frente a Jacob Kell en un enfrentamiento final.

Los Inmortales 5: El origen fue dirigida en 2007 por Brett Leonard, responsable de películas como El cortador de césped o T-Rex. Retorno al cretácico. En esta ocasión el guión corrió por cuenta de Stephen Kelvin Watkins. Fue la primera película de la saga en

la que no apareció Christopher Lambert, ya que el protagonista es Duncan MacLeod, interpretado por Adrian Paul. La película, con poco presupuesto y un guión haciendo aguas por todas partes es el viaje del descubrimiento del propio Duncan MacLeod.

La película trata sobre los primeros inmortales que buscaron el Origen de su inmortalidad. De un grupo numeroso fueron matándose entre ellos hasta que solo quedaron dos, que estuvieron muy cerca de desvelar el secreto.

Como castigo por su osadía, uno fue transformado en un ser roca viviente y el otro en el Guardián del Secreto.

En un futuro apocalíptico donde los seres humanos sólo viven para el crimen y la maldad, un grupo de Inmortales deciden buscar el origen de su inmortalidad. Pero cuando uno de ellos está cerca de alcanzarla, despierta el Guardián, un ser de una fuerza y velocidad increíbles que protege el secreto. Así que Duncan MacLeod y los demás deben buscar el secreto enfrentándose a numerosos peligros. Aunque al final

ese origen no es revelado, Duncan será nombrado el Elegido.

Los Inmortales: En Busca de la Venganza es una película de 2006 de animación anime dirigida por el japonés Yoshiaki Kawajiri, uno de los directores elegidos para hacer una versión de Batman: El Guardián de Gotham, cortos de animación que se estrenaron junto a la película Batman: El caballero Oscuro. Entre su éxitos destacan Ninja Scroll y Vampir Hunter.

La película trata de la lucha de dos Inmortales. Uno de ellos es Marcus, un antiguo emperador romano muy cruel que acabó tanto con sus enemigos como con sus amigos. En su lucha por ser el único que quede en pie se topa con Colin MacLeod, otro Inmortal que le hace frente hasta un futuro no muy lejano, donde ahora Marcus es el dueño de prácticamente todo New York, sometiendo a la ciudad a fuego y espada. El único que puede detenerle es Colin y lo hará en un último enfrentamiento final. Un argumento muy sencillo para una película muy válida, sobre todo por las escenas de lucha y sangre que harán la delicia para los fans de la saga y el anime en

Imagen de Los inmortales: En busca de venganza. Yoshiaki Kawajiri, 2006.

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general

Los Inmortales: Serie de T.V. duró desde 1992 hasta 1998, con un total de 119 episodios donde se contaban las vivencias de Duncan MacLeod, interpretado por Adrian Paul.

La serie trata sobre un anticuario llamado Duncan MacLeud, del clan de los Macleud, que fue aprendiz de Connor MacLeod. Duncan permanece retirado y casado con su mujer Tessa Noel, pero el ataque de un inmortal hace que venga su maestro a ayudarle. Éste le dice que si quiere seguir vivo debe volver al juego y acabar con los inmortales malvados.

La serie tuvo seis temporadas y dio para un spin-off llamado Los Inmortales: The Raven, donde se contaban las aventuras de una inmortal llamada Amada que ya apareció en la otra serie de T.V. Tuvo poco éxito y fue cancelada tras una temporada.

Los Inmortales: Serie animada de T.V., de 1994, fue dirigida por Frederic Drbowski, y narraba las aventuras de Quentin MacLeod,

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Fotograma de Los inmortales : Serie de TV

que al ver como el más famoso de los Inmortales, Connor macload, es eliminado por Kortan, busca venganza con la ayuda de su maestro Ramírez y su hermana. A lo largo de sus 40 capítulos, irán en busca de otros inmortales para hacerles frente.

El cómic de los Inmortales fue editado en 2006 por Dynamite, con Brandon Jerwa y Michael Avon

Oeming como guionistas y dibujado por Lee Moder. En él se contaban las aventuras de Connor MacLeud tras vencer a The Kurgan, hechos que ocurren en la primera película. Así, van sucediéndose las escenas actuales de Connor luchando contra otros inmortales con escenas del pasado. Le acompañan su mujer Brenda y su hija Rachel, además de su aprendiz Duncan MacLeod.

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A bocado limpio: Cronicas Vampiricas y el vampirismo teen Por Javier Calvo

Crónicas Vampíricas es la puesta en escena de la saga literaria The Vampire Diaries, de la escritora estadounidense L.J.Smith. A través de un grupo de adolescentes vampiros, la serie desarrolla una trama de amores, desamores y colmillos que puede dar lugar a comparaciones inevitables con otras propuestas del mercado actual. ¿Qué ofrecen entonces los hermanos Salvatore para permitir que nos muerdan?

Cualquier obra vampírica que se haya hecho tras la saga “Crepúsculo” está condenada a parecer una simple imitación de ésta. La serie de novelas de Stephenie Meyer, adaptadas luego al cine por Summit Entertainment, han creado un particular universo de seres fantásticos que, sin ser original, ha alcanzado las cimas del éxito gracias a diferentes factores combinados por el azar, los astros o los departamentos de marketing.

Pues bien, hete aquí que The Vampire Diaries, o como diría Cervantes, Crónicas Vampíricas (The CW, 2009), posee valores sospechosamente similares. Tan paralela es la historia de estos dos productos que, si uno pensara mal, podría regocijarse en la idea de un nuevo nicho de mercado basado en el colmillismo…

Con permiso de True Blood (Alan Ball, 2008) –que transcurre por parajes cercanos pero mucho más libres-, es cierto que la figura mediática del vampiro ha experimentado un sorprendente empuje en los últimos tres años gracias a los atractivos (carnales, sobre todo) de los personajes de Meyer. Aun así estamos hablando, seguramente, de uno de los iconos monstruosos más deseados y sugerentes del bestiario occidental, cuyo atractivo se basa en una evidente capacidad para seducir y la posibilidad de hacer con la boca mucho más que silbar. La figura del vampiro viene cargada de tal cantidad de simbología que una lectura detallada de sus significados podría llevar miles de páginas. Resaltemos simplemente,

pues, la idea de que un personaje tan envidiado parecerá siempre una apuesta segura en el feroz mundo del negocio de las narrativas, sean literarias o audiovisuales.

Las comparaciones son odiosas Crónicas Vampíricas parte, como decimos, de un concepto muy similar al de Crepúsculo. The Vampire Diaries es una trilogía de novelas escritas por la autora norteamericana Lisa Jane Smith en 1991 que, gracias a la presión de los fans, acabó convertida en tetralogía y, con el tiempo, vio su continuación en una segunda tríada de libros (la serie The return, de 2007). A partir de este año, parece que la saga tendrá una tercera hermana, con la aparición de la serie The hunters.

La trama se centra en el pequeño pueblo ficticio de Mystic Falls, un villorrio del estado de Virginia cuya historia atesora numerosos elementos sobrenaturales. La protagonista es una joven, Elena Gilbert (Nina Dobrev), cuyos padres han fallecido en trágico accidente. Frágil, vulnerable, y sexy como pocas, Elena no tardará en captar la atención de un misterioso visitante, el guapérrimo Stefan Salvatore (Paul Wesley), recién mudado a la ciudad. Este misterioso muchacho es, en realidad, un longevo vampiro que ve en Elena la reencarnación mística de su amor de juventud, Katherine.

El problema es que su hermano, Damon Salvatore (Ian Somerhalder), también se ha percatado del asunto y también compartía fascinación por la dama en cuestión.

Hasta aquí, el lector avezado encontrará un permanente paralelismo con la historia de Bella Swan y compañía. Sin embargo, lo que en Crepúsculo se maneja como un eterno debate sobre la duda entre dos amantes, aquí se expande hasta crear una ficción enrevesada, múltiple, con tendencia a la longevidad. No es sólo que el carácter seriado del producto le

anterior Dawson crece (The WB, 1998-2003), y por otro, con la estupendísima recuperación de los códigos del horror cinematográfico en la saga Scream o el film The Faculty (ah, sí, también se encargó de Sé lo que hicisteis el último verano). Williamson fue el guionista de los films y creador de la serie televisiva, y en ambos casos, el público respondió con entusiasmo.

permita expandirse ad infinitum, sino que Crónicas Vampíricas es sincera con su naturaleza: la historia de Smith es –y en ese carácter encuentra precisamente su potencial- un auténtico culebrón.

En efecto, la historia de Elena Gilbert y los hermanos Salvatore posee lo mejor de este género, si uno sabe abrirse al simple disfrute y evitar los prejuicios: tramas prolongadas, una cierta esencia a improvisación (de hecho, algunas críticas a la serie se centraban en la capacidad de los guionistas para reorganizar la trama sobre la marcha) y personajes pasionales, esquematizados en torno al sentimiento. Crónicas Vampíricas guarda, de hecho, una cierta semejanza con las historias de amor cortesanas, centradas en un microcosmos necesariamente endogámico, que en este caso no es el palacio sino el pueblo de Mystic Falls.

Crónicas Vampíricas, sería tonto negarlo, es también una serie de adolescentes. Al menos, ése es su punto de partida y, seguramente, el concepto que se plasmó en los informes de los productores que la parieron. Sin embargo, todo ello -como saben los aficionadosno debe suponer un problema a la hora de afrontar sus propuestas, que pueden ser perfectamente transversales a cualquier edad física.

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Si antes nos hemos referido a la semejanza con las historias de palacio, el universo cortesano de la adolescencia por antonomasia es, sin duda, el instituto, un elemento central en la serie, por cuanto sirve como marco para desarrollar e imbricar los lazos entre los personajes; un pequeño universo en el que la trama se retroalimenta, y que además es el marco de la peor época de la vida, con sus problemas típicos: desamores, inestabilidades, numerosos vicios y pocas virtudes. Los personajes de esta serie son jóvenes en un momento vital de cambios, una edad en la que los sentimientos se rebelan, la percepción se pierde entre las hormonas y la intensidad de las vivencias se convierte en superlativa. Por eso, se trata de la época más adecuada (si somos guionistas y queremos sembrar conflicto) para introducir todas las alteraciones externas posibles, como el ataque de unos peligrosos colmillos o la seducción que éstos producen. Y por eso, además del amor, en Mystic Falls se juega con la muerte.

El escritor del acné Resultará revelador indicar aquí que el encargado de llevar las novelas a la pantalla no es otro que Kevin Williamson, gurú de las inclinaciones adolescentes en estas dos vertientes básicas: por un lado, con el romanticismo de su

Crónicas Vampíricas tuvo una acogida similar, al darle a su cadena emisora, The CW (un experimento surgido a partir de las negociaciones de CBS, United Paramount y Warner) la mejor audiencia para el estreno de una serie de ficción. Aunque las críticas fueron desiguales, algunos expertos celebraron la vuelta a la pequeña pantalla de Williamson –que, todo sea dicho, en principio no parecía muy interesado por el proyecto-.

Este guionista, experto en recrear el pensamiento adolescente, plasma las contradicciones propias de la edad del pavo a través de unos personajes en los que se juega con el tema de la dualidad.

El ejemplo más evidente es la pareja de hermanos protagonistas.

Stefan es un vampiro apocado por su condición: bondadoso, atento, y defensor de la faceta humana de su personalidad. Entiende que, a pesar de la maldad que se presupone en el mito vampírico, se pueden hacer las cosas de una forma no destructiva. Stefan supone el amor romántico, blandengue, estable.

En la otra punta de la habitación se encuentra Damon. Como vampiro, no tiene ningún problema en disfrutar de los dones que se le han concedido. Se divierte jugando con las víctimas y asume su condición: para sobrevivir, necesita que otros mueran. Es un ser descontrolado, caótico, y por eso resulta atractivo. Damon es el amor pasional, cañero, impredecible.

Hasta la pobre Elena tiene a su propio némesis, la ancestral www.cinemascomics.com

Katherine. En forma de reverso oscuro, Katherine es el doble maligno de la protagonista, una figura que en la literatura se ha conocido con el término germano de doppelganger. Como un fantasma del pasado, el amor pretérito de los hermanos vampiro aparece de vez en cuando para poner las cosas más difíciles. De ahí que la oposición entre extremos, amor y muerte, vida y no-vida, Stefan o Damon (hasta el público puede participar de esta diatriba) sobrevuele durante buena parte la acción. Sin embargo, no todo es

extenso reparto puede dar lugar a sorpresas. Para plasmar esta variedad, la serie hace un uso correcto de los efectos especiales –aunque algunas veces la puesta en escena se exceda con la niebla nocturna, un cliché un poco pasado de rosca- y la dirección artística.

blanco o negro, y con el tiempo, es posible que los sentimientos hacia Elena sirvan para tender puentes entre los extremos.

lo extraño. En una época en que Internet se ha convertido en una prolongación de cualquier producción televisiva, las comunidades de fans y los foros de debate sobre la serie han sido fundamentales para actualizar este interés y canalizar las pasiones de los espectadores.

El elemento fantástico está integrado como un secreto oscuro ligado a la tradición de Mystic Falls que va emergiendo poco a poco.

Aunque no hay intención de desvelar ningún giro del argumento, apuntaremos que los vampiros no son los únicos seres monstruosos en aparecer en Crónicas Vampíricas, tal y como ha sucedido en otras ficciones similares, y que el www.cinemascomics.com

El mal es (muy) atractivo La proliferación de monstruosidades en la pequeña pantalla de los últimos años viene a confirmar la afección del público joven por

El último as en la manga de Crónicas Vampíricas es, precisamente, suscitar la pasión de un espectador objetivo que, de por sí, burbujea de hormonas –aunque la serie pueda ser disfrutada por

cualquiera- mediante un reparto destinado a convertirse en ídolo teen gracias a su extrema eficacia física. Tanto la bella Elena como los dos vampiros protagonistas componen una sexy imagen publicitaria que no ha pasado desapercibida para promocionar la serie, sobre todo la segunda temporada, que ya dio sus primeros pasos en septiembre del año pasado con otros 22 capítulos en la recámara.

Queda saber si la penetración de esta historia en el imagi��� nario colectivo llegará a calar tan

hondo como la otra gran propuesta vampírica con la que comenzábamos este artículo. Bien es cierto, aun así, que la propuesta de Meyer está sujeta al ámbito cinematográfico, por lo que no hay razón para que los adolescentes chupasangre de L.J. Smith no instauren su reino de la oscuridad en las televisiones de medio mundo. La sinceridad de su propuesta será su mejor baza. Y si no, ¿quién lo impedirá? ¿True Blood? Eso es otra cosa.

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SUPERHÉROES CON IDENTIDAD PROPIA Por Jose Joaquin Gonzalez Haro

En los últimos años hemos visto cómo decenas de comics han sido adaptados al cine y a la televisión. Sin lugar a dudas, de entre estas adaptaciones las protagonizadas por superhéroes son las favoritas del público, pero en ocasiones surgen películas y series de televisión con superhéroes, que aunque se han visto claramente influenciados por el género que Superman inauguro allá por el lejano año 1938, no están basados en ningún cómic en particular.

En este dossier repasaremos una serie de obras (tanto series de tv como películas) que ostentan los elementos más típicos del cómic de superhéroes y que en vez de basarse en una obra en particular han bebido de la cultura que rodea a este género tan en alza.

Empezaremos en 1981 con un clásico recordado con mucho cariño como es “El Gran Héroe Americano”. Dicha serie de televisión estaba protagonizada por William Katt (House una Casa Alucinante), en ella nos contaban cómo tras una serie de particulares circunstancias Ralph Hinkley (un profesor de una escuela de jóvenes problemáticos) era elegido por extraterrestres para ser el portador de un poderoso traje que le conferiría la habilidad para volar, resistencia a disparos y golpes, invisibilidad, precognición, telekinesia, supervelocidad y psicometría.

Desgraciadamente para el protagonista, dicho traje venia con un manual de instrucciones que nunca pudo leer, con lo que tuvo que aprender el uso de los poderes por su cuenta, produciéndose situaciones bastante cómicas (eran míticos sus desastrosos aterrizajes).

La serie es a día de hoy un producto de culto, y fue cancelada debido a que DC comics interpuso numerosas demandas por plagio a su personaje estrella, Superman.

En 1984 un nuevo héroe llegaba al cine de la mano de la productora Troma. Se trataba de “El Vengador Tóxico”, una cinta con ciertas dosis de sexo, desnudos y gore que con toques de cinta de serie B (o más) nos traía a un personaje que a pesar de lo que pueda parecer cumplía muchos tópicos del genero que hoy comentamos.

Melvin, es un joven torpe y tímido que trabaja en un gimnasio de la ciudad de Tromaville. Cierto día, los clientes del gimnasio le gastan una broma pesada que hará que Melvin caiga dentro de un barril con productos tóxicos. Lejos de morir envenado, Melvin se verá transformado en una criatura deforme pero con grandes poderes que sembrará la justicia en una ciudad repleta de delincuentes.

Aunque el personaje es un poco extraño y la productora se dedicó a mostrar más su talento en cuanto a casquería y chicas ligeras de ropa, no podemos obviar que Toxie (nombre cariñoso con el que lo conocen los fans) es un superhéroe, con mala leche, pero superhéroe al fin y al cabo. Y es que tanto su origen (obtiene sus poderes en un accidente) como sus objetivos no distan nada de otros personajes míticos de DC o Marvel.

Damos un salto hasta 1990 para detenernos en “Darkman” la primera cinta de estudio que hizo Sam Raimi (Evil Dead).La cinta, protagonizada por Liam Neeson, proponía un nuevo superhéroe creado por el mismo Raimi (quiso hacer una versión de la Sombra, pero no pudo hacerse con los derechos de la obra). En “Darkman” asistíamos a la historia de Peyton Westlake, un científico que era salvajemente agredido por un grupo mafioso. Peyton sobrevive con graves quemaduras en el cuerpo y una lesión nerviosa que le impide sentir cualquier estimulo (ya sea dolor o placer). Dado por muerto, asumirá la personali-

como ensayo en el género superheroico para su versión de Spiderman, tuvo dos secuelas, lanzadas directamente al mercado doméstico (con otro director y actor protagonista), y tuvo su propia adaptación a los comics, compartiendo incluso cartel con Ash (el personaje que Bruce Campbell interpretaba para Evil Dead) en un cómic de su serie “El Ejercito de las tinieblas”).

Nuestra siguiente parada nos lleva hasta el año 2000, cuando M. Night Shyamalan estrenó esa joya que es “El protegido”. Protagonizada por Bruce Willis y Samuel L. Jackson nos metía de lleno en una historia donde se jugaba con la idea de que los superhéroes eran la mitología heroica de nuestro tiempo.

En la cinta Willis interpretaba a David Dunn, un vigilante de seguridad que es el único superviviente a un grave accidente de tren.

Dunn, que no recuerda haber estado enfermo nunca, se convierte en la obsesión particular del dueño de una galería de arte relacionada con los comics que padece una enfermedad que lo hace especialmente frágil. Dicho personaje mantiene la teoría de que al igual que él es terriblemente frágil, en la tierra debe de haber un ser diametralmente opuesto a su estatus, un ser invulnerable como los que aparecen en los comics.

La cinta, que es una verdadera maravilla, traslada los tópicos del genero superheroico a un mundo en el que los héroes pueden convivir entre nosotros sin que ellos siquiera sepan lo que son. Debido a la legión de seguidores que tiene la película, Shyamalan ha anunciado que filmara una secuela en breve, algo que sin duda muchos de vosotros celebraréis tanto como yo. dad de Darkman, un ser que puede cambiar de aspecto gracias al invento que casi le cuesta la vida

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y que buscara venganza.

El personaje, que sirvió a Raimi

Llegamos al año 2001 con “Mutante X”, una serie de televisión que vino a aprovechar el éxito cosewww.cinemascomics.com

chado por la adaptación a la gran pantalla de los X-Men que en el año 2000 hizo Bryan Singer. La serie, creada y dirigida por Avi Arad (uno de los presidentes ejecutivos de Marvel Studios), fue una fea jugada de la Marvel a la Fox, que veía como una franquicia tan jugosa como los X-Men era explotada de forma encubierta por Marvel Studios.

La serie contaba la historia de un grupo de mutantes llamado “Mutante X” (qué originales) compuesto por Shalimar Fox (Victoria Pratt), una joven con reflejos y fuerza felinos; Brennan Mulwray (Victor Webster), que tiene la habilidad de absorber y proyectar electricidad; Emma deLauro (Lauren Lee Smith), una “Psíquica”’ con la habilidad de sentir y controlar las emociones y Jesse Kilmartin (Forbes March), cuya habilidad de aumentar y disminuir su densidad la hace inmune al daño físico, incrementa su fuerza y le permite desmaterializarse y atravesar las paredes.

Dichos jóvenes están a las órdenes de Adam Kane (John Shea), un humano sin poderes que los ha reunido para buscar a otros mutantes como ellos y orientarlos a que usen sus poderes en beneficio de la Humanidad.

La historia, como veis, tiene muchos puntos en común con la de los X-Men, aunque los mutantes www.cinemascomics.com

de esta serie no nacen con poderes sino que los han adquirido tras ser usados como conejillos de indias por el gobierno.

La serie, que no era ninguna maravilla, duró tres temporadas y no entusiasmó demasiado a los fans de Xavier y Cía.

En 2004, Pixar sorprendió a crítica y público con una cinta de animación cuyos protagonistas eran un grupo de superhéroes. “Los Increíbles”, que casi roza el plagio con obras como Watchmen, Los 4 Fantásticos o los X-Men, supuso un aire de aire fresco a la multitud de producciones animadas que se hacían por entonces. Con la calidad que Pixar imprime a sus trabajos, Brad Bird (antiguo director de capítulos de Los Simpson y más conocido por haber dirigido la película de animación El gigante de hierro) concibió una película que cualquier aficionado a los comics definiría como una verdadera maravilla.

La historia se centra en una familia con poderes especiales que vive en una realidad en la que se prohíbe la presencia de superhéroes. Sin embargo, desobedeciendo a las autoridades, Bob Par (antes conocido como Mr. Increíble) sigue saliendo a hacer sus pinitos como vigilante enmascarado hasta que recibe una misión de un importante promotor.

Continuamos con el año 2005, con una cinta titulada” Sky High: Escuela de Altos Vuelos”. Dirigida por Mike Mitchell (Gigolo, Shrek Felices para siempre) nos muestra la vida de una escuela donde todos los alumnos son hijos de famosos superhéroes o villanos. En la historia, el protagonista es Will Stronghold (Michael Angarano) el hijo de uno de los superhéroes más importantes del planeta y el único chico de la escuela que no tiene poderes.

El film, producido por la Disney, cuenta con Kurt Russell entre sus actores protagonistas, y a pesar de contar con un montón de héroes de creación propia se quedaba en una simple historia con fines motivacionales para los jóvenes que aun no han desarrollado su personalidad. A resaltar la buena recreación de los diversos personajes, que sin lugar a dudas era el punto más fuerte de la historia.

Y cambiamos completamente de registro. Si el anterior titulo resultaba ligero y falto de profundidad, en 2006, la serie de televisión “Héroes” traería a la pequeña pantalla un producto con una mitología de superhéroes de producción propia que haría las delicias de todo el fandom comiquero. La serie creada por Tim Kring (guionista de Teen Wolf 2) nos mostraba un mundo en el que la evolución estaba creando una Cinemascomics │Marzo 2011 │

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serie de individuos con poderes especiales que estaban destinados a cambiar el mundo.

La serie, que cuenta con cuatro temporadas, sufrió profundamente la huelga de guionistas del año 2007, un suceso que la hizo tambalearse y que le costó la frescura y originalidad que lució en su excelente primera temporada.

En 2006, dos nuevas producciones llegaron al cine con originales visiones de superhéroes. La primera en forma de comedia con “Mi Súper Ex-Novia” (dirigida por Ivan Reitman, el director de Cazafantasmas 2), una cinta protagonizada por Uma Thurman en la que Luke Wilson descubrió las consecuencias de salir con una superheroina un tanto neurótica llamada Chica G. Ciertamente resultó una cinta divertida, y demostró al publico las dificultades que pueden generar los superpoderes mal enfocados.

La segunda cinta era “Zoom” (Pequeños Grandes Héroes en Espa-

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ña), dirigida por Peter Hewitt (Los Borrowers) y protagonizada por Tim Allen. Dicho film es una infantiloide historia sobre jóvenes con superpoderes, que al igual que “Sky High” tiene una historia con mensaje para los más pequeños pero que se queda muy corta para el público adulto. Tal y como ocurría con Sky High, lo mejor eran sus efectos especiales representando superpoderes.

Y llegamos a 2008, un año en el que el mercado Español/Chileno lanzo “Santos” una cinta que se estrelló completamente en taquilla en la que Javier Gutiérrez compartía cartel con Leonardo Sbaraglia y Elsa Pataki. La historia mostraba a un joven obeso y calvo que tendría que aplicar sus conocimientos adquiridos a través de años de lectura de comics para rescatar a su amada de un villano interdimensional. La película fue puesta a parir por todo el mundo, aunque a mí especialmente me resultó un simpático experimento.

Este mismo año también llegaría a las pantallas “Jumper”, una historia entretenida y sencilla basada en la novela del mismo nombre y protagonizada por Hayden Christensen, Samuel L. Jackson, Jamie Bell y Rachel Bilson. En dicha historia se narra las peripecias de una serie de humanos con habilidades para el salto en el espacio/tiempo que son perseguidos por una sociedad radical que los considera una aberración a los ojos de Dios.

Will Smith también se apuntó a la moda de los superhéroes en este año 2008 estrenando “Hankock”, dirigida por Peter Berg, el director de la estupenda Very Bad Things.

Smith interpretó a un humano con poderes especiales que tras tocar fondo se convierte en una carga para la ciudad. Afortunadamente para él, salvar al relaciones públicas Ray le ayudará a acicalar su imagen y a convertirse en un icono para la sociedad.

La cinta me resultó muy satisfactoria, y mostraba la pesada carga www.cinemascomics.com

que llevan algunos superhéroes, a los que sus poderes les supone una barrera para relacionarse con otros individuos. Sinceramente muy recomendable.

Cambiamos de año de nuevo (llegamos al 2009), y nos encontramos con “Push”, un film protagonizado por Chris Evans (nuestro flamante nuevo Capitán América) y Dakota Fanning, en el que un grupo de jóvenes con poderes especiales deberán defenderse de una sociedad mafiosa que pretende extorsionarlos para que utilicen sus dones a favor de ciertos grupos criminales. La cinta realmente no aporta nada nuevo, y tiene muchas similitudes con Jumper.

Con un presupuesto mucho menor, y con una excelentes interpretación a cargo de Woody Harrelson, este mismo año llegó al mercado en DVD “Defendor”, una cinta muy en la línea de Kick Ass, en la que veíamos como muchas veces los superhéroes no tienen que tener superpoderes para hacer el bien. “Defendor” es una producción, que merecía haberse estrenado en cines y que ha hecho las delicias de cuantos la han visto.

En cuanto al pasado año 2010, las producciones con superhéroes no basadas en comics han estado más bien enfocadas a la televiwww.cinemascomics.com

sión. Títulos como “The Cape” o “No ordinary Family” (conocida en España como “los Increíbles Powells”) no han convencido al publico, razón por la que no se espera que repitan temporada.

“The Cape”, narra la historia de un policía al que tras tenderle una emboscada se le considera un terrorista peligroso. Oculto bajo la ciudad encontrara asilo junto a una comunidad de feriantes de los que aprenderá ciertas habilidades con las que limpiar su nombre. La serie ha tenido muy poca acogida y ha sido cancelada antes de que se emitiera el último episodio de la temporada en televisión. Afortunadamente para los seguidores de la serie, la productora ha hecho saber que emitirá el último episodio a través de la web de la cadena.

En cuanto a “los Increíbles Powells”, está muy cerca de ser una versión en imagen real de los Increíbles de Pixar, y narra las aventuras de una familia que obtiene poderes tras un accidente en el Amazonas. Lamentablemente no está cumpliendo con la calidad esperada de la ABC tras “Heroes”, y no se augura nada bueno para la serie.

aquí... pero se aleja demasiado del genero superheroico). “Megamind” es ciertamente una delicia de animación, que sin llegar al nivel de las obras de Pixar da un salto cualitativo en las producciones de Dreamworks. La historia que seguramente conocéis nos presenta a Megamind, un villano que vive en yuxtaposición al héroe local, MetroMan, y que descubrirá por la malas una máxima del mundo de los superhéroes: “Los grandes villanos hacen grandes Héroes”.

Finalmente, y una vez repasado todos los títulos del dossier, creo que todo el mundo coincidirá con que los superhéroes han trascendido a un nuevo nivel, un nuevo estado que aunque se nutra de historia ya conocidas por los comics, seguirá produciendo historias en un formato en el que estos heroes de nuevo cuño parecen encontrarse tan a gusto como sus homólogos de papel.

Para finalizar, llegamos al año presente con “Megamind”, la única cinta que cuadra con nuestro dossier hasta el momento (Gru, mi villano favorito, podría entrar Cinemascomics │Marzo 2011 │ 111

APOCALIPSIS DE STEPHEN KING 1.

EL CAPITÁN TROTAMUNDOS Guión/Dibujo: Roberto Aguirre-Sacasa/Mike Perkins Formato: 160 págs.

PVP: 17,95 € Editorial Panini La adaptación al cómic de la apocalíptica batalla entre el Bien y el Mal narrada por el maestro del terror en una de sus más celebradas obras. En una base secreta en pleno desierto de California, algo ha ido mal, terriblemente mal; algo que ha obligado a la familia Campion a huir en plena noche. Lo que no saben es que llevan un equipaje inesperado: un virus que se extenderá por todo el planeta y aniquilará a la mayoría de sus habitantes. ¡Así comienza la batalla de la humanidad por la supervivencia!

100 % CULT. TRUE BLOOD 1 Guión: David Tischman y Mariah Huehner Dibujo: David Messina Edición original: True Blood vol. 1: All Together Now USA Formato: 144 págs.

PVP: 15 € Editorial Panini

La sangre y el sexo se entremezclan en el salto al cómic de la popular serie de televisión de Alan Ball (A dos metros bajo tierra). Un espíritu vengativo toma prisioneros a Sookie y sus amigos. Será entonces cuando los secretos más escondidos de todos ellos, aquellos que se guardan bajo siete llaves, salgan a la luz. Si quieren sobrevivir, tendrán que bucear entre dolorosos recuerdos de su pasado. Bon Temps (Luisiana) nunca ha sido más extraña ni fascinante.

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GREEN LANTERN DE GEOFF JOHNS Nº 01 Guión/Dibujo: Geoff Johns/Carlos Pacheco, Ethan Van Sciver, Ivan Reis, Simone Bianchi Edición original: Green Lantern Rebirth # 1-6, Green Lantern # 1-13, Green Lantern Secret Files USA Formato: Libro cartoné, 528 págs. color.

PVP: 35 € Editorial Planeta de Agostini Hace años, se le consideraba el mejor Green Lantern de la historia. Sin embargo, enloqueció tras la destrucción de su ciudad y, convertido en el villano Parallax, cometió una serie de atrocidades que no tienen perdón.

Ahora, saldrá a la luz un secreto relacionado con aquella época que hará que Hal Jordan regrese en todo su esplendor, que se reconcilie con sus antiguos amigos... y que vuelva a enfrentarse con viejos adversarios como Hector Hammond, el Tiburón y, por supuesto, el rencoroso Sinestro.

Este próximo verano, se estrenará la película de Warner basada en este personaje. Hal estará encarnado por Ryan Reynolds. Le acompañarán Tim Robbins y Angela Basset, entre otros.

SUPERMAN/BATMAN : PODER ABSOLUTO Guión/Dibujo:Jeph Loeb/Carlos Pacheco Edición original: Superman / Batman Nº 14 a 18 USA Formato: Libro cartoné, 128 págs. a color.

Precio: 14,95 € Editorial Planeta de Agostini Lo imposible ha ocurrido: algunos de los acontecimientos más importantes en la historia del Universo DC han sido modificados y el mundo ya no es el que conocíamos. Ahora, Superman y Batman gobiernan la humanidad con mano firme y combaten el crimen y la oposición con total impunidad.

Ostentan el poder, pero sus acciones van a desencadenar una crisis a nivel temporal que volverá a trastocar todo cuanto existe… y quién sabe qué consecuencias habrá. Las respuestas las tienen Jeph Loeb y los españoles Carlos Pacheco y Jesús Merino, los autores de Poder absoluto.

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