Cinemascomics: La revista. Nº 1 Febrero 2011

Febrero 2011. Nº 1. Año 1

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La revista

ESTRENOS

ENREDADOS SAW 3D CISNE NEGRO Y MÁS...

ENTREVISTA:

Chayanne es m e t s ¡E os ll egam sa! rpre o s n co

Especial

Disney LA FIEBRE ZOMBI

LAS REINAS THE GOONIES VIDEO JUEGOS ESPECIAL SERIES DEL GRITO

25 ANIVERSARIO

Y CINE

THE WALKING DEAD

cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego

EDITORIAL

DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego Manuel Moros David Larrad Pedro Pinos Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Úrsula Karivdis Javier Calvo José Joaquín González (unblogdefanafan.blogspot.com) Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) TIRA CÓMICA Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics.

A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

Hola amigos de Cinemascomics, como prometimos aquí estamos de nuevo en nuestra cita mensual. Ante todo quiero agradecer a Pedro Pinos, Diego Sánchez (planta13.blogspot.com), Úrsula Karivdis, Javier Calvo, José Joaquín González (unblogdefanafan.blogspot.com) y a Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) que hayan vuelto a colaborar con nosotros y dar la bienvenida a dos nuevos colaboradores, Sergio Reina (criticode-cine-aficionado.blogspot.com) y Gerard Fossas (www.butacapreferente.com), ¡muchas gracias a todos!

Este mes dedicamos nuestra portada al nuevo clásico de Disney “Enredados”, adaptación del famoso cuento de los Hermanos Grimm. Además os traemos un adelanto de los estrenos de la compañía para este año y recordamos al gran Walt Disney.

Los Zombis están más de moda que nunca y que mejor excusa que el lanzamiento de “Resident Evil: Ultratumba” en Blu-ray 3D, para dedicar un especial a este género tan popular. Además gracias a Sony Pictures y Planeta cómics os traemos una sorpresa muy especial en páginas interiores.

Esperamos que os guste y disfrutéis de los contenidos que hemos preparado este mes.

Carlos Gallego Director de Cinemascomics

FEBRERO 2011 Número 1

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2011. Un año de magia Disney

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La tira de diego burdio. pag 7 Actualidad 21│ Saga Crepúsculo: Amanecer

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Primera imagen

23│ Spiderman Reboot

Primera imagen oficial de Andrew Garfield con el traje del súper héroe aracnido

24│X-men: Primera clase Un día Charles Xavier y Magneto fueron amigos

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The Goonies

Walt Di La histo

criticas 60│Enredados 61│ Monsters 62│ Red 63│La Trampa del Mal

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Entrevista: Chayanne www.cinemascomics.com

The Wa

Natalie Portman

contenido Las reinas del grito

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estrenos 26│ Enredados 4 de febrero 38│ La trampa del Mal 4 de febrero 42│ Saw VII 16 de febrero 48│ Cisne Negro 18 de febrero

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56│ El oso Yogui 18 de febrero 58│ Chico & Rita 22 de febrero

DVD/Blu-ray

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76│ Resident Evil: Ultratumba

isney: oria de un mito

alking Dead

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que leer 100│Más que humano 102│ Zona cómic

La fiebre Zombi

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92 Videojuegos y cine Cinemascomics │ Enero 2011 │

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2011. Un año de magia Disney Por Diego Sánchez

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Fotograma de Chico & Rita.

Corría el año 1937. Estaba a punto de nacer un clásico. El primero de una serie de filmes destinados a marcar la historia del cine en general y de la animación en particular. Blancanieves y los siete enanitos se estrenaba bajo una increíble recepción de crítica y público que alzó a la compañía de Walt Disney a la estratosfera de la popularidad. Fue el primer largometraje animado de un estudio que a día de hoy, crea, produce y distribuye miles de productos de entretenimiento.

cionales han perdido su gancho en taquilla, lo cierto es que Disney sigue trabajando la animación más clásica para contar historias con sabor añejo. La primera en llegar será Chico y Rita, una coproducción entre Inglaterra y España, dirigida por Fernando Trueba y el diseñador Javier Mariscal. Se trata de una apasionada historia de amor entre un pianista y una cantante a quienes el destino va uniendo y separando durante sus vidas, como si de la letra de un bolero se tratara.

Enredados será la película de animación número cincuenta de la corporación y dará el pistoletazo de salida a un año de filmes de aventuras, animación y fantasía producidos o distribuidos por Disney. Desde Cars 2 hasta la cuarta entrega de Piratas del Caribe, pasando por personajes clásicos y nuevas aventuras. A continuación repasamos toda la magia, el espectáculo y la diversión que este 2011 promete la compañía creada en 1923 por Walt y Roy Disney.

Tras su paso por festivales como el de Toronto, Telluride o el festival de animación de Holanda, donde ganó el gran premio, la película se estrena en España bajo una gran expectación. Y es que la unión de un director ganador del Oscar como Fernando Trueba y de un diseñador de prestigio como Javier Mariscal en el apartado visual, resulta estimulante para cualquiera. Su estreno está previsto para este 25 de Febrero.

Animación tradicional Aunque en los últimos años los largometrajes de técnicas tradiwww.cinemascomics.com

En primavera, y meses antes de su lanzamiento en Estados Unidos, llegará a las pantallas españolas Winnie the Pooh, con la que Walt Disney Animation Studios vuelve

al Bosque de los Cien Acres más de 35 años después de la última aventura del personaje para la gran pantalla. Esta película es totalmente nueva pero quiere mantener el encanto, el ingenio y la originalidad de los cortometrajes originales.

El personaje es sin duda todo un icono de la compañía y probablemente uno de los peluches más regalados de la historia. El origen del personaje lo encontramos en Inglaterra, donde la osa Winnie hizo amistad con un niño en los años que pasó en el zoo de Londres. En lugar de la miel como al personaje de Disney, a la Winnie real le gustaba la leche condensada. Fue precisamente la primera de muchas visitas que el niño hizo a la osa la que inspiró a su padre, A.A. James a escribir un poema del que posteriormente si irían escribiendo relatos. Incluso las hijas del propio Walt Disney eran aficionadas al personaje y fue por ello que Winnie de Pooh pasó finalmente a ser un personaje más de la compañía cuando en 1966 se estrenó su primera película: “Winnie Pooh and the honey tree”.

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Fotograma de “Cars 2”

Animación por ordenador Cuando en 1995 Disney unió fuerzas con Pixar para estrenar Toy Story, la casa de Mickey Mouse volvió a revolucionar el cine de animación. Tal fue el éxito de esta película (y de todas las siguientes) que Disney acabó comprando Pixar por 7.400 millones de dólares. Desde entonces, han regalado al mundo obras fantásticas como Wall-e, Ratatouille, Up o la propia trilogía de Toy Story.

Incluso Cars, una de las que menos gustó a la crítica, es un gran entretenimiento y una demostración de virtuosismo técnico por parte de Pixar.

Este 2011 llegarán tres películas de animación por ordenador. La primera será Enredados, una producción de Disney en exclusiva.

La película cuenta la historia de Rapunzel, una princesa que fue robada a sus padres cuando era un bebé y encerrada en una torre.

Ahora es ya una adolescente muy imaginativa y decidida que consigue escapar de su encierro con la ayuda de un bandido encantador. Uno de los directores trabajó como guía turístico en los estudios de Walt Disney World hasta

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que consiguió entrar a formar parte del equipo de animación.

Como era de esperar si se conoce la clásica historia de la princesa, la melena de la protagonista ha sido todo un reto técnico para los creadores, ya que mide la nada despreciable cifra de veintiún metros de longitud. O lo que es lo mismo, tiene 100.000 pelos. Para animarlos se creó un software especial que simulara el movimiento de tanta melena. Kelly Ward, técnico de software de pelo (uno de los tres especialistas de software encargados de crear el pelo de Rapunzel ) se doctoró en informática con una tesis que estudiaba el cabello y lleva diez años especializándose en esta área.

Y, por supuesto, fiel a su cita anual con el público mundial, Pixar estrenará el 24 de Junio Cars 2, con John Lasseter en el asiento del conductor para dirigir esta nueva aventura. “Rayo” McQueen y la incomparable grúa Mate, llevarán su amistad hacia nuevos y emocionantes destinos.

Cruzarán el océano para participar en el primer “Grand Prix Mundial”, en el que se determinará cuál es el automóvil más veloz del mundo. Pero en el camino Mate

se ve atrapado en una trama de espionaje internacional. Dividido entre ayudar a Rayo McQueen en las carreras y su misión de espionaje de alto secreto, Mate se ve envuelto en un viaje repleto de acción que lo lleva a una persecución explosiva por las calles de Japón y Europa, seguido por sus amigos y vigilados por la mundo entero. Además de la velocidad hay un nuevo y colorido reparto que incluye agentes secretos, villanos amenazantes y nuevos competidores internacionales en las carreras.

Y si ya es original la idea de juguetes que viven y coches que hablan, Disney presentará en Marzo su tercer filme de animación por ordenador para este año: Gnomeo y Julieta, una comedia basada en la popular obra de Shakespeare con una original vuelta de tuerca. En esta ocasión serán los simpáticos gnomos que adornan los jardines de muchas casas los que cobrarán vida y lucharán por una historia de amor entre los gnomos rojos y los gnomos azules. Esta película, distribuida por Touchstone Pictures, filial de Disney, cuenta la historia clásica de dos jóvenes enamorados pero de bandas rivales, que tendrán que luwww.cinemascomics.com

Fotograma de “Gnomeo y Julieta”

char por su amor entre múltiples aventuras que harán las delicias de los más pequeños.

Dirigida por Kelly Asbury (“Shrek 2”) y con canciones clásicas y originales de Elton John, la película incluye las voces originales de James McAvoy y Emily Blunt, en los papeles de Gnomeo y Julieta.

Al igual que sus cuasi homónimos, tienen que superar un sinfín de obstáculos al verse envueltos en una disputa entre vecinos. ¿Podrá esta pareja vivir feliz para siempre entre flamencos rosas de plástico y demenciales carreras de cortadoras de césped?

Imagen real Pero no sólo de animación vive Disney. Todos los años expande sus creaciones con películas de imagen real (aunque luego haya mucho, pero que mucho añadido digital). Este año serán tres las propuestas que la corporación Disney ofrecerá a los espectadores. La primera en llegar será Soy el número cuatro, una producción de Dreamworks que Disney distribuirá en España.

La historia presenta a su protagonista, John Smith (Alex Pettyfer), un adolescente extraterrestre que intenta ocultarse de despiawww.cinemascomics.com

dados enemigos, enviados para destruirlo. Cambiando constantemente de identidad, mudándose de una ciudad a otra bajo la supervisión de su guardián Henri (Timothy Olyphant), John es siempre “el chico nuevo” del lugar, sin vínculos con el pasado.

Pero ahora la pequeña Ohio se ha convertido en su hogar, y John deberá enfrentarse a nuevos hechos inesperados que le cambiarán la vida: su primer amor (Dianna Agron), el descubrimiento de poderosas y nuevas habilidades, y una conexión especial con aquellos que comparten su increíble destino.

La segunda en llegar (25 de Mayo) es sin duda uno de los platos fuertes del año. Piratas del Caribe: en mareas misteriosas será la cuarta entrega de una saga que ha amasado ya 2.700 millones de dólares en todo el mundo. Los aficionados disfrutarán mejor que nunca con la acción, los asombrosas paisajes y decorados que caracterizan a la saga, pues es la primera entrega rodada en Disney Digital 3D. En esta historia el Capitán Jack Sparrow se cruza con una mujer de su pasado (Penélope Cruz) y no está seguro de si lo que ocurre ahora entre ellos es amor... o si Cinemascomics │ Febrero 2011 │

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Fotograma de “Gnomeo y Julieta”

ella es una despiadada impostora que le está usando para hallar la famosa Fuente de la Juventud.

Cuando esta mujer lo obliga a abordar el Queen Anne’s Revenge, el barco del terrible pirata Barbanegra (Ian McShane), Jack se encuentra en una inesperada aventura en la que no sabe a quién temerle más: si al famoso pirata o a la mujer de su pasado.

En este nuevo periplo, Jerry Bruckheimer, productor de la saga, ha contado con la dirección de Rob Marshall (Chicago, Nine). Puede sorprender la elección de un director cuyos mejores trabajos son musicales, pero al fin y al cabo, la coreografía necesaria para las luchas de espadas tan características de las aventuras entre piratas no dista tanto de la danza. Habrá que ver si triunfa esta cuarta entrega sin la presencia de Orlando Bloom y Keira Knightley, que decidieron no seguir en el proyecto tras dedicar tres películas a una saga en la que el personaje de Jhonny Depp les robaba todo el

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protagonismo.

para triunfar.

Para terminar el año Disney distribuirá en España Acero puro, una aventura descarnada y vertiginosa ambientada en un futuro cercano en el que el boxeo se ha convertido en una disciplina deportiva de alta tecnología. Está protagonizada por Hugh Jackman en el papel de Charlie Kenton, un boxeador fracasado que perdió la oportunidad de ganar un título cuando robots de 900 Kg y 2,50 m de altura se apoderaron del ring.

Ahora, convertido en promotor de poca monta, Charlie sobrevive construyendo y luchando con robots de mala muerte en combates de segunda fila. Charlie toca fondo y no tiene más remedio que trabajar con Max (Dakota Goyo), su hijo reencontrado. Juntos crearán y entrenarán a un firme aspirante al campeonato. El listón está cada vez más alto en un escenario pugilístico brutal y en el que todo vale. Pero contra todo pronóstico, Charlie y Max dispondrán de una última oportunidad

Producida por Dreamkorks será Disney la encargada de distribuirla en nuestro país. Dirigida por Shawn Levy, de la saga de Noche en el Museo, la película cuenta también con la participación de Evangeline Lilly (Lost). Una nueva aventura de acción y efectos visuales con la que la compañía cerrará un 2011 lleno de celebraciones.

Y es que este año la compañía del ratón Mickey soplará las velas por los veinticinco años que cumple Pixar, brindará por alcanzar la redonda cifra de cincuenta largometrajes de animación y por seguir al frente de la industria del entretenimiento mundial. Porque gracias a Walt Disney y todos los que han seguido su filosofía niños y mayores podemos seguir diciendo que creemos en la magia, aunque sólo sea durante las dos horas que pasamos en el cine viendo sus películas.

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Hugh Jackman en Acero puro www.cinemascomics.com

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Walt Disney: La historia de un mito Por David Larrad

Si te preguntaran un día por la calle qué es lo que sabes de Walt Disney, probablemente, contestarías lo mismo que la mayoría de la gente. Que fue el creador del simpático ratoncito Mickey Mouse y que fue congelado en espera de que un día la Medicina sea capaz de curarle su cáncer de pulmón terminal. Lo curioso es que las dos ideas son falsas, porque ni está congelado ni dibujó a Mickey, sino que fue un colaborador suyo, más hábil con el lápiz pero menos inteligente para los negocios, el verdadero “padre” de uno de los más grandes iconos del pasado siglo.

Aquí descubriremos quien fue Walter Elias Disney (1901-1966), cuál era su ideología, cómo creó uno de los mayores imperios empresariales de todos los tiempos y todos los rumores que surgieron tras su muerte. Algunos lo tildaron de tirano, otros de genio, de un maníaco de la perfección...Lo que no puede negársele es que cuando el cine de animación todavía estaba en pañales, supo ganarse al gran público, tanto niños como mayores. Su legado es tan impresionante que ahora la empresa “The Walt Disney Company” factura más de 30.000 millones de dólares anuales.

Infancia.

La infancia de Walter fue feliz en un ambiente campestre, ya que transcurrió en una granja en las cercanías de Marceline, Missouri.

Como todavía era demasiado pequeño para ayudar en las labores, pasaba el tiempo jugando y sobre todo, dibujando. Le encantaba sumergirse en sus mundos de fantasía y crear cuentos de hadas y pintorescas fabulas. Siempre comentó que fueron sus días más felices.

Debido a la crisis que sufría Estados Unidos, su familia pronto tuvo que abandonar ese paraíso rural para marcharse a Kansas City, lo www.cinemascomics.com

que dejó desolado al joven Walt, que tuvo que madurar rápidamente para ayudar a su familia. Arrimó el hombro y tuvo que repartir periódicos para ganarse la vida.

Nunca fue un buen estudiante, porque a la falta de sueño y al cansancio propios de su trabajo nocturno de repartidor se añadía su carácter soñador que le provocaba que se pasara todas las horas de clase haciendo lo que más le gustaba, que era dibujar en vez de atender a los maestros.

Así consiguió ser el historietista del periódico del instituto, en unos tiempos revueltos en los que pudo tratar su tema favorito, que era el patriotismo frente a la amenaza de la Gran Guerra Mundial. En 1918 quiso enrolarse en la Marina pero no lo consiguió por

Disney sabia que necesitaba un gran cambio, así que miró hacia el Oeste, donde los focos del cine más alumbraban ser demasiado joven, así que falsificó su certificado de nacimiento para poder entrar en el cuerpo de ambulancias de la Cruz Roja. Nunca llegó a entrar en combate, ya que cuando lo trasladaron a Europa, Alemania ya se había rendido y firmado el armisticio que significó el final de la Gran Guerra. Se dedicó todo el tiempo a trasladar heridos en Francia hasta 1919, cuando volvió a Estados Unidos.

Muchos de los testigos con los que colaboró en la tarea de cuidar a los enfermos afirmaron que tenía la ambulancia totalmente llena de dibujos, ya que no se olvidó de su mayor afición ni siquiera cuando hacía una labor tan humanitaria.

Comienzos en la animación.

Ya en Kansas City consiguió un trabajo de ilustrador de publicidad en el “Pesemen-Rubin Art Studio”, donde hizo anuncios para periódicos, revistas y cines. Una gran experiencia para el joven Walter, que con apenas 19 años de edad ya podía dedicarse a lo que mejor se le daba. Además, conoció a un chico llamado Ubbe Iwerks con aficiones parecidas y formó lo que a la larga sería uno de los dúos que cambiaría la animación para siempre. Llegó un momento en que pensaron que la empresa se les quedaba pequeña, así que decidieron crear algo nuevo que solo ellos liderarían. Así nació “Iwerks-Disney Commercial Artists” en 1920. No llegó a triunfar pero aunque en ese momento parecía un fracaso, tuvo su parte positiva. Por un lado, Walt Disney se dio cuenta que no solo hay que saber dibujar, sino que la parte más importante es el negocio, saber venderse y anticiparse a lo que quiere el público. Por otro lado empezaron a trabajar para “Kansas City Film Ad”, donde hicieron sus primeros acercamientos al mundo de la animación, algo que fascinó a Walter que veía un mundo entero de posibilidades. Todas esas fantasías que tantas veces había recreado en su mente ahora podían hacerse realidad gracias al cine.

Dos años en la empresa le bastaron para convencerse de que podía seguir por su cuenta y fundó “Laugh-O-Gram Films”, dedicado a hacer cortos de animación sobre cuentos de hadas.

Dos años después y con varios cortos a sus espaldas, el estudio quebró, dejando inacabada su gran obra, que era la versión de animación con acción real de “Alicia en el Pais de las Maravillas”.

Disney sabia que necesitaba un gran cambio, así que miró hacia el Oeste, donde los focos del cine más alumbraban.

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Comienzos en Hollywood En la zona de Los Ángeles, California, la industria del cine empezaba a florecer. A principios de siglo las compañías productoras de cine se marcharon de New York huyendo del monopolio creado por Edison, y se establecieron en esa zona debido a la cantidad de luz solar que había a lo largo del día.

Así que Walt Disney sintió que ese era su sitio y partió raudo hacia Hollywood. Primero buscó trabajo en películas de acción real, pero como no consiguió nada optó por su verdadera vocación y creó un estudio en el garaje de su tío Robert, donde decidió terminar “Alice´s Wonderland”. Para ello contó con sus dos mayores colaboradores, su hermano Roy que se encargaría de la parte financiera y su amigo Iwerks, fundando así “Disney Brothers Studio”. Por entonces no lo sabían, pero estaban destinados a cambiar el mundo de la animación y revolucionar la industria cinematográfica del siglo XX. En 1927 un estudio les encargó una serie de cortos para los que crearon a “Oswald el conejo afortunado” dibujado por Iwerks. Fue un éxito inmediato lo que provocó que la compañía empezara a cre-

cer, trayendo antiguos colaboradores de Kansas City. Pero cuando querían renovar el contrato con el estudio se llevaron la sorpresa de que les ofrecían menos dinero, además de que sus colaboradores de Kansas habían firmado ya con ellos. Todos excepto Iwerks, que seguía fiel a su amigo Disney. Walt monto en cólera y no aceptó los nuevos términos, así que tuvo que despedirse de “Oswald el conejo” y fue cuando el estudio “Universal” adquirió los derechos en exclusiva, que poseyó hasta 2006, cuando fueron devueltos a Disney, unos 78 años después del “robo”.

Una nueva tragedia para la carrera de Disney. Pero si algo había aprendido en sus años en la industria es que cuando una puerta se cierra, cientos se abren.

Mickey Mouse Ante la perdida de su carismático personaje, se creó uno nuevo. Se discute quién tuvo la idea, si fue Iwerks o Disney, pero el parecido entre “el conejo Oswald” y Mickey Mouse” es evidente, ya que lo único que les diferencia son las orejas.

Su primera aparición fue en 1928 en “Plane Crazy”, un cortometraje mudo que no tuvo mucho éxito.

De hecho hasta que no se incluyó sonido a los cortometrajes, siem-

pre pasaban bastante desapercibidos. Fue con “Steamboat Willie” en el mismo año 1928, con el propio Disney poniendo la voz de Mickey, cuando les llegó el reconocimiento y el éxito.

Fotograma de Steamboat Willie

El corto trataba de un viaje en barco donde Mickey es echado de la sala de máquinas por Pete. Su frustración la combate tocando con una cabra la conocida “Turkey in the straw”. Duraba 7:45 minutos y fue distribuido por Columbia Pictures.

El éxito fue tal que se convirtió en una tira cómica y Mickey fue nombrado símbolo internacional de buena voluntad por la Sociedad de Naciones en 1930. También empezó la explotación de su imagen con juguetes o relojes para niños. Una vez más se imponía el lado comercial al puramente artístico.

Pero tras el éxito siempre aparecen los conflictos y fue cuando Iwerks se marchó de la compañía Disney para empezar su trabajo en solitario, con bastante éxito, ya que creó el primer corto de animación sonoro en color titulado Fiddlesticks, con su personaje “Flip the Frog”.

Recientemente Disney a rescatado al personaje de Oswald el conejo afortunado, para el vídeo juego “Epic Mickey”, en el que solo aparecen personajes creados por Walt Disney antes de su muerte en 1966.

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Walt Disney, desesperado, tuvo que contratar a varias personas para hacer el trabajo de su excolaborador ya que él no podía dibujar tan rápido ni tan bien como lo hacia Iwerks.

Pero aun así, Mickey era un valor seguro y Walter ganó un Oscar honorífico por su creación, empezando a utilizar las técnicas de animación en color a partir de 1935.

Fue esa época la que se dominó “la locura de Disney” ya que Walt se empeñó en hacer un largometraje de animación, adelantándose a su tiempo ya que todo lo que se había experimentado con esas técnicas eran cortometrajes.

La película se inició en 1935 con un presupuesto inicial de 250.000 dólares. Cuando se les acabó el dinero para financiar el film tuvo

que pedir préstamos mostrando partes del montaje. Los bancos accedieron y en 1937 fue terminada. El titulo: “Blanca Nieves y los 7 Enanitos”. El éxito fue brutal. Ayudó a crear unos nuevos estudios en Burbank, dotados de la más avanzada tecnología de animación de la época y se pudieron financiar dos nuevas películas: “Pinocho” y “Fantasía”. Mientras, se creaban nuevos cortos de Mickey y empezaban a aparecer sus nuevos compañeros como Donald, Goofy o Pluto.

Al comienzo de la turbulenta década de los años 40, con una nueva Guerra en Europa, Disney mostró de nuevo su cara más patriótica creando cortos de animación para el gobierno con argumentos educativos, formativos y para convencer a la juventud de la necesidad de enrolarse en el ejército americano.

A lo complicado de la situación mundial se unió la estrechez económica que sufría la compañía.

Solo fue en 1950 con “La cenicienta” cuando la empresa volvió a la senda de los éxitos, que repitió con “Alicia en el País de las Maravillas” en 1951 y “Peter Pan” en 1953. En su momento fueron criticadas debido a que eran muy blandas comparadas con los relatos originales ya que eran adaptaciones para el público infantil.

La personalidad más sombría de Walt Disney apareció unos años después de la Segunda Guerra Mundial. Era una época muy turbulenta y los sindicatos de animadores estaban en su contra, así que durante la denominada “caza de brujas” acusó a antiguos colaboradores suyos para que dejaran de sabotearle con las agrupaciones de trabajadores que se estaban formando.

Imagen de “Blanca Nieves y los siete enanitos” www.cinemascomics.com

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En 1947 durante la Guerra Fría el poder del “Comité de Actividades Antiamericanas” era tremendo, debido al miedo de la población a la URSS y a todo lo que pareciera comunista o anti-americano.

Walt Disney colaboró con esta asociación delatando a antiguos colaboradores suyos que se habían vuelto sindicalistas, acusándoles de comunistas. Existen informes del F.B.I. donde queda demostrado que Disney colaboró con la agencia censurando films donde pudiera haber ideas antiamericanas. Aunque también existen informes de esta misma agencia gubernamental donde se le espiaba para ver si Disney era el que cometía esas actividades contra el Estado.

Muchos rumores había sobre su ideología, pero casi todos eran iniciados por colaboradores suyos que habían sido despedidos, sobre todo en las huelgas y los enfrentamientos con los sindicatos.

Lo único que se puede sacar de sus películas es un pensamiento nacionalista, aunque siempre se le atribuyeron simpatías por la ultraderecha que coincidían con los nacionalismos que bullían en Europa en los años 30. En 1932 fue el único en la industria que le abrió las puertas a la directora alemana Leni Riefenstahl que hizo películas propagandísticas nazis, aunque esta directora alemana cuando empezó la guerra se desligó del nazismo y criticó duramente el Holocausto judío.

En la década de los años 50 ya creaban películas de acción real como por ejemplo La isla del tesoro (Byron Haskin, 1950) o Veinte mil leguas de viaje submarino (������������������������������ Richard Fleischer, 1954)������ . También creó un parque temático, que en un principio iba a ser para sus empleados y sus familias. Pero el éxito fue tremendo y nació Disneylandia, que abrió sus puertas en 1954. Más tarde empezó con el proyecto de comenzar un parque

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Poster de “20.000 leguas de viaje submarino”. Richard Fleischer. 1954.

temático en la costa Este, aunque no pudo ver su obra finalizada ya que Disney World abrió sus puertas en 1971, mucho después de su muerte.

A la edad de 65 años, en 1966, falleció por un paro cardíaco producido por un tumor pulmonar debido a su adicción al tabaco, un vicio que le acompañó toda su vida desde que empezó en Francia cuando conducía ambulancias.

Mucho se habló de que fue congelado para perdurar a los tiempos, pero eso es falso ya que fue incinerado tras su muerte. Los rumores surgieron porque destinó muchísimo dinero a fomentar la tecnología de la crionización para ser congelado hasta que pudieran curarle su pulmón enfermo.

Varias leyendas urbanas circulan sobre la vida de Walt Disney. Una muy sonada es que era español y que nació en Almería, trasladándose su madre a Estados Unidos poco después de su nacimiento.

También cobró fuerza la historia del fotograma de la chica desnuda. Como era tan perfeccionista y enseguida se fijaba hasta en el último detalle, sus animadores insertaron un fotograma de una

chica desnuda en uno de sus films de animación. Al ver la película, Disney se giró y dijo:”Estáis todos despedidos”. En otro versión de la historia se dice que su comentario fue: “Si estuviera vestida la chica no me hubiera fijado”. También se dijo que dirigió la empresa mucho tiempo después de su muerte ya que dejó unas claras instrucciones a su hermano. Ninguno de estos rumores pudo ser verificado.

Legado de Disney El legado de Walt Disney es increíble. Aparte de fundar uno de los mayores imperios, legó al mundo las mejores películas de animación de su época que todavía hoy día pueden verse sin que hayan perdido ni un ápice de calidad.

Ganó 26 Oscars, 4 de ellos honoríficos, 12 por cortometrajes de animación y 10 por cortometrajes de acción real. Lo curioso es que nunca ganó un Oscar por un largometraje de animación, ya que el premio no existía.

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Primeras imagen

La saga Crepúsculo: Amanecer (parte I) Primera imagen oficial de “Amanecer” en la que se puede ver a Kristen Stewart y Robert Pattison de lo más tiernos.

El cuarto libro de Stephenie Meyer, “Amanecer” al igual que se ha hecho con “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte”, ha sido divida en dos partes, la primera llegará el próximo mes de noviembre. www.cinemascomics.com www.cinemascomics.com

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Primeras imágenes

SPIDER-MAN REBOOT Por fin todos los fans de nuestro arácnido favorito, podemos ver el aspecto que tendrá Andrew Garfield en el reinicio de la saga Spider-man. Aunque aparece sin su máscara podemos apreciar varios detalles en el traje. Uno de ellos es el objeto metálico de las muñecas lo que parece indicar que llevará su famoso lanzaredes y el otro que por las marcas y arañazos que tiene en su traje se ha devido de tropezar con el temible Largarto al que da vida Rhys Ifans, actor al que muchos de nosotros recordamos por su papel del entrañable Spike en Nothing Hill. www.cinemascomics.com

Spider-man 3 de Julio de 2012

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Primeras imágenes

X-men: First Class 3 de Junio de 2011

Este mes os tremos el primer poster e imágenes de “X-Men: First Class” nueva entrega de la saga iniciada por Bryan Singer en el año 2000, que narra los origenes de la adademia de Charles Xavier y sus X-men. Aunque los origenes que nos cuentan son bien distintos al que los fans conocemos.

X -Men :First Class, traza el inicio de la épica saga de X -Men. Y nos muestra un tiempo en el que Charles Xavier y Erik Lensherr antes de tomar los nombres de Profesor X y Magneto, eran dos jóvenes que descubren sus poderes por primera vez. Antes de ser enemigos, ellos estaban más cerca de ser amigos, trabajando juntos, con otros mutantes (algunos familiares, algunos nuevos ), para detener a la mayor amenaza que el mundo haya conocido. En el proceso, una brecha se abrió entre ellos, que dio comienzo a la guerra eterna entre la Hermandad de Magneto y el Profesor X y sus Men - X.

Teaser poster “X-men: First Class”

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Dirigida por Matthew Vaughn, el film cuenta con James McAvoy, Michael Fassbender, Rose Byrne, Jones, Kevin Bacon, Nicholas Hoult, Jennifer Lawrence, Caleb Landry Jones, Lucas Till, Edi Gathegi, Jason Flemyng, Oliver Platt, Morgan Lily, Zoe Kravitz y Bill Bilner como protagonistas. Su estreno en cines, el 3 de junio de 2011. www.cinemascomics.com

Estrenos

4 de Febrero

Walt Disney Pictures presenta “Tangled” (Enredados), una de las historias más divertidas y descabelladas jamás contada. Cuando Flynn Rider (voz en inglés de Zachary Levi), el más buscado -y encantador- bandido del reino, se esconde en una misteriosa torre, Rapunzel (voz en inglés de Mandy Moore) le toma como rehén. Rapunzel es una bella y vivaz adolescente con una cabellera dorada de 21 metros, encerrada en una torre. La singular secuestradora de Flynn, que busca la forma de escapar del encierro donde ha permanecido durante años, hace un pacto con el atractivo ladrón.

Así es como la pareja inicia un periplo lleno de acción, con un

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caballo súper-policía (llamado Maximus), un camaleón superprotector (llamado Pascal), y una pandilla de malencarados matones de bar.

Donnay Murphy, dos veces ganadora de un Premio Emmy®, presta su voz a Madre Gothel. Ron Perlman presta su voz a un Hermano Stabbington, uno de los socios de Flynn en sus andanzas delictivas, y Jeffrey Tambor y Brad Garrett ponen voz a dos de los matones que Flynn y Rapunzel encuentran en su camino.

y muchos sentimientos”, dice John Lasseter, Consejero Delegado Creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios. “Queríamos crear un mundo y una historia únicos que evocasen esa emoción, esa riqueza dramática que caracteriza a Disney, pero que también tuvieran frescura y humor para ofrecer al público algo que nunca ha visto en la animación por ordenador. Los realizadores han creado un mundo que recoge el legado de Disney pero que nos transporta a un lugar que es totalmente nuevo”.

“‘Tangled’ (Enredados) está repleta de personajes divertidísimos, aunque también hay acción

El productor Roy Conli añade: “Es una historia maravillosa sobre dos personas que todavía no sawww.cinemascomics.com

ben lo que son y que descubren su destino a lo largo de la película.

Queríamos romper con algunos de los estereotipos que se habían hecho antes. Flynn es un tipo que está de vuelta y que lo ha visto todo. Rapunzel es una chica superprotegida, inocente pero muy lista, que no está de vuelta y ¡que no ha visto nada! El la lleva a un lugar donde puede averiguar quién es, y ella le lleva a un lugar donde puede enmendar algunos de los errores que ha cometido en la vida. Juntos, rellenan los espacios vacíos que tienen en sus vidas”.

tudio para pilotar la película de animación nº50 de Disney. Se encargó a Nathan Greno y Byron Howard, dos de las estrellas con más futuro en la industria del cine animado, que crearan una película que estuviera a la altura de los clásicos animados de Disney y cuyo dinamismo atrajera al público de hoy en día. Y Lasseter, dos veces ganador de los Premios de la Academia® (“Toy Story”, “Tin Toy”) con créditos como realizador de la talla de “A Bug’s Life” (Bichos, una aventura en miniatura) y “Cars”, afirma que lo han conseguido.

Lasseter recurrió a dos de los talentos más prestigiosos del es-

“Son algunos de los jóvenes directores con más talento que he

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conocido en toda mi vida”, comenta. “Tiene un sentido fantástico de la narración, pero una de las cosas que más me gusta de ellos es su sentido del humor. Y comprenden perfectamente lo que como convierte una película de Disney en un clásico de Disney: los sentimientos. Walt Disney siempre decía que ‘para cada risa debe haber una lágrima’. Tienen una visión fresca y contemporánea de lo que debe ser el auténtico producto Disney”.

“Es un clásico animado de Disney, pero también es una película en 3D animada por ordenador”, añade Lasseter, “así que no se parece a nada de lo que hemos Cinemascomics │ Febrero 2011 │

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para los espectadores”.

Los realizadores están convencidos de haber creado grandes personajes. “Los personajes se adueñan de la pantalla”, dice Lasseter.

Fotograma de “Enredados”

hecho hasta ahora”.

Howard dirigió “Bolt” de Walt Disney Animation Studios, la comedia de aventuras animada de 2008 que recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo y que recibió dos nominaciones a los Globos de Oro® (Mejor Película Animada y Mejor Canción Original), así como una nominación al Oscar® a la Mejor Película de Animación. Greno entró a formar parte de Walt Disney Animation Studios en 1996 y trabajó durante más de una década en el departamento de historias. Fue supervisor en “Bolt” en 2008 y escribió y dirigió el aclamado cortometraje “Super Rhino” en 2009.

“Tangled” (Enredados) tiene un increíble reparto de personajes animales y humanos tremendamente atractivos, además de escenarios fantásticos que van de castillos a torres pasando por bosques y pubs, y unos efectos visuales espectaculares incluyendo una maravillosa escena con 46.000 deslumbrantes farolillos.

La película es una comedia contemporánea para públicos de todas las edades y también un paso de gigante en el plano técnico y artístico para Walt Disney Animation Studios y para el arte de la animación generada por ordenador.

“Puede que el público sepa lo que puede esperar de una película en la que sale Rapunzel”, dice Gre-

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no, “pero le hemos dado un giro totalmente nuevo para hacer una cinta que sea atractiva, fresca y diferente. A Byron y a mí nos encantan las películas clásicas de Disney, y queríamos recuperar ese look retro y tan bonito de los años cincuenta, y mezclarlo con una narración contemporánea, con el ritmo, la acción y el humor del cine actual. Es como colocar una nueva capa a este tipo de historia”.

Howard añade: “La escala de esta película es gigantesca—con persecuciones a caballo, luchas con espadas, fugas de prisión e inundaciones. La historia nos permitió integrar las virtudes y alicientes del cine actual en una historia clásica”.

“También contamos con el divertidísimo e inteligentísimo Dan Fogelman para escribir el guión”, añade Howard. “Dio vida a Flynn, inyectó ese toque de genialidad en Rapunzel y a Madre Gother, su personalidad sarcástica. No lo hubiéramos logrado sin él”.

QUIÉN ES QUIÉN EN “TANGLED” (ENREDADOS) Según el director Byron Howard, “Tangled (Enredados) es una aventura de espadachines repleta de acción, risas, un caballo llamado Máximo que se apodera de la pantalla en cuanto sale y una serie de magníficos personajes que espero que sean inolvidables

Es cierto que RAPUNZEL lleva toda su vida encerrada en una torre oculta, pero no tiene nada de una dama en apuros. La chica de la cabellera dorada de 21 metros ha dejado atrás su aislamiento y está lista para vivir aventuras. Cuando un atractivo ladrón busca refugio en su torre, hace el negocio de su vida. Abandona la torre para vivir un sinfín de aventuras divertidas y emocionantes que desenredarán muchos secretos. Mandy Moore, que prestó su voz a Rapunzel, afirma: “Sabía que Disney le daría su toque especial a la historia. Es increíblemente divertida y también muy tierna. Rapunzel es una joven alegre, divertida, curiosa, absolutamente arrolladora. Tiene 17 años, a punto de cumplir 18 y la conocemos justo antes de ese cumpleaños tan importante. Ha vivido en una torre toda su vida, pero es muy apasionada, creativa y está deseando descubrir el mundo. Está abierta a todo lo que le depare la vida y lleva la aventura en sus venas. Lleva toda la vida soñando con conocer mundo y aprender más sobre esas luces que aparecen todos los años en el día de su cumpleaños. La película hace mucho hincapié en el poder de las mujeres... ella es mucho más fuerte de lo que cree”.

FLYNN RIDER rebosa confianza en sí mismo, y gracias a su ingenio, su encanto y su atractivo siempre ha salido airoso de las situaciones más inverosímiles. Flynn es un ladrón que busca dar ese último golpe que le permita tener la vida con la que siempre ha soñado. Y está a punto de conseguirlo cuando conoce a Rapunzel, una extraña chica con una melena kilométrica. Flynn vivirá la aventura de su vida al tejer una ‘descabellada’ alianza con la joven de la torre. “Es un bandido muy guapo”, dice Zachary Levi, que presta su voz a Flynn. Y añade: “Pero me gusta cómo le han dado la vuelta. www.cinemascomics.com

Fotograma de “Enredados”

Es un ladrón egoísta pero al mismo tiempo es un tipo irresistible.

La comedia es un elemento fundamental de esta película, que es muy divertida.”

Es controladora, manipuladora y superprotectora, pero MADRE GOTHEL es la única madre que ha conocido Rapunzel. Gothel raptó a Rapunzel cuando era niña y la crió en la torre. Se aseguró de ser la única en tener acceso a la cabellera mágica de Rapunzel que utiliza como su fuente personal de juventud. Donna Murphy, la galardonada actriz de teatro, es la voz de Gothel. “Todo su mundo gira alrededor de Madre Gothel”, dice Murphy. “Y Madre Gothel haría cualquier cosa por ella, aunque creo que el amor que siente por Rapunzel es un poco especial.

Es una verdadera reina del glamour. Pero también es bastante realista. Ella se cree irresistible a pesar de que a Rapunzel no le hacen mucha gracia sus bromas.

Pero te partes de risa con ella, es un verdadero crack para una actriz”.

“En cierto sentido, la Madre Gothel es la clásica malvada de Disney”, sigue diciendo Murphy, “aunque psicológicamente, hay ciertas cosas más sofisticadas, para que encajen con esta historia y con esta época”. www.cinemascomics.com

Lasseter afirma: “Me encantan las historias con un buen villano y ‘Tangled’ (Enredados) tiene una ‘mala’ genial llamada Madre Gothel. Es muy teatral y tremendamente divertida. Ella es absolutamente genial, una de las mejores ‘malas’ que hemos creado jamás”.

Para MAXIMUS, el Capitán del caballo de la Guardia, capturar a Flynn Rider, el ladrón más buscado, es la misión de su vida. El caballo no tiene miedo a nada y corre todo tipo de peligros para

seguir a Flynn a lugares donde nadie quiere ir. Nada parece interponerse en el camino de este ‘poli duro’. Pero cuando Maximus conoce a Rapunzel el corazón se le reblandece y empieza a ver el mundo desde otra perspectiva.

Lo que empezó como una persecución implacable va camino de convertirse en una maravillosa amistad. El caballo, cuyo comportamiento se parece más al de un perro, se adueña de la pantalla, tal y como afirman los realizadores. “Es un caballo animado que no se había visto nunca”, dice Greno. “Queríamos hacer algo

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Fotograma de “Enredados”

fresco, algo vivo con este personaje”.

El único amigo de verdad que tiene Rapunzel es su silencioso compañero del alma PASCAL, que cambia de color. Pascal sólo es un pequeño camaleón, pero juega un gran papel en la vida de Rapunzel.

Pascal es al mismo tiempo su confidente, su entrenador y su cheerleader. Es quien anima a Rapunzel a abandonar su solitaria torre.

Este compañero que presta apoyo y aliento podría tener la clave de un misterio regio. “Pascal es el compañero del alma de Rapunzel”, explica Howard. “Es un diminuto camaleón. Lo creamos porque necesitábamos un personaje a quien Rapunzel pudiera contar sus sueños y esperanzas.

Queríamos hacer algo original y así fue cómo nació Pascal. Está basado en un camaleón de verdad llamado Pascal que pertenecía a Kelly Lewis, una de las artistas de animación de la película. Y sale en los créditos como ‘amaestradora de camaleones’. Pascal es algo así como el Pepito Grillo de Rapunzel. Es un tipo chiquito pero matón y es muy divertirlo verle actuar”.

Los HERMANOS STABBINGTON son una pareja de rudos malhechores cuyas robos y peleas les han colocado en la lista de los “Más Bus-

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cados” del Reino. El Stabbington con el parche en el ojo (voz en inglés de Ron Perlman) es el que se expresa en nombre de estos dos fornidos brutos. Pero está claro ambos se sienten más cómodos con los puños que con las palabras. Los antiguos compañeros de andanzas de Flynn Rider tiene una sola misión en la vida: vengarse.

Están furiosos porque el astuto Flynn Rider los ha engañado y nada les detendrá hasta conseguir que pague y les devuelva el fruto de sus robos.

Hay pocos malhechores tan duros como estos, o tan aterradores como HOOKHAND (con la voz en inglés de Brad Garrett). Nadie sabe cómo perdió la mano, pero lo cierto es que nadie se atrevería a averiguarlo. Hookhand sabe cómo utilizar su garfio: hace una música maravillosa con él. De hecho, sueña con convertirse en pianista de concierto.

Pero una cosa está clara. BIG NOSE THUG no es el tipo más irresistible del bar. De hecho, con sus furúnculos, costras, bultos y moratones, no resulta muy agradable a la vista. Pero no hay que juzgar a nadie por su apariencia, y no debe juzgarse a un malhechor por sus cicatrices; en su interior, Big Nose es el más “guapo” de los malhechores. Es un romántico sin

remedio que sueña con una sola cosa: encontrar el amor verdadero. Puede que un día encuentre a la dama que no se fije en su apariencia sino en su belleza interior y en su corazón de oro. Jeffrey Tambor es quién presta su voz a Big Nose.

El CAPITÁN DE LA GUARDIA, con voz de M.C. Gainey, es tan determinado y tenaz como su caballlo Maximus, pero no tan efectivo.

Una mirada al temible VLADAMIR hace temblar al tipo más duro del mundo. Pero detrás de esa fachada tan feroz -con la voz en inglés de Richard Kiel- se esconde un corazón tierno con un hobby muy especial: coleccionar unicornios de cerámica.

Al más pequeño de los malos del barrio, SHORTY, con la voz en inglés de Paul F. Tompkins, le gusta tener la última palabra, a pesar de que esa última palabra no sea muy coherente que digamos.

La pandilla de malhechores también incluye a KILLER, un musculoso rufián que lleva dentro de sí a un sastre; a TOR, un tipo duro con buena mano para la jardinería, y a ATTILA, un intimidante malhechor que se siente más cómodo con un delantal que con una armadura. ¿Su especialidad? Los ‘cupcakes’. www.cinemascomics.com

DESENREDANDO A RAPUNZEL: LOS DIRECTORES NATHAN GRENO Y BYRON HOWARD DAN UNA VUELTA DE TUERCA A UN CUENTO CLÁSICO. Hace mucho que la historia de Rapunzel ha fascinado a los magistrales cuentacuentos de Disney; la historia la fue desarrollando desde los años 40 el propio Walt Disney.

Los directores Byron Howard y Nathan Greno ayudaron a trasladar “Tangled” (Enredados) a la gran pantalla.

Howard lo recuerda: “Nathan estaba trabajando en el guión antes de que nos convirtiéramos en los directores y vislumbró algo muy interesante en Rapunzel. Así que empezamos a hablar del personaje. Nos preguntamos: ‘¿Quién es este personaje y cómo podemos sacarla lo antes posible de la torre?’ Sabíamos que ella era el motor de toda la historia y si se quedaba todo el tiempo encerrada en esa habitación, no conseguiríamos nada. Y esa fue la clave para construir el personaje”.

“Queríamos convertirla en un personaje más dinámico, y eso significaba que tenía que haber un contrapeso”, añade Greno.

“Necesitaba a alguien que fuera su igual, un personaje que pudie-

ra dar la réplica a esta inteligente y extravagante chica. Es muy inteligente pero no sabe nada del mundo. Tiene una visión limitada del mundo y no tiene ni idea de lo que ocurre ahí fuera.

Quiere saber lo que son esas luces que flotan en la lejanía. Y ahí es cuándo entra Flynn Rider. Es el tipo más viajado y más listo del barrio. Está de vuelta de todo y sabe cómo funciona el mundo. A lo largo de la película aprenderán a complementarse”.

El director de historia Mark Kennedy y el guionista Dan Fogelman (“Bolt”, “Cars”) ayudaron a los realizadores a dar forma a su historia. La película tomó un nuevo rumbo con Howard y Greno y con algunas significativas aportaciones de John Lasseter. Así fue como se convirtió en un apasionante cuento con dos personajes que viven una intrépida aventura.

Mark Kennedy recuerda: “John quería que la película enamorara al público. Para él siempre fue muy importante que Rapunzel tuviera una personalidad fuerte y que su vida en la torre no fuera desagradable ni aterradora. Nos explicó que es era la hija de un rey y una reina, y que por lo tanto tenía que ser alguien valiente por naturaleza. Así que nos pusimos a trabajar en personajes que

fueran divertidos e interesantes y que lograran atraer la atención del público”.

“Desde el principio, Nathan y Byron tenían una idea muy clara de lo que querían hacer con la historia”, añade Fogelman. “Querían contar una historia clásica de Disney de una forma totalmente nueva que encajara con el estilo de la animación generada por ordenador. Querían que la comedia y los personajes tuvieran una sensibilidad del siglo XXI pero conservando muchos de los elementos que el público quiere ver en las películas de Disney. La clave estaba en encontrar un buen equilibrio”.

“Dar con la voz y el tono adecuado para Flynn, y hacer que fuera entretenido, fue el mayor reto”, añade. “El personaje está espectacular cuando se dedica a sus juegos mentales con otros. A él le encantan. Es el tipo de personaje que se divierte dándole vuelta a las palabras aunque a los demás no les parezca tan gracioso. Tiene algo de Cary Grant. En el fondo, es un alma perdida que no sabe lo que quiere ni quién es en realidad”.

Howard añade: “A medida que

Concept art “Enredados” www.cinemascomics.com

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avanza la historia, la película se centra en Rapunzel y Flynn. Es una cinta sobre estas dos personas tan diferentes y sobre la asombrosa química que se produce entre ellos. Y gracias a eso crecen y se convierten en mejores personas”.

“Rapunzel era un personaje tan interesante que teníamos que inventarnos más cosas positivas sobre Flynn para que estuviera a su altura”, añade Greno. “Y a veces conseguía ser más interesante que ella, así que teníamos que encontrar un equilibrio. Pero gracias a este proceso ambos se convirtieron en personajes muy potentes. Está claro que esta película no funciona sin Rapunzel, pero tampoco funciona si quitas a Flynn Rider de la ecuación. Necesitamos a ambos personajes para que la maquinaria funcionase”.

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“Intentamos que Flynn Rider fuera el personaje masculino más atractivo que Disney había hecho jamás”, dice Howard. “Investigamos muchísimo. Todas las damas del estudio venían a la ‘Reunión del hombre cañón’, en la que recopilamos fotos de los hombres más guapos. Cogimos fotos de Internet, de libros y también de las carteras femeninas. Ellas sabían muy bien lo que les gustaba y lo que no les gustaba”.

Greno añade: “Las mujeres venían y puntuaban las fotos”.

“Todo el mundo estaba destrozado. Bueno, no se puede tener todo”, dice Howard. “Era bastante complicado ser un hombre en esa reunión. Te sentías falta.

Pero intentamos procesar toda esa información para convertirla en un personaje irresistiblemente guapo y atractivo”.

“Creamos el hombre perfecto”, dice Greno. Al final, Greno ejerció una gran influencia sobre el personaje. “Nueve de cada diez veces, cuando necesitábamos decidir algo sobre interpretación en los dailies, Nathan era el primero en dar su opinión”, dice Howard.

“El personaje se le dio muy bien desde el principio. Cuando Zachary Levi se incorporó, añadió otra capa. Y cogíamos todo eso y lo incorporábamos a los storyboards y volvíamos a escribir el guión. Cuando alguien comprende tan bien a un personaje, el trabajo está prácticamente hecho”.

El productor Conli añade: “Lo más asombroso de esta película ha sido trabajar con Nathan y Byron. Llegaron con una historia que había que reescribir, reinventar. Y lograron darle la vuelta con gran rapidez y convertirla en algo realmente excepcional. La hawww.cinemascomics.com

Concept art “Enredados”

bilidad innata que tiene Nathan para contar una historia y el sentido del entretenimiento y la animación de Byron hizo de ellos la pareja idea para dirigir ‘Tangled’ (Enredados)”.

Entendieron perfectamente los personajes y lograron representarlos y comunicarlos increíblemente bien al resto del equipo.

“Fue muy divertido y satisfactorio trabajo con realizadores tan jóvenes y con tanto talento”.

APROVECHANDO LA TRADICIÓN DE LA ANIMACIÓN DE DISNEY Glen Keane, un veterano con 35 años en Disney, está considerado uno de grandes maestros modernos del género. El fue quien aportó a “Tangled” (Enredados) esa fuerza que tienen los cuentos clásicos de Disney y quien está detrás de las animaciones tan expresivas www.cinemascomics.com

y sutiles de los personajes.

“Contamos con un montón de animadores de enorme talento”, dice Greno. Y añade: “Y tenemos a Glen, que está pasando todos los conocimientos y la tradición que atesora a la siguiente generación de animadores. Tenemos lo que no tiene ningún estudio: un legado”.

A lo largo de su ilustre carrera, Keane ha creado y supervisado personajes tan inolvidables como el Profesor Ratigan (“Basil, el ratón superdective”), Ariel (“La Sirenita”), Marahute (“Los Rescatadores en Cangurolandia”), la Bestia, Aladdin, Pocahontas, Tarzán y John Silver (“El planeta del tesoro”), entre otros. En su último trabajo en “Tangled” (Enredados), diseñó el personaje de Rapunzel, fue supervisor de animación (junto con John Kahrs

y Clay Kaytis) y trabajó estrechamente con todo el equipo de animación para elevar el listón de la animación humana en el mundo de la animación generada por ordenador.

“Cuando John (Lasseter) y yo vimos las primeras pruebas de ‘Tron’ en 1981, nos quedamos maravillados con la posibilidad de internarnos en ese mundo”, recuerda Keane. “Nunca habíamos visto nada parecido así que enseguida empezamos a hablar de hacer una prueba. Años después, todo lo que John estaba haciendo en Pixar nos recordó que en la animación generada por ordenador podemos movernos con total libertad en el espacio y alrededor de los personajes. En ‘Tarzán’ trabajé con técnicos especializados para añadir profundidad al personaje que se desliza entre los árboles en un entorno Cinemascomics │ Febrero 2011 │

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Concept art “Enredados”

en 2D. Cuando estoy animando algo, lo veo más como un dibujo escultural”.

Cuando Lasseter tomó las riendas creativas de Disney en 2006, la pregunta era si debían hacer “Tangled” (Enredados) en formato de animación generada por ordenador o dibujada a mano.

Keane afirma: “Pensé en el pelo, en iluminar el pelo, las telas, las texturas de la piel. Así que seguí por ese camino, teniendo siempre en cuenta los principios de Ollie (Johnston) y Frank (Thomas) basados en la autenticidad de los personajes. Esos son los verdaderos cimientos”.

Howard añade: “En esta película, la animación humana no se parece a nada de lo que se ha visto hasta ahora. Y no me estoy echando flores porque creo que ambos estamos muy orgullosos de lo que han logrado los animadores. Si nos fijamos en películas como “Ratatouille” y “Los Increíbles”. Los niveles de sutileza de esas películas pusieron el listón muy alto.

Y necesitábamos seguir elevando el listón. Y los animadores estuvieron a la altura de la misión, con pequeñas micro-animaciones en los párpados inferiores de los ojos, diminutos movimientos de ojos que recogen todo ese fantástico subtexto que tiene la película y que es importantísimo para la historia”.

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Los avances tecnológicos permitieron a directores y animadores trabajar juntos en el aspecto de la película como nunca habían hecho antes. Utilizando una tableta digital, Keane podía pintar encima de un fotograma de animación por ordenador durante los dailies.

“Byron y Nathan son unos actores inmensos”, dice Keane. “Actuaban para los animadores, intercambiaban ideas, trabajando juntos. Byron interpretaba a Flynn y Nathan hacía de Rapunzel, o viceversa. Yo podía acelerar, retroceder, congelar y también dibujar encima”.

“Nos encanta Glen”, dice Howard.

“Es la persona más encantadora y como más talento que podíamos tener en este proyecto. Glen trabajaba con los dibujos de los animadores en los dailies y pudimos aprovechar su enorme talento de dibujante y regidor. Es como una cámara instantánea. Si Nathan o uno de los animadores hacían una pose divertida, él los miraba un segundo y después dibujaba algo increíble que iba a servir de inspiración a los que estaban trabajando en esa escena para lograr una animación de máxima calidad”.

de trabajar. Le conozco desde el verano de 1975. Me acababa de graduar en el instituto e iba a empezar en el California Institute of the Arts, en el Programa de Animación de Personajes.

Glen acababa de incorporarse al programa de formación del estudio. Acabada de graduarse en Cal Arts. Y empezó a crear personajes espectaculares como Ariel, la Bestia, Aladdin, Pocahontas, Tarzán... Todos vivirán para siempre gracias a su inmenso talento.

Ha formado parte de ‘Tangled’ (Enredados) desde el mismísimo principio, y ha sido fuente de inspiración para toda una generación de animadores de la animación por ordenador que han conseguido que alcance un nuevo nivel. Glen Keane personifica la animación clásica de Disney, la animación dibujada a mano, ese estilo que es sinónimo de este estudio y que no tiene ningún otro.

Y trabajó sin descanso con los animadores, con los diseñadores de personajes. Ha logrado elevar esta película a un nivel que no tiene ninguna otra. Es un clásico Disney pero al mismo tiempo es nuevo y refrescante, no se parece a nada de lo que ha visto el público hasta ahora”.

Lasseter añade: “Glen Keane es uno de los grandes animadores de la historia de Disney. Es uno de los artistas más excepcionales con los que he tenido el placer www.cinemascomics.com

ENTREVISTA

CHAYANNE EL CANTANTE PRESTA SU VOZ AL APUESTO Y VALEROSO FLYNN En ENREDADOS, el film número 50 de Walt Disney Animation Studios, la súper estrella de la canción CHAYANNE da vida con su voz y carácter a Flynn Rider, el protagonista masculino de esta genial aventura.

Con una larga trayectoria como cantante y actor, CHAYANNE aporta su experiencia y carisma para recrear con su voz al apuesto y valeroso Flynn. El popular intérprete puertorriqueño, que según datos de la industria discográfica lleva vendidos más de 25 millones de álbumes durante su extensa carrera, cautivó al gran público también desde la pantalla, gracias a su participación en diversas telenovelas y films de producción latinoamericana y estadounidense. Su más reciente trabajo como solista, No hay imposibles, fue lanzado al mercado en febrero de 2010 con gran éxito, seguido de una extensa gira mundial.

Después de poner tu voz en tantas canciones, ¿cómo es ponerla al servicio de un film animado?

Es una experiencia nueva y diferente; las entonaciones, darle vida a un personaje y luego escuchar mi voz allí plasmada es realmente mágico. ¡Es la magia de Disney!

La música y la actuación requieren, ambas, de mucho sentiwww.cinemascomics.com

miento. ¿Qué diferencias hay entre grabar una canción, y grabar la voz de un personaje?

¿Qué significa Disney para ti? ¿Qué recuerdos te trae de tu infancia?

Las dos requieren de mucha entrega. La diferencia está en que, en una canción cantas, y en la otra pones tu voz hablada a un personaje. Sin embargo, las dos requieren de toda la pasión posible para que la gente reciba ese sentimiento que estás dando.

Se van a cansar de oírme hablar de la magia de Disney, pero es así. Cuando era niño disfruté de las películas y ahora, ya adulto, como padre las sigo disfrutando con mi familia. Es como volver a empezar de nuevo.

Es una experiencia nueva y diferente; las entonaciones, darle vida a un personaje y luego escuchar mi voz allí plasmada es realmente mágico. ¡Es la magia de Disney!

Entre tu público es común ver a muchos jóvenes y adultos. ¿Qué se siente ahora al llegar a los niños más pequeños a través de una película?

Pienso en mis hijos y en todos los niños que siempre han disfrutado de la magia de Disney, y eso hace el proyecto extraordinariamente especial. No es que mis otros proyectos no sean especiales, sino sólo que éste es… ¡Disney!

¿Qué es lo que más te ha gustado de la historia de ENREDADOS? Que es una historia buena. Como siempre sucede en las películas de Disney, siempre dan una lección a alguien. ¿En qué rasgos de la personalidad de Flynn te has sentido más identificado?

Creo que en su noble personalidad (risas). A pesar de lo que hacía para sobrevivir, Flynn tiene un muy buen corazón.

Flynn es un galán empedernido. ¿Qué música crees que escucharía?

Creo que escucharía toda la música que lo pueda ayudar a conquistar a una dama, pero al final siempre elegiría una clásica balada romántica, pues en el fondo es muy sentimental.

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Estrenos

La trampa del mal 4 de Febrero

Cinco extraños en Filadelfia empiezan el día con la rutina habitual. Van a un edificio de oficinas, entran en un ascensor y se ven obligados a compartir un espacio reducido con desconocidos. Nadie mira a nadie, sólo estarán juntos unos momentos. Pero lo que hasta ahora parece un hecho casual, no tiene nada de coincidencia cuando la cabina se detiene. El destino acaba de llamar. Estas cinco personas verán cómo sus secretos salen a la luz y deberán rendir cuentas por lo que han hecho.

Lenta y metódicamente, los cinco extraños pasan de estar en una situación molesta a sentirse impotentes y a catar el terror más profundo. A cada uno de ellos le empiezan a ocurrir cosas terribles y la sospecha pasa de uno a otro, ¿quién es el culpable de todo esto? Hasta que se enteran de la tremenda verdad: uno de ellos es el Diablo en persona.

Mientras desde el exterior intentan liberarlos en vano, los ocu-

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pantes del ascensor se dan cuenta de que la única forma de sobrevivir es enfrentarse a la maldad que les ha llevado hasta aquí.

LA TRAMPA DEL MAL es la primera entrega de The Night Chronicles (Las crónicas de la noche), una serie de historias de terror concebidas por M. NIGHT SHYAMALAN (El sexto sentido, Señales), que lleva a la gran pantalla con la ayuda de prometedores cineastas. M. Night Shyamalan, a través de talentosos guionistas y realizadores, ha encontrado la forma de asustarnos a todos.

LA TRAMPA DEL MAL está dirigida por JOHN ERICK DOWDLE (Cuarente-na/Quarantine, The Poughkeepsie Tapes) a partir de un guión de BRIAN NELSON (Hard Candy, 30 días de oscuridad) y de una historia de M. Night Shyamalan.

Encabeza el reparto del thriller el actor CHRIS MESSINA (Julie y Julia, Vicky Cristina Barcelona),

LOGAN MARSHALL-GREEN (Los amos de Brooklyn, Across the Universe), GEOFFREY AREND (500 días juntos, la serie “Trust Me”), BOJANA NOVAKOVIC (Arrástrame al infierno, Al límite), JENNY O’HARA (Mystic River, Los impostores), BOKEEM WOODBINE (El último centinela, Three Bullets) y JACOB VARGAS (Death Race: la carrera de la muerte, Jarhead/El infierno espera).

“Todos creemos un poco en él. Incluso hombres como tú que lo niegan”.

Ramírez www.cinemascomics.com

Capítulo uno: El principio de “Las crónicas de la noche” Con el paso de los años, el exitoso cineasta M. Night Shyamalan ha escrito muchas ideas para historias que imaginaba convertidas en películas. Y según iba llenando páginas de cuadernos, sabía que nunca podría transformar todos los tratamientos en guiones y dirigirlos él mismo. “A pesar de saber que no dirigiría todas esas películas, invertí mucho cariño en cada una”, dice. “Al final decidí escoger algunas y hacer una serie de películas para directores y actores prometedores”.

Shyamalan se unió a su productor habitual, Sam Mercer, de la empresa Media Rights Capital (MRC), para producir The Night Chronicles/Las crónicas de la noche, una serie de películas basada en sus ideas. LA TRAMPA DEL MAL sería la primera. Shyamalan sigue diciendo: “LA TRAMPA DEL MAL es la típica película que da miedo de verdad. Era la historia que tenía más presente cuando decidimos crear The Night Chronicles/Las crónicas de la noche”.

Al preguntarle qué le empujó a ofrecer ideas suyas para que otros artistas les dieran vida, M. Night Shyamalan ríe abiertamente: “Podría tomarse como un gesto benéfico, pero no lo es para nada.

Necesito sentirme inspirado, motivado, unido al público, y me gusta trabajar con jóvenes conectados a las pulsaciones actuales.

Es genial ser parte de algo vivo, arriesgarme, y notar que me lanzan retos; todo eso me entusiasma”.

La idea de M. Night Shyamalan para la película era ver qué pasaría si el diablo manipulase y atrapase a un grupo de personas en el mismo sitio y las castigase de forma sistemática por lo que han hecho mal en su vida. El cineasta quería explorar el demonio que todos llevamos dentro y de qué www.cinemascomics.com

forma pone a prueba a las personas antes de mostrarse.

La cabina de un ascensor le pareció un buen decorado para juntar a los cinco malditos, y lo explica así: “Normalmente, en un ascensor nadie mira a nadie. Las puertas se abren y la gente sale.

Pero si uno se queda atrapado en un espacio tan reducido, no queda más remedio que mirar a los demás y preguntarse ‘¿Con quién estoy?’ Y en el momento en que pasa algo desagradable, todas las caras se vuelven amenazantes”.

El productor Sam Mercer se sintió atraído por LA TRAMPA DEL MAL

porque le pareció “una historia que no es ajena al espectador.

Todos podemos entrar en un ascensor, quedarnos atrapados con cinco personas durante seis horas y pasar por una experiencia traumática”.

“Una de las peores pesadillas es quedarse atrapado en algún sitio”, sigue diciendo. “Si se piensa detenidamente dónde no querríamos quedarnos atrapados, sería en un ascensor entre el piso 21 y 22. Las luces se apagan, pero el hilo musical sigue. Es un caos, empieza a haber muertos, es aterrador. De eso va la película: toca Cinemascomics │ Febrero 2011 │

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nuestros peores miedos”.

M. Night Shyamalan explica que su interés por crear esta serie parte de un modelo muy admirado por él: “Intento emular las historias de Agatha Christie. Quiero ofrecer al público muchas historias escritas por mí que hablan de una época de mi vida o de algo en lo que creo. The Night Chronicles/ Las crónicas de la noche me han dado esta oportunidad”.

El desarrollo de LA TRAMPA DEL MAL Para M. Night Shyamalan, encontrar al guionista y al director idóneos para LA TRAMPA DEL MAL se convirtió en una auténtica educación cinematográfica. Empezó a buscar y descubrió una fuente inagotable de talento. Dice: “Tuve la oportunidad de ver unas películas de terror increíbles, aún sin estrenar, y de hablar con los cineastas para saber lo que pensaban”.

Una vez establecida la serie, M. Night Shyamalan empezó a buscar

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al guionista capaz de escribir el guión a partir de la premisa que él había anotado en un cuaderno: cinco desconocidos se quedan atrapados en un ascensor en Filadelfia. Por desgracia para cuatro de ellos, el quinto es el mismísimo Diablo. Con una idea tan sencilla como escalofriante, era necesario encontrar un escritor con la capacidad de plasmarla y precisarla.

Fue cuando habló con Brian Nelson, el autor del guión de la provocadora Hard Candy, dirigida por David Slade, la película que ayudó a lanzar la carrera de una joven actriz llamada Ellen Page. “Me gustó mucho el guión de Hard Candy”, dice M. Night Shyamalan.

“Era brillante, por eso contraté a Brian Nelson. Y transformó un tratamiento de 14 páginas en un guión genial”.

Una vez escrito el guión, M. Night Shyamalan y Sam Mercer, los dos productores, empezaron a buscar a un realizador. En cuanto se corrió la voz, la productora se vio inundada de peticiones.

M. Night Shyamalan recuerda cómo escogieron a los hermanos John Erick y Drew Dowdle para el proyecto: “Me mandaron una película realmente inquietante llamada The Poughkeepsie Tapes, la primera que vi en mi nueva casa. Fue una gran equivocación, porque pasé un miedo horrible.

Me gustó mucho la realización y pensé que eran dos directores asombrosos. Rodaban otra película y rogué a Screen Gems que me mandaran Cuarentena/Quarantine antes de que se estrenara”.

El cineasta se quedó asombrado por el nivel de terror que los hermanos eran capaces de crear.

Contada desde el punto de vista de un equipo de televisión encerrado en un piso de Los Ángeles cuyos inquilinos han contraído una terrible enfermedad contagiosa, la película no tardó en formar parte de lo mejor del género de terror.

“Cuarentena/Quarantine me apasionó, y viendo esta película y la anterior, pensé que los hermanos www.cinemascomics.com

M. Night Shyamalan en un momento del rodaje

Dowdle tenían la perspectiva idónea para LA TRAMPA DEL MAL”, explica M. Night Shyamalan. “Son unos chicos realmente simpáticos, tienen un gran sentido del humor y son inteligentes”. Sonríe, antes de añadir: “Están lo bastante locos y perturbados como para rodar esta película. Cuando acabó la proyección, pensé: ‘¡Deben ser ellos!’”

Dejar la silla de director, en la que se sentó para rodar éxitos de la talla de El sexto sentido, El protegido y Señales, fue más fácil y más difícil de lo que pensaba M. Night Shyamalan. “Estoy acostumbrado a ser el único que decide, y me vino bien dejar las riendas”, dice. “Fue mucho más fácil porque confiaba plenamente en los realizadores que habíamos contratado, y lo pasé bien porque aprendí mucho”.

John y Drew Dowdle participaron en todo el proceso, en el casting y la filmación. John Dowdle dice, www.cinemascomics.com

hablando de su productor: “Night es asombroso, inteligente, entusiasta y nos dejó hacer lo que quisiéramos, fue un placer. Night es ante todo realizador, y nos dio la libertad que cualquier director sueña tener. Nos permitió ser creativos, locos, nos animó a pasarlo bien. Y lo mejor de todo es que la historia era perfecta para nosotros. Al igual que nuestras películas anteriores, tenía muchos elementos realistas”.

Drew Dowdle estaba encantado con el reto que ofrecía la historia al cambiar constantemente “el foco de la sospecha” de un ocupante a otro en el ascensor.

El público nunca sabe hasta la revelación final quién es el Diablo.

“No suele ocurrir que el productor te pida que seas más artístico y eleves el nivel intelectual de la película”, explica. “Nos ha obligado a sacar lo mejor de nosotros en cada detalle y nos ha ofrecido el mayor nivel de producción que hemos tenido hasta ahora”.

Ambos productores estaban de acuerdo en que los hermanos Dowdle debían ser conscientes de que nadie iba a decirles qué hacer en cada momento. M. Night Shyamalan dice: “Sinceramente, les considero mis iguales. Si teníamos opiniones diferentes, hablábamos. No quería imponer mis ideas. También deseaba aprender algo nuevo”.

Resume su experiencia con las siguientes palabras: “Trabajar con los Dowdle ha sido una inspiración. Su visión y creatividad no han dejado de impresionarme durante el desarrollo del proyecto y el casting. Juntos buscamos un grupo de talentosos actores, las estrellas de mañana”.

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SAW 3D

16 de Febrero

Por Gerard Fossas

Fotograma “Saw”

Siete años después de su primera aparición en Saw (James Wan, 2004), Jigsaw pone el cierre a su juego macabro con Saw 3D, la séptima entrega de la saga de terror más prolífica de todos los tiempos que sigue contando con el apoyo incondicional de sus seguidores (e incluso de sus detractores) a pesar del desgaste que supone el paso del tiempo, el agotamiento de la fórmula, las críticas y la censura.

Pero, ¿cuál es la clave del éxito de la saga Saw? ¿Qué tiene Jigsaw que arrastra masivamente el público al cine año tras año? Analicemos las claves del fenómeno.

Una franquicia de récord Antes de sumergirnos en el universo de Saw veamos la saga en números, pues estamos ante una serie de películas que ha entrado en el Libro Guiness de los Récords como la “serie de terror de mayor éxito de la historia”, superando sagas míticas como Viernes 13, Halloween o Pesadilla en Elm Street.

Saw iguala a Hellraiser con un legado de siete filmes, quedándose a uno de Halloween y todavía a un trecho del inalcanzable Jason Voorhees, protagonista de hasta 10 títulos de Viernes 13, sin contar un crossover y un remake. No www.cinemascomics.com

obstante, el mérito de Saw es que la totalidad de la saga se ha estrenado en las salas de cine de todo el mundo, un añadido del que no pueden presumir las otras sagas, sumando una recaudación en taquilla de hasta 730 millones de dólares hasta la fecha.

ño de espacios descompuestos y nauseabundos de la cloaca suburbana son elementos comunes de ambas películas, que hacen de la atmosfera opresiva y la sensación de podredumbre (tanto espacial como humana) su rasgo más distintivo e identificable.

Si Lionsgate ha llegado a ser la compañía de distribución independiente más exitosa de EEUU, sin duda ha sido a estandartes como Saw.

Partiendo de la máxima universal del pecado que conduce al castigo, Seven describe una historia de purgación a través del castigo capital, la muerte, como meta en una historia que entiende la redención sólo a partir de la erradicación de los males, representados en esta ocasión por los siete pecados capitales. Saw obvia la naturaleza bíblica del mensaje y basa su filosofía dogmática de la sanación en un ideario más actual, fijado en el renacimiento y la segunda oportunidad, pues Jigsaw ofrece a las víctimas una puerta abierta a la vida sólo a través del sacrificio y la autosuperación.

Además, Saw va un paso más allá y, no contento con mostrar las consecuencias de las faltas morales, centra su atractivo en el morbo de la contemplación del castigo, en un sórdido llamamiento al lado oscuro del público que acude al cine en masa a satisfacer su macabra curiosidad.

El terror del siglo XXI Saw ha cogido el relevo de Scream -trilogía emblemática de los 90 que precisamente tendrá continuidad a partir del próximo mayocomo icono del cine de terror posmoderno y, como tal, debe su naturaleza a unos referentes muy claros a los que rinde culto de la mejor forma posible: eludiendo la burda imitación y construyendo un relato genuino que ha marcado el cine de terror de esta primera década del siglo XXI. La esencia del mundo de Saw es herencia directa de Seven (David Fincher, 1995), cuya estética, estilo y, en cierto modo, temática tomaron prestados los creadores de la franquicia de Lionsgate. Los fogonazos de imágenes, el uso de la música electrónica y un dise-

Saw encuentra su forma del éxito Cinemascomics │ Febrero 2011 │

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Fotograma “Saw III”

en la mezcla de la moralización extrema y la violencia explícita que en su día explotaron otros exitosos filmes de culto como La Matanza de Texas (Tobe Hooper, 1974) o La Última Casa a la Izquierda (Wes Craven, 1972) y que después de Saw aprovecharían filmes posteriores como Hostel (Eli Roth, 2005), Turistas (John Stockwell, 2006) o la perturbadora Martyrs (Pascal Laugier, 2008) para conseguir su pedacito de pastel.

SAW Dirección: James Wan Intérpretes: Leigh Whannell, Cary Elwes, Danny Glover.

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El “efecto Hannibal Lecter” John Kramer (Tobin Bell) es un reflejo inequívoco del célebre Hannibal Lecter, un personaje mítico creado por Thomas Harris y que en el cine fue encarnado primera vez por Anthony Hopkins en El Silencio de los Corderos (Jonathan Demme, 1991). Ambos sádicos asesinos son caracterizados con una personalidad serena, clarividente, visionaria y con una inteligencia superior a la de cualquiera de sus opositores, sabiduría que

les otorga licitud para adoptar esta posición que trasciende cualquier código moral establecido.

El enorme carisma de Hannibal Lecter, forjado a través de esta construcción prodigiosa del personaje, fue lo que hizo que por primera vez el público se posicionara a favor del psycho-killer y no del lado de las víctimas, un efecto que ha trascendido y se ha acentuado en la ya mítica figura de John Kramer/Jigsaw.

Tobin Bell describe esta empatía

Sinopsis:

Sinopsis:

La primera escena de SAW sumerge bruscamente al espectador en lo desconocido de la mano de dos hombres desafortunados, Adam (Leigh Whannell) y el doctor Lawrence Gordon (Cary Elwes), que despiertan encadenados en un fétido baño subterráneo. Los cautivos son los últimos blancos del genio psicópata conocido como Jigsaw, que elabora complicados juegos que obligan a sus víctimas a tomar decisiones imposibles entre la vida y la muerte.

En SAW II, Jigsaw aparece jugando a dos juegos al mismo tiempo: uno de ellos, con ocho víctimas que despiertan en una casa en ruinas y tienen que resolver el enigma creado por él antes de que sus entrañas sean corroídas por un veneno; el otro, con el detective Eric Matthews, cuyo rebelde hijo se encuentra entre los ocho cautivos. Entre ellos también se encuentra Amanda, que resultó ser la única superviviente de las pruebas de Jigsaw en SAW.

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SAW II Dirección: Darren Lynn Bousman Intérpretes: Donnie Wahlberg, Beverley Mitchell, Franky G, Emmanuelle Vaugier, Tobin Bell, Shawnee Smith, Erik Knudsen

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Fotograma “Saw 3D”

que despierta su personaje con las siguientes palabras: “John Kramer habla de cosas en las que todos pensamos (...).Nunca lo veo como un hombre que se considera malo, porque él no se ve a sí mismo de esa manera”.

Si a todo esto le añadimos la iconografía creada en torno al método del asesino, el fenómeno cobra una dimensión incluso más mediática. El muñeco de mofletes rojizos sobre un triciclo apareciendo en un vídeo diciendo “hola, quiero

SAW III Dirección: Darren Lynn Bousman Intérpretes: Tobin Bell, Shawnee Smith, Angus Macfadyen, Bahar Soomekh, Dina Meyer, Lyriq Bent.

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jugar a un juego” es el momento más esperado por todo el mundo cuando se pone a ver una película de esta saga. Este muñeco es la puesta en escena de Jigsaw, y su rol es de orden emblemático como también lo son las máscaras de Jason o Michael Myers, el jersey a rayas de Freddy, los clavos de Pinhead o la mordaza de Hannibal Lecter.

El fenómeno fan Enganchar el público a través de

un protagonista que también es el villano ha sido uno de los grandes logros de los creadores de Saw, pues ha hecho que toda una legión de fans acudiera a su cita a los cines de todo el mundo cada Halloween para ver cómo se las ingeniaba Jigsaw para seguir adelante con sus juegos macabros y deleitarse con unas cuantas atrocidades aliñadas con sangre y vísceras.

Además, la polémica suscitada en varios países por la extrema vio-

Sinopsis:

Sinopsis:

Cuando SAW III empieza, la salud de Jigsaw empeora y éste va preparando a su ferviente discípula Amanda para que continúe con su trabajo.

Amanda ha diseñado muchos juegos y ha construido varios instrumentos terribles para poner a prueba el instinto de supervivencia de sus víctimas. Uno de sus juegos más elaborados implica a Lynn (Bahar Soomekh), una neurocirujana a la que obliga a operar a Jigsaw, ya moribundo. Mientras, en otro rincón de la guarida de Jigsaw, Jeff (Angus Macfadyen), un hombre destrozado por la muerte de su hijo, tiene la macabra oportunidad de ver cumplidos sus sueños de venganza.

Jigsaw y su aprendiz Amanda están muertos, y la detective Kerry ha sido asesinada. Dos avezados criminólogos del FBI, el agente Strahm y la agente Pérez, llegan a la destartalada comisaría para ayudar al veterano detective Hoffman a investigar el último y macabro juego de Jigsaw y unir las piezas. Pero de repente, el comandante Rigg del cuerpo especial de los SWAT, el único agente al que Jigsaw todavía no había puesto la mano encima, es secuestrado. Arrastrado al desgarrador juego del psicópata, el agente dispone de sólo noventa minutos para superar una serie de trampas interconectadas... o afrontar las mortales consecuencias.

SAW IV Dirección: Darren Lynn Bousman Intérpretes: Tobin Bell, Lyriq Bent, Costas Mandylor, Scott Patterson, Angus Macfadyen, Justin Louis, Sarain Boylan, Betsy Russell, Athena Karkanis, Simon Reynolds, Mike Realba, Marty Adams.

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lencia de las películas de la saga ha sido, en el fondo, un regalo para el gancho comercial de la franquicia gracias a haber levantado en pie de guerra a los detractores de la censura y a haber avivado la llama del morbo por ver cómo Jigsaw se superaba una vez tras otra.

Sobrevivir a siete películas Sea como sea, lo apuntado hasta ahora no es suficiente para mantenerse vivo y fresco durante siete años. Así que, ¿cuál es el secreto de la longevidad de Saw? El productor Oren Koules explica que “hemos adoptado un doble enfoque con cada una de las películas de Saw. Hemos querido cuidar mucho a nuestros fans más fieles, los que no se pierden ni una entrega y viven y respiran nuestras películas. Nos hemos pasado literalmente cientos de horas pensando: A ver, si alguien muere, ¿cómo afecta eso a las tres películas anteriores? ¿Y cómo afectará a las dos siguientes?”.

En efecto, la diferencia de Saw respecto a otras sagas de terror igual de longevas es la planificación de su discurso. Las películas de sagas como las anteriormente mencionadas Viernes 13, Halloween o Pesadilla en Elm Street estaban concebidas como textos individuales, sin una continuidad

argumental, aunque siempre dejaran una puerta abierta a una posible secuela. Sin embargo, Saw es un relato expansivo que plantea nuevos interrogantes en cada película, recupera escenarios y personajes a la vez que pone otros nuevos sobre el tablero y traza varias tramas que se cruzan en cada entrega, siempre con Jigsaw como protagonista.

(Cary Elwes), a quien dejamos encerrado en un macabro cuarto al final de la primera parte. Otro de los ingredientes básicos que no podían faltar es el gore, un gore más light que en anteriores ocasiones pero que como siempre asegura entretenimiento del bueno.Y es que cuando otras cosas fallan, la sangre salva la papeleta.

Saw lleva el juego del giro argumental hasta el límite, Saw II añade bizarrismo y abre el concepto, tan importante en la saga, del “legado”, Saw III es la más retorcida, Saw IV tiene la genialidad de driblar al paso del tiempo, en Saw V el asesino es puesto contra las cuerdas, Saw VI marca el principio del fin y, finalmente, Saw VII 3D cierra la serie.

Y, finalmente, lo que veremos en Saw 3D serán interrogantes que se cierran y otros que se abren y que dejan un círculo cerrado pero con una alternativa abierta de cara a una más que posible recuperación de la saga en el futuro, ya que su rendimiento comercial es innegable.

El legado de Jigsaw En Saw 3D el eje que vertebra la película es una guerra abierta para convertirse en el heredero legítimo de Jigsaw, convirtiéndose el antes mencionado “legado” en el tema fundamental de la historia. Por ello no es de extrañar que algunos de los protagonistas sean supervivientes de una trampa del asesino.

Los fans de la saga ya podéis preparar el estómago y domar vuestras expectativas para este final de una saga que ha se ha sobrepuesto a las críticas, a la censura, a la polémica y, por qué no decirlo, a su discutible calidad, para entrar por la puerta grande en la historia del cine de terror y dejar una huella más profunda que ninguna otra saga hasta la fecha. De modo que la pregunta es: ¿fin del juego?

“El capítulo final”, tal y como se vende, recupera un personaje como el doctor Lawrence Gordon

Sinopsis:

Sinopsis:

En la quinta entrega de la saga SAW, Hoffman parece ser la única persona viva sobre la que recae el legado de Jigsaw.

El agente especial Strahm está muerto, y el detective Hoffman se ha erigido como único heredero del legado de Jigsaw. Sin embargo, cuando el FBI estrecha el cerco en torno a él, Hoffman se ve obligado a poner en marcha un juego con el que el gran plan de Jigsaw cobrará su sentido último.

Pero cuando su secreto está en peligro, Hoffman se ve obligado a eliminar todos los cabos sueltos.

SAW V

SAW VI

Dirección: David Hackl Intérpretes: Tobin Bell, Costas Mandylor, Scott Patterson, Betsy Russell, Mark Rolston, Carlo Rota, Julie Benz, Greg Bryk, Laura Gordon, Mike Butters, Meagan Good.

Dirección: Kevin Greutert Intérpretes: Tobin Bell, Costas Mandylor, Betsy Russell, Mark Rolston, Peter Outerbridge, Shawnee Smith, Samantha Lemole, Caroline Cave, George Newbern, Darius McCrary, Shauna MacDonald.

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Cisne negro

18 de Febrero

CISNE NEGRO Thriller psicológico ambientado en el mundo del ballet de la ciudad de Nueva York, CISNE NEGRO está protagonizado por Natalie Portman, que interpreta a Nina, una aventajada bailarina que se ve inmersa en una misteriosa y competitiva lucha con su nueva rival en la compañía (Mila Kunis).

Presentada por Fox Searchlight Pictures y dirigida por el visionario director Darren Aronofsky (EL LUCHADOR), la película CISNE NEGRO se adentra en un emocionante y, en ocasiones, aterrador viaje por la mente de una joven bailarina, cuya interpretación de Reina de los Cisnes se convierte en un personaje para el que ella resulta inquietantemente idónea.

CISNE NEGRO narra la historia de Nina (Portman), una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica (Barbara Hershey), una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija.

Cuando el director artístico Thomas Leroy (Vincent Cassel) decide sustituir a la prima ballerina Beth Macintyre (Winona Ryder) en la nueva producción de la temporada, “El lago de los cisnes”, Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily (Kunis), que también ha impresionado gratamente a Leroy. “El lago de los cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado

más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.

Presentada por Fox Searchlight Pictures en asociación con Cross Creek Pictures y producción de Prøtøzøa y Phoenix Pictures, la película CISNE NEGRO está dirigida por Darren Aronofsky, y protagonizada por Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey, Christopher Gartin, Sebastian Stan.

EL BIEN Y EL MAL EN LA DANZA: LA HISTORIA El audaz y original director Darren Aronofsky (EL LUCHADOR, LA FUENTE DE LA VIDA, RÉQUIEM POR UN SUEÑO, Pi: FE EN EL CAOS) sumerge al público en un ficticio y perturbador mundo de falsas ilusiones, dobles apariencias y paranoia en la película CISNE NEGRO, su primer thriller psicológico.

Aronofsky elabora una sensual y escalofriante historia en torno a una prima ballerina inmersa en una obsesiva batalla de oscuros impulsos que progresivamente la van devorando.

La actriz nominada por la Academia Natalie Portman (CLOSER) interpreta a Nina, una ambiciosa y joven bailarina de Nueva York que aspira a interpretar el doble papel cúspide de la danza: el delicadamente inocente Cisne Blanco y el seductoramente maligno Cisne Negro del clásico ballet que consagra a las estrellas: “El lago de los cisnes”. Nina consigue el papel, pero no se siente segura de poder encarnar adecuadamente el lado oscuro de la Reina de los Cisnes. A medida que alcanza nuevos logros con su cuerpo, sus fantasías, pesadillas y celos más recónditamente escondidos empiezan a arraigar en las profundidades más oscuras de su mente, lo que motiva un peligroso enfrentamiento con la provocadora recién llegada, su mayor rival.

Nina enseguida empieza a sentir

ñala Aronofsky, “y su actuación está a otro nivel. Encarnar a Nina suponía tanto una proeza física como de interpretación”.

Los desafíos de realización que implicaba CISNE NEGRO también fueron muy similares a los que supuso la particularmente intensa producción de EL LUCHADOR, incluso quizás más complicados.

Tan hermético como el mundo de la lucha libre profesional, Aronofsky descubrió que el del ballet incluso podía resultar más marginal y cerrado para los ajenos a él.

Darren Aronofsky conversando con Vicent Cassel durante el rodaje de “Cisne Nergro”

una conexión, demasiado per���� fecta, con el seductor y mortífero Cisne Negro.

Lejos del típico thriller enmarcado en el mundo del crimen o de las casas encantadas, el profundamente realista retrato que Aronofsky realiza de una mujer, desentrañando lo más recóndito de su mente, tiene lugar en el universo más inesperado: el artísticamente electrizante y físicamente exigente mundo del ballet profesional. Para Aronofsky era el lugar idóneo para desarrollar una historia visualmente explosiva sobre la obsesiva presión por alcanzar la perfección. Al igual que en EL LUCHADOR, esta película también le proporcionó la oportunidad de sumergirse en un mundo desconocido y profundizar en lo que provoca que las personas estén dispuestas a sacrificar tanto.

Aunque empezó a pensar en esta historia hace quince años, Aronofsky señala que CISNE NEGRO es intencionadamente un complemento a su más reciente filme, EL LUCHADOR. Aunque probablemente podría parecer que la lucha libre y el ballet no pueden ser mundos más dispares. CISNE NEGRO se adentra en momentos de puro terror psicológico, a diferencia de todo lo que Aronofsky ha hecho con anterioridad. El víncu-

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lo entre ambas películas reside en temas como los límites físicos o la confusión del alma, así como en un singular estilo de realización que transporta al público al fascinante mundo interior de los personajes.

“Algunas personas dicen que el wrestling es la menor de las expresiones artísticas y otras dicen que el ballet es la mayor expresión del arte, sin embargo, esencialmente son lo mismo.

Mickey Rourke interpretando a un luchador experimentaba algo muy similar a la bailarina que interpreta Natalie Portman”, señala Aronofsky. “Ambos son artistas que utilizan su cuerpo para expresarse y ambos tienen miedo a lesionarse porque sus cuerpos son la única forma de expresión que poseen. Lo que me resultaba interesante era averiguar la relación entre las dos historias en lo que a priori podrían parecer mundos sin conexión ninguna”.

Asimismo, ambas películas tienen un nexo de unión en la actuación de sus actores protagonistas, que les exige profundizar más allá de la superficie, dice Aronofsky, quien compara el nivel de compromiso de Portman con el de Rourke. “El personaje de Nina es muy distinto a lo que ha hecho Natalie anteriormente”, se-

Y después estaba el entrenamiento que Natalie Portman tuvo que realizar para interpretar unas escenas de ballet tan incandescentemente líricas, pues están llenas de creciente tensión y malos augurios. “El ballet es algo en lo que la mayoría de la gente empieza a formarse con cuatro o cinco años de edad, y tal y como lo llegan a vivir, transforma sus cuerpos, les transforma como personas. Contar con una actriz que no ha experimentado todo eso para interpretar convincentemente a una bailarina profesional es el mayor de los encargos. Sin embargo, gracias a su increíble voluntad y disciplina, Natalie se convirtió en una bailarina. Le supuso diez meses de enérgico trabajo, pero su cuerpo llegó a transformarse e incluso los bailarines más estrictos se quedaron absolutamente impresionados. Estoy seguro de que el trabajo físico también la conectó con el trabajo emocional”, afirma Aronofsky.

Aronofsky señala que le satisfizo poder disponer de un reparto que podía enfrentarse a tal reto.

Los integrantes del reparto, a su vez, se sintieron atraídos por una historia que se transformaba en thriller pero también en atrevida aventura a través de la súbita ascensión y aterrador declive de una bailarina.

Aronofsky, por fin, tuvo la posibiliwww.cinemascomics.com

dad de expresar la visión de CISNE NEGRO que tenía desde hacía diez años gracias a un guión de Andrés Heinz: un drama oscuro que transcurría en Broadway, donde se creaba una peligrosa rivalidad entre una actriz y su misteriosa sustituta. Aronofsky se sintió intrigado, pero tras haber sido testigo de la terriblemente dura formación como bailarina de ballet de su hermana, quiso cambiar el contexto inicial por el estreno de una compañía de ballet en Nueva York. Esta modificación le condujo a la creación de los personajes de Nina y Lily, dos competitivas estrellas del ballet en ascenso, dispuestas a sacrificar absolutamente todo por conseguir la actuación perfecta.

Aunque estaba comprometido para muchos años, Aronofsky siguió desarrollando el proyecto con Mark Heyman (coproductor de EL LUCHADOR).

Fue una ocurrencia de Aronofsky unir la idea original de Heinz con la historia que narra el ballet más popular del mundo, “El lago de los cisnes”, un cuento que narra un dramático duelo entre la inocencia y la maldad. Mientras tanto, Aronofsky estaba trabajando también con Heyman en la creación del macabro e innovador giro que generaba la historia. En el borrador final, los elementos clave de “Cisne Negro” –cisnes, demonios, encantamientos y dobles personalidades– se entrelazaban con la mente de Nina, fraccionándose en fragmentos, como en una especie de kaleidoscopio psicosexual, que convertían a una ingenua joven en una criatura peligrosa y absolutamente transformada.

“Darren y yo llevábamos años hablando de hacer un thriller sobre el mundo del ballet”, rememora Heyman. “Lo que yo hice fue encajar la trama de ‘El lago de los cisnes’ por completo en el borrador inicial del guión. Eso lo cambió todo y se convirtió en el www.cinemascomics.com

punto de partida de una moderna historia neoyorquina sobre la dualidad, la doble personalidad y el miedo a que alguien o algo se apodere de tu vida”.

“La historia se transformó en el miedo de Nina a perder todo lo que ella es”, prosigue Aronofsky.

“Eso es algo con lo que yo creo que todo el mundo puede identificarse, pero esos temores dominan tan absolutamente a Nina que consiguen hacer que no distinga su realidad del personaje que está interpretando”.

Cuando el guión definitivo llegó a ser un mundo en sí mismo, Heyman afirma que resultó cada vez más difícil enmarcarlo dentro de un género. ¿La historia era una inmersión al terror biológico ya que una mujer se transforma en un cisne-demonio? ¿O era el apasionante retrato de una artista tenaz que pierde el control mental bajo máxima presión? Heyman espera que la respuesta sea ambas cosas al mismo tiempo.

“Mis películas favoritas siempre son difíciles de catalogar”, dice Heyman. “Esperamos que CISNE NEGRO sea una de esas películas.

Que asuste al público pero que también se introduzca bajo su piel de una forma duradera”.

El proyecto atrajo rápidamente

a un equipo de producción que incluía a Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin. “Para Darren, este filme supone un territorio inexplorado pero también familiar. Por un lado, para él es completamente nuevo el elemento de thriller psicológico, que es algo que efectivamente no había hecho antes, sin embargo, también mantiene un intenso realismo con su atención a los detalles, el estilo de la cámara y la forma en que trabaja con los actores para lograr interpretaciones absolutamente realistas”, afirma Franklin.

Oliver añade, “Si has visto sus películas, sabes que Darren no hace nada de forma habitual. Al igual que en EL LUCHADOR los espectadores sentían de verdad cómo es la vida de un luchador maduro, en CISNE NEGRO Darren escarba profundamente en el mundo de una bailarina, mientras va construyendo un suspense psicológico con toques de fantasía”.

La productora ejecutiva Jennifer Roth dice de la película, “CISNE NEGRO no es simplemente un thriller o una película de baile.

Engloba todos esos diferentes aspectos y transita hasta un oscuro pero fascinante lugar”.

Natalie Portman en un fotograma del film Cinemascomics │ Febrero 2011 │

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Natalie Portman en “Cisne Negro”

NATALIE PORTMAN GANADORA DEL GLOBO DE ORO Y SERIA CANDIDATA AL OSCAR POR SU PAPEL EN

CISNE NEGRO

Estos días NATALIE PORTMAN ha sido noticia por obtener el globo de oro por su interpretación en “Cisne Negro” y una nominación a la mejor actriz en la próxima ceremonia de los Oscar’s. Conozcamos un poco mejor a la actriz que nos encandiló por primera vez en “León: El profesional” NATALIE PORTMAN (Nina) debutó profesionalmente en 1994 con LÉON, EL PROFESIONAL, de Luc Besson. Ganó un Globo de Oro como mejor actriz de reparto y fue nominada por la Academia por su trabajo en CLOSER, de Mike Nichol.

Próximamente la veremos en una comedia romántica de Ivan Reitman, todavía sin título, junto a Ashton Kutcher, en torno a dos viejos amigos que mantienen accidentalmente una relación sexual sin estar enamorados, echando a perder su amistad. El estreno de esta película, producida por Paramount, está previsto el 2 de enero de 2011. También veremos próximamente a Portman en YOUR HIGHNESS, de David Gordon Green, junto a Danny McBride, James Franco y Zooey Deschanel. La historia se centra en un arrogante y perezoso príncipe que debe emprender una búsqueda para conseguir salvar el reino de su padre, con Portman interpretando al objeto de su amor. El estreno de esta película de Universal Pictures está previsto para el 8 de abril de 2011. Además, durante este verano, Portman ha participado www.cinemascomics.com

en THOR, de Kenneth Branagh, interpretando a Jane Foster, la enamorada de Thor. Esta película, producida por Paramount, se estrenará el 20 de mayo de 2011.

Adicionalmente, Portman protagonizará y producirá la comedia con aires de road-movie BEST BUDS, producida a través de su compañía Handsome Charlie Films en asociación con la compañía Vendome Pictures, que dirige Philippe Rousselet. Esta película, basada en el guión de Jamie Denbo, se centra en las vicisitudes de una mujer que está al borde de un absoluto ataque de nervios en vísperas de su boda. Para tranquilizarse, decide emprender un viaje a San Diego junto con dos de sus mejores amigas, confiando en la ayuda que supone la combinación de marihuana con el afecto derivado de su vieja amistad.

En la gran pantalla, Portman ha trabajado en más de veinticinco películas, tales como HEAT, BEAUTIFUL GIRLS, TODOS DICEN I LOVE YOU, MARS ATTACKS!, A CUALQUIER OTRO LADO (nominada al Globo de Oro), LA FUERZA DEL AMOR, COLD MOUNTAIN, ALGO EN COMÚN, ZONA LIBRE, V DE VENDETTA, PARIS, JE T’AIME, LOS FANTASMAS DE GOYA, SEGUIMOS DESEANDO AMAR, MR. MAGORIUM Y SU TIENDA MÁGICA, LAS HERMANAS BOLENA, NEW YORK, I LOVE YOU y HERMANOS. Además, Portman ha trabajado en tres películas de la saga de STAR WARS, del director George Lucas: EPISODIO I: LA AMENAZA FANTASMA, EPISODIO II: EL ATAQUE DE LOS CLONES y EPISODIO III: LA VENGANZA DE LOS SITH, precuelas de la enormemente popular trilogía de la GUERRA DE LAS GALAXIAS, que durante los años 70 y 80 alcanzó una de las mayores recaudaciones a nivel mundial. En teatro, Portman participó en el Festival Shakespeare, actuando en el Central Park con la producción teatral La gaviota, dirigida por Mike Nichol y coprotagonizada por Meryl Streep, Kevin Kline y Philip Seymour Hoffman; asimismo, trabajó en la producción de Broadway de El diario de Ana Frank que dirigió James Lapine.

Tras la cámara, Portman ha ido turnándose en tareas de guión, dirección y producción. Entre sus trabajos destaca el cortometraje EVE, que escribió y dirigió.

Se estrenó en el Festival de Cine Cinemascomics │ Febrero 2011 │

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Imagen de “León: El Profesional” . Luc Besson (1994)

de Venecia en 2008 y está protagonizado por Lauren Bacall, Ben Gazzara y Olivia Thirlby. También escribió y dirigió uno de los fragmentos que integraban el filme NEW YORK, I LOVE YOU, sobre un día en la vida de un padre y su hija en Central Park. La película, estrenada en octubre de 2009, presenta el trabajo de doce realizadores, cada uno de los cuales dirigió un fragmento en torno al universal tema del amor, desarrollándose en los cinco distritos de la ciudad de Nueva York.

Adicionalmente, Portman ha sido productora ejecutiva y ha protagonizado la adaptación cinematográfica realizada por Don Roos de la novela de Ayelet Waldman LOVE AND OTHER IMPOSSIBLE PURSUITS, coprotagonizada por Scott Cohen y Charlie Tahan. Esta película, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2009, gira en torno a una mujer joven que intenta salvar su matrimonio a través de la relación con su hijastro.

acuerdo prioritario con Participant Media. En alianza con la productora Annette Savitch, el objetivo de la compañía de Portman se centra en la búsqueda de películas inteligentes y accesibles dentro de los géneros más variados, así como comedias dirigidas por mujeres. Handsome Charlie Films ha producido recientemente junto a Darko Entertainment PRIDE AND PREJUDICE AND ZOMBIES, de Lionsgate; BOOKSMART, de Fox; BEST BUDS, de Vendome Pictures, con Portman como protagonista, y se ha asociado con Plan B de Paramount para producir IMPORTANT ARTIFACTS, basada en el libro de Leanne Shapton y protagonizada por Brad Pitt y Portman. Su primera producción cinematográfica, HESHER, ha sido recientemente adquirida para su distribución por Newmarket en el Festival de Cine de Sundance y su estreno está previsto en 2011.

Esta película está dirigida por Spencer Susser y protagonizada por Joseph Gordon Levitt.

Actualmente, Portman tiene en marcha varios proyectos a través de su productora, Handsome Charlie Films, que mantiene un

Portman se ha convertido en la primera Embajadora de la Esperanza de FINCA, una organización internacional que mantiene

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un programa de microcréditos, proporcionando pequeños préstamos y sistemas de ahorro a los más desfavorecidos para que puedan crear sus propios puestos de trabajo, elevar sus ingresos familiares y mejorar su modo de vida, teniendo como objetivo la reducción de la pobreza en todo el mundo. Como Embajadora de la Esperanza, Portman ha demostrado ser una persona sensible y entregada a la causa que defiende FINCA mediante su apoyo y frecuentes visitas a los programas que FINCA International desarrolla en países como Guatemala, Ecuador o Uganda. También se ha reunido con altos miembros del Congreso de Estados Unidos para obtener su apoyo en la financiación internacional de microcréditos.

Graduada en psicología por la Universidad de Harvard, Portman estudió también en la Universidad Hebrea de Jerusalén, donde aprendió árabe y hebreo y además estudió Antropología de la Violencia e Historia de Israel.

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Estrenos

El oso Yogui

18 de Febrero

El oso ladrón de cestas de picnic más querido por el público llega a la gran pantalla en “El oso Yogui”, una película de acción e imágenes creadas por ordenador en 3D cuyo estreno a escala mundial está previsto para diciembre de 2010.

Esta nueva adaptación de los dibujos animados clásicos de Hanna-Barbera estará protagonizada por el actor nominado a un Óscar Dan Aykroyd (“Paseando a Miss Daisy”), que prestará su voz al mayor alborotador del Parque de Jellystone, el oso Yogui. El ganador de dos premios Emmy (“Saturday Night Live”) y seis Grammy Justin Timberlake, que ya había

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hecho de Artie en “Shrek Tercero”, será la voz de Boo Boo, el fiel amigo y cómplice de Yogui en sus incansables planes para hacerse con la comida de los visitantes del parque.

Entre el reparto de carne y hueso del film destacan Anna Faris (“Cuerpos de seguridad”) como la directora de documentales de naturaleza Rachel Johnson y Tom Cavanagh (“How to Eat Fried Worms”, “Ed” para la NBC) en el papel del afable contrapunto de Yogui, el agente Smith. TJ Miller (“Monstruoso”) será el diligente segundo de Smith, el agente Jones, y Andrew Daly (“El soplón”) interpretará al maquiavélico al-

calde Brown.

El parque de Jellystone está perdiendo visitantes, así que el alcalde Brown ha decidido cerrarlo y vender el terreno. Eso significa que las familias ya no podrán disfrutar de la belleza de la naturaleza al aire libre y, lo que es aún peor, que Yogui y Boo Boo serán expulsados del único hogar que han conocido. Enfrentado al mayor reto de su vida, Yogui deberá demostrar que de verdad es “más inteligente que un oso medio” uniendo sus fuerzas a las de Boo Boo y el agente Smith para encontrar una forma de salvar el parque del cierre definitivo.

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El oso Yogui, uno de los personajes de dibujos animados más queridos de la televisión, comenzó como un personaje de la serie de Hanna-Barbera series “The Huckleberry Hound Show” antes de pasar a tener su propio programa en 1961. El éxito televisivo de Yogui dio lugar a la aparición de una tira cómica sindicada a escala nacional y, en 1964, se convirtió en el primer personaje de dibujos animados en tener su película de cine con “Las aventuras del oso Yogui”. El oso Yogui ha aparecido desde entonces en varias series y especiales de una hora de duración.

“El oso Yogui”, una producción www.cinemascomics.com

de Sunswept Entertainment/De Line Pictures en asociación con Rhythm & Hues, ha sido dirigida por el oscarizado veterano de los efectos visuales Eric Brevig (“Viaje al centro de la Tierra”, “Desafío total”) y producida por Donald De Line (“Red de mentiras”, “Como locos…a por el oro”) y Karen Rosenfelt (“Crepúsculo”, “Luna nueva”). El guión es obra del experimentado tándem de guionistas/productores compuesto por Jeffrey Ventimilia y Joshua Sternin (“Aquellos maravillosos 70”, “Rompedientes”) y Brad Copeland (“Rebeldes con causa”), basándose en los personajes creados en la serie de televisión de Hanna-Barbera. Sus productores ejecutivos

son James Dyer (“Como locos… a por el oro”), Andrew Haas (“Cuerpos de seguridad”) y Lee Berger (“Noche en el museo”).

El equipo técnico está integrado por el director de fotografía Peter James (“27 vestidos”), el diseñador de producción David R. Sandefur (“Viaje al centro de la Tierra”), el editor Kent Beyda (“Jonah Hex”), la diseñadora de vestuario Liz McGregor (diseñadora asistente en “Locos por el oro”) y la supervisora de efectos visuales Betsy Paterson (“El increíble Hulk”).

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Estrenos

Chico & Rita 22 de Febrero

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El director Fernando Trueba, ganador del Oscar por Belle Epoque, y el diseñador Javier Mariscal, se unen en Chico & Rita para contar una hermosa historia de amor.

Unidos por su común admiración y pasión por la música y la cultura cubanas, Trueba y Mariscal nos ofrecen una sensual recreación de una época, La Habana y New York en plena efervescencia del jazz.

En la Cuba actual, Chico vive de limpiar los zapatos a los turistas en La Habana Vieja. Hace años fue pianista. Hoy vive solo y olvidado.

Un día, en una emisora de radio, oye una de sus viejas músicas, y los recuerdos toman vida…

La Habana, 1948. Chico y su inseparable amigo Ramón pasean de bar en bar a turistas americanas por la noche habanera.

En un cabaretucho popular, Chico se queda fascinado por una joven cantante aficionada, Rita.

En esa primera noche, vemos en síntesis, lo que va a ser su relación a lo largo de sus vidas, una incesante serie de encuentros y desencuentros, de apasionadas rupturas, y aún más apasionadas reconciliaciones.

Tras la primera noche de amor, un inspirado Chico despierta y comienza a componer una canción para Rita. La llegada de Juana, amante anterior de Chico, desemboca en una batalla campal y en la primera de una serie de rupturas.

Pero Ramón, que ejerce las funciones de amigo-manager, consigue convencer a Rita de participar como pareja de Chico en un concurso de radio. Triunfan, y el éxito les une de nuevo y les supone su primer contrato, en el Hotel Nacional.

Ron, un productor americano, ofrece a Rita un contrato para ir a cantar en Nueva York. Tras una www.cinemascomics.com

absurda escena de celos, Chico acaba borracho en los brazos de Juana. Rita, despechada, acepta la oferta de Ron dejando atrás La Habana y a Chico.

Chico no aguanta mucho tiempo en Cuba sin Rita. Un día vende su piano y parte a New York con Ramón. Allí no sólo espera recuperar a Rita, sino abrirse camino en el mundo del jazz.

El mambo hace furor, la ciudad está llena de músicos latinos (Machito, Mario Bauza, Tito Puente, etc…). Chico y Ramón tienen una carta de introducción para Chano Pozo, el famoso conguero cubano que está en la banda de Dizzy Gillespie.

Chico encuentra a Rita, que ahora se hace llamar Rita Labelle, pero es rechazado en su primer intento. Encuentran a Chano Pozo en una jam session (¡junto a Charlie Parker!) pero sus esperanzas se vienen abajo cuando tras una disputa con su dealer, Chano es asesinado en un bar de Harlem, en presencia de los aterrados Chico y Ramón.

La conquista de la gran manzana no empieza con buen pie.

La carrera ascendente de Rita la lleva a los clubs a Broadway.

Ramón y Chico sobreviven como pueden, el primero como portero de un Hotel de lujo y el segundo tocando en fiestas. En una de ellas, en honor a Rita y justo antes de su inminente debut en el cine musical, Chico y Rita se encuentran de nuevo.

Pero se dan cuenta de todo lo que les separa y esa noche se convierte, más en una despedida que en un reencuentro.

Para alejar a Chico de Rita, Ron utiliza a Ramón. Le monta una pequeña agencia artística y “consiguen” un trabajo para Chico. Con Dizzy Gillespie. En Europa. Rita se convierte en estrella de cine, y Chico vive la bohemia parisina. Un día ve en un cine la película de Rita y decide acabar la canción que una mañana, hace algunos años, comenzó a componer en La Haba-

na para ella. La canción se convierte en un hit, es grabada por Nat King Cole, y suena en todas las radios.

Rita la escucha y reconoce la melodía. Decide buscar a Chico. Esta vez está decidida a no perderlo más. Va a buscarlo al club donde Chico está actuando y el reencuentro parece por fin definitivo. Chico y Rita deciden casarse en Las Vegas el primero de año, ya que Rita va a estar allí cantando en un club.

Ramón pone a “su jefe”, Ron, al corriente de los planes de Chico y, juntos, le tienden una trampa. Chico es deportado a Cuba y no consigue llegar a su cita con Rita.

Rita decepcionada, decide echar al traste su carrera, montando un escándalo durante su actuación en la noche de fin de año.

Chico, desconcertado, llega a La Habana el 1 de enero de 1959. Batista ha huido. Es el triunfo de la Revolución. En la Cuba castrista, Chico se sume lentamente en el olvido.

Estamos de nuevo en la Cuba actual. Chico es un humilde limpiabotas.

Estrella, una joven cantante flamenca que conoce sus viejos discos, le invita a grabar con ella la canción de Rita. Chico y Estrella dan la vuelta al mundo con una gira triunfal. Ganan Grammys… Chico ha vuelto a ser músico.

Al pasar por New York, Chico decide buscar a Rita.

La película está dirigida por Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando y cuenta con las voces de Bebo Valdés, Idania Valdés, Estrella Morente, Freddy Cole, Jimmy Heath, Pedrito Martínez, Michael Phillip Mossman, Amadito Valdés, Germán Velazco, Yaroldi Abreu, Rolando Luna.

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criticas

ENREDADOS

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Por David Larrad

Animación / EEUU / 2010 / 104 minutos / Disney Director: Nathan Greno, Byron Howard. Actores (Voces V.O.): Mandy Moore, Zachary Levi, Donna Murphy. Guión: Glen Keane, Josann McGibbon, Adan Wilson, Sara Parriott, Melanie Wilson. Música: Jeanine Tesori.

Siempre se decía que lo mejor de las películas de Disney eran sus personajes secundarios, como por ejemplo, el genio de la lampara de “Aladdin”, o Timón y Pumba de “El rey León”. En “Enredados” ese peso lo llevan dos divertidos animales, un pequeño camaleon amigo de Rapunzel y el bravo caballo Maximus. Sin duda son los que protagonizan los mejores “gags”.

La película esta destinada sobre todo para el público más infantil, ya que sigue los patrones tan habituales de la factoría Disney. Princesa en apuros, joven la rescata y viven una preciosa historia de amor donde se ensalzan los mejores valores humanos posibles.

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La parte de las canciones es lo que mas aburrido se hace, ya que estamos acostumbrados a los últimos films donde los personajes no cantan si no esta muy justificado, esto ocurre desde que Shrek mandara callar a Asno cuando hace un intento de canto, parodiando así los clásicos de Disney.

película de animación quizás no este al nivel de otros films estrenados hace poco como “Como entrenar a tu Dragón” o “Gru: Mi villano favorito”, pero hará las delicias de los más jóvenes de la casa.

Una vez más el doblaje deja mucho que desear, la voces del trailer son muchísimo mejores que las voces que le han puesto a la cinta. Al menos el 3D es bastante bueno y no se hace pesado así que es recomendable ver la película en este formato, ya que luce más en cintas de animación.

En definitiva si tienen hijos pequeños llévelos a ver esta nueva www.cinemascomics.com

Monsters

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Por Carlos Gallego

Ciencia Ficción / Inglaterra / 2010 / 94 minutos / Avalón Director: Gareth Edwards. Actores: Scoot McNairy, Whitney Able. Guión: Gareth Edwards. Música: Jon Hopkins

El film aunque comparado con District 9, nada t������������������� ienen en común salvo que sus respectivos directores vienen del mundo de los efectos especiales, si es cierto que ambas abordan temas de actualidad disfrazados en un film de ciencia ficción, si District 9, denunciaba los campos de refugiados y todo lo que en ellos sucede, “Monsters” no es una película de invasiones alienígenas al uso, y aborda una cuestión que se da cada vez más en un planeta que sufre del calentamiento global, cuando hay especies que migran de su habitad natural a otros países, a veces con consecuencias casi catastróficas. Casos como el mejillón cebra en España por poner un ejemplo, aunque tampoco permanece ajewww.cinemascomics.com

no al tema de la inmigración. Y aunque en Cannes se dijo que es un “Lost in translation en un mundo de monstruos”, yo diría que es más un “The Road” pero con alienígenas, porque tiene más en común con esta última que con el film de Sofia Coppola.

Un film entretenido con momentos de mucha tensión y con unos efectos especiales escasos, están muy bien integrados, y que pese a ser una producción con un presupuesto de guerrilla, teniendo en cuenta loas astronómicas cifras que se mueven en el Hollywood actual. El diseño de los bichos e incluso la atmósfera del film se ve claramente influenciado por la obra de H.P. Lovecraft y sus

Cthulhu. Aunque tampoco huye de las referencias a otros films como “Jurassic Park”.

Nota: “Después de haber hablado con el director y haber tenido que volver a ver el principio de la película, os recomiendo que no os perdáis ni un solo detalle de los primeros minutos iniciales, hasta ahí puedo leer...”

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RED

Por David Larrad

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Acción / EEUU / 2010 / 111 minutos / Aurum Director: Robert Schwentke. Actores: Bruce Willis, John Malkovich, Morgan Freeman, Helen Mirren, Karl Urban, Mary-Louise Parker, Brian Cox, Richard Dreyfuss, Rebecca Pidgeon, Ernest Borgnine. Guión: Jon Hoeber, Erich Hoeber. Música: Christophe Beck.

ELo primero que hay que saber es que si te has leído el cómic tienes que ver la película sin esperar que la adaptación sea fiel, algo a lo que empezamos a acostumbrarnos, ya que el único capaz de ser fiel es Zack Snyder, el resto se limitan a darle vueltas a la historia como mejor les parece. Lo peor de todo es que han cambiado el motivo por el cual persiguen a Moses y al resto de compañeros, sin ninguna duda mucho mejor en el cómic.

Aun así el film es bueno y te diviertes mucho aunque el guión sea un poco flojo, los diálogos son un poco absurdos pero se subsana con escenas de acción muy trepidantes y lo mejor de todo unos monstruos de la interpretación que están pletóricos, un éxito del

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que ideo el reparto por que han acertado de pleno, pero dos sobresalen por encima de los demás John Malkovich con su personaje que ha tomado demasiadas drogas y se ha quedado paranoico con los satélites que lo observan y espías que lo siguen, aunque curiosamente siempre acierta con sus chaladuras. Aunque la estrella absoluta es Bruce Willis, este actor es uno de los grandes, sabemos que nunca falla cuando la película pide acción de un tipo duro. Cuando entran a su casa un escuadrón armado hasta los dientes, sabes perfectamente que se los va a cargar y que no le harán ni un rasguño.

Ante tanto actor entrado en años, el contra punto lo pone el joven agente William Cooper interpre-

tado por Karl Urban que lo recordamos por ser el médico de la última película de “Star Trek”, sigue en su linea sabiendo estar en su sitio haciendo un buen trabajo. La única que no podria llegar al nivel tan alto que ofrecen sus compañeros de reparto seria Mary-Louise Parker protagonista de “Weeds” que su interpretación se basa en hacer expresiones sobre todo con sus enormes ojos.

En definitiva, aunque ya que adaptan un cómic no estaría mal que se lo leyeran un poco al hacer el guión, la película es muy divertida y pasas un buen rato en el cine. Y hay que reconocer que el cerdo rosa te saca mas de una carcajada y como diría Marvin Boggs interpretado por John Malkovich “viejo...mis cojones”. www.cinemascomics.com

La Trampa del Mal

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Por David Larrad

Terror / USA / 2010 / 80 minutos / Universal Director: John Erick Dowdle. Actores: Chris Messina, Logan Marshall-Green, Geoffrey Arend, Bojana Novakovic, Jenny O’Hara, Bokeem Woodbine, Jacob Vargas. Guión: Brian Nelson. Música: Fernando Velázquez

La película tiene intriga y suspense, sobretodo en saber quien de los cinco es el Diablo, además hay varios sustos que hacen que mantengas la tensión durante el poco tiempo que dura la cinta.

Pero más allá no se le puede pedir mucho más, apenas nos muestran las historias de los personajes ya que se centran más en el policía del exterior. La parte sobrenatural apenas se ve ya que la van contando con voz en off como si fuera un cuento de los que usan los padres para hacer que los niños se vayan a dormir. El mayor de los problemas del film es que ninguno de los actores tiene el carisma suficiente para llevar el www.cinemascomics.com

peso de la película, por tanto en ningún momento escoges a tu favorito y simplemente esperas a ver cual es el resultado final.

La película se queda a mitad de varios estilos diferentes, ya que aunque tenga un trasfondo sobrenatural con la actuación del Diablo por medio está muy cogido con pinzas, tampoco es una película de miedo o de típico asesino en serie. Es un conjunto de todos ellos y se queda a mitad en todos.

Ninguno de los actores tiene el carisma suficiente para llevar el peso de la película

Conclusión este 2011 esta siendo un poco flojo, esperemos que lleguen pronto los grandes estrenos como “Thor”, “Capitán América”, etc...

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Especial:

LA FIEBRE ZOMBI Por Manuel Moros

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¡Atención! ¡Si queda ahí fuera alguien con vida y quiere seguir así, escúcheme! ¡Haga acopio de una buena reserva de agua y alimentos de primera necesidad y enciérrese en casa! El tan temido Apocalipsis Zombi ya ha llegado, y el mundo ha sido invadido por hordas de muertos vivientes que recorren las calles buscando un buen pedazo de carne fresca, un apetitoso cerebro o una jugosa ristra de intestinos que llevarse a la boca. Ocupan las estanterías de las librerías y tiendas de comics, los festivales de cine de terror, las galerías de arte, los videojuegos, las Semanas Góticas, los prime-time televisivos ¡e incluso un espectáculo reservado tradicionalmente a los más pequeños como es el circo! Por lo que se ve, los zombis están más vivos que nunca. A pesar de no contar con una tradición literaria como otros iconos del terror, y después de haber estado relegados durante muchos años al peldaño más bajo de la jerarquía del miedo, a la siempre despreciada serie B y a comics sangrientos como los de EC, el zombi se ha convertido en el monstruo por excelencia del siglo XXI. El monstruo oficial de la crisis, como lo calificó recientemente la revista Time.

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Ha llegado el momento de olvidar antiguas rencillas y unir nuestras fuerzas para sobrevivir como especie; de planificar estrategias para hacerles frente. Y para ello, antes que nada debemos conocer a nuestro enemigo...

La palabra zombi deriva de la angoleña nzumbe, que significa “espíritu de una persona muerta”, y llegó hasta Haití con los africanos que fueron llevados a la isla caribeña para trabajar allí como esclavos. Este terrible comercio de vidas humanas empezó cuando Haití pertenecía a España, durante el siglo XVI, y cobró impulso a finales del XVII, cuando pasó a pertenecer a Francia y se convirtió en su colonia más próspera.

Los esclavos llegaron procedentes de todos los rincones de África Occidental, pero la mayoría pertenecían a regiones dominadas por los pueblos de habla yoruba, que creían profundamente en la

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posesión por los dioses. Ellos llevaron consigo al Nuevo Mundo sus tradiciones y el culto a sus antiguos dioses, que al mezclarse con el catolicismo popular se convertirían en lo que hoy conocemos como vudú, que en la lengua del antiguo reino de Dahomey (hoy Benin) significa “espíritu”. De hecho, muchos de los santos católicos fueron identificados con los dioses africanos y así, por ejemplo, san Patricio fue asimilado a Damballah-Wedó, el dios-serpiente creador, Santiago el Mayor a Ogoun, el dios de la guerra y el fuego, y la Virgen María es Erzulie, la diosa vudú del amor y la belleza.

“La nueva religión se convirtió en la fuerza revitalizadora de un pueblo arrancado de sus raíces” La nueva religión se convirtió en la fuerza revitalizadora de un pueblo arrancado de sus raíces, y pronto fue prohibida por las autoridades por considerarla subversiva. La llegada de unos 30.000 nuevos esclavos anuales hizo que empezaran las revueltas hasta que, finalmente, en 1804 se produjo la proclamación de independencia. Con la retirada de los colonos franceses el vudú quedó establecido como la religión oficial de la isla.

El vudú es una religión organizada, con sus propios dioses, formas de culto y oficiantes, llamados hungan o mambo, según sea hombre o mujer. Se caracteriza por el culto a los antepasados y una jerarquía de dioses y espíritus conocidos en conjunto como loas que se manifiestan a sí mismos tomando posesión de sus fieles, en lo que constituye una parte fundamental de los ritos vudús. En el hunfo o santuario vudú, en medio del insistente batir de tambores y frenéticas danzas y después de que se le llame mediante una comida ceremonial en la que se le ofrece desde los primeros frutos de la estación hasta el sacrificio de un gran número de animales como gallinas, cabras, bueyes y cerdos, el loa toma posesión del cuerpo de uno de los asistentes.

A partir de ese momento, es su personalidad la que se expresa en su comportamiento y palabras. Su voz, sus facciones, sus gestos y las palabras que dice reflejan la caracterización del loa, el cual, según se dice, le “monta”. Una posesión puede durar desde pocos segundos hasta toda la ceremonia. Cuando todo ha terminado, la persona que ha sido poseída no recuerda nada de lo que hizo o dijo.

Al tratarse de ceremonias secretas, reservadas únicamente para los iniciados, el vudú ha sufrido la misma incomprensión por parte de Occidente que otras doctrinas esotéricas, a lo que se ha añadido una gran dosis de sensacionalismo que lo ha convertido en un culto demoníaco, abocado al mal. Sin embargo, el vudú es mucho más que estas pintorescas ceremonias. Es una religión vital, amplia e instintiva que ofrece a la paupérrima población de Haití una razón para seguir viviendo. Para los creyentes, las ceremonias les permiten conseguir su “completo”: preservarse de los malos espíritus, conservar la salud, tener buena suerte y, sobre todo, tener nam: una fuerza sobrenatural que le permitirá superar todas las adeversidades. Además, sirven para mantener unida a la comunidad, lo que explica el hecho de que el vudú se haya mantenido inalterable a través de los siglos.

Para sus fieles, no existe ninguna diferencia entre las ceremonias y su vida diaria. Las ceremonias no son más que manifestaciones externas de un ritual continuado.

Los loas se encuentran tan cerca de los haitianos que presiden todas sus vidas.

Pero ciertamente, el vudú es una religión animista que, como muchas otras, también tiene su lado oscuro. Porque si el hungan es un sacerdote que practica la magia blanca y destina sus servicios al bien de sus semejantes, el bòkò sigue el sendero de la mano izquierda, el de la magia negra, y sus fines están encaminados al mal, a practicar las artes más execrables en favor de sí mismo y de sus clientes. La forma más conocida de estos ritos es la de Cinemascomics │ Febrero 2011 │

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dañar mediante una muñeca o algún otro objeto que represente a la víctima, que tiene múltiples variantes. Y, sin duda, el fenómeno más notorio y aterrador que produce la magia negra del vudú es la zombificación.

En Haití se cree fervientemente que, una vez elegida la víctima, el bòkò es capaz de inducirle un estado de muerte aparente. Después del entierro, va por la noche al cementerio, lo saca de la tumba y hace que vuelva a la vida, aunque convertido en un ser sin voluntad que es utilizado por el mismo bòkò como sirviente (y hasta para cometer crímenes y ejecutar venganzas) o vendido a propietarios de plantaciones sin escrúpulos. En los casos de muerte repentina, para asegurarse que su ser querido no acaba siendo convertido en zombi, sus familiares los entierran en su mismo patio trasero, cerca de caminos muy transitados o bajo pesadas losas.

En ocasiones, se aseguran de su muerte disparándole, decapitán-

dole o inyectándole veneno.

La figura del zombi se hizo enormemente popular gracias a William B. Seabrook, un escritor muy apreciado que en 1929 publicó un libro que se convertiría en un best-seller: La isla mágica (The Magic Island), donde relató su estancia durante un año en Haití. Seabrook afirmó haber contemplado con sus propios ojos a los zombis trabajando en las plantaciones de azúcar: “Sus ojos eran lo más impresionante. Eran en verdad los ojos de un muerto. Su cara toda, de tan vacía, de tan carente de gestos, de tanto como de veras reflejaba la ausencia de alma, te hacía daño”. Para corroborar el grado con el que se creía en la espantosa realidad de los zombis, Seabrook recogió en su libro el artículo 249 del Código Penal de la República de Haití, en el que se decía que se consideraría atentado contra la vida humana “el empleo de cualquiera sustancias que causen la muerte o sumerjan al individuo en un es-

tado letárgico similar a la muerte (...) Si después de haberle sido administrada cualquier sustancia de esta especie a una persona, resulta enterrada ésta, la acción será equiparada al asesinato, sin que haya de tenerse en cuenta si la víctima del envenenamiento ha fallecido o no”.

El éxito de La isla mágica colocó a los zombis en el punto de mira de Hollywood. Dos años después de su publicación, las adaptaciones a la gran pantalla de Drácula (Dracula, Tod Browning, 1931) y Frankenstein (Frankenstein, James Whale, 1931) convirtieron en estrellas a Bela Lugosi y Boris Karloff, y dieron el pistoletazo de salida a un nuevo género, el del terror, que constituyó una magnífica forma de evasión de la realidad para los condenados a la penuria y el desempleo provocado por el crack de la bolsa de Wall Street de 1929. Pero mientras los dos iconos anteriores nacieron del folklore y la literatura, los zombis eran algo nuevo, exótico

Imagen de White Zombie, Victor Halperin. 1932

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y aterrador. En 1932, los zombis fueron llevados por primera vez a la gran pantalla en un melodrama llamado La legión de los hombres sin alma (White Zombie, Victor Halperin), donde Bela Lugosi interpretó a Murder Legrende, el siniestro propietario de una plantación donde hace trabajar a un grupo de zombis. Sin embargo, siguiendo la novela de Seabrook, los zombis no daban demasiado miedo: se comportaban como autómatas y se limitaban a cumplir órdenes. Además, solo corrías peligro de ser convertido en uno de ellos (como la pobre Madeleine, la protagonista) si ibas a Haití...

Que fue, precisamente, lo que hizo la antropóloga Zora Neale Hurston para escribir su libro Tell My Horse (1938). Como Seabrook, Hurston también vio a un auténtico zombi; y no solo eso, sino que además le hizo una foto. Se trató de una joven que apareció vagando desnuda en los alrededores de un pueblo llamado Ennery, sin poder hablar ni formular ningún tipo de pensamiento coherente, y a la que los lugareños identificaron como Felicia Félix Mentor, fallecida y enterrada tres décadas atrás.

Incluso fue reconocida por miembros de su propia familia. Según Hurston: “Su cara carecía de expresión, sus ojos parecían muertos y sus párpados eran blancos, como si los hubiesen quemado con ácido”.

En el cine, la falta de profundidad de los nuevos monstruos les relegó a protagonizar productos de segunda categoría o simplemente aborrecibles, como La rebelión de los muertos (Revolt of the Zombies, Victor Halperin, 1936), El castillo maldito (The Ghost Breakers, George Marshall, 1940), El rey de los zombis (King of the Zombies, Jean Yarbrough, 1941), Voodoo Man (William Beaudine, 1944) o La venganza de los zombis (Revenge of the Zombies, Steve Sekely, 1943). Sin embargo, este último año fue el del estreno de una de las películas zombis más aclamadas por la crítica, aunque en realidad se trate más de un melodrama que de una auténtica película de terror: Yo anduve con un zombi (I Walked with a Zombi), dirigida por Jacques Tourneur, que www.cinemascomics.com

Poster de Invisible Invaders, Edward L. Cahn. 1959

el año anterior había realizado la magnífica La mujer pantera (Cat People). En ella, Betsy es una joven enfermera que viaja por vacaciones hasta la isla caribeña de San Sebastián y acaba trabajando cuidando a la mujer del dueño de una plantación que se encuentra en estado catatónico y de quien los lugareños dicen que es una zombi. Poco a poco, Betsy se va adentrando en el oscuro mundo del vudú para encontrar una cura para su paciente al mismo tiempo que se ve inmersa en un triángulo amoroso con el dueño de la plantación y su hermano.

Durante la década de los cincuenta, en plena Guerra Fría, el gusto de los espectadores de decantó por las películas de ciencia-ficción, con sus invasiones alienígenas, sus mutantes atómicos y sus científicos locos. Sin embargo, los muertos vivientes también se adaptaron a los nuevos tiempos en productos como Cadáveres atómicos (Creature with the Atom Brain, Edward L. Cahn, 1955), en la que un científico nazi crea un ejército de zombis con ayuda de la energía atómica; Invasores invisibles (Invisible Invaders, Edward L. Cahn, 1959), donde unos seres venidos del espacio exterior con la intención de invadir nuestro planeta se apropian de los cuerpos de los muertos para

sembrar el caos, o la hoy considerada película de culto Vampiros del espacio (Plan 9 from Outer Space, Ed Wood, 1959), donde los alienígenas quieren adueñarse da la Tierra resucitando a los muertos. Habría que esperar hasta la siguiente década, con el resurgir del horror gótico de la mano de Hammer Films y el comienzo del gore con 2.000 Maníacos (Two thousand Maniacs!, Herschell Gordon Lewis, 1964) para que los zombis entraran, arrastrando sus pútridos pies y emitiendo lastimosos gemidos, en el Salón de la Fama de los monstruos cinematográficos.

1968 fue un año de confusión.

Los estudiantes protagonizaron disturbios en París y Londres pidiendo más libertad. En Checoslovaquia los obreros se levantaron contra el gobierno comunista y Estados Unidos, con el presidente Lyndon B. Johnson al frente, se precipitaba hacia el caos. La guerra de Vietnam parecía no acabarse nunca, el 4 de abril fue asesinado Martin Luther King y tan solo dos meses después también lo era el senador Robert Kennedy, uno de los políticos más prometedores del país. Los disturbios pidiendo cambios se sucedían por todo el país hasta el punto de amenazar con convertirse en una auténtica revolución de imprevisibles conCinemascomics │ Febrero 2011 │

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Night of the Living Dead. George A. Romero. 1968

secuencias. En estas condiciones, el 1 de octubre de 1968 un joven llamado George A. Romero estrenó una película de bajo presupuesto, rodada en blanco y negro, que no dejó indiferente a nadie.

Se llamó La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead), y marcó un antes y un después en el género que nos ocupa.

En ella se contaba de forma claustrofóbica la dramática historia de un grupo de personas refugiadas en una granja de Pittsburgh que intentan sobrevivir al ataque de una horda de muertos vivientes, salidos de sus tumbas a causa de las radiaciones emitidas por la explosión de una sonda espacial enviada a Venus. Al contrario que los zombis haitianos, éstos no tenían amo, pero sí muy malas pulgas, un aspecto horrible y solo una cosa en mente, que no era precisamente obedecer órdenes, sino devorar a los vivos. Algo que Romero mostró como nunca antes se había visto, sin ningún tipo de recato e incluso recurriendo a los primeros planos. Éstos sí daban miedo. Y mucho. Además, la acción no se desarrollaba en lejanas junglas, sino en Estados Unidos, y el problema no afectaba solo a este país, sino a todo el planeta.

Los zombis eran los nuevos bárbaros, una horda voraz e irracional

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que amenazaba con destruir la civilización. Una magnífica metáfora de aquellos turbulentos años.

De hecho, la fotografía en blanco y negro, la poca luz, y la filmación en algunos momentos cámara en mano dotó a la película de una impresión de realismo y crudeza más propia de un noticiario televiso que de ninguna película de

“ En adelante, todas las películas de zombis seguirían las pautas marcadas por Romero “ terror vista anteriormente. Fue todo un éxito. En adelante, todas las películas de zombis seguirían las pautas marcadas por Romero. Los zombis serían auténticos muertos vivientes en diferentes estados de putrefacción, que atacarían en grupo a los vivos para alimentarse de su carne y a los que sólo se podría detener destrozándoles la cabeza. Además, todo aquel mordido por un zombi, muera o no, acabará convirtiéndose en uno de ellos, como ocurría con la pequeña Karen.

A pesar de ser un auténtico blockbuster, la película de Romero no provocó una avalancha de imitadores en su país hasta los años

ochenta. Tan solo algunos títulos que merecen la pena ser recordados como La noche de los muertos vivientes 2 (Children shouldn´t Play With Dead Things, Bob Clark, 1972), cuyo desafortunado título en español confunde, ya que Romero no tuvo nada que ver, en la que un grupo de actores aficionados resucita a los muertos de un cementerio; Crimen en la noche (Dead of Night, Bob Clark, 1974); Garden of the Dead (John Hayes, 1972), La niña (The Child, Harry Novak, 1977) y Ondas de Choque (Shock Waves, Ken Wiederhon, 1976), donde aparecieron por primera vez zombis nazis.

Los zombis cruzaron el océano y se instalaron en Italia, protagonizando tal cantidad de películas que puede hablarse de un auténtico Spaghetti-Zombi, un subgénero más preocupado por lo visceral (en el sentido literal) que por las formas cinematográficas, iniciado por Lucio Fulci en 1979 con Nueva York bajo el terror de los zombi (Zombi 2) con sus famosas escenas del ojo taladrado y la lucha submarina del zombi y el tiburón. Promocionada con la impactante leyenda: “Cuando la tierra escupe a los muertos...Éstos regresan para arrancarle la carne a los vivos”, es probable que los distribuidores españoles decidiewww.cinemascomics.com

ran titularla así por la impresionante escena final de la horda de zombis caminando lentamente por el puente de Brooklyn. En realidad, la acción transcurría en una paradisíaca isla a donde se trasladan Anne y Peter en busca del padre de ésta, cuyo velero ha llegado a Nueva York llevando a bordo un orondo zombi. Allí tendrán que enfrentarse a los habitantes de la isla convertidos en zombis a causa de una misteriosa enfermedad. Randall Larson, el prestigioso crítico de Cinefan la tachó de “festival de sangre repugnante y asqueroso”. Gracias a su éxito taquillero, Fulci seguiría explotando el tema con Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (Paura nella cittá dei morti viventi, 1980), de atmósfera lovecraftiana y ambientada en el pequeño pueblo de Dunwich, a la que no se puede negar la capacidad para provocar el vómito del espectador. 1981 sería el año de El más allá (E tu vivrai del terrore!) y de Aquella casa al lado del cementerio (Quella villa accanto al cimitero), con un mad-doctor zombi dedicado a buscar el secreto de la inmortalidad. Fulci abandonó a los zombis con la infame Zombi 3, que pretendía ser la secuela de Nueva York bajo el terror de los zombi. El éxito de esta última animó a otros directores a subirse al carro zombi, dando lugar a una auténtica oleada de zombimanía en la Italia de los ochenta, con productos rezumantes de sangre y casquería variada como Holocausto zombi (Zombi Holocaust, Marino Girolami, 1980), que tomaba prestados elementos del cine italiano de caníbales de remotas junglas como la exitosa Holocausto caníbal (Cannibal Holocaust, Ruggero Deodato, 1980), con mad-doctor incluido; La invasión de los zombis atómicos (Nightmare City, Umberto Lenzi, 1980), con unos zombis horriblemente caracterizados pero muy, muy rápidos y nuestro añorado Paco Rabal; Masacre zombi (La notte del terrore, Andrea Bianchi, 1981); Apocalipsis caníbal (Virus, Bruno Matei, 1980), de la que se dijo en nuestro país que sus proyecciones debían pararse cada dos por tres por las continuas vomitonas de los espectadores o La www.cinemascomics.com

noche del terror (Le notti del terrore, Andrea Bianchi, 1980), en la que un niño, ya transformado en zombi, arranca el pecho de la madre que se lo ha ofrecido para que mame de él. Junto con lo del feto de Gomia, terror en el mar Egeo (Antropophagus, Joe D´Amato, 1980), uno de los momentos de peor gusto de la historia del cine. Por cierto, este último director también se atrevió en 1979 a probar suerte zombi con Las noches eróticas de los muertos vivientes (Le notti erotiche dei morti viventi), una infumable mezcla de terror, sexo y comedia. Dicen los entendidos que la mejor película de este subgénero y también la que marcó su inevitable ocaso fue Mi novia es un zombi (Dellamorte Dellamore, Michele Soavi, 1994), en la que Rupert Everett interpretó a un empleado de cementerio encargado de eliminar a los muertos que vuelven a la vida y que se enamora de una joven viuda a la que su celoso marido zombi acaba también convirtiendo de un mordisco. ¿Qué me he dejado alguna? Ya lo sé, listo. Sin duda, auténticas obras maestras del Séptimo Arte...

Mención especial merecen nuestros zombis patrios: los Spanish Zombis. Amando de Ossorio firmó la exitosa saga de los Caballeros Templarios ciegos, zombis y vengativos con La noche del terror ciego (1971), El ataque de los muertos sin ojos (1973), El buque maldito (1974) y La noche de las gaviotas (1975), que merece la pena revisitar. Como no podía ser de otra forma, también nuestro gran Paul Naschy se acercó al género escribiendo el guión y protagonizando La rebelión de las muertas (León Klimovsky, 1972), una historia de vudú, satanismo, misticismo oriental y zombis. Nuestro querido Señor Lobo también trabajó en La orgía de los muertos (Jose Luis Merino, 1972), dando vida a Igor, ayudante de un mad-doctor que resucita

a los muertos. En la magnífica Pánico en el Transiberiano (Eugenio Martín, 1972), las víctimas de la entidad alienígena que viaja en el tren vuelven a la vida con los ojos en blanco y ensangrentados.

Christopher Lee, Peter Cushing y Telly Savalas junto a Silvia Tortosa en uno de los más famosos y reconocidos films de terror realizados en nuestro país que, sin ningún problema, podría pasar por una producción de la Hammer. Otro clásico de nuestro cine de terror es, sin duda, No profanar el sueño de los muertos (Jorge Grau, 1974), en la que los muertos vuelven a la vida por culpa de las radiaciones ultrasónicas emitidas por una máquina experimental de exterminio de plagas. Además de tener uno de los mejores títulos del género, el horror destilado por sus imágenes y sus novedosos planteamientos (los muertos no salen en las fotos, tienen las pupilas rojas, suben escaleras y utilizan instrumentos) hacen que la obra de Grau no tenga nada que envidiar a La noche de los muertos vivientes, y que podamos sentirnos muy pero que muy orgullosos de que un compatriota diera al mundo de los vivos una de las mejores películas de muertos vivientes de todos los tiempos.

Como también podemos sentirnos Cinemascomics │ Febrero 2011 │

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no en serie, babosas alienígenas infectantes y zombis y desarrollada en un ambiente teenager, donde también transcurría I Was a Teenager Zombie (John Elias Michalakis, 1986), con un grupo de adolescentes enfrentado a los muertos vivientes.

Imagen del rodaje de Dawn of the Dead. George A. Romero. 1978

orgullosos (¿por qué no?) de que otro compatriota, esta vez nuestro entrañable Jesús Franco, haya legado a la Historia algunas de las peores películas zombis de todos los tiempos, como son La tumba de los muertos vivientes (1981) y La mansión de los muertos vivientes (1982).

Diez años después de que los muertos se alzaran de sus tumbas Romero estrenó Zombi (Dawn of the Dead, 1978), donde utilizó por primera vez esa palabra para definir a sus monstruos y donde además hizo responsable de la plaga zombi a “un problema vírico”. Una idea que ya había desarrollado en The Crazies (1973), donde un arma biológica que escapa de un avión siniestrado convierte a los vecinos de una población cercana en una horda de locos furiosos.

Mucho más gore que la original y centrada en un grupo de supervivientes refugiados en una centro comercial sitiado por los zombis, Zombi es considerada por méritos propios un título indispensable en la evolución del zombi cinematográfico. Romero fue encumbrado al sangriento altar del género, convirtió los 650.000 dólares de presupuesto en los 55 millones de dólares recaudados en las taquilla y puso en marcha la “fiebre zombi” de los ochenta, con títulos tan originales como Muertos y enterrados (Dead&Buried, Gary A. Sherman, 1981) o Redneck Zombies (Pericles Lewnes, 1987), y tan inolvidables como House, una casa alucinante (House, Steve

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Miner, 1986) y House 2: Aún más alucinante (House II: The Second Story, Ethan Wiley, 1987), comedias terroríficas con casa encantada, zombis y el siempre estupendo William Katt (al que pudimos ver en el pasado Festival de cine fantástico de Sitges en la entretenida Super). En el 85, Romero volvió a ponerse manos a la obra y estrenó El día de los muertos (Day of the Dead), su película más dura, tanto por la crudeza de sus imágenes como por los conflictos entre los supervivientes, refugiados en esta ocasión en un bunker subterráneo donde conviven militares, civiles y científicos y donde el doctor Logan intenta “humanizar” a los zombis haciéndoles recordar su vida pasada. En 1986, uno de los guionistas de House llamado Fred Dekker realizó una pequeña joya llamada El terror llama a su puerta (Night of the Creeps), llena de homenajes al género, con asesi-

En 1987, Wes Craven dirigió La serpiente y el arcoiris (The Serpent and the Rainbow), basada en el libro del etnobotánico de Harvard Wade Davis, que en 1982 viajó a Haití y volvió afirmando haber encontrado el secreto de los zombis. Según Davies, se trataría de unos polvos llamados coup de poudre, cuyo ingrediente principal sería la tetrodotoxina extraída del pez globo, que una vez puestos en contacto con la víctima le producirían el estado de muerte aparente del que después le sacaría el bòkò con el correspondiente antídoto. Su tesis cuenta con muchos detractores, e incluso el mismo Davis reconoció en su posterior libro, Passage of Darkness, que la toxina es necesaria, pero no suficiente...

El libro de Davis fue muy popular, y probablemente inspiró a Dan O´Bannon su exitosa, divertida y longeva saga, iniciada con El regreso de los muertos vivientes (The Return of the Living Dead, 1985). En ella, la sustancia química 2-4-5 Trioxin (el parecido semántico sería evidente hasta para Sofía Mazagatos) es capaz de resucitar a cualquier muerto, esté como esté, pero con un dolor terrible que sólo se alivia comiendo cerebros (“¡cereeebroossss!”).

Night of the Creeps. Fred Dekker. 1986 www.cinemascomics.com

Además, estos zombis eran listos y corrían que se las pelaban. Según su original planteamiento, La noche de los muertos vivientes no era una ficción, sino algo que ocurrió en realidad pero que se hizo pasar por una película para que no cundiese la histeria colectiva, y el producto causante de la vuelta a la vida de los cadáveres había sido “una especie de droga” desarrollada para el ejército por una compañía química en un hospital de Pittsburgh que, por descuido, acabó filtrándose a un depósito de cadáveres. Después vendrían La divertida noche de los zombis (Return of the Living Dead. Part II, Ken Wiederhorn, 1988), Mortal Zombie (Return of the Living Dead 3, Brian Yuzna, 1993), Return of the Living Dead: Necropolis (Ellory Elkayem, 2005) y Return of the Living Dead: Rave to the Grave (Ellory Elkayem, 2005).

Otro clásico de los ochenta es Re-animator (Re-Animator, Stuart Gordon, 1985), basada en el cuento de Lovecraft Herbert West, reanimador, en la que un brillante estudiante de medicina y su compañero de piso crean un suero que devuelve la vida a los muertos convertidos en maníacos homicidas. Un buen ejercicio de cine gore con estupendos efectos de maquillaje que sedujo a un gran número de espectadores gracias a una infalible combinación de horror y humor negro y que tuvo sus secuelas con la menos inspirada La novia de Re-Animator (Bride of Re-animator, Brian Yuzna, 1990) y la delirante Beyond Re-Animator (2003), también de Yuzna. En Maniac Cop (William Lusting, 1988) y Maniac Cop 2 (1990), el zombi era un policía psicópata que vuelve a la vida para vengarse de sus asesinos. Además, en las estanterías de los video-clubs ochenteros podíamos encontrar otros muchos subproductos zombis lanzados directamente a ese mercado como Guerreros del más allá (Raiders of the Living Dead, Samuel M. Sherman, 1987), La maldición del templo azteca (The Laughing Dead, S. P. Somtow, 1989), Museo de cera (Waxwork, Anthony Hickox, 1988), La venganza de los muertos vivientes (Zombi Nosh, S. William Hinzman, 1988) o El www.cinemascomics.com

Poster de Re-animator. Stuart Gordon, 1985

foso de la muerte (The Dead Pit, Brett Leonard, 1989). Comida rápida para echar unas risas con los coleguillas del cole mientras nos bebíamos unas cuantas cervezas antes de engominarnos para ir a la disco, hacer lo que ahora se llama el air-guitar con Europe, bailar con enorme torpeza los temas del momento de Modern Talking o C. C. Catch y esperar que pusieran las lentas para intentar robarle un beso a la incauta de turno antes de volver corriendo a casa para llegar a tiempo a cenar. El producto adecuado para unos años en los que pasábamos de malos rollos, en los que no nos fiábamos de nadie que tuviera más de treinta tacos y en los que, como cantaba Cindy Lauper, sólo queríamos pasarnoslo bien (un beso para tí, querida Cindy, donde quiera que estés, y gracias por Time after time...)

Los noventa fueron malos tiempos para los zombis. Vale que en 1990

Tom Savini estrenó un correcto remake de La noche de los muertos vivientes y que en el 92 Peter Jackson estrenó Tu madre se ha comido a mi perro (Braindead), el catálogo sanguinolento más excesivo de la historia del cine, cuya “paciente cero” zombi era la madre del protagonista, mordida por el horrible mono-rata.

Pero poco más podemos salvar; tal vez la ya mencionada Mortal zombie. Fue una década dominada por los vampiros, que de villanos pasaron a ser protagonistas e incluso héroes, como se pudo ver claramente en Drácula de Bram Stoker (Bram Stoker´s Dracula, Francis Ford Coppola, 1992) y en Entrevista con el vampiro (Interview with a Vampire, Neil Jordan, 1994), algo que no resulta extraño para unos años en los que Estados Unidos disfrutó de un boom económico y de una tasa de empleo nunca antes conocidos por ningún país del mundo; años de opulencia, consumo desmadrado y fasciCinemascomics │ Febrero 2011 │

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nación por Wall Street donde se nos ponía a Mario Conde y a otros que probablemente tampoco se reflejaban en los espejos como el modelo a seguir...

Pero con el cambio de siglo, la tierra de las tumbas volvió a removerse desde abajo, como un siniestro presagio de la que nos iba a caer encima a todos. El fuego lo abrió Resident Evil (Resident Evil, Paul W. S. Anderson, 2002), basada en el popular videojuego de survival horror creado en 1996 por Shinji Mikami. A estas alturas, poco podemos decir de esta exitosa saga que ha convertido en un icono del siglo XXI a Milla Jojovich, donde se cuentan las aventuras de Alice contra los zombis creados por el virus T desarrollado por la malvada Corporación Umbrella.

Al año siguiente se estrenó otra adaptación cinematográfica de un videojuego mata-zombis: House of the Dead, realizada por el infame Uwe Boll, que tuvo su secuela con House of the Dead 2 (Michael Hurst, 2005), que aunque salió directamente en vídeo fue muy superior a su predecesora e incluso

aportó alguna inovación, al tratar con la posibilidad de que la infección zombi se pudiera transmitir por las picaduras de los mosquitos y que fuera posible desarrolar una vacuna.

Resident Evil fue una peli enormemente taquillera, así que después vinieron Resident Evil: Apocalipsis (Resident Evil: Apocalypse, Alexander Witt, 2004), Resident Evil: Extinción (Resident Evil: Degeneration, Russell Mulcahy, 2007) y la reciente Resident Evil: Ultratumba (Resident Evil: Afterlife, Paul W. S. Anderson, 2010), ésta última en 3D. Después de vender millones de videojuegos y de arrasar en taquilla (Extinción entró directamente al número uno en Estados Unidos y entre las tres primeras recaudaron 379 millones de dólares), parece que la franquicia tiene cuerda para rato.

Y es que en estos tiempos de amenazas biológicas inventadas por los mismos que antes diseñaban guerras (los mismos chupasangres a los que nos referíamos antes), una idea que ha quedado profundamente incrustada en el incons-

ciente colectivo es que, tal vez, el fin de la Humanidad podría originarse en un laboratorio. Por eso, el zombi del siglo XXI ya no es hijo del vudú ni de las radiaciones nucleares, sino de la ingeniería genética, de virus creados por corporaciones sin escrúpulos que acaban escapando a su control.

Esa fue la idea desarrollada en la obra clave del cine zombi actual, estrenada el mismo año que Resident Evil: 28 días después (28 Days Later, Danny Boyle, 2002), que supuso una auténtica revolución del género al presentar unos zombis rabiosos que ya no se movían torpemente esperando que alguien les volara la cabeza, sino que eran unos auténticos plusmarquistas, fuertes y endiabladamente rápidos, como lo serían todos los demás zombis posteriores. Su secuela, la espectacular 28 semanas después (28 Weeks Later, 2007), fue co-escrita y dirigida con gran acierto por nuestro compatriota Juan Carlos Fresnadillo. La peli de Boyle inspiró a Zack Snyder su remake del Zombi de Romero, que se llamó Amanecer de los muertos (Dawn of the

Imagen de Resident Evil: Ultratumba. Paul W. S. Anderson. 2010

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Dawn of the Dead. Zack Snyder. 2004

Dead, 2004), un trabajo que en contra de lo que muchos se temían, superó en muchos aspectos al original y nos dejó sin aliento ya desde sus impresionantes escenas iniciales. El chico 300 ya apuntaba alto...Ese mismo año, una producción británica dejó clara la polivalencia de los zombis, que también podían hacernos reir: la combinación en Zombis Party (Shaun of the Dead, Edgar Wright, 2004) de humor, gore, acción y romance la convirtió en un taquillazo inesperado. Mientras, Romero despotricaba por la evolución sufrida por sus monstruos, apoyándose en la imposibilidad de que un cuerpo putrefacto pudiese moverse a esas velocidades, “porque los tobillos se le romperían”.

Eso no eran muertos vivientes, sino infectados, decía, algo que siguen sosteniendo los puristas, a los que podríamos replicar que tampoco un hombre puede volar, convertirse en lobo o vivir para siempre por mucha sangre que se beba, y que en eso reside la grandeza del cine fantástico: en que la única regla es, precisamente, que no hay reglas.

Sin embargo, muertos vivientes o infectados, estos zombis corredores molaban mucho más, y cuando Romero estrenó en 2005 La tierra de los muertos vivientes (Land of the Dead), con un presupuesto mucho mayor que el de las anteriores gracias a la confianza que depositó en el proyecto la Universal, se encontró con que el público le daba la espalda. A la gente www.cinemascomics.com

no le gustó demasiado que presentara a los torpes zombis como una minoría oprimida a la que un muerto viviente con mucho conocimiento llamado Big Daddy lidera para acabar con los despiadados humanos refugiados en una ciudad fortificada. A pesar de eso, fue un producto digno con impactantes escenas, como la secuencia de la horda de zombis saliendo del agua. Buscando nuevas fórmulas, Romero volvió a sus orígenes, al cine independiente de bajo presupuesto, e inspirándose en la

“Más voces. Más confusión.

La verdad se convierte en ruido” George A. Romero técnica de los mockumentaries o falsos documentales al estilo de Holocausto Caníbal, El proyecto de la bruja de Blair o This Is Spinal Tap, rodó la considerada unánimemente su peor película hasta la fecha: El diario de los muertos (Diary of the Dead, 2007). En ella, la historia era contada desde el punto de vista de unos estudiantes de cine que intentan volver a casa la noche en que trascurrieron los acontecimientos de La noche de los muertos vivientes, recogiendo con sus cámaras el horror de lo que estaba sucediendo, lo que sirvió a Romero como vehículo para arremeter contra los medios de comunicación on line: “Más voces. Más confusión.

La verdad se convierte en ruido”.

Con unos diálogos espantosos, un lamentable trabajo de los actores y muy poca acción, El diario de los muertos fue un rotundo fracaso, estuvo muy poco tiempo en cartelera y recaudó menos de un millón de dólares en las taquillas estadounidenses. Curiosamente, el año anterior se había estrenado The Zombi Diaries, también con el mismo formato de falso documental, también mala, pero incluso superior a la de Romero.

2007 fue el año de esa gamberrada zombi, esa exaltación festiva de lo cutre llamada Planet Terror, de Robert Rodriguez, que en un principio era parte de Grindhouse, el “programa doble” que incluía a la Death Proof de Tarantino. También fue el año del nuevo remake de Soy leyenda (I Am Legend, Francis Lawrence), con Will Smith y zombis infográficos en vez de vampiros; de otro falso documental, esta vez muy divertido, llamado American Zombie (Grace Lee), con zombis reivindicando sus derechos y, por supuesto, de nuestra [Rec], de Jaume Balagueró y Paco Plaza, una obra claustrofóbica de horror puro rodada como si fuera un reality-show que tuvo su prescindible remake americano (Quarantine, John Erick Dowdle) y su secuela, [Rec]² (2009) donde, en una asombrosa vuelta de tuerca, se resolvieron los puntos oscuros del origen de los zombis de la casa barcelonesa, que no vamos a desvelar por si queda algún rezagado.

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Fotograma de Bienvenidos a Zombielad. Ruben Fleischer, 2009

No cabe ninguna duda de que esta década que acaba de irse ha sido de los zombis. Hemos podido ver también la curiosa Fido (Andrew Currie, 2006), con zombis domesticados mediante un collar en la América de los cincuenta; el sorprendente corto I´ll See You in My Dreams (Miguel Ángel Vivas, 2003); las ochenteras Zombis nazis (Dead Snow, Tommy Wirkola, 2009) y La plaga (Slither, James Gunn, 2006), deliciosas comedias como Bienvenidos a Zombieland (Zombieland, Ruben Fleischer, 2009), Dance of the Dead (Gregg Bishop, 2008) o Una de zombis (Miguel Ángel Lamata, 2003), tragicomedias como Zombie Honeymoon (David Gebroe, 2004), comedias fallidas como Zombie Strippers (Jay Lee, 2008), pelis crudas y salvajes como La Horde (Yannick Dahan y Benjamin Rocher, 2009)o verdaderamente infumables como Zombi Wars (David A. Prior, 2006); originales como La resurección de los muertos (Les revenants, Robin Campillo, 2004) e infinidad de productos zombis más que no vamos a detallar por falta de tiem-

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po, espacio y ganas...En medio de esta vorágine, la última peli de Romero, la soporífera La resistencia de los muertos (Survival of the Dead, 2009), pasó como se merecía: completamente inadvertida.

Y es que Romero también se ha convertido en un muerto viviente. A quien quiera profundizar en el tema le recomiendo el reciente Zombies. Muertos vivientes en la cultura popular, de Marc Gras; Zombie Evolution. El libro de los muertos vivientes en el cine, de José Manuel Serrano Cueto; Holocausto Zombi, de David Flint y el enciclopédico Cine Zombi, de Ángel Gómez Rivero, aunque vaya por delante una advertencia: es tal la Avalancha Z que cualquier libro quedará desfasado en el momento en que se publique...

El zombi ya forma parte de nuestra cultura hasta el punto de que incluso quien no hubiera visto ninguna película anterior del género, ahora ya sabe sus características esenciales. Lo más llamativo es que han triunfado también en el prime-time televisivo, algo inima-

ginable en otras épocas en que la familia se reunía en el sofá, bocadillo en mano, para ver Farmacia de guardia o Médico de familia.

Nos estamos refiriendo a la británica Dead Set (Yann Demange, 2008), con los zombis atacando el plató de Big Brother y la norteamericana The Walking Dead, la adaptación de los estupendos comics de Robert Kirkman (publicados en nuestro país por Planeta DeAgostini en tomos conteniendo cada uno seis números del comicbook original), centrada en las relaciones de los supervivientes en un mundo devastado, que en su estreno en ACM tuvo 6 millones de espectadores y 3 millones en su reciente arranque en abierto en La Sexta.

Además, con acudir a cualquier librería uno se da cuenta enseguida del enorme filón que suponen para la industria cinematográfica la incontable cantidad de novelas zombis que se vienen publicando en los últimos tiempos, desde la seminal Guerra Mundial Z, de Max Brooks o Orgullo y prejuicio www.cinemascomics.com

y zombis, de Seth Grahame-Smith (ambas ya en pre-producción) a dignísimos productos patrios como Los caminantes, de Carlos Sisí; Apocalipsis Island, de Vicente García o Apocalipsis Z, de Manel Loureiro.

Los zombis están aquí y, por lo que parece, van a quedarse durante muuuuucho tiempo. Como decía el eslógan de American Zombie: “Estamos aquí. Estamos muertos. ¡Vete acostumbrando!” Ésta no es la Crisis Ninja; es la Crisis Zombi.

Porque si el cine es un reflejo de los telediarios y cada época tiene el cine de terror que necesita para desahogar emocionalmente, de manera consciente o inconsciente, las angustias de la vida diaria, en el duro momento actual el zombi representa el miedo a perder de la noche a la mañana todo aquello que nos convierte en humanos: la familia, el trabajo, los amigos, la casa...y vernos convertidos en muertos vivientes, formar parte de una horda irracional sin más ocupación que rondar por las calles buscando sustento, aun a costa de nuestros seres queridos. Miedo a la pérdida de la propia identidad, a que fuerzas misteriosas y desconocidas frente a las que no podamos hacer nada nos conviertan en uno de esos trágicos seres despojados de individualidad y conciencia a los que que no podemos odiar como a la bruja, el vampiro o el alienígena invasor, sino a los que compadecemos porque una vez fueron como nosotros, y se levantaban renegando al punto de la mañana, y echaban pestes del compañero ese tan pelota, y aguantaban las broncas del tonto del jefe y a los coñazos de los clientes...pero a final de mes sus esfuerzos se veían recompensados y cobraban una nómina que llevar a casa, y hacían planes con la parienta para a ver si este año podemos llevar a los críos a Eurodisney. Una vez fueron humanos...

Y lo que es igualmente aterrador (como se ve en The Walking Dead), el Apocalipsis Zombi representa el miedo a lo que estaríamos dispuestos a hacer para no convertirnos en uno de ellos en unos momentos de soledad y deswww.cinemascomics.com

confianza en los que el sistema no solo se ha mostrado ineficaz para contener la plaga, sino que ha sido el causante de la misma.

En ese sentido, el supervivente del Apocalipsis Zombi es la encarnación del hombre posmoderno, alguien consciente de la banalidad de su existencia y que debe ingeniárselas para sobrevivir en un tiempo en el que el héroe ha muerto. En otra lectura, la horda zombi representaría una amenaza difusa, carente de toda humanidad, con la que no se puede razonar ni negociar y en manos de la cual cualquiera podemos caer en cualquier momento: la de un sistema económico muerto y corrompido pero mantenido vivo, capaz de abocar a la Humanidad a un final apocalíptico a causa tan solo del deseo de voraces banqueros, inmorales políticos, estafadores piramidales y demás

gentuza de satisfacer sus instintos más primitivos (comer carne humana/ganar dinero a cualquier precio). Un sistema que debe seguir devorándonos para seguir muerto, y frente al que bien poco podemos hacer. Únicamente esperar tiempos mejores, porque si los zombis nos devoraran a todos, ¿de qué se alimentarían? Mientras tanto, seguiremos disfrutando de las pelis de zombis que, al menos, han borrado del mapa a innecesarios remakes, aburridas chicas con bidones de gasolina e infames vampiros y hombres-lobo metrosexuales y pasteleros... ¡Hasta otra, amiguetes!

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DVD / Blu-Ray

Desde el 1 de febrero está disponible a la venta y alquiler en DVD, Blu-Ray y Blu-Ray 3D, Resident Evil: Ultratumba. Cuarta entrega de labasada en el popular videojuego de survival horror creado en 1996 por Shinji Mikami.

Resident Evil: Ultratumba 3D comienza cuatro años después del brote inicial del virus T diseñado por la Corporación Umbrella para combatir el envejecimiento y las enfermedades nerviosas. El desafortunado efecto secundario es la capacidad que tiene de reanimar células muertas, transformando a sus portadores en hambrientos zombis. Tras extenderse por el planeta, el virus ha convertido al mundo en una pesadilla irreconocible donde los muertos vivientes evolucionan a una velocidad alarmante, dando caza a los pocos seres humanos que quedan con vida.

Retomando la historia donde la dejó la última entrega, Resident Evil: Ultratumba 3D comienza en Japón, donde Alice, armada con capacidades súper humanas, lidera un ejército de sus propios clones contra su némesis de toda la vida, Albert Wesker, el presidente de la Corporación Umbrella. Tras dar a Wesker por muerto en un www.cinemascomics.com

enfrentamiento que la deja sin poderes y a su ejército destrozado, Alice pilota un avión de dos plazas y aterriza en el frío y salvaje terreno de Alaska. Su meta: encontrar supervivientes en la misteriosa Arcadia: el único lugar de la tierra supuestamente no asolado por el virus.

Pero Arcadia no resulta ser la tierra prometida que aparentaba ser, y la única que da señales de vida es su antigua compañera de armas Claire Redfield (Ali Larter), quien sufre de amnesia total.

Claire y Alice unen fuerzas para buscar respuestas. Su búsqueda las llevará a la arruinada ciudad de Los Ángeles, en la que conocen a un puñado de supervivientes atrincherados en una antigua prisión, resistiendo como pueden a un ejército de muertos vivientes. Allí Alice descubre que posiblemente Arcadia esté más cerca, y sea más letal, de lo que se había imaginado.

Poco a poco Claire va recuperando su memoria y su destreza en las artes marciales y Alice encabeza la pequeña banda de supervivientes en una peligrosa misión de rescate, y descubre algo mucho más aterrador que lo que podían haberse imaginado.

Screen Gems, Davis Films/Impact Pictures y Constantin Film presentan Resident Evil: Ultratumba, el primer capítulo de la saga rodado y presentado en 3-D. Milla Jovovich, Ali Larter y Spencer Locke repiten sus papeles de Resident Evil: Extinción. Los recién llegados a la franquicia son Wentworth Miller (“Prison Break”), Shawn Roberts (Al límite), Boris Kodjoe (Los sustitutos), Kim Coates (“Sons of Anarchy”), Sergio Peris-Mencheta (Love Ranch), Kasey Barnfield (“Grange Hill” de la BBC) y Norman Yeung.

Resident Evil: Ultratumba 3D ha sido escrita, dirigida y producida por Paul W. S. Anderson. Anderson escribió, produjo, y dirigió el primer Resident Evil, y también ha escrito y producido las dos entregas anteriores, Resident Evil: El apocalipsis y Resident Evil: Extinción. Jeremy Bolt (Death Race), Robert Kulzer (Pandórum), Don Carmody (Resident Evil: El apocalipsis), Bernd Eichinger (RAF Facción del ejército rojo, El hundimiento), y Samuel Hadida (El imaginario del Doctor Parnassus) también son productores. Martin Moszkowicz (Pandórum) y Victor Hadida (El imaginario del Doctor Parnassus) son los productores ejecutivos.

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Clรกsicos del Terror

LAS REINAS DEL GRITO Por Pedro Pinos

¿Quién no se ha estremecido en la butaca de un cine con los aterradores gritos de una desvalida muchacha sobre la que se cernía una terrible amenaza en forma de monstruo antediluviano, asesino sin entrañas o espantoso alienígena? ¿Qué sería del cine de terror sin los gritos de estas heroínas?

Damas y caballeros, estamos ante un grupo de sensuales mujeres soberanas del Reino de los Gritos…Llegaron al trono durante la época del cine mudo, repleto de candorosas mujeres cuyos gestos traspasaban la pantalla de tal modo que el espectador podía comprender perfectamente el terror que las asolaba sin escuchar los gritos que proferían frente la cámara.

Aquella pléyade de atractivas mujeres manejaron con maestría las habilidades artísticas que poseían, transmitiendo un terror atroz a los espectadores del mundo entero. Sumidas en el entorno expresionista de principios del siglo XX, exageraron sus demostraciones de terror hasta convertirse en referentes e iconos culturales y cinematográficos.

Fay Wray, la angelical rubia capturada por King Kong en la versión original de 1933 (King Kong, Merian C. Cooper & Ernest B. Schoedsack, 1933) es considerada por muchos como la primera Reina del grito, pues sus estentóreos chillidos y sus manifestaciones de pánico ante el gigantesco gorila aterraron a todo aquel que pagaba una entrada de cine para ver el colosal espectáculo. El cine sonoro apareció en 1927 con El cantante de jazz (The Jazz Singer, Alan Crosland, 1927), pero a partir de 1930 era un fenómeno global, con lo que el cine de terror entraba en una nueva dimensión; por ende se reforzaba el pavor generado por los gritos de las mujeres que se hallaban en peligro. La mítica Fay Wray había rodado treinta filmes antes de ser ofrecida en sacrificio al Rey Kong, dejando patente su indiscutible dominio del medio. Un año antes había protagonizado El Malvado Zaroff (The Most Dangerous Game, Ernest B. Schoedsack & Irving Pichel, 1932), basado en un relato corto de Richard Connell, en donde desataba las ocultas pasiones del perverso protagonista. Filmes como Doctor X (Doctor X, Michael Curtiz, 1932), El Murciélago Vampiro (The Vampire Bat, Frank R. Strayer, 1933) y El Misterio del Museo de Cera (Mystery of the Wax Museum, Michael

Curtiz, 1933) le habían aupado a la cima del cine de terror y misterio. En todos ellos demostró una solidez interpretativa descomunal. ¿Y qué había ocurrido mientras el cine era mudo? La fuerza de la actuación debía sustentarse en gestos, poses y miradas. Inolvidables resultaron las interpretaciones de Lili Dagover en El Gabinete del Doctor Caligari (Das Kabinett der Doktor Caligari, Robert Wiene, 1920), Gertrude Welcker en El doctor Mabuse (Dr. Mabuse, der Spieler, Fritz Lang, 1922), Greta Schröder y Ruth Landshoff en Nosferatu (Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens, F.W. Murnau, 1922), Patsy Ruth Miller en El Jorobado de Notre Dame (The Hunchback of Notre Dame, Wallace Worsley, 1923) o Mary Philbin en El fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, Rupert Julian, 1925). Y no debe olvidarse la soberbia interpretación de Brigitte Helm en Metrópolis (Metropolis, Fritz Lang, 1927), donde tenía un doble papel, dando vida a una virtuosa heroína y a un perverso robot.

En los fascinantes años treinta, la productora Universal Pictures rubricó sus productos de género con grandes clásicos del cine de terror como Drácula (Dracula, Tod Browning, 1931), El monstruo de Frankenstein (Frankenstein, James Whale,

1935). Su atinada desmesura ha sido referente a lo largo de la historia del cine.

Gloria Holden en “La hija de Drácula” . Lambert Hillyer. 1936.

1931), La momia (The Mummy, Kart Freund, 1932), El hombre invisible (The invisible man, James Whale, 1933) o El hombre lobo (The Wolf Man, George Waggner, 1941) entre otras criaturas y seres infernales. Pocas veces se abonó tanto un terreno para que las asustadas víctimas femeninas pudieran expresarse con unos gritos tan intensos y afilados.

Los guionistas de cine de terror de aquella época colocaron a algunas mujeres al otro lado de la frontera, es decir junto a villanos y anti-héroes; tal es el caso de Carroll Borland, cuya interpretación de la hija del Conde Mora, papel otorgado al inquietante Bela Lugosi, sentó cátedra entre las malvadas del celuloide. La incestuosa relación que mantenían ambos en La marca del Vampiro (Mark of the Vampire, Tod Browning 1935) constituyó un hito inolvidable en la historia del cine de la época.

Al mismo tiempo, la estética de la Borland inspiró a todas las actrices que pretendieron infundir miedo durante las siguientes décadas, como Vampira, Morticia, las diabólicas féminas de las producciones Hammer o las fantasmagóricas aparecidas en los filmes del director norteamericano Roger Corman, inspiradas en los relatos del genial Edgar Allan Poe.

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Hollywood quiso dejar patentes los aspectos más siniestros de la feminidad, representados en la mitología por las Arpías, la Esfinge o la Gorgona, con películas como La Hija de Drácula (Dracula´s Daughter, Lambert Hillyer, 1936) protagonizada por Gloria Holden, y basada en un capítulo escrito y rechazado por el padre de Drácula, el escritor Bram Stoker, publicado de manera póstuma como El Invitado de Drácula. Su antecedente se encuentra en el mítico film del director danés Carl T. Dreyer La Bruja Vampiro (Vampyr, Der Traum des Allan Grey, Carl T. Dreyer, 1932), adaptación libre de la novela Carmilla de Sheridan Le Fanu. En dicha cinta -rodada inicialmente sin sonido, y a la que se añadieron posteriormente unos escasos diálogos-, la actriz alemana Sybille Schmitz estremeció de terror a los espectadores, que jamás pudieron ni tan siquiera intuir que un ser femenino pudiera esconder tanta maldad. Y si en aquella década queremos destacar un grito entre gritos, hemos de viajar hasta el laboratorio del doctor Frankenstein, y aterrarnos al contemplar y escuchar a Elsa Lanchester, la mujer creada a propósito para acompañar al melancólico monstruo, en La novia de Frankenstein (The Bride of Frankenstein, James Whale,

Ya no quedaba duda de que los estudios Universal se habían convertido en La Meca de todas aquellas que pretendieran convertirse en Reinas del Grito. Peggy Moran destacó a finales de los años treinta con películas como La mano de la momia (The Mummy´s Hand, Christy Cabanne, 1940) o La isla del Horror (Horror Island, George Waggner, 1941). Durante los años cuarenta, la reina indiscutible fue Evelyn Ankers, conocida como The Queen of the Screamers, que protagonizó filmes como El hombre lobo (The Wolf Man, George Waggner, 1941), El fantasma de Frankenstein (The Ghost of Frankenstein, Erle C. Kenton, 1942), Las voces del Terror (Sherlock Holmes and the Voice of Terror, John Rawlins, 1942), Captive Wild Woman (Edward Dmytryk, 1943), El hijo de Drácula (Son of Dracula, Robert Siodmark, 1943), The Mad Ghoul (James P. Hogan, 1943), Jungle Woman (Reginald Le Borg, 1944), La Perla de la Muerte (The Pearl of Death, Roy William Neil, 1944), La Venganza del Hombre Invisible (The Invisible Man´s Revenge, Ford Beebe, 1944), Weird Woman (Reginald Le Borg, 1944), The Frozen Ghost (Harold Young, 1945), Tarzán y

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la Fuente Mágica (Tarzan´s Magic Fountain, Lee Sholem, 1949) o la comedia de horror protagonizada por Abbot y Costello Agárrame ese fantasma (Hold That Ghost, Arthur Lubin, 1941). Durante esta década predominaron filmes de estética noir, en los que los directores trataron de resaltar tanto los matices inquietantes de la personalidad de los personajes como sus dobles intenciones.

El cine de terror de los cincuenta se impregnó del miedo a la Guerra Nuclear, dando salida a las neurosis derivadas del tenso

equilibrio de fuerzas entre el bloque soviético y el Occidental. Las invasiones alienígenas y las extrañas criaturas llegadas desde los confines del Espacio fueron argumentos de elección para muchos directores. La Universal trató de relanzar el cine de monstruos con la misma filosofía de los años treinta con el mítico filme La Mujer y el Monstruo (Creature from the Black Lagoon, Jack Arnold, 1954), en el que la bellísima Julia Adams profería unos de los más aterradores gritos de la historia del celuloide. Sin embargo, la portadora de la corona en aquella década fue Beverly Garland, gracias a títulos como El Hombre de Neandertal (The Neanderthal Man, E.A. Dupont, 1953), Conquistaron el Mundo (It Conquered the World, Roger Corman, 1956), Emisario de otro Mundo (Not of this Earth, Roger Corman, 1957) y El Caimán Humano (The Alligator People, Roy D. Ruth 1959).

1962), en la que Bette Davis y Joan Crawford representaban la enfermiza relación que unía a dos hermanas en un inolvidable duelo interpretativo. Estas dos legendarias actrices del Hollywood clásico encontraron papeles relacionados con el terror y el misterio durante estos años, especialmente Bette Davis, que protagonizó otros clásicos que podrían considerarse gótico moderno, como Canción de cuna para un cadáver (Hush, Hush, Sweet Charlotte, Robert Aldrich, 1964), Su propia víctima (Dead Ringer, Paul Henreid, 1964), A merced del odio (The Nanny, Seth Holt, 1965) y El aniversario (The Anniversary, Roy W.Baker, 1968).

En los sesenta, continuó la pasión por los filmes noir, y entre todos ellos destacó la terrorífica historia narrada en ¿Qué fue de Baby Jane? (What Ever Happened to Baby Jane, Robert Aldrich,

Las protagonistas de las cintas del maestro Alfred Hitchcock sufrieron y gritaron hasta la extenuación, lo cual constituyó una seña de identidad en toda la filmografía del genial director. El asesinato

Las protagonistas de las cintas del maestro Alfred Hitchcock sufrieron y gritaron hasta la extenuación

Tippi Hedren en “The Birds”. Alfred Hitchcock. 1963. www.cinemascomics.com

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chera del demonio (Mario Bava, 1960), L´Orrible segreto del Doctor Hichcock (Ricardo Freda, 1962), Lo Spettro (Ricardo Freda, 1963), Danza Macabra (Antonio Margheriti, 1964), I lunghi capelli Della morte (Antonio Margheriti, 1964), Cinque Tombe per un médium (Mássimo Pupillo, 1965), Gli Amanti d´oltretomba (Mario Calano, 1965) o La Sorella di Satana (Michael Reeves, 1966).

Poster de “La noche de Halloween”. John Carpenter. 1978.

de Janet Leigh en la ducha en el primer tercio del metraje de Psicosis (Psycho, 1960) se convirtió en un icono cinematográfico del siglo XX, de la misma manera que los chillidos proferidos por una Tippi Hedren perseguida por los pájaros en la película del mismo título (The Birds, 1963) aterraron a los espectadores sorprendidos por la inexplicable rebelión de las aves.

La productora británica Hammer, especializada en cine de terror desde mediados de los cincuenta, alcanzó su apogeo en los sesenta, constituyendo una excelente can-

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tera para aquellas actrices que pretendían ser las nuevas Reinas del Grito y del Terror. Hazel Court, Caroline Munro, Barbara Shelley y Verónica Carlson destacaron al enfrentarse a las abominables criaturas que surgieron de la mítica factoría, entre las que se contaron los renacidos mitos clásicos del terror como Drácula, El hombre lobo o La momia.

Barbara Steele fue otra destacada actriz que protagonizó varios filmes de culto en los años sesenta en lo que ha sido definido como cine gótico de terror italiano, con títulos como La Mas-

El terror se impregnó de erotismo explícito en los setenta, dando paso definitivamente al color en detrimento del blanco y negro que tan buenos resultados había dado para las historias de misterio. En dicha década nació una nueva Reina del Grito que sirvió de ejemplo a las que vinieron después. Jaime Lee Curtis rompió el aire en pedazos con sus gritos en La noche de Halloween (Halloween, John Carpenter, 1978), inaugurando el género slasher, donde la trama gira en torno a un maníaco que se regodea con las muertes de sus víctimas, generalmente adolescentes. Cuatro años antes de este estreno, otra cinta de bajo presupuesto perteneciente al cine independiente reventó las taquillas del mundo entero.

La matanza de Texas (The Texas Chain saw massacre, Tobe Hooper, 1974) aterró a un público desconcertado a base de sangre, vísceras, gritos y un loco asesino con el rostro cubierto por una máscara de piel humana y una motosierra en sus manos.

En los ochenta, el slasher se adueñó por completo de las pantallas.

Jaime Lee Curtis repitió éxito con Llamadas de terror (Prom night, Paul Lynch, 1980), a la que siguieron Viernes 13 (Friday the 13th, Sean S. Cunningham), Fin de año maldito (New Year´s Evil, Emmett Alston, 1980), San Valentin Sangriento (My Bloody Valentine, George Mihalka, 1981) y Pesadilla en Elm Street (A nightmare on Elm Street, Wes Craven, 1984), donde aparecía la indiscutible Reina del www.cinemascomics.com

Grito Heather Langenkamp.

Alentados por el éxito entre los jóvenes y por el boom del videoreproductor casero, los directores ofertaron un sinfín de productos, en los que demostraron la potencia de sus pulmones actrices como Línnea Quigley, Brinke Stevens, Barbara Crampton, Michelle Bauer y Adrienne Barbeau.

También los noventa tuvieron sus propias reinas. La revista Draculina le otorgó el máximo galardón a Debbie Rochon, protagonista de decenas de filmes de horror de la productora Troma Entertainment, especializada en cine Z con multitud de escenas de violencia, sexo y sangre. Neve Campbell comenzó su carrera como reina del terror con Jóvenes y Brujas (The Craft, Andrew Fleming, 1996), pero alcanzó el clímax con Scream (Scream, Wes Craven, 1996). Jennifer Love Hewitt se aupó al pedestal con Sé lo que hicisteis el último verano (I Know what You Did Last Summer, James Gillespie, 1997).

El cine de terror exige un desequilibrio de poder entre la víctima y su verdugo, ya sea físico, emocional, sexual o sobrenatural.

En el año 2007 el diario USA Today publicó un artículo enumerando a las Reinas del Grito del nuevo siglo XXI, un listado encabezado por Sheri Moon Zombie, Jaimie Alexander, Andrea Bogart, Mercedes McNab, Tiffany Shepis y Cerina Vincent. El New York Daily News ha otorgado el galardón de última Reina del Grito a Danielle Harris, quien debutó como estrella infantil en Halloween 4, el regreso de Michael Myers (Halloween 4, The Return of Michael Myers, Dwight Little, 1988), y que no ha dejado de estremecernos con sus gritos hasta la actualidad.

El cine de terror exige un desequilibrio de poder entre la víctima y www.cinemascomics.com

En 2008, Tanedra Howard fue elegida entre varias aspirantes para interpretar su papel en SAW VI en la primera temporada del reality Show “Scream Queens” del canal americano VH1. 2009 conoció una segunda temporada del programa la elegida para su participación en SAW 3D, Gabrielle West (Kara).

su verdugo, ya sea físico, emocional, sexual o sobrenatural. En tal balanza, las mujeres siempre se han llevado la peor parte, y por lo tanta han sido las dianas perfectas para todo tipo de villanos.

Pretender ser una Reina del Grito en base al desnudo o al grito sin talento es un error que ha condenado a muchas pretendidas actrices al cine pornográfico o al abandono de la profesión. Alardeando de un apego exagerado a teorías psicoanalíticas, algunos estudiosos trataron de encontrar estrechos vínculos entre las Reinas del Grito y sus fervientes admiradores. Aunque nadie puede quedar ajeno a la fascinación que provocan estas hermosas mujeres en apuros, resulta exagerado pen-

sar que el público acudía en masa a los cines con intereses voyeurísticos, buscando la obtención de placer al contemplar el sufrimiento de las actrices. ¿Acaso no son hermosos sus gritos? Una gran parte de ellas no solo demostraron la fortaleza de sus pulmones, sino belleza, ingenio y capacidad de resolución.

Estas líneas son un homenaje a esas mujeres cuyos grotescos y maravillosos gritos estremecieron a los amantes del cine de terror de todo el mundo.

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Por Sergio Reina

¡Qué decir de una de las películas favoritas de mi infancia! Teniendo apenas 10 años, caí embelesado por las aventuras de este grupo de la bahía Goon. Cine con mucha nostalgia, y que a pesar de haber pasado 25 años desde su estreno en las salas de cine, se puede ver en estos tiempos, que no ha quedado desfasada, y que además se puede ver a todas las edades.

Sí, 25 años han pasado ya desde la filmación de esta película, en la que Richard Donner (Superman), nos metía en una aventura creada por Steven Spielberg, y guionizada por Chris Columbus (Gremlins, Harry Potter,…). En ella, se juntaban el anhelo por la aventura de los niños, que casi siempre esta presente en las películas de Spielberg, con una magnífica realización a cargo de Donner, como ya demostró en Superman.

La película en sus primeros minutos, ya arranca bien, mostrándonos a los habitantes que pueblan la bahía de Goon, y en especial a la pandilla de niños que se hacen llamar Los Goonies. El pueblo en el que viven va ha ser demolido por una constructora para hacer un campo de golf y es ahí donde empieza la aventura, pues Los Goonies se ponen manos a la obra para poder encontrar dinero para parar la demolición. Dentro de un fantástico desván (que todos querríamos tener en nuestras casas), encuentran el mapa de un tesoro pirata enterrado en la misma bahía, por lo que se deciden ir a buscarlo. Es aquí donde entran en juego los Fratelli, una familia de delincuentes, compuesta por la madre, sus dos retoños, y una sorpresa llamada Sloth. Los Fratelli, han establecido su escondite en un apartado restaurante abandonado, que resulta ser el sitio por el que tienen que acceder a la ruta que les puede llevar al tesoro. Por supuesto, Los Goonies son descubiertos por los Fratelli, y éstos inician la persecución de los niños por las grutas debajo del restaurante. Y a partir de ahí, la aventura se dispara.

Muchos elementos hacen a esta película idónea para ver a cualquier edad y en cualquier mowww.cinemascomics.com

mento: compañerismo, amistad, aventura, piratas, … un cóctel ideal.

La película mantiene el ritmo a lo largo de todo el metraje, y en su último tercio adquiere un crescendo idóneo para este tipo de películas.

Donner, fue capaz de juntar un magnífico grupo de actores para interpreta a estos simpáticos chavales, y eso se nota a lo largo del film. Tratándolos como lo que eran, unos niños, fue rodando casi toda la película en orden cronológico para no desorientarles.

Yendo más allá, consiguió mostrar su cara de sorpresa al descubrir el barco pirata: no dejó que vieran el barco que construían a la vez que se iba filmando la película hasta el mismo día en el que tocó el rodaje de la escena, cuando los metió de espaldas en el agua. Así, cuando ellos se vuelven para descubrir el barco, lo que estamos viendo es la cara real de asombro y sorpresa de los protagonistas.

Un momento mágico, ya que el barco se había construido a escala, y era todo lo real que parecía.

La película contiene escenas, que han quedado para el recuerdo (por lo menos para el mío), como en la que presentan la casa a la asistente italiana, con Corey Feldman haciendo de traductor (por cierto, en la versión original, no es italiana, sino hispana, y si tenéis el DVD, podéis comprobarlo cambiando el idioma, y escuchando a Feldman chaporrenado español).

O la rotura de la estatua de David y las persecuciones por las grutas, como si se trataran de unos pequeños Indiana Jones, superando distintas pruebas de ingenio y habilidad. Una de esas escenas más recordadas es cuando tienen que enfrentarse a la prueba del órgano de huesos, tocando la melodía exacta, o si no, el suelo va despareciendo bajo sus pies.

Uno de los mayores aciertos de la película es el personaje de Sloth, el desfigurado hermano de los Fratelli, que pasa de ser lo que más les asusta a los Goonies (en especial a Gordi) a ser un amigo entrañable para ellos. El actor

que sufría las horas de maquillaje fue John Matuszak, un malogrado ex-jugador de fútbol americano, que se permitió el lujo de exhibir en la película la camiseta de su ex-equipo, y debajo de ella, una de Superman, película que había dirigido Donner.

Entre los actores, podemos encontrar a grandes figuras del panorama de cine actual, como son los casos de Josh Brolin (No es país para viejos, Jonah Hex, Wall Street,..), o Sean Astin, el que encarnó a Sam Gamyi en El Señor de los Anillos. En el reparto también está el ya mencionado Corey Feldman, amigo del fallecido Corey Haim, que se ha limitado ha intervenir en películas de bajo presupuesto aunque en su más tierna edad sí tuvo papeles importantes, como en Los Gremlins, Cuenta Conmigo o Jóvenes Ocultos. Ke Huy Kuan, venía de otro papel importante en una película de aventuras: fue el Tapón de Indiana Jones. Sus futuros trabajos han sido más detrás de las cámaras, como técnico, y asesor de escenas de acción. El resto del cast: Jeff Cohen, Martha Plimtom y Kerri Green, aunque siguieron haciendo algún pequeño papel, están más desvinculados del mundo del espectáculo. Entre los malos, cabe hablar de Joe Pantoliano, que aparte de ser un secundario de lujo en muchas películas, es fácil recordarlo por su papel en Matrix.

En definitiva, una película que invita a verla en familia, y que es una buena manera de iniciar a los más pequeños de la casa en disfrute del buen cine, muy alejado de muchas de las películas familiares que se hacen en estos momentos (Buddys, y compañía). Y cómo no, también para los más mayores, que aparte de producirnos cierta nostalgia, estoy seguro de que se disfruta a cualquier edad.

Felicidades por estos 25 años desde que se filmó esta película.

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le en b i n Dispo u ray Bl DVD / 2011 e d o ay en m

Especial series

'The walking dead', o de como los zombies nos alegran el dia Por Javier Calvo Largamente esperada por miles de aficionados al terror, “The walking dead” ha irrumpido con fuerza en el mercado de las series. Un proyecto que parte de importantes firmas autorales (Robert Kirkman, Frank Darabont) y que sigue de cerca la tradición de otras ficciones sobre invasiones de zombies. Descubra por qué las aventuras del sheriff Rick Grimes han captado la atención de miles de telespectadores contando lo mismo, pero de forma diferente.

Los zombies pertenecen, por derecho propio, a esa hornada de monstruos clásicos que permanecen en la base de mil y una adaptaciones narrativas, tal y como ocurre con el mito del vampiro o el doppelgänger del Dr. Jekyll. El levantamiento de los muertos sobre la faz de la tierra es un tema que ya preocupaba a los creadores de la Biblia, pero que sobre todo, ha alimentado la fantasía de multitud de aficionados al terror, puesto que frente a una amenaza solitaria, única, la plaga de los muertos vivientes supone un desafío sin concesiones, escondido en cada esquina.

Plenamente interesado en desarrollar una historia de proporciones globales, el guionista de cómics Robert Kirkman se embarcó allá por el 2003 (año de su apari-

ción en el mercado estadounidense, de la mano de Image Comics) en un relato de zombies que, según sus intenciones, huiría del happy end y mantendría el peligro hasta sus últimas consecuencias. El objetivo: plasmar toda la crudeza que un suceso real de tal calibre acarrearía consigo, sin títulos de crédito finales que permitieran un respiro al lector/espectador. Hasta donde sabemos, este señor no es inmortal, pero de momento, su “The walking dead” (“Los muertos vivientes” en español) lleva ocho años en activo y sin ninguna intención de detenerse. Y mucho menos ahora, con una adaptación en formato serie que ha acaparado la atención de medio mundo.

El interesado en dar cuerpo a los diseños de los dibujantes Tony Moore y Charlie Adlard (que sustituyó al primero en muy poco tiempo) es Frank Darabont, un excelente director de cine responsable de la película mejor valorada en imdb.com, la muy sobresaliente “Cadena Perpetua” (1994), aunque quizá, el mayor de sus logros es haber conseguido conciliar el entusiasmo de la crítica con el público en casi todas sus creaciones, como en “La milla verde” (1999) o “La niebla” (2007) -gran parte de cuyo reparto se encuentra muy presente en esta adaptación-. Da-

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rabont ya había explorado en esta última película la relación de un grupo aislado de personas contra una amenaza exterior de origen desconocido. Sin duda, debió de parecerle sumamente atractivo encabezar un proyecto de mayor temporalidad que le permitiera bucear en esta problemática, y que fue anunciado durante el 2009 tras la adquisición de los derechos por la cadena norteamericana AMC (responsable de otros grandes hits como “Breaking Bad” o “Mad men”). El resultado, como decimos, no ha dejado indiferente a nadie.

La vida frente a la muerte

“The walking dead” se abre al espectador con un desconcertante pero brutal prólogo tras el cual el protagonista, Rick Grimes (Andrew Lincoln), sheriff del pueblo de Kentucky, despierta completamente abandonado en el hospital al que había sido trasladado después de ser herido en un tiroteo.

Pronto, Grimes descubre que, en realidad, no está tan solo como parece. En el tiempo en que ha permanecido inconsciente, un misterioso suceso ha convertido a la práctica totalidad de la población humana en zombies andantes.

El punto de partida de la serie, como en cualquier otra historia

del género zombie, contrapone el modelo de la vida frente a la muerte. Dos ámbitos antagónicos que, además, reflejan el miedo que la sociedad –occidental, sobre todo- siente por la muerte, una dimensión que siempre ha estado relegada a un plano oculto.

Escondida bajo tierra, alejada de los centros urbanos o sistematizada a través de funerales inocuos que tratan de normalizar una situación verdaderamente traumática, queda claro que la muerte es algo que no nos interesa ver (si exceptuamos la mirada morbosa del voyeur). Pero aquí, de repente, la muerte se alza de sus tumbas y aparece de debajo de la tierra: es decir, se hace más visible que nunca. Está entre nosotros, en las calles, y mirarla de frente produce un intenso pánico.

Además, la muerte es irracional.

Los zombies no atienden a la lógica; se convierten en animales depredadores, guiados por un inconsciente que cohabita con el instinto asesino. Se trata de un estado mental tan imposible de comprender que trastoca todo sistema conocido. Y, precisamente, de eso trata buena parte de la serie: el intento por restablecer el sistema social.

Lo que Grimes encuentra por la calle dista mucho de estar bajo control. Las autoridades han dejado de funcionar y el mundo se encuentra en una balsa de inestabilidad. De repente, todas las opciones son posibles. Ante una completa anarquía –pero no un anarquismo solidario, político,

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sino un modelo más radical, un anarquismo de supervivencia-, el sheriff siente el primer impulso lógico del raciocinio humano: buscar a otros supervivientes.

A partir de aquí, la serie y el cómic divergen bastante en sus planteamientos.

Muchos fans del tebeo habrán comprobado cómo la serie sigue una narrativa parcialmente diferente, comenzando por los propios personajes. Algunos no aparecen en la obra original, y en otros se ha cambiado su caracterización o la construcción de sus perfiles. En cualquier caso, el universo zombie encuentra siempre su gran baza en el tratamiento de estos individuos: los humanos supervivientes. Mucho más importantes que las situaciones de acción, son ellos los que ayudan a definir el tono de la trama.

Supervivientes: la auténtica amenaza En casi cualquier historia de catástrofes, los personajes supervivientes se convierten en un microcosmos que, generalmente, representan una muestra de la sociedad que ha quedado atrás.

Deben acaparar un espectro demográfico más o menos variado si se quiere dar la impresión de universalidad para el conflicto.

La epidemia zombie necesita ser asumible y entendible en cualquier cultura, puesto que afecta a todo el planeta; de ahí la raíz de su terrorífica falta de ley. ¿No es lo mismo que ocurre en las producciones de meteoritos, ante la posibilidad de un maligno pedrusco del espacio que acabe con todo? Y, en definitiva, ¿qué habría sido de la comunidad de náufragos de “Perdidos” sin su polifacético perfil? La serie de J. J. Abrams, al fin y al cabo, comparte el mismo punto de partida, pero www.cinemascomics.com

donde allá se utilizaba la amenaza externa de un paisaje inhóspito, aquí se utiliza un ejército de “caminantes” -nombre con el que los protagonistas designan a sus putrefactos enemigos- en un paraje de sobras conocido. Algunos autores, además, citan el influjo del trauma del 11-S como máximo ejemplo de un dolor universal, compartido por todo el espectro cultural de la humanidad, y muchas de las ficciones posteriores, como la propia “Perdidos”, no pueden entenderse completamente sin tener este aspecto en cuenta.

En “The walking dead” conocemos a un grupo de supervivientes que, sin haber sido sometidos a la selección natural de Darwin, presenta cierta variedad de raza, género, edad y carácter. Sobre ellos se configuran una serie de arquetipos más o menos fijos, muy abundantes en las historias de supervivencia. Para empezar, surge la figura del líder-héroe.

En la serie, ese papel lo ocupa el personaje de Grimes, cuya pertenencia al cuerpo policial pretende legitimar, en parte, su elección.

Sin embargo, Grimes se define

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pronto como un individuo racional, equilibrado y con capacidad de iniciativa. Trata de ser justo y bondadoso; doblega su miedo, y el único punto débil que posee es, claro está, su familia, a la que trata de encontrar desesperadamente.

El liderazgo del grupo es compartido con Shane Walsh (Jon Bernthal), agente y compañero de Grimes, superior en fuerza bruta pero menos equilibrado en sentido de la justicia. El componente femenino lo añaden sobre todo la esposa de Grimes, Lori (Sarah Wayne Callies), y Andrea (Laurie Holden), una administrativa de Atlanta que demuestra su sólida fortaleza en uno de los momentos más dramáticos de la historia.

El contrapunto cómico (dentro de los límites que impone el drama), propio del clásico secundario fiel que choca con la sobriedad del cabecilla, viene de la mano de Glenn, un joven asiático que inevitablemente nos recuerda al Tapón de “Indiana Jones y el templo maldito”. Y por último, el villano queda personificado en la ingente masa de cadáveres andantes que pululan por el planeta…

¿O no? En “The walking dead”, la verdadera amenaza no proviene únicamente de los zombies. Por el contrario, y como suele suceder en estas leyendas, el elemento de conflicto surge muchas veces en el bando de los propios vivos.

Como se ha apuntado antes, el alzamiento de los muertos puede observarse como un momento de caos institucional, uno de los miedos básicos del sistema occidental capitalista. Frente al desorden, siempre se establece ese microcosmos de supervivientes que refleja los intentos de instauración de una nueva estructura política, erigida desde cero. Estos personajes representan la necesidad de crear una civilización para poder seguir viviendo de acuerdo a sus antiguos esquemas, abandonados a la deriva en medio del apocalipsis. ¿Qué diferencia hay entre quemar los cuerpos de los zombies destruidos en combate y enterrar, en cambio, los de los compañeros que han perecido en la batalla? Probablemente, ninguna, pero dar sepultura a los antiguos amigos permite mantener un mínimo de cordura. Se trata tan sólo de un ejemplo más dentro de

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un código de reglas sin el cual la humanidad que poseen estos supervivientes en su interior se desvanece. Y en este código, es vital establecer unas bases de comportamiento, roles para cada participante y, lo más importante, un orden social.

Este orden queda a menudo quebrantado por algunas situaciones en las que estos mismos personajes se vuelven conflictivos.

Reacios a acatar la decisión de los demás en un clima de absoluta devastación, o llevados por el egoísmo que supone tratar de salir adelante, en ocasiones son ellos quienes se enfrentan contra sus congéneres. De este modo, los supervivientes se enfrentan a un doble problema: los zombies y los “disidentes”. Pero si los zombies se convierten en un riesgo establecido, diario, inevitable, el verdadero peligro acaba siendo el propio individuo: impredecible y fortuito.

En este sentido, sorprende en la versión televisiva de “The walking dead” el recurso –un tanto simplón- de incluir en el reparto a un par de personajes tan fácilmente odiosos como los hermanos Dixon (Michael Rooker y Norman Reedus). Estos dos supervivientes muestran desde su primer esbozo un carácter irascible, egoísta,

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poco proclive a la colaboración mutua y, por tanto, difícil de integrar en cualquier modelo social.

Si de lo que se trata es de buscar el mal en la propia esencia humana, hubiera sido más recomendable permitir a la propia trama, mediante sus circunstancias, dejar fluir ese odio natural que se presupone en el ser humano, y no tanto ofrecerlo desde la construcción maniquea de un par de personajes. En el cómic, este aspecto aparece más naturalizado, y el conflicto surge de los personajes a partir, sobre todo, de sus traumas vividos o de la presión contra el caos –y de hecho, Merle y Daryl Dixon no aparecen en la obra original-.

Sin embargo, no hay que desmerecer el tratamiento general de los personajes. La serie se apoya en gran medida en la exploración psicológica, y maneja un buen número de situaciones de diálogo en las que los protagonistas van perfilándose de forma cada vez más compleja. Este aspecto mitigó en cierta medida el entusiasmo inicial con el que muchos aficionados acogieron la serie, esperando encontrar un producto de acción pura y dura. A pesar de ello, muchos otros fans han encontrado en ese carácter más intimista el auténtico valor de la producción, y en última instancia, el propio

creador de la historia, Kirkman, ha dejado bien claro en numerosas declaraciones que ése era el objetivo que se pretendía conseguir.

Ciudades devastadas, hombres libres Aun así, “The walking dead” ofrece momentos trepidantes, y muchos. Las secuencias más agitadas permiten admirar el gran valor de producción de una serie que encuentra en la espectacularidad de sus exteriores su mayor baza. La puesta en escena sobrecoge: enormes ciudades devastadas, completamente desiertas; campos abandonados; edificios oficiales sumidos en el desastre; laboratorios subterráneos ultrainformatizados; escenarios que, de pronto, se dan la vuelta y aparecen poblados por hordas de muertos vivientes. También aquí entra en juego la sobresaliente labor de maquillaje y efectos especiales, que ha permitido la creación de cientos de zombies individualizados cuyo referente estético queda inevitablemente ligado a los modelos de George A. Romero.

En medio de estos escenarios, Kirkman y Darabont colocan a sus personajes como pequeños sims desorientados que deben jugar al gato y al ratón. En busca de un ho-

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gar fuera de peligro, guiados por intuiciones y frágiles esperanzas, estos individuos caminan sobre un mundo acechante pero que, según el autor del cómic, también tiene su virtud terapéutica.

rre cuando ese orden social queda roto? Pues que uno empieza realmente a vivir. A necesitar las pocas cosas que posee. A luchar por ellas. Y a disfrutarlas de verdad cuando las consigue.

En efecto, es fácil establecer paralelismos políticos en la historia de “The walking dead”. Los zombies acuden en hordas, como ejércitos amenazantes. Ante esa perspectiva, uno puede imaginar la metáfora de una sociedad masificada que se vuelve contra el individuo, tratando de convertirlo –infectándolo- en uno de ellos.

Irónicamente, los zombies son seres no pensantes, adormilados; no tienen decisión sobre sí mismos, sino que actúan por un impulso superior que no pueden controlar.

Frente a ese instinto carnívoro, se impone el impulso del instinto de supervivencia de los pobres desgraciados que han resistido al cataclismo.

La idea de Kirkman es que, en realidad, sólo una catarsis de semejante tamaño permite la liberación del individuo. A partir de ahí, éste aprenderá a apreciar lo verdaderamente valioso: alimento, compañía, libertad. Kirkman insiste en una búsqueda de las raíces primarias, naturales, del hombre. Y por eso construye un modelo narrativo en el que los personajes deben desplegar lo mejor de su humanidad para conseguir el éxito. No está fuera de lugar apelar en la serie al sentimiento de los seres humanos (el encuentro con la supuesta banda latina de Guillermo; el disparo de piedad al zombie sin piernas perdido en las afueras), puesto que en una situación de renovación social, la sinceridad de los sentimientos parece la única divisa de intercambio válida. Si quieren cooperar, los supervivientes de “The walking dead” deben mostrarse con sus mejores intenciones.

De momento, tanto tiempo como seis capítulos de una primera temporada, y otros trece calientes en el horno de rodaje, dispuestos a emitirse desde finales de este mismo 2011. Mientras tanto, a los ansiosos les quedan las páginas de un cómic que se prevé longevo como pocos. Eso sí, recuerden que las narrativas de uno y otro medio parten de un punto semejante pero se alejan por el camino, aunque al final, todas se dirigen al mismo lugar: la búsqueda de un espacio donde el ser humano pueda vivir en libertad.

e

Como una declaración de principios, Kirkman deja claro en las diferentes ediciones de sus cómics que “The walking dead” sienta las bases de un mundo en el que el ser humano debe aprender de nuevo a sobrevivir. En su concepción, el orden social imperante había alienado a la persona, sumiéndola en un estado de consumismo embriagador que le hacía incapaz de sentir. Pero, ¿qué ocu-

de epidemia, de hecho, es uno de los recursos más utilizados en las historias de zombies: la muerte se contagia como una enfermedad, a través de mordeduras o de la sangre. En “The walking dead”, sin embargo, no se ofrecen respuestas claras al origen del problema ni por qué sucede así. Y todo indica que pasará mucho tiempo hasta averiguarse.

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Frente a ellos, siempre quedará la muerte. Una muerte vengativa, que desea extenderse como una plaga. El modelo científico

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Por José Joaquín González

Crisis hay de muchos tipos. Pero sin lugar a dudas, y por muy presente que estén las actuales crisis inmobiliaria y financiera, la crisis que más afecta al cine es la crisis de ideas. Durante años el cine ha presentado multitud de historias originales, que poco a poco y en pos del mercado, han ido perdiéndose en un mar de influencias y adaptaciones, que si bien en un principio bebían de los libros, en las últimas dos décadas han bebido (y mucho) de los comics y videojuegos.

Y es de estos últimos de los que me gustaría hablaros en esta ocasión (ya que de adaptaciones de comics os vamos a tener muy al día en esta revista). Así que amigos y amigas, agarren su gamepad favorito porque esto empieza ya.

Comenzaremos como debe ser, por el principio, y por ello nos remontaremos hasta el año 1982 con una película que aunque no estaba basada en ningún videojuego en particular, daría el pistoletazo de salida para las primeras obras que se inspirarían en los videojuegos que vieron la luz por aquella época. Estamos hablando por supuesto de “Tron”, la mítica película de la Disney que trasladaría todo el mundo de los “1 y 0” a la gran pantalla.

Como hemos dicho, “Tron” no estaba basada en ningún videojuego, pero bebía directamente de la cultura popular que estaba invadiendo los centros de ocio de la época con videojue-

gos tan primitivos como “Pong (1958)”, “Space Wars(1961)”, “Space Invaders (1978)” o “Pacman (1980)”.

A raíz de “Tron”, los videojuegos entraron en el cine con cintas como “Juegos de Guerra (1983)” y “The Last StarFighter (1984)”, que al igual que la cinta de Disney no estaban basados en ningún título en particular, por la sencilla razón de que la mayoría de los juegos de la época carecían de argumento y también porque dicho medio de entretenimiento no había llegado a extenderse aún tanto como lo haría tras el lanzamiento de la mítica consola NES de 8 Bits (Nintendo Entertaiment System) y su título estrella: Super Mario Bros.

Fue con la irrupción de las aventuras de este famoso fontanero italiano que los videojuegos entraron de forma masiva en los hogares, y como no podía ser de otra manera, Super Mario Bros inauguró el fenómeno de adaptar a la gran pantalla títulos famosos de las consolas y máquinas de centros recreativos. Así, en 1993, y tras protagonizar más de 6 títulos, Mario y su hermano Luigi asaltaron los cines interpretados por

Bob Hoskins y John Leguizamo en “Super Mario Bros Movie” www.cinemascomics.com

Bob Hoskins (Mario) y John Leguizamo (Luigi) en una película que a pesar de contar con estrellas como los actores protagonistas, y un malvado Dennis Hopper en el papel del Rey Koopa, se estrelló en taquilla, y es considerada a día de hoy la peor adaptación de la historia de los videojuegos, vaticinando un futuro no muy halagüeño para este género recién estrenado.

Como curiosidad, y a pesar de no recaudar en taquilla ni la mitad de lo invertido, el film llamó mucho la atención, provocando que incluso el mercado de cine para adultos la parodiara bajo el titulo “Super Hornyo Bros”, con el mítico Ron Jeremy en el papel del fontanero más famoso de los videojuegos.

Tendrían que pasar dos años más para que otros directores decidieran probar suerte en este mal inaugurado género y realizaran cintas que, aunque tuvieron una respuesta bastante mejor que la de “Mario Bros”, no destacaron tampoco por la calidad de sus guiones.

El primero de estos valientes fue James Yukich, un director de vídeos musicales que bajo el pseuCinemascomics │ Enero 2011 │

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Raul Julia como Bison en “Street Fighter: La última batalla” Steven E. de Souza. 1995

dónimo James Nickson dirigió la maltrecha adaptación de “Doble Dragón” con actores como Mark Dacascos, Scott Wolf y una joven Alyssa Milano. Ni que decir tiene que la cinta fue un fracaso.

La segunda película del año 1995 también adaptaba un título de lucha como es “Street Fighter”.

Dicha cinta, que lucía el titulo “Street Fighter: La Última Batalla”, fue el último trabajo del fallecido Raúl Julia, que junto a Jean Claude Van Damme y otros actores menos conocidos dieron vida a los personajes del videojuego en una película lamentable que curiosamente recaudó más de 100 millones de dólares.

La cinta la dirigió Steven E. de Souza, un guionista que ha trabajado en filmes tan famosos como “Comando” o “Jungla de Cristal” y que no repitió mucho como director tras perpetrar tal despropósito, el cual tan solo con haber tomado nota de la versión en anime que se estreno en el año 1994 sobre el mismo videojuego habría mejorado una barbaridad.

Seguimos en el año 1995 con la adaptación de otro juego de lucha, en este caso de “Mortal Kombat”, el rival directo del videojuego de Capcom por aquellos años y que contó con la dirección de Paul W.S. Anderson en la que fue su primera película.

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En el film, un grupo de actores desconocidos eran introducidos en un torneo de artes marciales de la mano del actor Christopher Lambert, quien interpretaba al dios de las tormentas Raiden.

Sin lugar a dudas, de las tres cintas que hemos comentado de este año 1995, la mejor era la adaptación de Mortal Kombat, que con una buena recaudación (menor que la de Street Fighter) y unas críticas aceptables estrenó dos años después una lamentable secuela titulada “Mortal Kombat: Aniquilación” a la que seguiría un serie de televisión que llegaría a nuestro país en forma de pequeñas películas y cuyo resultado no era ninguna maravilla.

Saltamos en el tiempo hasta 1999 haciendo parada en “Wing Commander”, una adaptación de los juegos de simulación espacial para PC que cayó en manos de Chris Roberts, el mismo director que había realizado el videojuego, y que pasó por las carteleras sin pena ni gloria.

Con el cambio de milenio, en 2001 llegaría a las pantallas la adaptación del videojuego “Tomb Raider” a cargo de Simon West (Con Air), quien con Angelina Jolie como principal atractivo, traería una cinta sencilla, que funcionó bien en taquilla y que sin contar con un guion memorable consi-

guió contentar tanto a seguidores del videojuego como a nuevos espectadores.

Ese mismo año, y gracias a la evolución de los gráficos por ordenador, se estrenó una cinta completamente realizada en CGI, con personajes que parecían casi reales y cuyo título hacia alusión a la consagrada saga de juegos de Rol “Final Fantasy”. La cinta, que ostentaba la coletilla “The Spirit Within”, no bebía especialmente de ninguno de los videojuegos, pero nos trasladaba a un mundo sorprendentemente bien hecho donde la humanidad es atacada por una plaga de criaturas intangibles que afectan al alma de sus víctimas.

Hago hincapié en esta cinta, porque aunque se la podría considerar fuera del contexto del artículo, su producción daría pie algunos años más tarde a unas películas que usando la misma tecnología adaptarían tramas tanto de Final Fantasy, como de Resident Evil.

Dicho videojuego, “Resident Evil”, es nuestra siguiente parada. Desarrollado por Capcom para PlayStation, era un juego de “survival horror” (terror de supervivencia) en el que un peligroso virus escapa de la Corporación Umbrella e infecta a los humanos de Raccoon City, transformándolos en zombis, a los que tiene www.cinemascomics.com

Angelina Jolie como Lara Croft

que enfrentarse una agente de seguridad de la compañía llamada Alice. Aunque en un principio se pensó que la adaptación a la gran pantalla la dirigiera George A. Romero (La Noche de los Muertos Vivientes), la acabó realizando Paul W.S. Anderson, que eligió como protagonista a la que ahora es su esposa, Milla Jovovich.

Aunque en su día fue ridiculizada por la prensa especializada e ignorada por los premios, Anderson firmó la que para mí es la mejor entrega de una saga que a lo largo de los años ha ido se ha ido superando en cuanto a presupuesto y recaudación en taquilla hasta convertirse en la franquicia más rentable de todos los tiempos.

Dos años después de la primera entrega de “Tomb Raider”, Angelina Jolie volvería a su papel de Lara Croft en el film titulado “La Cuna de la Vida” de la mano del director Jan de Bont (Twister), resultando un fracaso de taquilla que provocó la cancelación de un tercer film que completaría una prometida trilogía.

En este mismo año de 2003 la adaptación del popular shooter de SEGA “The House of the Dead” nos daría a conocer a un director alemán que durante los últimos años (sus trabajos anteriores a esta adaptación no los conoce ni Dios) ha cosechado durísimas criwww.cinemascomics.com

ticas y con razón. Como muchos habrán adivinado, hablamos de Uwe Boll, un tipo al que aunque todavía hay gente que idolatra, la mayoría coincide en señalarle como el culpable de destrozar con sus cintas las expectativas de los aficionados a los videojuegos de ver llevadas a la gran pantalla con una calidad aceptable sus aventuras favoritas.

Entre las cintas dirigidas por este individuo (que vamos a repasar del tirón aquí porque ya bastante mal está el género de las adaptaciones cinematográficas de videojuegos como para dedicarle mucho texto a tan particular

personaje) tenemos “The House of the Dead” (2003), una cinta realmente abominable de zombis y supervivientes en una isla; “Alone in the Dark” (2005) una ofensa a tan estupendo juego de temática lovecraftiana y que con actores como Christian Slater y Tara Reid correteando tras extraños bichos está considerada en IMDB como una de las 100 peores historias del cine; “Bloodrayne” (2005), una cinta sobre una medio vampira justiciera interpretada por Kristanna Loken (la terminatrix de Terminator 3) y que fue otra catástrofe; “En el nombre del Rey (A Dungeon Siege Tale)” (2007), ambientada en el mundo del videojuego Dungeon Siege, que trasladaba a Jason Stathan (Transporter) y Ray Liotta (Cerdos Salvajes) a un mundo de fantasía medieval, en una nuevamente desastrosa película; “Postal” (2007), basada en el videojuego del mismo nombre, donde se mostraba la odisea destructiva y caótica de un empleado de correos que tendría que enfrentarse a Bush, Bin Laden y otros agradables individuos para salvar el pellejo; “Blood Rayne 2” (2007), secuela de las aventuras de tan curiosa vampira, que en esta ocasión fue interpretada por Natassia Malthe (una actriz bastante prolífica que ha participado en otras adaptaciones de videojuegos como Dead or Alive, o la 2ª parte de Alone In The Dark) y que curiosamente funcionó mejor

Kristanna Loken en “Bloodrayne”. Uwe Boll. 2005 Cinemascomics │ Enero 2011 │ 95

que la primera parte y por ultimo (hasta que este año estrene la 3ª parte de BloodRayne), “FarCry” (2008) en la que un mercenario viaja hasta una isla en la que ocurren sucesos extraños.

A pesar de lo que pueda parecer con estos comentarios sobre Uwe Boll, he de decir que me parece muy bien por su parte que haga el cine que le apetezca a pesar de las críticas. Aunque eso sí, me surge una duda importante ¿de dónde sacará este hombre el dinero para producir tantas cintas al año? En fin, dejamos esa pregunta en el aire y volvemos a la línea de tiempo por la que íbamos en este amplio análisis.

Seguimos. Y lo hacemos en el año 2004 con el estreno de “Resident Evil: Apocalipsis”, segunda entrega de las aventuras de Alice a cargo en esta ocasión de Alexander Witt, un prolífico director de fotografía que se inició en el mundo de la realización con esta su única película hasta el momento, y que a pesar de ser la peor de todas las entregas recaudó 100 millones de

dólares en todo el mundo, superando en 20 a su predecesora.

El año siguiente, 2005, se estrenó la esperada adaptación del videojuego “Doom” con Andrzej Bartkowiak (Romeo debe morir) en la dirección de un proyecto que sin llegar a estar mal, se quedaba en un desfile de disparos sin mucho sentido; y lo que es peor, sin el gore que caracterizaba al videojuego. Los actores elegidos para interpretar a los soldados de la base Lunar invadida por demonios fueron Dwayne Johnson (El Rey Escorpión), Karl Urban (RED y la próxima Juez Dreed) y Rosamund Pike (Los Sustitutos).

Ese mismo año también nos llegó, esta vez directamente en DVD, la esperada adaptación (en CGI) del juego Final Fantasy VII bajo el titulo “FF VII-Advent Children”, donde se contaban los acontecimientos ocurridos dos años después del final del videojuego, con Cloud como protagonista y con multitud de personajes que recordaban a Sephirot, uno de los personajes más queridos por los aficionados a esta saga rolera.

En 2006, Christopher Gans, director de la estupenda “El Pacto de los Lobos” traía a las pantallas su particular adaptación del videojuego “Silent Hill”, que a pesar de resultar un producto bastante completo no tuvo la respuesta esperada en taquilla. El film estaba protagonizado por Radha Mitchell (The Crazies), Sean Bean (El señor de los Anillos, y la próxima serie “Juego de Tronos”) y Lauri Holden (Andrea en The Walking Dead), cuyos personajes se veían inmersos en un pueblo de pesadilla donde nada era lo que parecía.

Con “Dead or Alive” (2006), la calidad volvía a bajar en este género tan castigado, recuperando para la ocasión otro videojuego de lucha, cuyo principal interés residía en que sus protagonistas eran bellas luchadoras ligeritas de ropa. Con una base tan simple, era lógico que no saliera nada bueno de esta producción a cargo de Corey Yuen (co-director junto a Louis Leterrier de Transporter) donde al igual que en el juego veíamos a un amplio elenco de

Milla Jovovich en “Resident Evil: Extinción”. Russell Mulcahy. 2007

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bellezones (Devon Aoki, Eric Roberts, Holly Valance, Robin Shou, Jaime Pressly, Matthew Marsden, Sarah Carter y Natassia Malthe entre otras) repartiendo golpes por doquier.

Al igual que ocurriera con la primera adaptación de “The House of The Dead”, su secuela tampoco llegó a los cines, estrenándose directamente en DVD bajo el horrible nombre de “The House of the Dead 2: El Amanecer de los zombis”. Aunque la cinta era infinitamente mejor que la primera parte (y prácticamente independiente) Michael Hurst no consiguió con ella que su nombre se despegara de producciones menores, haciendo que el año 2006 se despidiera nuevamente con varias adaptaciones fallidas.

Llegamos a 2007, un año en el que aparte de las producciones de Uwe Boll (En el nombre del rey, BloodRayne 2 y Postal) tuvimos dos adaptaciones de videojuegos que se estrenaron en cines. La primera de ellas fue la 3ª entrega de “Resident Evil: Extinción” que bajo la dirección de Russel Mulcahy (La sombra, 1994) y con el título “Extinción” trasladaría la acción de esta saga al desierto de Nevada, en una cinta que fácilmente superó a la anterior entrega y en la cual el protagonismo estaba compartido por Milla Jovovich (Alice) y Ali Larter (una de las protagonistas de Héroes) en el papel de Claire Rendfield.

En una línea totalmente distinta nos llegaba la adaptación de “Hitman”, un videojuego sobre un asesino modificado genéticamente para hacer mejor su trabajo que tuvo mucho éxito ese mismo año de 2007. Dirigida por Xavier Gens y protagonizada por Timothy Olyphant (The Crazies), la película pasó por cartelera sin apenas repercusión y con una taquilla bastante pobre.

Cambiamos de año, citando una película que adaptaba de forma muy libre (como casi todas) las vicisitudes de un policía inmerso en medio de una guerra de banwww.cinemascomics.com

das mafiosas. “Max Payne” era muy poco fiel a la trama original, transportando a Mark Walhberg a una historia salpicada de elementos sobrenaturales. A pesar de todo, la cinta resultó un éxito, recaudando 85 millones de dólares de los 35 que costó producirla.

Y es que si te olvidabas del origen del protagonista, y te centrabas en la trama que el director John Moore mostró en su cinta, resultaba un producto entretenido y medianamente bien hecho, lo suficiente como para funcionar en cines y DVD. Algo que no le ocurrió a nuestra siguiente película : “Alone in the Dark 2”. Dirigida por Michael Roesch y Peter Shee-

rer (guionistas de la anterior entrega) contaba con Uwe Boll en la producción (¿?) y se alejaba por completo de la primera parte. En el papel de Edward Carnby no repetiría Christian Slater, y la trama se centraría en una especie de caza de brujas que seguiría sin convencer a ningún seguidor del juego o a cualquier espectador ajeno a la historia del personaje.

En 2009, en plena huelga de guionistas y a pesar de ver el mal rendimiento que estaban teniendo las películas que adaptaban videojuegos, el director de “Doom” (Andrzej Bartkowiak) volvió a atreverse con una adaptación de “Street Fighter”, que en esta ocaCinemascomics │ Enero 2011 │ 97

sión se centraría en el personaje de Chun-Li. La cinta, a pesar de las expectativas puestas en ella, resultó un desastre tras saltarse a la torera toda la historia del videojuego. Estoy seguro de que Kristin Kreuk (Chun-Li) se arrepintió muchas veces de dejar Smallville de lado.

Estrenada directamente en DVD, también nos llegó a España este año 2009 una cinta de animación por ordenador que rescataba al único personaje de la serie de videojuegos de Resident Evil que aun no había tenido protagonismo en el cine. Se trataba de Leon S. Kennedy y mostraría su maestría con las armas en una aventura ambientada en un aeropuerto invadido por el virus T bajo el titulo “Resident Evil: Degeneración”.

La cinta hay que admitir que está muy bien hecha. De hecho, tendrá una continuación en breve.

Y llegamos por fin al recientemente despedido 2010, el año en el que podemos decir que se ha hecho menos daño al sector de los videojuegos con sus adaptaciones en cine. Solo hubo dos y, a pesar de sus defectos, realmente sobresalen por encima de la mayoría de

los casos anteriores.

El primer título corresponde a “El Príncipe de Persia: Las Arenas del tiempo” que con el apoyo de Disney y del productor Jerry Bruckheimer consiguió adaptar la esencia de las últimas aventuras del personaje nacido originalmente en los cuentos de las “Mil y una noches”.

Mike Newell (Harry Potter y el Cáliz de Fuego) al frente de un equipo compuesto por Alfred Molina (Spiderman 2), sir Ben Kingsley (Shutter Island), Gemma Arterton (Furia de Titanes 2010) y Jake Gyllenhaal (Zodiac) nos ofreció esa primavera un estupendo film de aventuras con un aspecto extraordinario.

Sin duda por debajo del nivel del “Príncipe de Persia”, pero sin dejar de ser entretenida y visualmente atractiva se encuentra el regreso de Paul W.S. Anderson a la saga “Resident Evil”. En esta cuarta (y no última entrega) titulada “Ultratumba” se usaron los mismos sistemas de filmación que en Avatar para componer una película que como decimos luce bien en pantalla (y sobre todo en

3D) pero que continúa siendo floja en cuanto argumento. A pesar todo, y siendo la cuarta entrega, adoptó sabiamente la tecnología 3D, lo que hizo que la cinta estuviera varias semanas liderando la taquilla americana y española, y demostrando sobradamente que el producto aún no estaba quemado.

Llegamos así al final de este enorme repaso que nos ha hecho viajar durante tres décadas por lo mejor y lo peor de este género que parece negarse a morir, y que para un futuro no muy lejano planea adaptar videojuegos tan exitosos como Gears of Wars, Halo o World of Warcraft con directores y guionistas que esperamos hagan de estos productos algo de lo que los aficionados a los videojuegos no tengan que renegar sistemáticamente. Aunque, sinceramente, y viendo los precedentes, espero equivocarme al pensar que resultará muy difícil ver algún día en la gran pantalla argumentos tan soberbios como los que tanto nos han hecho disfrutar en las consolas de nuestros hogares. Como he dicho, espero equivocarme.

Jake Gyllenhaal y Gemma Arterton en “El Príncipe de Persa: Las arenas del tiempo”

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Es muy fácil solo tienes que responder a las preguntas que formulamos antes del 28 de febrero y enviar tus respuestas a concursoscinemascomics@gmail.com. ¿Quién fue el director de la segunda entrega de Resident Evil? ¿Quién fue el primer dibujante del cómic de “Los Muertos Vivientes”?

QUÉ LEER Por Úrsula Karivdis El hombre, ¿es un ser sociable por naturaleza o por necesidad? ¿Somos ese Lupus est homo homini, non homo, quom qualis sit non novit (lobo es el hombre para el hombre, y no hombre, cuando desconoce quién es el otro) que describía Hobbes en su obra Leviatán? ¿O como decía Aristóteles en su Política, el ser humano es un ser social por naturaleza, y el insocial por naturaleza y no por azar o es mal humano o más que humano?

Para decantarnos por una opción u otra en este número de febrero rendiré homenaje a uno de mis libros favoritos: Más que humano (Minotauro, 2008) de Theodore Sturgeon.

Más que humano es la historia de un grupo de personajes que no encuentran su papel en la sociedad. Lone es un ser solitario, un vagabundo tonto y sin emociones al que el autor se refiere como el idiota, pero todo cambia cuando encuentra a otros seres tan solitarios como él. Junto a Janie, una niña con poderes telekinéticos; Beanie y Bonnie, las mellizas exhibicionistas que se teletransportan; el bebé mongoloide que todo lo sabe, y gracias a sus increíbles capacidades psíquicas y de mando, conformará un ser único, capaz de vivir apartado de un mundo al que no pertenece. Forman un Homo Gestalt, un único ser viviente donde cada uno de los personajes se transforma en cabeza, memoria, brazos y piernas, funcionando así como cada órgano ejerce su función dentro de un cuerpo. La palabra alemana Gestalt, no tiene una traducción literaria en español. Se refiere a una entidad concreta, completa, organizada y con una forma definida.

Significa tratar de llevar un todo a algo completo y no dividir ese todo en pedazos iguales. A este concepto es a lo que se refiere Sturgeon en su obra.

Este Homo Gestalt formado por el Idiota y su tribu de freaks, también forman un nuevo tipo de inteligencia de la vida que posee los medios para conquistar la gravedad. De hecho, podemos leer la descripción de un generador de antigravedad como sacada de un manual de ingeniería. Pero antes de realizar su gran paso espiritual y convertirse en el genial grupo mutante, todos ellos deberan aprender y adoptar algo de los sapiens: la ética y la moral. Y para ello hace falta algo tan complejo como es la conciencia. Con la conciencia, característica dudosamente exclusiva del homo sapiens, se pueden emitir juicios de valor

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MÁS QUE HUMANO

De THEODORE STURGEON Editorial MINOTAURO ISBN: 9788445077061 Nº Edición:1ª Año de edición:2008 240 páginas │ 17,85 euros

sobre lo que está bien y lo que está mal. Con una conciencia se origina una ética, una idea de cómo debería ser la sociedad en la que uno se integra, y de la ética se deriva una moral. Una vez obtenida, Sturgeon les coloca en un lugar humano entre los seres humanos, en un lugar en el mundo “con olor a sudor y a tierra recién removida”.

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La novela nació en el año 1953 y se divide en tres partes. La primera, El idiota fabuloso, hace pensar más en la fantasía que en la ciencia ficción.

La segunda, El bebé tiene tres años, se sirve del psicoanálisis con Gerry para la narración. Esta segunda parte apareció publicada en la revista Galaxy Science Fiction en forma de cuento independiente en octubre de 1952 y de él surgió el germen de todo el libro; y la última, Moral, cuenta la llegada de Hip Barrows, un joven sin ningún poder mental especial, pero capaz de proporcionar un código ético y de conciencia al Homo Gestáltico. Esta parte cataloga al libro como novela de ciencia-ficción, algo que ha sido muy discutido pese a que fue galardonado con el premio Internacional Fantasy Award en 1954.

Theodore Sturgeon (State Island 1918-Oregón 1985) publicó su primera colección de relatos en 1949, prologada por Ray Bradbury, y su primera novela, Los cristales soñadores, en 1950. Además de Más que humano, destacan la novelas Regreso y Caviar, que han obtenido los galardones más importantes del género, el Nébula y el Hugo. Entre sus trabajos también hay guiones para cine y televisión (entre ellos, algunos capítulos de Star Trek) y reseñas y artículos de diversa índole. Se le considera uno de los mejores escritores norteamericanos del siglo XX y representa, junto a autores como Asimov, Heinlein y Van Vogt, la llamada Edad de Oro de la ciencia ficción. Personalidades de la talla de Bradbury jamás han escatimado elogios hacia su obra, de claro cariz humanista.

La mejor descripción de Sturgeon que he leído ha sido la de Ray Bradbury (Waukegan, Illinois, 1920), escritor del género fantástico, terror y ciencia ficción. Él dice: “Sturgeon es un duen-

de lúcido que ha buscado refugio debajo de un puente, con pluma rápida y papel blanco, y que escucha, sobre su cabeza, los truenos de un mundo intemporal... A medianoche, las vísceras de Sturgeon bañan en una increíble luz fosforescente todos los objetos cercanos.”

Más que humano es su obra más conocida. Se dice que podría estar inspirada en un capítulo de la novela Los Humanoides (1950) de Jack Williamson, donde un grupo de cinco personas con distintas facultades psíquicas intenta enfrentarse a los androides que en el futuro han tomado el poder.

Pero en esta novela, además de mostrarnos un posible salto en la evolución, Sturgeon muestra el egoísmo del hombre. Como bien dice en la página 256: “El Homo Sap es duro de pelar.” Entendiendo el término “Sap” como abreviatura de sapiens, y tonto, simple.

Muchas veces andamos por la vida creyendo que con nosotros mismos nos es suficiente. No necesitamos de nada ni de nadie para ser felices.

Cuando tan solo, al igual que Lone, caminamos como idiotas en busca de la llamada. Solos somos simples, incompletos. Por una vez (y sin que sirva de precedente) estoy de acuerdo con Aristóteles. Cuando alguien me dice que con él/ella solo/sola se basta, provocan en mí miedo y admiración (¿son bestias o Dioses?). Fóbicos sociales más bien. Gente que tienen un miedo intenso de llegar a sentirse humillado en situaciones sociales, especialmente de actuar de tal modo que se coloque uno en una situación vergonzosa frente a las demás personas. A todos esos “idiotas” que deciden seguir estando solos les diría que tan solo tienen miedo porque quizás pasaron demasiado tiempo en compañía de lobos. O de lobas…

Imagen de Theodore Sturgeon www.cinemascomics.com

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LOS VENGADORES vol. 4, 1 Guión/Dibujo: Brian Michael Bendis/John Romita Jr. Formato: 40 págs.

PVP: 2,90 € Editorial Panini

¡”La Edad Heroica” está aquí! Entonces llegó el día, un día como ningún otro, en el que dos de los mejores autores de Marvel se unieron por primera vez para crear el explosivo título que no sólo abriría “La Edad Heroica” de La Casa de las Ideas, sino que también ofrecería el debut del más importante equipo de los Héroes Más Poderosos de la Tierra. ¿Quién formará parte de él? Sean quienes sean, será mejor que se decidan pronto: Kang está aquí, y por las razones que nadie espera.

Además, la primera parte de “La historia oral de Los Vengadores”.

PANINI NOIR. HERENCIA MALSANA Guión: Denise Mina Dibujo: Antonio Fuso Edición original: A Sickness In The Family USA Formato: 192 págs.

PVP: 19,95 € Editorial Panini

¡La impresionante aventura que cambió para siempre el destino de Mercurio y La Bruja Escarlata! Pietro y Wanda emprenden la búsqueda de la verdad sobre su pasado, un misterio que les llevará hasta Centroeuropa, a la montaña de Wundagore, donde les espera el mayor reto de sus existencias. Mientras tanto, Los Vengadores afrontan a un enemigo como nunca antes habían conocido… ¡Henry Peter Gyrich quiere diezmar sus filas!

Además, un alucinante Anual dibujado por George Pérez, y el mayor misterio de la mansión de Los Vengadores, al descubierto.

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DOS CARAS AÑO UNO Guión/Dibujo: Mark Sable/Jeremy Haun, Jesus Saiz Edición original: Two Face Year One 1-2 USA Formato: Libro cartoné, 96 págs. color.

PVP: 11,95 € Editorial Planeta de Agostini

Harvey Dent era un hombre dispuesto a defender la ley en Gotham incluso antes de su firme alianza con el comisario Gordon y con Batman.

Fiscal del distrito de la ciudad, gozaba de un gran favor popular... hasta que algo despertó en él un lado oculto ya más que latente. Desengañado y transformado en un monstruo, confiando más en el azar de una moneda que en el sistema jurídico para impartir justicia, Harvey se verá convertido en uno de los más temibles villanos del Hombre Murciélago...

Mark Sable (Grounded) guioniza este relato de serie negra que entronca con clásicos como Batman: Año uno y El largo Halloween, con una sobria atmósfera y una elegancia narrativa a la altura gracias a la fundamental aportación el dibujante albaceteño Jesús Saiz (Jaque Mate, The Brave and the Bold).

BATMAN: Asilo Arkham - Locura Guión/Dibujo:Sam Kieth Edición original: Batman Arkham Asylum: Madness Formato: Libro cartoné, 104 págs. a color.

Precio: 13,95 € Editorial Planeta de Agostini

Precisamente cuando Batman toma conciencia de la necesidad de prestar mayor atención y cuidado a su identidad civil, se ve obligado a afrontar nuevos desafíos:el regreso del Joker, la irrupción de un ejército de Manbats y ¿la existencia de un hijo secreto? Talia Head será la encargada de verbalizar esta inesperada revelación, que bien podría dinamitar la relación entre Bruce Wayne y sus aliados más cercanos.

Sorprendentes acontecimientos, a los que se suma la aparición en Gotham City de tres inquietantes versiones del Hombre Murciélago.

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Cinemascomics │ Enero 2011 │

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