Cinemascomics: nº 6

Julio 2011. Nº 6. Año 1

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La revista ENTREVISTA

JOHN LASSETER Estrenos

Cars 2 Harry Potter 7. PARTE 2 Paul Green Lantern...

La Caja Misteriosa de

J.J. Abrams

ESPECIAL SAGA

Especial VISITAMOS LOS ESTUDIOS

PIXAR

HARRY POTTER

RSO U C N ¡CO rn! e t n a L Green NO SOMOS HÉROES ESPECIAL SERIES

VAL LEWTON

EL TERROR MÁS HERMOSO…

CINE JAPONÉS POSESIÓN INFERNAL

ORIENTAL EXPRESS

CINE DE LOS 80

EN 3D Y TAMBIÉN EN 2D

EN EN EN EN3D 3D 3D 3DYYYYTAMBIÉN TAMBIÉN TAMBIÉN TAMBIÉNEN EN EN EN2D 2D 2D 2D

EN CINES 3D Y 2D

cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego David Larrad Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Francisco Nieto Sánchez (www.cinedeaqui.es) Javier Calvo José Joaquín González (www.defanafan.com) Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Manuel Moros Pedro Pinos Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) Úrsula Karivdis COMICS Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) Moratha (moratha.blogspot.com) PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics.

A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

EDITORIAL Os damos la bienvenida a una nueva edición de Cinemascomics: La revista.

El pasado mes de abril tuvimos el honor de visitar las instalaciones de Pixar en Emeryville (California) por medio de nuestro corresponsal Diego Sánchez de planta13.blogspot.com, que pudo hablar con los animadores españoles que han trabajado en CARS 2 y entrevistar al mismísimo John Lasseter, algo nada fácil teniendo en cuenta el poco tiempo del que dispone el realizador.

Este mes cómo no, se lo dedicamos una vez más al estreno comiquero de julio que no es otro que Green Lantern, película dirigida por Martin Campbell (Casino Royal) y protagonizada por Ryan Reynolds; Manuel Moros nos contará los origines del personaje. Tampoco podemos olvidarnos de Harry Potter que cerró la saga el pasado 15 de julio con el estreno de Harry Potter y las reliquias de la muerte parte; José Joaquín González hace un breve repaso de toda la saga del personaje de J.K. Rowling.

David Larrad nos trae sus críticas cinematográficas y aprovechando el estreno de Los Pingüinos del Sr. Popper, dedica un artículo especial a la figura de Jim Carrey.

También podréis disfrutar de nuestras secciones habituales: Diego Burdio y Moratha nos traerán de nuevo el humor a través de sus historietas, Sergio Reina nos llevará de nuevo a los 80 de la mano de Sam Raimi y su trilogía de Posesión infernal, Pedro Pinos recordará la figura del productor Val Lewton y Francisco Nieto nos dará un adelanto de los próximos estrenos que nos llegarán del país del sol naciente.

Y para terminar una seria advertencia a todos aquellos malvados que por estar de vacaciones dejen de lado nuestra fantástica revista: “En el día más brillante, en la noche más oscura ningún mal escapará a mi vigía. Que aquellos que adoran el poder del Mal teman a mi poder...¡la luz de Linterna Verde!”

Carlos Gallego Director de Cinemascomics

Julio 2011 Número 6

comics 7│La Página de Diego Burdio

Entrevista: John Lasseter

20

Harry P 10 año

123│Gordos con Mochila Por Moratha

Actualidad 8│Jaume Collet-Serra Dirigirá Akira

106

10│Ya hay director para

“300: Battle of Artemisia”

Trilogía de Posesión Infernal

criticas 94│Cars 2 95│ Caballeros, Princesas y otras bestias 96│ Transformers 3

110

Daniel

11

97│Kung Fu Panda 2

Cine made in Japón 4 │

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contenido 24

Potter, : Más de os de magia

42

estrenos 14 │Cars 2 8 de Julio 30 │ Harry Potter 7. Parte 2.

15 de Julio 40│Los Pingüinos del Sr. Poper

Jim Carrey, el actor cómico que siempre quiso ser serio

22 de Julio 48 │ Paul 22 de julio 62│ Los Pitufos 29 de Julio 66│ Green Lantern 29 de Julio

28

l Radcliffe

98

VAL LEWTON: EL TERROR MAS HERMOSO...

80│ La victima perfecta 29 de Julio

que leer 130 │ Zona Cómic

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124 No somos héroes

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El poder de la luz de Green Lantern Cinemascomics │Julio 2011 │

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aurum.es

facebook.com/aurumproducciones

Noticias

JAUME COLLET-SERRA DIRIGIRÁ LA NUEVA ADAPTACIÓN DEL MANGA JAPONÉS

AKIRA La adaptación del manga japones Akira de Katsuhiro Otomo ya tiene director y será español. El director Jaume Collet-Serra será el responsable de la nueva versión, no olvidemos que Akira ya fue llevada al cine de forma magistral de manos de Katsuhiro Otomo en 1988, quizá uno de los mejores animes de todos los tiempos.

Warner Bros y la productora Appian Way propiedad de DiCaprio, adquirieron los derechos de la novela gráfica escrita por Otomo para realizar una nueva versión en 2008. Desde entonces se han ido sucediendo los rumores sobre posibles directores como Ruairi Robinson y Albert Hughes, o de posible protagonistas entre ellos DiCaprio que daría vida a Kaneda, aunque también han sonado nombres como Garrett Hedlund, Michael Fassbender, Chris Pine, Justin Timberlake y Joaquin Phoenix; y para Tetsuo , Robert Pattinson, Andrew Garfield y James McAvoy entre otros.

El proyecto llevaba en punto muerto hasta que hace pocos meses Warner decidió poner de nuevo en marcha el proyecto. No en vano Warner pagó en su momento un cheque de siete cifras por los derechos de la novela gráfica.

Gary Whitta fue el primer guionista contratado para la adaptación del manga, mientras que Albert Torres y el equipo de Mark Fergus y Hawk Ostby también aportaron su granito de arena.

Collet-Serra ha ganado una gran reputación en Hollywood, y su rendimiento en taquilla ha ido en aumento con cada película: su primer largometraje como director de “La casa de cera” recaudó 68 millones de dólares a nivel mundial en 2005, mientras que 2009 con “Orphan” recaudó más de 76 millones en todo el mundo.

A principios de este año, el film protagonizao por Liam Neeson “Sin Identidad” consiguió hacerse con el primer puesto en taquilla y recaudó más de 130 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de producción de 30 millones de dólares.

Noticias

YA HAY DIRECTOR PARA “300: Battle of Artemisia” Hace dos semanas, se informó de que Zack Snyder no dirigirá la precuela de “300” y que los directores de Noam Murro (Smart People y próximo director de Die Hard 5) y Jaume Collet Serra (Sin Identidad, La casa de cera) se encontraban en conversaciones para que lo sustituya.

Ahora que Jaume Collet Serra ha sido confirmado para dirigir “Akira”, adaptación de la gran obra de Katsuhiro Otomo, el estudio finalmente se ha hecho con los servicios de Murro para llevar al cine “300: Battle of Artemisia”, que ha sido escrita por Snyder y Kurt Johnstadt (300) y basada en la novela gráfica de Frank Miller.

La nueva película estará centrada en la figura de Xerxes, un hombre que anda en busca de la divinidad tras la muerte de su padre luchando contra un señor de la guerra ateniense llamado Temístocles. La historia tiene lugar en el transcurso de varios años, pero como tema central la batalla de Artemisia, que se produjo en el año 480 A.C.

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VISITAMOS LOS ESTUDIOS

PIXAR Por Diego Sánchez

Magia a través del espejo Han sido veinticinco años. Toda la vida del que escribe. Una vida de magia, ilusión y fantasía. Una vida llena de personajes, de historias, mundos fantásticos e inimaginables aventuras. Mundos más allá de la imaginación, mundos más allá de la realidad, más allá de lo cotidiano e incluso más allá de lo conocido. Pero, al mismo tiempo, mundos llenos de sentimientos, de emociones humanas. Pixar, compañía puntera en el mundo de la animación nos deja atravesar el espejo y zambullirnos en la

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magia de un estudio que este año presentará Cars 2, su película más ambiciosa hasta la fecha.

Pasaban poco más de las ocho de la mañana cuando crucé las puertas de Pixar. Era el día uno de abril de 2011. La emoción se palpaba entre los blogueros que habíamos sido seleccionados por Disney para visitar el principal estudio de animación del mundo.

Pixar Animation Studios, el epicentro creativo que está detrás de obras maestras como Los Increíbles, WALL-E, Monstruos S.A o la trilogía de Toy Story.

Atravesar las puertas de entrada es como atravesar el espejo de Alicia. El edificio está diseñado para que refleje la potente luz del sol de California hacia el exterior, creando ese mágico reflejo idéntico al que crearía la luz sobre un espejo, de tal manera que todas las cristaleras ocultan el interior de un universo mágico.

Por eso cuando se atraviesan las puertas de entrada uno se siente como Alicia, zambulléndose en la madriguera y descubriendo un mundo de sueños más allá del espejo. www.cinemascomics.com

Y es que lo principal de estos estudios es el buen rollo que se respira, todo parece mágico e incluso podría decirse que se entra en otro mundo, el de la creatividad: “Es un ambiente de colaboración continua, de comunidad, con proyecciones de películas, clases de cine, clases de dibujo…

Pixar no es solo un estudio, sino una comunidad de Artistas”, en palabras de Juan Carlos Navarro, animador de personajes en Cars 2. “Las películas de Pixar trascenderán el tiempo porque conectan a un nivel universal” continúa el www.cinemascomics.com

animador español: “Estoy trabajando directamente con John Lasseter, uno de los genios de la animación, lo que hace que esto no sólo sea trabajo, sino que disfrute aquí cada día”.

Siempre se dice que los trabajadores se mueven en patinete por los pasillos de Pixar. Es cierto. Y también descalzos, en bermudas, en traje o como les apetezca.

Siempre se dice que cada trabajador puede decorar su despacho a su gusto. Es cierto. Aunque no tuvimos acceso directo a ningu-

no pasamos frente a la puerta de muchos de ellos, abiertas, y pudimos ver que sus despachos son como los de cualquier aficionado al cine, los videojuegos y la animación: pósters de Star Wars, figuras coleccionables, juguetes, peluches, muñecos… Cualquier cosa relacionada con el mundo del cine y, por supuesto, diseños, figuras y merchandising de sus películas.

Pixar es una comunidad de artistas donde todos, hasta el que hace el trabajo más pequeño, son Cinemascomics │Julio 2011 │

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respetados y tratados como profesionales: “Lo mejor de trabajar para Pixar es el buen trato que te dan”, comenta Eduardo Martín, del departamento de iluminación en Cars 2. “Se considera una profesión respetada, se deja libertad y buscan que el profesional llegue a casa a su hora. Para ellos es muy importante que nos sintamos cómodos e integrados. Pixar quiere que la gente este a gusto y se considera que el nuestro es un puesto muy respetado”.

das, imaginarias.

Juan Carlos Navarro, animador de personajes lo tiene muy claro: “En Pixar hacemos las películas que creemos que debemos hacer, que necesitamos contar” asegura emocionado durante un descanso de su trabajo. “Aquí las historias son lo importante, hay cosas que intentamos que sean para todos”.

Así, el animador español compara las películas con ir a la playa: “si tienes tres años te quedas en

la orilla jugando. Pero si tienes treinta puedes adentrarte mucho más allá y descubrir todo lo que el mar puede ofrecerte”.

El filme más grande de Pixar Y el mar de Cars 2 es un inmenso océano. La primera secuela fuera de la trilogía de Toy Story que lleva a cabo el estudio no podía ser una simple continuación con “más de lo mismo”. Eran poco más de

Conseguir ese ambiente es una de las metas de Pixar, un espíritu de humildad, de humanidad, de hablar entre iguales. Y ese espíritu se refleja en la filosofía de sus películas, en la cercanía de sus historias. Y es que el secreto de Pixar no es sólo la capacidad visual de sus trabajadores para crear universos enteros desde la nada. Lo más importante, la auténtica magia Pixar emana de sus escritores, de sus historias, de los animadores que dotan de vida y sentimientos a criaturas inanima-

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las diez de la mañana cuando salía de la sala de proyecciones del estudio y apuntaba en mi bloc de notas. “¿La primera película de acción de Pixar?”. Horas mas tarde, durante las entrevistas, recibo respuesta oficial: “La gente se sorprenderá con el cambio de género”, me aseguraba la productora de la película, Denise Ream, en una de las oficinas del edificio. “Mandamos a los personajes alrededor del mundo, con vistas completamente diferentes, pero desde luego el cambio de género será lo más sorprendente”.

Y es que Pixar quiere presentar su primera película de espías y acción, con una escala visual no vista hasta la fecha en la compañía: “Es sin duda la mayor película de Pixar”, sentencia Ream orgullosa cuando le pregunto por el trabajo que ha supuesto llevar a cabo la película: “y eso que aun seguimos trabajando en ella, pero a nivel de localizaciones, personajes y efectos, Cars 2 es sin duda la película más ambiciosa que hemos hecho nunca”.

No podemos criticar de forma oficial lo que vimos en aquella sala de proyección, pero sí puedo decir que las referencias al cine de espías son más que evidentes.

Pixar ha hecho una película de género, de acción, enredos y espías.

Pero,”¿de dónde sale esta loca y genial idea? “ “La idea original era una película dentro de otra, dentro de Cars”, comentaba tras la proyección el diseñador de producción Harley Jessup. Se trataba de una secuencia en la que Rayo McQeen iba al cine a ver una película de espías sobre McMissil. La idea fue descartada pero nunca olvidada. De hecho, el concepto de una película de coches espías gustaba tanto a todos los implicados (especialmente el director, John Lasseter), que se dedicaron a crear toda una historia que uniera todos esos personajes. “John tenía una gran pasión por los coches y sentíamos que la primera era demasiado americana”, aseguraba Jay Ward,

encargado de toda la franquicia de Cars. “Por eso creíamos que con la cantidad de coches de diferentes países y carreras alrededor del mundo que existen, hacer el universo de Cars más internacional funcionaría muy bien, era una idea que nos gustaba mucho”.

La sinopsis de Cars 2 cuenta que cuando la superestrella de la velocidad Rayo McQueen (voz original de Owen Wilson), acompañado por su mejor amigo Mater el remolque (Larry the Cable Guy), necesitarán sus pasaportes al encontrarse en un nuevo mundo de intriga, aventuras y divertidas escapadas alrededor del globo. El toque de película de espías lo darán los nuevos personajes, entre los que destaca Finn McMissile, (voz de Michael Kane) y el personaje de Holley Shiftwell (voz de Emily Mortimer).

Pero junto a McMissile, Cars 2 presenta otros nuevos personajes de procedencia internacional: coches de Brasil, Francia, Italia, Asia

Juan Carlos Navarro, uno de los animadores españoles del equipo de Cars 2 www.cinemascomics.com

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e incluso España. Miguel Camino es el nombre del coche español.

“No hay muchos coches hechos en España a parte de los Seat” me comentaba Jay Ward durante el tiempo que pude charlar con él.

“Sin embargo España es famosa por su afición al las carreras, especialmente a Formula 1, con grandes y buenos conductores, por lo que quisimos añadir ese toque español al casting internacional de coches. Tuve la suerte de poder animarlo”, asegura con orgullo Juan Carlos Navarro, animador de personajes “si hay personajes mediterráneos (Lasseter) siempre quiere que seamos gente de la tierra quienes los animemos, porque podemos trasladar nuestro sentimiento y emociones a los personajes que creamos y esto ocurre con los trabajadores de todos los países que trabajamos en la película”.

E igualmente ocurre con los diseños de los decorados. Para Cars 2 el reto fue crear diferentes mundos, colores, culturas y diseños particulares para cada país y cultura. Para ello no sólo se pidió a los diseñadores que procedían de los países en cuestión que aportaran sus propias ideas y comentarios, sino que parte del equipo viajó en varias ocasiones a Tokio, Londres, Mónaco e Italia para hacer fotografías y videos que sirvieran de inspiración y documentación a la hora de trabajar y crear un Universo de coches basado en el mundo de los humanos.

De ahí que por ejemplo el Big Ben y el Parlamento Británico estén decorados con motivos de coches pero mantienen los rasgos que permiten identificar los edificios y la cultura de cada país. El trabajo comienza por los planos, diseños y fotografías del edificio real para después ir modificándolo y haciéndolo formar parte del universo Cars, como también se hizo con el Victoria Memorial frente a

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Buckingham Palace, cuyo diseño ha sido tuneado para la ocasión como herramienta para ampliar el universo ya conocido en la primera parte.

“Cars era una película de colores muy cálidos, que transcurría en tierras casi desérticas y a plena luz del día”, comentaba Sharon Calahan, directora de fotografía.

“Lo que uno menos se espera es que Cars 2 empiece de noche, en mitad del océano y con tonos muy fríos”. Efectivamente, la primera secuencia de la película, de la que días después de mostrárnosla a nosotros en los estudios se lanzó un clip en internet, se desarrolla en una planta en mitad del océa-

no.

Inesperado. Original. Visualmente impactante y siempre con corazón; con personajes capaces de emocionarnos e identificarnos; con historias llenas de emociones y sentimientos humanos, con la magia de una buena historia como principal herramienta. Así se trabaja en Pixar, un estudio de animación que bajo su reflectante diseño e innovadora tecnología esconde el mágico arte de contar historias con sabor añejo.

Nuestro corresponsal Diego Sánchez con los personajes de Monstruos S.A. en un momento de su visita a los estudios Pixar. www.cinemascomics.com

ENTREVISTA

JOHN LASSETER “LLEGAR A QUE ME PAGARAN POR HACER DIBUJOS ERA UN SUEÑO” Por Diego Sánchez ¿Por qué decidisteis hacer Cars 2?

Me encantó hacer la primera y todo el universo que creamos. Me crié en Los Angeles y mi padre trabajó en un taller así que siempre estuve rodeado de coches.

Por eso hicimos Cars, la primera, me imaginaba un gran universo habitado sólo por coches. Cuando estaba haciendo el tour de Cars por todo el mundo, pasamos por España y recuerdo especialmente la parada en Barcelona. Cuando estuve allí Alonso ganó una carrera y fue muy emocionante. No paraba de pensar lo apasionante que seria llevar a nuestros personajes alrededor del mundo y explorar el universo de las carreras. Luego teníamos la idea de una película dentro de una película, que surgió en Cars 1. Iba a ser una secuencia en la que fueran al cine a ver una película de espías. Y pensamos: Esto puede ser muy divertido. ¿Una película de espías y coches alrededor del mundo? Esto mola, va a ser divertido. Y me había enamorado de la Fórmula 1 en España. Así que mezclando esas dos ideas fue surgiendo la película…

Cars 2, por lo que hemos visto en el pase, parece más una película de acción que una comedia familiar… www.cinemascomics.com

Es una gran comedia pero al mismo tiempo una auténtica película de acción y espías. Solo habéis podido ver 26 minutos y son parte de las secuencias de más acción.

Además, la violencia con los coches no resulta nada fuerte, ya que siempre puedes arreglarlo en el taller. En general diría que hemos hecho una película de acción muy divertida. ¿Cómo te las arreglas para trabajar con tanta gente involucrada en esta película?

En animación nada existe, lo tienes que crear todo. No tienes nada gratis. Tienes que diseñarlo, crearlo, montarlo, pintarlo, iluminarlo… Con ese control siempre intento dar un paso atrás y pensar… ¿Qué necesita la historia? ¿Qué necesito para apoyar a mis personajes? Situamos la primera en aquella población del oeste americano, pero ahora nos movemos por todo el mundo. Rayo McQueen encaja perfectamente en el nuevo ambiente, pero su compañero no, está totalmente fuera de su ambiente. Todo lo visual de la película está ahí para apoyar esa sensación, para crear esa sensación en el espectador.

Así que sólo tengo que transmitir esas ideas al equipo, para que todos trabajemos en comunión.

¿Dirías que James Bond es una de las inspiraciones y referencias para Cars 2?

Diría que todas las películas de espías lo han sido. La trilogía de Bourne me resulta increíble. He visto estas películas más de 25 veces cada una con mi hijo. En casa tenemos el blue ray con un sistema de cine en casa para el sonido y cada vez que mi mujer entra en la habitación y nos ve a mi hijo y a mi viendo las películas siempre dice: ¿Otra vez? Así que sí, Bourne ha sido una gran referencia por llevar el cine de espías a otro nivel, aunque tuvimos en mente las películas de espías en general y por supuesto James Bond. ¿Qué cree que hace de las películas de Pixar el gran éxito que son?

La historia. La historia es lo más importante en nuestras películas y creo sinceramente que a la gente le gustan por las buenas historias. Además intentamos crear unos personajes únicos, que no se hayan visto anteriormente. Son personajes divertidos a los que les pasan cosas que los niños entienden pero que los adultos ven desde otra perspectiva. Ponemos mucho esfuerzo en crear películas que funcionen en diferentes lenguas, en diferentes culturas, puesto que se traducen las pelícuCinemascomics │Julio 2011 │

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las a muchos idiomas. Como fan de las películas… No importa si hablamos de coches, monstruos, o bichos… Lo que importa es que los personajes experimentan emociones y sentimientos humanos.

Lo que intentamos hacer desde el principio es buscar la emoción de los personajes, de dónde vienen sus sentimientos, de dónde llega la emoción que queremos transmitir cuando se apaguen las luces en el cine… La emoción y el arco del personaje principal, cómo cambia a lo largo de la historia…

Y eso es lo que llamamos “la fundación” de la película, la base, como en un edificio. Primero tienes que crear una base sólida para que el edificio se mantenga.

Lo mismo ocurre con la emoción de los personajes. Cuando hablas de películas de genero, como una “buddy movie” (película de colegas), película de padre e hijo, películas de venganza… Hay muchos tipos de géneros, como el cine de espías. Y cada uno de esos géneros suele tener un arco establecido que siguen los personajes.

Cuando estudias estas películas suelen tener los mismos arcos

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dramáticos y eso nos ayuda a darnos cuenta de qué tipo de historia y arco va a experimentar nuestro personaje. Y después le añadimos humor, un poco mas tarde, porque es ligeramente mas fácil y llega definido por el personaje.

El tipo de humor lo va a definir el carácter del personaje, porque cada uno tiene una personalidad única que puede llevar a situaciones muy divertidas. Como cada persona. ¿Veremos alguna vez una película de imagen real de la compañía Pixar? ¿Producida por Pixar? No. Algunos de nuestros directores están interesados en ello. Tanto Brad Bird como Andrew Staton están en proyecto de imagen real. Andrew está haciendo una película de imagen real para Disney (Jhn Carter of Mars), combinando imagen real y efectos visuales. Brad Bird está dirigiendo Mission Imposible 4 con Tom Cruise. No tenemos problemas en que ellos experimenten otras vías de contar historias pero yo no tengo interés en hacer una película así. Estoy

enamorado de la animación y es lo que quiero hacer, lo que me hace feliz. ¿Es lo que siempre quisiste hacer?

Siempre. Siempre me han gustado los dibujos. Mi madre fue profesora de arte durante 33 años, gran parte de mi vida, así que he estado rodeado de artistas y un ambiente de creatividad desde pequeño. Constantemente estaba haciendo algo creativo: pintar, dibujar, lo que fuera. Pero no sólo me gustaba dibujar, sino también ver los dibujos. Tenia 30 años aproximadamente cuando leí un libro de animación sobre cómo Disney hacia películas de animación y me llegó tanto leerlo que me llevó a querer hacer dibujos para vivir. Llegar a que me paguen por hacer dibujos era un sueño. Así que le dije a mi madre que quería animar dibujos para un estudio y trabajar y vivir de ello.

Ella me dijo que era un gran objetivo y que luchara por ello. Así que es lo que hice. Y aquí estoy, a punto de estrenar Cars 2.

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Por José Joaquín González

La saga Harry Potter se acaba.

Todo el mundo lo sabe, y aunque el final estaba disponible en la versión literaria desde finales del año 2007, parece que el fenómeno ha querido retrasar un poco la despedida haciéndolo coincidir con la última entrega cinematográfica de la que es - por encima de sagas como las James Bond, Star Wars y El Señor de los Anillos - la franquicia más rentable y exitosa del mundo del entretenimiento.

Desde Cinemascomics: La Revista no podemos dejar pasar la oportunidad de hablar sobre esta saga que tan buenos momentos ha dejado a públicos de todas las edades, por lo que aprovechando el estreno del capítulo final de la saga os hemos preparada un articulo especial donde repasaremos este fenómeno, centrándonos en las películas, actores y directores que rodearon la que es ya sin duda una saga candidata a convertirse en clásico universal de la fantasía literaria y cinematográfica.

El nacimiento de un clásico.

Harry Potter nace de la mente de J.K. Rowling, una filóloga británica que ha declarado en multitud de ocasiones que todo comenzó a raíz de un viaje en tren de Manchester a Londres. Durante ese trayecto, demorado más de cuatro horas, la ahora multimillonaria escritora tuvo la idea de escribir sobre una academia de magia que con el tiempo se convertiría en Hogwarts, el colegio de Magia y Hechicería que en el año 1997 (año de publicación del primer libro) se haría famoso por ser el escenario principal de las aventuras de Harry Potter y sus amigos Ron y Hermione en el libro “Harry Potter y la Piedra Filosofal”.

reportaría aun más dinero que el que había conseguido hasta ese momento, extendiendo el universo del personaje en una obra compuesta por siete libros y ocho películas.

Tras un exhaustivo casting que cumplía con las exigencias de la autora (Rowling quería que el reparto se mantuviera durante todas las películas y que fuera consecuente con el origen de los personajes), en 2001 se estrenaría la primera entrega cinematográfica de esta saga mágica, que este mes tocará a su fin.

Harry Potter y la piedra filosofal (2001) La primera entrega de las aventuras de Harry Potter fue dirigida por Chris Columbus, un realizador reconocido por su trabajo en filmes de temática juvenil y al cual hay que agradecer el buen hacer al llevar a la gran pantalla un mundo tan particular como el que se puede observar en la totalidad de la obra de Rowling.

Con una amplia experiencia en el sector - Columbus ha dirigido cintas como “Aventuras en la ciudad” y “Solo en casa” y guionizado clásicos como “Gremlins”, “Los Goonies” o “El misterio de la pirámide” - este reputado director se encargó de presentarnos a los desconocidos Daniel Radcliffe,

Rupert Grint y Emma Watson junto a un plantel de actores de reputada experiencia como Richard Harris (Dumbledore), John Hurt (Sr. Ollivander) y Maggie Smith (la profesora Minerva McGonagall), los cuales tuvieron que sentirse realmente orgullosos al participar en la cinta más taquillera del año 2001 y la octava película mas rentable de la historia del cine.

En cuanto a la historia, “La piedra filosofal” nos narra el primer año de Harry en la escuela de magia de Hogwarts y cómo tras descubrir su origen mágico tendrá el primer encuentro con el villano central de la saga, el malvado Voldemort.

Harry Potter y la cámara secreta (2002) Prácticamente un año después del exitoso estreno de la primera película llegaba a los cines la adaptación de la segunda novela del personaje, para la cual se contaría de nuevo con la dirección de Chris Columbus y el equipo artístico original.

Con un universo que ya se presentó en la primera entrega, este film tenía bajo su responsabilidad volver a hacer funcionar un producto en el que había grandes esperanzas, y aunque para mi gusto es la cinta más floja del conjunto (sobre todo por el horrible dobla-

Con más de 110 millones de ejemplares vendidos, el libro reveló el fenómeno que actualmente conocemos y catapultó a la fama a Rowling, quien tras ver el éxito alcanzado por su personaje en el ámbito literario vendería en 1999 los derechos cinematográficos a Warner Bros, en un acto que le www.cinemascomics.com

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Imagen de Harry Potter y el prisionero de Azkaban. Alfonso Cuarón (2004)

je de Ron), finalmente tuvo una acogida espectacular.

La historia de esta entrega tiene una gran cantidad de vínculos con la saga final (aquí se inicia el tema de los horocruxes que más tarde saldrían a la luz) y como es habitual en la saga, enfrenta a Harry y sus amigos a una extraña manifestación de Voldemort, esta vez empeñado en abrir una antigua cámara secreta de la escuela de Hogwarts que encierra a una criatura tan peligrosa como desagradable: el basilisco Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004) Tras la retirada de Columbus (que hizo de productor en la cinta) y el fichaje del realizador mexicano Alfonso Cuarón (“Hijos de los hombres”), la cinta sufrió distintos retrasos que la hicieron perder el ritmo programado de una cinta por año (para coincidir con la aparición anual de los libros).

Aparte del cambio de director, la cinta tuvo que buscar a un sustituto para el personaje de Aldus Dumbledore, ya que a finales del 2002 el actor Richard Harris (“Un hombre llamado Caballo”) falleció por un cáncer que le afectó al

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sistema linfático.

nos que las otras seis entregas).

La cinta es la única en la que no vemos a Lord Voldemort, centrándose en esta ocasión la acción alrededor de Sirius Black (Gary Oldman), Remus Lupin (David Thewlis) y Peter Pettigrew (Timothy Spall), tres antiguos compañeros de los padres de Harry que vuelven a Hogwarts por distintas razones.

Harry Potter y el cáliz de fuego (2005)

Además de presentar a estos tres importantes personajes, la cinta revela a ciertos altos cargos de la alta aristocracia mágica y nos da a conocer la terrorífica prisión de Azkaban y a sus mortíferos guardianes, los dementores, unas criaturas que surgieron de la mente de la autora tras pasar por una depresión que casi la impulsó al suicidio.

A mi gusto, y hasta ver la nueva entrega (la penúltima me pareció realmente buena, pero corta y llena de clifhangers), creo que es la cinta más equilibrada, aunque curiosamente es la cinta que menos taquilla recaudó de las siete películas estrenadas hasta el momento (ha recaudado unos 795 millones de dólares, casi cien me-

Dirigida por el veterano director Mike Newell (“El príncipe de Persia”), la nueva entrega de Harry Potter se estrenaría un año después de la anterior con un título que daría el pistoletazo de salida al regreso de Voldemort y su reinado de terror.

La cinta cuenta cómo en su cuarto año en Hogwarts, Harry tendrá que participar en el “Torneo de los tres magos”, una competición que nos revelaba que hay más escuelas de magia aparte de Hogwarts.

Ciertamente, me parece que este asunto de las distintas escuelas de magia está poco aprovechado en la obra de Rowling, y aunque desconozco si tienen un papel más importante en los libros (solo llegué hasta “La Orden del Fénix”) me parece que en un futuro podrían dar bastante juego a un posible universo expandido sobre la obra.

Algo que no debemos olvidar de reseñar de esta cinta, es la implicación de un joven Robert Pattinson haciendo de Cedric Diggory en www.cinemascomics.com

el que es probablemente el papel más reconocido que hizo antes de dar el salto a la fama mundial como Edward Cullen en la saga Crepúsculo.

Harry Potter y la Orden del Fénix (2007) Tras la negativa de Mike Newell a dirigir la quinta entrega de la saga, se optó por dar una gran oportunidad a David Yates, un director de telefilmes británicos que ha visto cómo su caché aumentaba exponencialmente gracias a esta prolífica saga.

Tras el final del cáliz de fuego, se iniciaba una nueva y oscura etapa para la vida de Harry y sus compañeros, quienes veían como Voldemort (interpretado por Ralph Fiennes por primera vez en la anterior entrega) y sus mortífagos se infiltraba en todos los sectores de la sociedad mágica para hacérselas pasar canutas a los buenos de la película.

La Orden del Fénix nos muestra a un grupo de magos que están dispuestos a proteger con su propia vida a Harry, quien tras volver por penúltimo año a Hogwarts se encuentra bajo una seria amenaza de muerte por parte del señor oscuro, quien ha conseguido relevar del puesto de director a Dum-

bledore en la famosa escuela de magia.

La cinta recupera a Gary Oldman (“Batman Begins”) y Brendan Gleeson (“28 días después”, “Gangs of New York”) como Sirius Black y Ojo Loco Moody.

Harry Potter y el misterio del príncipe (2009) Con David Yates repitiendo dirección, este film dota de mayor importancia al actor Tom Felton como Draco Malfoy, haciendo que la mayoría de la trama gire alrededor de este personaje en el que será el último año de Harry en la carismática escuela de magia.

El film (junto al libro) supuso un shock para las seguidores debido a la muerte de cierto personaje importante, y revela la importancia de los horocruxes en la cruzada de Harry por liberar al mundo mágico, y al muggle, de la amenaza de Voldemort y sus fieles acólitos oscuros.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (2010 - 2011) Dividida en dos partes para poder narrar los acontecimientos del último libro (el volumen ocupa más de 600 páginas)y por qué no, lograr mayor taquilla y recaudación, los últimos capítulos de la saga también están dirigidos por David Yates, y aunque el procedimiento de adaptación ha sido

duramente criticado (la primera parte es básicamente una introducción al capítulo final) no repercutió para nada en taquilla, habiendo logrado una recaudación de más de 950 millones de dólares, y situando al film como la decima película más taquillera de la historia (dos puntos por debajo de la primera película de la saga).

La trama gira en torno a la búsqueda de los horocruxes, unos objetos que son cruciales para acabar con Voldemort, quien ha puesto precio a la cabeza de Harry, al que está obligando a huir y esconderse a través de todo el mundo mágico y muggle (ya sabéis, el mundo de los no-magos).

Con esto llegamos al término de este repaso, un final con interrogante que tendrá respuesta en pocos días con el estreno de la segunda parte de “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte”, el capítulo que pondrá punto y final a esta saga que nos ha acompañado durante los últimos diez años; una década en la que aparte de conseguir un estupendo rédito económico, ha conseguido impulsar la lectura entre los más pequeños y sobre todo, ejecutar la difícil tarea de mantener la calidad en ocho filmes (espero que esta última entrega siga en la misma línea) con directores de lo más variado, algo de lo que sinceramente pocas producciones pueden presumir.

Imagen de Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 2. David Yates (2011) www.cinemascomics.com

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DANIEL RADCLIFFE EL ACTOR PONE PUNTO FINAL A SU ETAPA CÓMO EL MAGO MÁS FAMOSO DE LA HISTORIA DEL CINE DANIEL RADCLIFFE ha protagonizado todas las entregas de la serie cinematográfica basada en la exitosa serie de libros de Harry Potter, escrita por J.K. Rowling.

Actualmente protagoniza el papel de J. Pierrepont Finch en el reestreno de Broadway nominado al Tony How to Succeed in Business Without Really Trying, que supone su primer musical de Broadway. La dirección y la coreografía del espectáculo corren por cuenta del galardonado con el Tony, Rob Ashford. El trabajo de Radcliffe en el espectáculo le ha valido varios premios, incluyendo el de Actor Favorito en un Musical y el de Pareja Favorita en el Escenario (con John Larroquette) en los premios Broadway.com Audience, además del premio BroadwayWorld.com al Mejor Actor Protagonista en un Musical. Por su interpretación de Finch, ha recibido nominaciones al Drama Desk, al Outer Critics Circle, al Drama League y a los Fred and Adele Astaire Awards.

En 2008, Radcliffe debutó en Broadway interpretando a Alan Strang en la obra de Peter Shaffer, Equus, que le valió el premio al Mejor Actor Protagonista del www.cinemascomics.com

premio Broadway.Com Audience, además del premio a la Mejor Obra. También obtuvo la nominación a los premios Drama League y al Drama Desk gracias al papel en la obra. El año anterior, Radcliffe obtuvo un gran reconocimiento al interpretar por primera vez el papel protagonista de Alan Strang en el reestreno de Equus en Londres, que marcó su debut en el West End. Thea Sharrock dirigió las producciones de Londres y Broadway de Equus, coprotagonizada por el galardonado con el premio Tony Richard Griffiths.

En cine, Radcliffe protagonizará próximamente el thriller de terror The Woman in Black, dirigida por James Watkins, en lo que será la tercera producción de Hammer Films desde su reaparición y con estreno previsto el próximo 20 de enero. Otras de sus películas incluyen la australiana independiente December Boys, así como el papel de Jack Kipling en la película para televisión basada en hechos reales Mi hijo Jack.

Radcliffe apareció por primera vez en la pantalla en 1999 interpretando al joven David Copperfield en la adaptación de la no-

vela clásica de Charles Dickens , David Copperfield, producida por la BBC/PBS. Dos años más tarde dío vida a Mark Pendel en El Sastre de Panamá de John Boorman pero la fama le llegó ese mismo años cuando consiguió el codiciado papel de niño mago en la película de 2001 Harry Potter y la piedra filosofal. Retomó su papel en Harry Potter y la cámara secreta, Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Harry Potter y el cáliz de fuego, Harry Potter y la Orden del Fénix y Harry Potter y el misterio del Príncipe.

La interpretación de Harry Potter llega a su final en la película de dos partes Harry Potter y las Reliquias de la Muerte.

Para televisión, Radcliffe ha prestado su voz al personaje de vampiro siniestro llamado Edmund en el capítulo especial de la serie Los Simpsons, “La casa del árbol del terror”. También apareció como artista invitado haciendo de sí mismo en la galardonada serie de la BBC/HBO Extras, protagonizada por Ricky Gervais.

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Estreno

15 de julio Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: parte 2 es la última aventura de la saga de películas de Harry Potter. La esperada película es la última parte de dos largometrajes.

En el épico final de la saga, la lucha entre las fuerzas del bien y del mal del mundo mágico se convierte en una guerra abierta.

Las cosas nunca habían sido tan complicadas y nadie está a salvo.

Es Harry Potter quien podría estar destinado a realizar un último sacrificio a medida que se acerca el enfrentamiento definitivo con Lord Voldemort.

Todo acaba aquí.

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Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson son los protagonistas de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: parte 2, que vuelven a meterse en la piel de Harry Potter, Ron Weasley y Hermione Granger respectivamente. En el resto del reparto podemos ver a Helena Bonham Carter, Robbie Coltrane, Warwick Davis, Tom Felton, Ralph Fiennes, Michael Gambon, Ciarán Hinds, John Hurt, Jason Isaacs, Matthew Lewis, Gary Oldman, Alan Rickman, Maggie Smith, David Thewlis, Julie Walters y Bonnie Wright.

David Yates dirige esta película, y es el director también de los éxitos de taquilla Harry Potter y la

Orden del Fénix, Harry Potter y el Misterio del Príncipe y Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: parte 1”. David Heyman, productor de todas las películas de Harry Potter, ha producido esta última junto con David Barron y J. K. Rowling. Steve Kloves es el guionista, responsable de adaptar a la pantalla el libro de J. K. Rowling.

Liones Wigram es el productor ejecutivo.

Y tras las cámaras, todo el equipo creativo, como el director de fotografía Eduardo Serra; el diseñador de producción Stuart Craig; el editor Mark Day; Tim Burke, supervisor de efectos visuales; John Richardson, supervisor de efectos www.cinemascomics.com

visuales; y Jany Temime, en diseño de vestuario. Además de la banda sonora, que está compuesta por Alexandre Desplat.

Warner Bros. Pictures presenta la producción de Heyday Films Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: parte 2, una película de David Yates que marca el desenlace de la saga con más éxito de todos los tiempos.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: parte 2 es la primera película de Harry Potter que se estrena a la vez en 3D y en 2D. Se distribuirá al mismo tiempo en las salas de todo el mundo y a la vez, también se estrenará en algunos cines en formato IMAX®. La pelíwww.cinemascomics.com

cula ha sido remasterizada para obtener la incomparable imagen y la calidad de sonido IMAX® gracias a la tecnología IMAX DMR®.

SOBRE LA PRODUCCIÓN

“Eres un mago, Harry” Hace diez años, con esas tres palabras comenzaba el extraordinario viaje cinematográfico de un chaval, cuyo nombre se ha convertido en sinónimo de magia: Harry Potter. A lo largo de la década, la saga que lleva su nombre ha cambiado la historia del cine y las vidas del multigeneracional reparto y de los cineastas que se han encargado de llevar a la pan-

talla los siete volúmenes de la obra literaria de J. K. Rowling.

Empezando por Harry Potter y la piedra filosofal en 2001 y terminando con esta adaptación en dos partes del último libro, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, las películas se han convertido en la saga más taquillera de la historia, llamando la atención de todos los públicos en todo el mundo. Además, tanto los libros como las películas forman parte ya de nuestra cultura, agregando a nuestro léxico palabras como Muggle, Quidditch, Hogwarts e incluso Expelliarmus.

David Heyman, que descubrió en 1997 el manuscrito de Harry Cinemascomics │Julio 2011 │

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Potter, todavía sin publicar y ha producido todas las películas, reconoce: “Jamás imaginé, cuando nos embarcamos en el proyecto de la primera película, la respuesta del público a lo largo de los años.

No me lo había imaginado ni en mis mejores sueños, así que me llena de gratitud y orgullo echar la vista atrás, tanto por los seguidores, como por J. K. Rowling”.

Las películas de Harry Potter han constituido un compromiso sin precedentes para todos los involucrados, ya que no existe ninguna otra película en la que se siga una historia lineal como esta y con los mismos personajes a lo largo de ocho largometrajes.

David Barron, productor, afirma: “Ha sido una experiencia única, pero dependía por completo de la calidad del material inicial, y eso, por supuesto, empezó con los libros”.

J. K. Rowling, autora y productora, afirma que, creativamente, el hilo de la historia estaba definido desde el principio. “Tenía una idea clarísima de hasta dónde iba a llegar Harry, esta es sólo una historia más que me apetecía contar. Para mí era muy im-

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portante saber si los libros iban a convertirse en películas, tenía que hacerlo así, David Heyman lo entendió perfectamente cuando nos conocimos.”

Rowling encontró a otro colaborador de valor incalculable en el guionista Steve Kloves, responsable de la adaptación de seis de los siete libros. “Steve entendió los libros totalmente”, dice; “siempre tuve claro que en el proceso de adaptación del papel a la pantalla tendríamos que hacer cambios, pero incluso las escenas que más difieren son totalmente fieles al espíritu de los libros”.

Kloves comenta: “Teníamos un cuento fresco y coherente que literalmente no tenía final cuando comenzamos, ya que sólo se habían publicado los tres primeros libros. Aunque, en ocasiones, esto representó un reto, mi instinto estaba bastante acertado. En esos momentos en los que necesitaba ayuda, contaba con una aliada cuyos consejos considero bastante sólidos: Jo”, afirma inexpresivo.

“Aunque en ningún momento era explícita, siempre estaba disponible y era una experta guiándome hacia la dirección correcta, al fin y al cabo, consiste en seguir una

máxima bastante lógica: sigue la evolución de los personajes”.

David Yates, el director, explica: “Al centrarnos en los personajes, muchos de los valores que Jo destaca en el libro pasan a un primer plano en las películas (el valor de la lealtad, el amor, la amistad y la tolerancia frente a la intolerancia y el mal)”.

“El poder del amor es un tema muy importante a lo largo tanto de los libros, como de las películas, existen muchos tipos de amor que se van manifestando a lo largo de la historia, pero seguramente el amor más sólido de estas películas se manifiesta en la amistad”.

La amistad está representada principalmente por los personajes de Harry Potter, Ron Weasley y Hermione Granger, a los que les dan vida tres actores que literalmente han crecido delante de las cámaras: Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson.

Radcliffe nos cuenta: “No me atrevería ni a resumir lo que el papel de Harry Potter ha significado para mí, pero puedo decir que nunca me he tomado su www.cinemascomics.com

interpretación a la ligera. Quizá sea el mismo personaje todo el tiempo, pero, como cualquier persona, Harry cambia mucho con el paso de los años, así que, como actor, cada película me ha parecido una oportunidad de hacer algo fresco y de desarrollar otras cualidades”.

“Yo me siento una privilegiada por haber interpretado a Hermione”, comenta Watson. “Creo que es un buen ejemplo para las chicas jóvenes porque siempre es leal a sí misma. Es muy inteligente, increíblemente valiente y una amiga fiel que mantiene la cabeza fría en situaciones extremadamente complicadas, ha sido genial poder reunir todos esos elementos de su personalidad a lo largo de las películas”.

“Sé que voy a echar de menos interpretar a Ron porque ha habido una época en la que he sido más él que yo mismo”, comenta Grint entre risas, “y me ha encantado el desarrollo del personaje; comenzó como un crío relativamente fácil de asustar y ha sido bonito verlo crecer hasta convertirse en alguien valiente y con recursos, en concreto en esta última peli, en la que se encuentran en una situación muy peligrosa e impredecible”.

Hayman añade: “En el transcurso de las películas realmente hemos

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contado con la crème de la crème de la escena británica, eso ha sido fantástico. Pero ver cómo nuestro jovencísimo reparto crecía y se convertía en buena gente y buenos actores ha sido una de las mayores satisfacciones de trabajar en las películas de Harry Potter. Estamos muy orgullosos de ellos”.

El público también ha visto a todos los personajes jóvenes de la saga evolucionar desde la infancia hasta la edad adulta y, según han ido madurando ellos, también lo han hecho sus historias. “Se trata de entrenar la imaginación, porque es como un músculo que también necesita su desarrollo a medida que vamos creciendo”, dice Alan Rickman, que interpreta al enigmático profesor Severus Snape en todas las películas. “Para poder hacer eso, hay que plantearse algunas cuestiones importantes: ¿Qué está bien y qué está mal?, ¿en quién puedo y en quién no puedo confiar?, ¿qué significa ser valiente? y ¿qué es la lealtad? Ésa es la base”.

Las situaciones se complican en cada entrega, y el peligro aumenta hasta que Lord Voldemort vuelve y, ahora domina a todos.

En Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: parte 2, los jóvenes magos se encuentran en prime-

ra línea en un mundo en guerra.

Heyman declara: “Es la última batalla de Hogwarts, la batalla final para el mundo mágico y, lo que lleva forjándose a lo largo de toda la saga, el final del conflicto entre Harry y Voldemort”.

Yates afirma: “Era importante que la saga tuviese un final épico, así que hay batallas, dragones, arañas y gigantes... pero en el fondo, esta es una historia sobre los personajes. El espectáculo es una parte importante, pero las personas que participan en él son las que hacen que el público se embarque en la aventura con ellos”.

“Hay mucha más acción, pero es el fondo emocional de la historia lo que ha sido siempre el argumento principal, y no queríamos eclipsar ese aspecto”, comenta Barron.

Heyman está de acuerdo y añade: “La Guerra abierta entre el bien y el mal es muy emocionante, pero sigue habiendo un componente emocional; y, ya que llevamos tanto tiempo invertido en estos personajes, nos parece que hay mucho más en juego”.

La emocionante conclusión de la historia revela algunas facetas sorprendentes de algunos de los queridos personajes. “Una de las cosas más interesantes en cuanto

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al transcurso de esta historia es que la línea que separa las fuerzas oscuras y las de la luz es difusa, y podemos ver que algunos son más complejos de lo que parecía en un principio”.

“Todos los personajes (incluyendo a Harry) tienen sus defectos”, comenta Rowling; “ninguno es completamente bueno o completamente malo... excepto Lord Voldemort, que es totalmente malvado. No tiene ningún tipo de remordimiento”, sonríe.

La última película vuelve a llevar a los personajes a lugares conocidos, entre ellos el ya emblemático colegio Hogwarts de magia y hechicería, que no sale en toda la primera parte, y que marcaba el comienzo de la saga. Howgards, lugar concebido por Rowling y llevado a la realidad por el diseñador de producción Stuart Craig, ha sido el hogar, la base de operaciones y un paraíso tanto para alumnos como para profesores.

Pero está a punto de convertirse en un campo de batalla.

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“Si es verdad lo que cuentas, que él tiene la Varita de Saúco, me temo que no tienes ninguna opción” Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: parte 2 comienza donde termina la parte 1, con un robo que acarreará graves consecuencias. La profanación de la tumba de Albus Dumbledore y el robo de una varita con forma característica que quitan de las manos del director. Con malicia triunfante, el ladrón (el propio Lord Voldemort), eleva la Varita de Saúco hacia el cielo y envía rayos a las oscuras y enrevesadas nubes.

Según la leyenda, la Varita de Saúco es una de las Reliquias de la Muerte (junto con la Piedra de la Resurrección y la Capa de Invisibilidad), que juntas proporcionan control sobre la muerte. Cada una posee valiosas propiedades por separado, se dice que la Varita de Saúco es la varita mágica con más poder.

Ralph Fiennes, que de nuevo interpreta a Lord Voldemort, comenta: “Voldemort cree que quien quiera que se haga con la Varita de Saúco obtendrá la supremacía absoluta, pero es más complicado que todo eso, y le llena de frustración”.

Voldemort había oído hablar de la Varita de Saúco al Señor Ollivander, al que tortura hasta que le revela dónde está. El experto fabricante de varitas advierte a Harry de que si Voldemort posee la Varita de Saúco, Harry no tiene ninguna opción a la hora de enfrentarse a él. Pero la amenaza añadida no detiene a Harry en su misión, que es encontrar y destruir los Horrocruxes que faltan, objetos en los que el Señor Oscuro ha encerrado partes de su alma en su búsqueda de la inmortalidad. Ya han destruido tres, quedan cuatro, pero mientras que sobreviva uno, el Señor Oscuro no podrá ser derrotado.

Yates comenta: “Al principio de www.cinemascomics.com

la parte 2, Harry es más un hombre que un chico y está completamente convencido de cuál es su tarea. Necesita matar a Voldemort. Sabe que tiene que ser él el que termine con Voldemort y está decidido a hacerlo”.

“Eres famoso incluso entre los duendes, Harry Potter” Llega otra pista sobre otro Horrocrux de alguien a quien Harry conoció en el callejón Diagon hace años: un duende llamado Griphook, que trabaja en Gringotts, el banco de los magos.

Warwick Davis, que prestó su voz a Griphook en Harry Potter y la piedra filosofal, interpreta de nuevo al personaje en la última película. Davis también es conocido por la audiencia como Filius Flitwick, profesor de Hogwarts, y afirma que interpretar ambos papeles realmente le ha ayudado a ampliar sus dotes interpretativas, ya que los dos personajes son polos opuestos. Flitwick es mago y un personaje bastante cariñoso, mientras que Griphook es un duende que piensa que los magos no son dignos de confianza. De nuevo, Griphook intenta manipu-

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lar la situación en su propio beneficio. “Si alguna vez os encontráis con un duende tened cuidado”, comenta con una mueca divertida, “son muy egoístas y harían cualquier cosa con tal de salirse con la suya”.

Griphook dice a Harry que hay un duplicado de la espada de Gryffindor en la cámara acorazada de Bellatrix Lestrange en Gringotts, aunque ella no sabe que es una copia y que Harry posee la verdadera. El duende confiesa que es “Al principio de la parte 2, Harry es más un hombre que un chico y está completamente convencido de cuál es su tarea. Necesita matar a Voldemort. Sabe que tiene que ser él el que termine con Voldemort y está decidido a hacerlo”.

David Yates

sólo uno de los muchos objetos que se encuentran en la cámara de la Señora Lestrange, y Harry sospecha que la cámara acorazada de una mortífaga de confianza podría ser el lugar perfecto para esconder un Horrocrux.

“Básicamente tienen que atracar un banco”, dice Yates, “necesi-

tan entrar a hurtadillas para ver si en la cámara de Bellatrix hay algún Horrocrux; si lo encuentran y lo destruyen, están un paso más cerca de matar a Voldemort. Pero robar en Gringotts no va a ser fácil, ni mucho menos, hay muchos obstáculos en el camino”.

Griphook acepta ayudarlos a entrar en Gringotts por un precio muy alto: la espada de Gryffindor, y conseguir entrar en la cámara de Bellatrix es otro cantar. Con la ayuda de un poco de poción multijugos, irán acompañados de la propia Señora Lestrange (o, mejor dicho, de Hermione transformada en Bellatrix).

Desde que apareció en Harry Potter y la Orden del Fénix, una de las características más notables de Bellatrix Lestrange ha sido lo completamente loca que está, y Helena Bonham Carter no se ha cortado a la hora de revelar la naturaleza de su personaje. Aunque para interpretar a Hermione haciendo de Bellatrix sí que hicieron falta algunos límites. Bonham Carter afirma: “No es realmente Bellatrix, es la versión de Hermione de Bellatrix, son polos opuestos, así que fue bastante divertido porque me dio la oportunidad de interpretar mi perso-

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naje de otra manera”.

Para captar la dicotomía hizo falta la colaboración de Bonham Carter, Yates y la persona que más conoce a Hermione Granger: Emma Watson.

Yates destaca: “Hicimos un gran ensayo en el que básicamente Emma hacía la escena, para ver cómo caminaría y diría el guión, y lo grabamos para que Helena pudiera incorporar ese registro en su interpretación”.

Bonham Carter añade: “Emma y yo estuvimos hablando mucho sobre la escena y me dio varios puntos clave geniales, que se convirtieron en mi guía de cómo ser Hermione”.

“Una de las cosas que Helena quería de verdad era demostrar lo difícil que era la experiencia para Hermione”, apunta Watson, “se encuentra muy incómoda porque, por un lado, Hermione es algo remilgada y Bellatrix es sal-

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vaje y anda por ahí con un corsé de cuero. Además, Bellatrix es malvada y arrogante, y Hermione es buena persona, así que ser cruel y mandar a todo el mundo no es algo que le salga de forma natural”. Con Ron disfrazado de mortífago, y Harry y Griphook escondidos tras la Capa de Invisibilidad, entran en Gringotts, donde filas y filas de duendes apenas levantan la vista de sus libros de contabilidad.

Para la escena de Gringotts, Davis lo duplicó todo, no sólo la interpretación, sino también el reparto. “Soy representante de actores que miden menos de 1,50 m., así que los cineastas me pidieron que les ayudase a encontrar a más de 60 personas para interpretar a los duendes, y que pudieran ponerse las complicadas prótesis. Teníamos actores procedentes de toda Europa, así que parecía las Naciones Unidas de los duendes”.

Convertir a docenas de actores

en duendes también supuso un esfuerzo común por parte del responsable de caracterización Nick Dudman y su equipo. Empezaron esculpiendo las caras de los duendes, con la premisa de que no podía haber dos iguales. Dudman confirma: “Tuvimos que controlar los diseños con mucho cuidado para que no se parecieran, porque queríamos hacerlos individualmente. Después, fabricamos en serie todas las piezas de las prótesis, pero teníamos que pintarlas a mano y colocar los pelos de las cejas en la silicona de uno en uno. Es un trabajo increíblemente intenso”.

Contratamos a aproximadamente 170 maquilladores para aplicar el maquillaje de los duendes, nos llevó alrededor de cuatro horas por duende. Para garantizar que todos estaban maquillados de acuerdo con las instrucciones de Dudman, éste realizó un taller de tres días, para entrenar a un equipo internacional en la aplicación www.cinemascomics.com

del maquillaje una y otra vez hasta que le pareció que estaba bien.

Sin embargo, insiste Dudman: “Nadie salió de la habitación sin que yo comprobara cómo iba”.

Ya que los duendes son banqueros, la diseñadora de vestuario Jany Temime y su departamento los vistieron de forma muy conservadora, con trajes de tres piezas, fabricados espacialmente de uno en uno.

La escena de Gringotts en La piedra filosofal fue rodada en una localización real, la embajada australiana sirvió de banco de magos.

Ese lugar ya no valía para Las Reliquias de la Muerte: parte 2, ya que la acción provocaría bastantes destrozos. En vez de eso, construimos el plató de Gringotts en los estudios de Leavesden.

Stuart Craig, diseñador de producción del resto de películas de Harry Potter, vio su oportunidad de mejorar el diseño del banco, haciéndolo más llamativo, pero manteniéndolo fiel al espíritu del original. “Este es un banco mágico, así que queríamos que pareciera muy tradicional, hasta la exageración. Hay más mármol pulido del que te puedes imagi-

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nar (suelos de mármol, paredes de mármol, columnas de mármol, mostradores de mármol). Todo es falso, pero parece real. Y nos lo pasamos muy bien con los duendes, que tenían un lugar privilegiado en sus altísimas banquetas y sus altísimos escritorios, mirando a sus clientes hacia abajo.

También fabricamos tres candelabros enormes porque era imposible encontrar nada lo suficientemente grande”.

Gracias a la combinación del subterfugio y la magia, Harry, Hermione y Ron consiguen llegar a las cámaras de Gringotts, que se encuentran en una gran cueva debajo del edificio. Sólo puede accederse a ella a través de los vagones que van a toda velocidad por unos raíles en espiral, muy parecidos a una montaña rusa… y a una velocidad también parecida, salvo que sin medidas de seguridad. El supervisor de efectos especiales John Richardson nos cuenta: “Construimos un vagón de cero, a partir del diseño de Stuart Craig. A diferencia de la mayoría de los vehículos, de los que teníamos varias versiones, sólo había un vagón, así que teníamos que poder acoplarlo a

distintas plataformas así como poder engancharlo en la vía, permitiendo el movimiento arriba y abajo y hacia los lados”.

En el nivel más profundo de la cueva, Harry, Ron y Hermione se enfrentan al sistema de máxima seguridad del banco (un dragón gigante que escupe fuego y que es tan guardia como prisionero). El temible dragón alado era la última criatura creada por ordenador por el departamento de efectos visuales, liderado por Tim Burke.

Como Griphook revela el punto débil del dragón, el grupo consigue evitarlo y llegar a la cámara de Bellatrix. Al abrir la puerta se descubre una fortuna incalculable en monedas de oro y artefactos varios. Pero Bellatrix ha instalado una última medida de seguridad: una maldición Gemino, que provoca que cualquiera de los objetos que se toquen, se multiplique de forma ilimitada. Como Harry siente la presencia de un Horrocrux (la copa de Helga Hufflepuff), tan solo tiene unos segundos para cogerlo y salir antes de que todos queden aplastados bajo una montaña de tesoros.

Como trabajábamos en un espacio

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limitado, el equipo de Richardson fabricó una serie de ascensores de tijera que subían creando la ilusión óptica de que el tesoro se multiplicaba. El departamento de atrezzo, que dirige Barry Wilkinson y supervisa Pierre Bohanna, moldeó más de 200.000 monedas de oro y miles de otros objetos para llenar la cámara. Los efectos visuales sólo se utilizaron para reproducir cada artículo exponencialmente de forma exacta.

Una vez que Harry, Ron y Hermione tienen el Horrocrux en la mano, tendrán que hacer uso de ingenuidad y compasión para poder escapar de Gringotts. Pero hay un peligro mucho mayor que acecha a los tres, que de nuevo se quedan solos y sin vuelta atrás.

Radcliffe afirma: “En última instancia, todos saben el motivo por el que están realizando este viaje, y es más importante que cualquiera de ellos o que los tres juntos, incluso está por encima de sus amigos y familias. Es bastante impresionante que estos chicos de 17 años tengan la madurez y la valentía de reconocer que lo

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que está en juego es mucho más importante que sus propias vidas, y yo creo que esto es lo que hace que esta historia sea tan emotiva”.

Rupert Grint declara: “La experiencia de Harry Potter ha sido una época alucinante de mi vida y es algo que nunca olvidaré. Estoy muy orgulloso de sido parte de este proyecto”. “¿Que cómo expresaría todo lo que esto ha significado para mí?”

Emma Watson reflexiona. “No considero que se haya acabado, porque siempre será parte lo que soy y creo que es una verdadera bendición haber participado en esto”.

Daniel Radcliffe comenta: “Sé que nunca veré ningún fotograma de estas películas sin que ello me recuerde inmediatamente a un lugar, una época o a una persona.

Incluso ahora, no puedo expresar del todo lo importante que ha sido para mí, pero lo que sí puedo decir es que ha sido una época fantástica e irrepetible”.

David Yates está de acuerdo. “Es muy difícil de definir, pero se puede decir que ha sido tremendamente divertido, intenso y muy complicado a veces, aunque nunca desagradable. No me lo hubiera perdido por nada del mundo y estoy orgulloso y feliz de haberlo visto desde el principio hasta el final”.

“Ha sido una colaboración maravillosa”, comparte J.K. Rowling.

“Estoy orgullosa de haber trabajado con personas con tantísimo talento y de haber podido entablar una gran amistad con ellos.

Así que la experiencia general de las películas, para mí, ha sido verdaderamente excepcional”.

“Creo que soy increíblemente afortunado de haber formado parte de Harry Potter, pero ninguno de nosotros habría tenido esta oportunidad de no haber sido por Jo Rowling y el mundo que creó tan brillantemente”, concluye David Heyman. “Una de las cosas que adoro de los libros es que las historias son eternas... y espero que hayamos logrado el mismo efecto con las películas”. www.cinemascomics.com

Estreno

LOS PINGÜINOS DEL SR. POPER 22 de julio Mientras se hace mayor en Brooklyn, Nueva York, el joven Tommy POPER sólo espera el momento en que, mientras se pone en puntillas de pie para alcanzar una radio de radioaficionados, pueda hablar con su padre, de viaje por el mundo, Años después, Tommy ya es el Sr. POPER (Jim Carrey), un promotor inmobiliario de éxito en Manhattan. Después de pasar por un divorcio amistoso con Amanda (Carla Gugino), y con dos hijos (Madeline Carroll y Maxwell Perry Cotton) a los que ve cada dos fines de semana, el Sr. Poper lleva una vida de lujo en su ultra moderno apartamento de Park Avenue, mientras va muy

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bien encaminado a convertirse en socio de la prestigiosa firma para la que trabaja. Es decir, hasta que una mañana aparece un gran embalaje en su puerta, un último regalo de su finado padre, un recuerdo de la Antártida.

Dentro de la caja de madera, arropado entre paquetes de hielo, se encuentra un pingüino de 60 cm de alto, con sus brillantes patas de color naranja y todo. No es un pingüino de juguete, ni un ave disecada por algún taxidermista, como supone el Sr. Poper en un primer momento, sino un auténtico pingüino, vivito y coleando, que corretea por el piso de Po-

per mientras emite fuertes graznidos. Ansioso por librarse de esta criatura salvaje, Poper se pone en contacto con todas y cada una de las agencias municipales y estatales imaginables, pero ninguna de ellas está dispuesta a hacerse cargo de un pingüino mascota. Su llamada a la Antártida para intentar enviar el pingüino de vuelta fracasa, y termina provocando la llegada de otros cinco pingüinos a la puerta de Poper.

Mientras comienza a hacer migas, y cada vez más implicado con sus compañeros alados de apartamento, la vida de Poper rápidamente empieza a desmadrarse: su www.cinemascomics.com

ostentoso apartamento de Nueva York se convierte en un paraíso invernal, el contrato en el que ha estado largo tiempo trabajando descarrila y por poco no termina en la cárcel. Pero, gracias a sus nuevas obligaciones, Poper comienza a comprender la importancia de una familia, humana y no tan humana.

LOS PINGÜINOS DEL SR. POPER, según cuenta Jim Carrey, es una película que “se desmarca de las otras porque no hay nada parecido por ahí ahora mismo. Y tengo que volver a ser yo, un poco loco, divertido y provocador”. Efectivamente, la película supone el rewww.cinemascomics.com

greso de Carrey al estilo de comedia, y personaje cinematográfico, que le catapultaron al estrellato global. Y Carrey no podía sentirse más feliz con ello. “Quería hacer una película que las familias pudieran recordar”, nos explica.

“Hay gente que se resiste a trabajar con chicos y animales, por miedo a sentirse superada. Pero a mí me encantar captar la chispa de la inocencia. Y ¿qué mejor que los animales, pingüinos en este caso, y los niños para despertar esa inocencia en nosotros?”.

LOS PINGÜINOS DE MR.

POPER

está basada en una novela, originalmente publicada en 1938, escrita por el equipo de marido y mujer compuesto por Richard y Florence Atwater. El libro cuenta la historia muy divertida, y a la vez emocionante, la de un humilde pintor de brocha gorda de un pequeño pueblo y su familia que heredan doce pingüinos. Premiada con la Medalla Newbery de 1939, Los pingüinos de Mr. Poper se convirtió en un clásico durante generaciones, y sigue en las estanterías de las escuelas primarias hasta hoy.

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JIM CARREY

EL ACTOR CÓMICO QUE SIEMPRE QUISO SER SERIO Por David Larrad

Sin duda, el mayor referente de los actores cómicos del momento que revientan las taquillas de los cines de medio mundo es el gran Jerry Lewis. En los años sesenta, Lewis desarrolló un tipo de humor desencajado y neurótico, muy cercano al patrón de las tiras cómicas, haciendo del exceso, los gags físicos y el histrionismo sus características más llamativa.

Heredero directo de genios como Charlie Chase, W. C. Fields, Laurel y Hardy, Keaton o Chaplin, Lewis marcó el sendero que siguieron con mayor o menor acierto Eddie Murphy, Myke Myers, Adam Sandler o Will Ferrer. Pero si uno de sus aprendices destaca entre el resto, ese es James Eugene Carrey, más conocido por el gran público como Jim Carrey.

Nacido en Canadá el 17 de Enero de 1962, ya desde muy joven mostró sus dotes para la comedia actuando en locales donde imitaba a Elvis Presley, James Stewart y (¿cómo no?) Jerry Lewis. Su padre le alentó a buscar fama y fortuna en Estados Unidos, y desde luego, no fue un mal consejo.

Comenzó a actuar en locales de Los Ángeles, donde su popularidad fue aumentando hasta que un conocido representante lo fichó para que actuara dando giras y en

televisión. Con los ojos puestos en la gran pantalla, el joven Jim hizo pequeños papeles en películas como “Introducing... Janet” de Glen Salzman y Rebecca Yates, estrenada en 1983. Su primer papel protagonista fue en un film para adolescentes llamado “Once Bitten”, titulado en nuestro país “Mordiscos Peligrosos”, estrenado en 1985 y dirigido por Howard Storm.

Hizo varios pequeños papeles más para cine en películas que no eran comedias como “Peggy Sue se casó”, “La lista negra” y “El cadillac rosa”. Pero el éxito mundial estaba a la vuelta de la esquina, y fue con la película “Ace Ventura: Un detective diferente”, que se estrenó en 1994, dirigida por Tom Shadyac responsable de films como “El profesor Chiflado” y “Dragonfly”.

“Mordiscos Peligrosos” es una divertida comedia muy recomendable donde una vampiresa despierta después de un largo sueño. La única forma de sobrevivir es beber sangre de un joven de 18 años virgen, pero como en los tiempos que corren eso parece misión imposible, se esmeran en localizar a alguno hasta encontrar al joven protagonista interpretado por Jim Carrey, que ayudado por su célibe novia conseguirá deshacerse de los encantos de la malvada vampiresa.

En “Ace Ventura: Un detective diferente“, Jim Carrey encarnaba a un detective privado especializado en animales que se hace cargo del misterioso secuestro del delfín mascota del equipo de football americano “Miami Dolphins”.

Su carrera como actor en Hollywood no acababa de despegar, pero sí su fama en televisión gracias al programa “In Living Color” que se basaba en sketches humorísticos en torno a la cultura afroamericana.

1994 fue un año muy prolífico, ya que estrenó 2 películas más que enseguida se encaramaron al número 1 en las taquillas de todo el mundo, y donde pudo hacer alarde de sus mejores muecas y gestos físicos: “La Máscara” y “Dos tontos muy tontos”.

Dirigida por Chuck Russell (“El terror no tiene forma”, “Pesadilla en Elm Street 3”) “La Máscara” supuso una autentica revolución en el campo de los efectos especiales con el empleo de la entonces novedosa técnica del

Imagen de The Mask. Chuck Rusell. 1994 www.cinemascomics.com

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Jim Carrey dío vida a Edward Nygma en Batman Forever. Joel Schumacher. 1995.

morphing para hacer la transición de la gesticulante cara del actor a los modelos animados en 3D diseñados por Industrial Light and Magic.

“La Máscara” trata sobre un pobre empleado de banca que es engañado por una joven para que su banda robe el banco donde trabaja, pero encuentra una máscara ligada al dios nórdico bromista Loki que le da un poder sobrehumano, así se enfrenta a la malvada banda de atracadores y se lleva a la chica.

“Dos tontos muy tontos” es una comedia dirigida por Peter Farrelly, donde Jim Carrey interpreta a un joven poco avispado que con su amigo deciden hacer un largo viaje para devolver un maletín a una bella dama, metiéndose en medio de un elaborado secuestro.

Para 1995, Carrey ya era una súper estrella mundial, y siguiendo su prolífica carrera hizo dos películas más en ese año: la segunda parte de “Ace Ventura” y “Batman Forever”, donde interpretó a Enigma.

“Ace Ventura: Operación África” es una película cómica donde Jim Carrey vuelve a interpretar al

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detective de mascotas, esta vez en retiro espiritual tras ver morir a un mapache, que vuelve a su trabajo al ser contratado para encontrar un murciélago blanco que tiene enfrentado a dos tribus africanas.

“Batman Forever” es quizás una de las peores adaptaciones de Batman a la gran pantalla, donde Dos Caras y Enigma se juntan para vencer a Batman y hacerse con el control de la ciudad de Gotham.

El supervillano interpretado por Carrey siempre será recordado por llevar un pijama verde a modo de traje.

En 1996. Carrey estrenó una de las consideradas peores películas de su filmografía. Nos estamos refiriendo a “Un loco a domicilio”, dirigida por Ben Stiller, que hacía un par de cameos, y protagonizada por el propio Jim y Matthew Broderick. En ella, un joven que se instala en su nueva casa decide ponerse televisión por cable, pero el técnico que le atiende se mete demasiado en su vida. Siempre recordaremos esta película por la actuación musical que hace Jim Carrey en el karaoke interpretando un auténtico temazo: “Don’t You Want Somebody To Love?” de

Jefferson Airplane.

En 1997, el éxito volvió a sonreir a Carrey con una comedia de tintes familiares llamada “Mentiroso compulsivo”, dirigida por Tom Shadyac, con el que ya había coincidido en “Ace Ventura: Un detective diferente”. Se dice que este film tiene cientos de horas de material desechado por las risas que provocaba Jim Carrey entre el equipo técnico y el reparto.

“Mentiroso Compulsivo” es una comedia donde Jim Carrey interpreta a un abogado muy mentiroso, pero su hijo, cansado de que le defraude, pide el deseo de que durante un día no pueda mentir, así que el abogado deberá ganar un importante caso solamente diciendo la verdad.

En 1998, cansado de los papeles cómicos, Jim Carrey quiso ponerse serio haciendo “El Show de Truman”, dirigida por Peter Weir, responsable de films inolvidables como “El club de los poetas muertos “ o “Master and Commander”.

También hizo una breve aparición en el film “El inolvidable Simon Birch”.

“El Show de Truman” es una feroz crítica hacia el mundo de la www.cinemascomics.com

televisión y los programas estilo “Gran Hermano” y la forma en que invaden la intimidad de la gente tan solo por ganar audiencia. Carrey interpreta a un hombre cuya vida desde que nació ha sido retransmitida por televisión sin que él lo supiera. Su trabajo, sus amigos y hasta su mujer son falsos y la ciudad donde vive, un gran plató de televisión. Esta interpretación le valió el Globo de Oro al mejor actor en la categoría de drama.

Con el éxito de crítica y publico alcanzado por “El Show de Truman”, en 1999 decidió seguir por el camino del drama en vez de la comedia y protagonizó “Man on the Moon”, dirigida por Milos Forman, responsable de “Amadeus” y “El escándalo de Larry Flynt”.

“Man on the Moon”: es la biografía de Andy Kaufman un cómico muy controvertido de la televisión americana que tenía la extraña capacidad de ir contra toda regla establecida, usando y abusando de los medios de comunicación y haciéndose repudiar por amplios sectores de la sociedad. Esta interpretación le valió el Globo de Oro a Jim Carrey al mejor actor en la categoría comedia o musical.

En el año 2000 volvió a la comedia, ya que era lo que el público le pedía y lo que más éxito le daba, así que ese año protagonizó dos películas de ese género: “Yo, yo mismo e Irene” y “El Grinch”.

“Yo, yo mismo e Irene” le supuso ponerse de nuevo en las manos de la exitosa pareja de directores formada por los hermanos Farrelly. En esta comedia interpretó a un policía de un pequeño pueblo que sufre un trastorno de personalidad que hace que toda su ira reprimida explote de vez en cuando. Por su parte, “El Grinch” es una comedia destinada al público infantil dirigida por Ron Howard, responsable de films como “Una mente maravillosa” y “El código Da Vinci”, en la que Jim Carrey interpreta al malvado Grinch que quiere estropear la navidad, pero al conocer a una niña bondadosa, acaba volviéndose bueno.

En 2001 se puso a las manos de Frank Darabont responsable de “La milla verde” y “The walking dead” y protagonizó “The Majestic”, una vuelta más al drama.

Trata sobre un director de cine de películas de bajo presupuesto en los años 50 interpretado por Jim Carrey, a quien de repente acusan de comunista ya que el macartismo persiguió a todo aquel

que hubiera participado en alguna actividad revolucionaria en su pasado. Como ve que su carrera se arruina decide marcharse de Hollywood, y viajando en coche borracho tiene un accidente y se despierta en un pueblo donde lo confunden con un joven que murió en la Segunda Guerra Mundial.

Como ha perdido la memoria, decide seguirles la corriente y reabrir el viejo cine de su padre, El Majestic.

En 2003 volvió con fuerza con el estreno de “Como Dios”, con uno de sus directores favoritos, Tom Shadyac, y con Morgan Freeman como compañero de reparto.

“Como Dios” trata sobre un presentador de televisión que no tiene mucho suerte en su trabajo ni en su vida en general, así que Dios en persona decide que haga su trabajo durante un día.

En 2004 hizo una curiosa película titulada “¡Olvídate de mí!”, dirigida por Michel Gondry responsable de “La ciencia del sueño” y “El Avispón Verde”, donde contó con Kate Winslet como compañera de reparto. Además, hizo del villano Conde Olaf en el film “Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket”, dirigida por

Imagen de ¡Olvidate de mi!, de Michel Grondy. 2004. www.cinemascomics.com

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se llamada “Numero 23”, dirigida por Joel Schumacher con el que ya había coincidido en “Batman Forever”. Es un film basado en el enigma del número 23, una creencia que ya ha sido reflejada en más medios y por la cual se cree que todos los incidentes y eventos están conectados con el número 23, con permutaciones del número 23 o números cercanos al 23. Como dato curioso, es la película número 23 del director Joel Schumacher.

En 2008 puso voz al personaje animado de “Horton” y protagonizó la película “Di que si”, dirigida por Peyton Reed, realizador de otros films como “A por todas” y “Abajo el amor”. En ella, un hombre acostumbrado a decir que no a todos los planes que le sugieren sus amigos, comienza un seminario de autoayuda donde se les obliga a decir que sí a todo.

En 2009 prestó su voz nuevamente para una película de animación, en esta ocasión al Mr. Scrooge y a una gran variedad de fantasmas de “Cuento de Navidad”, dirigida por Robert Zemeckis, responsable de películas como la saga de “Regreso al futuro” o “Náufrago”.

Cartel de El número 23. Joel Schumacher. 2007.

Brad Silberling, director también de “Casper” y “City of Angels”. “¡Olvídate de mi!” es una película donde unos jóvenes rompen su relación. La chica decide borrar todos los recuerdos de su ex novio; él decide hacer lo mismo pero se arrepiente en ultimo momento, así que la película es una lucha por el intento de reconciliación de la pareja, dentro de un mundo donde los recuerdos no son siempre lo que parecen.

En “Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket”, unos niños pierden a sus padres y tiene que irse a vivir con su tío, que les hará la vida imposible porque lo único que quiere es su

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fortuna.

En 2005 repetiría una vez más con una comedia familiar, con “Dick y Jane – Ladrones de risa”, dirigida por Dean Parisot responsable de “Área 57” y “Héroes fuera de órbita”.

“Dick y Jane – Ladrones de risa” es la historia de un hombre que es ascendido a vicepresidente, y mientras habla en televisión dan la noticia de que la empresa ha quebrado, así que para sobrevivir deberá robar junto a su mujer.

En 2007 volvió a cambiar de registro porque no quería seguir haciendo comedias, así que protagonizó una película de suspen-

El año pasado, Jim Carrey tan solo estrenó una película que además se habia rodado en 2009. Su titulo era “Philip Morris ¡Te quiero!” dirigida por Glenn Ficarra, que este año estrenará “Crazy, Stupid, Love.” “Philip Morris ¡Te quiero!” es una película entre la comedia romántica y el drama, basada en la historia real del estafador Steven Jay Russell. Fue un film polémico por su contenido homosexual y tuvo muchos problemas para conseguir distribuidora en Estados Unidos.

Este mes de Julio de 2011 podremos disfrutar de la versión más cómica de Jim Carrey con el estreno de “Mr. Popper’s Penguins, donde le acompañarán unos simpáticos pingüinos que le meterán en unos cuantos líos para el disfrute de sus fans.

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Estreno

Paul

22 de julio

Un viajero espacial muy listillo llamado Paul (SETH ROGEN, The Green Hornet, Lío embarazoso) lleva sesenta años encerrado en una base militar ultrasecreta, aconsejando a los líderes mundiales acerca de otros alienígenas.

Cuando empieza a darse cuenta de que ya no es tan útil y de que la mesa de disección se acerca peligrosamente, Paul decide escapar en la primera autocaravana que se detiene cerca de la base militar en el Área 51. Por suerte para él, en dicha autocaravana van dos terrícolas perfectamente dispuestos a rescatar y albergar a un alienígena con problemas.

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En la comedia de aventuras PAUL, dos buenos amigos, Graeme Willy (SIMON PEGG, Hot Fuzz/Arma fatal) y Clive Gollings (NICK FROST, Hot Fuzz/Arma fatal, Zombies Party/Una noche de muerte) llevan dos décadas ahorrando para realizar el viaje con el que sueña cualquier loco por la cienciaficción: un peregrinaje al corazón de la zona de ovnis en Estados Unidos para visitar cada uno de los legendarios lugares donde ha habido avistamientos de platillos volantes. Pero el encuentro con Paul cambiará sus planes y las vacaciones soñadas se convertirán en una aventura que transformará su universo.

Perseguidos por agentes federales y por un fanático, el padre de Ruth Buggs (KRISTEN WIIG, Date Night, Lío embarazoso), una joven a la que ellos han secuestrado accidentalmente, Graeme y Clive idean un plan para devolver a Paul sano y salvo a la nave nodriza. Los dos idiotas se esfuerzan en salvar al formidable hombrecito verde, y quizá pasen de inadaptados a héroes intergalácticos.

Dirigida por GREG MOTTOLA (Supersalidos, Adventureland) a partir de un guión de dos colaboradores habituales, Simon Pegg y Nick Frost, el reparto de PAUL está www.cinemascomics.com

compuesto además por JASON BATEMAN (Hancock), BILL HADER (Superfumados), BLYTHE DANNER (Ahora los padres son ellos), JOE LO TRUGLIO (Mal ejemplo), JOHN CARROLL LYNCH (Superagente 86 de película), JANE LYNCH (la serie “Glee”), JEFFREY TAMBOR (la serie “Arrested Development”) y SIGOURNEY WEAVER (Avatar).

PAUL es la cuarta colaboración de la productora NIRA PARK, de Big Talk Pictures (Scott Pilgrim contra el mundo, Hot Fuzz/Arma fatal), con Simon Pegg y Nick Frost. Los otros productores son ERIC FELLNER y TIM BEVAN, de Working Titwww.cinemascomics.com

le (Hot Fuzz/Arma fatal, Zombies Party/Una noche de muerte).

El equipo técnico incluye a la directora de fotografía LAWRENCE SHER (Resacón en Las Vegas, Te quiero, tío); el diseñador de producción JEFFERSON SAGE (Lío embarazoso, Hazme reír); el oscarizado montador CHRIS DICKENS (Slumdog Millionaire, Hot Fuzz/ Arma fatal); la diseñadora de vestuario NANCY STEINER (Pequeña Miss Sunshine, Lost in Translation), y el compositor DAVID ARNOLD (Las crónicas de Narnia: la travesía del viajero del alba, Quantum of Solace).

Los productores ejecutivos son LIZA CHASIN (Orgullo y prejuicio), DEBRA HAYWARD (Ases calientes/ Smokin’ Aces), NATASCHA WHARTON (Zombies Party/Una noche de muerte) y ROBERT GRAF (Valor de ley/True Grit).

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN Todos son alienígenas: PAUL es descubierto El mal afamado tiempo inglés ha estropeado comidas campestres, ha provocado numerosos atascos y ha hecho estragos en los planes de rodaje de muchas películas.

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Sin embargo, el mal tiempo es responsable, en parte, de la comedia de aventuras PAUL. Durante el empapado rodaje de la primera película de Simon Pegg, la com-rom-zom Zombies Party/ Una noche de muerte, la productora Nira Park le preguntó si ya había pensado en el siguiente proyecto. Harto de los retrasos causados por la lluvia, Simon Pegg dijo, riendo, que quería rodar en algún lugar seco, donde hiciera calor: “Rodemos una película en un sitio donde nunca llueva, en el desierto, por ejemplo”.

“Aquel día, durante la comida, Simon me dio el dibujo de un alienígena con una frase escrita debajo que rezaba: ‘En Estados Unidos, todos son alienígenas’”, recuerda la productora. “Y dijo: ‘Es mi siguiente película, una road movie con un extraterrestre’. Hablamos un poco acerca de que la película se rodaría en el suroeste de Estados Unidos. Después pegué el dibujo en el tablón de mi despacho y seguí pensando

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en el proyecto. Me parecía una idea brillante”.

Durante los años siguientes, Simon Pegg y el director Edgar Wright realizaron otros proyectos con la productora que comparten con Nira Park, Big Talk Pictures.

El más famoso fue la comedia de acción Hot Fuzz/Arma fatal, el segundo éxito de taquilla de la empresa.

Nira Park recuerda: “Al terminar Hot Fuzz/Arma fatal, le recordé a Simon la idea del alienígena y le pedí que escribiera la primera escena, solo para hacernos una idea. A los diez minutos estaba de vuelta con una escena, y era fantástica”. La productora mandó una copia a Eric Fellner, de Working Title Films, la exitosa productora británica que había financiado los anteriores proyectos de Big Talk Pictures.

Eric Fellner dice: “Nira me mandó el tratamiento y me moría de ganas por saber qué se traían entre manos Nick y Simon. Por na-

turaleza, un viaje implica explorar, descubrir lugares y conocer a personas hasta entonces desconocidas. Cuando vi que habían mezclado este concepto con una comedia extraterrestre, la idea me pareció brillante”.

Después de volver a hablar con Eric Fellner, Nira Park llamó entusiasmada a Simon Pegg: “Le dije que quería hacerlo y Simon me contestó: ‘¿Quién quiere hacer qué?’ Y yo: ‘¡Pues eso!’ Cuando por fin empezamos a rodar, habían transcurrido seis años desde que Simon me había dado el dibujo. Lo escaneé y se lo di al director, a Greg Mottola, el primer día de rodaje”.

PAUL es el primer guión que Simon Pegg ha coescrito con su amigo y habitual coprotagonista. “Nick y yo llevamos diez años trabajando juntos y somos amigos desde mucho antes”, dice el actor. “Esta colaboración ha significado una experiencia interesante para mí y hemos dado un cambio a la dinámica habitual de nuestros perwww.cinemascomics.com

sonajes. En otras películas, coescritas con Edgar Wright, tengo el papel protagonista y Nick es mi compañero. Pero esta película se basa en un doble protagonismo.

Más aún, Nick interpreta a Clive, el personaje más seguro y más dominante, mientras que al principio, Graeme, mi personaje, es más bien un pasmarote”.

Antes de empezar a escribir, los dos guionistas decidieron viajar en autocaravana por el oeste estadounidense, saliendo de Los Ángeles hasta llegar a Denver, Colorado, pasando por varios estados. La excursión fue una valiosa ayuda a la hora de crear la historia. Pero lo más irónico es que se toparon con un tiempo horroroso con mucha nieve y temperaturas tan bajas que la batería de la autocaravana llegó a helarse.

Pero Simon Pegg piensa que fue un viaje extraordinario, lleno de inspiración: “El paisaje nos sorprendió. Es un país de una belleza extraordinaria, muy acogedor y totalmente inhóspito a la vez”.

Según Nick Frost tampoco esperaban que fuera un viaje de semejante envergadura: “No estábamos preparados para el tamaño del país”, reconoce. “Cuando miramos el mapa, pensamos que haríamos el recorrido en tres o cuatro días. Pero después de conducir diez horas, solo habíamos hecho 450 kilómetros y el viaje completo era de unos 3.000. Nos pasábamos el día conduciendo. Luego estaba el mal tiempo. Al llegar a Nevada, empezó a nevar y siguió así hasta el final. En partes de Wyoming y Colorado hacía tanto frío que la cerveza y los champús se congelaron”. Y añade, riendo: “Creo que destrozamos la autocaravana”.

Incluyeron algunas de sus experiencias en el guión. “Nos paramos a comer en un sitio llamado “Little A’Le’Inn”, y el incidente con los dos tarados nos ocurrió de verdad”, explica Simon Pegg.

“Puede que los dos tíos que entraron en el comedor no fueran www.cinemascomics.com

tan amenazantes como los de la película, pero el ambiente se enfrió bastante. Y es cierto que un pájaro se golpeó contra el parabrisas. Cada día nos pasaba algo; fue toda una aventura. Nos divertimos mucho y no creo que hubiéramos podido escribir el guión sin hacer ese viaje”.

cesitábamos una primera versión, me encerré durante dos semanas y escribí 180 páginas. Cuando Simon regresó, atacamos esa monstruosidad y la “deconstruimos”.

Nos quedamos con lo bueno y tiramos lo malo. Debatimos acerca de cada línea de diálogo, a veces durante horas”.

Ya que encontrar a un auténtico alienígena para acompañarles durante el viaje presentaba ciertas dificultades, se buscó a un sustituto adecuado. Un amigo de Simon Pegg esculpió un busto de un extraterrestre al que bautizó Paul.

“Aprovechamos para montar todas las fotos que nos mandaron para que Paul pareciera estar con ellos”, dice la productora Nira Park. “Fue toda una inspiración, la idea cobró vida y comprendieron que podía funcionar”.

Y así nació una comedia que cuenta la aventura de un visitante lejos de su hogar. “En cierto modo, todos los que salen en la película tienen algo de alienígena”, dice Simon Pegg. “Esa fue la clave de la escritura del guión, la idea de que no siempre se está donde se debe estar, pero que uno se adapta al sitio que está”.

De vuelta del viaje, los guionistas/actores vieron más de cincuenta películas con alienígenas y de viajes. “Luego nos sentamos uno frente al otro y empezamos teclear”, recuerda Nick Frost.

“Simon se fue a rodar Nueva York para principiantes, y como ne-

Empezó la búsqueda de un director, que acabó cuando alguien mencionó a Greg Mottola. En esa época, su único estreno cinematográfico era The Daytrippers, una película independiente muy admirada por Simon Pegg y Nick Frost. Pero acababa de dirigir la comedia Supersalidos, y en cuanto la vieron, supieron que era el hombre que buscaban. “Las películas de Greg tienen un toque Cinemascomics │Julio 2011 │

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especial”, dice Simon Pegg. “Es capaz de dar la sensación de película independiente en una producción mucho más comercial”.

Greg Mottola conoció a Simon Pegg en el restaurante de un hotel en Nueva York el mismo día del estreno de Supersalidos. El actor y guionista le explicó el concepto de PAUL. El director dice: “Nick y Simon crearon unos personajes interesantes y siempre me habían parecido muy buenos intérpretes.

Juntos desprenden una química difícil de reproducir. Creo que se debe a que son muy buenos amigos y a que acostumbran a reírse juntos”.

Seis meses después, Greg Mottola recibió el guión de PAUL. Recuerda: “Del mismo modo que Zombies Party/Una noche de muerte era una película de zombies y Hot Fuzz/Arma fatal era de acción, este guión era un homenaje a las películas de ciencia-ficción rodadas a finales de los setenta. Lo habían escrito como si fuesen dos enamorados del género”.

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El director explica: “Cuando leo un guión y estoy dudando si aceptar el proyecto, me pregunto si voy a ser capaz de dirigirlo de forma diferente para que sea una película única”.

Las primeras reuniones entre Greg Mottola, Big Talk y Working Title sirvieron para confirmar que era el director adecuado para una comedia de acción con escenas perfectamente orquestadas.

“Era obvio que había entendido el tipo de película que queríamos hacer”, dice Nira Park. “También nos dimos cuenta de que Greg era increíblemente visual. Quería rodar PAUL al estilo Spielberg. Después de reunirnos con Greg, dejamos de buscar a un director”.

El reparto de la película En opinión de Simon Pegg, el reparto de PAUL es “un encuentro entre las comunidades cómicas estadounidense e inglesa” en el que Pegg y Frost representan al contingente británico, y los otros miembros del reparto a la come-

dia estadounidense en pleno.

Greg Mottola ha trabajado mucho en televisión, lo que le vino muy bien a la hora de llamar a antiguos colaboradores cuando empezó el casting de PAUL. Dice: “Me había hecho amigo de todos estos supertalentosos cómicos de la nueva generación. Eso me permitió llamarles, mandarles el guión y preguntarles si querían hacerlo.

Me gustaba la idea de mezclar a Simon y a Nick con la nueva ola de cómicos estadounidenses. Desde luego, todos se sumergieron en el espíritu de la película”.

Además de los dos protagonistas terrícolas, el tercer miembro en discordia es Paul, claro está. Aunque su presencia física se debe íntegramente a los brujos de la animación digital de Double Negative, la voz debía ser humana.

Eric Fellner dice: “Sabíamos que la película no funcionaría si Paul fuese un personaje totalmente digital. Realizamos varias pruebas y vimos que la interpretación era el motor que llevaría a la creación digital, y no al revés”. www.cinemascomics.com

La voz escogida fue la de Seth Rogen, uno de los cómicos estadounidenses más célebres del momento y con quien el director había trabajado en Supersalidos (coescrita y coprotagonizada por el actor). Según Nick Frost, esta elección les permitió llevar al personaje en otra dirección. “Al principio, Paul tenía más años que ahora, era bastante gruñón, un viejo cascarrabias”, explica.

El equipo vio a Paul como un catalizador capaz de cambiar a todos los que están a su lado. Las sugerencias que hizo Seth Rogen gustaron a los dos guionistas. “Ahora es un espíritu libre y no el cretino que imaginamos al principio”, dice Simon Pegg. “Cuando se habló de Seth, nos gustó la idea porque es joven, está lleno de vitalidad. Además, tiene una voz un poco áspera y es tremendamente gracioso. En cuanto pensamos en él, empezamos a adaptar a Paul.

Cuando Seth aceptó darle vida, Paul había evolucionado hacia un Ferris Bueller que cambia la vida de todo el mundo”.

Los tres cómicos se conocían des-

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de hacía bastantes años y nunca habían perdido el contacto. Además, Seth Rogen es muy amigo de Greg Mottola, por lo que no le costó aceptar el papel. El actor dice: “Conocí a Greg hace unos diez años. De hecho, dirigió el primer guión que me produjeron, un episodio de “Undeclared”. Nos hicimos buenos amigos y cuando por fin conseguimos hacer realidad Supersalidos fue el primero al que mandamos el guión”.

Teniendo en cuenta que Paul hacía décadas que se había estrellado en la Tierra, Seth Rogen estaba empeñado en dar al personaje un toque de displicencia, de “pasotismo”, que contrastara con el nerviosismo de sus compañeros de viaje. “Me pareció divertido que estos dos chicos un poco tontos y paletos conocieran a un tío estilo Neil Young, un viejo hippy que está de vuelta de todo y se toma la vida con mucha calma, sin por eso dejar de ser un apasionado de ciertas cosas”, dice. “Neil Young sabe hacer música de verdad, y Paul no se queda atrás”.

También le gusta que Paul cambie

a la gente que está con él, pero él no cambia mucho durante la película. Seth Rogen habla del proceso de desarrollo que usaron para Paul: “Ferris Bueller [de Todo en un día] es genial al principio y genial al final, pero todos los que pasan el día con él mejoran, son más divertidos. Graeme y Clive son increíblemente cortados, paletos, metidos en su cascarón y cualquier cosa les asusta, incluso tirarle los tejos a una chica o intentar destacar en su profesión.

Paul conseguirá que superen sus miedos. Además, sus sueños se hacen realidad al conocer a un extraterrestre y descubrir que, además, es divertido; bebe cerveza, fuma porros y cuenta chistes”.

Greg Mottola está de acuerdo en que Seth Rogen era el actor ideal para dar vida a Paul: “Se vuelve invisible y sabe curar, pero se hace un lío entre los mejillones y los pistachos: olvida cuál de los dos no debe comerse si no está abierto. Tiene fallos, como nosotros. Simon y Nick incluyeron este tipo de cosas en el guión de for-

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ma intuitiva, pero fueron de gran ayuda para Seth en la caracterización del personaje. Paul debía ser muy parecido a un ser humano, algo que tranquiliza y desilusiona a la vez”.

Seth Rogen también influyó en la animación del personaje. “Cuando empezamos a diseñarlo, Paul hacía grandes movimientos, era muy ruidoso y hacía cosas muy raras”, explica Nira Park. “Pero Greg lo suavizó para que pareciera más real. Fue entonces cuando nos dimos cuenta de que debíamos grabar los diálogos de Seth, ensayar con él, grabar los ensayos y pasárselos a los animadores. Los movimientos de Seth debían servir de guía a la animación”.

El agente especial Lorenzo Zoil, que sabe mucho acerca de los años en la Tierra de Paul, va tras la pista del alienígena huido y de los británicos. Jason Bateman, que conoce a Greg Mottola desde la serie “Arrested Development”, se metió en el papel.

Simon Pegg estaba entusiasmado cuando se enteró de que Jason

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Bateman había aceptado el papel. “Jason es un actor extraordinario”, dice. “Nunca me canso de verle trabajar. Es difícil explicar por qué es tan bueno. Parece no esforzarse. Tiene una espontaneidad y un ritmo único. Es uno de los pocos actores en la industria capaz de mezclar la comedia con el drama”.

El don del actor para entender el lado cómico y el lado de dramático de una escena fue muy necesario en este rodaje. Simon Pegg recuerda: “Cuando buscábamos el reparto, yo estaba empeñado en que Zoil fuese alguien amenazante y creíble. Todos los demás querían a un cómico. Pero insistí. La amenaza no sería real si alguien hacía el payaso. Cuando se mencionó a Jason, me gustó la idea porque sabe ser un cómico dramático. Tampoco está mal verle interpretar a uno con pinta de malo”.

Jason Bateman describe a Zoil como un “jefe cabrón carente de humor que no soporta a los tontos. A pesar de que no quería alejarme del personaje, por un lado

me limitaba como actor, pero por otro está bien porque me obligó a ser disciplinado. Me gustó mucho ser parte de una película con actores y cineastas con los que disfruto”.

Los otros cazadores de recompensas que trabajan con Zoil son Haggard y O’Reilly, encarnados por Bill Hader y Joe Lo Truglio, respectivamente. En opinión del primero: “No son muy listos, pero quieren complacer al jefe. Mi personaje es muy ambicioso y empieza a usurpar la autoridad de Zoil cuando entiende que están buscando a un alienígena. Me gustó interpretar a un tío que siempre se está retocando la corbata y diciendo ‘Ahora estamos en primera división’ y, según avanza la historia, acaba perdiendo la cabeza y convirtiéndose en un auténtico malvado”.

Bill Hader, hablando del guión, dice: “En realidad, es una extraña carta de amor a Estados Unidos y a su cine. PAUL es un poco como las películas que vieron Simon y Nick de pequeños, productos de la cultura americana. Pero es www.cinemascomics.com

muy divertido descubrir el punto de vista de un inglés. Dan en el clavo. Es una película subversiva, genial, inteligente. Siempre aparece algo donde uno menos se lo espera”.

El compañero de Haggard es O’Reilly, un auténtico ingenuo que intenta aprender a ser agente federal. “A O’Reilly le gusta mucho trabajar como agente, pero no se le da muy bien. Abre los ojos de par en par, y se parece mucho a un adorable perrito que se hace pis en la alfombra y no entiende por qué se enfadan con él. Se lo pasa muy bien e intenta impresionar a Zoil, un agente apuesto y cabrón”.

Kristen Wiig, al igual que su compañero de reparto Bill Hader, es una veterana de “Saturday Night Live” y trabajó en Adventureland, de Greg Mottola. Da vida a Ruth, una chica criada entre algodones que vive aislada en un parque permanente de caravanas con Moses, su padre, un evangelista fanático que siempre empuña un arma. “Ruth cambió bas-

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tante en los dos últimos meses previos al rodaje”, explica Nira Park. “Cuando empezamos a escribir el guión nunca conseguía convertirse en una versión liberada de sí misma, pero después de hablar con Kristen, quedó claro”.

Kristen Wiig dice que PAUL fue una experiencia única, y no solo por los efectos visuales. “Greg, Simon y Nick nunca se equivocaron, me gusta su visión del mundo”.

su enamorado en la gran pantalla.

“Es una de las actrices más notables que conozco. Como cómica es extraordinaria y cautivadora. Me pasé el rodaje siguiéndola como un perrito porque me moría de risa. Pero también supo aportar una dulzura muy especial a Ruth, y más aún, convirtió algunos momentos en hilarantes, aunque a nosotros nos parecían sin ninguna gracia cuando los escribimos”.

Ruth es el personaje que más cambia en la historia, lo que fue todo un reto para la actriz. Explica: “Lo pasé muy bien cuando Ruth casi tiene un ataque de nervios al ver a Paul y descubrir que el mundo no es exactamente como ella creía. Fue como enterarse de que los Reyes Magos no existen.

Se piensa algo toda la vida y, de pronto, alguien te dice que no es así. Te enfadas, discutes. Ruth no es de las que cambia de parecer fácilmente”.

El veterano John Carroll Lynch interpreta a Moses Buggs, el padre de Ruth. Se enfrentaba a un papel que en manos de muchos se habría convertido en una caricatura. “Buggs es un personaje muy triste”, dice Simon Pegg. “Es tiránico, muy religioso, el típico tío que se ha metido en la fe por miedo. Persigue a Graeme y a Clive para recuperar a su hija.

Cuando se tiene la oportunidad de trabajar con alguien como John, que es un gran cómico, se tiene la sensación de estar ante un auténtico actor”.

“Kristen me dejó patidifuso en esta película”, dice Simon Pegg,

John Carroll Lynch recuerda que estaba decidido a hacer el papel

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en cuanto leyó el guión: “Me gustó mucho que fuese una sátira de las películas de ciencia-ficción, pero también homenajea el género y hace reír. No es fácil conseguir algo así”.

Los cómicos Jane Lynch y Jeffrey Tambor tienen pequeños papeles.

La actriz encarna a Pat Stevens, la descarada camarera del Little A’Le’Inn, que no ahorra consejos para Graeme y Clive en busca de revelaciones extraterrestres. Jeffrey Tambor es el legendario autor de ciencia-ficción Adam Shadowchild, que inspiró su última obra

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al dúo, “Jelva, reina alienígena de Varvak”.

En palabras de Simon Pegg, completan el reparto dos “actrices auténticas”, las famosas Blythe Danner y Sigourney Weaver. La primera es Tara, un personaje descrito por el guionista como “una mujer mayor, un poco chalada, que vive sola y que estuvo en esta historia desde el principio.

Enseguida pensamos en ella porque es muy guapa y capaz de interpretar a alguien un poco ido”.

Seth Rogen nos explica el papel de Tara en la historia de PAUL:

“Cuando Paul se estrella en la Tierra, aterriza en el perro de una chica, y esa chica le ve. Pero se ha pasado la vida convencida de que no es real. Él quiere decirle que existe, que no está loca.

De hecho, Paul decidió llamarse así por el perro y porque un nombre de una sola sílaba le pareció fantástico”.

Blythe Danner dice: “Greg da mucha libertad a los actores para explorar a los personajes, pero sabe cuándo se exagera o no se da bastante. Es un placer trabajar con él, es un director tranquilo, www.cinemascomics.com

relajado, maravilloso”.

Desde las entregas de Alien hasta Avatar, Sigourney Weaver ha sido una favorita de los seguidores del género. Fue un auténtico éxito para los cineastas cuando aceptó el papel de El Gran Jefe, la tiránica e intimidante jefa de Zoil. Hay una anécdota que recuerda a lo que pasó con el personaje de la teniente Ripley de Alien; en principio El Gran Jefe era un hombre.

Una noche, mientras los cineastas hablaban de un posible actor para el papel, alguien dijo: “¿Y si es una mujer?” Nira Park recuerda: www.cinemascomics.com

“Nos pareció brillante. Pero si era una mujer, solo podía encarnarla una persona, Sigourney Weaver”.

Por suerte, la actriz aceptó el papel y, según Simon Pegg, además de bordarlo, su presencia provoca una resonancia mítica: “Estuvo en una de las franquicias de cienciaficción más famosas de la historia del cine. Me sentí muy feliz de que le gustara el guión y decidiera unirse a nosotros. Se metió en el papel y tiene un aspecto envidiable”.

alienígena, especialmente con el director Greg Mottola. Dice: “Me mandaron el guión y me enamoré de la historia. Es una comedia deliciosa, tierna y llena de vida. Me dio la impresión de que seguía los pasos de Héroes fuera de órbita en cuanto a Comic-Con (la convención de personajes de cómic) y a glorificación de los pirados. Me pareció conmovedora y me encantó la historia de amor. Vale, soy la mala de la película, pero no se puede tener todo, ¿verdad?”

La actriz estaba encantada de formar parte de otra aventura

Durante la historia nos enteramos de que El Gran Jefe ha mandado a Cinemascomics │Julio 2011 │

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Zoil para que capture a Paul antes de que este llegue a la nave, pero el personaje de la actriz siempre está envuelto en misterio. Sigourney Weaver explica: “Es obvio que siente mucho rencor hacia Paul.

En su opinión, ha vivido a costa del pueblo americano durante años y quiere deshacerse de él. ¿Por qué no puede ella codearse con Spielberg en vez de ese enano? La antipatía es mutua. Se da cuenta de que es la oportunidad de aplastarle. Y para conseguirlo, usa a Zoil, un subordinado en el que puede confiar”.

Las muchas caras de Paul: Cómo construir a un extraterrestre La primera vez que Greg Mottola habló con los productores acerca de dirigir PAUL, reconoce que la idea de encabezar un proyecto cuyo protagonista era un personaje de animación digital le puso un poco nervioso: “No sabía si debía estar asustado. La animación es un género muy complicado. Hay que decidir si el personaje pestañea, cada sonrisa, qué clase sonrisa, y si se le mueve o no se le

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mueve la nuez. No tiene nada que ver con la animación stop-motion que hacía a los ocho años con una cámara de Super-8”.

Aunque Paul está diseñado para parecerse al clásico extraterrestre que todos imaginamos, también debía tener rasgos muy humanos. “Había que crear un alienígena con comportamiento humano, pero con rasgos y habilidades extraterrestres”, explica el director. “El 90% del tiempo es uno más en la autocaravana.

Los espectadores deben quererle pero también debe irritarles; en otras palabras, se comporta como cualquier ser humano, es sorprendente, emocional y complicado”.

El director contó con la valiosa ayuda del equipo de Double Negative, que se había encargado de las últimas colaboraciones entre Big Talk y Working Title, Zombies Party/Una noche de muerte y Hot Fuzz/Arma fatal.

Greg Mottola lo explica: “Diseñamos una versión digital del personaje de Paul que no nos acababa de convencer. Llevamos la imagen

a una empresa de maquetas, y un talentoso escultor modeló a un Paul de barro. Nos propuso varias versiones en miniatura hasta que nos gustó y entonces realizó una versión en tamaño natural”.

“Nuestra idea era que Paul es el resultado evolutivo de los seres humanos dentro de mil millones de años”, sigue diciendo el director. “A medida que el cerebro aumenta de tamaño, no hace falta ser tan fuerte porque se dispone de una tecnología avanzada. Los cuerpos se hacen más pequeños, y es factible evolucionar hacia una criatura muy delgada. El escultor lo entendió. Desde las pequeñas depresiones craneales, pasando por la forma de la barbilla y la órbita de los ojos. Todo era perfecto”.

A partir del modelo tamaño natural, el equipo de animación digital creó un modelo animatrónico que sirvió para ver cómo se movía el listillo humanoide. Luego se construyó un muñeco (con manos incluidas) para los primeros planos que serviría de referencia www.cinemascomics.com

para el realizador y el director de fotografía.

Según el supervisor de efectos visuales JODY JOHNSON, la creación del personaje requirió el esfuerzo de muchas personas: “Primero trabajamos con Greg para saber cómo veía a Paul, y luego con Seth para la interpretación y caracterización”.

En la etapa de captura de movimientos (mo-cap), Seth Rogen interpretaba al extraterrestre y al mismo tiempo le filmaban. Durante varias semanas, repitió las escenas para que el equipo tuviera muchas referencias visuales para crear a Paul.

El actor, refiriéndose a las primeras etapas de la producción, explica que no quería que Paul tuviera la personalidad de un alienígena estereotipado: “Durante la captura de movimientos, pensé que sería más divertido que Paul se moviera como me muevo yo.

Incluso lo exageré, como si estuviera siempre un poco borracho o colgado. Me reía pensando que usábamos una tecnología muy avanzada para una interpretación tan despreocupada”. www.cinemascomics.com

El actor descubrió que no era fácil actuar en una burbuja, pero superó el reto: “Me gustó porque se puede seguir mejorando la actuación las veces que haga falta.

Es muy diferente de un rodaje en directo. Estudiamos cada escena y, por ejemplo, si Paul debía hacer un ruidito, probábamos con todos los ruidos imaginables. Estos detalles ayudan a mejorar la ilusión”.

Pero los esfuerzos de Double Negative se concentraron sobre todo en llevar a Paul a la pantalla y en colocar al personaje de animación en un ambiente real para que fuese totalmente convincente.

“Iluminamos a Paul de forma muy natural para que se integrara en la interpretación de los actores”, dice Jody Johnson.

El productor de efectos visuales HAL COUZENS está de acuerdo: “La película no podía parecer una cinta de efectos visuales. Tenía que parecer una película con tres protagonistas y con actores secundarios”.

Pero era más fácil decirlo que hacerlo, sobre todo porque gran parte de PAUL se rodó cámara al hombro, con Steadicam y des-

de una grúa. Durante la primera etapa se trabajó con el director de fotografía para que las tomas fueran correctas. “Disponíamos de un muñeco para hacer de doble de luces de Paul [creado por Spectral Motion], y rodamos las escenas con el muñeco. Larry [Lawrence Sher] iluminaba la escena para que Paul pareciera uno más entre los actores”, explica Jody Johnson. “Entonces yo realizaba varias tomas de referencia para que Double Negative tuviera una base para la iluminación digital”.

Además de dar vida al agente O’Reilly, Joe Lo Truglio tuvo otro cometido de gran importancia.

Fue el doble de Paul siempre que se necesitaba una referencia. Ya se sabe que muchos actores tienen dobles de luces en una película, pero que lo tenga un personaje digital es una novedad.

“Lo que más nos preocupaba”, explica la productora Nira Park, “es que en una comedia las reacciones surgen al trabajar con otro actor. Al principio no se nos ocurría una solución hasta que comprendimos que necesitábamos a un cómico para que Simon, Nick y los demás pudiera actuar con Cinemascomics │Julio 2011 │

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él. Cuando alguien sugirió a Joe, pregunté por qué iba a aceptarlo. Me pareció ligeramente esquizofrénico pasar de interpretar a O’Reilly a estar de rodillas con unas rodilleras y hacer de Paul.

Pero Joe dijo que sí y le salió de maravilla”.

Joe Lo Truglio habla de su encarnación del hombrecito verde: “Paul era un personaje peliagudo porque debía despertar la misma empatía que un personaje de carne y hueso. Para conseguirlo, se necesito a mucha gente.

El primero fue Seth, claro está, que interpreta a Paul y tuvo que ponerse el traje de captura de movimientos. Luego entraron en escena los de efectos visuales de Double Negative. Estuve presente durante los ensayos de Seth y me fijé en todo lo que hacía. Luego, en el rodaje intenté reproducirlo para conseguir las mejores reacciones de Simon y de Nick, para que no hablaran con alguien que no estaba. Fue un reto para mí como actor porque se trataba de crear a un alienígena a partir de múltiples aportaciones. También saqué mucho provecho de las rodilleras”.

Joe Lo Truglio fue el doble de in-

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terpretación de Paul, y CHRISTOPHE ZAJAC-DENEC fue el doble para las escenas de acción. Cuando se trataba de una escena de acción, Greg Mottola y Lawrence Sher rodaban con los actores para que pareciera que Paul estaba allí. A continuación, borraban al muñeco o al doble de la escena, y volvían a filmarla solo con los actores.

Hubo un cuarto Paul, un niño de seis años llamado Tanner, el hijo del coordinador de dobles de la película. El joven actor encarnó a Paul cuando este salta encima del agente Zoil. Hal Couzens lo explica: “Nos pareció que si Jason se limitaba a fingir que tenía a alguien agarrado a su espalda, no parecería real. Tanner se puso un traje verde, saltó y se agarró a la espalda de Jason, que empezó a retorcerse para liberarse. Funcionó de maravilla. Luego sustituimos a Tanner por Paul”.

Una vez conseguida la iluminación, la última referencia era el entorno físico en el que vivía Paul. Jody Johnson dice: “Usamos una Leica Total Station, un aparato topográfico que lleva una batería de rayos láser para generar un modelo tridimensional de

lo que filma la cámara. Además, hubo que crear luz ambiental con una técnica llamada iluminación HDRI, que permite fotografiar múltiples veces lo mismo con un rango altamente dinámico”.

Como en cualquier película, la luz y las condiciones meteorológicas cambian con cada toma. Si no se equiparaba a la perfección, Paul no iba a encajar en el mundo de Graeme y de Clive.

El producto acabado asombro a los actores y al equipo técnico.

Greg Mottola dice: “Por ejemplo, cuando Paul se frota el cuello, se ven los tendones moverse. Respondemos a ese tipo de detalles, a lo que capta nuestra visión periférica, y no tanto a lo que miramos directamente”.

Pero por muy buenos que sean los efectos visuales de PAUL, para que la historia fuese verosímil, todos debían creer que puede haber extraterrestres, empezando por el cocreador y coprotagonista de la película, Simon Pegg. “Sí, creo que hay extraterrestres”, dice. “Tiene que haber. Hay miles de millones de planetas y de estrellas. Solo espero que se parezcan un poco a Paul”. www.cinemascomics.com

Estreno

Los Pitufos 3D 29 de julio Los pitufos llegan a la gran pantalla en la comedia, mezcla de acción real y animación, LOS PITUFOS, de Columbia Pictures Y Sony Pictures Animation. Cuando el malvado brujo Gargamel persigue a los pitufos fuera de su poblado, a través de un portal mágico que los lleva a nuestro mundo, aterrizan en medio de Central Park, en Nueva York. Los pequeños seres azules deberán encontrar el camino a casa antes de que el malvado Gargamel los encuentre...

Columbia Pictures y Sony Pictures Animation presentan una producción de Kerner Entertain-

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ment Company, LOS PITUFOS. La película está protagonizada por Neil Patrick Harris, Jayma Mays, Sofia Vergara y Hank Azaria, este último, como Gargamel. Dirigida por Raja Gosnell. Producida por Jordan Kerner. Con guión de J. David Stem y David N. Weiss, y Jay Scherick y David Ronn. Argumento de J. David Stem y David N. Weiss. Basada en los personajes y obras de Peyo. Los productores ejecutivos son Ezra Swerdlow, Ben Haber y Paul Neesan. Director de fotografía, Phil Méheux, BSC. Dirección artística de Bill Boes. El montaje es de Sabrina Plisco, A.C.E. Los efectos visuales

de Sony Pictures Imageworks Inc. El supervisor de efectos visuales es Richard R. Hoover. El diseño de vestuario es de Rita Ryack. La música de Heitor Pereira.

PITUFOS y todos los personajes de pitufos ©Peyo. Reservados todos los derechos. “Pitufos” y “Los Pitufos” son marcas registradas de STUDIO PEYO. ACERCA DE LA PELÍCULA En 1958, el artista belga llamado Pierre “Peyo” Culliford creó a los pitufos para un libro de comics e inmediatamente se volvieron www.cinemascomics.com

populares, generando una ola de cartas al editor pidiendo más; y en los siguientes 50 años se convirtieron en todo un fenómeno, cobrando vida en comics, libros, series de televisión, películas, vídeo juegos, espectáculos en directo y figuras (que vendieron más de 300 millones). El atractivo de los personajes ha superado generaciones, y los niños que crecieron con los pitufos -incluyendo los dibujos animados de los sábados por la mañana- luego fueron padres y presentaron los pitufos a sus propios hijos.

Según el productor Jordan Kerner, www.cinemascomics.com

es fácil ver por qué los pitufos han entretenido a la gente de todo el mundo durante varias generaciones. No es sencillamente que sean adorables, también representan a la humanidad en su mejor expresión. “Los pitufos son la analogía de una nación”, afirma Kerner.

“Enfatizan la familia y la importancia de la cooperación. Y lo que es más importante, siempre ven lo mejor en los demás. Los pitufos realmente se preocupan los unos por los otros”.

Ahora, los pitufos se aventuran por primera vez fuera de su aldea y aterrizan en la gran pantalla,

en la película de animación de Columbia Pictures y Sony Pictures Animation, LOS PITUFOS. “Es una película fuera del entorno habitual de los pitufos”, asegura Raja Gosnell, quien está a cargo de la dirección. “Hemos cogido su pitufesco código de vida y lo hemos contrastado con la vida actual, en la ciudad de Nueva York”.

La historia de la aventura de Kerner de llevar a los pitufos a la gran pantalla se remonta a una reunión durante un desayuno en 1980 con el legendario productor ejecutivo de la NBC, Brandon Tartikoff. Tartikoff sugirió a Kerner que leyera Cinemascomics │Julio 2011 │

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una serie de libros basados en los pitufos, porque Tartikoff estaba pensando en desarrollarlo para una serie de televisión. Kerner se sintió atrapado desde el primer momento. Por supuesto, Tartikoff llevaría a “Los Pitufos” a la mañana de los sábados con la serie de Hanna-Barbera de 256 episodios a lo largo de más de ocho años.

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En 1997, Kerner envió la primera de una serie de cartas a Lafig, el agente de licencias de la marca Pitufos, donde expresaba su interés en hacer una película. Y en 2002, después del borrador de la emotiva y exitosa adaptación de Kerner del clásico de la novela de E.B. White, “La telaraña de Carlota” (Charlotte’s Web), los herederos de Peyo supieron que los

pitufos estarían en buenas manos.

Véronique Culliford, la hija de Peyo, dice que su padre dotó a su obra de un atractivo universal. “Los pitufos son todos muy parecidos, pero cada pitufo es único”, explica. “Todos nos podemos reconocer en alguno de los pitufos. Hay un pitufo para cada personalidad. Son muy amables y www.cinemascomics.com

sociales. Tienen todas las cualidades que a la gente le gustaría poseer”.

Como señala Culliford, algunas cosas cambian en la vida, pero los pitufos son siempre un punto de referencia. “Las historias siguen teniendo su popularidad a través de generaciones porque la gente sigue siendo gente. Continuamos siendo quiénes somos y los pitufos nos reflejan en nuestras vidas.

Podemos adaptarnos con los años a diferentes tecnologías, pero lo que somos permanece inamovible”.

Culliford y su familia quisieron hacer una película de los pitufos durante muchos años. Cuando fue evidente que Kerner compartía su visión y entusiasmo, Culliford vio algo mágico en ello. “Jordan fue la primera persona que conocimos que quería hacer la misma película de pitufos que nosotros”, afirma la heredera.

Es la culminación de un largo sueño para Culliford, que creció con la creación de su padre. “Los pitufos llegaron en 1958, el año de mi nacimiento”, cuenta Culliford, “así que los pitufos han sido parwww.cinemascomics.com

te de mi vida desde el principio.

He vivido siempre con los pitufos. Mi padre trabajaba en casa, y cuando volvía del colegio podía ver pitufos por todos lados, y hablábamos en pitufo. Para mí es natural tener a los pitufos alrededor”.

Kerner sintió que esta película era la forma perfecta para contar una nueva historia de los pitufos, la cual fue rodada íntegramente en la ciudad de Nueva York en sitios tan icónicos como el Central Park y Belvedere Castle, y también FAO Schwarz, el Russian Tea Room, el Rockefeller Center y el Prospect Park de Brooklyn.

Kerner agrega que la habilidad y el suave toque del director Raja Gosnell -sin mencionar sus manos- para combinar acción real con personajes animados generados por ordenador en filmes como Scooby-Doo y Un chihuahua en Beverly Hills (Beverly Hills Chihuahua), lo convirtieron en la perfecta elección como director.

“Solo tengo que decir que Raja es una de las personas más inteligentes, intuitivas, amables y maravillosas con las que se puede trabajar”, asegura. “Todos los

días eran mágicos. Todos queríamos hacer una película de la que nos sintiéramos orgullosos, y ayudar a ejecutar la visión que él tenía de todos esos personajes”.

La familia quería preservar el legado de los pitufos de la forma más fiel posible, y así lo hizo Kerner. “Lo más importante”, agrega Culliford, “es que los pitufos sigan siendo los pitufos. Dejan su aldea por primera vez, eso es excitante”.

Hay muchas preguntas que necesitan ser contestadas en la mitología de los pitufos y Kerner ve que podrían ser clarificadas en el marco de una franquicia. ¿Quiénes son los pitufos en realidad, y de dónde vienen? ¿Cómo apareció Gargamel y por qué es un tipo tan amargado? ¿Por qué creo a Pitufina?

Una de las muchas tradiciones es presentar nuevos pitufos. Los realizadores tuvieron la oportunidad de imaginar tres pitufos nuevos para la película: Pitufo Nervioso, Pitufo Loco y Pitufo Valiente, este último asumiendo un papel protagonista.

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Estreno

Green Lantern 29 de julio

“En el día más brillante, en la noche más oscura, ¡ningún mal podrá escapar de mi vigía!”

—Hal Jordan

En un universo tan amplio como misterioso, ha existido durante siglos una poderosa unidad de élite. Protectores de la paz y la justicia, esta unidad recibe el nombre de Cuerpo de Green Lanterns, una hermandad de guerrilleros que han jurado mantener el orden intergaláctico. Cada Green Lantern lleva un anillo que le confiere el poder de crear todo lo que su mente pueda imaginar, pero cuando un nuevo enemigo llamado Parallax amenaza con destruir el equilibrio de la energía del Universo, su destino y el destino de la Tierra caen en manos de su miembro más reciente, el primer humano del Cuerpo: Hal Jordan (Ryan Reynolds).

Hal es un intrépido piloto de pruebas con talento y engreído, pero los Green Lantern respetan poco a los humanos, quienes nunca antes habían usado los infinitos poderes del anillo. Sin embargo, la humanidad de Hal es un arma que ningún miembro del Cuerpo había tenido nunca, y si, con fuerza de voluntad, determinación y el apoyo de su compañera piloto y novia de la infancia Carol Ferris (Blake Lively), consigue controlar sus nuevos poderes y encontrar el valor para superar sus miedos, es posible que demuestre que no solo es el único que puede derrotar a Parallax... sino también el único que puede salvar la Tierra y a toda la humanidad de una destrucción segura.

El director Martin Campbell lleva a la gran pantalla por primera vez Green Lantern (Linterna Verde) el siempre popular superhéroe, interpretado por Ryan Reynolds.

Campbell dirigió un guión de Greg Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim y Michael Goldenberg (historia de Greg Berlanti, Michael Green y Marc Guggenheim) basado en los personajes de los cómics publicados por DC Comics.

Acompañando a Reynolds, en la película aparecen Blake Lively, Peter Sarsgaard, Mark Strong, la nominada a un Óscar® Angela Bassett (Tina) y el ganador de un Óscar® Tim Robbins (Mystic River), junto a Temuera Morrison, Jay O.

Sanders, Jon Tenney y Taika Waititi. Además, el ganador de un Óscar® Geoffrey Rush (Shine) y el nominado a un Óscar® Michael Clarke Duncan (La milla verde) prestaron sus valiosas voces para la película.

La producción corrió a cargo de Donald De Line y Greg Berlanti.

Herbert W. Gains y Andrew Haas fueron los productores ejecutivos, con Lucienne Papon y Geoff Johns como coproductores.

Detrás de las cámaras, el equipo creativo lo formó un elenco de ganadores de Óscars® entre los que se encuentran el director de fotografía Dion Beebe (Memorias de una geisha), el diseñador de producción Grant Major (El Señor de los anillos: El retorno del rey), la diseñadora de vestuario Ngila Dickson (El Señor de los anillos: El retorno del rey), el editor nominado a un Óscar® y el gran colaborador de Campbell, Stuart Baird (Gorilas en la niebla, Superman).

Los nominados al Óscar® Jim Berney (Las crónicas de Narnia), Kent Houston (Las aventuras de Baron Munchausen), y Karen Goulekas (Spiderman) y John “DJ” DesJardin (Watchmen) fueron los encargados de supervisar los efectos especiales. El compositor de la banda sonora fue James Newton Howard (Defiance).

Warner Bros. Pictures presenta, una producción de De Line Pictures, Green Lantern (Linterna Verde). Estreno mundial en 3D y 2D en junio de 2011. La película será distribuida por Warner Bros.

Pictures, una empresa de entretenimiento de Warner Bros.

SOBRE LA PRODUCCIÓN En los confines del espacio, se libra una guerra entre aquellos que gobiernan con el miedo y aquellos que protegen la vida: el Cuerpo de Green Lanterns. Pero cuando un gran guerrero perece, debe elegirse a otro.

Esta vez, por primera vez, uno de nosotros se convertirá en uno de ellos.

“Estaba emocionadísimo por poder llevar por fin Green Lantern (Linterna Verde) a la gran pantalla”, declara el director Martin Campbell, “porque, para mí, es uno de los superhéroes más fascinantes e interesantes de todos los cómics. En primer lugar, es un ser humano que tiene muchos defectos de carácter, lo que le hace mucho más cercano al espectador. Pero también puede visitar otros mundos, así que sus aventuras tienen un potencial infinito”.

Una de las cosas que siempre ha diferenciado a Green Lantern de la mayoría de los superhéroes, y una de las cualidades que lo han hecho tan popular, es que, debido a la naturaleza del Cuerpo, su trabajo le lleva a los lugares más remotos del espacio.

“Las películas de superhéroes se hacen para captar nuestra imaginación de las formas más imposibles”, comenta Ryan Reynolds, quien interpreta el papel protagonista. “Para eso, Green Lantern es el personaje ideal para hacer una película porque realmente lo tiene todo: acción, aventura, humor y humanidad”.

El productor Donald De Line afirma: “Todos estábamos muy contentos de participar en la película, porque sabíamos que las tecnologías de hoy en día nos permitirían rodar Green Lantern (Linterna Verde) mostrando la diversión, lucha y escapadas fantásticas con todo detalle de una superproducción”.

Blake Lively, que interpreta a Carol Ferris, explica: “Hay explosiones, peleas y viajes de ida y vuelta al espacio exterior, pero además me encanta el hecho de que la película también tenga un gran sentido del humor y un toque romántico. Además, el Cuerpo también debería atraer a las mujeres; representando prácticamente a todas las especies de extraterrestres imaginables, está claro que no es un club exclusivamente masculino”.

Es posible que los espectadores

que acaban de descubrir Green Lantern (Linterna Verde), no sean conscientes de que Hal Jordan es solo uno de los miles de guerrilleros que llevan el título de Green Lantern.

A Mark Strong, el actor que interpreta a uno de sus líderes, Sinestro, le atrajo la temática de la película. “Me intriga la idea del equilibrio entre el miedo y la voluntad. Esta es una historia sobre lo que se puede conseguir y superar si uno pone empeño y está contada de forma verdaderamente dinámica y apasionante”.

“Creo que a la gente le encanta ver personajes que tienen el valor suficiente para enfrentarse a las fuerzas del mal a gran escala sin sucumbir, convirtiéndose en ese héroe que todos desearíamos tener dentro”, afirma Peter Sarsgaard, que interpreta a Hector Hammond.

“Llevaba mucho tiempo queriendo escribir una película de superhéroes”, dice el guionista y productor Greg Berlanti. “De pequeño me encantaban los cómics. Green Lantern me apasionaba porque es uno de los pocos que sale del planeta. Fue elegido entre otros y trasladado a través de las estrellas para proteger la Tierra, lo que para mí y para mis amigos representaba un verdadero deseo hecho realidad. Gracias a esas historias, conseguimos ver todo el universo”.

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“…Que aquellos que adoran el poder del mal teman mi poder, ¡la luz de Green Lantern!”

—Hal Jordan

Estas palabras completan el juramento de los Green Lanterns, el voto de cada Lantern del cosmos que jura servir y proteger, unas palabras que los seguidores del personaje se han sabido de memoria durante años y que los cinéfilos escucharán por primera vez este verano, cuando el nuevo aprendiz del Cuerpo, Hal Jordan, las pronuncie.

“El juramento es de suma importancia”, dice Campbell. “Siempre ha formado parte de la leyenda de Green Lantern y cuando lo escuchamos por primera vez en la película, fue un momento culminante. Hal acaba de recibir el anillo y la linterna y no sabe lo que significa ninguna de las dos cosas hasta que ambas se unen y él pronuncia el juramento, en ese momento comienza su gran aventura”.

Para los aprendices, el juramento, la linterna y el anillo son las herramientas externas que confieren poderes a los Green Lanterns; con ellas y su propia fuerza de voluntad, pueden crear o hacer cualquier cosa que su mente pueda imaginar.

Este personaje se remonta a 70 años atrás. Apareció por primera vez en All-American Comics en 1940, y ha ido evolucionando con el tiempo. El Cuerpo de Green Lanterns es una federación encargada de patrullar los 3600 sectores del universo, supervisados por una antigua raza de inmortales llamados los Guardianes, habitantes del planeta Oa. La mayoría de los Lanterns son extraterrestres, pero de los seis miembros responsables de vigilar la Tierra en la historia de DC Comics (Alan Scott, Hal Jordan, Guy Gardner, John Steward, Kyle Raynor y Jade), podría decirse que Hal es el más popular.

En 1959, el escritor John Broome y el ilustrador Gil Kane crearon a Hal Jordan según los consejos del editor Julius Schwartz volviendo a presentar al mundo el personaje Green Lantern en el número 22 de Showcase y ganándose así su propio título, Green Lantern, el año siguiente. A diferencia de su predecesor, que era más místico, este nuevo Green Lantern era un poco más de “ciencia ficción”, siendo miembro de una unidad policial intergaláctica formada por numerosas especies extraterrestres, cada una con un anillo que le otorgaba poderes mentales y físicos extraordinarios. Broom y Kane también crearon varios de los personajes principales de la vida de Hal que aparecen en la película, como Carol Ferris y Tom Kalmaku, además de algunos de www.cinemascomics.com

los miembros de la familia de Hal.

Después de muchos años lejos del Cuerpo, Hal volvió en 2005 gracias al escritor Geoff Johns y al ilustrador Ethan van Sciver en la miniserie Green Lantern: Renacimiento y los siguientes títulos de la serie. Su trabajo volvió a despertar el interés por el cómic que había desaparecido durante un tiempo y les valió la aclamación de la crítica y el éxito en ventas.

Johns, coproductor de la película y quien se autodescribe como un seguidor incondicional de los cómics desde su juventud, sintió que ese nuevo lanzamiento era una oportunidad que no debía dejar pasar. “Antes de Green Lantern: Renacimiento, Hal Jordan estaba totalmente muerto y enterrado y el Cuerpo de Green Lanterns ya no existía. Solo quedaba un anillo”, dice. “Cuando continué con el cómic, anhelaba recuperar las historias épicas de Green Lantern y el Cuerpo y su papel en el gran universo de DC en general”.

A medida que los lectores crecían en número, Johns decidió volver atrás y contar la historia de Hal “desde un punto de vista emocional y dentro de un contexto actual”. El resultado fue la publicación en 2008 de Green Lantern: Origen secreto. “Creé un guión para los nuevos lectores que relacionara lo que había hecho a Hal tal y como es y cómo había llegado a convertirse en miembro del Cuerpo”.

Mientras Johns escribía Origen secreto, los cineastas desarrollaron la película inspirándose en las anteriores publicaciones de Johns.

“Nuestra película es la historia del origen de Hal Jordan”, declara De Line. “Nuestra intención al contarla era ser fieles al espíritu y al canon de Green Lantern y todo el trabajo de Geoff nos proporcionó el lugar ideal para comenzar”.

Empezar por el principio, sin emwww.cinemascomics.com

Portada de Origenes: Green LAntern .

bargo, no era la única tarea que los escritores Berlanti, Marc Guggenheim y Michael Green tenían entre manos. “A diferencia de Superman o Batman, con los que la mayoría de la gente está familiarizada, Green Lantern todavía no forma parte de la cultura popular...”, sonríe Green. “Queríamos darle la mano al público y guiarlos para que conocieran a este fantástico personaje y que vieran un lugar como Oa por primera vez”.

sus poderes dependen del poder de su imaginación”, confiesa el guionista Goldenberg. “Puede que sea porque soy escritor, pero es algo que me llama muchísimo la atención”.

A los guionistas también les atrajo el proyecto por la cantidad de investigación que requería. “Los deberes más divertidos que te puedan mandar: sentarse a leer cómics todo el día”, afirma Green entusiasmado.

Guggenheim estaba igual de motivado. “Lo que me fascina de Green Lantern es que en realidad

Mientras escribían el borrador del guión, los guionistas tuvieron que consultar décadas de aventuras.

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Guggenheim comenta: “Teníamos que hacer como los arqueólogos y desenterrar la que pensábamos que era la mejor historia que contar”.

“Lo más importante para todos era plasmar en cada página el sincero respeto que sentíamos por el material original”, afirma Goldenberg.

Berlanti, además, sentía la responsabilidad de dar vida a este personaje en particular, con sus poderes específicos.

“Cuando tienes un personaje con el poder de hacer realidad cualquier cosa que se le ocurra, hasta, literalmente, dar vida a cualquier cosa que le venga a la cabeza, tienes que hacer que sea emocionante”, admite, “y cada vez más, a medida que avanza la historia. Creo que, entre lo que se nos ocurrió a nosotros y lo que Martin, los actores y los equipos de efectos especiales han hecho con ello, el público disfrutará mucho en la butaca”.

Al igual que Hal Jordan como el primer humano elegido para

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llevar el anillo, Ryan Reynolds, como el primer actor elegido para representar a Green Lantern en la gran pantalla, sabía que tendría una legión de fans con los ojos puestos en él para comprobar que estaba a la altura del juramento.

No se dejó influir por la dualidad de su personaje mientras disfrutaba interpretando el doble papel de un Hal Jordan irreverente y prometedor a la par que superhéroe en formación.

“Lo que me gusta de Hal es que no hay nada extraordinario en él”, afirma Reynolds sobre el inconsciente recluta del Cuerpo.

“Por supuesto que, por su trabajo no es lo que se entiende por un ser humano normal, pero por lo demás no tiene nada de excepcional. Solo es un chico, y bastante irresponsable, por cierto, claro que su imprudente comportamiento se puede justificar”.

Las razones de este comportamiento vienen de su infancia, pero no están resueltas (puesto que se han ignorado a propósito) hasta que se ve obligado examinarse a sí mismo cuando inesperadamente es el elegido para esta

misión. En el transcurso de la película Hal tendrá que hacer un examen más profundo de sí mismo, pero en el primer momento en que se le otorga este don, lo único que puede pensar además de “Esto es alucinante” es “¿Por qué yo?”

Sin embargo, aunque Hal pueda preguntarse el motivo por el que el anillo lo escogió a él, “¿Por qué el?” es una pregunta que los realizadores de la película nunca se plantearon al asignarle el papel a Reynolds.

“Ryan es un actor magnífico”, afirma Campbell. “Físicamente también es adecuado para el papel, es encantador, gracioso y tiene una gran educación. Sabía que podría sacar fácilmente tanto al Hal inconformista indisciplinado y espontáneo que conocemos primero como al luchador intrépido y centrado en el que deberá convertirse después para resolver el problema. Ryan hizo todo esto, su interpretación marcó la pauta de la película”.

“Hal es una especie de niño grande”, comenta De Line. “En muwww.cinemascomics.com

chos aspectos no ha madurado del todo, debido, en parte, a que perdió a su padre cuando tenía solamente once años, así que tiene muchas cosas que superar si quiere desterrar esos miedos de la infancia y convertirse en el héroe que la gente necesita que sea. Ryan interpretó muy bien todos esos matices. Se puede sentir en cada momento aquello por lo que Hal está pasando y cómo le afecta”.

Es posible que el momento de mayor transformación para Hal tenga lugar cuando pronuncia por primera vez el juramento de los Green Lantern. “Él no es ni siquiera consciente de lo que está diciendo, las palabras salen de su boca casi sin que él las reconozca”, explica Reynolds.

Tanto Campbell como Reynolds fueron muy cuidadosos con la manera en que se interpretarían esas líneas. “La verdad es que al pronunciar el juramento por primera vez estaba un poco tenso”, confiesa el actor, “porque es algo conocido por mucha gente. Así www.cinemascomics.com

que intenté hacerlo con mucho tacto. La segunda vez que Hal lo pronuncia comprende todo lo que hay detrás de esas palabras y que estas palabras forman parte de él, así que el enfoque tenía que ser totalmente diferente”.

“Sentía que la manera de enfocar esas escenas no era del más puro estilo ‛Shakespeare’ ni ‘patriota americano’”, añade Campbell, “sino que debíamos darle la importancia que la mitología del personaje requería. En todo momento lo tratamos como parte de la escena y creo que quedó un resultado maravilloso”.

Si para Hal su nueva identidad como Green Lantern supone una sorpresa, para su amiga de toda la vida y novia ocasional, Carol Ferris, supone un completo shock.

Como compañera piloto de pruebas de Hal, Carol siempre ha seguido las normas a rajatabla, lo que le ha permitido escalar puestos en la empresa de su padre, Ferris Air, hasta posicionarse en la actualidad como... la jefa de Hal.

“A Hal y Carol los une un vínculo desde que eran niños”, cuenta

Reynolds. “Hay una gran historia entre ellos, tanto buena como mala. Hay momentos en que son como imanes que, por su posición, se repelen, pero se puede ver que siempre hay algo que los une también”.

Blake Lively, que interpreta el papel de ambiciosa mujer de negocios convertida en piloto, afirma: “Carol y Hal tienen una dinámica interesante y Ryan y yo hacíamos el mismo tipo de bromas divertidas”.

“Hubo mucha química entre Blake y Ryan desde el principio”, confirma De Line. “Se llevaban muy bien y, en mi opinión, eso se reflejó en la pantalla, tanto si los personajes estaban en situaciones apasionadas como si estaban en plena batalla”.

Lively comenta: “Independientemente de lo que hayan sentido o sientan el uno por el otro, Hal y Carol nunca han estado de acuerdo. Ella no es una damisela en apuros. Al igual que Hal, es piloto de pruebas y, ahora que está a punto de heredar la empresa de su padre está en posición de cuestionarle. Incluso después de Cinemascomics │Julio 2011 │

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que a Hal le suceda este hecho increíble, ella le desafía a él tanto como él a ella. Si Hal no cree en él mismo, ella creerá en él por los dos. No le dejará dar la espalda a esta asombrosa oportunidad”.

“Carol es la hembra alfa de la película y enriquece mucho el lado emocional de la historia”, afirma Campbell. “Es fuerte, capaz y responsable, todo lo que Hal no es la primera vez que lo vemos.

Además, Blake consiguió combinar todas esas cualidades de una manera completamente natural.

Simplemente, lo hizo genial”.

El tercero en discordia en la larga historia intermitente entre Hal y Carol es Hector Hammond, un antiguo amigo que creció con ellos, aunque su papel se reducía al de espectador con un sentimiento mezclado de deseo por Carol y deseo por ser Hal. A pesar de ser brillante, nunca ha conseguido satisfacer las expectativas de su padre y se ha convertido en un profesor de universidad cuya especialidad es, si cabe, más oscura que él: xenobiología.

Peter Sarsgaard, que interpretó el papel de Hector, descubrió distintas facetas intrigantes en su personaje. “Estaba muy interesado en este mundo”, afirma, “y en lo que respecta a este personaje, fue como tener que escoger qué aventura vivir. Sentí inmediatamente que había al menos 50 maneras distintas de in-

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terpretar a Hector, y para mí eso es algo muy motivador. Vive solo, tiene una relación horrible con su padre y no cuenta con amigos cercanos con los que hablar, pero parece extrañamente satisfecho con su sufrimiento hasta que... todo cambia”.

A Hector, partidario de la idea de la existencia de vida en otros planetas, se le presenta la oportunidad de su vida cuando unos oficiales del gobierno llaman a su puerta para que construya un búnker secreto para someter a examen un cuerpo (el cadáver de un extraterrestre y, más concretamente, el primero encontrado en la Tierra). Sin embargo, se demuestra que el momento de gloria de Hector es mucho más peligroso de lo que jamás se habría imaginado. A pesar de sus precauciones, se encuentra expuesto al mayor mal que el universo haya experimentado jamás: Parallax.

Hector, después de entrar en contacto con Parallax, comienza a desarrollar poderes propios. Al igual que los deseos de Hal se le conceden gracias al color verde, los ojos de Hector adquieren un color amarillo brillante que se fortalece con el miedo de otros.

Habiendo considerado siempre a Hal como un rival y a Carol como inalcanzable, la nueva confianza de Hector empieza a sacar lo peor de él.

“Se desencadena el caos más ab-

soluto”, continúa Sasgaard, “pero para Hector esto es lo mejor que le ha pasado nunca”. Además, añade que también para él ha sido una experiencia única. “Ha sido una locura para mí, es algo que nunca antes había hecho.

El hecho de poder hacer por fin todo lo que quiera supone una catarsis para Hector y para mí ha sido muy liberador también”.

“Incluso aunque en el fondo sea un villano, Hector es en realidad un personaje algo trágico y la manera en que Peter lo interpretó consigue suscitar cierta simpatía”, afirma Campbell. “Es un actor que disfruta interpretando el tipo de papel en el que puede transformarse completamente en un personaje complejo, intrigante e incluso oscuro y Hector le dio la oportunidad de hacerlo”.

Hal tiene otro tipo de adversario en Thaal Sinestro, el líder del Cuerpo de Green Lanterns, quien llora la pérdida del fallecido Lantern Abin Sur y cuestiona de igual modo la elección de Hal para sustituirle, a pesar de que, de acuerdo con sus conocimientos, el anillo nunca falla.

Sinestro es uno de los dos únicos extraterrestres humanoides interpretados por actores, aunque con maquillaje protésico. El papel es interpretado por Mark Strong, quien afirma: “es un maestro muy duro, pero todo lo hace por una buena razón y está totalmente

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entregado a la causa. Cree sinceramente en el Cuerpo y en que puede mantener la paz en el universo”.

Parte del escepticismo de Sinestro con respecto a la capacidad de Hal se deriva de sus sentimientos hacia la raza humana, a la que considera demasiado joven, arrogante y poco excepcional para formar parte del Cuerpo. “No cree que los humanos merezcan la pena, por lo que es extremadamente desdeñoso con Hal y piensa que está destinado a ser el más débil. Por supuesto, muchos de esos sentimientos existen porque no cree que Hal pueda estar a la altura del recuerdo de su antiguo compañero, mentor y amigo.”

“Mark Strong aportó mucha gravedad al papel de Sinestro”, afirma De Line. “Cada vez que la cámara grababa, él gozaba de gran presencia y conseguía toda la atención y el respeto, que es precisamente lo que hacía falta”.

Tomar-Re, que saluda a Hal a su llegada a Oa, y Kilowog, el oficial de entrenamiento de combate de Hal, ayudan a Sinestro en la presentación de Hal al Cuerpo. Ambos personajes se generaron por ordenador basándose en la captura de movimiento de los especialistas Dorian Kingi y Spencer Wilding, con Geoffrey Rush y Michael Clarke Duncan prestando sus inconfundibles voces a los personajes. www.cinemascomics.com

“La voz de Geoffrey era perfecta para Tomar-Re”, declara Campbell acerca de la habilidad del actor para dar vida al xudariano, que aparenta ser un cruce entre pájaro y pez. “Aportó cierto calor a este personaje tan cerebral, que es el primero en toparse con Hal a su llegada a Oa y le ayuda a orientarse”.

Un encuentro extraterrestre de muy distinta índole tiene lugar cuando Hal se presenta a Kilowog, un Lantern enorme y similar a un ogro que comienza desde ese momento a poner a Hal a prueba.

“Kilowog es uno de los favoritos de los fans y la entonación sonora de Michael, con el punto justo de humor, parecía acompañar de manera natural al personaje”, dice Campbell. “Se puede comprobar el punto exacto de deleite que muestra la voz del personaje al gritar a Hal y al arrojarlo contra la pared”.

Solo cuando el anillo de un Lantern caído elija al sustituto es posible entrar en el Cuerpo. Abin Sur, un líder estimado, es atacado por Parallax y, justo antes de morir, libera la luz para que encuentre al siguiente Green Lantern, que resulta ser Hal. El neocelandés Temuera Morrison interpreta el breve pero importante papel de Abin Sur.

Una de las pocas personas a las que Hal les confía el secreto de

sus nuevos poderes es Tom Kalkamu, su compañero de vuelo y confidente más cercano, interpretado por otro neocelandés, Taika Waiti. Hal llama a Tom después de que Abin Sur le haga entrega de la linterna y el anillo y los dos desaparecen poco antes de que un helicóptero del gobierno aparezca para investigar los restos del extraterrestre. El cuerpo de Abin Sur es desde ese momento responsabilidad de la Dra. Amanda Waller, interpretada por la venerable Angela Bassett.

“Amanda Waller es una científica brillante en una posición gubernamental bastante elevada”, cuenta Bassett. “Comparte con Hector Hammond el interés por las formas de vida extraterrestres, pero entiende que, a pesar de su elevado estatus, necesita contar con la ayuda de alguien más especializado en el área”.

Para Hector Hammond es un honor, si bien se siente algo confuso, que Waller haya requerido la ayuda de un humilde profesor de biología en la autopsia y siente, quizás por primera vez, que es respetado por su pericia (algo que nunca sucedió con su padre, el Senador Robert Hammond).

Tim Robbins interpreta al presuntuoso político. “Cuando era pequeño mi cómic preferido era Flash”, admite, “pero me encantaba Green Lantern y según pasaba el tiempo me gustaba cada vez Cinemascomics │Julio 2011 │

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más”. “Es un superhéroe excepcional. Se dispara la imaginación al pensar en lo que puede hacer (si quiere una motosierra, puede tenerla, si quiere volar, puede hacerlo, y no solamente en esta atmósfera, también en el espacio exterior)”. Representan en la película mejores ejemplos de corrección paternal Jon Tenney como Martin Jordan, el idolatrado padre de Hal, y Jay O Sanders como Carl Ferris, el padre de Carol, quien se prepara para cederle el reinado de Ferris Air a su hija.

“Contábamos realmente con un reparto de primera que incluye, por supuesto, nuestras maravillosas voces”, dice Berlanti. “Fuimos muy afortunados al tener esta increíble mezcla de actores para interpretar estos papeles”.

De Line coincide en lo mismo: “Nuestro reparto fue el ideal para esta película y las interpretaciones que Martin logró sacar de ellos superaron todas mis expectativas. Estoy deseando ver la reacción del público cuando vean que los personajes que llevan tanto tiempo admirando finalmente cobran vida en la gran pantalla.”

Lively comenta: “La primera vez que me senté con Martin para hablar de la historia y del personaje, su entusiasmo me hizo sentirme emocionada de formar parte de esta película. Ahora, después del rodaje, creo que nunca había visto a alguien trabajar tanto

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como él. Ese nivel de compromiso hace que todo el mundo a su alrededor trabaje mucho mejor”.

“Martin tiene una visión distinta de las grandes producciones de aventuras como esta, no puedes evitar dejarte llevar por todas las posibilidades”, afirma Reynolds.

“Sabía que pondría toda su pasión en esta película y esa es una de las principales razones por las que yo quería estar allí”.

“Cualquier cosa que vea en mi mente la puedo crear”.

—Hal Jordan

Como sucede con cualquier película de superhéroes, los realizadores de Green Lantern (Linterna Verde) eran conscientes de que la mayor preocupación de los fans probablemente sería la representación visual del mundo de los cómics que conocían y adoraban.

Campbell y su equipo creativo, liderado por el diseñador de producción Grant Major, se propusieron diseñar a la perfección cada uno de los lugares desde Ciudad Costera hasta Oa, y cada uno de los personajes desde Abin Sur hasta Sinestro. Para conseguirlo tuvieron que recrear cada detalle y mejorar las imágenes para la ex-

periencia en la gran pantalla.

El coproductor y especialista de Green Lantern (Linterna Verde) Geoff Johns declara: “La primera vez que vi la producción artística, lo que se quería hacer con el Cuerpo, Oa y los Guardianes, me sentí abrumado. Era exactamente lo que cualquier persona a la que le guste Green Lantern desearía, mis sueños sobre la película se habían hecho realidad”.

Uno de los planetas más antiguos de las galaxias, el planeta ficticio Oa, hace las veces de cuartel general de una raza de humanoides omniscientes autodenominados Guardianes del Universo, una especie de tribunal supremo que supervisa el Cuerpo de Green Lanterns. Además, Oa cuenta con la Batería Central, la fuente de toda la energía, incluyendo al energía para los anillos de los Green Lanterns.

“Imagínate el universo como una esfera dividida en 3600 partes”, explica Johns, “Cada parte es como una porción de tarta y todas apuntan hacia Oa”.

“Aunque Oa sea completamente digital”, cuenta Campbell, “el diseño tenía que ser orgánico y creíble. Además, como es extraterrestre, no podía parecerse en nada a la Tierra; lo único terrestre que tiene es Hal, cuando llega al planeta. Todo lo demás tenía que ser fantástico pero al mismo tiempo plausible”. www.cinemascomics.com

Major sitió que uno de sus cometidos era “hacer a la audiencia creer que estaba en Oa, haciendo los mimos descubrimientos que Hal. Tenía que haber gravedad y peso, no queríamos que pareciese un sueño, sino una realidad alternativa”.

El diseñador de producción confió en el investigador de la película y en el experto en cómics del que disponían, Ozzy Inguanzo, que hizo todo lo necesario para que los realizadores supiesen cómo diseñar la película.

“Me enfrasqué en más de 50 años de cómics de Green Lantern”, afirma Iguanzo, “trabajé duro para respetar la integridad del material original y para introducir hasta los detalles más pequeños en la película para los fans pertinaces, y ahora considero que yo me encuentro entre ellos”.

“Era muy importante contar en nuestro equipo con alguien que estuviese al corriente de todo lo referente a Green Lantern y Ozzy fue estupendo desde el principio”, cuenta Major.

Cuando estuvo establecido el as-

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pecto general de Oa, hubo que crear dos áreas en el vasto terreno del planeta: la Ciudadela, donde reinan los Guardianes, el Great Hall, donde Hal y el público podrían observar la reunión de la federación de Lanterns al completo y donde los ávidos lectores de los cómics reconocerán a muchos de sus miembros del Cuerpo favoritos.

Esos últimos detalles serán finalizados en última instancia con imágenes generadas por ordenador, pero el equipo de diseño de Major construyó modelos a gran escala de cada uno de los decorados para tomarlos como referencia para el montaje de las escenas de Campbell. Después el equipo de efectos especiales, convirtió los decorados en la realidad virtual en la que la acción se desarrolla.

Además de crear los lugares de otros mundos, el equipo de efectos tuvo que dar vida a miles de personajes extraterrestres, entre los que se encuentran Tomar-Re, Kilowog y el resto del Cuerpo de Green Lanterns. Uno de los personajes más destacados es el mayor enemigo del Cuerpo, Parallax, que en la película es completa-

mente generado por ordenador.

“Era de vital importancia transmitir el alcance del poder y la maldad de Parallax porque provocar miedo es lo que sustenta la totalidad de su existencia”, cuenta DesJardin, que sirvió como supervisor de los numerosos efectos especiales de la película.

En la Tierra también harían falta numerosos decorados, que se consiguieron íntegramente en los alrededores de Nueva Orleans.

Los equipos de Major diseñaron y construyeron el apartamento de Hal y el de Hector, que Major describe como “el tipo de sitio en el que vivía cuando era estudiante universitario pero del que nunca se fue, así que se observan capas y capas de su tranquila e introvertida vida a su alrededor”.

Además, construyeron la gran oficina de Ferris Air, con influencias de la terminal art deco del orleaniano aeropuerto de Lakefront, una pista de baile y un escenario que aparecen en la secuencia de una fiesta, para los que la producción se sirvió del mismo exterior del aeropuerto, y un búnker subterráneo se acero en el que Hec-

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tor practica la autopsia del cuerpo de Abin Sur, inspirado en una visita a la NASA y una gran edificio donde se almacenan depósitos de combustible para las lanzaderas espaciales.

En menor medida, pero no por ello menos importante, el departamento de arte de Major se encargó también del diseño de dos objetos icónicos de la historia: El anillo y la linterna de Hal Jordan.

Aunque fueron muy cuidadosos en su intento de no alejarse de los cómics en la mayor parte del diseño de la película, Major quiso que la linterna se inspirase en el guión. “Quería que fuese un poco misterioso y que pareciese salida de Oa”, comenta el diseñador. Él y el ilustrador de conceptos clave Fabian Lacey, a quien Major atribuye el aspecto final, se inspiraron en la lente de Fresnel, inventada en 1823 por el físico e ingeniero francés del mismo nombre, para la creación de una parte de la linterna.

“El sentimiento de que la fuerza de voluntad es parte del espectro de emociones y de que el color verde representa una emoción concreta dentro del espectro de colores está patente en la linterna, que refleja de alguna manera un motivo de lente prismática”, explica Major.

El utilero Andrew Petrotta creó ocho copias de resina a partir del diseño final, cuatro de ellas

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con funcionamiento por baterías y cuatro eléctricas, y cada una de unos 33 centímetros de alto y unos tres kilos y medio de peso.

Después les dio aspecto de antiguas aplicando marcas y oscureciéndolas, haciendo que pareciese que habían pasado por batallas durante siglos.

Se barajaron varias ideas para el anillo de poder, que también incluye el motivo del prisma. Cada una de las posibilidades se probó en la mano de Ryan Reynolds para asegurarse de que el tamaño y la forma eran adecuados. La opinión del actor era también importante, puesto que querían que, como Hal, se sintiese poderoso llevándolo, como si pudiese blandir el anillo a modo de arma.

Después de un periodo de ensayo y error, la diseñadora de vestuario Ngila Dickson consiguió lo que sería el diseño final, un equilibrio perfecto entre poder y masculinidad. El anillo era de latón chapado en níquel, mientras que la piedra verde, que tiene el símbolo de los Green Lanterns, es de resina seca para que, al igual que la linterna, parezca una reliquia de Oa.

Campbell asegura que “debido a que el anillo es una de las armas más poderosas de nuestro ‘mundo’ y una parte tan importante del Green Lantern, mereció la pena hacer un esfuerzo extra para hacerlo perfecto”.

“Bonita chaqueta. La última vez que te vi, no tenías ni una propia”.

—Carol Ferris

“Sí, he estado removiendo el armario últimamente...”

—Hal Jordan

Además de la participación en el diseño del anillo, fue, irónicamente, Ngila Dickson quien propuso que el vestuario más importante de la película, el de Green Lantern, se creara por ordenador en vez de con máquina de coser.

Por lo tanto, sería el equipo de efectos especiales quien creara el traje en post producción.

Y, aunque no sería Dickson quien fabricara físicamente el conjunto, sí que hizo el anteproyecto con un poco de ayuda. “Lo primero que hice fue correr a una tienda de cómics para investigar”, explica.

Consciente de que necesitaría mantener lo fundamental del uniforme, el símbolo y los colores verde y negro, tuvo, sin embargo, algunas ideas que aportaban algo diferente. “Quería un poco reinventar la rueda. Así que pensé la idea de que el traje fuera de naturaleza orgánica”.

Dickson se inspiró en antiguos dibujos de anatomía que encontró del ilustrador y anatomista del siglo XVI Vesalius. “Aquello fue www.cinemascomics.com

un regalo, porque a partir de ese momento encontré el camino a seguir”, dice.

“A Ngila se le ocurrió la idea de volver a la fisiología del cuerpo”, dice Campbell. “Está en el ADN del personaje; es fundamentalmente una segunda piel que sigue la forma de su propia musculatura, nada que venga de fuera”.

Sin haber trabajado nunca antes en el mundo de la informática, Dickson dio un gran salto y creó primero un modelo digital en 3D desde el que se podía empezar a trabajar. “Después, entendí completamente como sería el traje y estaba segura de que se podría hacer”, dice.

“Estoy muy contento de que Ngila no eligiera el camino tradicional, porque sus ideas fueron exactamente lo que este personaje y esta película necesitaban”, afirma Berlanti. “Llegaron en el momento justo, la tecnología se puso al nivel del diseño y pudimos hacer de este tipo de traje un éxito”.

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Así Ryan Reynolds, Mark Strong y Temuera Morrison tuvieron que pasar muchos días durante el rodaje vestidos con trajes que capturaran el movimiento o, como dice Reynolds cariñosamente, “un traje gris acerado que me hacía parecer un maniquí de pruebas de choque. ‘Traje ceñido’ y ‘patada en el culo’ son expresiones que no suelen ir de la mano, pero una vez ves cómo se marca la fibra muscular, casi como si fuera un cuerpo humano sin piel, tuve que admitir que era muy buena idea”.

“Hubo muchas bromas sobre los bodies llenos de puntos y cruces, pero nos lo tomamos con humor”, recalca Dickson.

Reynolds también tenía una serie de marcas faciales para lograr expresiones faciales y las dimensiones de la máscara que se aplicaría más tarde de forma digital.

Tanto en el traje como en la energía del Cuerpo, el color primario de toda la producción era naturalmente el verde, lo que suponía un desafío para el director de fotografía Dion Beebe y su equi-

po. Beebe dice: “El verde es un color difícil y no sienta bien al rostro humano. Por lo tanto, en nuestras pruebas llegamos a la conclusión de que la energía verde de la historia necesitaba algo más parecido a un aura…algo en la atmósfera que se reflejara en el rostro”.

Strong y Morrison tenían más puntos con los que lidiar además del traje, y es que tenían que pasar varias horas en maquillaje todos los días para que se transformaran en los extraterrestres Sinestro y Abin Sur.

A pesar del tiempo que le llevó introducirse en el personaje, Strong dice: ”Una de las cosas por las que me encantaba interpretar a Sinestro era su increíble y fuerte mirada. Ya sea por el acento, por la peluca, el traje o lo que sea, me encanta la oportunidad de desaparecer”.

El director del departamento de prótesis de maquillaje Joel Harlow y su equipo empezaron el proceso trabajando en maquetas que les permitieron probar varias Cinemascomics │Julio 2011 │

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texturas y colores de piel. “Acabamos por utilizar un color que se utiliza para los tatuajes llamado fucsia French Quarter, porque pensé que sería adecuado considerando que grabamos la película en Nueva Orleans”.

“El trabajo de Joel y su grupo fue fundamental para la representación de estos personajes, que parecían como si hubieran salido directamente del cómic. Cada detalle se elevaba a la enésima potencia”, dice Campbell.

El personaje de Peter Sarsgaard, Hector Hammond, tiene su propia transformación física a lo largo de la película, como un cráneo que cada vez se deforma más y es más grotesco, como si el diablo saliera de él. Se le aplicaron tres prótesis de maquillaje diferentes al actor que representaban las diferentes fases se su “infección” por Parallax.

A pesar del calor extremo y de la humedad en verano en Nueva Orleans, Sarsgarrd tenía que llevar a menudo prótesis de a veces más de 5 kilos y hasta 13 horas seguidas. La producción se encargó de mitigar las molestias del traje mediante la incorporación de una persona que le aplicaba compresas frías en brazos y piernas para bajar su temperatura corporal.

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Además, el médico del rodaje utilizó una máquina, que suele utilizar la NASA y la NFL, diseñada para enfriar la temperatura del cuerpo a través de las manos.

“Obviamente, no podía meter la cabeza en un cubo de agua”, bromea Sarsgaard, “así que esto era mucho más eficiente y me ayudó enormemente”.

“Volar. Bien. Puedo hacerlo”.

—Hal Jordan

Como piloto de prueba, volar es una parte importante de la vida de Hal Jordan. Como Green Lantern, es incluso lo más importante y lo mejor.

“Sé que ir en un avión de combate suena muy espectacular, pero tengo mucho miedo a volar”, confiesa Ryan Reynolds. “Por lo que en ese sentido, era una especie de sombra en la historia de Hal por no tener otra elección más que superar mi miedo”.

Reynolds se encontraba gran parte del tiempo del rodaje fuera de la tierra en más de un sentido.

“Lo creáis o no, estaba realmente emocionado de trabajar en las alturas”, dice. “Lo he hecho antes y me encanta”.

La primera vez que Hal va a Oa, es prácticamente disparado hacia el espacio. Y así lo haría Reynolds y si ningún ensayo. Campbell preparó el lanzamiento con un especialista y luego grabó el primer intento de Reynolds para capturar su naturalmente terrorífica reacción.

“Rodamos la secuencia en el centro de Nueva Orleans, utilizando cables y una grúa de casi 30 m”, recuerda Reynolds. “Me lanzaron al aire con el cámara justo encima de mí. Creo que la velocidad fue de 20 m/s, así que fue realmente rápido, quizás 3 segundos.

Fue probablemente la experiencia más terrorífica de mi vida, pero también muy emocionante”.

“Muchos vuelos de películas de superhéroes tradicionalmente se han hecho en un escenario, con una pantalla verde detrás, pero teníamos muchas ganas de hacerlo más realista, de hacer todo lo posible en un entorno real”, dice el coordinador de especialistas Gary Powell. “Esto ayudó a que Ryan estuviera dispuesto a hacer todo lo que le permitiéramos”.

Para preparar al actor en todo el trabajo de cables, Powell propuso que su entrenamiento se centrara en actividades que desarrollaran su fuerza central, como la cama www.cinemascomics.com

elástica. “Ves muchos hombres que pueden levantar pesos increíbles, pero les pones en un cable unos 5 segundos y de pronto están acabados”, se ríe. “Todo es por la fuerza central”.

Campbell y Powell comentaron el estilo de vuelo que Hal, como Green Lantern, tendría que hacer de forma natural. “Es un piloto de pruebas fantástico, así que nos preguntamos ‘Si alguien así de repente tiene la capacidad de volar sin ayuda, ¿cómo lo haría él?’”, dice Powell. “Creímos que probablemente volaría como vuela su avión, muy rápido y con un montón de barriles rodando. Eso es lo que intentamos hacer”.

Powell también hizo coreografías para las secuencias de lucha que había durante la película, tanto en la Tierra como en Oa, tendiendo en cuenta los efectos especiales. Reynolds no era el único que se sometería a un entrenamiento para las secuencias de acción de la película. Blake Lively también tuvo que prepararse para suspenderse en el aire con una plataforma utilizada en Matrix para la escena en que Carol se ve atrapada por los poderes de telequinesia de Hector.

“Pusimos a Blake en esta plataforma y la hicimos girar; se lo tomó con buen humor”, comenta www.cinemascomics.com

Powell. “Se necesita mucha confianza cuando tienes que pedir a un actor que haga estas proezas, como colgarle de un cable o lanzarle al cielo, pero todos estaban entusiasmados de hacer lo que tenían que hacer y, además, hacerlo bien”.

“Desde tiempos inmemoriales, el Cuerpo de Green Lanterns ha sido guardianes de la paz, el orden y la justicia en el universo. Ser elegido para unirse a sus filas es un gran honor... y una gran responsabilidad”.

—Tomar-Re

“Todos se esforzaron al máximo, porque sabíamos que, al ser la primera película de Green Lantern, queríamos superar nuestras propias ambiciones para la película y, al mismo tiempo, satisfacer a los fans que han estado esperando tanto tiempo a que su héroe favorito llegue a la gran pantalla”, dice Greg Berlanti. “Y sabíamos que si hacíamos bien nuestro trabajo, la película tendría nuevos fans de Green Lantern en todo el mundo”.

“Hay una razón por la que a todos

nos gustan los superhéroes”, dice Ryan Reynolds. “Ellos nos inspiran y hacen cosas increíbles, pero de alguna forma, son como nosotros.

Recuerdo ver Superman con mi padre y pasé los siguientes años deseando ser Superman. Es un sentimiento que nunca se olvida.

Y ahora sí que puedo decir: ‘Soy un Green Lantern’. Increíble”.

Donald De Line afirma: “El público entrará en un mundo completamente nuevo cuando vea esta película. Le llevará desde la Tierra hasta el centro del universo y vuelta a la Tierra. Con mucha acción, una historia fantástica y unos personajes fascinantes, se consigue puro entretenimiento”.

Concluye Martin Campbell: “Green Lantern es un héroe fantástico que se creó para que fuera visto como un personaje extraordinario. La historia te envuelve y emociona, por no mencionar lo divertida que es. Es todo lo que queríamos que fuera y creemos que el público así lo pensará también”.

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Estrenos

La victima Perfecta 29 de julio LA VÍCTIMA PERFECTA, de Hammer Films, es un ‘thriller’ psicológico protagonizado por la actriz ganadora del Oscar® en dos ocasiones Hilary Swank, Jeffrey Dean Morgan, Lee Pace y el legendario Christopher Lee, en su primera producción de Hammer en más de 30 años.

LA VÍCTIMA PERFECTA es un historia original escrita por el director de la película, Antti J. Jokinen, junto a Robert Orr (‘Underworld: La rebelión de los licántropos’), la fotografía corre a cargo del ganador del Oscar® Guillermo Navarro (‘El laberinto del fauno’) y el diseño de vestuario de Ann Roth, otra reciente ganadora del Oscar® por su trabajo en ‘El paciente inglés’.

LA VÍCTIMA PERFECTA cuenta con una banda sonora compuesta por John Ottman (‘Valkiria’, ‘Sospechosos habituales’).

Simon Oakes produce la película para Hammer Films, con Guy East, Cary Brokaw y Tobin Armbrust. Por parte de Exclusive Films, Nigel Sinclair y Alex Brunner ejercen de productores ejecutivos, junto a Tom Lassally, de 3 Arts Entertainment, Renny Harlin y Hilary Swank. Vicki Dee Rock y Jillian Longnecker hacen las veces de coproductores.

La historia de LA VÍCTIMA PERFECTA se inspira en el hecho de que, cada año, hay un buen número de mujeres solteras que se mudan a

un apartamento por primera vez.

No tienen ni la más remota idea de quién vivía en ese apartamento antes de que entraran ellas a vivir en él, ni conocen a sus caseros y tampoco se molestan en cambiar las cerraduras. Esta es la historia de una de esas mujeres...

como ‘Drácula’ y ‘La maldición de Frankenstein’, o la historia de ciencia ficción ‘El experimento del Dr. Quatermass’. La reputación de Hammer llegó a conocerse en el mundo entero como ‘The Hammer House of Horror’ (La casa de los horrores de Hammer).

Juliet (Hilary Swank) es una joven doctora que, tras separarse de su marido, se instala en un cómodo apartamento de Brooklyn. Pero pronto descubre que no está sola en su lujoso apartamento, y que es víctima de un obseso que la asedia...

En la década de 1960, Hammer llegó a acuerdos de distribución con Universal, Warner Brothers, Fox y Columbia. Hammer acabaría produciendo una enorme cantidad de películas, que incluyeron títulos como ‘La plaga de los zombies’, ‘A merced del odio’, ‘¿Qué sucedió entonces?’, ‘La novia del Diablo’ y ‘Hace un millón de años’.

ACERCA DEL FILM LA VÍCTIMA PERFECTA es una nueva película de la legendaria productora cinematográfica británica Hammer Films, la segunda (después de ‘Déjame entrar (Let Me In)’ en 2010), en más de 30 años. Hammer tiene una larga y preciada historia, al haber producido más de 300 largometrajes y programas de televisión, y sigue siendo sinónimo, a día de hoy, del cine de género de culto, lleno de vampiros, zombis y momias, y abarca estilos tan diversos como la ciencia ficción o los ‘thrillers’ de suspense.

Fundada originalmente en 1934, Hammer ofreció una larga serie de películas de enorme éxito en la década de 1950, entre las que figuran clásicos góticos

Tras cesar sus actividades de producción en la década de 1980, la compañía está recibiendo el entusiasta apoyo de Exclusive Media Group para recuperar su antigua vitalidad, por medio de nuevas inversiones para el desarrollo y producción de películas, televisión y contenidos en plataformas digitales.

Simon Oakes, actual presidente y consejero delegado de Hammer, tuvo un papel decisivo en la adquisición de la marca Hammer en 2007, junto con el director de operaciones de Exclusive, Marc Schipper. “Hammer dejó una profunda huella en mí cuando crecía.

Esas películas tan sangrientas y sexy, que seguramente no debería

haber visto, así como personajes formidables como Quatermass, causaron una honda impresión en un joven... Más adelante, quedé fascinado por la presencia de Hammer en las conversaciones cotidianas; se hacían frecuentes referencias a ella, a pesar de no haber producido una sola película en 30 años. Me di cuenta de que Hammer es una marca que no morirá jamás, al contrario que los habituales objetos de sus películas”.

El regreso de Hammer al terror en el siglo XXI vino anunciado por la serie ‘web’ interactiva ‘Beyond the Rave’, que fue emitida por MySpace en 12 territorios en 2008. En 2010, llegó a las salas de cine de todo el mundo el esperadísimo ‘thriller’, ‘Déjame entrar (Let Me In)’, un ‘remake’ del alabado filme sueco dirigido por Tomas Alfredson ‘Låt den Rätte Komma In (Déjame entrar (Let The Right One In)’, adaptado y dirigido por Matt Reeves (‘Monstruoso (Cloverfield)’).

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Hammer tiene un plan de desarrollo de proyectos en el figuran más de 25 títulos de diversos géneros, repartidos tanto por Europa como por Estados Unidos. Destaca ‘The Woman in Black’, basado en la novela de gran éxito de ventas de Susan Hill que cuenta en su reparto con Daniel Radcliffe (Harry Potter).

personal, pasión y una personalidad encantadora y, al haber escrito él mismo la historia, ya tenía en buena medida la película diseñada. Nos parecía que era, sin lugar a dudas, la elección perfecta para dirigirla”, prosigue Sinclair, “y fue capaz de lograr que una de las mejores actrices del mundo se comprometiera con él”.

El productor ejecutivo Nigel Sinclair (copresidente y consejero delegado de Exclusive Media Group) recuerda sobre los comienzos de LA VÍCTIMA PERFECTA: “Cuando relanzamos Hammer Films, decidimos que queríamos producir películas enclavadas más bien en el género del ‘thriller’/terror psicológico, más que de horror puro. Leímos un montón de guiones y entonces nos topamos con LA VÍCTIMA PERFECTA, escrito por Antti Jokinen y Robert Orr. Nos interesó sobre la marcha y decidimos que encajaba a la perfección con Hammer”.

Como alabado director en el panorama de los vídeos musicales, Antti J. Jokinen ha dirigido galardonados vídeos para artistas como Will Smith, Beyoncé, Eminem, Shania Twain, Celine Dion y Missy Elliott, entre otros. Jokinen, natural de Finlandia, es cofundador de la productora Solar Films, que ha logrado convertirse en la mayor productora cinematográfica y televisiva de Finlandia y ha producido dos de las diez películas finlandesas más taquilleras de la historia. Jokinen también ha dirigido y coescrito varias series nacionales de televisión. LA VÍCTIMA PERFECTA supone su ópera prima para la gran pantalla como director.

“Antti es un director primerizo dotado de un intenso carisma

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“Quería escribir un ‘thriller’ psicológico que fuera de algún modo original, tuviera una historia de cierta complejidad y se centrara en los personajes, en lugar de en los aspectos terroríficos”, afirma Antti. “He acabado detestando las películas que se centran más en la tortura o el terror, y se basan en algo que no cuenta con personajes desarrollados. Casi por casualidad, en un vuelo de Londres a Los Ángeles, leí un artículo sobre un psicólogo terapeuta que estaba tratando a una mujer que tenía miedo de que hubiera alguien bajo su cama y otros lugares oscuros, así que acabé escribiendo el planteamiento de toda la película en el avión”.

“Me parece que mi visión de la película, la complejidad que tenía, resultó sorprendente para todo el mundo, incluso para mí, hasta cierto punto. Quería contar una historia de una manera muy especial, usando distintas perspectivas, de modo que los espectadores no supieran realmente

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desde qué perspectiva están viendo la película”.

“Al mismo tiempo, quería contar una historia con la que la gente pudiera sentirse identificada.

Creo que los espectadores actuales saben tanto de cine que son capaces de adivinar más o menos lo que va a suceder y los guiones tienden a seguir siempre las mismas fórmulas. Quería hacer una película, o al menos intentarlo, que tuviera al espectador en vilo. Llamo a esto una historia de terror que gira en torno a los personajes, lo que significa que pretendía crear personajes con los que se encariñaran los espectadores, para luego empezar a aterrorizarlos”.

Prosigue Jokinen: “Cuando me presentaron en un primer momento a Hammer Films, quedé, evidentemente, encantado con el hecho de que quisieran hacer la película que yo quería hacer. Al ser un director de cine primerizo, me mostraba muy prudente con mi ópera prima. Tras descubrir

más sobre la historia de Hammer Films, me resulta un privilegio estar haciendo esta película para ellos”.

Sinclair agrega: “Lo que hacemos ahora cuando describimos Hammer y esta película a la gente es hacer referencia al ‘estilo Hitchcock’, la idea del ‘juego de manos’ emocional, la insinuación, los sucesos horripilantes y menos explícitos físicamente, que se producen en la vida de gente corriente. Creo que ese segmento del público que acude a las salas de cine se sentirá muy identificado con el personaje de Hilary Swank, Juliet. Es una mujer muy inteligente, es doctora, trata con problemas a diario, soluciona crisis humanas y tiene en sus manos las vidas de otros. No imaginarías que esta situación pudiera pasarle a gente como Juliet, pero es completamente lógico y gradual, a medida que el personaje se va sumiendo en esa situación, se encuentra cada vez más y más metido, antes de llegar a darse cuenta de lo que le está pasando. Como

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nario como Hilary Swank para interpretar el papel de Juliet supuso un excelente punto de partida para nosotros”.

Antti guarda muy buenos recuerdos de su primer encuentro con Hilary Swank: “Cuando me reuní con Hilary”, comenta, “bueno, resultó sumamente esclarecedor, pasé a tener muy claro el personaje de Juliet. Ya tenía escrita toda la historia pasada de Juliet, desde su más tierna infancia hasta el mismo principio de la película, y a Hilary le pareció muy bien ese enfoque. Aportó una enorme cantidad de sus propias ideas al papel y creo que esa colaboración creativa es la parte más divertida”.

“Como realizador, creo que la primera vez que haces la película es cuando la escribes, la segunda vez es cuando la ruedas y la tercera vez es cuando la montas.

Pero también debes dejar que la película venga a ti. En muchas de las escenas que hice con Hilary, y al crear a Juliet, gozamos de cierta libertad porque no me dejo limitar por lo que ya está escrito.

Hemos colaborado mucho para lograr que los personajes funcionen de una forma más interesante. Hilary es fantástica y llena la pantalla de carisma, matices y profundidad de carácter”. espectadores, nos pone los pelos de punta”.

Tobin Armbrust, productor de la película, prosigue con la historia del desarrollo de la película, en lo tocante al importantísimo proceso de selección del reparto: “Sabíamos que estábamos haciendo una película de género y que el cine de género no siempre cuenta con intérpretes de primera fila.

Pensábamos que teníamos a nuestro favor el hecho de contar con un director muy interesante, con un estupendo estilo visual y también con una historia con un tono más clásico que la mayoría de las

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obras del género. Lo que queremos intentar hacer al relanzar el sello Hammer es tomar obras típicamente de género y empezar a rodearlas de elementos con las que no se las suele asociar”.

“De hecho”, explica el productor de la película Simon Oakes, “a finales de los 50 y principios de los 60, Hammer empezó a apostar claramente por contar con actrices de Hollywood en sus películas, como Bette Davis en ‘A merced del odio’. Aunque no buscábamos específicamente seguir esta tradición, contar con una actriz de un talento obviamente extraordi-

Juliet Devereau es una doctora de urgencias recién divorciada que se traslada a un apartamento de Brooklyn demasiado bonito para ser cierto, solo para descubrir que su casero aparentemente bondadoso y completamente encantador no es exactamente lo que parece. Swank recuerda: “Me enviaron el guión y me resultó realmente apasionante. Era un ‘thriller’ psicológico inteligente que no podías dejar de leer para saber qué pasaría a continuación.

Me pareció un género muy divertido en el que trabajar. Hago muchos dramas y esto tiene un componente dramático, pero con www.cinemascomics.com

elementos psicológicos con los que resulta emocionante jugar”.

“Uno de los mejores aspectos de ser actor es encontrar personajes complejos y tratar de descubrir qué los hace ser como son. Es raro encontrar un personaje tan complejo como Juliet. Así que tener la oportunidad de interpretarlo y jugar con ello, encontrar constantemente nuevos matices con la ayuda de Antti y los demás actores, es la parte verdaderamente divertida de mi trabajo”.

Nigel Sinclair prosigue con la historia: “Después de tener el privilegio de que Hilary Swank aceptara el papel de Juliet, contratamos a un psiquiatra y le entregamos el guión. Le pedimos que analizara el personaje de Max y lo diagnosticara, exponiendo en detalle qué características podría tener y en qué podríamos habernos equivocado en nuestro relato. Eso nos llevó, en última instancia, a conseguir a Jeffrey Dean Morgan para el papel de Max”.

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“La verdad es que Hilary fue quien nos sugirió inicialmente a Jeffrey”, recuerda Sinclair, “tras haber trabajado con él en ‘Posdata: te quiero’. Nos reunimos con él, le pasamos el guión y los comentarios del psiquiatra, eso le hizo sentirse cómodo y se comprometió con el proyecto.

Creo que es la elección perfecta, ya que es capaz de tomar un determinado estado de ánimo y sacarle todo el jugo, nunca sabes con total seguridad qué va a pasar. Pero, cuando se vuelve contra ti, resulta muy perturbador, que es lo que se supone que debe ser. Tiene una cierta nobleza en su mirada y no se te ocurre verlo como un mal tipo”.

Al hablar de su compañero de reparto y amigo, Swank comenta: “En cuanto leí el guión, me imaginé a Jeffrey Dean Morgan en el papel de Max. Jeffrey tiene un aire de inocencia, dulzura y amabilidad y es un auténtico encanto, así que pensé que este papel sería interesante”.

Al tratar de hacer el personaje de Max tan creíble y a la vez complejo como fuera posible, el director explica: “Perfilar el personaje de Max resultó difícil, porque el personaje es alguien con quien tienes que poder identificarte, pero no tenemos ningún marco de referencia para su conducta. Las cosas que hace y las cosas que va a hacer están en cierto modo inventadas y Jeffrey Dean Morgan ha hecho un trabajo excelente al desarrollar este personaje”.

Morgan ofrece más detalles sobre lo que le atrajo del papel de Max, al haberse labrado en cierto modo una reputación como ídolo femenino en el drama médico norteamericano de gran éxito ‘Anatomía de Grey’ y en películas tan diversas como ‘Posdata: te quiero’ y ‘Watchmen’: “Entré a formar parte de este proyecto porque Hilary Swank me llamó y me dijo que estaba haciendo LA VÍCTIMA PERFECTA y quería volver a trabajar conmigo”, recuerda Jeffrey Dean Morgan. “En ese momento, si no me equivoco, dije Cinemascomics │Julio 2011 │

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algo así como: ‘No necesito leerlo, me encantaría volver a trabajar contigo’. Y eso fue lo que hice. Entonces recibí el guión y, gracias a Dios, ¡era excelente! Mi personaje es un hombre atribulado, con problemas de conducta que van sufriendo un grave deterioro a lo largo de la historia.

A Max le cuesta socializar, es un tipo que se crió en ese mismo edificio y ha acabado convirtiéndose en toda su vida”.

“El padre de Max asesinó a su madre cuando él tenía ocho años, y se pasa la vida ocupándose de ese edificio propiedad de la familia y de su abuelo, que también vive allí. No es precisamente muy ducho en el trato social y prácticamente vive entre las paredes del edificio, perdido en sus propios pensamientos. En medio de todo eso, a su particular manera, se enamora de una mujer (Juliet) que se muda al edificio y se convierte, para desgracia de ella, en objeto de la peligrosa obsesión de Max”.

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“La primera vez que leí el guión, me recordó a un antiguo ‘thriller’ de corte clásico, como una película de Hitchcock”, agrega Morgan.

“Fue lo primero que se me pasó por la cabeza. Es muy propio de Hitchcock y está lleno de suspense, me recuerda a lo que se supone que debería ser un ‘thriller’.

Creo que vamos a recuperar ese tipo de ‘thriller’ a la vieja usanza, de los que te mantiene permanentemente en vilo y te hace dar un salto en tu butaca cuando te llevas un susto”.

Parte historia de amor, parte de terror, la forma de Jeffrey Dean Morgan de abordar el personaje de Max era crucial para que el clímax de LA VÍCTIMA PERFECTA lograra el efecto deseado en el espectador. Tobin Armbrust explica: “Durante la primera parte de la película, llegas a pensar que Hilary y Jeffrey podrían ser pareja, pero entonces las cosas empiezan a torcerse. En este caso concreto, estamos jugando con el público y su esperanza de que Jeffrey vaya a ser el bueno y vaya a ser ese

tipo que todas las mujeres quieren que sea. Pero entonces lo que descubrimos es que tiene un lado oscuro y peligroso. Jeffrey es un actor fenomenal, puede hacer más con su cara y su mirada que la mayoría. Es increíblemente expresivo y ha supuesto toda una revelación para nosotros”.

Hammer Films recuperó al legendario actor Christopher Lee para interpretar el papel de August, el abuelo del personaje de Jeffrey Dean Morgan, Max, en la película.

Sobre su regreso a Hammer tras más treinta años, Lee reflexiona: “Irónico, la verdad, ¡como volver a empezar de nuevo! Éramos como una familia cada vez que rodábamos una película. Todos nos conocíamos, tanto el reparto como el equipo técnico, y todo el mundo nos conocía”.

“Me enteré inicialmente de la existencia de LA VÍCTIMA PERFECTA”, prosigue Lee, “cuando recibí una llamada en Londres del director y empecé a hablar en mi rudimentario finés, lo que creo www.cinemascomics.com

que supuso una sorpresa para él.

Me dijo: ‘Voy a hacer una película con Hilary Swank’... naturalmente, había visto muchas de las películas que ha hecho, ha ganado dos Oscar® muy merecidos. Me pareció que estaba extraordinaria en ‘Million Dollar Baby’, así que, cuando se mencionó su nombre y me dijeron que iba a tener escenas con ella, acepté, antes incluso de haber leído el guión.

Siempre digo que no es lo largo o lo corto que sea el papel, sino el valor que tiene en la historia y si puedo hacerlo, si causará impresión en el espectador y si merece la pena que lo haga”.

“Cuando leí el guión, me pareció un relato fascinante. Es una historia inquietante y muy extraña. Se parece un poco, aunque al mismo tiempo es completamente distinta, a ‘La semilla del diablo’, porque no lo ves todo y no sabes qué está pasando durante bastante tiempo”, agrega Lee. “Trabajar con Christopher Lee resultó muy interesante y, obviamente, todo un privilegio, ade-

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más”, afirma el director Jokinen.

“Es un actor legendario y el papel de August encajaba perfectamente con él. Cuando eres una estrella de cine, tu presencia y tu carisma llenan la pantalla. La relación entre Max y August es muy íntima y, con Jeffrey y Christopher, funcionó muy bien”.

Nigel Sinclair se muestra de acuerdo: “Christopher es todo lo que esperas que sea, es un anciano impactante, maravilloso y carismático en este papel, y es un honor contar con él en nuestra película”. Simon Oakes agrega: “Y, si buscábamos un vínculo con el legado de Hammer y el ADN de su fértil pasado, no cabe ninguna duda de que todo eso lo aporta Christopher al filme”.

Jeffrey Dean Morgan se muestra completamente de acuerdo: “Trabajar con Christopher Lee... Qué caballero. El sentido de la historia del cine que posee, la distinción y la clase que aporta a su profesión... bueno, es un absoluto privilegio compartir aunque no fuera más que un fotograma con

él en la pantalla. Me hizo mucha ilusión conocerlo, me crié viendo ‘La momia’ y ‘Drácula’ y muchas de las películas de Hammer, de modo que, cuando nos vimos por primera vez -es un hombre alto e imponente, pero también distinguido y de habla educada- sentía un gran respeto por él. Hicimos nuestra primera escena juntos y, en cuanto a la intensidad de su mirada a lo largo del rodaje, ¡el hombre tiene a raudales!”.

Lee Pace (más conocido por su serie de televisión de gran éxito, ‘Criando malvas (Pushing Daisies)’) fue elegido para interpretar a Jack, el ex marido del personaje de Hilary Swank, Juliet. Pace comenta sobre su personaje: “Creo que, al empezar la historia, Jack y Juliet han llegado a puntos similares de sus vidas, han estudiado mucho, están en Nueva York e intentan poner sus asuntos en orden, recomponer su matrimonio. El personaje de Hilary es una doctora de urgencias y está siempre ocupada, nunca está en casa y Jack mete la pata hasta el fondo al acostarse con

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Antes del inicio del rodaje, Hilary Swank y Jeffrey Dean Morgan llevaron a cabo su propia labor de documentación, para lograr así entender mejor sus personajes y qué los mueve a tomar las decisiones que toman. Swank recuerda: “Me resultó interesante cuando fui a las urgencias de un hospital a documentarme para el papel. El doctor al que seguí había sido antes actor, y describió a los cirujanos como adictos a la adrenalina, cada caso que llega es emocionante y nunca hay dos casos iguales, de modo que los cirujanos tienen que saber leer entre líneas, lo que es similar a la interpretación. Seguirlo fue muy, muy interesante y, es cierto, ni un solo minuto fue igual al siguiente. Es peligroso, porque tienes en tus manos la vida de otra persona. Así que conseguir entender simplemente lo que hace falta para ser médico de urgencias era una parte fundamental de mi documentación. Y tengo ocasión de suturar un corazón en la película, que fue muy divertido”.

otra persona. Creo que es la clase de momento problemático por el que pasan muchas parejas. Al principio de la película, Jack ya ha cometido ese ‘error’ y se puede ver que está intentado reparar el daño causado”.

Como señala Tobin Armbrust: “Lee es algo más joven que Jeffrey y parece novato e inexperto, por lo que no cuesta creer que es la clase de tipo que haya podido cometer un error. Engañó a Juliet con otra, pero lo lamenta; eso hace que nos pongamos de parte de Jack en lugar de Max hacia el final de la historia y esperamos

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que logre salir con vida de esta”.

El director Jokinen prosigue explicando: “Con el papel de Jack quería subir el ‘nivel de juego’, en el sentido de que, aunque se trata de un ‘thriller’ psicológico, también es, en el fondo, una película de relaciones. La obsesión surge del amor y las relaciones, y ambos pueden, evidentemente, llegar a ponerse muy feas. Quería contar con alguien completamente distinto a Jeffrey Dean Morgan, había visto a Lee en ‘Un gran día para ellas’ y me pareció que ofrecía el contrapunto perfecto”.

Morgan investigó sobre el trastorno que posee su personaje, a fin de interpretar mejor sus características. “Me reuní con psiquiatras antes de empezar a rodar y abordé el papel tratando de descubrir cómo interpretar a Max, porque es muy fácil caer en la exageración con cualquier tipo de trastorno mental. Quería tener cuidado de no hacer eso. Sobre todo porque Max es la clase de personaje con el que simpatizamos, además de ser el personaje por el que se cuela Juliet, en un primer momento. Así que hay una delgada línea, un delicado equilibrio, por decirlo así, y ves cómo se va poniendo cada vez más nervioso a medida que Juliet se distancia de él. Esta clase de trastornos acaban alcanzando un punto de inflexión, tras el que cobran vida propia. Pero Max es la clase de persona que ha tratado desesperadamente de integrarse.

No hay muchas señales externas, ni mucho menos, todo deriva de www.cinemascomics.com

lo que creo que es una especie de dolor interior. Tratar de encontrar ese punto medio ha sido peliagudo”.

Vicki de Rock, coproductora de LA VÍCTIMA PERFECTA, eligió Albuquerque, Nuevo México, como lugar ideal para el rodaje de la película en el verano de 2009.

“La mayor parte del guión de la película se rueda en un decorado interior, que es el gran apartamento de Juliet. Lo que necesitábamos determinar era el coste de construcción y cuál era el mejor lugar para construirlo y sacarle el máximo partido posible. La respuesta resultó ser Albuquerque.

Encontrar Brooklyn en Albuquerque para parte del rodaje en exteriores supuso recorrer la ciudad, buscando callejones, hasta que finalmente logramos dar con lo que necesitábamos, aunque también pasamos cierto tiempo en Nueva York al final del rodaje”.

“El propio decorado principal obligó al diseñador de producwww.cinemascomics.com

ción, al director de fotografía y al director a darle muchas vueltas, porque hay pasadizos que recorren el apartamento y otros, además, que llevan la acción bajo el decorado”.

El productor Cary Brokaw prosigue: “La historia junta a una serie de personajes en un crisol, en un escenario que es provocativo y espeluznante y combustible, de un modo que no suele verse”.

“Tuvimos una suerte increíble con nuestro diseñador de producción, Dennis Washington (‘El fugitivo’, ‘Cuenta conmigo’). Dennis aporta una tremenda capacidad, talento e imaginación a su trabajo. En esta película, el decorado no es solo un personaje, es el equivalente a tres personajes. Tenemos ese apartamento, las paredes del apartamento y las entrañas del edificio. Ha creado tres mundos en el plató que montamos, cada uno de los cuales aporta una dimensión a la película. Y lo ha hecho con gusto e imaginación, de modo que cada uno tiene carác-

ter propio y una cualidad que los hace completamente únicos”.

Según explica Washington: “Queríamos un edificio en el que se pudiera sentir, al llegar por primera vez, que tenía una cierta calidez, sobre todo cuando entras en el apartamento. Tiene algo que te atrae y, más adelante en la película, puede dar un giro, para volverse aislado e intimidante.

Parece estar apartado de la ciudad, y pasa de ser un refugio a un lugar que provoca aprensión y logra que ella (Juliet) le vaya cogiendo cada vez más miedo”.

Washington agrega: “Creo que el propio ‘ser’ del complejo de apartamentos es muy importante, no solo por su distribución y coreografía y logística, sino por el tono y la atmósfera y cómo lo vemos. El edificio asume distinto carácter, según parezca acogedor o solitario. El interior cambia de carácter de igual manera, la primera vez que entramos, vemos a Max puliendo los suelos, es luminoso, abierto y más o menos aleCinemascomics │Julio 2011 │

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gre. Ves oscurecerse y profundizarse el ambiente a lo largo de la película y la atmósfera va cambiando, casi parece que el edificio se vuelva contra ti a medida que avanza la historia”.

“Tuvimos mucha suerte con todos los miembros clave de nuestro equipo”, prosigue Brokaw, “Guillermo Navarro (el director de fotografía) tiene un talento asombroso. Tiene una actitud tremenda y dota a cada plano de gran ambición y maestría”.

“Normalmente, empiezas a visualizar la historia desde el mismo instante en que te pones a leer el guión”, comenta Navarro sobre su sistema de trabajo en LA VÍCTIMA PERFECTA. “Una de las cosas que me funciona bien es si soy capaz de ver la película mientras leo el guión, es una de las primeras cosas que pone en marcha mi necesidad de hacer esa película concreta. Este guión despertó eso. Trabajar con un director primerizo, y ya he trabajado con varios, siempre es diferente. Hay

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una energía y una frescura en su forma de enfocar la historia y, en este caso, era una gran ventaja que fuera el autor del guión. En esta película, resulta muy interesante cómo empieza la historia y luego vuelve a empezar desde la perspectiva de distintos personajes. Así que, básicamente, vemos los mismos hechos vistos desde la perspectiva de distintas personas. Eso ofrece, en lo referente a la narrativa visual, oportunidades que otros guiones simplemente no brindan, porque aquí estamos compartiendo un acontecimiento común, visto desde distintas perspectivas”.

Al hablar de su experiencia trabajando en películas de terror/ fantásticas, Navarro explica: “Me he dado cuenta de que parte de ser yo mismo como artista y como director de fotografía pasa por tener la oportunidad de crear realidades y no solo reflejar realidades. Me interesa mucho más trabajar en obras de época, de fantasía o de perspectiva limitada como ésta, donde tienes que

crear y recrear una realidad y no solo documentarla”.

El productor Cary Brokaw ya había trabajado anteriormente con la estimada diseñadora de vestuario Ann Roth (candidata en 3 ocasiones al Oscar® y ganadora por sus diseños para ‘El paciente inglés’), en ‘Angels in America (Ángeles en América)’ y ‘Closer’. Para LA VÍCTIMA PERFECTA, no dudó en volver a hablar con ella. “No hay nadie como Ann como diseñadora de vestuario. No solo diseña la ropa, sino que ayuda a los actores a comprender a su personaje.

Trabaja con el director, el diseñador de producción y el director de fotografía para asegurarse de que los decorados, la iluminación y el vestuario estén en perfecta armonía”.

Al hablar de sus diseños para LA VÍCTIMA PERFECTA, Ann explica: “Preparamos mucho vestuario, porque queríamos que tuviera el aspecto que quisiera el director. He trabajado en más de 100 películas y este director es muy www.cinemascomics.com

distinto. Antti tuvo la idea para una historia y, francamente, creo que la idea empezó visualmente.

Estoy segura de que cada detalle, cada pared, cada mesa, cada hombro, busto, ojo, entraba en su plan de cómo contar esta historia, que es una historia de mucho suspense”.

“Antti es muy explícito así que, cuando hablamos del vestuario y nuestra protagonista (Juliet Devereau), la definimos como una mujer profesional, un cirujano, que tiene un nuevo apartamento y se encuentra secretamente observada por un mirón que es igualmente complejo, quizá más todavía. Así que quería imaginar dónde compra la ropa y cuándo tiene ocasión de hacerlo, cómo va a una lavandería automática o si tiene alguien que se ocupe de ella. Tienes que imaginar todo eso, sabiendo que es una mujer muy inteligente, que ya ha dejado atrás su adolescencia y la veintena. Y aun así, queríamos que su ropa resultara tentadora para ese tipo, por lo que, si parecían

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simples prendas normales, les hacíamos cosas para que desvelaran algo. De modo que cuando, por ejemplo, se abre una puerta de la nevera y sale una luz –todo muy planificado por Antti– ¿qué deja ver esa luz, deja ver el espacio entre su brazo y su pecho? Ese era el reto de esta obra y el reto para mí, porque es algo continuo, el director tiene pensado cada movimiento de la película”.

“En el caso de Max”, agrega Ann, “es un tipo que quería que pareciera cándido, muy ingenuo en su forma de vestir. Vive en Brooklyn y trabaja para su abuelo. Es el encargado de mantenimiento, tapa agujeros con masilla, pule y pone suelos y hace trabajos de fontanería. Parece la persona perfecta, pero no quería que sus vaqueros tuvieran alguna etiqueta curiosa en el bolsillo. No quería que todo el mundo dijera: “Oh, son vaqueros tal y cual” o como quiera que se llamen los vaqueros de última moda, no era lo que quería”.

“Quería que su ropa estuviera

comprada en una tienda de ropa para caballeros de President Street, en Brooklyn, o en Atlantic Avenue. Por ejemplo, los pantalones blancos que lleva en una escena se los compré literalmente a un tipo que los llevaba puestos para trabajar en un edificio de la calle 22 con la 6ª Avenida de Nueva York, cerca de mi estudio. Mi ayudante y yo volvíamos al estudio y vi a ese tipo entrando en una tienda y le dije a mi ayudante: ‘Quiero esos pantalones y además es muy mono’. El tipo no hablaba una palabra de inglés pero, acto seguido, mi ayudante, Michelle, y él se pusieron a hablar. Luego llamó a su jefe por su móvil, Michelle habló con el jefe, doblaron la esquina y le compró otro par de pantalones, tras lo que Michelle volvió con los de ese tipo. Se los pusimos a Jeffrey Dean Morgan, me alegró el día”.

“Tuve mucha suerte al contar con un equipo tan extraordinario para ayudarme a hacer la película”, asegura Jokinen, “y que les gustara el material. Estaba muy

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interesado en que la película tuviera un aire especial, original y diferente, pero no demasiado estilizado, que acabara resultando contraproducente para la película y los personajes. Tenía una idea muy clara de lo que quería hacer, así que, cuando me reuní con todos, pude explicarles exactamente lo que buscaba. Teníamos que crear un mundo familiar, a la par que en cierto modo imaginativo, y creo que eso es parte del motivo por el que estos grandes talentos querían tomar parte en el proyecto”.

Hammer Films es sinónimo de cine de género. Sobre el legado de Hammer y cómo LA VÍCTIMA PERFECTA sirve para presentar el nombre a una nueva generación de amantes del cine, Armbrust explica: “La verdad es que creo que las películas del canon de Hammer han servido de inspiración a toda una serie de directores a lo largo de los años. Hammer produjo más de 300 películas, desde terror tradicional a suspense y fantasía o ciencia ficción, muchos tipos de películas distintos.

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Pero, en la actualidad, no se ven muchos ‘thrillers’ inteligentes, que sean también eróticos y den verdadero miedo. Lo que estamos intentando crear aquí, por lo que creo que LA VÍCTIMA PERFECTA es tan especial, parece en esencia una de esas adoradas películas de Hammer, pero para un público moderno y más espabilado”.

Armbrust prosigue: “Hay cierta vulnerabilidad en la posición de Juliet y su estado de mujer soltera, que vive sola, y todos, no solo mujeres, hemos estado por primera vez en algún lugar con el que no estamos familiarizados y hemos oído ese golpe en mitad de la noche y hemos temido qué podría ser. Pues esta película explora ese concepto y lo lleva a otro nivel completamente distinto. Trata esa idea de si realmente conoces el lugar en el que vives y cuestiona si verdaderamente conoces a la gente que te rodea”.

desarrolla en Nueva York, esa es la principal razón por la que quería rodar en Estados Unidos, pero espero que resulte atractiva para todo el mundo, ya que creo que todo realizador quiere hacer películas que la gente vaya a ver y con las que se puedan sentir identificados. Me encanta Brooklyn, me encanta Nueva York, quería contar una historia que sucediera allí, y creo que Hammer sintió lo mismo después de leer el guión”.

Dado que Hammer es conocido como un sello intrínsecamente británico, era importante que, aunque se rodara en Estados Unidos, se conservara en cierto modo ese patrimonio. “Siempre he dicho que tomé una película de género norteamericana, un ‘thriller’ comercial de Hollywood, por así decirlo, y escondí dentro un filme europeo”, plantea Antti. “Y eso es básicamente LA VÍCTIMA PERFECTA”.

El característico marco de la ciudad de Nueva York siempre fue importante para Jokinen, tal como él explica: “La historia se www.cinemascomics.com

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criticas

Cars 2

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Por David Larrad

Animación / EEUU / 2011 / 113 minutos / Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures Director: John Lasseter, Brad Lewis. Actores VO: Owen Wilson, Larry the Cable Guy. Guión: Ben Queen (Historia: John Lasseter, Brad Lewis, Dan Fogelman). Música: Michael Giacchino.

Rayo McQueen y su amigo, la grúa Mate, viajan al extranjero para participar en el primer Campeonato Mundial en el que se decidirá cuál es el coche más rápido del planeta. La primera escala es Tokio (Japón), donde Mate tendrá que convertirse en un espía secreto al verse envuelto inesperadamente en un caso de espionaje internacional, que lo llevará a París y a Londres. También vivirán una aventura de proporciones épicas al viajar a Porto Corsa (Italia), para disputar el Campeonato. Sin embargo, los dos tendrá que renunciar a los placeres de la Riviera italiana -yates, playas y pasta al pesto- ya que Mate está muy ocupado con su labor de espía, mientras que McQueen compite contra los mejores coches del mundo.

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“Cars 2” es la típica secuela que pierde un poco de calidad frente al film original, la grúa Mate pasa a ser el protagonista absoluto haciendo que el tema del espionaje sea más importante que la parte de las carreras con Rayo McQueen.

Es un film de aventuras con un buen mensaje sobre la amistad y el uso de energías más limpias que las actuales, pero destinado para el consumo de los más pequeños de la casa, así que a los mayores puede que no les guste tanto este film como otros de la factoría como “Up” o “Wall-E”.

La gente se pregunta por que se ha hecho una secuela de “Cars” antes que por ejemplo una de “Los Increíbles”, pues la respues-

ta es bien sencilla, el mundo ficticio de los coches es el que más vende en merchandising, así que una forma de explotar la venta de juguetes y demás complementos era haciendo otro film, de hecho el coste de la película solo con el merchan ya habia sido amortizado antes incluso de su estreno.

Eso no quita para que los paisajes y las recreaciones de las ciudades sean increíbles, la acción esta muy bien desarrollada y la historia avanza de forma continua sin dejar ningún momento para el respiro.

En definitiva le doy un 6/10, ya que la historia no pasa de ser un homenaje a las películas de espías estilo “James Bond” dulcificada para los más pequeños de la casa. www.cinemascomics.com

Caballeros, princesas y otras bestias «««««

Por David Larrad

Fantástico / Comedia / EEUU/ 2011 / 102 minutos / Universal Pictures / Stuber Pictures Director: David Gordon Green. Actores: Danny McBride, James Franco, Natalie Portman, Zooey Deschanel, Justin Theroux, Toby Jones, Damian Lewis. Guión: Ben Best, Danny McBride. Música: Steve Jablonsky.

“Caballeros, princesas y otras bestias” es la típica película con gags sobre fumar, penes, divertirse y sexo, que en unos jóvenes universitarios podría incluso quedar bien pero en un film ambientado en la edad media con brujería queda demasiado forzado.

rece sacado de un capítulo de la serie de “Hércules”.

La ambientación, paisajes, escenarios, están poco trabajados, igual de haberse esmerado más habrían hecho que el espectador mantuviera el interés a lo largo del film, al igual que los efectos especiales, aunque atención spoliers, el minotauro que aparece si que esta bien conseguido, todo lo contrario que el monstruo de cinco cabezas que no esta al nivel, que en los tiempos que corren pa-

Lo único que merece la pena es la relación entre el príncipe Thadeous y su sirviente Courtney, ya que lo humilla constantemente y queda bastante gracioso.

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Aunque realmente lo peor de todo son los diálogos, con chistes malos, que carecen de originalidad y solo se les ocurre añadir algo sobre penes.

un Oscar por “Cisne Negro” y reventar la taquilla con “Thor”, no me cabe en la cabeza la necesidad que pueda tener para acabar haciendo esta película, al menos que el cheque fuera con una cifra mareante.

En definitiva a “Caballeros, princesas y otras bestias” le doy un 3/10, solo apta para amantes de ese humor basto que trata de parodiar a otras películas, en esta caso a films de aventuras.

Los actores están correctos, se limitan a decir sus diálogos lo más dignamente posible, aunque no se cuanto les pagaron para poder convencerles pero por ejemplo a Natalie Portman después de ganar Cinemascomics │Julio 2011 │

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Transformers 3

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Por Carlos Gallego

Ciencia Ficción / Acción / EEUU / 2010 / 157 minutos / DreamWorks SKG / Paramount Pictures / Hasbro Director: Michael Bay. Actores: Shia LaBeouf, Rosie Huntington-Whiteley, John Malkovich, Josh Duhamel, Patrick Dempsey, John Turturro, Frances McDormand, Ken Jeong, Peter Cullen, Tyrese Gibson, Kevin Dunn, Alan Tudyk, Lester Speight. Guión: Ehren Kruger. Música: Steve Jablonsky.

Michael Bay lo tenía complicado para volver a ganarse la simpatía de sus fans tras la decepcionante segunda entrega de la saga, y creo que pese a repetir la misma estructura de anteriores entregas lo ha conseguido, algunos hablan del magnífico 3D, aunque particularmente dejé de creer en este sistema hace algún tiempo, así que hablaremos de la línea argumental, un argumento que bien podemos comparar con cualquier episodio de los Power Rangers, y me explico habiendo visto las dos primeras tienes la sensación de no estar viendo algo nuevo, las tres entregas tienen un comienzo tipo introducción, en todas ellas el prota va corriendo de un lado

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para otro con la chica y un enfrentamiento final que todos sabemos como termina, pese a ello la película resulta entretenida con un gran despliegue de efectos especiales y una gran fotografía con planos muy buenos que harán las delicias de más de uno. El guión aunque algo más trabajado, desgraciadamente tenia que heredar algunas de las cosas malas de la segunda, hablo como no de algunos personajes robóticos que si bien se han cargado a los famosos gemelos, yo no me habría quedado solo en ellos.

En cuanto a las nuevas incorporaciones lamentar el poco jugo sacado a un actor de la talla de

John Malkovich, cuya aparición no deja de ser meramente testimonial y lo poco que aporta la sustituta de Megan Fox a la historia, la modelo de Victoria’s Secret, Rosie Huntington Whiteley, que no deja de ser más que un mero elemento decorativo y que una vez más hace que nos preguntemos como un tipo como Witwicky puede ligarse a una chica 10 siendo el tan solo un 5.

En definitiva una película entretenida, en el que se nota el buen hacer de Michael Bay, del 1 al 10 le damos un 6,5.

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Kung Fu Panda 2

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Por David Larrad

Animación/ USA / 2011 / 90 minutos / DreamWorks Animation Director: Jennifer Yuh. Reparto VO: Jack Black, Angelina Jolie, Jackie Chan, Seth Rogen, Sag Lucy Liu, David Cross, Dustin Hoffman, James Hong y Gary Oldman. Guión: Jonathan Aibel, Glenn Berger. Música: John Powell, Hans Zimmer.

“Kung Fu Panda 2” es la segunda parte de un film de éxito de Dreamworks, como ya pasó con “Shrek” o “Madagascar”, las siguientes entregas rara vez superan a la original, simplemente se dedican a poner a los mismos personajes y repetir las gracias con una historia bastante floja.

Incluso han copiado la formula de “Madagascar” donde se ve la desgarradora infancia del protagonista que la va recordando poco a poco.

El tema de la animación por ordenador lo tienen totalmente dominado ya que los personajes, los movimientos y los paisajes son realmente buenos.Entonces, ¿por www.cinemascomics.com

qué no engancha? la respuesta es sencilla, la historia es demasiado predecible, en seguida se sabe quien es el villano, cuales son sus intenciones y que tiene que hacer el gran oso panda Po para poder derrotarle, haciendo que la aportación del malvado Lord Shen, es decir el pavo real, no este totalmente aprovechada, ya que en vez de desarrollar bien el guión del film, enseguida se enteran de sus intenciones y van a por él, haciendo que la película solo sea una sucesión de ataques para frustrar sus planes de conquistar china y el mundo entero con las armas de fuego.

es entretenida y hará las delicias de los más pequeños de la casa, pero falla en el momento de poner detalles o guiños para que los más adultos se enganchen más a la pelíucla. El final da juego para una tercera entrega, así que los dirigentes de Dreamworks deberán decidir si quieren hacer trilogía de Kung Fu Panda o dejarla solamente en dos películas, ya que el éxito de la segunda entrega ha sido más bien moderado.

En definitiva le doy un 5 sobre 10, Cinemascomics │Julio 2011 │

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Cl谩sicos del Terror

N O T W E S L A L VA ROR M R E . .

T .

EL RMOSO HE in贸s P o r d PorPe

Quien muere por vorvolaka, se transforma en vorvolaka…

venton. En 1906 emigró con su familia, asentándose primero en Berlin, y a partir de 1909 en Estados Unidos. Escribió en periódi cos, revistas y redactó al menos ISLE OF THE DEAD ocho novelas, gracias a lo cual (Mark Robson, 1945) trabajó con David O. Selznick en Metro-Goldwyn-Mayer y después En la década de los años trein- en RKO, demostrando sus dotes ta, nadie podía suponer un éxito de trabajador infatigable y su tan rotundo como el conseguido notable erudición, al tiempo que por los Estudios Universal con sus dejaba claro su entusiasmo en la producciones de terror. La com- plasmación del detalle a la hora pañía RKO Pictures aprovechó el de realizar sus largometrajes. En entusiasmo popular por este tipo el comienzo de su carrera, su tía de filmes y creó un equipo de pro- la actriz Alla Nazimova, le sugirió ducción para seguir dicha estela, cambiar su nombre ucraniano por pero siempre dentro de unos es- uno de raíz anglosajona, pues ella trictos límites presupuestarios. La conocía las facilidades laborales dirección del proyecto le fue con- que dicha permuta podría reporcedida al señor Val Lewton. tarle en su nueva patria. Murió en 1951 a consecuencia de un ataque Val Lewton nació en 1904 en Yalta cardíaco.

-entonces perteneciente al Imperio Ruso y hoy en día a Ucra- Mientras trabajaba para MGM, esnia- como Vladimir Ivanovich Le-

cribió su libro más conocido: No Bed of Her Own, adaptado para la gran pantalla de modo poco fidedigno con el título No Man of Her Own por Wesley Ruggles en 1932.

Su vasta cultura y su facilidad para la escritura, le permitieron trabajar con el mítico David O. Selznick como consultor de guiones y colaborador en la realización de películas como Historia de Dos Ciudades (A Tale of Two Cities, Jack Conway, 1935) y Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind, Victor Fleming, 1939).

Su arduo trabajo dio fruto cuando RKO-Radio Pictures le ofreció en 1942 hacerse cargo de las producciones de su unidad B. La apuesta era arriesgada, tenía que cosechar éxitos con un presupuesto muy limitado pues lo contrario era sinónimo de fracaso. Los estudios RKO estaban considerados como uno

Cartel de la mujer Pantera (Cat People, Jaques Tourner, 1942) www.cinemascomics.com

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blemente de la línea iniciada por la Universal con sus monstruos-, y sentó las bases del futuro trabajo de Val Lewton en RKO. La esencia de este filme seminal radica en el encanto y elegancia permanente de sus imágenes, la acompasada incorporación del elemento fantástico y la magnífica resolución de los conflictos psicológicos y los aprietos e intrigas que se ocasionan a lo largo del filme.

Imagen de Yo anduve con un zombie (I walked with a zombie, Jacques Tourner, 1943)

de los grandes, aunque el menos importante entre ellos. Charles Koerner y Joseph Breen eran los hombres encargados de insuflar en el estudio la fuerza que había perdido con las magníficas producciones del señor Orson Welles, pero poco rentables en taquilla, Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941) y El Cuarto Mandamiento (The Magnificient Ambersons, 1942). La idea de los mentores de Lewton era ganar dinero aun produciendo películas de mala calidad, y como sabían de los gustos del público por el terror, apostaron por este género, que además se aproximaba por definición a la serie B. El infatigable Val Lewton aprovechó la libertad artística que se le otorgaba, conjurándose para demostrar su valía con filmes de excelente factura. No le amedrentó en absoluto el exiguo presupuesto que RKO concedía para cada una de sus creaciones: un máximo de 150.000 dólares.

Contando con la colaboración del escritor DeWitt Bodeen y de un hombre que había vivido desde niño en los estudios de rodaje, el director de origen francés Jaques Tourner –experto en fotografía en blanco y negro y entusiasta de los juegos de sombras en la pantalla-, Val Lewton se aventuró con

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el primer proyecto: La Mujer Pantera (Cat People, Jaques Tourner, 1942); la historia de una mujer que se transforma en pantera a causa de una vieja maldición. Val Lewton conocía un sinfín de leyendas judías y centroeuropeas, además de contar con su notable acervo cultural ruso, lo cual le sirvió para crear una historia cimentada en los mitos de la licantropía, pero sin espectaculares transformaciones ni grandilocuentes efectos especiales. Dejó de lado la acción trepidante en aras de la parsimonia del melodrama bañado en el misterio. El señor Lewton demostró las alturas cinematográficas a las que podía rayar con un presupuesto pequeño, y dejó patente su interés por sugerir antes que mostrar.

Firmemente convencido de que el terror no tenía por qué limitarse a monstruos horribles, asesinatos en primer plano y detestables demostraciones de violencia explícita, sustentó su obra en nuestros miedos a lo desconocido, a lo que no se ve, a lo que se esconde en la oscuridad. De los desvelos del señor Lewton nació una de las más grandes y bellas joyas del cine de terror. La película resultó un éxito en taquilla, el público quedó entusiasmado con la intriga generada –a pesar de alejarse nota-

La siguiente aventura de la pareja Lewton-Tourner les trasladó a una isla caribeña donde los zombis, el vudú, los ritos paganos y la magia guían el devenir del lugar.

Para la realización de Yo anduve con un zombie (I walked with a zombie, Jacques Tourner, 1943) se contó con la colaboración de Ardel Wray y Curt Siodmak a la hora de realizar el guión, se utilizó como sustrato una historia de Inez Wallace, y se hizo hincapié en la evocación de los ambientes creados por Charlotte y Emily Bronte en sus respectivas obras literarias: Jane Eyre y Cumbres Borrascosas.

El director Jaques Tourner estaba convencido de que durante la guerra la gente disfrutaba con inquietantes cintas de misterio y terror, pues les hacían olvidar las miserias de los frentes de batalla; en cierto modo había ocurrido lo mismo durante los años treinta -la época de la Gran Depresión- con las cintas de terror de la Universal. Y como quedaba claro que, por alguna extraña razón, la gente amaba ser asustada durante las épocas de grandes conflictos sociales, Tourner y Lewton se asociaron para rodar un nuevo éxito: El hombre Leopardo (The Leopard Man, Jacques Tourner, 1943), la cual tuvo como inspiración la novela Coartada Negra (Black Alibi) de Cornel Woolrich. En la trama encontraremos a una artista de cabaret que se presenta con un leopardo en una ciudad de Nuevo México; el animal huye, tras lo cual se suceden una serie de asesiwww.cinemascomics.com

natos con el sello de las garras de un felino. A continuación, el miedo y la superstición harán acto de presencia, pues entre la mayoría de los lugareños -de origen indio y mexicano- abundan las creencias de humanos que adquieren las capacidades malignas de fieras.

Los intelectuales que han analizado este filme han encontrado en su génesis y desarrollo la ambigüedad del horror cósmico de la literatura de Arthur Machen, en la que lo racional y lo irracional entran en constante conflicto.

Sus densos 66 minutos de metraje toman un camino complejo, alejado del cine de hombres-lobo en el que supuestamente podría inspirarse; el cual serpentea entre sombras, sospechas e hipótesis preternaturales; a la par que quiebra el progreso lineal de una obra clásica, lo cual no merma su valía, sino que –por el contrarionos adentra aún más en tortuosos laberintos repletos de enigmas y acertijos. La resolución del filme se aparta por completo de los parámetros clásicos, y ni tan siquiera podría catalogarse como un final abierto al uso, pues Tourner pretende demostrarnos la fehaciente existencia de fuerzas inaprensibles, misteriosas e inexplicables capaces de regir el destino de los humanos.

La cuarta entrega del señor Lewton fracasó; La Séptima Víctima (The Seventh Victim, Mark Robson, 1943) sufrió varios cambios de guión y recortes en el metraje, y nunca alcanzó el climax de sugerencia, misterio y terror soterrado de las anteriores. La mezcla de horror y cine negro no agradó al público, quien detectó una serie de incoherencias y vacíos tanto en la trama como en algunos personajes. Tampoco agradaron las pretensiones por reflejar la sociedad americana por medio del satanismo, las sectas y la inducción al suicidio como creyeron los espectadores. Tan memorable como inquietante resultan las imágenes en las que aparewww.cinemascomics.com

Cartel The Ghost Ship (Mark Robson, 1943)

ce la protagonista -quien busca desesperadamente a su hermana desaparecida- entrando en su habitación y encontrando tan solo una silla bajo una soga pendiendo del techo. Los analistas cinematográficos afirman que Alfred Hitchcock se inspiró en imágenes de este filme para la mítica escena de la ducha de su magna obra Psicosis (Psycho, 1960).

The Ghost Ship (Mark Robson, 1943) gozó del favor del público, pero diversos problemas legales en cuanto a la autoría de la his-

toria complicaron su exhibición.

Los escritores Samuel Holding y Norbert Faulkner demandaron a la productora por haber rodado un filme con una historia escrita por ellos sin su consentimiento.

El juez sentenció a su favor y la exhibición de la película fue prohibida hasta los años noventa, cuando cancelaron los derechos de la película y pudo entrar en el dominio público. En la película se nos narra la historia de un marinero que desconfía de la salud mental del capitán, mientras que el resto de la tripulación sospeCinemascomics │Julio 2011 │

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gory Peck como protagonista); así como con el capitán Larsen de El Lobo de Mar (The Sea Wolf, Michael Curtiz, 1941) o el capitán Queeg de El Motín del Caine (The Caine Mutiny, Edward Dmytrik, 1954). Por todo ello nos encontraríamos ante una obra capital del cine, con un protagonista legendario dentro del siniestro grupo de mad captains of the sea, y que por desgracia fue arrinconada por cuestiones legales.

Cartel de La Venganza de la Mujer Pantera (The Curse of the Cat People, Gunther von Fritsch, Robert Wise, 1944)

cha que el buque ha sido maldito cuando desaparecen algunos marineros en circunstancias extrañas. Tanto el guión como su tratamiento visual fueron alabadas por los críticos, quienes vieron en ella uno de los thrillers homoeróticos más intensos de la historia del cine (en el filme no aparecen mujeres) así como encriptadas referencias sobre la homosexualidad masculina encubierta y los conflictos que le siguen. La colisión padre-hijo presenta también sus credenciales psico-analíticas,

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y con ella trae sus consecuentes dosis de violencia.

En lo concerniente al orden cinematográfico en exclusiva, el enajenado capitán Stone de The Ghost Ship ha sido comparado con el capitán Ahab de la inmortal obra de Herman Melville Moby Dick (cuyas dos obras más representativas en la gran pantalla son las de 1930 dirigida por LLoyd Bacon y protagonizada por John Barrymore y la dirigida en 1956 por el prolífico y polifacético John Huston con Gre-

La Venganza de la Mujer Pantera (The Curse of the Cat People, Gunther von Fritsch, Robert Wise, 1944) fue el siguiente encargo de RKO, quienes pretendían rentabilizar con una secuela el éxito de Cat People. El director de documentales Gunther von Fritsch incumplió el plazo dado para el rodaje, por lo que fue sustituido por Robert Wise, que era su editor. El título (ya de por sí mal traducido en la versión castellana) resultaba engañoso, pues el filme resultó ser un ensayo sobre la psicología infantil con toques fantásticos; esto hizo que los directivos quitaran y pusieran escenas tratando de retomar el espíritu de la cinta original. A pesar de la presencia de la primigenia mujer Pantera, la historia no escapó de los ambiguos márgenes impuestos en los filmes donde la realidad se contrapone al ensueño para confundir al espectador. Lo que supuso un fracaso para el público -que esperaban una cinta de terrorsignificó un filme de calidad para los críticos, quienes adivinaron el núcleo psicológico sobre el que giraba la película y las cultas conexiones con el poema de Robert Louis Stevenson The Unseen Playmate.

Después vinieron dos proyectos alejados del horror: Mademoiselle Fifi y Youth Runs Wild, la cual creó numerosos quebraderos de cabeza a RKO por causa de la minuciosa revisión que sufrió la cinta por parte de la censura. Al mismo tiempo Jack Gross –antiguo www.cinemascomics.com

responsable del cine de terror de la Universal- fue nombrado nuevo jefe de Lewton, y como era de esperar surgieron los roces, pues no comulgaba completamente con la idea de nuestro protagonista acerca del modo de hacer terror.

Lewton concibió dos proyectos al mismo tiempo, The Body Snatcher, basado en la obra del magnífico escritor Robert Louis Stevenson y una obra de su propia cosecha Isle of the Dead, la claustrofóbica historia de un grupo de personajes atrapados en una isla griega durante 1912. Esta película surgió en la mente de Lewton al evocar las pinturas simbolistas de Arnold Böcklin, cuya obra maestra –de la que realizó varias versiones- es una inquietanto óleo con el mismo título, en el que puede verse una extraña y singular isla a la que llega una barca, y para cuya realización tomó buena nota del cementerio inglés de Florencia. Las reminiscencias del magistral poeta Edgar Allan Poe aparecerán también aquí, pues una de las mujeres es enterrada viva, para reaparecer después clamando venganza. En el aire flota el espíritu de las leyendas griegas acerca de vorvolakas o vrykolakas, término del folclore de aquellas tierras para designar espíritus malignos que se alimentan de la sangre y la energía de los humanos.

La película cuenta la historia de un general griego –interpretado por el insuperable Boris Karloffque se refugia en una isla junto a un grupo de supervivientes que huyen de una derrota bélica. En un caserón de la isla les aguardan un arqueólogo y su sirvienta, quien sospecha que detrás de ciertos acontecimientos misteriosos se esconde uno de los huéspedes, que realmente es un vorvolaka. Al mismo tiempo sobre la isla se desencadena una plaga de peste y los personajes empiezan a caer fulminados ¿Será la plaga o el vorvolaka la causa de las muertes? Al final una mujer sufre www.cinemascomics.com

Boris Karloff en El ladrón de Cadáveres (The Body Snatcher, Robert Wise, 1945)

un ataque de catalepsia y la entierran viva; escapando después para clamar venganza.

El ladrón de Cadáveres (The Body Snatcher, Robert Wise, 1945) supuso un gran éxito, a pesar de no introducir tantos elementos terroríficos como pretendía el señor Gross, sin embargo captó a la perfección el espíritu de su padre literario respecto a la concepción del misterio y el horror oculto defendidos de similar manera por el señor Val Lewton. En esta ocasión no se buscó ningún elemento sobrenatural o fantástico para crear miedo; simplemente se reflejó el mórbido ambiente de los ladrones de tumbas que camparon a

sus anchas por Gran Bretaña en aquellos tiempos en que estaba prohibido el suministro de cadáveres a las facultades de medicina. Además se contó con dos de los más grandes actores del cine de terror: Karloff y Lugosi; si bien el último se encontraba en franca decadencia y su papel no fue relevante, el primero de ellos bordó su actuación, imprimiendo a su personaje un aire de maldad insuperable; ciertamente podría afirmarse sin temor a equívocos que la muerte se reflejaba en el semblante del personaje interpretado por Karloff.

Isle of the Dead fue dirigida por el artesanal Mark Robson, lleganCinemascomics │Julio 2011 │

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do a los cines en 1945, tras varios retrasos en su rodaje, entre ellos la marcha de Boris Karloff al frente del Pacífico para entretener a las tropas estadounidenses que allí combatían. Flaqueó en su consistencia fílmica si la comparamos con El Ladrón de Cadáveres, si bien mantuvo un pulso de misterio capaz de hipnotizar al espectador, a lo que contribuyó sin ningún género de dudas el toque siniestro y enigmático aportado por Karloff para el general Pherides.

Al finalizar estos rodajes, Universal y RKO se disputaron la presencia del señor Karloff para su siguiente largometraje, si bien el actor rechazó a Universal por presentarle una nueva entrega de Frankenstein.

Bedlam (Mark Robson, 1946) es un filme inspirado en el sanatorio mental Bethlem Royal Hospital, en el cual se trató con severidad

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a muchos enfermos mentales; una terrible práctica extendida durante toda la historia en este tipo de hospitales. La trama se desarrolla en el siglo XVIII, y Karloff interpreta a un director de gustos sádicos que dirige con mano de hierro el recinto. Nuevamente el gusto por la pintura del señor Lewton le indujo a concebir este filme; quien conozca las pinturas costumbristas del artista William Hogarth, en las que aparecían personajes enfermos y suplicantes, contritos por el dolor y el sufrimiento, y aquejados por los males físicos y mentales propios del hacinamiento de la época se sorprenderá al contemplar una plasmación fílmica tan fidedigna.

Tras el éxito de esta cinta, Lewton pasó a la unidad A de la RKO, pero una dolencia cardiaca aguda en 1946 frenó su actividad. Entonces Paramount Pictures le ofreció un contrato que aceptó de inmediato, sin embargo allí no cosechó éxito alguno. Se suspendió el

proyecto de adaptar la obra del maestro de la literatura del XIX Charles Dickens, The Cricket on the Hearth; aunque luego se llevó a la pantalla la obra de Jolan Foldes, Make you a Fine Wife, como My own true love (Compton Bennett, 1949), que fracasó estrepitosamente. A mask for Lucrecia, un guión sobre la vida de Lucrecia Borgia fue cancelado, y aunque Lewton re-escribió el guión, finalmente cayó en manos de Michael Hogan, y la cinta se lanzó como Bride of Vengance (Mitchell Leiden, 1949).

Mientras Lewton trataba de poner en marcha una compañía independiente trabajó para MGM en el guión y producción de Please Believe Me (Norman Taurog, 1950), una comedia con Deborah Kerr que no cosechó éxito alguno. A la postre, los directores Mark Robson y Robert Wise, que se habían comprometido con Val Lewton para sacar adelante una nueva www.cinemascomics.com

En el contraste con las producciones Universal, los filmes de Lewton, impregnados de numerosas referencias culturales, poseen una riqueza intelectual notablemente superior. En las producciones Universal –más planas y carentes de los recovecos de las producciones RKO- el peso del terror recae en la monstruosidad de sus protagonistas, sin embargo los personajes de Lewton están atenazados por los conflictos internos generadores de terror, que se contagian al espectador, quien debe asumir el reto de averiguar el significado oculto, lo cual incrementará su ansiedad y su miedo.

Val Lewton nos legó un puñado de obras maestras y seminales, sin las cuales no puede comprenderse el cine de terror, y con las que se encabezaría cualquier listado acerca de lo mejor de este género. productora, se retractaron y le dejaron en la estacada, lo cual contribuyó a empeorar su salud.

La última producción de Val Lewton fue Apache Drums, dirigida por Hugo Fregonese y estrenada en 1951 bajo producción Universal; un western sin muchas pretensiones basado en la novela de Harry Brown, Stand at Spanish Boot, que gozó con la aprobación del público. Entonces empezó un proyecto con Columbia titulado My Six Convicts, durante el cual sufrió otro ataque cardiaco que acabó con su vida el 14 de marzo de 1951.

Val Lewton tendió el puente entre lo real y lo imaginario, y al modo de un soberbio alquimista obtuvo la mixtura ideal entre ambos, de modo que no siempre resulta posible su diferenciación. La fuerza de su obra se sustenta en la sugerencia y la contumaz negación de cualquier explicación basada en lo explícito. En dos de sus filmes, The Body Snatcher y Bedlam, lowww.cinemascomics.com

gró que la mera exposición de la realidad, sin golpes de efecto vacuos ni artificios expresivos absurdos, expresase el terror en su máxima expresión.

Gracias por sus esfuerzos señor Lewton, sus obras nos han asustado tanto como felicidad nos han dado… Le dedicamos la poesía que tanta inspiración le ocasionó...

THE UNSEEN PLAYMATE. When children are playing alone on the green, In comes the playmate that never was seen.

When Children are happy and lonely and good, The friend of the Children comes out of the wood.

Nobody heard him, and nobody saw, His is a picture you never could draw, But he´s sure to be present, abroad or at home, When children are happy and playing alone.

He lies in the laurels, he runs on the grass, He sings when you tinkle the musical glass; Whene´er you are happy and cannot tell why.

The friend of the children is sure to be by!

He loves to be little, he hates to be big, Tis he that inhabits the caves that you dig; Tis he when you play with your soldier of tin That sides with the Frenchmen and never can win.

Tis he, when at night you go off to your bed, Bids you go to sleep and not trouble your head; For wherever they´re lying, in cupboard or shelf, Tis he will take care of your playthings himself

Robert Louis Stevenson (1850-1894)

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Cine de los 80

De nuevo, recordando viejos tiempos, me ha venido a la mente la estupenda trilogía de Sam Raimi, sobre Posesión infernal.

Precisamente al año que viene, se cumplen 30 años de que obtuviera el premio en el festival de Sitges.

Posesión infernal (The Evil Dead, 1981) fue la película que inicio esta trilogía, que supuso además el debut de su director en largometraje, cuando apenas contaba con 20 años. Gracias a la ayuda de sus amigos de siempre (entre los que se encuentra su actor fetiche, Bruce Campbell), pudo montar una productora con la que empezar a financiar sus proyectos.

Como la falta de dinero por aquel entonces era la norma, Raimi quiso probar primero con un corto en el que condensaba la idea de la película, protagonizado también por Campbell. El corto fue un éxito allí donde se proyecto,

y así pudo obtener el dinero suficiente para financiar su primera película.

El presupuesto no pasaba de los 350.000 dólares, y se nota, pues los efectos especiales, las localizaciones y los actores, son bastante casposos, pero en lugar de ir en contra de la película, es algo que la favorece. Parece casi una película casera, hecha entre amigos (aunque esto no está muy alejado de la realidad), y resulta cómica, pero desde luego con sus buenos momentos de susto.

Impresiona la primera vez que la ves, y cómo llegaron a caracterizar las posesiones, de una manera muy terrorífica. Los efectos están llenos de pintura roja y mermelada de fresa, e incluso, para que la película no pareciera tan violenta como es, en algunas tomas en las que reventaban a los poseídos se utilizó leche en lugar de líquido rojo.

Y la trama no podía ser más típica: un grupo de amigos se dispone a pasar un fin de semana en el bosque cuando topan con una cabaña. En ella descubren el Necromonicon y una extraña grabación. Al escucharla, se dan cuenta de que pertenece al dueño de la casa, un arqueólogo, que da instrucciones sobre el libro. Al ponerla en marcha y leer el libro, despiertan a los demonios, y todos van siendo poseídos uno a uno, hasta llegar a Ash (Bruce Campbell), que será el que acabe con todos ellos.

Pues aun con todo lo típica que puede parecer, la manera de dirigir, montar las escenas, y en definitiva contarnos la historia, con el punto justo de gore y humor, hacen que sea una película altamente divertida, que se ríe de si misma, y lo hace sin ningún prejuicio.

La película fue prohibida en nu-

Martin Campbel, Ash en un momento de locura www.cinemascomics.com

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merosos países, y también fueron censuradas varias escenas. Aun con todo, circuló en el ámbito domestico, y con el apoyo de Stephen King, que dijo que era una de las mejores películas de terror de todos los tiempos, pasó directamente a convertirse en una obra de culto. Entre las curiosidades más interesantes, tenemos las palabras del Necromonicon que se recitan, que no son otras que Klatu Verata Nictu, que son originales de la película Ultimatum a la tierra (1951).

También podemos decir que en la película aparece el poster de la película Las colinas tienen ojos, de la que se ríen los protagonistas. Y el coche que aparece en la película es el de su director, y lo siguió utilizando en las siguientes entregas, llegando incluso a aparecer también en Spiderman.

En 1987, Raimi quiso continuar con la trilogía y rodó su segunda parte: Evil Dead II, que en nuestro país se tituló Terroríficamente muertos. Sin embargo, podría decirse que no es una segunda parte al uso, pues los primeros

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minutos de la película, es la primera película, vuelta a rodar, algo alejada del original, pero con un argumento básicamente idéntico. No es hasta cerca de los 30 minutos cuando la película empieza con la nueva historia, donde la hija del arqueólogo regresa a la cabaña y se encuentra todo destrozado y los demonios de vuelta.

Presencian la locura de Ash, que le lleva a cortarse la mano con una motosierra, pues han empezado a poseer su cuerpo por esa extremidad, pasando la mano a convertirse en otro protagonista del film. En la lucha final, y tras la muerte de la hija del arqueólogo recitando las palabras del Necromonicon, se abre un portal, que traslada a Ash, con coche incluido hasta el año 1300, que es donde empieza la tercera parte de la trilogía.

En esta ocasión, Raimi contó con un presupuesto más abultado, pero tampoco excesivo, apenas 3.5 millones de dólares. La mejora en los medios se nota, pero sigue teniendo ese aire caserillo, que tanto enganchó en la primera parte. De nuevo, Raimi, le vuelve a hacer un homenaje (o burla) a Wes Craven, cuando Ash busca la motosierra para cortarse la mano y podemos ver claramente el guante de Freddy Kruger.

En 1992, se termino de grabar El ejercito de la tinieblas, (Evil Dead III: Army of Darkness), tercera y ultima parte de esta trilogía. La película es más cómica que de terror, por lo que abandona un poco el estilo de sus predecesoras, pero no por eso deja de ser muy entretenida; de hecho, es la que más veces he visto, pues no puedo parar de reírme, sobre

todo en las escenas en las que Ash tiene que conseguir el Necromonicon y lo que hace tras conseguirlo (genial el momento de Klatu veracta nictejemmmm…).

En esta ocasión, la película continúa la historia de la segunda parte, y vemos a nuestro particular héroe llegando en coche a la Edad Media. Allí, los demonios tienen atemorizados a Gran Bretaña, y será Ash, empecinado en volver a casa, el que logre salvar a Inglaterra.

De nuevo, la cutrez hace acto de presencia, y en el ejercito de esqueletos podemos distinguir fácilmente a los que están creados con Stop Motion de los que son personas disfrazadas para hacer bulto. Además, los efectos especiales siguen la línea de las anteriores entregas, pero como he dicho antes, lejos de suponer un lastre, contribuyen a hacerla aún más divertida.

Sin duda, Bruce Campbell pasó a convertirse en el actor favorito de muchas personas, y tiene su mérito, al hacerlo de la manera que lo hizo, no por ser buen actor, sino por tener un enorme carisma. Tanto, que estas películas no serían lo mismo sin él.

Tras esta trilogía, Raimi dirigió varias películas, pero saltó a la fama mundial y abandonó el cine de culto con la saga Spiderman.

Menos mal que tras finalizar esta (en ocasiones floja) saga, se remontó a su años más jóvenes al rodar la estupenda Arrástrame al infierno (Drag Me to Hell, 2009), que podría decirse que es una continuación de la trilogía Posesión infernal, pero con muchos más medios y unos actores con algo más de calidad.

Por Sergio Reina

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ORIENTAL EXPRESS

CINE MADE IN JAPÓN

Por Francisco Nieto Sánchez 110 │

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Con la excusa de las gratificantes noticias que han supuesto por un lado el inminente estreno en nuestras carteleras del último trabajo del director Takashi Miike, 13 asesinos (previsto para el 12 de agosto) y de la última producción de los estudios Ghibli, Arrietty y el mundo de los diminutos (inicialmente previsto para julio, pero que finalmente llegará a las pantallas el 16 de septiembre); y por otro lado, la aparición en formato DVD de dos de los estrenos más importantes de 2010 en Japón, Space Battleship Yamato, de Takashi Yamazaki, y Confessions, de Tetsuya Nakashima (absolutamente imprescindible), gracias a la encomiable tarea que desde hace ya algunos meses viene realizando la distribuidora Mediatres, que se ha propuesto que a los amantes del cine oriental nos lleguen puntualmente las mejores propuestas de las distintas cinematografías orientales, en el artículo de este mes vamos a tratar de tomarle el pulso a los últimos estrenos y futuros proyectos que se vienen realizando en el país del sol naciente.

En primer lugar, hay que reseñar que durante estos últimos meses existe en la cartelera japonesa una supremacía clara de títulos de animación y de evasión en general, ya que en estos funestos días de drama y desesperación debido al devastador terremoto y tsunami que tuvo lugar en el pasado mes de marzo el cine puede ser un buen elemento de escape para una población que empieza a despertar tras la devastadora tragedia que ha tenido que sufrir. Como viene ocurriendo en el transcurso de los últimos años, y a pesar de la terrible tragedia que siguen sufriendo los habitantes de Japón, en el mes de abril la cartelera nipona fue fiel a su cita con dos de sus ídolos animados por excelencia: Detective Conan y Shin Chan. Detective Conan: Quarter of silence (Meitantei Conan: Chinmoku no kuota) supone la pewww.cinemascomics.com

lícula número quince que se realiza del anime basado en el manga de Gosho Aoyama y que nos presenta al detective juvenil más famoso del país, el estudiante de secundaria Shinichi Kudo. En esta ocasión la aventura comienza con una amenaza contra el gobernador de Tokio, pero la rápida deducción de Conan evita víctimas cuando un túnel de metro salta por los aires. Conan descubre que puede haber una conexión con un pueblo que fue trasladado para la construcción de una presa, lo que se convierte en una carrera contra reloj para dar con el criminal antes del siguiente ataque.

En cuanto a la nueva película de Shin Chan, Crayon Shin-chan:

The Storm Called: Operation Golden Spy (Kureyon Shinchan: Arashi o Yosu ougon no suipai daisakus), el pequeño Shinnosuke se nos convierte en un avezado espía que entra en acción cuando conoce a una chica llamada Remon, quien le instruye mediante un entrenamiento intensivo en el universo del espionaje. La cinta cuenta con las voces, entre otros, de dos ídolos juveniles japoneses: Murakami Shingo, (famoso por ser protagonista de la serie de televisión My girl) y Okura Tadayoshi (cantante que también ha participado en un buen número de series de TV del país). Ambos incorporan sus voces a los villanos de la función. Y aunque pueda paCinemascomics │Julio 2011 │

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recer un milagro, las aventuras de Doraemon y Nobita no sólo siguen arrastrando a un público fiel a las salas de cine, sino que la saga tiene la capacidad de adaptarse a los nuevos tiempos con el objetivo de atraer a las nuevas generaciones. Prueba de esto es que en la primera semana de marzo el último título de la serie: Doraemon: Nobita and the New Steel Troops, se ha colocado en el primer lugar del top japonés en su misma semana de estreno.

Basada en la franquicia iniciada

allá por la década de los 70 por Fujimoto Hiroshi y Motoo Abiko, este es el primer título del gato cósmico que se puede disfrutar tanto en formato Imax 3D como en formato convencional 2D. Se trata de un remake de la película de 1986 Doraemon: Nobita and the Steel Troops, y así podemos encontrar personajes como Zanda Claus, el megarobot construido por Nobita, además de nuevas incorporaciones como Lilulu, un misterioso cyborg construido bajo la apariencia de una chica adolescente. Otro flamante estreno japonés ocupa la octava plaza: Wasao, basada en la historia verdadera de un perro abandonado de raza akita (en la actualidad los perros de esta raza tienen la consideración de Perros Nacionales de Japón), que es encontrado por su nueva propietaria en Agosto de 2007. En la primavera de 2008, el can se hizo muy popular al aparecer en el blog de viajes llegando incluso a aparecer en revistas y programas de televisión.

Otros dos títulos infantiles que han hecho su aparición en estos últimos meses son Pretty Cure All Stars DX3: Deliver the Future! The Rainbow Colored Flower

that Connects the World y Tensou Sentai Goseija vs Shinkenja: Epikku on Ginmaku. La primera está dirigida por Takashi Otsuka, quien se ha hecho cargo hasta ahora de la dirección de las tres producciones de Pretty Cure DX3 estrenadas hasta la fecha, aunque la franquicia conoce ya más de diez adaptaciones al cine de esta serie de anime de “magical girls” producida por la Toei Animation y que pasa por ser una de los animes más famosos de la televisión japonesa; En cuanto a Tensou Sentai Goseija vs Shinkenja: Epikku on Ginmaku, se trata de la enésima película protagonizada por los Super Sentai (los Power Rangers americanos) dirigida por Noboru Takemoto y protagonizada por el ídolo juvenil local Hiroki Aiba (The Prince of Tennis) y Sakuya Nakamura (Tokyo Raphsody). Y por si fuera poco el Studio Ghibli ya ha anunciado el que va a ser su nuevo proyecto cinematográfico tras Arrietty, trabajo que se estrenará en las carteleras japonesas el próximo verano de 2011. Bajo el título de Kokuriko Zaka-Kara nos explicará la historia de una adolescente que crece en Yokohama a principios

Imagen de Arrietty y el mundo de los diminutos. Hiromasa Yonebayashi. 2011.

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Banner de Gantz. Shinsuke Sato. 2011.

de la década de los 60 (concretamente en el año 38 del período Showa), que tras perder a su padre en un accidente marítimo y a su madre, corresponsal de guerra, a causa de una bala perdida, descubrirá el amor al sentirse atraída por dos compañeros de clase, un reportero del diario de su escuela y el presidente del consejo estudiantil de la misma. Será la segunda película en el haber de Goro Miyazaki, hijo del idolatrado Hayao Miyazaki que ya debutó en Ghibli con la irregular pero atractiva Cuentos de Terramar (Tales from Earthsea). Por cierto, la cantante Aoi Teshima, quien ya compuso la canción principal del primer film de Goro, repetirá de nuevo en esta ocasión. Se rumorea que Hayao Miyazaki participará en el guión del film, con lo que se zanjaría cualquier tipo de polémica en cuanto a la decisión de Hayao de no participar en los proyectos dirigidos por su hijo. La película Kokuriko Zaka-Kara está basada en el popular shojo-manga (manga dirigido al público femenino) creado por Chizuru Takahashi y Tetsuro Sayama publicado en 1980.

En cuanto a cine con personajes de carne y hueso se refiere, sin duda el mayor éxito de estos últimos meses ha sido el apoteósico estreno de las dos partes de Gantz, adaptación a imagen real www.cinemascomics.com

del manga de género seinen (manga o anime cuyo objetivo es atraer a una audiencia masculina mayor de edad) , un auténtico bombazo en taquilla que en su primer fin de semana de exhibición recaudó la friolera de más de cinco millones de euros en los 410 cines en los que se estuvo exhibiendo. Todo apunta a récord histórico, y más si tenemos en cuenta su recién estrenada segunda parte, que se ha rodado al mismo tiempo que la primera y que se estrenó a finales de la pasada primavera (lleva por título Gantz Perfect Answer); por no hablar de los ingresos adicionales que va a acumular a través de su estreno estadounidense y los otros 21 países que ya han adquirido los derechos de distribución del film, entre ellos España. Gantz nos narra la historia de Kei Kurono, un estudiante de secundaria que muere junto a su amigo Masaru Kato al ser aplastados por un tren mientras rescatan a un indigente ebrio que había caído a las vías. Como dato curioso añadir que el 75 por ciento de los asistentes al estreno fueron de género femenino. ¿Quién tiene la culpa de esa circunstancia? Pues el guapo de Kazunari Ninomiya, un auténtico ídolo entre las adolescentes niponas desde que se diera a conocer con su grupo de música J-Pop Arashi.

Otro proyecto rotundo, cuando

todavía está reciente el buen sabor de boca que dejó en el pasado Festival de Sitges su último film, Cold Fish, donde fue galardonado con el premio de la sección Casa Asia, tiene como protagonista al truculento director japonés Sion Sono, quien ya está preparando una nueva provocación fílmica.

La película lleva por título Guilty of Romance, y comienza la noche en que en un edificio abandonado se descubre el cuerpo de una mujer violada y asesinada atada a un maniquí.

Aunque la cinta ya se encuentra en fase de postproducción, todavía no se ha anunciado su elenco; lo que sí se sabe es que la actriz principal no será muy conocida, dado el extremo contenido sexual que encontraremos en la producción. Lord of Chaos, otro de los proyectos con los que asociaba al nombre del director japonés, por ahora deberá esperar. Otro director que podríamos englobar en la categoría de clásico, Yoji Yamada, (Love and Honor, El Ocaso del Samurai), ha llamado a filas a algunos de los mejores intérpretes actuales del cine japonés para formar parte de la que será su próxima película: Kazoku Tokio.

Este film quiere ser por un lado una celebración, ya que Yamada cumpliría cincuenta años como realizador y a la vez un homenaje a Historias de Tokio, el clásico Cinemascomics │Julio 2011 │

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dirigido en 1953 por Yasujiro Ozu, quien fuera mentor de Yamada.

Según un comunicado de los productores de la Shochiku, se ha anunciado que los roles principales del film, aquéllos que corresponden a los padres que viajan a la capital a visitar a sus atareados hijos, correrán a cargo de Sugawara Bunta (Battles Without Honor and Humanity) e Ichihara Etsuko (actriz muy conocida en el ámbito televisivo nipón, ya que ha protagonizado multitud de dramas), mientras que Tsumabuki Satoshi (Paco and the Magical Book) dará vida al hijo menor de la pareja y Yu Aoi (Mushishi, Hula Girls) a su novia, encargada de cuidarlos ante la ausencia de los ocupados vástagos. El guión lo firman el propio Yamada en compañía de Hiramatsu Emiko, guionista entre otras de El Catador de Venenos y Ototo.

Algunos títulos más que han cosechado elogios entre público y crítica y que ya han empezado a dejarse caer por festivales especializados son: -Oba: the Last Samurai, basada en la novela de mismo título escrita por el soldado estadounidense Don Jones, quien aquí también ejerce labores de guionista. La historia se centra en Oba, un capitán del Ejército Imperial Japonés que durante la Segunda Guerra Mundial organizó una guerra de guerrillas para luchar contra el imperio estadounidense en la isla de Saipán. Acabada la guerra, él y sus hombres, de los que sólo 46 eran soldados, siguieron resistiéndose durante meses hasta que recibieron órdenes directas de sus superiores. Dirige el film Hideyuki Hirayama (Beging for Love), mientras que Yutaka Kaneouchi (actor conocido sobretodo por sus dramas televisivos) da vida al bravo capitán.

-Tomorrow’s Joe (Ashita no Jo), otro film basado en un exitoso manga que gira en torno al mun-

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Tomorrow’s Joe (Ashita no Jo). Fumihiko Sori. 2011.

do del boxeo. Los protagonistas de la cinta, Tomohisha Yamashita y Yusuke Iseya se tomaron tan en serio sus respectivos papeles, que incluso se programaron combates reales para que se enfrentaran a púgiles profesionales y dar así más publicidad al film.

-Haru´s Journey, film avalado por haber recibido recientemente la Alhambra de Plata en el Festival Cines del Sur de Granada.

Antes del inicio de la proyección que tuvo lugar en el CAFW (Casa Asia Film Week), Mike Hostench, programador del CAFW, se dirigió a la media entrada asistente para leer una emotiva carta enviada por el director del film, Masahiro Kobayashi (Koroshy, Bashing) donde se hacía referencia al devastador terremoto sufrido en Japón en marzo de este mismo año, y que entre otros, había destruído completamente todos los edificios y demás lugares donde acon-

tece la acción. Haru´s Journey nos remite a clásicos cmo Buenos días, de Yasujiro Ozu o al más reciente Still Walking, de Hirokazu Koreeda, aunque en el caso que nos ocupa se traten temas como la incomunicación familiar desde un prisma melodramático más agudizado (hay que ir al cine bien surtido de kleenex, porque a buen seguro los vais a necesitar).

Esperamos que en los próximos meses la situación dantesca que ha azotado a la población japonesa, y que se ha visto traducida en la paralización de multitud de proyectos cinematográficos se vaya estabilizando y pronto podamos disfrutar de nuevos títulos que ojalá lleguen algún día a nuestra cartelera.

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Especial series

NO SOMOS HÉROES Por Javier Calvo

Los superhéroes también son personas. O eso quería transmitir Tim Kring con la creación de su mítica “Héroes”, la serie que introdujo en la vida cotidiana la posibilidad de volar, generar fuego o ser indestructible. A pesar de los altibajos que experimentó durante su emisión, “Héroes” es una referencia indiscutible si hablamos de superhéroes en televisión. Un universo muy particular que culminó hace un año, tras cuatro temporadas, y que nunca deja de fascinar, porque los superpoderes, sean los de Spiderman, Thor o Jesucristo, siempre nos han atraído.

Sylar uno de los grandes villanos de la tv, interpretado por Zachary Quinto (Spock, Star Trek, J.J. Abrams. 2009.

Los superhéroes han sido la piedra angular de la gran mayoría de comics publicados a lo largo de la historia. Hasta que el concepto de “novela gráfica” se extendió entre nuestro vocabulario habitual, era muy fácil pensar en los tebeos como el hogar natural de esos coloridos seres superhumanos que poseían dones especiales y se dedicaban a combatir el mal o a practicarlo. La singularidad de estos personajes los encuadraba en una órbita abstracta e inconcreta, a medio camino entre los ciudadanos de a pie y los Dioses.

Mesías, líderes morales, guardianes del orden… los superhéroes eran figuras únicas, dibujadas para ser veneradas con pasión.

Por lo general, la gran mayoría de ellos procedía de un entorno cotidiano. Batman, Spiderman, Linterna Verde o Daredevil adquirieron sus poderes (otro concepto clave) a partir de determinadas circunstancias vitales, como una picadura de araña o un acciden-

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te químico, momentos catárticos que transformaban su identidad de raíz, obligándolos a asumir una personalidad nueva. Pero sí, en origen, nacieron como simples humanos.

Pero el proceso de cambio entre la cotidianeidad de un ciudadano corriente y la aceptación de una nueva identidad pseudo-divina no podía ser un proceso fácil. Nuevas responsabilidades, deberes, peligros, y todo ello bajo el punto de mira constante de la sociedad, supondrían un plato de difícil digestión si uno no está preparado para ello. Aun así, en algunas historias de creación de superhéroes, la asimilación física y mental de semejante cambio medular era un aspecto levemente desarrollado, y se daba por hecho que el individuo asumía su nueva condición sin problemas.

Héroes (2006-2010) podría ser la serie que hiciera justicia al plano más psicológico e íntimo de

los superhéroes. Basada, a grandes rasgos, en la problemática que supone descubrir una nueva personalidad superhumana y los conflictos que derivan de esta situación, la serie del productor y guionista Tim Kring adopta una perspectiva lo más realista posible para tratar un tema que no tiene nada de común.

Ayer, uno mas; hoy, inmortal Héroes comenzó a emitirse el 25 de septiembre de 2006 a través de la network estadounidense NBC (la de las grandes sitcoms: Friends, Frasier, Seinfeld, etc.).

Anunciada y esperada con ansia por millones de aficionados a la ciencia-ficción, el programa suponía un traslado directo a la pequeña pantalla de un terreno que, a pesar de contar con pretéritos ejemplos más o menos notables -el Batman de Adam West, el Hulk de Lou Ferrigno o… ¿McGyver?-, parecía más adecuado para comics y películas: los superhéroes. www.cinemascomics.com

La temporalidad de una serie de televisión permitía explorar con detenimiento las circunstancias de los personajes de turno y desarrollar durante mucho tiempo una línea narrativa de acción, piruetas, efectos especiales y lucha contra el crimen. Sin embargo, Kring optó por centrarse en un aspecto menos común: el descubrimiento, en un conjunto de personas aparentemente anodinas, de capacidades que desbordaban su naturaleza humana.

De ahí que Héroes se sitúe en una perspectiva que podríamos llamar “realista” y que explora las diatribas mentales de sus personajes con más o menos verosimilitud. ¿Qué pasa por la cabeza de una joven animadora cuando descubre que es inmortal? ¿O cuando un ama de casa agobiada por las deudas encuentra una doble personalidad de tremebunda fortaleza? ¿Y si el candidato a un puesto político de importancia supiera volar; aprovecharía este aspecto para su campaña o decidiría ocultarlo con celo?

Estos ciudadanos de diferentes partes del mundo (EE UU, Latinoamérica o Japón) y etapas cronológicas (pasado, presente y futuro, porque también existe la habilidad de desplazarse en el tiempo) van advirtiendo en sus organismos capacidades que exceden las habituales en sus congéneres, y entran en un proceso en el que deben decidir qué hacer con ellas o cómo manifestarlas.

Entre las reacciones habituales está el miedo a ser considerado un ser anómalo, la dificultad que puede acarrear su control o el peligro de poder dañar a los demás de forma involuntaria. Pero también, cómo no, la idea de aprovechar esos poderes para objetivos más humanistas o, por el contrario, de perverso calado.

Un segundo paso lógico es comprobar si se es único en el mundo, o existen más personas agraciadas con ese don. Ahí es donde empiezan las diferentes tramas de Héroes, compuesta por uno de los repartos corales más extensos de la televisión, que entremezcla diversos arcos narrativos bajo el

paraguas de una historia más o menos común: la amenaza de una gran conspiración mundial bajo una inconcreta “Compañía” de alcance global, interesada en estos superpersonajes, y el peligro de una pandemia mortal.

Los múltiples protagonistas son vigilados de cerca por el genetista hindú Mohinder Suresh, personaje que actúa como ligazón de todo el colectivo “súper” y que, siguiendo las investigaciones científicas de su padre, estudia la posibilidad de que en el mundo se estén desarrollando extrañas mutaciones que permitan a las personas destrezas fuera de lo común.

Así pues, la desviación genética es la posición que adopta la serie para explicar la aparición de poderes supranaturales en nuestro mundo cotidiano. Esta base mantiene ecos con otras grandes sagas de superhéroes, como X-Men, pero además, su tratamiento veraz implica la sugerencia de tramas que, en algunos casos, aportarán incluso momentos cercanos a la telenovela: si se trata de una cuestión de genes, la difusión de

Hiro frente a su padre Kaito Nakamura interpretado por George Takei mas conocido por Hikaru Sulu de Star Trek www.cinemascomics.com

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Peter Petrelli, uno de los heroes mas poderos de la serie junto a Sylar

esta “afección”, lógicamente, tenderá a transmitirse a través de la sangre. Se trata, por tanto, de una cuestión de familia, lo que permite introducir en la historia subtramas de hijos abandonados o lazos de sangre escondidos.

Lo que interesa de Héroes, aun así, es su capacidad para diseccionar desde la base de lo “habitual” un suceso tan anómalo.

Es inevitable considerar la posibilidad de que lo expuesto en la serie pudiera suceder en la vida real. ¿Podría el espectador sentirse identificado con esos héroes? El título, por eso, podría enmarcarse entre interrogantes. ¿Son “Héroes” los personajes que aparecen aquí, y que a veces se sienten perdidos con sus nuevos dones? La respuesta, compleja e intrincada en la ficción, se desarrollaría a lo largo de 4 temporadas que sufrirían durante su emisión los avatares, no menos complicados, del mercado real.

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Huelgas, ajustes y decepciones La primera temporada de Héroes cosechó un enorme éxito de audiencia y crítica. La historia, sin resultar extremadamente novedosa, había convencido incluso a los espectadores menos aficionados a la ciencia-ficción. La progresiva complejidad de la trama y las apariciones de nuevos personajes mantenían en vilo a unos seguidores que enseguida construyeron un universo propio de fans. Paralelamente, el programa logró reconocimiento en numerosos festivales, como el People Choice’s Awards, los Globos de Oro o los Emmys.

Los 23 episodios de la primera temporada cerraron un camino prometedor que, al continuar en una segunda temporada, comenzó a embarrarse sin remedio. La creación de esta nueva tanda coincidió con la temible huelga de guionistas de Hollywood que

se desarrolló entre 2007 y 2008, por lo que quedó profundamente cercenada. Tan sólo 11 episodios llegaron a rodarse. Tras su emisión, además, el público comenzó a reaccionar de una forma enconadamente negativa.

Diversos aspectos no llegaban a cuajar en esa continuación de la serie. La trama, de por sí enrevesada, se descentraba de un eje común y se alargaba, de forma aparentemente excesiva, hacia derroteros que el espectador no lograba encajar dentro del universo creado por Kring. El propio creador afirmó después sentirse insatisfecho con algunos resultados, y confesó que, de tener una segunda oportunidad, habría reformulado determinadas líneas narrativas.

Héroes perdió espectadores, lo que en el mercado televisivo supone una alerta roja de primer nivel. El bache de la segunda temwww.cinemascomics.com

porada afectaría a las siguientes, de modo que la trama futura volvió a revisarse y se introdujeron cambios estructurales. La tercera temporada trató de recuperar el pulso de las primeras impresiones, aunque la capacidad de influencia se había visto mermada por los aluviones de críticas de los fans. Diversos problemas internos –despidos de guionistas y diferencias de sueldos entre los miembros creativos- limitaron aún más el éxito inicial, y con la cuarta temporada, que teóricamente ya había recuperado el espíritu del programa, se cosecharon las peores audiencias (algo a lo que no son ajenas las descargas desde la Red). En mayo del 2010 se anunció el fin de la serie, a pesar de que Kring planeaba una quinta continuación. ¿Fue justa la situación que atravesó el programa? Desde los her-

videros de Internet, los fans demostraron que, incluso en los momentos de mayor tensión, se mantenía el apoyo de numerosos incondicionales, pero existía una corriente generalizada entre muchos otros seguidores que no perdonaba a Héroes la decepción causada por su repentino descontrol. A día de hoy, desde la distancia, sería más equitativo reconocer que el cambio de rumbo pudo ser un conflicto con múltiples causantes, algunas ajenas al equipo productor, y otras, tal vez, producto de una mala gestión.

Homenaje al papel A pesar de sus avatares económicos, Héroes es una de las series más recordadas dentro de la nueva oleada de ficciones televisivas.

Dos grandes bazas jugaron a su favor.

En primer lugar, la construcción de algunos protagonistas resultó especialmente carismática para el público receptor. Personajes como Hiro Nakamura (Masi Oka), un chispeante nipón capaz de moverse en el tejido espaciotemporal, o Claire Bennet (Hayden Panettiere), la animadora de instituto indestructible, consiguieron el aprecio instantáneo de los fans. Incluso los villanos, que siempre otorgan buena parte de la grandeza de una saga, tenían un soberbio exponente en el personaje del intuitivo Sylar, tan atractivo como peligroso. La posibilidad de observar nuevos superpoderes en cada nuevo personaje (desde los clásicos atemporales –la capacidad de volar, la superfuerza, la generación de fuego o electricidad- hasta otros más originales –memoria muscular, virogénesis, terraquinésis-) y los diferentes lazos de unión en-

Ilustracion realizada por el dibujante de comics Tim Sale, mostrando una de las visiones de Isaac Mendez www.cinemascomics.com

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tre ellos contribuían a la creación de un universo propio, vasto y profundo, que fue completándose con una amplia selección de merchandising. En el mundo de Héroes existía una mitología propia, con su particular panteón de Dioses.

En segundo lugar, la serie planteó desde el comienzo una respetuosa intertextualidad que homenajeaba al que se consideraba el verdadero origen de las tramas de superhéroes: el cómic, algo que, sin duda, iba a hacer las delicias de los aficionados a ambos medios.

La presencia de los comics es imperante en Héroes. Desde el interior de la propia trama se incluía ya la presencia de Isaac Mendez, un dibujante de tebeos con la capacidad de predecir el futuro en sus viñetas, lo que obligaba a los personajes a mantener como referente y guía de supervivencia sus publicaciones. Al mismo tiempo, en la web de la serie se empezaron a publicar semanalmente comics en formato digital (que posteriormente salieron al mercado en versión impresa de la mano de Wildstorm), de escasa duración, que complementaban la narración de la serie con aspectos que no se incluían en los episodios televisivos.

Pero también la propia construcción de la serie se basaba, en gran medida, en rasgos puntuales del lenguaje del tebeo. Los caracteres de los créditos imitaban una de las letras típicas con que los rotulistas añadían el texto a una página, mientras que se recurría con frecuencia a la relación visual entre los planos captados por la cámara y la composición de muchos de los dibujos creados por Mendez. Además, la serie se estructuraba no tanto en temporadas como en “volúmenes”, al igual que las novelas gráficas (la tercera temporada, por ejemplo, contenía dos volúmenes: “Villa-

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Portada realizada por Alex Ross (Marvels) para el comic de la serie

nos” y “Fugitivos”) y, en definitiva, la propia narrativa de la serie, con múltiples arcos individuales bajo una trama común más amplia, imitaba la estructura habitual de las colecciones sobre superhéroes.

Unos efectos especiales sólidos y convincentes completaban el conjunto de una serie que, a pesar de las irregularidades detectadas, supuso un precedente en la construcción de nuevas comunidades de fans y aportó una interesante perspectiva en el tratamiento de los populares superhéroes. A día

de hoy, Héroes se mantiene como un producto a tener en cuenta, y al que, en definitiva, sobrevive por encima de sus defectos y virtudes el desarrollo de una historia en la que tiene especial interés una capacidad que todos ansiamos con franqueza: la singularidad. O, mejor aún, la supersingularidad.

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EL PODER DE LA LUZ DE

Por Manuel Moros Qué duda cabe de que este año 2011 está resultando realmente superheroico. Después de las magníficas Thor y X-Men: Primera Generación, y antes que El Capitán América, llegará a nuestras pantallas Linterna Verde, la adaptación a la gran pantalla de uno de los personajes más emblemáticos de DC, una superproducción de casi 300 millones de dólares dirigida por Martin Campbell (Goldeneye, La máscara del Zorro, 007: Casino Royale o Al límite) y protagonizada por Ryan Reynolds (Buried).

Para conocer la historia de Linterna Verde debemos remontarnos unos cuantos años atrás; concretamente, unos miles de millones, a un tiempo en el que el Universo era todavía joven. La primera forma de vida inteligente apareció en el planeta Maltus en forma de unos seres de aspecto humanoide, altos, de piel azul grisácea y cabello negro, que evolucionaron hasta convertirse en una raza de científicos, de baja estatura, pelo blanco, piel azul y túnicas rojas dedicada a explorar los mundos a su alrededor. En un momento dado, un maltusiano llamado Krona utilizó su tecnología para doblar el tiempo y observar el Big Bang, lo que provocó el nacimiento del Mal, la creación de diferentes multiversos y la acelera-

ción de la entropía, causante de la disminución de la duración del Universo en mil millones de años.

Sintiéndose responsables, los maltusianos se trasladaron al planeta Oa (“en el centro del Universo”) y se convirtieron en los Guardianes del Universo, imponiéndose como misión mantener el orden cósmico y combatir el Mal. Para ello crearon a los robots Manhunters, patrulleros del Universo. Sin embargo, al creerse superiores a sus hacedores, se rebelaron contra ellos y fueron desterrados. Los Guardianes decidieron entonces que su nuevo cuerpo de guerreros estuviera compuesto por seres vivos que fueran dignos de tal honor. Dividieron el Universo conocido en 3.600 sectores dispuestos alrededor de Oa y asignaron a cada uno de ellos dos protectores. Como arma, los Guardianes les proporcionaron anillos de poder, que permiten que sus portadores proyecten rayos de energía verde con los cuales pueden conjurar objetos de cualquier forma y tamaño y cuyo único límite es la imaginación y el poder de la voluntad de su portador. Además, permiten que sus usuarios vuelen y puedan protegerse a sí mismos y a otros con campos de fuerza, lo que permite que viajen por el espacio exterior. También puede buscar firmas energéticas u objetos concretos y utilizarse como

traductor universal. Aparentemente, son computadoras semivivientes capaces de hablar con su poseedor y darle consejos. De hecho, cada Linterna Verde que se encuentre cerca de retirarse o de morir es responsable de buscar a su sucesor, pero si muere antes, el anillo por sí mismo es capaz de buscarle y entrenarle.

El anillo debe recargarse cada 24 horas terrestres apuntándolo hacia una especie de antigua linterna de color verde, de ahí el nombre de la nueva policía intergaláctica: Green Lantern Corps. Mientras lo hacen, algunos miembros de los Corps recitan un juramento que, con pequeñas variaciones de unos a otros, viene a decir: “En el día más brillante, en la noche más oscura ningún mal escapará a mi vigía.

Que aquellos que adoran el poder del Mal teman a mi poder...¡la luz de Linterna Verde!”

El poder de las baterías de poder de los Linternas emana a su vez de una Batería Central, una versión gigantesca instalada en Oa donde, al principio de los tiempos, los Guardianes almacenaron el poder de voluntad total de los habitantes del Universo. Buscan-

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do acabar con el Mal, los Guardianes encerraron dentro de esta Batería a la entidad del miedo, un ser de color amarillo llamada Parallax. Esta “impureza” dentro de la Batería es la causa de que los anillos no puedan afectar a objetos de color amarillo.

Junto con el anillo, cada Linterna Verde reclutado recibe un uniforme con una parte verde que recubre el torso y los hombros, mangas y perneras negras, botas verdes, guantes blancos, máscara verde y un símbolo en el pecho con el icono de los Linternas Verdes sobre un círculo blanco. Los nuevos reclutas son llevados a Oa para ser entrenados y en ocasiones, puede asignarse a un Linterna Verde ya experimentado para entrenar en el campo a un recluta dentro de un sector.

A lo largo de la historia de DC Comics ha habido varios Linternas Verdes. El primero de ellos fue Alan Scott, creado por el guionista Bill Finger y el dibujante Martin Nodell en el número 16 del cómic All-American Comics, publicado en julio de 1940. A diferencia de las versiones posteriores, su anillo era un objeto mágico. En un principio, los Guardianes, deseosos de preservar el orden del Universo, habían reunido la mayoría de energías místicas en un orbe llamado Starheart, que ocultaron en el corazón de una estrella.

Con el tiempo, el orbe adquirió consciencia de sí mismo en forma de la Llama Verde de la Vida, y desprendió una porción que, en forma de meteorito, viajó por las galaxias buscando un héroe donde encarnarse bajo el lema: “¡Tres veces brillaré verde! ¡La primera, para dar muerte. La segunda, para dar vida. La tercera, para dar poder!” Llegó a la Tierra y cayó en manos de un chino llamado Chang, que construyó con él una lámpara. Después de pasar por muchas manos, beneficiando a los puros de corazón y atrayendo la desgracia a los malvados, www.cinemascomics.com

Alan Scott, creado por el guionista Bill Finger y el dibujante Martin Nodell en el número 16 del cómic All-American Comics, publicado en julio de 1940.

un interno del manicomio Arkham Asylum llamado Billings lo convirtió en lámpara de tren. De esta forma llegó a Scott, un joven ingeniero ferroviario que viajaba a bordo de un tren para supervisar un puente que había diseñado. La compañía rival de un hombre llamado Decker lo hizo explotar a su paso, pero Scott sobrevivió gracias a la linterna, que le dio instrucciones para fabricar un anillo con el que combatir el Mal. Scott se convirtió de esta forma en el Linterna Verde de la Edad de Oro de los comics que, vistiendo un

vistoso disfraz de colores rojo y púrpura además del verde, inició su carrera como superhéroe forzando a Decker a firmar una confesión.

Gracias a su anillo, Scott era capaz de volar, caminar a través de objetos sólidos, paralizar o cegar temporalmente a sus enemigos, crear rayos de energía, fundir metales, crear objetos sólidos y campos de fuerza y leer mentes.

También podía protegerlo frente a cualquier objeto de metal, pero no contra maderas o plantas Cinemascomics │Julio 2011 │

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porque la Llama Verde es una encarnación de “las cosas verdes y vivas”. Linterna Verde fue miembro fundador de la Sociedad de la Justicia de América, el primer grupo de superhéroes de la historia de los comics, donde militaron también Flash y Hawkman, entre otros.

Otros Linternas Verdes fueron Guy Gardner, John Stewart y Kyle Rayner. Pero sin duda, el más famoso Linterna Verde de todos los tiempos ha sido Hal Jordan.

Después de la Segunda Guerra Mundial, cuando las ventas de comics de superhéroes cayeron en picado, se dejó de publicar la colección de Linterna Verde. Sin embargo, en 1956, tras el éxito alcanzado por la “vuelta a la vida” de Flash, el editor de DC Ju-

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lius Schwartz pensó que sería una buena idea hacer lo mismo con Linterna Verde. Un gran seguidor de la ciencia-ficción, Schwartz encargó al escritor John Broome y al artista Gil Kane dar una nueva perspectiva al superhéroe, alejándolo de los poderes místicos de Scott en favor de los temas del género. Así fue como Broome y Kane dieron forma a la cosmogonía de Linterna Verde que comentamos al comienzo de este artículo y que será la que se desarrolle en la película de Campbell. La primera aparición del nuevo Linterna Verde tuvo lugar en el número 22 de Showcase, publicado en septiembre de 1959. Tuvo tanto éxito que después de tres números, tuvo su propia colección, que apareció en los quioscos en agosto de 1960 y duró hasta mayo de 1972.

Hal Jordan es un temerario piloto de pruebas, un hombre “totalmente honesto y sin miedo” que es elegido por un moribundo Linterna Verde alienígena llamado Abin Sur después de que su nave se estrelle contra la Tierra para que ocupe su lugar. Jordan descubre pronto que, además de los superpoderes que le confiere el anillo, es miembro de la fuerza policial intergaláctica conocida como Green Lantern Corps, al servicio de los Guardianes del Universo, y que no es el único poseedor del fabuloso anillo, sino que hay 3.600 Linternas Verdes patrullando por todo el Universo.

Jordan es asignado a patrullar el Sector Espacial 2814, que incluye a nuestro planeta, tarea que alterna con sus ocupaciones como miembro de la Liga de la Justicia de América.

A lo largo de su abultada trayectoria, Jordan ha pasado por muchos cambios. El guionista Dennis O´Neil y el gran dibujante Neal Adams, que se hicieron cargo de la colección en el número 72, le involucraron en problemas más sociales que galácticos, como la pobreza, la corrupción, la delincuencia, las drogas o el racismo.

Sin embargo, debido a sus bajas ventas, la colección fue nuevamente cancelada en 1972, 17 números después. Fue retomada en 1976, y entre los números 151 (abril de 1982) y 172 (enero de 1984), Jordan fue exiliado por los Guardianes durante un año por prestar demasiada atención a los problemas de su planeta teniendo todo un sector del cosmos que vigilar. A su retorno a la Tierra, debió elegir entre su novia, Carol Ferris y llevar el anillo, y ya se sabe lo que dice el viejo proverbio de las dos carretas...Durante su voluntaria renuncia, los Guardianes eligieron al arquitecto de color John Stewart como su sucesor.

Jordan volvió a ponerse el anillo en 1985, durante la saga conocida www.cinemascomics.com

como Crisis en las Tierras Infinitas. Un momento clave en la evolución del personaje fue la línea argumental de El reino de los superhombres donde, aprovechando la muerte de Superman, un alienígena llamado Mongul llega a la Tierra y destruye la ciudad natal de Jordan, Coast City, matando a sus siete millones de habitantes. Cegado por el horror y el espanto, Jordan fue poseído por el maligno Parallax. Después de ser recriminado por los Guardianes por utilizar el anillo para reconstruir la ciudad, Jordan descarga su rabia contra ellos, matando a los Green Lantern Corps, a todos los Guardianes menos a uno llamado Ganthet y absorbiendo todo el poder de la Batería Central con la intención de reconstruir todo el Universo. Ganthet entregó un poderoso anillo a un dibujante llamado Kyle Rayner quien, junto a otros superhéroes como Flecha Verde, consigue acabar con Jordan, ahora conocido simplemente como Parallax después de renegar de su título de Linterna Verde.

Después, Rayner consiguió resucitar a los Guardianes y reclutar nuevos Corps.

Durante la historia llamada Noche Final, Jordan regresa y se redime sacrificándose para volver a poner en ignición el Sol, extinguido por www.cinemascomics.com

el Devorador de Soles. En la miniserie El Día del Juicio, Jordan salió del Purgatorio convertido en el Espectro, apareciendo como tal en otros comics de DC como Superman. Una nueva caída de ventas hizo que la editorial contratara a Geoff Johns, un experto conocedor del universo DC y guionista en los últimos tiempos de varias de las mejores historias protagonizadas por Superman, para que devolviera a la vida a Jordan como Linterna Verde, como hizo en la magnífica miniserie Rebirth, donde Jordan descubre la verdad sobre Parallax y logra librarse de su influencia, volviendo a su cuerpo físico que Rayner rescató del Sol, donde quedó conservado intacto. En la actualidad, Hal Jordan/ Linterna Verde sigue protagonizando vibrantes sagas de entidad cósmica, enfrentándose junto a los Corps a amenazas siderales como el malvado renegado Corp Sinestro, en una serie de arcos argumentales dotados de una solided narrativa poco frecuente en estos tiempos. Ello explicaría la confianza depositada por la Warner en su adaptación a la gran pantalla, que cuenta con secundarios de lujo como Mark Strong en el papel de Sinestro, Angela Basset y Tim Robbins, y las voces de grandes como Geoffrey Rush y Michael Clarke Duncan, que

lamentablemente no podremos disfrutar en la versión doblada.

La película, además, cuenta con el aliciente no solo de presentar al gran público un superhéroe tan interesante como muchos otros pero tal vez menos conocido, sino que, al desarrollarse entre la Tierra y los vastos espacios siderales, también ofrece la oportunidad de visitar otros mundos, donde tienen lugar las mejores escenas y por donde desfilan los personajes más interesantes. Añádase a todo esto el siempre magnífico trabajo del montador Stuart Baird (La profecía, Superman, Lady Halcón, Arma letal, 007: Casino Royale...), la banda sonora de James Newton Howard y unos efectos especiales espectaculares sin caer en el exceso y no tendremos ninguna excusa para perdernos esta superproducción. Y quien lo haga...¡que tema la terrible venganza del poder de la luz de Linterna Verde!

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¡Concurso Cinemascomics!

Con motivo del estreno de la película Green Lantern y gracias a Planeta DeAgostini Cómics, os traemos la oportunidad de ganar un ejemplar de Orígenes: Green Lantern, de Geoff Johns, Ivan Reis y Oclair Albert, para participar tan solo tenéis que contestar a la siguiente pregunta antes del 31 de agosto al e-mail: concursoscinemascomics@gmail.com

¿Para que empresa trabaja Hal Jordan como piloto de pruebas?

DC Origenes: Green Lantern guión

Edición original: Green Lanter Nº 29 a 35 USA Precio: 18,95 € Guión: Geoff Johns Dibujo: Ivan Reis Formato: Libro cartoné, 176 págs. color.

dibujo

Origen secretO libro 2

¿La Tierra, abin Sur? ¿Por qué PreTendeS avenTurarTe en eSa PrimiTiva boLa de barro?

es mi destino.

La vida del piloto Hal Jordan ha sido un desastre desde que su padre murió en un accidente de avión. Sin embargo, la llegada de un alienígena moribundo llamado Abin Sur cambiará su vida para siempre. Este volumen escrito por Geoff Johns y dibujado por Ivan Reis actualiza el origen de Green Lantern y nos cuenta su primer viaje a Oa, su encuentro con Sinestro, el hombre que sería su archienemigo, y también su primera toma de contacto con la leyenda que auguraba el advenimiento de La noche más oscura.

Pondré fin a ese horror. Quiero saber más de vuestras visiones acerca del futuro.

no os daré el lujo de elegir cuándo me habláis o no.

Y no olvides visitar la minisite que Planeta de Agostini Comics le ha dedicado al personaje. http://greenlantern.planetadeagostinicomics. com Y sobre “la noche más oscura”.

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APOCALIPSIS DE STEPHEN KING 3: SUPERVIVIENTES Contiene The Stand: Soul Survivors HC USA Guión: Roberto Aguirre-Sacasa a partir de la novela de Stephen King Dibujo: Mike Perkins Formato: Tapa dura, 160 páginas.

PVP: 7,95 € Editorial Panini Llega el tercer volumen de la aclamada adaptación de una de las más importantes epopeyas creadas por Stephen King, el maestro del horror.

Nick Andros ha emprendido su camino y se ha aliado con Tom Cullen. Después de todo el espanto producido por el Capitán Trotamundos, un viaje en bici desde Oklahoma a Nebraska parece algo divertido, ¿verdad? Salvo por el detalle de que es temporada de tornados, y no todo va a salir bien para nuestros héroes.

PANINI NOIR. UNA HISTORIA DE VIOLENCIA Guión: John Wagner Dibujo: Vince Locke Formato: Libro en tapa dura. 296 páginas.

PVP: 25 € Editorial Panini ¡El cómic que inspiró la extraordinaria película de David Cronenberg, en una cuidada edición como no se ha realizado nunca antes. Tom McKenna es un hombre de familia convencional que de la noche a la mañana se ve convertido en una celebridad, después de plantar cara a un par de delincuentes. Pero la fama que ha llamado a su puerta también despierta la curiosidad de quienes llevan siguiendo su rastro desde hace más de veinte años: terribles criminales que le devolverán a un pasado de violencia que creía olvidado.

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STARMAN Nº 03 (DE 06) Guión/Dibujo:ames Robinson/Guy Davis, Tony Harris Edición original: Starman 30-38, Starman Annual 2, Starman Secret Files, the Shade 1-4 USA Formato: Libro cartoné, 432 págs. color.

PVP: 38 € Editorial Planeta de Agostini Jack Knight es un ávido coleccionista que regenta una tienda de antigüedades y objetos de coleccionista en el corazón de Opal City. Pese a ser el hijo de Ted Knight, el héroe de la Edad de Oro conocido como Starman, Jack no se parece en nada a él.

Rebelde, cabezota y desdeñoso con el pasado de Ted, está claro que Jack no es ningún héroe. O al menos no hasta que sucede una tragedia...

Jack acepta a regañadientes el manto de su padre y se forja un camino como el último heredero del legado de Starman. Pero ahora todos los enemigos de Ted están decididos a eliminar a esta nueva estrella antes de que Jack tenga la posibilidad de brillar. ¿Podrá superar esos obstáculos para demostrar que tiene lo que hace falta para ser un héroe?

AVENTURAS EN LA BRIGADA DEL RIFLE Guión/Dibujo: Garth Ennis/Carlos Ezquerra Edición original: Adventures in the rifle brigade 1-3 y Adventures in the rifle brigade: Operation bollock 1-3 USA Precio: 15,95 € Formato: Libro cartoné, 144 págs.Color.

Editorial Planeta de Agostini Son británicos, malhablados, violentos y tienen un sentido del humor cruel y totalmente ajeno a la corrección política. Son un grupo de élite de la II Guerra Mundial. Y, bajo las órdenes del Capitán Darcy, solo tienen tres objetivos: hacer llorar a los nazis hasta que vuelvan a casa a abrazar a su mamá, ganar la contienda para los aliados y, en última instancia, recuperar el famoso testículo perdido de Adolf Hitler.

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