Brevísima historia del cine (Siglo XIX - 1960) - Armando Salcedo Dávila
Sin duda alguna, la industria cinematográfica se ha convertido en una de las industrias más prolíficas e importantes en el mundo, sin embargo, esta no siempre se trató de súper producciones millonarias con altísimos valores de producción. Al contrario, todo comenzó a base de experimentos que consistían en juegos ópticos como el taumatropo (1824) de John Ayrton, más tarde veríamos sistemas mejor desarrollados como el zoótropo (1834) de William Horner o el praxinoscopio (1877) de Émile Reynaud. Fue gracias a toda la experimentación previa que en el año de 1895 los hermanos Auguste y Louis Lumière crean el cinematógrafo, instrumento con la capacidad de grabar y proyectar imágenes, que a su vez se encontraba inspirado en el trabajo previamente realizado por Edison y Dickson con el kinetoscopio y los experimentos fotográficos llevados a cabo por Eadweard Muybridge. Como dato curioso, los hermanos Lumière no creyeron que la industria cinematográfica tuviera un mayor futuro, la veían más como una moda pasajera, por lo que optaron por dejar a un lado su propia invención. Dado el éxito obtenido por los Lumière y su invención, hubo gente que tomó inspiración para llevar a cabo sus propios proyectos cinematográficos y ayudar a dar camino a esta industria que apenas comenzaba a consolidarse, como fue el caso de George Méliès a quien conocemos mejor como “el mago del cine”, apodo que viene al caso por recurrir al uso de distintas técnicas de edición y montaje que ayudaban a crear efectos especiales nunca antes vistos, y que con ello logró entregar distintas obras fuertemente influenciadas por temas fantásticos. Dado que los Lumière negaron la venta de un equipo cinematógrafo a Méliès, este último debió adquirir un aparato de características similares en Inglaterra. Contrario a lo creído por los Lumière, el cine obtuvo una gran aceptación y así es como la industria cinematográfica comenzó poco a poco a establecerse en diferentes locaciones del mundo ¿los resultados? el establecimiento de diversas compañías encargadas de la realización de grandes obras influenciadas por distintas corrientes de pensamiento. Por un lado los alemanes siguieron un camino un tanto experimental con el cine expresionista, mientras que en occidente, más precisamente en Estados Unidos, los productores buscaban crear historias que pudieran ser totalmente monetizadas, es así como nace Hollywood. De la misma manera, en este periodo de experimentos y cambios, surge el cine sonoro, elemento que llegó a revolucionar una vez más todo lo ya establecido, pues agregaba una nueva dimensión a las películas y otorgó la posibilidad de crear una narrativa más sólida con la inclusión de diálogos hablados. Dentro del gigante llamado Hollywood surgen dos sistemas que se vuelven muy importantes para medir el éxito/calidad de una película, éstos son el Studio System y el Star
System. El Studio System consiste en el establecimiento de estudios formales que se encargarían de la producción de las películas, aquí podemos destacar a los cinco estudios que dominaron la escena, son comúnmente conocidos como los cinco grandes y la mayoría de ellos aún existen: • Paramount • Metro-Goldwyn-Mayer • 20th Century Fox • Warner Bros • RKO De la misma manera, surgieron los tres menores y algunos independientes: • 3 menores: • United Artists • Universal Studios • Columbia Pictures • Independientes: • Charles Chaplin • Walt Disney • Fleischer Studios Pero ¿qué sería de un barco sin tripulación? para eso se formó el Star System, método en el cual se creaban, promovían y explotaban a las estrellas que estelarizaban los más grandes hitos Hollywoodenses. Las diferencias entre las convenciones bajo las que se producían películas al rededor del mundo seguirían siendo muy marcadas, mientras que en Estados Unidos se preferían las historias lineales donde el protagonista debe alcanzar cierta meta o propósito, en Italia surgió el neorrealismo, corriente posterior a la Segunda Guerra Mundial y que de cierta forma mostraba las consecuencias de la desorganización y reestructuración social que atravesaba el país tras la guerra. En Francia se vivió la Nueva Ola Francesa, movimiento
que se caracterizó por los bajos presupuestos a los que los directores tenían acceso, las historias no eran tan trascendentes y sus finales eran abiertos. No menos importantes, cabe recalcar el gran trabajo realizado en Japón por directores de la talla de Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu, Ishiro Honda o Hiroshi Inagaki. Así mismo en Rusia se realizaron grandes obras basadas en la presión social que se vivía en el país en aquel momento, Serguéi Eisenstein, Kuleshov y Pudovkin figuran entre los directores más importantes e influyentes. Ni siquiera nuestro país -México- se salvó del alcance del denominado séptimo arte, llegó gracias al presidente Porfirio Díaz y tuvo su era dorada durante los años que duró la segunda guerra mundial (1939 - 1945). Además, por nuestro país desfilaron diversos actores de renombre en el ámbito internacional, como fue el caso de Sergei Eisenstein con “¡Que viva México!”. Por otra parte, Luis Buñuel, director español naturalizado mexicano, dirigió un total de 19 películas en nuestro país, siendo “Los Olvidados” su obra más importante, a pesar de que al momento de su lanzamiento sufrió de censura y malas criticas, en la escena internacional le sucedió todo lo contrario e inclusive años después fue incluida dentro de el programa “Memoria del Mundo” perteneciente a la UNESCO. Es increíble como una industria que comenzó hace tanto tiempo continúe vigente hasta nuestros días, así mismo resulta interesante todos los cambios a veces tan drásticos por los que atravesó y aún más interesante resulta la cantidad de grandes obras que han surgido a través del tiempo y como éstas continúan siendo un referente histórico, además de funcionar como objetos de estudio. Teniendo ya una idea de como se dio el surgimiento y desarrollo del cine, continuaremos hablando sobre una industria que se desarrollaba de manera paralela a la cinematográfica durante el siglo XX. A pesar del gran peso que hoy en día tiene, no siempre tiene el reconocimiento que se merece e inclusive en ocasiones llega a pasar desapercibida cuando en realidad su aportación a la industria es de suma relevancia. Hablamos de la animación y las caricaturas. El amanecer de las caricaturas: lo que podemos aprender de la historia. Luis Alejandro Carrasco Molina Esta es una introducción que abarca el inicio de la formalización y del desarrollo de la animación, desde los tiempos en que poco a poco va siendo moldeada y se convierte “en su propia era dorada” hasta que llega a formar parte del folklor culturar de forma definitiva. Considero que después de retomar un poco de la historia es posible tener el conocimiento necesario para entender el la forma en los que los eventos se desarrollaron en esta industria
para entender cómo se aproximaban al lado cinematográfico. Retomando una cita de George Orwell — 'He who controls the past controls the future’. Entendiéndose por esto un entendimiento de la historia para aplicarla en el presente. A la primera parte de la industria de la animación se le otorga nombre de “La era silenciosa de la animación” nombre dado a ella, no solo por la falta de sonido, sino por la forma teatral en las que se exhibían estas animaciones; estaban siendo consideradas una atracción más en las ferias, o como casual entretenimiento para los niños. Esta etapa como en cualquier tecnología o medio de entretenimiento que despegue, empezó de forma despistada de su propio potencial. Hubo novedad técnica pero nada resaltable todavía, esto era obvio pues el éxito todavía no llegaba al mundo de la animación y con las tensiones de la gran guerra era un retraso más para que la animación se impulsara. Es en este periodo donde encontramos nuestro símil con la historia del cine; Winsor McCay famoso por su caricatura de “Gertie, el dinosaurio” creía que el uso de sonido haría torpes a las caricaturas, sentimiento que se compartía con algunos directores de cine de la época. Ya en los años 20’s la formalización va creciendo, y con la Gran guerra en el pasado, los primeros estudios que se habían formado pueden empezar una competencia más seria para ganarse al público (Bray productions vs. Barré studios) es importante tener en cuenta que los animadores trabajando eran artistas y caricaturistas (profesión bastante lucrativa en su tiempo). Acontecimiento de gran importancia debido a que esta pelea por audiencia impulso la competencia jalando a más novatos y aspirantes en la animación entre ellos Walt Disney. Este último participante en el “Boom” de los estudios de animación se encontró haciendo sus propios cortos con muy poco éxito, por lo que se mueven a California donde junto con un equipo de animadores y músicos crean “Steamboat Willy”, apreciado por su coordinación musical generan un éxito rotundo que le da a Disney el poder de seguir produciendo; ese mismo año se estrena “Luces de Nueva York” (1928) primera película complemente con sonido, sin embargo, no fue la primera película con sonido, así como con “Steamboat Willy” esta no era la primera caricatura con sonido, Terry's DINNER TIME ya había sido exhibida pero con poco éxito y malas críticas, inclusive del mismo Walt Disney. Además de marcar el comienzo de “La época dorada de la animación” época que durara aproximadamente 30 años. Citando a Tony White en su ensayo en historia de la animación “By this time the Disney studio had unquestionably become the most influential studio in the world, due primarily to Walt pushing harder and faster for finer animation and improved storylines .Indeed, he invested all of his resources into this objective, arguing (quite rightly) that the longer-term profits on this kind of investment would outshine all other less-visionary approaches.”
Walt Disney inyectaba capital en la animación como pocos, lo que hace que se mantenga en la cima, efecto que provoca que los estudios de animación traten de llegar y quitarle ese lugar. Los estándares en producción suben, la animación se diversifica y la competencia aumenta. En este periodo las caricaturas de Fleischer están en la cima de los cortos animados junto a Félix el gato; mientras Walt Disney domina el área cinematográfica. Con excepción de algunas aportaciones de los estudios Fleischer, Disney está en la cúspide del negocio de la animación, ganando los Academy Awards de forma continua, año tras año. Poco a poco los estudios originales van perdiendo a sus animadores tanto laboralmente como por edad, los estudios Fleischer en varias locaciones se van a paros y a huelgas. Mientras Disney sigue innovando a pasos agigantados año con año, cambiando paradigmas e inclusive probando erróneos a los críticos de cine que decían que la gente no pagaría por ver más de una hora de caricaturas. En un último aire los estudios Fleischer sacan al público “Los viajes de Gulliver” teniendo un gran éxito pero causando que sea absorbido por “Paramount”. Al final de esta línea de tiempo vemos como los “Looney Tunes” van creciendo en popularidad, rasgo que más adelante les ganara el amor del público con respecto a comedia; y todos los estudios originales de animación van pereciendo o siendo absorbidos por grandes compañías. En este último periodo es cuando llegan las caricaturas de una nueva etapa en el estilo de animación más moderno y con enfoque en la producción en masa, todo esto a finales de 1950. A través de los años se ve un progreso enorme propiciado por Disney y su filosofía de siempre innovar. En contraste con el cine en todos esos años, las caricaturas eran afectadas de poco a nada por las corrientes sociales, mantenían el humor mecánico muy dirigido a un público infantil, solo por unos breves años durante la Segunda guerra mundial es cuando se ve un cambio de paradigma en la creación de caricaturas tanto por Disney como por otros estudios, enfocándose a temas de paz o siendo contratados por el gobierno para la creación de propaganda que usualmente era dirigida para los soldados, quienes usualmente tenían deficiencia para leer y escribir. En los años dorados antes de la gran capitalización de las caricaturas como series de televisión, la presión que había hacia los animadores era más leve pues liberaban cada episodio por separado y no estaban atados de forma apretada a horarios y tiempos de producción; aspecto importante porque esto resulto en una ruptura de estática en ángulos de cámara y tipos de plano. En la animación mayormente más dinamismo implica trabajo por parte del equipo de animación, lo que sucede en estos tiempos es algo que el cine no podría logra por falta de tecnología; ángulos como ver a un personaje desde la punta de una torre en picada, tener un “Dolly” imaginario enfrente de un tigre corriendo, tener el punto de vista de alguien rodando por las escaleras, etc.
La conclusión a la que he llegado es que las caricaturas han estado aportando al cine contemporáneo con cosas que en la vida real no se pueden lograr hacer ,de forma más sutil pero las caricaturas han transmitido un poco de su gracia y de su creatividad hacia la más “seria” industria del cine. A continuación se hablará un poco acerca de uno de los grandes pioneros de la animación: Max Fleischer.
Max Fleischer (1883-1972) Rodrigo Aranda Villanueva
Fue un director y productor de cine, animador e inventor americano nacido el 19 de julio de 1883 Fue un pionero muy importante en la historia de la animación además de que invento el rotoscopio y el uso de la rotoscopía en sus cortos animados. Fleischer utilizaba el rotoscopio para lograr una animación muy natural y fluida Fue la cabeza de Fleischer Studios y responsable de la creación de personajes como Popeye, Koko el payaso, Betty Boop y la primera adaptación animada de Superman. En su adolescencia trabajo como repartidor de periódico de The Brooklyn Daily Eagle, después de esto se dedica a ser caricaturista y conoce a Jhon Randolph Bray, quien fue responsable de hacer la segunda película de animacion a color The Debut of Thomas Cat (1920). Fleischer Studios, subsidiaria de Paramount Pictures, fue notable ya que fué el primer estudio en hacerle competencia a Disney en la época dorada de la animación. Fleischer inventó la técnica de seguir la pelota que rebota en la letra de las canciones de sus animaciones, esto para que la audiencia presenta cantara las canciones de los cortos animados llamados Sound Car-Tunes.
Estos cortos eran acompañados por música en vivo en las salas de los cines como era común en la época del cine mudo. Los cortos tuvieron un papel muy importante en la utilización del sonido en el cine de animación. Existieron 36 títulos, de estos 19 usando el proceso de sonido en el film con el phonofilm desarrollado por Lee Deforest en los años veinte. Algo notable en los personajes de Fleischer es el hecho que la mayoría eran humanos, contrario a Disney que utilizaba animales antropomórficos. Después del éxito con la experimentación del sonido, el estudio hizo una transición al cine sonoro con facilidad, empezando con la serie de Talkartoons donde el protagonista Bimbo luego sería reemplazado por su novia Betty Boop. Betty Boop en sus inicios fue un personaje muy importante debido a que era un símbolo de sensualidad, su éxito fue muy grande hasta el año de 1934 donde se publica el código Hays, el cual fue un código de producción cinematográfico que determinaba con una serie de reglas restrictivas qué se podía ver en pantalla y qué no en las producciones estadounidenses. Debido a esto la sexualidad en sus cortos fue neutralizada y Paramount tuvo problemas financieros. Después de esto adaptaron un estilo más al estilo de Disney cuyas producciones eran dirigidas a un público más general. Después de adquirir los derechos de la tira cómica de E.C. Segar “Popeye el marino” el estudio crea una serie animada de Popeye y se convierte en un éxito rivalizando así hasta Mickey mouse en popularidad. En 1940 Fleischer crea la serie de Superman basada en el personaje de DC comics, la cual fue un éxito inmediato debido a su estilo de dibujo ultra realista. Después del éxito de Disney con Blancanieves y los siete enanos, Paramount le deja a Fleischer hacer la primera película animada largometraje del estudio “Los Viajes de Gulliver (1939). Sin embargo la película no recaudó lo suficiente para compensar el precio de producción de $500,000 dólares. A continuación su segunda película “Mr. Bug Goes to Town” (1941) fue un fracaso debido a que dos días después de su estreno sucede el ataque a Pearl Harbor. El 24 de Mayo de 1941 paramount absorbe Fleischer Studios.
Fleischer es reconocido por sobre todo la experimentación de nuevos estilos para integrar en sus animaciones. Utilizaba algunos elementos surrealistas en sus cortos de Blancanieves (con Betty boop) y Bimbo´s initiation de igual forma la atmósfera de sus animaciones eran únicas y no muy agradables para un público general y muy diferente a Disney. Sus animaciones antes del código Hays fueron muy populares debido a que hoy en día no se pueden utilizar temas como sexualidad en animaciones americanas.
Referencias:
https://cinecam.wordpress.com/historia-del-cine/el-invento_el-cine-a-finales-delsiglo-xix/
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