Directoras Protagonistas de la historia Sofía Rodríguez Rosales
Toda la información e imágenes acerca de estas directoras fue recogida y adaptada de diferentes páginas webs, películas y libros
Contenidos Introducción Biografías Alice Guy Lois Weber Dorothy Arzner Maya Deren Jane Campion Lucrecia Martel Kathryn Bigelow Ava DuVernay Sofía Coppola Conclusión Fuentes bibliográficas
Introducción ¿Sabías que la primera realizadora de una película fue una mujer? ¿O que en 1913 fue Lois Weber una de las primeras personas en mostrar múltiples acciones en paralelo? Desde que se escribe la historia, las mujeres han tenido que luchar para conseguir mejoras en sus vidas, destacar y poder dar su opinión; aun cuando lo han conseguido han sido borradas de los libros. A las mujeres por mucho tiempo se les ha negado estudiar, tener una profesión, un trabajo, independencia económica y se les ha negado la posibilidad de acusar la violencia hacia ellas. A pesar de tener todo en contra, hay muchas mujeres que han podido triunfar, combatir la violencia y la desigualdad, pero siguen siendo dejadas en el olvido. Esto no es diferente dentro del cine, pues cuando se pone en boca, lo primero que se nos viene a la cabeza son películas hechas por hombres, si le preguntas a una persona de seguro conoce a Hitchcock, Stanley Kubrick, Nolan, Tarkovski, etc. Pero a la hora de hablar de directoras, pocas o ninguna son las que se vienen a la mente. Esto no significa que no haya mujeres en la historia del cine, de hecho, sin su presencia dentro del séptimo arte, no sería como lo conocemos hoy en día. Aunque la época en la que estamos viviendo ha permitido que cada vez se visibilice más a las mujeres, no significa que hayamos terminado la lucha que permite la libertad de todos y todas. Para eso es de mucha importancia prestar atención a aquellas que han sido dejadas en el olvido y a las que hasta el día de hoy hacen historia. El objetivo de este recopilado biográfico es mostrar a mujeres como protagonistas, pues su presencia es esencial dentro del cine y son además, una inspiración para numerosas otras que siguen intentando ganarse un espacio en el mundo.
Biografías
Alice Guy Blaché (1873-1968): La primera realizadora Si bien es cierto en 1895 los hermanos Lamiere patentaron el cinematógrafo, pero la mirada que tenían de su invento era hacia lo comercial; Sin embargo, Alice Guy logró ver el potencial artístico que esta nueva idea tenía. Aun así por mucho tiempo su nombre fue olvidado ¿Por qué? por el único hecho de ser mujer, según Alison McMagan en “Alice Guy Blaché, una visionaria perdida del cine (2008)” los historiadores decidieron ubicar a Georges Meliés en el título de primer director, dejando en el olvido a Alice, quien recién en el 2017, tras 49 años de su muerte ha ido recuperando su papel en la historia del cine gracias a diferentes movimientos, presentaciones, libros y películas que tienen el fin de recordarla y reincorporarla en la historia. Nacida en París el 1 de julio de 1873, Alice pasó su infancia entre Suiza, Francia y Chile, debido a que su padre era escritor y dueño de una cadena de librerías. Cuando murió su padre, Guy entró a estudiar mecanografía y taquigrafía, lo que la llevó a trabajar como secretaria en la compañía de fotografía de Leon Gaumont. En 1895 los hermanos Lamiere invitaron a Gaumont y a Alice a ver su demostración del cinematógrafo. En medio del Salón Indio del Gran Café, nació en Guy una idea, por lo que maravillada convenció a su jefe que allí había un negocio; Aunque, Gaumont solo apostó por el aparato y no a su uso en películas. Alice estaba emocionada con la idea de contar historias a través de la cámara, lo que su jefe permitió según Guy “siempre y cuando no interfiriera en su trabajo de secretaria”. Así fue como en 1896 Alice combinó las imágenes en movimiento con sus conocimientos de arte teatral e inició la primera película narrativa: “La Fée aux Choux” (El hada de los repollos, 1896). Una película sobre un hada que hace nacer a los niños y niñas de repollos y rosas.
Después de que esta y otras producciones se volvieran un éxito de ventas, el señor Gaumont decide sustituirla de su puesto de secretaria para colocarla en el frente de la productora dirigiendo películas bajo su supervisión. Durante esta etapa Guy se dedicó a investigar y experimentar, creando sus primeros trucos, utilizando cachés, la superposición y la proyección de la banda hacia abajo. En 1906 filmó “La vida de cristo”, rodada en el bosque de Fontainebleau, fue la primera película de gran presupuesto de la Compañía Gaumont, que además contó con la participación de unos trescientos extras. En 1907 contrajo matrimonio con quien se transformaría en su socio y coproductor Herbert Blaché, un camarógrafo y director. Juntos marcharon hacia Estados Unido y abrieron en Nueva York una sucursal de Gaumont. En 1910 Guy fundó su propia productora cinematográfica Solax Company, donde dirigió diversas películas de distintos géneros. Sus cintas fueron un gran éxito comercial que la llevaron a tener su propio estudio de filmación ubicado en Fort lee, Nueva Jersey, lugar que se convertiría en uno de los más importantes para el mundo del cine. Con más de seiscientas películas y posterior a su divorció, en 1922 volvió a Francia, para más tarde regresar a Estados Unidos, donde la industria del cine tenía mayor apogeo, que sería su estancia hasta su muerte (1968). Sus películas eran caracterizadas por tener un protagonismo femenino, cámara fija, fondos pintados y protagonistas burgueses (aunque en sus películas incluía personajes de todas las clases).
En Woman’s Place in Photoplay Production (1913), Alice denunciaba la exclusión que las mujeres estaban teniendo en el mundo cinematográfico y mostraba al cine como un negocio cada vez más rentable. A pesar de ser reconocida en su tiempo y ser galardonada con la Legión de Honor por el gobierno francés en 1953, sus datos fueron borrados de la historia hasta hace muy poco tiempo.
Diferentes movimientos, presentaciones, libro y pelĂcula que tienen el fin de recordarla y reincorporarla en la historia.
Lois Weber (1879-1939): Una leyenda del cine
Nacida en 1879 en la cuna de una familia cristiana en Pittsburgh. Fue directora, actriz, guionista y la primera mujer en dirigir un largometraje. Adelantada a su tiempo, sus películas, muy populares, trataban temas como el aborto (Where Are My Children?), el control de la natalidad, la prostitución, el alcoholismo, la drogadicción (Hop, the Devil’s Brew), entre otros temas controversiales. Ella vio en el cine una oportunidad de contar historias que predicaran un mensaje social digno. Fue una actriz de teatro hasta que contrajo matrimonio con el director de la compañía en la que trabajaba, Wendell Phillips Smalley, quien además codirigió gran parte de sus películas. En 1908 entró a trabajar en la industria cinematográfica estadounidense como actriz, donde fue desarrollándose hasta ascender a los puestos de guionista y directora. Al poco tiempo Lois y Wendell entraron a trabajar en la productora Gaumont. En 1912 se hicieron cargo de la productora cinematográfica Rex, la que luego sería la escuela de cine de Lois. En 1913, Lois dirigiría el corto Suspense, siendo pionera en mostrar múltiples acciones de manera paralela: Una mujer hablando con su esposo por teléfono, mientras un maleante intentaba entrar en su
casa. Lois utilizó técnicas que crean un ambiente de tensión y que se dieron por sentado en las películas
historia con la escena en la que la estatua cobra vida como una mujer desnuda, translúcida en una doble exposición mientras se divierte en la pantalla.
de suspenso que vinieron después, como un plano en el que el vagabundo mira a través de la cerradura de la puerta, la toma de un cable telefónico cortado, etc. Otra de sus películas aclamadas y a la vez muy criticada fue Hypocrites (1915), donde alude a la hipocresía social, mostrando la predicación de un ministro a su congregación, para más tarde ver un retroceso en el tiempo, revelando como sueña con un monje medieval que talla una estatua. Marcando la
Además de temas controversiales, Lois intentaba poner de protagonista a mujeres con carácter, luchadoras, que debían enfrentarse a la sociedad patriarcal y a las costumbres de la época. Así se ve por ejemplo en: Shoes (1916) o en Where Are My Children? (1916) la cual fue prohibida en algunos Estados de EE. UU por tratar acerca del aborto y del control de la natalidad, ambas cosas que eran ilegales. En 1916 fue la directora mejor pagada de los Estados Unidos (hombre o mujer) y durante 1917 formó su propia productora, Lois Weber Productions. A la vez negoció importantes contratos de distribución con Universal y aseguró su difusión; no obstante, el cine se transformó en industria, la gente dejó de tener interés en los temas sociales y el cine llegó a manos del control masculino, dejando de lado la presencia femenina en los puestos importantes. En 1928 publicó un artículo en el que criticaba la falta de oportunidades que tenían las mujeres para entrar al campo cinematográfico. Pero aun así Weber continuó siendo realizadora hasta 1934, con su última película conocida Talkie. De ser una de más mujeres más exitosas y aclamadas de Hollywood, pasó a ser olvidada. Finalmente murió sola y en la quiebra en 1939. Pero no todo está perdido, ahora Weber ha sido redescubierta siendo reproducida en algunos festivales y proyectada alrededor del mundo.
Dorothy Arzner (1897-1979): La mujer detrás de cámaras en los años 30 y 40 Hollywood durante la década de los 30, tenía muchas mujeres frente a la cámara, pero solo una reinaba detrás. La periodista Alicia Malone la describe en su libro Backwards and in Heels “filmaba éxitos comerciales, vestía de traje, inventó el micrófono de boom, y fue la primera mujer en ser invitada al Sindicato de Directores de Estados Unidos, además de ser una ferviente feminista y lesbiana. En definitiva estaba adelantada a su tiempo”. Dorothy nació en San Francisco el 3 de enero de 1897, pero pasó su infancia viviendo en Los ángeles junto a su padre. Entró a estudiar medicina, pero prontamente se dio cuenta de que no era para ella. Durante la primera guerra hizo servicio en el cuerpo de ambulancias de Los Ángeles. Luego fue poco a poco escalando puestos en la industria cinematográfica hasta llegar al puesto de directora. Su carrera de realizadora duró 15 años, inició con Fashions for women (1927) que rápidamente se hizo un éxito comercial. Es recordada por ser la primera mujer en dirigir una película sonora Manhattan cocktail (1928). Trabajó junto a grandes personajes del cine y sus historias giraban en torno a protagonistas mujeres, inteligentes, de carácter fuerte y con coraje. En 1929 dirigió The wild party, durante el rodaje de esta película la protagonista Clara Bow tenía dificultades para utilizar el micrófono mientras hablaba y se movía, por ello a Arzner se le ocurrió la idea de colgarlo de una caña de pescar, pudiendo así seguir a la actriz sin que se viera en cámara, de esta manera nace lo que se conoce hoy como micrófono de boom. Más tarde en 1933 dirigió Christopher Strong un filme que retrataba a una piloto, interpretada por Katharine Hepburn, que se enamora de un parlamentario. La dirección de ambas películas la hicieron conseguir gran prestigio. En el mismo año se creó el sindicato de directores, del cual Arzner se
hizo parte, siendo así la única mujer en pertenecer hasta décadas después. Craig’s Wife (1936) protagonizado por Rosalind Russell se conoce por ser uno de sus más grandes éxitos. Sin dejar de lado otras producciones como Dance, Girl, Dance (1940), película que es reconocida por su trasfondo feminista, donde al igual que otras producciones destacan personajes fuertes e independientes, de la mano de Maureen O’Hara y Lucille Ball. En 1943 abandonó su carrera en Hollywood. Aunque nunca dejó el cine, dedicándose a grabar documentales y anuncios para la televisión, hasta su muerte en 1979, se sabe que dio clases en la universidad, donde uno de sus alumnos fue el conocido Francis Ford Coppola.
Su filmografía es conocida por saltarse los cánones del cine y por poco cae en el olvido, pero los movimientos feministas reivindicaron su carrera en los años 60.
Maya Deren (1917-1961): Precursora del cine experimental Maya Deren fue una directora de cine, bailarina, coreógrafa, poeta y escritora. Nacida en Kiev, Ucrania el 29 de abril de 1917 con el nombre de Eleanora Derenkowsky. A temprana edad en 1922 se traslada a Estados Unidos donde viviría hasta su muerte en 1961. Su reconocimiento viene por ser una de las principales realizadoras de cine experimental y madre del cine underground estadounidense de los años 40 y 50. Estudió periodismo y ciencias políticas en la universidad de Syracuse y la Universidad de Nueva York en 1936. Obtuvo una maestría en literatura inglesa de Smith College. Para Maya el cine era la unión de todas las artes. Según el British Film Institute Deren escribió “con el cine, puedo hacer el mundo bailar” y así lo hizo. Durante su corta vida dejó un enorme trabajo importante con varios cortometrajes, dos libros,
muchos escritos publicaciones.
en
Village
Voice
y
otras
En sus obras, además de recurrir a relatos poéticos y artísticos, traspasa el inconsciente del espectador, por medio del psicoanálisis y el surrealismo. Su cortometraje Meshes of the Afternoon (1943), premiada en el festival de Cannes, es considerada una de las obras de cine experimental más importantes del siglo XX. En donde la propia Deren interpreta al personaje central e innova en el modo de utilizar la cámara y en la estructura narrativa, realizada en conjunto con la coreógrafa Katherine Dunham y el cineasta Alexander Hammind, la película indaga en las imágenes interiores de una mujer, que siente terror en sus sueños hacia los objetos y momentos de su vida cotidiana. Deren tenía un preocupación y devoción por la naturaleza, el cuerpo humano y el movimiento. Esto toma forma en su segunda película At land (1944) y
en las que le siguen. Maya también aprendió y representó diferentes culturas, danzas, religiones, meditación y el proceso de cambio. Algunas de sus obras que lo demuestran son Divine Horsemen: The Living Gods of Haitise (1947) Meditation on Violence (1948), Ritual in Transfigured Time (1946). Deren sin duda atravesó por una búsqueda incesante para captar en cámara las perspectivas psicológicas y existenciales que transformarían el mundo cinematográfico. El surrealismo de Deren, diferente a otros, produce onirismo a través de inesperadas interacciones entre los objetos, como llaves que son cuchillos, teléfonos
que aparecen, lentes que ciegan, etc. La representación de los sueños y el subconsciente, muestran el interés de Maya por la psicología humana.
Jane Campion (1954): La primera mujer en recibir la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Directora, productora y guionista. Jane Campion es una de las cineastas con mayor importancia de nuestra época, siendo la primera mujer en recibir la Palma de Oro en Cannes (1993), y también la segunda de cinco mujeres en ser nominada a la estatuilla de los Oscar en la categoría a mejor dirección y ganadora del Óscar al mejor guion por The Piano (1994), una obra maestra que relata una sociedad donde las mujeres son sistemáticamente forzadas al silencio. Nació el 30 de abril de 1954 en Wellington, Nueva Zelanda. Hija de una actriz y un director. Estudió antropología en la universidad Victoria de Wellington, y pintura en la Escuela de arte de Chelsea en Londres. Más tarde cursa estudios en la Escuela australiana de cine y televisión. En 1980 filmó su primer cortometraje, Tissues. En 1986 lanzó girl's own story y ganó la Palma de oro al mejor cortometraje en Cannes por su producción Peel (1982) demostrando su extraordinaria habilidad de escritura e ingenio. Su primer largometraje fue Sweetie (1989) con el cual ganó varios premios internacionales, secundado por An Angel at my Table
(1990) basada en la autobiografía de la escritora Janet Frame. Luego de su éxito con The Piano en 1994, dirigió The Portrait of a Lady (1996), Holy Smoke (1999), In the Cut (2003) y Bright Star, esta última presentada en la competición de Cannes en 2009. En 1992 se casó con Colin David Englert, un compañero de rubro, con quien tuvo dos hijos, Jasper, quien murió a los 12 días y la actriz Alice Englert. A los 7 años de su hija, Jane se divorció de Colin. Ha sido presidenta del jurado en las secciones de Cortometrajes y La Cinéfondation en el Festival de Cine de Cannes en 2013, y presidenta del jurado en la sección principal en el 2014. Recientemente dirigió la serie Top of the Lake (2013-2017) para la televisión, ganadora de 7 premios AACTA, un Logie y un Globo de oro a mejor actriz (Elisabeth Moss), donde vuelve a demostrar su importancia en la industria cinematográfica. Jane Campion es y será una de las referentes más importantes dentro del séptimo arte
Lucrecia Martel (1966): La latinoamericana que deja su huella en el cine Es una de las cineastas más influyentes, nacida en Salta, Argentina. Su trabajo ha pasado por importantes festivales y es reconocida a nivel mundial. Descrita por la revista VOGUE como: “una cineasta desafiante. Evocando mundos que a veces se sienten como un sueño febril, el suyo es un estilo oblicuo de sonidos intrusivos, imágenes inquietantes y pequeñas pizcas de surrealismo. Martel te sumerge en historias y luego te hace descubrir sobre la marcha lo que está sucediendo”. Estudió en Buenos Aires en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica. Comenzó dirigiendo cortometrajes, tales como: El 56 (1988), Besos Rojos (1991) y el Rey Muerto (1995). También ha dirigido programas televisivos como D.N.I y el programa infantil Magazine For Fai.
Se ha convertido en un ícono en el “nuevo cine argentino”, luego de su primer largometraje ganador de premios en el Festival Internacional de Cine de Berlín, de la Habana y de Toulouse: La ciénaga (2001). En 2004 participó en el Festival de Cannes con el estreno de La Niña Santa y en el 2008 con La mujer Sin Cabeza. Las tres películas transcurridas en su ciudad de origen hablan sobre la Argentina rural, pobre e injusta. En 2011 recibe un reconocimiento como una de las cinco mejores cineastas de la década en Argentina a través del galardón Konex. Martel tardó casi 10 años en estrenar una nueva película, pero la espera tuvo sus beneficios, pues en el año 2017 exhibió Zama en la Selección Oficial de Venecia, una película basada en la novela de Antonio Di Benedetto de
1956, ambientada en la colonia, cuenta la historia de un funcionario español que espera con ansia un nombramiento para ser trasladado a Argentina. Aunque estuvo fuera de la competencia, esto no privó a la cinta de ser nominada y ganadora de varios otros reconocimientos nacionales e internacionales. Hasta ahora Martel se podría considerar como una de las mejores cineastas del momento, gracias a sus películas donde expresa su visión social, en contra de la situación política y social que está marcada por el patriarcado, el racismo, el sentido de la divinidad y el clasismo. Por ahora quedamos en la espera de que Lucrecia Martel vuelva a deslumbrarnos con otra de sus grandes e interesantes obras.
"El pensamiento es una cosa corrosiva. Es algo en si destructivo. Construye y destruye, construye y destruye. Pero en ese proceso corrosivo no es una cosa que pueda evaluarse en poco tiempo. Creo que los efectos o el proceso que puede generar. Mi cine es así, un fragmento de un proceso de pensamiento…”
Kathryn Bigelow: La primera mujer en ganar un Oscar Directora, artista, guionista y productora. Kathryn nació el 27 de noviembre de 1951 en Estados Unidos, San Carlos, California. Su padre dirigía una fábrica de pinturas y su madre era bibliotecaria. En sus comienzos se dedicó a la pintura, por lo que asistió al Instituto de Arte de San Francisco. Recibió clases de Susan Sontag sobre crítica cinematográfica en la Universidad de Columbia, Nueva York, lo que la llevaría a adentrarse en el mundo del cine. Estuvo casada con el también director James Cameron durante 3 años y fue apadrinada por Oliver Stone. Bigelow es toda una artista y una mujer digna de admirar, no solo por el hecho de haber ganado un óscar, sino por toda su trayectoria en el mundo del cine. Destaca por sus películas con temáticas de acción, bélicas y thrillers (un género que
equivocadamente ha sido asociado como masculino). Reconocida por su originalidad y realización demostrada en sus increíbles imágenes, secuencias de acción y el suspenso protagonista de su filmografía. Kathryn dirige y escribe muchas de sus películas. En 1987 lanzó lo que sería su primer filme Near dark, continuando con Blue Steel en 1989, la primera bajo un gran estudio de cine. Pero no fue hasta su película Point Break (1991) junto a Patrick Swayze y Keanu Reeves que recibe la mirada de la
crítica y los espectadores, debido a la estética visual y a las escenas de acción.
Luego de su gran éxito en los premios de la Academia ha seguido trabajando en el ámbito de las escenas de acción con Zero Dark Thirty (2012) película sobre una agente de la CIA (también nominada a los Oscar’s) y Detroit (2017) centrada en el asesinato de 3 jóvenes negros en la rebelión contra la violencia policial racista en 1967. Bigelow es una gran referencia para aquellas que no se atreven a lanzarse a hacer lo que quieran, debido a los obstáculos; deja una gran enseñanza en su célebre frase “Si hay resistencia específica a las mujeres que hacen películas, yo solo elegí ignorar estos obstáculos por dos razones: no puede cambiar mi género y me niego a dejar de hacer películas”.
A lo largo de su historia ha realizado diferentes filmes (por ejemplo Strange Days (1995), The Weight of Water (2000) y K19 (2002)) y trabajos televisivos (como el Capítulo 20 temporada 7 de la serie Homicidios en 1998) siempre ligados a la acción y el suspenso, pero durante el año 2010 queda grabada en la historia por su película "The Hurt Locker" (2008) un drama bélico sobre un equipo de soldados que se dedican a desactivar explosivos en Irak, una cinta que la lleva a convertirse en la primera mujer en ganar un Oscar a Mejor dirección y ganadora de múltiples otros reconocimientos.
Ava DuVernay: Una mujer que rompe esquemas Guionista, directora, productora y distribuidora Ava DuVernay, nominada y ganadora de múltiples premios (Oscar, Golden Globes, BAFTA y EMMY), nació el 24 de agosto de 1972 en Long Beach, California, EE. UU. No tomó una cámara hasta los 32 años, mientras cursaba estudios superiores, se interesó en la producción de noticieros y segmentos informativos. No estudio cine, ni tenía mucho dinero; Aun así hoy es una gran cineasta y un ejemplo para seguir. Fue becaria en CBS News y trabajó en los noticieros nacionales vespertinos, pero luego de su primer trabajo en el juicio de O. J. Simpson se sintió decepcionada, dando un paso hacia la publicidad y marketing, lo que la llevó a trabajar en distintas agencias de relaciones públicas como publicista, allí descubre que a Hollywood no le interesaban las historias hechas por afroamericanos; Sin embargo esto no la detuvo. En 1999 forma la Agencia DuVernay (DVA Media + Marketing), la cual ha recibido variados reconocimientos y trabajado en más de 100 proyectos de cine y televisión. En el 2005 con seis mil dólares, filmó un corto inspirado en la vida de su madre, una mujer trabajadora madre de tres niños. Debutó en el cine con This is the life (2008) un documental sobre el Hip Hop en Los Ángeles en los 90's. El primer largometraje en el que participa es I Will Fallow
(2010), seguido por Middle of Nowhere (2012) con el que ganó el premio a Mejor Director en el festival de cine de Sundance 2012, convirtiéndose en la primera mujer afroamericana en recibir este reconocimiento. Ha adquirido gran notoriedad por Selma (2014) un drama histórico sobre la lucha por los derechos civiles, el documental, nominado al Oscar, 13th (2016) acerca de la criminalización de los africanos
Algunas de sus fuentes de inspiración son Oprah Winfrey y Shonda Rhimes creadora de diversas series famosas como Scandal, Grey’s Anatomy, entre otras, de quien aprendió el término cláusula de inclusión: Exigir por contrato que el 50% de la producción, delante y frente a las cámaras sea compuesto por mujeres.
en las cárceles de EE. UU. En 2016, también hizo historia en televisión, contratando solo mujeres para dirigir su serie Sugar Queen, un drama familiar escrito por Natalie Baszile.
En el 2018 adaptó el clásico infantil “un pliegue en el tiempo” con un presupuesto de unos 100 millones de dólares, siendo la primera mujer negra en dirigir una superproducción. En 2019 presenta a través de la plataforma de Netflix la miniserie When They See Us en la cual se relata el caso de los 5 jóvenes injustamente condenados en EE. UU por una brutal violación, desde el punto de vista de lo muchachos y su familia.
Una mujer con poder y con ganas de compartirlo. Ava DuVernay lucha contra la injusticia racial a través de sus producciones y destaca el trabajo de los directores de cine de color y el de las mujeres por medio del colectivo ARRAY, basado en Los Ángeles, California.
Sofía Coppola: Nacida en y para el cine Solo un año después se casó con el director Spike Jonze con quien estaría hasta 2003, para luego en 2011 volver a casarse, con Thomas Mars líder del grupo Phoenix. En 1999 se hace conocida como directora al adaptar el libro de Jeffrey Eugenides The Virgin Suicide, una película de culto que combina belleza y muerte de la mano de las intrigantes hermanas Lisbon.
“En la vida real, la gente no dice todo lo que piensa. A mí lo que me atrae es expresar con imágenes lo que no se dice.” (Sofía Coppola) Sofía Carmina Coppola es la segunda mujer en ganar en la categoría a Mejor Director en el Festival de Cannes. Nacida en Nueva York en 1971 hija de Francis Ford Coppola y Eleonor Coppola.
En el año 2004 destaca en los premios Oscar al recibir una estatuilla al Mejor Guion Original por Lost in Translation, una historia situada en Tokio entre una mujer indecisa (Scarlett Johansson) y un actor famoso (Bill Murray), por el mismo filme se convierte en la tercera mujer en ser nominada a Mejor Dirección. Además la cinta recibe tres globos de oro y cuatro Independent Spirit Awards, demostrando ser una talentosa cineasta de méritos propios.
Creció literalmente frente y detrás de cámaras, inicio siendo partícipe de cada parte de la famosa trilogía de su padre “El padrino”, siendo en la primera tan solo un bebe y en la última interpretando a Mary Corleone papel por el cual recibió tan malas críticas que finalmente decidió solo dedicarse a interpretaciones poco importantes en diferentes películas. En el año 1989 escribió su primer guion en colaboración con su padre, en un corto de la película “Historias de Nueva York” (1989). En 1998 debutó como directora al estrenar el corto “Lick The Star”.
Sofía combina todas las artes dentro de sus películas “Me gusta hacer películas, y cuando las hago siempre hay algo también de otras cosas que me interesan, la
fotografía, el diseño, la ropa, la música...”, declaraba ella. La música, culminante en su cinta Marie Antoinette (2006), producción del tipo histórica que cuenta la vida de María Antonieta (Kirsten Dunst), entre la exuberancia y opulencia de convertirse en reina, al ritmo de canciones de The Strokes, Aphex Twin, New Order, The Cure, etc.
colegio de niñas que están aisladas del mundo en plena Guerra Civil en Estados Unidos, donde todo cambia al recibir a un soldado herido.
Próximamente estrenará “On the Rocks” que estará protagonizada por Rashida Jones, Bill Murray, Marlon Wayans, Jessica Henwick y Jenny Slate. Coppola hace protagonista a las mujeres de sus películas así como a Elle Fanning en Somewhere (2010) y a Emma Watson en The Bing Ring (2013), ambas películas situadas en Los Angeles donde Sofía explora la frivolidad y vacío de la fama en Hollywood. En el año 2017 vuelve a hacer historia al ser la segunda mujer en la historia en ganar el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes por la película The Beguilded la cual transcurre en un
Conclusión El séptimo arte cuenta con grandes mujeres que día a día trabajan arduamente para hacerse un espacio entre los hombres, debido al sistema patriarcal. Las aquí presentes son solo ejemplos de algunas realizadoras altamente destacables de la industria, existen muchas otras grandes cineastas que crean y cambian la historia del cine, y como ellas otras también hacen historia desde diferentes ámbitos. Se espera que esta instancia sea un pie para que aquellos o aquellas que la lean, tengan la oportunidad de buscar más realizadoras e indagar acerca de sus trabajos, teniendo así una gran posibilidad de descubrir nuevos mundos a través de la pantalla. Además esta pequeña recopilación de biografías tiene el fin de inspirar a otros y a otras a realizar sus sueños, destacando en lo que más les gusta hacer. Es necesario que muchas otras se atrevan a estar detrás de cámaras contando y hablando de lo que las inspira, para que no nos quedemos solo con algunas mujeres que destacan, si no que con más personas que brillan por hacer lo que les gusta.
Fuentes Bibliográficas: Toda la información e imágenes de estas directoras fue recogida y adaptada de diferentes páginas webs, películas y libros. www.eulixe.com elpais.com
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Alison McMagan en “Alice Guy Blaché, una visionaria perdida del cine (2008) www.bbc.com https://www.bbc.com/culture/art icle/20190318-lois-weber-thetrailblazing-director-whoshocked-the-world http://www.ocec.eu/ https://mujeresbacanas.com/ http://www.madridartprocess.co m/tendencias-arte-cultura/37tendencia/559-maya-deren-losorigenes-del-cine-experimental https://www.vogue.com/article/l ucrecia-martel-retrospectivefilm-society-lincoln-center http://www.lafuga.cl/lucreciamartel/735 https://mujeresbacanas.com/lucr ecia-martel-1966-argentina-esuna-de-las/
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