ART
LIMA es la Feria Internacional de Arte que se realiza anualmente en la capital del Perú. En ella participan galerías locales y extranjeras en torno a las que se reúnen artistas plásticos y visuales, coleccionistas, curadores, críticos, periodistas de todo el mundo y público en general. La Feria ofrece un amplio programa de actividades culturales y académicas que se expande a otros espacios de la ciudad. En este sentido, ART LIMA actúa como una plataforma para la exhibición de lo mejor del arte peruano e internacional facilitando el acceso y la creación de nuevos públicos, no solo en lo que respecta a compradores y coleccionistas sino también de espectadores atraídos por su propuesta inclusiva y abierta. ART LIMA genera el intercambio entre propuestas de arte nacional e internacional. Esta Feria de Arte fomenta la producción, promoción y comercialización de arte contemporáneo acercándolo al público a través de programas educativos y de coleccionismo. Esta Feria también se propone establecer y posicionar a las prácticas y actividades artísticas de Perú dentro del activo mercado internacional del arte contemporáneo.
ARTISTAS JOAQUIN LATORRACA CARLOS CRUZ DIEZ IGNACIO MONQUE ABEL VENTOSO HECTOR RAMIREZ PEDRO FERMIN GISSELINE AMIUNY CRISTINA COLICHÓN PEDRO MORALES
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Directora: Magdalena Arria
Desde 1976 Graphic se ha destacado por la promoción de jóvenes creadores nacionales e internacionales, el manejo de obras constructivistas y el trabajo con artistas de reconocida trayectoria como lo son Cruz-Diez y Soto. La galería mantiene una programación variada de exposiciones de arte de gran nivel selectivo. Ha participado en ferias internacionales tales como Art Paris, Art Miami, Artbo Colombia, entre otras. Durante diecinueve años ha organizado fia así como sus eventos paralelos.
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Joaquín Latorraca desde los años 60, ha recortado y fraccionado el cubo, creando obras estáticas. "Yo quería que mis obras se movieran, que tuvieran profundidad, que la obra respirase, y además interactuara con el público. Quería que el espectador pudiera disfrutar de ella, la pudiera transformar", cuenta el artista. Latorraca tenía 16 años cuando tomó sus primeros cuadritos de madera, los pintó y los guindó del techo. Esa obra, que define como "simple y sencilla", se convirtió en la clave de su nuevo trabajo artístico Instabile flotante, que muestra en la Galería Graphicart, en Las Mercedes.
INSTABILE FLOTANTE
Luego de 15 años sin exponer en Caracas, Joaquín Latorraca presenta una serie de doce piezas de medianos y pequeños formatos con variados soportes. "El cubo es una forma que representa la invención y la creación del ser humano. Trabajar y estudiar el cubo en su profundidad es investigar el universo. Por eso trabajo mis obras de forma fractal porque me planteo el caos. Cuando secciono el cubo y lo guindo en el espacio estoy trabajando en lo fractal. Estoy creando un caos de elementos y con ese caos logro una forma, una pieza, un elemento nuevo", dice. Cada pieza de Latorraca contiene entre 500 a 3.000 cubos en láminas de aluminio laqueadas. Estos elementos están distribuidos de una forma geométrica que permite que los cubos no se mantengan en equilibrio. "Así unos cubos con otros en el interior de la obra se convierten en miles y miles de cubos que están abiertos. Todos ellos están creando un objeto nuevo".
acido en Caracas, Venezuela; reside en París desde 1960. Sus inicios se remontan al Movimiento Cinético de los años 50 - 60. El desarrollo de su reflexión plástica ha modificado las nociones sobre la percepción del color en el arte. La propuesta de Carlos Cruz-Diez se fundamenta en el color concebido como una realidad autónoma, desprovista de anécdotas, que evoluciona en el tiempo y el espacio reales sin ayuda de la forma y aúzn sin necesidad de soporte. “En los últimos 50 años, he insistido en llevar el color al espacio, sin soporte y sin anécdota, revelándolo en su ambigüedad, como circunstancia efímera, en continua mutación creando realidades autónomas”.
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ARTE CINÉTICO
La reflexión plástica de Carlos Cruz-Diez ha modificado las nociones sobre el color en el arte. La mayor parte de sus investigaciones tienen origen en lo que él denomina soportes para acontecimientos cromáticos. Su obra pone en evidencia que el color, al interactuar con el observador, se convierte en un acontecimiento autónomo capaz de evolucionar en el tiempo y el espacio real, sin ningún tipo de anécdota y sin la ayuda de la forma o del soporte. “Por mi trayectoria cromática intento evidenciar el color como una situación efímera, como una realidad autónoma en continua mutación”.
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ace en Caracas, Venezuela el 1 de Febrero de 1960. Ignacio Monque toma unas pinzas. En sus manos, la poesía se escribe en hilos de metal. El creador venezolano construye versos a partir de Filamentos. El artista que comenzó a trabajar con el maestro Carlos Cruz-Diez a los 21 años, esculpe frases y significados escritos sobre el espacio y soportados en la pared. Con humildad, admite que su caligrafía no es cautivadora. Pero las tipografías de otros lo seducen y hasta lo desafían.
FILAMENTOS
La exposición, la primera individual del discípulo de Carlos Cruz-Diez y jefe de taller en su estudio de Caracas, está compuesta por nueve obras de mediano y gran formato esculpidas con extractos de textos de Alfonsina Storni, Pablo Neruda, entre otros. “De muchacho yo hacía muñecos, sin ninguna intención, sin ánimos de pretender que esto me llevaría a algún lado”, afirma el escultor que comenzó moldeando firmas. La primera de ellas, la obsequió a la esposa del maestro, Mirtha de Cruz-Diez.
bel Héctor Ventoso nació en Buenos Aires en 1975, lugar donde reside en la actualidad. Desde temprana edad e Impulsado por una fuerte motivación interna fue desarrollando su lado creativo y su vocación por la expresión artística. Su acercamiento formal con las artes plásticas se da cursando la carrera de arquitectura, y es en este proceso donde adquiere las herramientas básicas e indispensables para su formación. Si bien considera valioso haberse nutrido de una educación universitaria y de sus aportes académicos, fundamentalmente, su desarrollo no sigue programas institucionales. Es consciente de las imperfecciones de esta modalidad, pero así se siento a gusto, es parte de su identidad. Cada idea nueva entra inmediatamente en relación con el resto de sus conocimientos fundiéndose en un todo y dando así lugar a nuevas combinaciones. “El uso de materiales y técnicas no convencionales, me permite resaltar el valor de los aspectos volumétricos y su fuerza expresiva.
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DUALIDAD Y EQUILIBRIO
Los conceptos de dualidad y de equilibrio dinámico se hacen presentes a través de fuerzas opuestas pero complementarias, como luz y sombra. El carácter abstracto busca acentuar los aspectos formales, generando un lenguaje autónomo donde la experiencia visual se presenta como una clase de conocimiento irreducible. Desde temprana edad Abel Ventoso, artista argentino, fue desarrollando su lado creativo y su vocación por la expresión artística.
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acido en el Estado Monagas en 1955, Héctor Ramírez posee una sólida formación que abarca cursos y talleres de dibujo, pintura y diseño en el Instituto Universitario de Artes Plásticas “Armando Reverón”, en la Escuela “Federico Brant”, en la Escuela de Arte “Cristóbal Rojas”, en la Escuela de Arte “Rómulo Gallegos”, y en el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez. Ha trabajado en los talleres de arte y fundición de artistas de la talla de Campanella y Sigmann, así como de Carlos Cruz-Diez.
ESFERA VITAL Su obra ha sido exhibida en diversas colectivas, en la Feria Iberoamericana de Arte de Caracas, y en la Feria Internacional de Artes de Bogotá. Formado bajo la tutela del maestro Carlos Cruz-Diez, Héctor Ramírez hace gala en esta muestra de su afición por el cinetismo, a través de un conjunto de piezas en las que juega con líneas, formas y diferentes matices del negro, para crear la sensación de volumen y movimiento. “La esencia de la obra radica en la luz y su ausencia, lo que genera un tiempo y un espacio elástico ilimitado, energía y movimiento referentes al cosmo físico que pertenece al espectador. Es un proceso de búsqueda, de creación e investigación intuitiva en un camino libre… la idea es mostrar el resultado de ese trabajo de investigación y exponerlo al público”, explica Héctor Ramírez.
acido en Carúpano, Edo. Sucre. Estudió en l a Escuela de Artes Plásticas de Carúpano y en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas Caracas. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Venezuela. Pedro Fermín nació con una intuición cosmológica. Del mismo modo que unos tienen oído absoluto, y otros un talento para las lenguas, Pedro tenía desde niño un talento especial para conectarse con el cosmos, preguntarse por sus secretos y aventurar imaginativas respuestas. Las obras de Pedro se inspiran en la banda de Möbius como hecho topológico inicial.
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LA CINTA DE MÖBIUS
Pedro trabaja con láminas de hierro que corta en tiras, dobla, tuerce 180 grados, pinta de colores planos (cuya selección él no considera importante), pule. Cuando las termina, sus obras parecen estar hechas de papel. En sus manos, el metal abandona su rigidez y luce ligero, moldeable, flexible, ondulante, sinuoso; adquiere contornos curvos propios de la figura femenina. Una vez terminadas, la contemplación con detenimiento de las obras de Pedro invitan al espectador a que resuelva la tensión visual que crean esos dos extremos.
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ebrería, diseño y decoración, Gisseline Amiuny muestra en esta exhibición una selección de piezas luminosas elaboradas en acrílico con técnica láser digital y mixta, que enmarcadas dentro del arte contemporáneo, transitan en los ámbitos del arte constructivista, geométrico, cinético y óptico.
REFLEXIONES ESPACIO Y LUZ Un conjunto de obras tridimensionales que combinan el cinetismo y el arte óptico con los avances tecnológicos, conforman la exposición individual “Reflexiones, Espacio y Luz”, de la artista venezolana Gisseline Amiuny. Sus piezas, en palabras de la curadora Katherine Chacón, “enfatizan lo lúdico, y son encantadoras, justamente porque atrapan la mirada del espectador, que se queda presa en los juegos que establecen los volúmenes virtuales, las líneas rectas y curvas, las formas geométricas, las sombras y, sobre todo, la luz, elemento preponderante del trabajo de esta artista”.
ristina Colichón nació en Lima, Perú en 1967. Escultora cuya propuesta estética explora las diversas posibilidades de las técnicas textiles y el uso de diversos tipos de fibras entre las que destacan el algodón, el nylon y el cobre. Sus piezas e instalaciones juegan con la sutilidad de la transparencia y las formas. Colichón realizó sus estudios en Massachussets Collage of Art en USA, donde obtuvo su bachiller en Artes Plásticas en la especialidad de Fibras y en St. Michel´s Collage, el de Pintura. Desde 1993 ha realizado exposiciones individuales en Galería Forum, Lima , en Caracas, Venezuela en Graphics Gallery y en Bogotá Colombia, en Sala de Espera; ha participado también en múltiples colectivas, Bienales y Ferias, destacando la realización de interesantes proyectos en Caracas, Puerto La Cruz, en FIA, en el Museo Jacobo Borges, en Venezuela, Gayle Wilson N. Y. , Art Miami, USA, en el Museo de Arte Brasilero Foap, Sao Pablo, la Trienal de Lotz en el Central Museum of Textile, Polonia, en Barros de América, Venezuela, y en las Bienales de Lima.
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EL TEJER COMO UN ARTE
Colichón utiliza el telar andino tradicional para luego construir sus volúmenes y así elaborar un lenguaje personal y absolutamente contemporáneo. Hilos de Nylon, vidrio, acrílico y transparencias son los materiales que ha utilizado para elaborar la propuesta que nos presentará en esta exposición, en donde el cuerpo como contenedor es el tema escogido por Cristina para expresar y transmitir de una forma poética y estética toda una experiencia vivencial. Los volúmenes en su mayoría son incorpóreos que en esta propuesta reciente se vuelven corpóreos al introducir el vidrio ó el acrílico como soporte.
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edro Morales nació en Maracaibo, Venezuela en 1958. Morales represento a Venezuela en la 50ma Bienal de Venecia, “La Dictadura del Espectador” con su obra iconica “City Rooms” (2002-3), entre las primeras creaciones artisticas hechas en y para la internet. Censurada por el gobierno de su pais, fue sin embargo vista (navegada) por miles de personas on-line. City Rooms es una cúspide de su trabajo y un marcador del arte contemporaneo venezolano.
EL HACKER DEL ARTE
Un teléfono inteligente y un par de ojos curiosos son las claves para entender el MobileArt Tagging, la apuesta más reciente del artista visual Pedro Morales. La muestra De redes y Cadenas reúne 20 obras creadas no sólo para ser vistas, sino también para ser escaneadas, decodificadas y leídas a través de celulares. Las piezas en blanco y negro elaboradas en acrílico y otros materiales tienen tres lecturas: la conceptual, la literaria y la digital. Cada escultura, bordado o impresión 3D que se exhibirá a partir del domingo en la galería D’ Museo contiene un código de barras QR (como los que usan los supermercados y tiendas) que, al ser fotografiado por un teléfono, descifra fragmentos de poemas de Rafael Cadenas, Emily Dickinson y otros autores.
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