The side of music / Diego Rivera by Clase Diagramacion 2011-1

The Side o Music Edicion Clasica

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AOR MUSIC Un poco de historia LED ENTREVISTA A JIMMY PAGE 1977 JAZZ: MILES DAVIS Sus relatos y opiniones ENTREVISTA A STEVE LUKATHER Desde Vi単a del Mar

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The Side o Music CONTENIDO

Impopularida musical pag 6 - 7

Entrevista a jimmy page 1977 Mike Gomez pag 8 - 13

Miles Davis “Sólo soy un trompetista” pag 14 - 18

Entrevista Steve Lukather Cristián Pavez pag 20 - 26

Entrevista Brian May Diego Rivera Pag 28 - 29

Gorillaz con las cartas sobre la mesa Pag 34 - 35

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IMPOPULARIDAD MUSICAL

AOR

(Adult Oriented Rock)

JOURNEY

Música AOR Un poco de historia La revista Side of Music quiere compartir con ustedes un genero de música que no es muy conocido y mas aun en esta ciudad. El Adult Oriented Rock. Se define como el lado oculto de los 80’s. Porque es la parte de los 80s y un poco de los 90s que muchos desconocen. De los 80’s cuando se escucha hablar, se viene a la cabeza “eye of the tiger” , cindy luper, etc etc... Pero alguien se le ha venido a la cabeza TEN, Rat Bat Squeak o Armored Saint?

Muy pocos conocen este metal. Algunos lo llaman heavy metal también. Lo consideran Heavy. Uno de los mejores que ya no se hace, en opinión con los conocedores de este tema. EL AOR (Rock Orientado a los Adultos) es un estilo que nace a principios de los 70 con bandas que o bien no eran ni lo suficientemente duras como para considerarlas Heavys, ni lo suficientemente blandas como incluirlas en el Pop. La gran mayoría de los primeros grupos de AOR eran músicos de estudio que forman bandas para empezar a ganarse el respeto, y como no el dinero, mucho dinero, con sus propias bandas después de tocar o componer para otros. Este es el caso de TOTO o JOURNEY, sin duda dos de las bandas que inician este movimiento.

desasosiego y un mal estar constante. El grunge fue como una vuelta a la realidad para muchos, después de dormir un sueño de 10 años, el AOR queda automáticamente relegado a convertirse en una música independiente (si, independiente), eso, los grupos que no desaparecen, y así es como ha sido hasta ahora. En los 90 sigue habiendo muchos, muchísimos grupos de AOR, de hecho los mismísimos BON JOVI han realizado uno de sus mejores discos hasta la fecha, eso si adaptándose a los tiempos actuales. Y es que justamente esa es la situación del AOR en la actualidad, viven en la independencia mas absoluta (siempre hay excepciones como los citados, Dokken, Journey, Toto etc.. )

La historia del AOR desde entonces y hasta finales de los 80 necesitaría una enciclopedia entera, en los 80 el estilo de AOR mas elitista? se funde con el rock más comercial (o Heavy) para dar bandas que representan perfectamente la filosofía de vida de esa época, canciones desenfadadas, coches rápidos, mujeres, alcohol, existe tal boom que se mezclan sin poder evitarlo el Heavy, el Glam, el Aor, etc.. Surgen otras de las bandas mas conocidas del género, aunque poco tienen que ver con la manera de tocar de las de la pasada época, Bon Jovi, Europe, Danger Danger, son algunos de los miles y miles de ejemplos. Pero después de toda una década o más (que se dice pronto y que sin duda nos ha inf luenciado a todos los que empezamos a sentir la música en los 80) de explosión AOR, llega algo para lo que nadie estaba preparado: el Grunge y sus maximos exponentes Nirvana, despues de vivir 10 años de diversion, chicas, cohes y musica analizada y compuesta minuciosamente aunque sin obviar la comercialidad, nos disparan una música no menos facilona, pero si más densa y sobretodo que transmite un

JIMMY PAGE

1977

o puede ser más sincero. Durante la promoción de su álbum Presence, el guitarrista de Led Zeppelin, Jimmy Page, concede una de sus entrevistas más francas. The Yardbirs, Led Zeppelin, su estilo, su éxito ..., no deja piedra por mover.

El contexto: 1977 En 1977, los integrantes de Led Ze-

ppelin eran dioses. Para la promoción de Presence, su álbum recientemente publicado, hicieron una gira por Estados Unidos en su propio jet. Esta entrevista con Jimmy Page se hizo en ese mismo avión, así como en la habitación de su hotel y en otros momentos en que le entraron ganas de hablar. Nunca ha sido muy aficionado a la prensa; sin embargo, se sentó durante varias horas varios días y reveló los secretos de su sonido y los misterios musicales que rodean al grupo. Su próximo álbum, In Through the Out Door de 1979, sería el último.

¿ ue fue lo primero que te animó a empezar a tocar? Escuchar el rock and roll de los primeros tiempos y darme cuenta de que estaba pasando algo que los medios de comunicación ocultaban, que es lo que ocurría entonces. El disco que me hizo desear tocar la guitarra fue Baby, Let’s Play House de Elvis Presley. Quería formar parte de ese ambiente porque tenía mucha vitalidad y energía.

¿ uando conseguiste tu primera guitarra? A los 14 años tenía una Grazzioso, una copia de la Stratocaster; luego tuve una Strato auténtica. Después tuve una Gibson Black Beauty con la que hice todas las sesiones de los 60. En aquella época no tocaba nada correctamente, sólo conocía unos cuantos solos; pero aprendí mucho comprando discos. Estaba inf luido por los más obvios: Scotty

10 Moore, James Burton, Cliff Gallup (que era el guitarrista de Gene Vincent), Johnny Weeks. Luego empecé a escuchar a los guitarristas de blues Elmore james y B.B. King. Mis habilidades interpretativas y mi repertorio aumentaron con el trabajo de estudio. Mi estilo tenía que ser muy versátil, porque por ejemplo, hacía una película por la mañana, tocaba en un grupo de rock por la tarde y hacía una canción de folk por la noche. Fue una disciplina de aprendizaje genial que me dio la oportunidad de desarrollar estilos diferentes.

¿ uviste que tocar la guitarra acústica durante tu período de músico de sesión?

¿ ubo alguna pausa en tu carrera musical? Si, dejé de tocar durante un par de años y asistí a la escula de Bellas Artes; en mi tiempo libre me concentraba en tocar blues. Iba al club Marquee de Londres y tocaba los jueves con el grupo que tocaba en los descansos. Fue entonces cuando conseguí el trabajo como músico de estudio. Me encontré en una encrucijada: ¿el arte o la música? Bueno dejé de ir a Bellas Artes porque empecé más en serio con la música.

Si. Y te tienes que enfrentar a ello enseguida, porque es lo que se espera de ti. Entonces tocaba la Gibson Black Beauty Les Paul Custom. En aquel momento no fui consciente de que era la primera persona en tener una. Simplemente me parecía que sonaba bien. Usaba un ampli pequeño Supro que tuve hasta que alguien lo destrozó. Intentaré conseguir otro. Es como un ampli Harmony y todo el primer álbum lo hicimos con él.

Pero entonces Stax Records empezó a inf luir en la música con sus metales y sus arreglos orquestales y la guitarra se quedó al margen. No me di de lo oxidado que estaba hasta que conseguí una sesión en Francia y casi no podía tocar. Pensé que era el momento de irse y me fui.

Qué hay de las guitarras?

Con The Yardbirds usaba sobre todo una Fender, pero tocaba una Les Paul en un par de temas. Mi Les Paul tiene un ajuste central, una espacia de sonido de pastilla fuera de fase que Jeff no pudo conseguir en su modelo.

Ta m b i e n usaba un modelo de Danelectro en los últimos tiempos y cuando tocaba “White Summer” en directo. Para éste tenía una afinación especial: la cuerda grave en Si, luego La, Re, Sol, La y Re. Es como una afinación modal; de hecho es una afinación de sitar.

¿ ra “Black Mountain Side” (de Led Zeppelin) una prolongación de eso? Sinceramente ese sonido no era del todo original, se había usado mucho en los clubes de folk. Fui la tercera persona en tocar ese riff. La afinación de “Black Mountain Side” era igual que la de “White Summer”. En realidad, me temo que a esa Danelectro le di una buena paliza.

¿ ué guitarra usaste en en el primer álbum de Led Zeppelin? Una Telecaster que me dio Beck. La modifiqué un poco. La pinté y le puse una lámina de plástico brillante debajo del golpeador que producía los colores del arco iris.

¿Suena como una Les Paul? Sí, bueno. Recuerda que está procesada. Puedo sacar de la guitarra montones de sonidos. Todo viene determinado por el ampli y la colocación de los micros. Además, si subes la guitarra hasta elpunto de la distorsión, de forma que las notas se mantengan, suena como una Les Paul. Para el primer álbum usé el amplificador Supro, y todavía lo uso. El solo de “Stairway to Heaven” salió cuando saqué la Telecaster, que no había usado durante mucho tiempo, la enchufé en el Supro, y me puse a tocar. Creé un sonido completamente diferente. Era una combinación muy buena y versátil.

¿ rees que tu forma de tocar cambió cuando te pasaste de la Telecaster a la Les Paul? Sí, creo que sí. Tocar la Tele es toda una pelea, pero te ves recompensado. La Gibson tiene quizá un sonido más estereotipado, pero tiene un sustain precioso. Me gusta el sustain porque recuerda a los instrumentos con arco, todo ese campo en el que la gente está experimentado. Si lo piensas, todo tiene que ver con el sustain.

¿ uándo fue la primera vez que tocaste la guitarra con un arco de violín? Grabé con él por primera vez cuando estaba con The Yardbirds, pero saqué la idea de un músico de cuerda que conocí cuando trabajaba en los estudios. Probamos con el arco en la guitarra y enseguida conseguimos que funcionara. En aquel momento sólo usaba el arco, los otros efectos se me ocurrieron luego con el Wah-Wah y el eco.

¿ n “Communication Breakdown”, la guitarra suena como si saliera de una caja de zapatos, ¿Que hiciste? Básicamente, lo grabé en un habitación pequeña y puse el micro a cierta distancia. Hay una máxima en grabación que dice “la distancia crea profundidad”. La he aplicado mucho en mis técnicas de grabación, generalmente con el grupo, no sólo yo. La mayoría de la gente pone los micros justo delante de los amplis, pero yo también pongo uno detrás. De esta forma puedo equilibrar los dos y evitar los problemas de fase. Si se pusieran bien los micros, no habría que usar ecualización en el estudio. Pero todo el mundo se ha entusiasmado tanto con los ecualizadores que se ha olvidado la ciencia de la colocación de los micros. Ya no quedan muchos que la conozcan.

13 El solo de “I Can’t Quit You, Baby” tie- ¿Te exigió un nuevo enfoque? ne un estilo como dejado pero increíblemente creativo ¿Cómo lo hiciste?

En ese tema hay unos cuantos errores, pero no son importantes. Siempre dejo los errores, no puedo evitarlo. El tempo de la partes de La y Si bemol está bien aunque pueda sonar desplazado. Pero hay un par de notas equivocadas, Hay que ser honesto con respecto a ello.

En “Tangerine” suena como si tocaras un pedal steel. ¿Es así?

Sí. Empecé a tocarlo en el primer álbum porque nunca antes lo había hecho y me gusta probar cosas nuevas. Saqué la idea de la forma de tocar de Chuck Berry. También lo uso en “Your Time is Gonna Come”, donde suena como un slide. En el primer álbum suena más desafinado porque no lo había montado bien. También usé un banjo en “Gallows Pole” y en “The Battle of Evermore” toqué una mandolina. Bueno, rondaba por ahí, así empecé a tocarla.Ésto se remonta a los tiempos de estudio en los que estaba desarrollando una técnica. Al menos tenía habilidad suficiente para adaptarme.

¿ ue en el cuarto álbum cuando usaste la doble mástil por primera vez? En realidad no usaba doble mástil por aquella época, pero tuve que comprarme una después para tocar “Stairway to Heaven”. Tenía que usarla para hacer todas aquellas partes de guitarra. De hecho, después de aquello empecé a construir partes de guitarra armonizadas, como en “Ten Years Gone” y “Achilles’ Last Stand”.

Sí. Lo más importante de usar un doble mástil es el efecto que puedes crear cuando dejas que el mástil de doce cuerdas suene al aire, tocas en el mástil de seis cuerdas y las doce cuerdas vibran por simpatía. Suena parecido a un sitar indio y he trabajado bastante con ese sonido. Utilizo esa técnica en “Stairway to Heaven”, no en la versión del álbum sino en la película The Song Remains the Same. Es sorprendente, el doble mástil no vibra tanto como un sitar, pero aún así añade algo a la calidad sonora del conjunto.

MILES DAVIS

“Sólo soy un trompetista” Sólo se hacer una cosa, tocar mi instru- IN A SILENT WAY “Hay muchos buenos músicos, es evidenmento y esa es la base de toda la con- te, pero pocos son originales. El trabajo fusión. No soy un hombre de espectáculo y no quiero serlo. Soy un músico” (1963)

Miles Davis, musico de Jazz

EVIL MAY CARE

“El órgano me horroriza, me recuerda a la religión. Es el miedo lo que hace que la gente sea religiosa, y el sonido del órgano le recuerda ese miedo. De pequeño iba a la iglesia, pero hacia los seis años, le pregunté a mi madre por qué siempre en la iglesia me trataban de pecador aunque no hubiera hecho nada malo. Como no obtuve una respuesta satisfactoria dejé de ir a la iglesia. Hoy no creo en nada, salvo en mí mismo...” (1971)

básico hay que hacerlo con el sonido. El sonido es tu voz, tienes que buscarlo. Tocan notas originales, sin duda, pero no tienen un sonido propio. No es muy difícil tocar notas originales. El sonido, es otra cuestión. El sonido representa a uno mismo. Mira, escúchame: a la primera nota me reconoces, ¿no?, sabes que soy yo. Eso es el sonido. Cada cual tiene trabajar su originalidad, sus raíces. A veces, cuando me escucho, me parece que sueno demasiado banal, demasiado blanco, así que vuelvo a trabajarlo. Es algo muy exigente. En la actualidad, los saxofonistas no buscan un sonido propio. O no lo encuentran. Todos copian el sonido de Coltrane. Hay muy pocos sonidos originales en la música creativa. Mucho perfeccionismo, eso sí, mucha reproducción, pero muy poco sonido propio. El sonido sólo puede surgir del grupo, hay que esforzarse muchísimo. Ahora hay mucha competitividad, una especie de rivalidad deportiva. Se busca la perfección para hacer dinero, pero no hay sonido. El sonido, el dibujo, la ropa que llevo sobre el escenario, forma parte de lo mismo, es la búsqueda de un sólo color. Todo contribuye a la expresión de lo que eres.” (1984) “Para tocar un sonido, tienes que elegir... elegir la nota más importante. Aquella que fertiliza el sonido, lo que la gente llama las “notas hermosas”. Se trata simplemente de notas fundamentales que tienen que ser tocadas.” (1987) “Cuando era chaval, adoraba el sonido

de mi profesor de trompeta. Era un negro que tocaba a menudo con Andy Kirk, y en el registro grave sonaba como Harold Baker. Busqué ese sonido de corneta. Es tan sólo un “sonido”. ¡Pero funciona!… Si se leen tantas cosas sobre Beethoven, se debe a que la gente podía comprenderlo. A los demás, los que no eran comprendidos, no se les menciona. Por tanto, mi tono tiene que ser sencillamente el más fácil de entender. Como Louis Armstrong. Pero, sabes, tu sonido es... es como tu sudor. Es tu “sonido”. (1987)

HE MEANING OF THE BLUES El blues no es más que un sonido, sabes, no es ni un nombre ni una palabra, no es una etiqueta, es tan sólo un sonido: el sonido bluesy. Mi música suena bluesy, cada vez más bluesy, sí, se puede decir así, pero siempre ha sonado así. Es el sonido negro de mi música. Lo que hay que decir es que el sonido del blues hoy se va extendiendo, se vuelve universal. Es el sonido de esta época.” (1984)

FAT TIME “Antes, cuando me pedían que participase en un concierto benéfico, consideraba que eran los blancos quienes tenían que ofrecerse a participar. Históricamente, han actuado de forma que el

pueblo negro de Estados Unidos tenga que crear organizaciones como el CORE (Congress Of Racial Equality) y la NAACP (National Association for the Advancement of Colored People) que agrupan en su mayoría a blancos. Yo decía: “¿Por qué no hacemos un concierto

benéfico en nuestro favor? Tenemos que adoptar otro método.” Al final, toqué para el CORE. Pero, ¿adónde va el dinero en todo esto? Nunca dónde hace falta. ¿Qué africano quiere un tazón de arroz mierdoso? Una hora después, volverá a tener hambre. Necesitan medios reales para poder atender sus necesidades por sí mismos. Mira el ejemplo de Arizona: Scottsdale era un desierto, regado con pequeñas mangueras que no valían nada. Y la tecnología moderna la transformó en una región fértil. Esto es lo que necesita África y no compasión en plan: “Oh, mira este pobre negrito tan f laco, con el pito manchado de barro” ¡No!” (1986)

blico tiene una gran nivel de escucha. Está receptividad no viene de ayer. Ya en 1949, comprobé que los franceses adoraban a Sydney Bechet. Un trompetista que se llamaba Aimé Barelli tocaba como Harry James. Era mi primer concierto en Europa. Cuando desembarqué, sentí que mis dedos me decían: “¡Estás libre!” iba al restaurante sin preocuparme si iban a servirme o a echarme a la calle.” (1986)

APRIL IN PARIS “La música era toda mi vida hasta que conocí a Juliette Gréco. Me enseñó lo que significaba querer algo distinto a la música. Probablemente, Juliette fue la primera mujer a la que amé como un ser humano, en un pie de igualdad. Era hermosa. Teníamos que comunicarnos mediante expresiones, con el lenguaje corporal. Ella no hablaba inglés y yo no hablaba francés. Nos hablábamos con los ojos, los de-

dos. Con este tipo de comunicación, uno sabe que el otro no le cuenta mentiras. Tienes que moverte por los sentimientos. Era abril en París. Sí, y estaba enamorado.” “En París, un día, esta rodeado por fotógrafos y periodistas. Hablábamos tranquilamente. Algunos me preguntaron: “¿Por qué decidió hablar con nosotros” Les respondí: “Porque me escucháis.” (1984) “En Francia] el pú-

17 YOU AND I “No tocaré allí donde van esos blancos con los bolsillos llenos de dinero y para quienes la música es una manera de excitarse y excitar a las tías que les acompañan. No van a escuchar buena música. Beben demasiado, son ruidosos. Van para que les vean y oigan. Saltan, gesticulan y bailan. No tienen ninguna compostura y no respetan a sus mujeres. Luego está ese tío que vocifera “¡Hey, colega! Toca “Sweet Georgia Brown”. Y entonces, haces una mueca y tocas el tema. Odio tocar en un sitio lleno de esa gentuza. Si no existiese otro tipo de público, me quedaría en casa y viviría de la s renta s.” (1963) “Antes que nada, toco para mí. Si hay gente que viene a escucharme, mejor.” (1971) “Normalmente, el público te dice qué quiere oír. Si al componer música anticipas lo que quieren oír y les gusta, pues perfecto. El problema es combinar tu música con sus sen-

timientos.” (1983)

STABLE MATES

“Art Blakey toca lo mismo que hace cuarenta años, pero lo toca como si alguien acabase de enseñárselo y le hubiera gustado. Como si el mismo Jesús se le hubiese acercado y le hubiese dicho: “Es para ti, tócalo” (1985) “Wynton Marsalis (...), es un buen chaval y un músico fantástico; ha estudiado mucho. Pero no entendí su discurso en los premios Grammy. A veces la gente habla como si les

hubieran hecho una pregunta. Pero nadie le había pregunta nada. Como si a Marvin Hagler le preguntan: “¿Qué opina del combate?” Y responde: “Voy a demostrar a la gente que soy el campeón.” ¡Nadie le pidió que demostrara nada! Y Wynton me pareció que se consideraba el salvador del jazz. Pero no quiero decir nada contra él. A mucha gente no le caigo bien porque no digo nada. Pues bien, hay otros que hablan demasiado.” (1984)

tiene un sonido persona l. Freddie Hubbard casi tiene uno. Woody Shaw es un trompetista de verdad, creativo. Como Dizzy. Pueden tocarlo todo, quiero decir que Dizzy todavía es capaz de tocar un buen solo.” (1987)

“Dizzy [Gillespie] sigue teniendo mucho talento pero no lo explota realmente. Tiene todavía por delante unos quince o veinte años, debería aprovechar para tocar lo que quiere, “Por ejemplo, Wyn- en vez de hacer lo ton [Marsalis]. No que piensa que desea la gente. A los doce años ya era independiente, ¿por qué se preocupa hoy de los demás.” (1975)

“Me gusta Stan [Getz] porque tiene mucha paciencia. Ahí donde los demás no sacan nada de una canción, él todavía lo logra. Esto exige mucha imaginación, y los que la tienen son muy escasos.” (1975) “Ornette Coleman hace el ridículo cuando toca la trompeta. Pero toca cada nota con tanta seriedad que la gente se queda impresionada, sobre todo los blancos –siempre los engañamos, siempre quieren ser mas vanguardistas que nadie” (1975) “Herbie Hancock quiere ser demasiado intelectual. Necesita unos cuantos retoques... Pero es el mejor.” (1975) “¡Nadie puede tocar tan mal! La próxima vez que me encuentre con Eric Dolphy, le pisaré los pies. Publicad esto: lo encuentro ridículo.” (1975) El músico al que muchos consideraban silencioso, en realidad habló mucho. Un pequeño repaso de las entrevistas que concedió a Jazz Magazine, “como si fueran canciones de una vida”.

FACETS “Sólo soy un trompetista. Sólo se hacer una cosa, tocar mi instrumento y esa es la base de toda la confusión. No soy un hombre de espectáculo y no quiero serlo. Soy un músico” (1963) “Si no pudiera descubrir o enriquecer el arte, encontrar nuevos enfoques, me sentiría culpable de estar vivo. Preferiría la muerte a la ausencia de creación. No tendría ninguna razón para vivir si no pudiera componer, digamos, una composición que me satisfaciese. No que le guste a alguien, sino que me satisfaga, que le guste a mis amigos. Que me digan : “Sííí,

Miles, qué bueno”. Sin eso, no querría vivir. Sé que es egoísta. ¡Pero los genios son egoístas!” (1987) “Estoy aquí abajo para tocar música, para interpretarla. Y es lo que hago. Es todo lo que quiero hacer. Y lo hago bien. Podría hacer un montón de cosas, pero lo fundamental, lo que me gusta, lo que está antes que todo, hasta respirar, es la música.” (1987)

STEVE LUKATHER DESDE

VIÑA DEL MAR

al vez con mayor preponderancia más que en cualquier otra actividad artística, el mundo del rock es el lugar propicio para que un músico pueda desarrollar un ego más grande que el Everest. Claro, parece que basta que tu nombre y tu foto aparezcan en la portada de un disco para ya sentirse un “Rockstar”. Pero, afortunadamente, son los artistas de más larga trayectoria y de mayor éxito, quienes más humildes y centrados siempre se muestran. Y en el caso de Steve Lukather, a eso le agrega una profunda sensibilidad humana. Dejo con ustedes a un monstruo de la guitarra, pero ante todo, un tipo realmente agradecido de la vida.

STEVE LUKATHER Cristian Pavez: Okey Luke muchas gracias por tu tiempo. Esta es la cuarta visita de Toto a Chile, y como las veces anteriores, se van a encontrar con dos recintos llenos… ¿cómo se siente eso y el saber que en Chile realmente se quiere a la banda?

Steve Lukather: ¡Oh, es maravilloso! Realmente me encanta tocar en Sudamérica y ya habían pasado 12 años desde la última vez que hicimos una gira completa por el continente. El 2004 vinimos, pero esa vez hicimos 3 shows sólo en Chile, uno en el Festival de Viña, otro en el Casino de Viña y otro en La Serena y Chile es un país fantástico, lo digo de corazón, porque ya sea aquí en Viña, en Santiago o donde sea, siempre el público chileno nos recibe con un cariño desbordante ¡son tan entusiastas y efusivos! A si que todo eso me pone muy excita-

do de cara a los shows, me da mucha energía y adrenalina, es fantástico, tu nos conoces, nosotros no somos rockstars, somos una banda que nos hemos mantenido vigentes por 30 años y eso es gracias única y exclusivamente por el cariño y el respeto que nos tienen nuestros fans alrededor del mundo y en Chile desde la primera vez que vinimos el ’93, de inmediato sentimos toda esa pasión y ese cariño enorme por la banda y la mejor forma que nosotros tenemos de agradecer todo eso es salir y realizar los mejores shows que podamos, como si fuera el último de nuestras vidas y tal como tu me mencionas, ya tenemos 3 generaciones de fans y eso es simplemente INCREIBLE. CP: El último disco de estudio de la banda “Falling in Between” es un gran álbum y solamente recibió comentarios positivos tanto de los fans como de la prensa en todo el mundo… ¿cómo vez el disco ahora y le cambiarías algo?

SL: No me sorprende que los fans alaben nuestros discos, por algo son fans de la banda ¿no?, pero la prensa, sobre todo en Norteamérica, siempre nos tira mierda, realmente odian a la banda, pero esta vez hablaron muy bien del disco, le hicieron unas críticas excelentes y yo quedé como ¡wow! ¿qué paso? Y la verdad no lo sé, simplemente pienso que les gustó mucho el disco y al público también, incluso a gente que no se declara fan de Toto me han comentado que este disco en particular, les encantó, a si que realmente siento que todo el arduo trabajo que durante 9 meses pusimos para hacer este disco ha sido recompensado, yo pague la grabación de mi propio bolsillo, trabajamos en un estudio realmente caro, pero cuando ves que la gente disfruta la nueva música que hicimos y que el disco entra en las listas de países como Alemania, Austria y Japón, entonces es cuando sientes que realmente hiciste bien tu trabajo, ya llevamos 2 años de gira presentando este disco, ha sido uno de los tours más exitosos en la historia de la banda y eso es un gran barómetro para medir la respuesta de la gente ante tu música, a si que por todo ello, el disco me tiene muy satisfecho y sólo le doy gracias a Dios porque la gente siga interesada en nuestros discos.

CP: Desde chico he escuchado un montón de historias detrás del nombre “TOTO”, ¿pero por qué tú no me cuentas la verdad mejor? SL: La verdad es que odio el nombre “TOTO”, ¡siempre lo he odiado! En serio, ¿qué significa “TOTO”? ¡pues nada! No le pusimos ese nombre a la banda por el perro de “Alicia en el País de la Maravillas”, tampoco se lo pusimos porque “TOTO” viene de latín “totus” que significa “todo”, ¡nada que ver! Como tu dices son muchas historias pero ninguna es cierta, lo que pasó fue que cuando armamos la banda y comenzamos a gra-

23 bar nuestro primer disco, al mismo tiempo estábamos grabando en el mismo estudio música para otros artistas, entonces nuestro ingeniero de grabación, para no confundirse, le ponía a nuestros carretes una etiqueta y lo primero que se le ocurrió fue “Toto”, simplemente como una identificación para saber que esas grabaciones eran los registros de nuestras canciones y no de otros artistas. Durante todo el tiempo que estuvimos grabando el disco nunca nos ptreocupamos por el nombre de la banda y cuando el álbum fue finalizado y el sello ya lo quería lanzar nos preguntaron ¿y cómo se llama la banda? ¡Y no había nombre! (risas), entonces yo propuse el nombre “Ripe Jack”, pero votamos y a nadie le gustó, lo encontraban muy agresivo, entonces como no había nombre Bobby (Kimball, vocalista), dijo “y si le ponemos a la banda “Toto”, las cintas ya están rotuladas así, es un nombre corto, fácil de

CP: Escuché que David Paich está componiendo el himno oficial de los próximos Juegos Olímpicos en Beijing, China 2008, ¿es así?

recordar, y todos los carretes de cinta dicen “Toto”, entonces seamos “Toto” ¡y todos estuvieron de acuerdo, menos yo! Pero como mayoría manda… y bueno ya está, ¡lo odio y lo he odiado por 30 años! Pero esa es la verdad man, pero a pesar que encuentro terrible el nombre, agradezco a Dios que la gente haya valorado a las personas y la música que hay detrás de Toto durante todos estos años, Toto es sólo un nombre, lo importante son las personas, los músicos y la música, todo lo que envuelve el nombre, pero no el nombre en sí

CP: ¿Es verdad que realmente odias la canción ‘99’? ¿Por qué? Es un gran hit de la banda, una balada clásica soberbia…

SL: ¡Absolutamente! Paich fue invitado por el Ministerio de Cultura de China para trabajar en este proyecto, es un reconocimiento a su tremenda calidad como compositor y recientemente Paich viajó a Beijing con su familia y estuvo allá 1 semana, empapándose de la fabulosa cultura oriental. Hace poco estuve de cumpleaños y fuimos con Paich y nuestras familias a celebrar al “Big Potato” un club de jazz que está a la vuelta de mi casa, y él había llegado hace poco de China y está muy entusiasmado con este proyecto y me dijo que quería ocupar elementos del folclore nativo chino para crear la música, y sin duda será un himno memorable porque Paich es un genio, un músico brillante y ante todo un gran amigo.

SL: No es que yo la “odie” en el sentido literal de la palabra, además encuentro que tiene unas letras horrorosas (risas), lo que pasa que en vivo me gusta más tocar los temas rockeros, básicamente porque yo me defino como un guitarrista de rock antes que un músico; me gusta tocar y combinar diferentes estilos, pero en vivo lo más fabuloso es rockear fuerte y claro, a si que para esta gira conversamos con los muchachos y decidimos no tocar baladas, salvo una o dos, pero el resto del show será absolutamente de puro hard rock…

CP: Una de las primeras cosas que me llamó la atención muchos años atrás cuando comencé a escuchar a la banda, fue que sentía que en algunas canciones, la música tenía una gran inf luencia latina en la parte rítmica y después descubrí que eso era en gran parte el sello característico del baterista original de la banda Jeff Porcaro y es triste darse cuenta que ya han pasado 15 años desde su muerte tan absurda… me imagino que todavía lo echas mucho de menos ¿no?

SL: (N del R: Aquí hay un largo silencio y Lukather me queda mirando a los ojos, mientras los suyos se le humedecen visiblemente, como que me quiere contestar algo y las lágrimas comienzan a caer por sus mejillas; pide disculpas, se tapa la cara, toma una servilleta de la mesa, se seca las lágrimas, toma aire y trata de ordenar sus pensamientos para continuar la conversación)

CP: Perdona Luke, no quería ponerte triste ni hacerte sentir mal, me imagino que para ti debe ser difícil y duro hablar de la muerte de Jeff… SL: ¡No man no te preocupes, esta todo bien! ¿Sabes? Estaba pensando y me doy cuenta que hace muchísimos años que en una entrevista no me preguntaban por

Jeffrey, gracias por acordarte de él… Dios mío son 15 años ya… sabes, no hay un solo día en que no me acuerde de Jeffrey, era mi hermano del alma, incluso el día de su muerte, ese mismo día lo llamé

por teléfono temprano en la mañana, como siempre estuvimos charlando mucho y haciendo bromas y le dije lo mucho que lo quería y 5 horas después me llaman para avisarme que Jeffrey había muerto ¡Qué! No lo podía creer, su esposa me hablaba llorando al teléfono y yo pensaba que era un maldita broma, su muerte fue tan estúpida que nunca algo así debió haber sucedido (N del R: Jeff Porcado falleció de un ataque al corazón producto del uso de un pesticida en su jardín, lo que le provocó una reacción alérgica general que a su vez le detonó un fulminante ataque cardíaco cuando se encontraba solo en su casa), pero con su partida no solamente perdimos a un gran amigo y a un gran hermano, a una persona de un corazón enorme, bondadoso como nadie, sino que también perdimos a un músico extraordinario, su amor y pasión por la música sobrepasaba todos

25 los límites imaginables y ojo que él no era un músico motivado por el dienro, la fama o la publicidad, simplemente le encantaba tocar, componer, grabar, girar por el mundo y participar de cuanto proyecto musical le ofrecieran, incluso por mínimo que fuera.

Todavía me acuerdo hace no se cuantos montones de años atrás, una vez que John Bonham estaba trabajando en la parte rítmica de una canción de Led Zeppelin y estaba complicado porque no lograba hacer que sonara f luída; él quería que sonara natural y espontánea, como que el ritmo se balanceara acompañando la voz de Robert Plant, entoces yo le dije “hey John, ¿por qué no le pides a Jeffrey que te eche una mano?, el es muy bueno para capturar la esencia de las canciones” y él me dijo “en serio, ¿y tu crees que quiera ayudarme?” “¡Por supuesto!” le dije yo y así John y Jeffrey se juntaron a trabajar la parte rítmica de “All of my love”, el último gran clásico de Led Zeppelín y mucho de lo que se escucha en esa canción tiene el sello de Jeffrey, eso es para que te hagas una idea de cómo era su bondad, él ni siquiera pedía que pusieran su nombre en los créditos del disco y quizás por eso existe ese refrán que dice “solamente los buenos mueren jóvenes” y creo qu ese es el caso de Jeffrey, incluso hasta el día de hoy seguimos profundamente conectados y tengo sueños donde aparece él, a si que nunca lo he olvidado y los demás chicos de la banda tampoco. Hermano Jeffrey que Dios te bendiga allá en el cielo.

CP: Para los fans del hard rock melódico, creo que la gira soñada sería una donde estuvieran Toto, Foreigner y Journey tocando juntos cada noche… ¿crees que alguna vez algo así se pudiera hacer realidad? SL: ¡Oh sería fantástico! ¡¿Dónde firmo?! Realmente me encantaría, principalmente porque soy fan de Foreigner y Journey, soy muy amigo con Neal Schon y también de Mick Jones ¡y la nueva versión de Foreigner con Jeff Pilson y John Bonham rockea muy duro! Soy amigo de Jeff y John y ellos están felices en la banda, sin duda sería una gira fabulosa, un sueño para los fans, pero algo muy, muy caro de realizar, con millones y millones de dólares involucrados en producción, seguros, transporte, etc, es algo muy grande, con millones de aspectos que supervisar y eso implica muchísimo dinero; al menos nosotros como banda no podríamos organizar algo así, tendría que venir un promotor muy grande y financiar el tour, al menos Journey todavía tiene un seguimiento muy fuerte en Estados Unidos, llenando grandes arenas, Foreigner está construyendo de nuevo su base de fans luego de muchos años de ausencia y nosotros no tenemos tanto éxito en USA como si lo tenemos en Europa, Asia y Sudamérica; cuando vamos a tocar a Orlando o Miami nos va muy bien, pero hace muchos años que no tocamos en ciudades como Nueva York o aquí mismo en mi ciudad en Los Angeles, es un poco raro lo que sucede con nosotros, pero definitivamente me encantaría hacer esa gira…

CP: Después de 30 años de carrera, con más de 30 millones de discos vendidos en todo el mundo, con 3 generaciones de fans que siguen a la banda, con giras que siguen siendo muy exitosas… ¿cómo te sientes en este punto de tu vida? ¿Cuándo miras hacia atrás, te sientes

feliz por lo logrado y seguirá existiendo Toto por mucho años más?

SL: Oh man, ¡ha sido un viaje maravilloso! Ha sido un sueño poder hacer durante 30 años lo que más amo en la vida: tocar la guitarra en vivo para la gente. Cada día le agradezco a Dios por esta vida que me ha dado, sin duda soy muy afortunado (N del R: Luke junta las manos como en una plegaria y luego se da un beso en la mano y lo lanza hacia el cielo en señal de agradecimiento), es fabuloso recorrer el mundo para llegar a

tocar a lugares increíbles como Chile, encontrarse con gente tan amable, poder hablar de música desde el corazón como lo he hecho contigo durante todo este largo rato, con gente que realmente ama y aprecia la música como tu… mira este hotel es… fabuloso ( estamos el Sheraton Miramar), por favor mira esta vista preciosa de ese mar maravilloso que tenemos en frente; hay mucha gente que es millonaria, que tiene mucho dinero, pero ni con todo el oro del mundo se puede comprar el cariño, el respeto y la lealtad de los fans que nos han seguido durante 30 años... ¡30 años! Imagínate la gran deuda que tengo yo y la banda con todas esas personas, eso es algo impagable, por eso al menos yo en lo personal y espero que también la banda, quiero seguir tocando hasta que ya físicamente me sea imposible hacerlo, pero mientras haya gente interesada en Toto y mientras haya gente que venga a nuestros conciertos, no te quepa duda que Toto seguirá ahí para ellos. Lo único que puedo decirles a todos ellos es ¡gracias! De todo corazón, muchas gracias por 30 años increíbles de apoyo y lealtad; son los fans los que permiten que una banda exista y tenga una larga carrera, todo lo que hemos conseguido durante estas 3 décadas es gracias a los fans, Toto trabaja para los fans, ellos son nuestros mecenas y nosotros le entregamos nuestro arte. Es así de simple.

BRYAN MAY

EL MELODICO DE QUEEN

Detrás del carisma de Freddie Mercury, May llevaba adelante las melodías de la banda. Aquí cuenta la interna del grupo y secretos del cantante muerto a causa del sida, en 1991. Hace ya 25 años, Queen lanzaba “Queen”, su álbum debut, en el ingenuo ambiente rockero de principios de los ‘70. Su música era más ambiciosa que la de New York Dolls, Mott the Hoople, Gary Glitter y otros grupos de entonces. ¿Qué hacían estos chicos de Queen? ¿Rock robado a otras bandas? ¿Metal? El cantante tenía cierto resplandor operístico, sazonado con un humor extravagante. Y el guitarrista lograba que su instrumento sonara como una orquesta sinfónica, toda una rareza allá por 1973. El establishment de los críticos de rock no le prestó ninguna atención a Queen. Pero un todavía reducido círculo de fans sabía que se venían cosas buenas. Por estos días, May lleva una tranquila vida hogareña en Allerton Hill, su imponente casa en la campiña inglesa, a 45 minutos de tren al sur de Londres. Aquí vive con su actual pareja, la actriz de la TV británica Anita Dobson. Tiene el mismo aspecto que en la época de apogeo de Queen: su melena oscura permanece intacta y todavía le gusta vestirse con esas camisas amplias y los pantalones de cuero que se usaban en los ‘70. Pero Brian no se quedó en el pasado. Tiene un nuevo álbum, “Another world”, y ha escrito canciones para varias películas, como la reciente Sliding doors. De todos modos, Queen sigue formando parte de su presente. Desde la muerte por SIDA en 1991 del cantante Freddie Mercury, no deja de haber tributos y

29 retrospectivas como el álbum “Queen Rocks”, de 1997, una recopilación de temas fuertes de la banda. Fue Brian May, precisamente, el que escribió muchas de las mejores canciones de hard rock de Queen, como “Tie your mother down”, “Keep yourself alive”, “Brighton rock “y “We will rock you”. Otras de sus contribuciones creativas a la banda fueron “ ‘39”, “Fat bottomed girl” y “All dead, all dead”. Los cuatro integrantes de Queen eran compositores. ¿Cómo decidían qué canciones se grababan? Peleábamos como perros y gatos. A veces, tres personas debían ceder para que una sola tuviera lo que quería. Curiosamente, Freddie, quien todos creen que era la prima donna, era muchas veces quien aceptaba de compromiso.

¿Cuál era tu papel musical en Queen? Siempre estuve metido en las armonías, fueran vocales o instrumentales. La guitarra debe sonar como una voz, ésa es mi idea. Siempre había soñado con tres o más guitarras funcionando como instrumentos de una orquesta, haciendo armonías en paralelo y entrecruzándose. Y la primera vez que entramos en un estudio lo probé. El primer intento lo hice con Smile, el grupo que teníamos con Roger Taylor antes de Queen. ¿Cómo surgió el sonido coral de Queen? Freddie y yo compartíamos la idea de que la armonía es una cosa mágica. Freddie se afirmó como showman antes de convertirse en cantante. Tal vez me maten por decir esto, pero creo que ninguno de nosotros se dio cuenta de su potencial como cantante hasta que entramos en un estudio. Así pudo oírse a sí mismo, trabajar su voz y crecer como intérprete. Adquirió además una gran habilidad para usar su voz como instru-

mento. Tuvimos suerte al tener tres voces que se mezclaban de forma instantánea. Algunas de esas cosas que suenan como un coro de cien personas eran hechas por nosotros tres, nada más. Sobregrabábamos dos veces cada frase. Freddie tenía esa voz maravillosa y clara, similar a una campana, que se reconoce a 16 kms de distancia. Roger también tenía una buena voz, más chillona. Yo llenaba las brechas que ellos dejaban: tal vez aportaba calidez, pero era menos afinado. Freddie hacía algunos coros solo. En “Bohemian Rhapsody” lo primero que se escucha es un coro de Freddies sobregrabados. Si Freddie no hubiera muerto, ¿Queen hubiera seguido existiendo? Creo que sí. Nos hubiésemos tomado algunos descansos, pero hubiéramos necesitado seguir trabajando. Y hubiera sido divertido, tal vez. Creo, sin embargo, que todos necesitábamos liberarnos de Queen. Más allá de la pena por su muerte, sentí cierto alivio. Porque es lindo de alguna manera arreglárselas solo, hallar nuevas formas para expresarse. Me gustó tener que lanzarme a cantar. Pero si Queen estuviera vivo, volveríamos una y otra vez. Es que siempre fue estimulante trabajar con Freddie. Al margen de las dificultades de tener que compartir el poder -cosa que todos sentíamos-, había cierta magia en todo aquello. Los cuatro teníamos un equilibrio. Eramos un verdadero grupo. Quedaron algunas cosas medio desafinadas que me molestan. Lástima. “The ogre battle” la escribió Freddie, y es también un riff de guitarra muy heavy metal. Freddie agarraba una guitarra y soltaba una energía frenética, como un animal fuera de control. No tenía gran habilidad técnica en la guitarra, pero sí en su cabeza. Y uno podía sentir cómo todo eso pugnaba por salir.

Stevie Wonder

vuelve a salir de gira tras más de una década La gira “Wonder Summer’s Night” del músico de 57 años se llevará a cabo desde el 23 de agosto al 20 de septiembre en EE.UU.

El astro del pop estadounidense Stevie Wonder vuelve a salir de gira por Estados Unidos. Foto: El Mercurio LOS ANGELES.- El astro del pop estadounidense Stevie Wonder vuelve a salir de gira por Estados Unidos tras más de una década de pausa, según anunció él mismo en una rueda de prensa en Los Angeles.

Su primer concierto será el 23 de agosto en San Diego. Además, hay previstas actuaciones en 13 ciudades, pero podrían ser más.

La gira “Wonder Summer’s Night” del músico de 57 años finalizará el 20 de septiembre en Boston.

Wonder, cuyo verdadero nombre es Steveland Hardaway Judkins, también se tomó bastante tiempo para su último disco: diez años. “A Time to Love” se publicó en 2005.

Lenny Kravitz

Nuevo disco y nueva película

oportunidad para demostrar que su talento va más allá de la composición e interpretación musical. En ese largometraje, el autor de ‘I Belong To You’ encarnará a Cinna, un asistente de moda en una nación norteamericana gobernada por un Capitolio que dividió al país en distritos. Cada año, el gobierno organiza los Juegos del Hambre, un evento en el que participantes seleccionados de cada distrito deberán matarse entre ellos. La película, dirigida por Gary Ross (Pleasantville, Seabiscuit) saldrá a la luz en marzo de 2012 y contará entre su reparto con Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Liam Hemsworht o Woody Harrelson. NUEVO DISCO Lenny Kravitz está en forma. Tanto que aunque a finales de agosto publicará su nuevo trabajo ‘Black And White America’, también está involucrado en un proyecto cinematográfico. El músico ampliará así su relación con el séptimo arte y será a través de una película titulada ‘Los Juegos Del Hambre’, en la que también actúa Liam Hemsworht, el novio de Miley Cyrus, y cuyo estreno está programado para marzo de 2012. No será la primera vez que Lenny Kravitz pruebe suerte en el mundo del celuloide. El músico ya apareció en películas como Zoolander o La Escafandra Y La Mariposa donde hizo pequeños cameos. Sin embargo, su verdadero y más importante papel fue con Precious, el drama de Lee Daniels que ganó 2 Oscars en el 2009. Así, con Los Juegos Del Hambre, una adaptación de la saga de novelas escritas por Suzanne Collins, Lenny Kravitz volverá a disfrutar de una gran

Lenny Kravitz sacará nuevo disco en agosto e interpretará un nuevo papel en el mundo del cine Black And White America, noveno álbum en estudio de Lenny Kravitz, saldrá finalmente en agosto. Su primer single ‘Come On Get It’, utilizado como anuncio de la NBA, ya puede escucharse en internet y es el primer avance de un álbum que, a priori, contará con títulos como ‘Do It’, ‘The Faith Of A Child’, ‘Super Love’, ‘Dream’ o ‘Stand, You Are Gonna Run Again’ entre otras. Lenny Kravitz está en forma. ¿Quién lo dudaba?

Buena Vista Social Club

comienza en Colombia su gira de 2011 El 27 de enero se presento en el marco del Hay Festival Cartagena de Indias.

La famosa orquesta cubana Buena Vista Social Club emprenderá esta semana una gira artística que comenzará en Colombia, y también incluirá a República Dominicana, el Reino Unido y Estados Unidos, anunció su director, Jesús (“Aguaje”) Ramos. “Estaremos de gira casi todo el año”, dijo el trombonista de la banda musical, citado por la agencia estatal de la isla, Prensa Latina. Buena Vista Social Club llegará este martes al país, pues el 27 ofrecerá concierto en la Plaza de la Aduana, en el Hay Festival Cartagena de Indias.

Luego, en febrero ofrecerá varios conciertos en República Dominicana, y se presentará durante marzo y abril en el Reino Unido, precisó Ramos. El conjunto que interpreta variados géneros de la música tradicional de la isla, desde sones y danzones hasta el cha-chacha y los boleros, es en opinión de su líder, “una suerte de ventana” a través de la cual en muchas naciones pueden conocer y disfrutar los ritmos de Cuba. “Cultivamos la música cubana apegada a las raíces más puras, ese es uno de nuestros principales aportes”, señaló.

Como garantía de continuidad del proyecto, explicó que se han incorporado al mismo, jóvenes músicos como el pianista Rolando Luna, el trompetista Luis Manuel Mirabal, y Pedro Pablo Gutiérrez (contrabajo), a los que catalogó como instrumentistas “con mucha dignidad”. La agrupación creada en 1996 y ganadora de un premio Grammy en 1997 por el disco “Buena Vista Social Club”, reunió a leyendas de la música cubana como los cantantes Ibrahim Ferrer y Francisco Repilado (“Compay Segundo”) , Pío Leyva, los músicos Manuel “Puntillita” Licea, Orlando “Cachaíto” López y el pianista Rubén González, todos ya fallecidos. El grupo sigue realizando conciertos y giras, aunque no siempre logra reunir a todos sus fundadores, entre ellos, la cantante Omara Portuondo, conocida como la “diva” del Buena Vista Social Club, Manuel Galván, Amadito Valdés o (“Guajiro”) Mirabal.

Gorillaz con las cartas sobre la mesa La innovadora banda virtual británica acaba de lanzar el sencillo Doncamatic

Ya son casi diez años desde que esta pandilla de dibujos animados invadió la programación de canales de música con una propuesta que entraba en contravía. Corría el 2001, los Backstreet Boys hacían sus últimas contorsiones, y N’Sync y Britney Spears dominaban los primeros lugares de popularidad, cuando 2D, Murdoc, Noodle y Russel hicieron su entrada triunfal.

Estos cuatro dibujos animados estéticamente desfavorecidos llegaron a manchar la perfección apastelada del pop. Y pronto terminaron por hacer parte de esa

MURDOC

cultura masiva, pues su propuesta fue refrescante para el público hastiado de coreografías y romances. Las cabezas detrás de esta macabra historia de éxito, Damon Albarn (ex líder de Blur) y el artista de tiras cómicas Jamie Hewlett, se salieron con la suya: convertirse en amos y señores de los charts mientras mostraban su desprecio por las reglas.

El proyecto pegó fuerte con Gorillaz en 2001, y se ha quedado en el panorama con Demon Days, de 2005, y Plastic Beach, en 2010. Su último sencillo es Doncamatic, una canción que conoció la luz pública en Internet y que desde ya está a la venta en el sitio oficial de la banda. La canción cuenta con la voz del cantante británico Daley, siguiendo el hábito de los trabajos en colaboración con otros artistas.

2-D RUSELL

El tema tiene algo de sintetizadotes retro, es pop, pegajoso y una digna producción de la inteligencia musical de Albarn. Y aunque no es su mejor entrega, sí es lo que promete: una canción que pone las cartas sobre la mesa. Después de haberse acercado a ritmos tan distantes como el rap y el reggae, Gorillaz estaba en deuda con el público que prefiere llevarse la música de fiesta. Actualmente la banda está de gira por Norteamérica y luego pasará a Europa. El viernes pasado, su presentación el Madison Square Garden de Nueva Cork contó con la participación de Lou Reed y Mos Def. El New York Post dio una de las mejores críticas: “Gorillaz reventó el Madison Square Garden anoche, y quebró las barreras de los estándares del pop y hip hop”.

NOODLE