CLONE.42

N42. MAR/ABR 10.

FREE ISSUE. REVISTA GRATUITA

Fotografías (portada + estas páginas): Selector Max Realización: Mr.Chapis Trecelagrimas

Miss Sweetyta. Estilismo: Anna Torrent Desings. Coche cortesía de Templars So Car.

Cherry Lovett & Miss Sweetyta (de izquierda a derecha) del grupo The Flamin Mammies. Coches cortesĂ­a de Templars So Car

NOTICIAS SÓNAR 2010 El Sónar, a pesar de celebrarse del 17 al 19 de junio de 2010, ya está generando noticias interesantes. En este caso se trata de tres, muy diferentes entre sí, pero bien sabrosas. La primera es que, en su decimoséptima edición, el Sónar se desdobla en dos, ya que al margen de su habitual residencia barcelonesa también habrá un Sónar Galicia con sede en A Coruña, más concretamente en EXPOcoruña, exactamente los mismos tres días de celebración catalana. La información sobre grupos y demás la iremos viendo en la página del festival, que tiene un enlace directo a la versión gallega, pero ya podemos ir anticipando la presencia de estrellas tan rutilantes como Air, LCD Soundsystem, The Chemical Brothers o Dizzee Rascal. Como siempre, todo muy bueno y muy variado. La segunda noticia es que ya están a la venta las entradas para el festival, con un abono a 155 euros que incluye tanto las entradas para el Sónar de Día como para el Sónar de Noche. Hay otras posibilidades, como las entradas de día o una entrada especial para los más gambiteros, de manera que por 100 euros se les permitirá disfrutar de las dos noches Sónar Barcelona 2010. La información sobre los tickets para A Coruña tendréis que seguirla desde la página web. La última noticia es que, una vez más, Sónar calentará motor allende los mares, más concretamente en el Roundhouse londinense. El 5 y 6 de marzo, “A Taste of Sónar” será el británico anticipo de los carteles de Barcelona y A Coruña, y una manera guiri de gozarlo con el mejor festival de música avanzada de aquí.

Más info en www.sonar.es

SOUTH POP SEVILLA 2010 La sexta edición del South Pop Sevilla presenta un festival con una imagen y un espíritu renovados, aunque parte de su ‘vieja’ filosofía esté aún intacta: la entusiasta y desacomplejada reivindicación de la música alternativa para los escenarios de Sevilla. En su cartel han convivido sin roces propuestas como la de Bonnie “Prince” Billy, Lali Puna, Tarwater, Dominique A, José González o Barry Adamson, en escenarios como el Teatro Alameda o el CAAC. Según su organización, South Pop 2010 mira al futuro sin ataduras, con desafío y audacia, comenzando por un cartel en el que la imagen bucólica de sus inicios queda atrás, siendo sustituida

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FESTIVALES - MÚSICA

START clone.42 - mar.abr 2010 “NEEDLES”

por una línea gráfica más impactante y nocturna. En esta ocasión, el cartel da turno a una avanzadilla de iconoclastas decididos a descodificar el futuro, como Zombie Zombie, Stereo Total, Los Punsetes o The Hidden Cameras. Los días 26 y 27, en el Teatro Alameda, se verán acompañados también por grupos como Lacrosse, Exsonvaldes, François & The Atlas Mountains o Sr. Chinarro. También habrá una preparty el 25 en Malandar y dos sesiones en OBBIO, 26 y 27, donde destacamos la de nuestra querida Linda Mirada. Como es habitual, South Pop demuestra personalidad en su propuesta, ¡allí estaremos todos bailando! Más info en www.southpopfestival.com

PS + FIB = ¡FESTIVALEO MÁXIMO! La décima edición del festival barcelonés aprovecha este número tan señalado para volver a demostrar que, en cuestiones de elegir a los máximos representantes de la música independiente de riesgo y vanguardia, el Primavera Sound es el más acertado. Del 27 al 29 de mayo, en el Parc del Fòrum, podremos ver a grandes clásicos de la escena como Orbital, Pavement o Pixies, viejas glorias del calibre de Lee “Scratch” Perry, Wire o The Fall, maravillas como Low, Wilco, Built to Spill, Shellac, Seefeel o Tortoise, y hasta lo mejor de lo nuevo, como The XX, The Bloody Beetroots, Grizzly Bear, Fuck Buttons, Beak> o Atlas Sound. En definitiva, una avalancha impresionante, en otro cartelazo para la historia. Más info en www.primaverasound.com El Festival Internacional de Benicàssim, por contra, sólo ha anunciado a parte de sus cabezas de cartel. Teniendo en cuenta que su oferta es más tardía, del 15 al 18 de julio, también es comprensible, aunque ya tiene entradas a la venta. La progresiva britanización del festival se deja notar, cada vez más debido a que los hermanos Morán ya no se encuentran en su cúpula directiva. Por ahora, el FIB número 16 ha confirmado a The Prodigy, Kasabian, Ian Brown, Dizzee Rascal, P.I.L. y The Specials. Es decir, grandes nombres, pero sin la especialización de otros festivales... Ya se sabe que el cabeza de cartel de Benicàssim es eso, ¡Benicàssim! Más info en www.fiberfib.com Textos starts: Maru Sánchez <art@clonemagazine.com>

ARTE

START clone.42 “SPARK”

¿Sería el descubrimiento del fuego fruto de un proceso artístico-creativo? No sabemos, lo que sí tenemos claro es que todo sucedió a partir de una chispa que consiguió prender.

Un instante decisivo, una milésima de segundo y... ¡Zas!, el hombre tenía ante sí un nuevo elemento cuyo descubrimiento (especialmente la capacidad para provocarlo) cambiaría el curso de la historia. Y es que como Arquímedes en su bañera, quién no ha vivido en sus propias carnes ese momento de conocimiento, de descubrimiento y por qué no, de creación. Precisamente ése es el principal objetivo de la última campaña de Converse. SPARK, que en inglés significa chispa, es el resultado de su compromiso con los jóvenes valores y, fundamentalmente, con la capacidad creativa y expresiva de estos últimos. Conscientes de que su visión es la que dibujará el panorama del futuro, Converse no ha querido dejar escapar la oportunidad de actuar en cierto sentido como un mecenas del siglo XXI para distintos jóvenes de todo el mundo que encajan a la perfección con el espíritu urbano y transgresor de la marca. Sin embargo no es este un patrocinio cualquiera. El proceso creativo, el momento en el que las ideas pelean por tomar forma real en la cabeza de sus gestores, los silencios y carreras en busca de la respuesta más acertada son el leit motiv de esta historia. Se trata de captar la chispa que precede a un proceso de creación, ardua tarea cuando hay que obtener un resultado gráfico convincente. En ese sentido, el lema de la campaña “Igniting the spark around the world” no deja lugar a dudas acerca del sentido de reacción en cadena que esperan conseguir con ella. Y es que conscientes de que la mejor forma de acercarse a los jóvenes es a través de los temas que más les interesan, Converse pretende con ello fomentar y servir de inspiración para próximas generaciones de artistas. Una gran fogata, precedida, cómo no, por cientos de chispas.

Reino Unido, EE UU, Brasil, Argentina, Alemania, Francia, China, Taiwán, Tailandia y España son algunos de los lugares de procedencia de estas “chispas primigenias”. Jóvenes talentos cuyas creaciones, motivos, procesos y ámbitos de actuación han despuntado entre muchos otros llegando así a formar parte de esta ambiciosa campaña. Louis y sus circuitos electrónicos, las representaciones poéticas de Conchetinas, la honestidad y juventud de la lente de Olivia o las intervenciones urbanas de Mentalgassi son más que actos creativos en sí mismos, son las pulsaciones, las motivaciones de una parte de la población –los jóvenes- que cada vez tiene más claro cuál es su papel y su capacidad de cambio en un escenario global.

La luz, el sol, la calidez son algunos de los adjetivos que inevitablemente acompañan el nombre de Brasil por el mundo, pues bien, algunos de ellos son aplicables también a la obra de uno de los artistas de SPARK, Bruno, que destaca especialmente por la sensibilidad de su obra. La misma precisión y delicadeza que dibuja colores imposibles en el paisaje carioca se deja traslucir en la obra de este joven artista que consigue, con sus creaciones transmitir parte de la magia y realidad que le envuelven día a día en su país natal.

Más info en www.converse.es

LA CREATIVIDAD QUE SE ENCIENDE CON CONVERSE Texto_ Maru Sánchez

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En la fotografía: BRUNO (Brasil)

spring / summer 2010 california desert

franklinandmarshall.com

ZEMOS 98

ilustración: Miguelbrieva para Zemos98

MICROBIOS, SERES VIVOS DIMINUTOS DEL 15 AL 21 DE MARZO DE 2010 Es equipamiento de serie. Uno de los chips que ha sido capaz de propulsarnos más allá de lo que nuestra fuerza –en el sentido bruto de la palabra- jamás hubiera podido llevarnos. Pero también puede ser nuestro talón de Aquiles, de hecho nos ha hecho caer más de una vez, grandes tropezones, batacazos. Y todo por no acordarnos de mirar hacia abajo, hacia dentro, hacia nuestro lado más próximo. Las ansias de expansión, nuestra necesidad de crecimiento continuo ha hecho que muchas veces no tengamos en cuenta lo pequeño, lo cercano, con lo que convivimos cada pequeño día de nuestra existencia. Precisamente en su duodécimo cumpleaños, los chicos de Zemos 98 se han dado cuenta de esta paradoja y han decidido dedicar su próxima edición a la grandeza de lo pequeño.

Lo micro y lo breve como aplicación a lo local, a la raíz, al territorio en el que nos comunicamos y convivimos será el eje sobre el que oscile este próximo encuentro que tiene por título “Microbios, Seres Diminutos”.

Entrelazando algunos de los temas con los de anteriores ediciones, este año volverán a sucederse los conciertos, los debates, charlas y talleres o laboratorios de ideas. Precisamente en este último apartado, este nuevo encuentro trae una novedad, los llamados ‘Cultivo Microbios’, un espacio de educación expandida donde se experimentará con los nuevos microorganismos culturales. Asimismo, con el Taller de Migrantas se pretende ahondar en las relaciones entre migración, identidad y diálogo intercultural y su interactividad con las nuevas redes y medios sociales.

Le Petit Circle, Fiera, Filastine o Ciclo serán por su parte los cabezas de cartel del apartado musical de este año, mientras que los trabajos de Rogert Bernat y Miquel Noguera coparán los minutos dedicados al teatro y la performance respectivamente. También la calle será escenario de intervenciones durante los días que dure el festival, concretamente en la calle Feria durante el ‘Mercaíllo del Jueves’, que es el rastro más antiguo de Sevilla y que sitúa su origen en el siglo XIII. En esta curiosa iniciativa, los artistas invitados trabajarán en torno a la temática de los ‘Superhéroes de Barrio’, por lo que tratarán de visibilizar lo invisible, a aquellos superhéroes y superheroínas de barrio, pequeños microbios que tejen redes locales que resisten a ras del suelo, reinventando la vida cotidiana, sin ningún tipo de servicio ni colaboración al margen del cierre de la calle al tráfico rodado. Una nueva edición de Radioactivos Expandido –el podcast de Zemos98-, así como numerosas charlas y experimentos sonoros completarán una edición que llega para poner los puntos sobre las íes en lo que a lo local, breve y ‘pequeñito’ se refiere. Promete.

Más info en www.zemos98.org

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FESTIVALES - MÚSICA

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FEST 100% SINTÉTICO Con el título de “100% Sintético” se presenta la quinta edición del Festival Internacional de Teatro y Artes Escénicas de Sevilla, “Fest”, que se celebrará entre el 10 y el 18 de abril. Llevando a gala el impetú por la síntesis, el propio cartel oficial dispone a modo de resumen estadístico los contenidos: 36,4% espectáculos de calle, 25% teatro, 11,4 % danza, 11,4% teatro musical, 4,5% danza-teatro, 4,5% clown, 4,5% circo y 2,3% otros. Todo ello a cargo de veinte compañías procedentes de Francia, Estados Unidos, Bélgica, Grecia, Reino Unido y, por supuesto, España.

Entre lo más destacable, la mezcla de técnicas circenses, clown y teatro gestual de los franceses MUD’ARTE; la compañía neoyorkina Garnica Leimay creando en directo “El Rastro de la Tristeza Púrpura”, a partir de un software interactivo con manipulación de vídeo en vivo; los griegos Rootlessroot y su Ópera a gritos en movimiento “UNA”; o el reflejo del conflicto árabe-israelí en las producciones de Traspasos y Teatro de la Esquirla. Salas, horarios, entradas, etc. en www.sevillafest.com > Matías Marín

MASTERCLASS DE JACK DANIEL’S 4 DE FEBRERO Y 4 DE MARZO_ SALA LA SAL. MADRID Los Planetas y Dorian, Dorian y Los Planetas, ¿alguien da más? Seguro que no y es que quién no se ha imaginado alguna vez tocando junto a su grupo favorito... Pues ya puedes dejar de soñar y experimentar porque vuelven las masterclass de Jack Daniel’s. Una sala, 15 músicos amateurs y dos de los mejores grupos de pop-rock indie del momento. Una experiencia única donde compartir toda una trayectoria profesional. Sólo 15 personas van a poder vivir esta experiencia cargada de autenticidad en la que podrán intercambiar sensaciones y ser partícipes de un acontecimiento único con los mejores músicos del momento. Los privilegiados alumnos serán elegidos de entre todos aquellos que demuestren sus cualidades musicales enviando un vídeo. ¿A qué esperas?

Más info en www.jackdanielsmusic.es

EXPOS

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ANDREW BUSH

MUSAC

DEL 3 DE MARZO AL 4 DE ABRIL_ 3 PUNTS GALERÍA. BARCELONA Si tuviéramos que describir algunas de las situaciones más fílmicas o cinematográficas o, si mejor, nos propusiéramos un trabajo de autoexploración y buscáramos en nuestra mente representaciones estéticas que a menudo se repiten o vuelven con el tiempo, a buen seguro en el cajón de sastre de más de uno encontraríamos ‘postales’ similares con fecha, colores y puntos geográficos determinados. En este juego sensorial, California, qué duda cabe, puede considerarse uno de esos lugares que uno conoce a la perfección sin haberlo nunca pisado. Su presencia estética a lo largo de nuestra breve, pero intensa vida de cultura popular ha conseguido fijar con celo sus fotogramas en nuestra retina. Si a ello le unimos coches de vértigo, un sol abrasador y el azul del Pacífico reflejado en el cielo, y no al revés, entonces estamos hablando de la última muestra de Andrew Bush. Este fotógrafo norteamericano presenta un trabajo compuesto por 40 obras de gran formato en las que navegando entre campos como el periodismo, la antropología y el arte conceptual, retrata, durante la década de los noventa, a decenas de conductores que transitan por Los Ángeles y sus afueras. Un intenso y curioso trabajo de campo cuyo objetivo radica en analizar las fronteras entre la ilusión de privacidad propia de un automóvil y lo público de un espacio como la carretera. Interesante punto de vista para dar una vuelta de tuerca más a una imagen ya de por sí bastante explotada. Más info en www.3punts.com

HASTA JUNIO DE 2010 Parece mentira, pero ya han pasado cinco años desde que abriera sus puertas el MUSAC en León. Un lustro en el que el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León ha demostrado sobradamente que el esfuerzo por el diseño de una exquisita, interesante y abierta programación cultural no tiene porqué estar circunscrita solamente a las grandes metrópolis. Así, y en la misma línea de eficiencia que le ha caracterizado, 2010 es para este centro la excusa perfecta para subir un peldaño más en esto de la creación contemporáneo y celebrar al mismo tiempo su quinto cumpleaños. Para la ocasión, se ha configurado una programación en la que destaca, entre otros, el Proyecto Proforma 2010.

Esta iniciativa, que correrá de la mano de los artistas Txomin Badiola, Jon Mikel Euba y Sergio Prego, se desarrollará en los más de 4.000 m2 de espacio expositivo del MUSAC y representará una nueva manera de generar proyectos artísticos más allá de las nociones convencionales de actividad expositiva. En junio de 2010 se presentará, por su parte, una gran muestra integrada por obras de la colección nunca antes expuestas, pertenecientes a más de cuarenta artistas latinoamericanos, y el Laboratorio 987 albergará cuatro exposiciones comisariadas por Tania Pardo, Octavio Zaya, María Inés Rodríguez y Agustín Pérez Rubio. Sin embargo, si hay una opción que excite de veras nuestras neuronas, esa es la del Proyecto Vitrinas, que desde el 30 de enero acogerá la muestra “Loud Flash. Punk británico sobre papel”. Compuesta por una selección de carteles de conciertos, fanzines, flyers y otros objetos pertenecientes a la extensa colección privada del artista y antiguo punk Toby Mott, “Loud Flash” se asoma, a través de estos objetos e imágenes, a una convulsa época (los 70 y los 80 en Reino Unido) desde un punto de vista cultural y social, pero también con una marcada perspectiva de carácter político.

Más info en www.musac.es

VECTOR PORTRAITS

Imagen de ANDREW BUSH

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PROGRAMACIÓN V ANIVERSARIO

ARTE

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Imagen de JEFF WALL

JEFF WALL

PHAIDON. Jeff Wall es, en la actualidad, uno de los fotógrafos más interesantes e influyentes del arte contemporáneo. Su obra bebe de las fuentes de la pintura del siglo XIX y sus fotografías se enmarcan dentro de una tradición pictórica que entronca a la perfección con la teoría del arte, un campo en el que se maneja a sus anchas como escritor y pensador en activo. Quizás pase por ser uno de los artistas más completos del arte contemporáneo por la significación de su obra y la importancia de sus textos.

Jeff Wall estudió historia social del arte en el Instituto Courtauld de Londres, muy influido por la representación pictórica, Jeff Wall podría considerarse como un pintor de la modernidad, en el sentido en el que piensa, relaciona y elabora sus fotografías. Sus imágenes emplean una luz difuminada y resplandeciente que dota a las imágenes de un aura casi místico proveniente de grandes cajas de luz; fotografías reconstruidas y ficcionadas con un componente muy urbano, casual, aunque de fuerte influencia decimonónica y una estructura muy fijada. Sus fotografías navegan por artes tan distintas como el minimalismo, el cine, la pintura figurativa, el arte conceptual o el documental.

Phaidon edita ahora uno de los libros definitivos sobre el artista, con una colección de sus mejores obras y artículos de Thierry de Duve (“Pictorial Nominalism” y “The Definitely Unfinished Marcel Duchamp”), Arielle Pelenc, que discute sobre narrativa cinematogáfica con Jeff Wall o Boris Groy, quien habla con el fotógrafo sobre el empleo de la luz. Todo ello acompañado de entrevistas, una revisión exhausta de su obra y textos escogidos por el autor. Más info en www.phaidon.com

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DEL ÉXTASIS AL ARREBATO. CAMEO. El pasado 30 de diciembre fallecía a los 66 años de edad Iván Zulueta, director maldito por excelencia del cine español y autor de ese filme de culto llamado “Arrebato”. El fallecimiento del director donostiarra, además diseñador gráfico, cartelista y decorador, ha vuelto a poner en órbita este pack de DVDs editado por Cameo recientemente fruto de una exposición organizada por el ciclo Xcéntric del CCCB, entorno al cine experimental y de vanguardia realizado en España en los últimos 50 años.

“Del Éxtasis al Arrebato. Un recorrido por el cine experimental español” trata de ser una edición no definitiva de lo que ha supuesto la vanguardia cinematográfica en nuestro país; más bien una recopilación, un intento de acercamiento que trata de divulgar, distribuir y poner de manifiesto una obra que ha estado condenada al oscurantismo en los últimos 50 años. Este pack trata de arrojar luz sobre ese agujero que parecía existir entre la obra de Buñuel y la de Val del Omar, como si no hubiera nada más allá de estos dos maestros de nuestro cine.

Cameo nos acerca en esta edición la obra de artistas como José Antonio Sistiaga y su pintura en movimiento, Ton Sierra, Joaquim Puigvert, Jordi Artigas, cineastas que experimentaron con el color y la manipulación directa del fotograma. Manuel Huerga, Benet Rossel, Eugenio Granell, Juan Bufill, Eugènia Balcells, Zulueta, que presenta “A Mal Ga Ma”, una sinfonía visual que compuso en sus primeros años; así como la obra de José Ángel Rebolledo, Luis Riviera o el hoy dramaturgo Carles Santos.

Más info en www.cameo.es

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Textos_ David Pareja

MARLENE DUMAS. PHAIDON. Artista surafricana afincada en Ámsterdam, la pintura de Marlene Dumas (Cape Town, 1953) se caracteriza por un uso psicológico del trazo, repleto de pathos y erotismo. Es famosa por el uso de las acuarelas y las pinturas al óleo, que la enmarcaron en el neoexpresionimo de finales de los setenta. En ellas está presente la raza a la que pertenece, la infancia, la edad adulta, el sexo -casi pornográfico-, la muerte y la vida. Todo realizado con pinceladas gruesas, complejas, que recogen el lenguaje del cuerpo y las curvas de la anatomía para transmitir toda su carga moral y física. En los temas que retrata recuerda a Schiller, un color goyesco, y una carga humana que toca de cerca la pintura de Lucian Freud. Esta edición de Phaidon recoge todas sus épocas en la pintura, así como entrevistas, textos de la autora y una selección de sus pinturas más recientes que alzan a esta edición como una de las más completas dedicadas a Marlenne Dumas.

Más info en www.phaidon.com

WELCOME TO ESPAIÑ. ACTAR. Jordi Bernardó presenta en ¡Bienvenido a España! un recorrido fotográfico por nuestra España más cañí, inverosímil y esperpéntica. En las instantáneas publicadas por esta nueva edición de Actar Editorial podemos encontrar desde santuarios domésticos (religiosos, políticos o artísticos) hasta paisajes de interior repletos de humor, postales de turismo y muñecos de cera no desprovistos de un rancio toque de gracia. La cámara de Bernardó se afila especialmente en encontrar el reverso de una España que parece anclada en los años 70, repleta de turismo barato, toros de Osborne, banderas de España y una arquitectura surrealista digna del mejor Berlanga. Jordi Bernardó ha paseado anteriormente su cámara por territorios americanos, japoneses y europeos; pero ahora se ha centrado en la España más profunda, la que parece resistirse a la barrera que delimita ficción y realidad, lo grotesco y lo inverosímil. Un retrato certero y punzante del que no se libra ni Dios. Más info en www.actar.es

BARCELONA: MUSEO SECRETO. ACTAR. Las guías de viajes son un fenómeno editorial que ha gozado de éxito más allá de los tiempos. Desde Marco Polo a Kapuscinsky, su popularidad ha ido creciendo gracias al aumento de las facilidades a la hora de viajar y a la democratización de los precios. Pero hay un fenómeno más reciente que aporta calidad, valor y originalidad a las guías de viajes. Son las guías culturales, que aportan historias sobre los espacios de los que se escriben, conocimiento que relacionan los espacios descritos con la literatura, el arte o la ficción cinematográfica. Sabiduría que amplifica el lugar retratado y lo dota de una mayor dimensión. El novelista Ignacio Vidal-Folch retrata en esta edición de Actar numerosos monumentos, edificios al borde de la desaparición, carteles, al igual que escaparates y numerosos espacios tocados por el don de la singularidad. Más info en www.actar.es

Imágenes de MARLENE DUMAS

EDICIONES

LIBROS

WORD UP Y À DONF. ¡ABAJO LA CENSURA! Parece manido, pero no deja de ser cierto aquello de que uno no aprende un idioma correctamente hasta que lo vive... También es verdad que conviene aprenderlo de manera académica, pero probablemente, si uno basa sus conocimientos de inglés y francés en lo que le enseñaron en colegio e instituto (por no hablar de las macabras academias de idiomas), lo más seguro es que el mejunje nos dé para poco más que pedir un cucurucho de fish & chips o una crêpe de Nutella. Y eso, con suerte. Para toda esta generación 2.0, que se desvive viendo series en versión original, que ha conseguido que el lenguaje mute hacia una especie de esperanto universal donde la compresión del Messenger y de los SMS es el santo y seña de la comunicación, ha nacido la serie de diccionarios perfecta. Porque el Langenscheidt está muy bien, no lo vamos a negar, pero también es cierto que hay ciertas cosas (argot, neologismos, insultos, jerga de ligoteo, habladurías de las tribus urbanas... ) que no las vamos a encontrar en un diccionario, digamos, “normal”.

Pons Idiomas ha editado para estos menesteres dos diccionarios sin censura, “Word Up!” y “À Donf!”, en inglés y francés respectivamente, que ayudarán a todos los jóvenes a triunfar por las calles, los clubes y el internet, que es donde al final se corta el bacalao. Además, al ser bidireccionales, también servirán para que los guiris dejen de ser tan pánfilos como es habitual en ellos... ¿Cómo es que no se le había ocurrido esto a nadie antes, pardiez? Más info en www.ponsidiomas.com

LA HISTORIA MODERNA DE BELLE & SEBASTIAN (Metropolitan Ediciones, 401 páginas, 2009) Ya hablamos hace unos meses, a propósito del fantástico libro “Entre Bastidores. De Viaje con el grupo Love”, de Michael Stuart-Ware, de la ramificación editorial del sello Mushroom Pillow, Metropolitan. En su haber tienen cuatro magníficos volúmenes, que incluyen el citado sobre Love, el que nos ocupa, y otros dos más, “Más Oscuro que el Profundo Mar. En Busca de Nick Drake”, de Trevor Dann, y “Touching from a Distance. La Vida de Ian Curtis y Joy Division”, por Deborah Curtis. Queda claro pues que la intención de Metropolitan es la de editar libros que nos hagan comprender mejor la vida de nuestros artistas favoritos, y desde luego que no podemos hacer más que aplaudir esta iniciativa. En este caso, hablamos de “Belle & Sebastian: Una Historia de Rock Moderna”, que nos permite conocer los entresijos vitales de una de las mejores bandas de pop de los últimos quince años. Los escoceses, autores de discos capitales como “If You’re Feeling Sinister” (1996) o “Fold Your Hands Child, You Walk Like a Peasant” (2000), han conseguido crear una base de fans cuya admiración por ellos roza por momentos el culto, a pesar del extraño carácter, medio autista y casi virginal, de los protagonistas. Su autor, Paul Whitelaw, tiene amplia experiencia en la crítica musical, siendo su firma habitual en medios tan reconocidos como Metro, Melody Maker o New Musical Express. Con textos en profundidad, entrevistas y fotos exclusivas, este libro es de compra obligada para todos los seguidores de Stuart Murdoch y compañía.

Más info en www.metropolitanediciones.com

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OTRA VUELTA DE TUERCA REVISITANDO A LOS CLÁSICOS Una de las grandes quejas de libreros, editores y escritores en los últimos años se refiere a la voracidad del mercado literario, que fagocita las novedades en plazos de tiempo cada vez más cortos, impidiendo que muchos libros desarrollen todo su potencial: ese clásico boca a boca, que ha permitido que obras que en principio parecían destinadas a un público reducido alcanzaran un éxito masivo (el mismo Harry Potter, sin ir más lejos). En esta vorágine en que se ha convertido la actualidad el espacio físico escasea cada vez más y los mayores damnificados son aquellos autores que, digámoslo así, “han pasado de moda”.

Para arreglar semejante desaguisado en Anagrama han decidido lanzar una nueva colección, “Otra vuelta de tuerca”, cuyo aspecto exterior se caracteriza por el empleo de tapas en color rojo (de ahí el sobrenombre de “Serie roja”), y cuyo objetivo es revisar títulos clásicos del catálogo de la editorial. Se trata, en palabras del propio Jorge Herralde, de “una colección que no quiere imponerse limitaciones de ningún tipo, aunque predominará la ficción, y donde coexistirán de forma ecléctica y quizá poco previsible, como en el catálogo del que proceden, la más alta y exigente literatura con textos offbeat y rompedores. Requisito único: en su día la publicación me pareció inevitable. Y ahora me lo sigue pareciendo”.

Y habrá que hacerle caso, porque la decena de libros que llevan publicados, varios de ellos volúmenes recopilatorios, suponen una selección ante la que caben pocas objeciones: viejos conocidos como Jane Bowles, cuya obra completa se reúne en “Dos damas muy serias y Placeres sencillos”, Thomas Bernhard, del que se han reunido sus cinco volúmenes de memorias en “Relatos autobiográficos” o el malogrado Fritz Zorn, del que se recupera su única novela, “Bajo el signo de marte”, completada para la ocasión con textos de Rafael Conte y Felix de Azúa. También están presentes viejos favoritos de la editorial, como las cinco novelas que Patricia Highsmit escribió con Tom Ripley como protagonista, publicadas para la ocasión en un único tomo, el delirante “Los ángeles del infierno”, de Hunter S. Thompson, o el debut de Rodrigo Fresán, “Historia argentina”. Y por supuesto, títulos que reflejan la rica diversidad de esas literaturas que permanecen en la periferia de las modas editoriales, como la china (“La fortaleza asediada”, de Qian Zhongshu) o la polaca (“El rey de las dos Sicilias”, de Andrzek Kusniewicz). Todo cabe en una colección que, más que en tapas rojas, debería venir encuadernada en cuero y con letras grabadas en dorado, como los grandes clásicos.

Más info en www.anagrama-ed.es> Vidal Romero

ARQUITECTURA reviews

VARIOS AUTORES “CONSTRUIR EL NUEVO MILENIO”. (PHAIDON) Los cambios de década son siempre territorio abonado para la reflexión, la recapitulación y la puesta en orden de las ideas: el momento ideal para que el cuerpo crítico de las revistas y las secciones de cultura de los periódicos hagan bisagra, miren hacia atrás y tracen una línea evolutiva en el desarrollo de algún tipo de arte, industria o actividad. Esta actitud es peligrosa en cualquier género de estudio, porque la falta de perspectiva impide disponer de una distancia crítica suficiente tanto para lo bueno como para lo malo: es decir, que por un lado se tienden a sobrevalorar las creaciones o actitudes más recientes (el siempre estimulante efecto de “lo nuevo”), y por otro se desprecian las más antiguas, esas a las que ya empiezan a asomarle las arrugas o, directamente, han dado con sus huesos en el baúl de los olvidos.

Pero más que en cualquier otra actividad, esta actitud es particularmente peligrosa en la arquitectura, una disciplina en la que el arco temporal que va desde los primeros bocetos de un edificio hasta su terminación suele abarcar muchos años, sobre todo en el caso de las obras públicas o institucionales, más complejos en cuanto a su diseño y también sometidas a una gestión política tortuosa y enrevesada, por mucho que la chapucera actuación de los responsables municipales en casos como el del Metrosol Parasol de Sevilla o los Teatros del Canal de Madrid parezca sugerir lo contrario. Esta sensación de deriva temporal es lo que se siente al ojear “Construir el nuevo milenio”, un coqueto volumen cuyo objetivo es hacer un suma y sigue de las distintas corrientes surgidas en la arquitectura en la última década (su subtítulo, “Arquitectura de comienzos del siglo XXI”, ya lo advierte de manera clara). Y se siente porque, junto a edificios de una modernidad incontestable (más allá de reflexiones estéticas, quiero decir), como los Estudios y Centro Cultural de la Televisión China, de OMA, la Tienda de Ann Demeulemeester en Seúl, de Mass Studies o los estadios de Herzog & De Meuron (el Allianz Arena de Munich y el Estadio Nacional de Pekín), aparecen obras que parecen pertenecer a otras épocas, y que están aquí consignadas sólo por su interés mediático: es el caso del Walt Disney Hall, de Frank Gehry, del Centro de Arte Contemporáneo Lois & Richard Rosenthal, de Zaha Hadid o el Proyecto Edén, de Nicolas Grimshaw. Una aparente bipolaridad que, en realidad, refleja a la perfección la realidad de la arquitectura en el momento actual: una batiburrillo de actitudes, en el que resulta difícil consignar movimientos y la espectacularidad se impone a cualquier otro criterio estético, como consecuencia de esa loca carrera en la que se hallan metidas muchas ciudades que, siguiendo el ejemplo de Bilbao y el Guggenheim, desean redefinirse a cuenta de grandes proyectos arquitectónicos.

En cuanto a la manera en la que “Construir el nuevo milenio” muestra los proyectos, no puede ser más sencilla: cuatro páginas por cada edificio, con fotos cuidadas, textos explicativos y algún plano general. Y aunque el que siga la actualidad de la arquitectura encontrará la selección de obras correcta y con pocas sorpresas, hay que tener en cuenta que el público al que va dirigido es otro. De ahí que no existan textos que reflexionen sobre los giros que han sacudido a la arquitectura durante estos diez años. O a lo mejor es que tampoco hay demasiado sobre lo que reflexionar: es lo que sucede cuando gobierna la sociedad espectáculo, que la imagen siempre prevalece sobre el contenido.

MARC ARMENGAUD, MATTHIAS ARMENGAUD, ALESSANDRA CIANCHIETTA “NIGHTSCAPES. PAISAJES NOCTURNOS”. (GUSTAVO GILI) Una de las fallas habituales en los proyectos de arquitectura es el de la iluminación artificial: se proyectan los edificios pensando en cómo rebotará la luz sobre ellos, en cuáles serán los filtros que utilizaremos para impedir la desmesura de la claridad y en lo bien que quedarán las líneas de sombra sobre la fachada, pero casi nunca se da la misma importancia a la iluminación artificial, a pesar de que los edificios también se habitan y se perciben de noche. Los tres autores de este interesante librito reflexionan sobre esos aspectos desde otros tantos puntos de vista: el carácter que impone la noche sobre el paisaje, y cómo afecta a la relación que se tiene con las ciudades y los edificios (incluyendo casos tan concretos y atípicos como la celebración de ferias o grandes acontecimientos culturales); la importancia de la iluminación en las grandes infraestructuras, y cómo sirve para reflejar la escala desmesurada de éstas en el tejido urbano, y cómo la adecuada elección de una buena iluminación puede modificar los significados y el papel de un edificio o espacio público. Una cuidada guía de jardines, plazas y edificios y algunos apéndices (iluminación de jardines de noche, reflexiones acerca de las arquitecturas efímeras) completan un libro ameno, interesante y original, al que sólo se le puede criticar que no siempre emplea el tono adecuado y que a veces presenta lagunas importantes (el evidente desconocimiento que Cianchietta posee sobre festivales de música y raves, por ejemplo).

ARQUITECTURA ESCRITA Texto_ Vidal Romero

“Nuevos iconos para nuevas sociedades: Estudios y Centro Cultural de la Televisión China en Pekín. OMA”

ARQUITECTURA

CONOCE A señor juelle

EN CORTO Nombre: Javi Juelle Edad: 28 años Lugar de nacimiento: Sevilla Profesión: Tatuador Retrato: Javi Juelle Fotografía:Francisco Zurita para Libeluladenuevepulgadas

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1. Un concepto: Constancia.

2. Un concepto sobrevalorado: Arte.

3. Una edad de oro: No lo tengo muy claro.

4. Un personaje de ficción que te hubiera gustado conocer: Le pediría salir a Leela, de Futurama .

5. Un maestro/a: Gente cercana a la que admiro.

6. Un momento del día que no cambiarías: El desayuno 7. Un libro que no falta en tu habitación: Cualquiera con dibujos.

8. Una obsesión solitaria: La cocina.

9. Un sueño repetido: Viajar en el tiempo.

10. Un objetivo por conseguir: Hacer música que al menos no irrite a mis amigos.

11. Tus pupilas se dilatan cuando: Todo es perfecto. www.myspace.com/sr_juelle - www.fotolog.com/srjuelle

START clone.41 “HIP-HOP NEWS”

magnífica obra. El diseño se ha cuidado con esmero, encargándoselo a Xclusif & Conflict para deleite de los aficionados. El documental se puede adquirir por separado o como parte de la citada caja, que incluye además toda su discografía completa. Un auténtico lujo, para qué lo vamos a negar, de uno de nuestros raperos favoritos...

Vuelven las Strictly Hip-Hop News con uno de nuestros MCs favoritos, Tote King, quien lanza al mercado una lustrosa caja donde recopila toda su discografía hasta la fecha más un documental magnífico. También vuelven a la palestra dos clásicos de la talla de R de Rumba y Xhelazz, puro old-school zaragozano. Y finalmente, el joven rapero ZPU edita su tercer largo para demostrar que las redes sociales están de su parte. ¡Atento, joven headz, que aquí hay candela de la buena!

Texto_ Pablo Vinuesa TOTE KING ENCAJADO Una de las principales inquietudes de un fan es la de acercarse al artista al que adora. No sólo a través de su obra, sino desde un punto de vista más personal y cercano. Por esa misma razón, BOA ha dado en el clavo con la caja de Tote King y el documental “Tengo Que Volver a Casa”, un lujoso lanzamiento que pretende mostrarnos no sólo la vida sobre las tablas del fantástico rapero sevillano, sino también su devenir cotidiano.

En el documental, cuya banda sonora ha sido compuesta por Cookin’Soul y DJ Randy, se intercalan actuaciones de Tote con otros acercamientos a sus lugares habituales, desde el inevitable estudio de grabación hasta los aeropuertos, pasando por las canchas de basket (con cameo de Felipe Reyes incluido). Acompañado por artistas de la talla de La Mala, Juan Solo, Ernesto Sevilla o su hermano Shotta, Manuel González, que es así como llaman en su casa al genio del hip-hop, hace balance ante nuestros ojos. Para el muy conocedor de Tote, quizás el documental no descubra demasiado, pero para los demás, “Tengo Que Volver a Casa” resulta ejemplar, ya que nos descubre a parte de esa gente que le rodea pero no suele salir en los titulares (hablo de su manager Martin, del azote de la SGAE David Bravo, de Lorena Sevillano, etc.), y además explica con detalle los claroscuros de nuestro protagonista, y las razones que provocan que su natural desestabilidad sea precisamente el motor de su

DESDE LA COCINA DEL ESTUDIO R de Rumba, Rubén Cuevas en su casa, es uno de los personajes fundamentales de la escena hip-hopera nacional. El DJ y productor zaragozano no sólo se ha convertido en el pilar sonoro, ético y estético, de su grupo Violadores del Verso, sino que además es la punta de lanza del sello Rap Solo, que lleva años fomentando el hip-hop clásico, potente y perfeccionista. Xhelazz, por su parte, es un MC vecino de Violadores al que siempre hemos podido encontrar cerca de los maños. Mario Celimendiz, que así se llama el muchacho, tiene a sus espaldas una carrera bastante dilatada. Comenzó con el grupo Originarios junto a Loto Oscuro, con quien también formó Imperio. En 2000 nació Cloaca Company, que lo unía a Franfuethefirst, Eric B. y Hazhe (con h intercalada, no confundir con el de aquí), combo que tuvo cierta repercusión. Como MC ha sido invitado por grandes raperos como Rapsusklei o Tote King, y ha formado parte de la troupe de gira con Violadores del Verso. Quizás su faceta como productor sea menos conocida, pero Xhelazz maneja los samples con una facilidad pasmosa.

Juntos, él y R de Rumba, han cocinado “De Vuelta al Estudio” (BOA, 2009), un trabajo de, eso, estudio, con el que demuestran su poderío frente a la mesa de mezclas. Entre los dos se marcan 19 temas entre instrumentales, inéditos y remixes, con protagonistas como Tote, Juaninacka o ElPhomega, pero también con la presencia de otros miembros habituales en la familia Rap Solo como Kase O., Hate, Lírico, Rebel o Sr. Rojo. Material de primera que complementa las carreras de ambos productores, pero que al mismo tiempo se sostiene como lanzamiento discográfico en sí mismo. Y es que los remixes y las rarezas también pueden ser Arte, por supuesto.

EL TERCER SUEÑO DE ZPU Es uno de los raperos jóvenes que mejor conecta con los chavales, como así demuestran los miles, millones de visitas a su MySpace o a los vídeos que tiene colgados en YouTube. ZPU estrena su tercer disco en solitario, “He Tenido Un Sueño” (BOA, 2010), un largo que a buen seguro será un éxito absoluto. El MC barcelonés ya se dio a conocer hace años como miembro del grupo Magnatiz, con quienes editó dos trabajos, “A Puerto” (2000) y “Rara Avis” (2002).

Tras su salida del proyecto, “Hombre de Oro” en 2006 y “Contradicziones” dos años más tarde, han sido los CDs que hemos podido escuchar por parte de Juan Prieto Sánchez. Se caracteriza por ser un rapero “serio” en el sentido en que lo es Nach, que no por casualidad lo ha apadrinado tanto en gira como en estudio con cierta frecuencia, por lo que su seña de identidad son las letras socialmente comprometidas con mensaje contestatario. Y si en el micro es Nach su amigo más próximo, a la hora de facturar los beats es Soma quien firma en la mayor parte de las ocasiones. “He Tenido un Sueño”, además, presenta a otros productores como Baghira, Mindheart, Nokley, Dash o DJ Joaking, y en la parte vocal podremos esuchar apoyos de la cantante de jazz Esther Ovejero, el marsellés Soprano, Madnass (Arma Blanca) o Puto Largo (Dogma Crew). Todos se aúnan para hacer de sus 18 temas un lanzamiento a tener muy en cuenta en los próximos meses.

MÚSICA

ARTICULO brian viveros

A menudo, cuando se habla de la capacidad que tenemos las mujeres o los hombres a la hora de reconocer y admirar la belleza de individuos de nuestro mismo sexo, existe cierta tendencia a pensar que las féminas son las primeras en ‘poner el ojo’ y clasificar a cualquier elemento que pueda hacerles sombra.

Cierto o no, y sin saber si es precisamente por mi condición de mujer, la verdad es que no dudo en reconocerme en algunas de estas conductas. Y no me lo reprocho. Bajo los efectos de un narcótico llamado Brian Viveros, en mi cabeza aún vagabundean las sombras de mujeres que, en su última calada, son capaces de llevarse una buena parte de tu voluntad.

ARTE

LA RENDICIÓN DE LAS DOMINATRICES Texto_ Maru Sánchez Un cigarrillo a medio consumir en la comisura de los labios, ojos difuminados en abundante sombra negra y una mirada desafiante a la par que seductora constituye el denominador común del harén que habita en la cabeza de uno de los artistas eróticos más importantes del panorama actual. Tras participar en la feria The Art of Porno, en Suiza en 1997, los pinceles del californiano Brian Viveros no han parado de trazar perfiles en torno a la seducción femenina, un concepto que ha llevado hasta sus últimas consecuencias y límites. Finalista en los Erotic Awards (UK) de 2004 como artista del año, la agenda de este ilustrador norteamericano se ha ido llenando progresivamente de exhibiciones a un lado y otro del Atlántico, una vorágine creadora que le ha llevado a picotear también dentro del sector audiovisual a través de la realización de varios cortos. Pero son sus mujeres, dominatrices vencidas a las que aún les queda un último aliento, una última conquista, las que lo han alzado a las primeras posiciones dentro del panorama creativo contemporáneo.

Referencias sadomasoquistas y fetichistas –puñales, tacones de vértigo, corsés, coronas de espinas... – pueblan las misteriosas composiciones de un Viveros que consigue empujar al observador hacia una dimensión prohibitiva, esa en la que navegan sus personajes y que se sitúa al margen de lo cotidianamente aceptable por nuestras conciencias. Y es que, magulladuras, sangre y moratones son, en ocasiones, el único vestido de noche de estas señoritas que, aun así, mantienen la dignidad y un último aliento para la venganza o el desquite, algo que, sin duda, las hace aún más bellas.

También las referencias latinas –quizá por la influencia del cercano Méxicotiñen los cuerpos de estas mujeres preparadas para la guerra (carnal o no) bajo el capote de un torero, flores rojas en el pelo o los labios de carmín.

No representan ningún prototipo políticamente ‘deseable’, sin embargo, sus actitudes no dejan de ser actuales y muy de súper(anti)heroínas. Alusiones veladas a un género, el del cómic, por el que Viveros se siente muy influido.

Las tipografías que acompañan las composiciones, habitualmente góticas y en ocasiones haciendo claras alusiones a la cultura chicana y al mundo de los tatuajes (sin duda nos viene como anillo al dedo en este número), contribuyen en gran modo a potenciar la atracción visual de estas imágenes, dotándolas de cierto aire siniestro y oscuro. Un mundo que se sitúa a la vuelta de la esquina bajo un estado ideal de semi borrachera y un paquete de Marlboro, compañeros de tránsito creativo para este artista que no hace ascos a las técnicas mixtas con óleos, acrílicos y aerógrafos. Qué duda cabe que no es mal cóctel para indagar en esos espacios vedados a la luz del sol por la policía de la racionalidad.

Más info en www.brianmviveros.com

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ARTE

ARTÍCULO tattoo

Textos_ Maru Sánchez Fotografía_ Samuel Sánchez / Piel_ Esteban Herrera

A pesar de los pesares, las condenas autoinfringidas, los daños propiciados, el cuerpo ha sido, es y será nuestro mejor bien material. Un objeto físico del que normalmente poseemos la mayoría de acciones –en otras ocasiones los ‘inversores’, qué duda cabe, nos vienen impuestos desde fuera ya sea genética, cultural o circunstancialmente- y que nos sirve como perfecto maniquí para reflejar aquello que se mueve en nuestro interior. Un holograma con densidades reales al que le vamos sumando elementos que, una vez hechas las operaciones de la ecuación, darán como resultado un yo diferente al resto. En este ejercicio mundano de diferenciación, y al calor de los usos globalizados, la moda nos permite jugar a ser diferente del resto, incluso cuando se está fuera del tiesto (eso también es fashionable). Un collarcito, por aquí, un corte gafapasta por allá; ropa customizada de mamá por aquí, un vinilo de los Bee Gees por allá; piercing de bolita fluorescente por aquí, tatuaje polinesio por allá... ¡Un momento! STOP. Hemos llegado a un punto interesante... ¿Qué diferencia a uno y otro elemento? ¿Qué se pone y se quita? ¿Qué nace con vocación de ‘a ver cuántas veces me lo pongo’ y qué con el de ‘me identifica, lo quiero para mí, para siempre’? Los tatuajes son una rara avis dentro de los complementos con los que adornamos nuestro cuerpo. A pesar de que la posibilidad de borrarlos, es algo que está ahí a partir de los denominados cover up –la técnica no entiende de romanticismos-, es obvio que hacerlo denota cierta debilidad y titubeo, y es que un tatuaje no nace para morir en unos meses o años. ¿O sí? Milenarios, portadores de sentidos y, finalmente, fruto de una manifestación artística más que consolidada, el mundo de los tattoos recoge una herencia plagada de simbología y belleza que sigue dando que hablar bajo millones de epidermis.

En estas páginas tattoos de Adam Barton ARTE

LA INCLUSIÓN EN EL MERCADO DE VALORES POPULARES El siglo XX ha querido pasar a la historia como la época en la que cualquier cosa es susceptible de ser colocada en el mercado y triunfar, sólo hay que crear la necesidad. Los tatuajes no iban a ser menos y si durante la primera mitad de siglo eran el marchamo de una vida vivida al margen de lo establecido mucho antes de que existiera el término underground, a partir de entonces y progresivamente, estos dejarían de ser sintomáticos de un estrato social olvidado. Si el desarrollismo norteamericano de los 50 nos dejó puñales, pin-ups y ‘amores de madre’ en musculosos brazos de marineros, los 60 mantuvieron esta tendencia entre una generación de jóvenes que comenzaron a cantarle al amor libre y la marihuana, finalmente los 70, con la explosión del rock, la psicodelia, el punk y demás estilos supuso la consagración de una manifestación que el establishment había sacado de contexto y expulsado del paraíso. Aunque los pasos dados eran de gigante, tuvieron que llegar los 80 y 90 para consolidar una moda abanderada en estos años por cantantes, presentadores, actores y demás ejemplares de la farándula mediática. Partícipe de un nuevo modelo de éxito, y a pesar de superar muchas de las barreras que lo mantenían en el limbo de las tendencias, el tatuaje ha seguido manteniendo cierto espíritu e identidad de rebeldía, identificándose con sentimientos románticos que aún a día de hoy, pueden traslucirse en diseños y motivaciones. Precisamente estas, aunque obviamente han cambiado con el paso del tiempo, conservan el idealismo de las cosas que, a priori, se hacen para toda la vida. Una tendencia, no obstante, que viene cada vez más presionada por el valor estético del tatuaje y la posibilidad de borrar o rediseñar algunos dibujos ya existentes. Por su parte, lo artesano del trabajo –cada tatuaje es diferente, como diferente es cada piel o cada cuerpo- sigue otorgando a esta manifestación un plus de diferencia con respecto a otras expresiones artísticas y corporales.

Por su parte, los colores fuertes, con contornos desdibujados y muchos degradados, al igual que los graffitis, son característicos del estilo new school, entre cuyos principales diseños y motivos triunfan las imágenes fantásticas, retratos, los dibujos biomecánicos, etc. También el fine line, técnica utilizada normalmente para la realización de retratos y que consiste en utilizar una estudiada escala de grises, se ve mucho actualmente gracias al nuevo impulso que han tomado los tatuajes realistas de personas y seres queridos, ídolos e incluso mascotas. El estilo japonés o irezumi, por su parte, se define por sumar al dibujo sencillo de líneas finas algunos colores intensos.

LÍNEAS Y COLORES PARA UN CATÁLOGO Aunque lo singular e individual de estos diseños es algo indiscutible, no es menos cierto que existen distintas tendencias que los aglutinan y para descifrarlas no hay que olvidar las fuentes de las que, precisamente, beben estos dibujos. Es decir, si la Polinesia es un punto fundamental en su aparición, no es de extrañar que los motivos que nosotros denominamos tribales hayan tenido amplia repercusión en la cultura contemporánea; también las escenas orientales, con motivos propios de esa cultura como las flores de loto, los dragones o las geishas, son elementos que ocupan un escalón propio en el ranking de tattoos más conocidos. Estrellas, trenzados y símbolos celtas, grafías orientales, tréboles, sirenas... Son algunas de las figuras más representadas bajo las epidermis de millones de personas. Pero no sólo por el dibujo se define un tatuaje. Las técnicas utilizadas, en similitud con algunas pictóricas, son fundamentales en el resultado final.

La motivación artística y estética es la otra gran baza a la hora de escoger a uno u otro estudio o tatuador. En esto, como en cualquier mercado, la exclusividad -algunos tatuadores llegan a cobrar hasta 200 dólares la hora y tienen listas de espera de años- y la definición de un estilo propio y singular –hay diseños que llevan un ADN muy definido, eso da caché- son claves a la hora de encumbrar a ciertos profesionales. Es el caso del norteamericano Grime, sin duda uno de los grandes y cuyos puntos más fuertes son la creatividad, la versatilidad y una depuradísima técnica. Portar un diseño de este artista es sinónimo de éxito, ya que hay pocos profesionales capaces de hacer un trabajo tan exquisito, independientemente de si se trata de un tatuaje de estilo biomecánico, japonés, neotradicional, lettering, en escala de grises... Un diseño de Grime ni pasa desapercibido, ni deja la menor duda de su autoría. Otro de nuestros favoritos es Adam Burton. Aunque algo menos conocido, sus obras, donde se mezclan elementos tradicionales y motivos americanos en tintas planas con predominio de volúmenes y texturas, son igualmente conocidas en el circuito de los tattoos. Otros nombres escritos con tinta en este mundillo son los de Paul Booth, con una estética oscura muy particular; Aaron Cain, su fuerte son los diseños biomecánicos; Mike DeVries, sus obras se definen por su ultra realismo; Jesse Smith, uno de los

Así, el estilo old school, que viene definido por la escasez de colores – únicamente negro, rojo, verde, amarillo y azul-, así como por lo grueso de su trazos en tonos planos (sin sombras), es una tendencia norteamericana recuperada de los años 40 y 50 que actualmente cobra nuevos significados.

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Se trata de algunas coordenadas para guiarse dentro de un mundo tan diverso como disperso en el que, si bien existen ciertos parámetros a la hora de clasificar y encasillar, lo más significativo y lo que hace singular a estos dibujos es la imposibilidad de clonarlos. Y es que no hay en el mundo un tatuaje exactamente igual a otro.

LAS AGUJAS DEL TÉCNICO-ARTESANO Considerado por muchos como algo más que una afición, casi como un estilo de vida, no es de extrañar que dentro del mundo de los tattoos existan estudios y tatuadores que, con la sola mención de su nombre, sean capaces de revalorizar centímetros cuadrados de piel. Pertenecientes a una rama no muy conocida del mundo creativo, estos profesionales se diluyen entre la precisión del técnico que ajusta sus agujas según su uso y la precisión y el control del trabajo artesanal. Un trabajo eminentemente manual, al fin y al cabo, con escasos avances tecnológicos (especialmente en lo que a agujas se trata, no es así, por ejemplo, en cuestiones de seguridad sanitaria, donde sí se ha avanzado mucho) que requiere de un vínculo de confianza muy especial entre cliente y profesional.

más reconocidos mundialmente por sus dibujos personalizados o Ryan Dearringer, un absoluto ganador de premios que busca la innovación en cada diseño.

En España, tatuadores como los de Eneko de Por Vida (Madrid), con el que tenemos una interesante entrevista acompañando el reportaje, Javi Rodríguez de LTW (Barcelona), Agustín Cavallieri de Timur (Barcelona) o el más que consagrado Robert Hernández representan la avanzadilla patria en un sector a menudo dominado por tendencias extranjeras. De hecho, y sirva como reflejo de la trascendencia que el mundo del tattoo tiene, por ejemplo, en EE.UU., el mundo del tatuaje es, desde hace unos años el eje temático sobre el que giran dos realities: “Miami Ink” y “L.A. Ink”, capitaneado por la mediática Kat Von D. Esta mujer, nacida en México y criada en California, tatuadora de éxito y diseñadora de una línea de ropa y otra de maquillaje, representa una vertiente extraña pero cada vez más habitual en este mundillo, aquella que surge del tirón mediático y globalizado. Una tendencia que no es exclusiva de la televisión, la publicidad y el marketing, en concreto el de muchas marcas de street wear, que han propiciado, a través de sus esponsorizaciones y colaboraciones con artistas procedentes del mundo del tattoo, la aparición de pequeñas-grandes estrellas de la tinta y la aguja, cuya simple firma se cotiza al alza tras estas colaboraciones. Así, el tatuador puede ser también diseñador gráfico, de moda, artista plástico o graffitero. En definitiva, se trata de ver más allá de la imagen trazada en torno a un mundo que a pesar de su escasa estratificación, su dispersa evolución y la anarquía de su proyección sigue generando un interesante mosaico de pretensiones escritas con tinta bajo la piel.

Fotografía_ Samuel Sánchez / Piel_ Esteban Herrera En esta página tattoo de Mike Roper ARTE

ENTREVISTA eneko por vida

Mente inquieta donde las haya, este tatuador es, sin duda, uno de los must en nuestro país.

Su estudio Por Vida, en la madrileña calle de Fuencarral, es obligado punto de peregrinación para todos aquellos que sientan más que cosquillas con el sonido de la aguja. Y es que, a pesar de llevar una apretada y envidiada agenda en “custom shops” de medio mundo –aquellas en las que se trabaja con diseños exclusivos-, Eneko es de los que también disfruta con las colaboraciones en estudios a pie de calle, las llamadas “street shops”. Un hecho sintomático de su gran pasión por este oficio que le ha llevado a codearse con los más grandes de la escena internacional.

Desde la antigüedad, el hecho de tatuarse la piel ha llevado implícito una serie de significados diferentes. ¿Es la estética hoy en día el único motor para hacerse un tatuaje o siguen existiendo otras motivaciones? Para la mayoría de la gente es algo puramente estético, vivimos en el mundo de la imagen y el tatuaje es un elemento más. Por supuesto siguen existiendo ‘subculturas’ donde el tatuaje tiene connotaciones iconográficas y de integración. Por ejemplo, tatuarse letras hoy en día es algo muy popular. Dentro de esta tendencia tenemos las denominadas cursivas, que no es otra cosa que el clásico fancy script o estilo chicano. Se trata de diseños que en la propia cultura chicana tienen una carga simbólica muy definida: nombre del barrio, familia, las tres cabezas de mujeres (esposa, amante, novia), etc. Para ellos, tatuarse letras no es una moda es algo representativo de su cultura, algo que el mainstream ha absorbido como una tendencia más.

Como en la mayoría de manifestaciones artísticas, las tendencias regresan. Tras la vuelta de todo lo vinculado al old school, ¿qué otras vertientes están de moda dentro del mundo del tattoo y cuáles han pasado a mejor vida? Yo no creo que los estilos pasen a mejor vida, pienso que evolucionan y, además, para bien. En 1988, Ed Hardy publicó el primer número de la revista Tattootime con un amplio reportaje sobre ‘new tribalism’ en el que se hablaba mayormente del estilo hawaino y de Borneo, contribuyendo en gran medida a que se hicieran populares. Y es que, hasta entonces, la mayoría de los tatuadores no tenían tanto conocimiento sobre este estilo y sus clientes tampoco. Hoy en día la gente sigue tatuándose tribales que siguen menos la versión prostituida del estilo de Borneo y algo más a estilos como el polinesio o el maorí. ¿Pasó el tiempo del tribal? Yo creo que no. Más bien evolucionó y positivamente, ya que la gente trata de hacerse diseños lo más fieles posibles a los originales y no la versión comercial del mismo. El old school o estilo tradicional siempre estuvo ahí.

Hoy en día es más popular y, aunque creo que perdurará, probablemente evolucionará como el tribal y dejara de estar tanto de moda. Su simplismo lo ha hecho perfecto para su serigrafiado, es decir, para que esté en todas las marcas de ropa, manteles y baberos del planeta. No hay marca de ropa que no tenga uno o varios motivos old school, una popularización del estilo que acaba por erosionarlo. En ese sentido, creo que la gente está evolucionando

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Fotografía_ Samuel Sánchez / Piel_ Esteban Herrera En estas páginas tattoos de Eneko Por Vida MÚSICA

ENTREVISTA eneko por vida

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hacia algo más personal y no tan fácilmente identificable. Dentro de los diseños y técnicas tradicionales hay sub-estilos como el creep, donde se usan elementos de alquimia y masonería. Son tatuajes que ‘respetan’ menos el sentido plano del tradicional y apuestan más por la composición, la perspectiva... Dándole un toque más de ‘dibujo’. En lo que a mí respecta, mi clientela cada vez me pide más diseños elaborados en cuanto a dibujo, evitando en la medida de lo posible que se asemeje a un estilo en concreto.

Tratan de huir de una tendencia y quieren algo más personal.

Un profesional como tú habrá visitado numerosos países y ciudades... ¿Se perciben las diferencias en los gustos a la hora de tatuarse según la geografía? En EE.UU. los tatuajes están totalmente aceptados, al igual que en el resto del mundo anglosajón. La gente se tatúa lo que quiere y no hay edades para ello, no tienen el concepto de que el tatuaje es ‘cosa de jóvenes’, es algo popular y personal. En países con una tradición católica más arraigada, especialmente los latinos, es menos común. Por su parte, en zonas como Japón, donde llevan las tendencias al extremo, esto se deja sentir también en el mundo del tatuaje donde la población más joven es el público mayoritario y no suele haber diferencias en cuanto a gustos. En ese sentido podría decirse que la globalización hace que los gustos entiendan cada vez menos de geografía y sí de grupos sociales.

En un tiempo en que lo no perdurable es la norma y la moda, ¿qué lugar ocupa algo eterno como el tatuaje? ¿Qué parte del negocio representa el borrado y reciclaje de antiguos tatuajes? Las personas evolucionan y cambian su aspecto, con el tatuaje lo tienen más difícil. En algunos casos es posible eliminarlos total o parcialmente o taparlos para lo que, claro, existe un negocio también, pero que no es tan grande como se esperaba en un principio. Olvidamos lo que llevamos tatuado, pensamos más en el siguiente proyecto, en lo próximo que queremos hacernos... En la mayoría de los casos, ese tatuaje que ahora no te harías forma parte de una época de tu vida, y buena, por eso te lo hiciste.

Tú desarrollas tu trabajo principalmente en Madrid, ¿qué nos puedes contar acerca de la escena española? ¿Quiénes son los nombres que actualmente están pegando más fuerte? ¿Quién es mejor pintor, Picasso o Velázquez? Cada tatuador tiene su estilo y trata de hacerlo lo mejor que puede (o así debería ser). No hay marcas que batir ni hits que peguen fuerte. No hay ninguna competición o lucha comercial. Es un medio artístico. En cuanto al público, España se quiere poco. No mira hacia su propia cultura para tatuarse, siempre trata de emular a otras, en muchos casos iconográficamente más pobres. Vivimos en un país donde la gente se preocupa cada vez menos de su desarrollo personal y esto se refleja perfectamente en el tatuaje: seguimos copiando y ‘llegando tarde’.

Aun así, el tatuaje crece y se acepta cada vez más rápidamente. ¿Cuánta importancia tiene la tecnología en un trabajo, a priori, tan artesanal? Hay pocos cambios tecnológicos dentro del tatuaje, así que su importancia es poca. En los últimos años han surgido un par de modelos de máquinas que difieren del clásico sistema de bobinas, pero se han quedado en una mera curiosidad. Exactamente lo mismo ocurre con los pigmentos.

El tatuaje sigue y seguirá con la misma tecnología. Al igual que un cuadro seguirá pintándose con un pincel. Es más importante la técnica y esto se consigue con la práctica. ¿Qué cualidades definen al buen tatuador? En mi opinión. un buen tatuador debe tener un alto nivel de dibujo y comprensión estética de la anatomía humana, es decir, dominar los diseños y saber emplazarlos correctamente en el cuerpo, pues este no es algo plano o estático. También preocuparse por las inquietudes de su cliente es algo fundamental ya que muchas veces el desconocimiento hace que la gente exprese mal lo que realmente quieren.

En estas páginas tattoos de Eneko Por Vida.

MÚSICA

ENTREVISTA isaac fainkujen

Donde nació: en Arizona.

Donde vive: Tempe, Arizona.

Si tiene algún estudio de tattoo propio: sí, un estudio privado en Tempe, que comparte con Mike Roper.

Dónde suele tatuar normalmente: Seattle, Los Angeles, New York, Stuttgart y Copenhague.

Dónde comenzó a tatuar: en Tempe, Arizona.

Algo que lo defina como persona: su trabajo, artísticamente impecable, de gran sensibilidad y con gran atención al detalle.

La primera década del siglo XXI ha sido un maravilloso ejemplo de cómo las tendencias en cuanto a moda vuelven, se recuperan y mueren. ¿Cuáles son los estilos que han dominado en el mundo del tattoo en los últimos años? Yo diría que el estilo japonés y los tatujes tematizados son los más populares en este momento. No obstante, también es verdad que estoy volviendo a ver mucho trabajo en negro otra vez [haciendo clara alusión al old school]. ¿Es la globalización un motor de acercamiento en cuanto a temáticas y estilos o favorece, por oposición quizá, el auge de lo local o regional?

Yo pienso que el mundo del tattoo es hoy más multicultural que nunca, quizá porque precisamente todo está interconectado. En ese sentido, creo que las tendencias son más globales que regionales actualmente.

Si antiguamente las motivaciones para hacerse un tatuaje respondían principalmente a la tradición, ¿qué es lo que hoy en día mueve a la gente a dibujarse diseños bajo su epidermis? Creo que la gente todavía se tatúa para simbolizar eventos o pasajes de sus vidas, tal vez la mayoría de las veces. En mi opinión, creo que hoy en día los tatuajes son más personales que culturales. No obstante, ¡un buen diseño es siempre una buena idea!

Signo de rebeldía y de un mundo alternativo, hoy en día los ejecutivos y las amas de casa de cincuenta años también tienen tatuajes. ¿Está este totalmente aceptado por el ‘stablishment’? ¿Se podría decir incluso que es un nuevo símbolo de éxito? Ciertamente creo que los tatuajes están hoy en día más aceptados de lo que estuvieron en el pasado, pero también diría que es algo subjetivo. Es decir, depende de la idea individual que tengas del éxito. Por ejemplo, yo sé que los buenos tatuajes no son baratos, por ello, si veo que alguien tiene un buen tatuaje, entiendo que esa persona ha invertido una buena suma de dinero para tal fin.

En un tiempo en que lo no perdurable es la norma y la moda, ¿qué lugar ocupa algo eterno como el tatuaje? Yo no creo que nada físico sea eterno. ¿Quién te ha influenciado más como profesional? ¿Quizá Chris Conn?

Ja, ja, ja... Ciertamente el trabajo de Chris Conn me ha inspirado. Definitivamente él y yo compartimos algunos intereses en cuanto a diseño y belleza. Por otro lado, creo que cualquiera que he encontrado en mi vida y que me haya afectado visualmente ha influido en mi trabajo. A este respecto también creo que una persona no pueda ver su propio trabajo de la misma manera que lo hacen otros. ¿Cómo se lleva trabajar y compartir estudio con un mito del mundo tattoo como es Mike Roper? ¡Un mito del tattoo! Eso es lo que es, sin duda.

Bueno, él es una de mis personas favoritas, uno de los artistas con más talento que he conocido y ha sido una gran influencia positiva en mi vida y trabajo.

Recientemente estuviste colaborando en el prestigioso estudio New York Adorned. ¿Cómo te sentiste entre tanto talento? Siempre disfruto mucho cada vez que voy a Nueva York, es una ciudad especial. De hecho, me lo pasé genial en New York Adorned, cada uno de los que trabaja allí es particularmente bueno.

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Fotografía_ Samuel Sánchez / Piel_ Esteban Herrera En estas páginas tattoos de Isaac Fainkujen MÚSICA

ENTREVISTA phil kieran

REGRESO AL FUTURO

Texto_ Fernando Fuentes

Este irlandés superviviente del electronismo libérrimo, atemporal, pasional y sin posible etiquetaje es un maqui digital de mucho cuidado. “Shh” (Cocoon, 2009), su primer álbum, es un estrafalario piscolabis sin límites en el que campan sin colisión desde techno y breaks, pasando por sonidos industriales, ambient y electro-tech, hasta psicodelia-pop, rave o acid-house. Después de todo este carretón sónico sólo le queda firmar un Warp para poder retirarse al monte a ver la vida pasar... ¿Pillas la indirecta, Mr. Beckett?

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ENTREVISTA phil kieran

PHIL KIERAN Aló Phil, con este nuevo “Shh”, ¿a quién quieres mandar callar? Je, je... No, a nadie en concreto, se basa todo en mis influencias artísticas, que se representan bien en la portada. Quería algo desnudo para ella, con aromas a Bauhaus y el modernismo del siglo 20, pero que tuviera al mismo tiempo un aire futurista. Descubrí en el MOMA de Nueva York una pintura de Edward Ruscha llamada “Oof”, muy simple, y quería algo como eso para mi disco. Cambié las letras para darle otro sonido, así que escogí “Shh”, y los diseñadores se encargaron del resto.

Este flamante disco amalgama de forma global todo tu extensísimo universo sonoro y en él no falta casi de nada, como en botica. ¿Hay algún palo sonoro de la música parida con máquinas que no domines o con el que no te atrevas? Hay mucha música que odio y eso es fantástico, porque escuchar música realmente mala te puede servir de magnífica motivación para hacer tú algo bueno para compensar... Incluso para demostrar cosas.

Parece que has intentado aglutinar todos los miles de sonidos que has amado durante tu larga carrera a modo de homenaje o tributo... ¿No estarás pensando que una retirada a tiempo es una victoria? Es mi primer álbum, así que quería hacerlo lo mejor posible, y además quería involucrar todas mis influencias y no hacer sólo algo bueno de temporada, pero que en unos años sonara mierdoso. Siempre me interesa la música que viaja a través del tiempo, así que ese era mi objetivo.

En este “Shh” hay evidentes referencias a gente tan diferente como Afrika Bambaataa, Black Dog, Cybotron, Autechre, Fischerspooner, Aphex Twin o The Hacker. ¿Qué artista electrónico ha sido para ti el más importante e influyente desde que tienes uso de razón?

Mis mayores influencias siempre serán las que tenía cuando era un chaval y junto a mis amigos me daba por escuchar todo el catálogo de Warp. O cuando surgió Basic Channel y nos quedamos petrificados con la calidad de todo lo que llegaba de Alemania, que no sonaba a ninguna otra cosa anterior y que nos dejó muertos.

Es curioso que habiendo tantos paralelismos y afinidades con el sello londinense Warp nunca hayas trabajado para ellos, ¿por qué?

Siempre ha sido uno de mis sueños sonoros. Nunca les he preguntado, la verdad. ¡Debería hacerlo! ¿La conexión Belfast-Detroit tiene continuidad con nuevos artistas que han recogido tu legado sonoro o cualquier momento pasado fue mejor? Para nada... De hecho, creo que ni yo mismo estaba tan metido en la movida Detroit como algunos de mis amigos. Probablemente, lo mío tenga más raíces en música europea como la de Kraftwerk, Can, Joy Division o

el catálogo de Basic Channel. Me ponía enfermo entonces cuando la gente pinchaba “Strings of Life”, y aunque ahora me guste más ese rollo, siempre he sido amante de cosas un pelín más oscuras.

“Playing With Shadows” es seguramente uno de los temas más celebrables de este nuevo trabajo, ¿has querido demostrar a través de él que se puede facturar techno moderno y pistero sin tener que recurrir al aburrido minimaleo imperante? En esa pista hay mucha percusión en directo e incluso mi propia voz en plan beatboxing... Quise experimentar todo lo posible y hacer algo especial, que sonara fresco e inusual.

Háblanos de “Blood of Barcelona”, ¿es tan psicodélica, bizarra y ácida tu visión de la capital catalana como refleja el tema que le has dedicado? Tenía ya algo preparado de ese tema, pero cuando estuve en Sónar 2009, en mi habitación de hotel, escuchando música en mi portátil, terminó de cuajar. Creo que fue la mezcla de sentirme atrapado por la ciudad y de escuchar nueva música lo que me dio ideas nuevas para terminarlo. Mi idea era que sonara un poco majareta y espacial.

Tu sonido, aunque sea claramente actual, tiene un fascinante aroma a primeros años 90 que alegra el alma una barbaridad... ¿Es algo voluntario o simplemente obedece a una forma de hacer las cosas -es decir: canciones- que lamentablemente se ha perdido en estos tiempos que corren? Quería que sonara como a toda la música electrónica al mismo tiempo, incluso a aquella que empezó a generarse en los 50. Creo que quería mezclar todas esas influencias y que además hubiera un giro futurista.

No atarte a ningún género ha sido algo vital para el desarrollo de tu carrera. ¿Es un cáncer para el artista el encasillarse y encerrar la capacidad de creación adscribiéndose solo a un tipo de música? Estoy totalmente de acuerdo. En cuanto me da la impresión de que mi música se está encerrando en un estilo concreto tiendo a huir lo más rápidamente de él... Creo que hay demasiada buena música ahí fuera por disfrutar. La música no es un trabajo, sino una pasión, y debería ser siempre excitante.

Tu larga y brillante carrera como remixer parece no tener limites, ¿a quién te gustaría pillar por banda en la actualidad para darle el magistral toque Phil Kieran vía remezcla? Creo que la persona a la que más respeto es Brian Eno, ya que ha estado involucrado en la mayoría de mis discos favoritos.

Cuentas con el amplio reconocimiento, respeto y support de toda la escena electrónica. Desde Hell y Motor hasta James Holden y Alter Ego, pasando por Dubfire o Tiga, todos aclaman tu trabajo. ¿Cómo se consigue poner de acuerdo a gente tan dispar sin bajarse los pantalones? Siempre trato de hacer mi música desde el corazón y el alma, creando algo que a mí mismo me guste escuchar. Supongo que cuando haces música, lo que tienes que hacer es respetarte a ti mismo, aunque el resultado pueda no gustarle a los demás.

“Shh” está editado por Cocoon.

MÚSICA

ENTREVISTA dominique A

DOMINIQUE A GRANDE (PUNTO) Texto_ Pablo Vinuesa

“La Musique” es tu octavo álbum de estudio... ¿Qué significa haber grabado tal cantidad de canciones? ¿Te lo hubieras creído, allá por 1991? Desde luego que no... Jamás me hubiera imaginado que esto pudiera durar. Me sentía tan feliz por haber podido hacer un disco, en 1991, que sinceramente creí que sería el único. De hecho, cuando me di cuenta de que había gente a la que le apetecía escuchar este tipo de música, pensé que sería sólo durante una temporada. Y lo que siempre me ha interesado es grabar nuevas canciones y hacer discos... El directo me gusta, pero no me resulta esencial. Lo que me importa es constituir un cuerpo de trabajo coherente, algo que cobre sentido cuando le vas añadiendo piezas, como una casa construida piedra a piedra.

Además, 18 años más tarde, eliges un título tan simple como “la música”, ¿es, en cierta manera, como revivir tras toda esta experiencia? Es una manera de decir que, tras todo este tiempo, siempre ha sido el centro de toda mi vida, la cosa alrededor de la cual organizo mi tiempo. También tiene que ver con el hecho de que si eres un cantante en Francia, siempre te preguntan por tus letras, y parece que no ha cambiado nada después de Brel, Brassens y Ferré. Es como si todo dependiera de la literatura, de manera que a la música, en sí misma, se la olvida. Ese título me sirve para reivindicar que esto no es poesía, que se trata sobre todo de sonido.

Tal y como hicieras con tu debut, has vuelto a grabar un disco en tu casa, a solas... Salí de un largo periodo de trabajo con grupo, desde 2004, con el que grabé “L’Horizon” (2006) y el directo “Sur Nos Forces Motrices” (2007). La experiencia fue impresionante, pero hacía falta que saliera de ese esquema para recuperar un poco de libertad y llegar a cierta identidad sonora. Por otra parte, volví a tener ganas de trastear con cacharros, y este tipo de trabajo se lleva mejor en solitario.

Entonces, ¿qué diferencias hay entre el Dominique A de “La Fossette” (Litihum/Green Ufos, 1992) y el de “La Musique”? Toda la experiencia adquirida gracias al contacto con otros músicos. Es precisamente el hecho de haber trabajado junto a tantas personas lo que me permite componer y grabar de esta manera, yo solo en mi casa. Por otra parte, la diferencia es que “La Fossette” era un disco lo-fi, sin efectos prácticamente, mientras que “La Musique” lo mezcló Dominique Brusson, con quien trabajo desde “Remué” (1999). El curro es enorme, ya que es un álbum plagado de efectos y detalles.

Has dicho que con este disco querías atraer a un cierto público al que nunca le había gustado tu propuesta, ¿por qué? Todos los artistas, tras cierto número de lanzamientos, se convierten en una especie de cliché, en caricaturas. Quería coger el tópico de cantante triste y jugar con él. Sobre

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todo, quería un disco de ritmo rápido, con canciones cortas, más pop, que le pudiera gustar a gente que no me conociera. Es un símbolo de que he evolucionado, de que intento renovarme y sorprender. ¿Por qué el título y el estribillo de “Hasta Que El Cuerpo Aguante” en español? El vídeo es precioso, por cierto. Quería darle al público español la oportunidad de reírse de mi acento... No, de hecho esta canción nace de una conversación con Rafa López, de Green Ufos, en la que me contaba que muchos franceses desfasan en cuanto llegan aquí, como si para ellos España fuera sólo drogas y alcohol. Así que me imaginé a este tipo, un borracho internacional decidido a cerrar todos los bares del mundo... ¡Y prometo que no conocía la canción de Mago de Oz! El vídeo lo rodó el bajista de Katerine, Gaetan Chataignier, un reconocido videoartista.

Ya que hablamos de vídeos, has grabado recientemente para Le Cargo (su Black Session número 300, ahí es nada) y La Blogothèque, ambos fantásticos... Gracias. De hecho, es bastante doloroso para mí hacer cosas como las de La Blogothèque. Lo hice porque me resulta difícil negarme y porque ayuda a vender discos, pero creo que bordea el límite de mis posibilidades... Quiero decir, que es un rollo ridículo, un poco clown. Además, teniendo en cuenta que este disco tiene un lado bastante electrónico, no parece muy coherente grabar acústicos.

Pasaste por el mítico sello Lithium, por Labels y Olympic Disk, hasta llegar ahora a Cinq 7. ¿Qué tal con ellos? Es ideal: su estructura no es ni grande ni pequeña, lo forman jóvenes apasionados por la música que comprenden a la perfección al oyente actual y que no caen en los viejos esquemas de las multinacionales, pero tampoco en las falsedades de las supuestas independientes.

Cuéntame qué es eso de “Songs Over Troubled Waters”. Es una recopilación que me pidió la FNAC, con algunas de mis canciones favoritas, de grupos como My Brightest Diamond, Tarwater, Holden, The Sundays, etc.

Se trata de un disco con canciones que han supuesto algo en mi vida, todas con acordes menores, muy melancólicas... La música más bella siempre es melancólica.

Acabas de hacer una gira por España... ¡Por fin con banda! Hacía mucho tiempo que sólo podíamos verte a solas con tus guitarras. Sí, no tenía ganas de venir otra vez solo, la verdad, porque es una fórmula que ya os conocéis al dedillo. El grupo es excelente: puede reproducir las sonoridades más electrónicas del disco, pero tocándolas de manera orgánica, muy rock. Además, como habrán podido apreciar las chicas del público, ¡el guitarrista es bien guapo!

“La Musique” está editado por Cinq 7 y distribuido en nuestro país por Green Ufos.

ENTREVISTA dominique A

Se ha repetido mil y una veces, pero no deja de ser cierto: la música francesa (y europea, y mundial) no sería lo que es ahora sin la existencia de Dominique A y Diabologum. Y mientras los segundos se escindieron en Programme y Experience, también necesarios, nuestro cantante galo favorito, el bardo de Provins, el calvo del vibrato, ha seguido editando fantásticos discos. “La Musique” (Cinq 7/Green Ufos, 2009) es otra estupenda excusa para hablar de nuevo con él sobre incredulidades, reafirmaciones y melancolías.

MÚSICA

ENTREVISTA the editors japanese popstars

THE JAPANESE POPSTARS MAPA DE LOS SONIDOS DE DERRY

Texto_ Fernando Fuentes

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ENTREVISTA the japanese popstars

Cuando por casualidad descubrieron, en el viejo pub de Derry, que el mejor maridaje para el sushi japonés era la Guinness calentuja, supieron que nunca más volverían a ser los mismos. Estos tres pintones clubbers norirlandeses, adictos al big-beat noventero y otras lindezas electroides tan bastardas como bailongas, son los herederos naturales de gente como Apolo 440 o Underworld. Su dinamitero directo solo está a la altura de un primer braguetazo sonoro titulado “We Just Are... “ (Gung-Ho, 2009).

tanto éxito cosechan en la actualidad? Muchos géneros se construyen desde los escenarios, y al estar nosotros bastante alejados de esos géneros, afortunadamente no nos han influido, han pasado por encima. ¿Qué sentís cuando veis que comparan vuestra apuesta sonora con nombres tan grandes como son los de Underworld, Orbital o Prodigy? ¿De verdad os lo creéis? Da un poco de miedo y no, no nos vemos como esos grupos. A ellos les llevó mucho tiempo tener ese estatus y nosotros no llevamos tanto en esto. Nos gustaría pensar que en diez años seremos como Underworld, pero de momento creemos que es una comparación un poco osada.

Supongo que hay gente desinformada que espera ver sobre el escenario a unas exóticas chicas DJs asiáticas, y de pronto salís tres tipos con pelo en pecho... Sí, al principio de nuestra carrera solía pasar. A veces se acercaban japoneses durante la actuación y preguntaban cuándo iban a salir las Japanese Popstars, ¡y estábamos en el escenario!

Muchos amigos no sabían que éramos los JP hasta que nos vieron encima de las tablas a punto de empezar con nuestro show.

Irlanda del Norte no cuenta en estos momentos precisamente con una escena electrónica apasionante, al menos es lo que se aprecia desde el exterior... ¿Es un hándicap partir de un lugar como ese y no hacerlo directamente desde un Londres o un Berlín? Hay mucha escena electrónica en Irlanda, pero por nuestra condición de isla tenemos que hacer mucho ruido para que nos oigan en el mundo. Mira Phil Kieran, Fergie, Annie Mac o David Holmes. Son algunos nombres importantes de la escena electrónica irlandesa. Hay muchas sesiones y es genial ver cómo se va moviendo ya la electrónica por nuestro país.

Verdaderamente la jugada del nombrecito os ha salido bien, porque un label de Japón, Beatnik, os ha fichado para su país. ¿Estaba todo planeado? Tenemos la gran suerte de haber fichado por un gran sello japonés que realmente nos ha dado impulso allí. Hemos hecho una gira por ese país con Vitalic, Justice y Basement Jaxx, llegando a tocar para diez mil personas. Realmente, este año se ha hecho realidad uno de nuestros sueños: tocar en el Fuji Rock Festival.

En poco tiempo os habéis hecho un hueco en el panorama de los remixers de moda en el mundillo de la electrónica y el pop mainstream, ¿con qué artista os habéis sentido más a gusto trabajando?

Creo que de todos nuestros remixes, el más cómodo de hacer fue “So Shockin”, de Rob Hawk & Mysoul. Nada más oír el tema nos vinieron ideas para remezclarlo, así que cuando nos pidieron que lo hiciéramos, ya sabíamos cómo.

Vamos a ver, si no sois indies que disfrutáis bailoteando con la electrónica y tampoco sois tech-kids a los que les gusta el rock... ¿Qué carajo sois? Somos como un clubber medio que ha crecido y quiere pasarlo bien cuando sale por ahí. Hacemos música que también nos gustaría bailar y creo que eso se refleja en nuestros directos.

¿Y ha habido alguno que os haya dicho, ‘bah este remix es una mierda, hazme otro’? Ningún artista nos ha pedido que repitamos un remix, todavía... De alguna extraña manera, ha sucedido lo contrario con Beyoncé.

Remezclamos “If I Was a Boy” e hicimos dos versiones diferentes, una para la pista de baile y otra más chillout que pensamos que le gustaría. Recibimos la llamada de su discográfica diciéndonos que les había encantado lo que hicimos y pidiéndonos remezclar su siguiente single, así que lo volvimos a hacer con “Single Ladies”.

Lo que sí parece claro es que estáis empeñados en alejaros del rollo raver británico... ¿Por qué? ¿Eso es sólo para niñatos fluorados y zampa-pastillas? Somos irlandeses y nunca hemos sido parte de la escena británica, así que puede que sea la razón por la que los estilos que vienen de Londres nunca nos hayan influido. Hemos evolucionado de forma independiente y ajena a ellos.

Mixmag ha dicho que probablemente detentáis el mejor directo electrónico del planeta, ¿cómo se os queda al cuerpo? ¿Cuesta mucho sobornar a la prensa musical inglesa para que hablen bien de trío como el vuestro? Es muy halagador, pero sientes una gran presión por tener que estar a la altura. Y sólo les pagamos cuatro duros...

Ajenos a modas imperantes, parece que vuestro referente sonoro más cercano es el big-beat de los noventa. ¿Cualquier viejo sonido fue mejor que el aburrido minimal y el humeante post-dubstep que

Vuestro debut, “We Just Are... “, es una imparable amalgama de electro musculoso, house bailable, digi-jaleo luminoso, big-beat, acid, nu-disko... ¿Hay algún estilo que no cuadre en el sonido Japanese Popstars? Simplemente componemos la música que sentimos.

Podemos escribir cualquier cosa siempre que nos haga feliz. Como enfocamos todo al directo, al componer pensamos cómo lo tocaremos en el escenario. Eso ayuda bastante a comprender la lógica de nuestro sonido.

Hablando de vuestro directo, ¿para cuándo os podremos disfrutar en España? Tuvimos una muy buena experiencia tocando en el Razzmatazz de Barcelona, así que esperamos volver a España en 2010. Estad atentos a nuestro Myspace.

“We Just Are... “ está editado por Gung-Ho. MÚSICA

ENTREVISTA sfdk

A estas alturas, no hacen falta presentaciones para SFDK... El dúo hip-hopero sevillano, formado por el MC Zatu y el DJ y productor Óscar “Acción” Sánchez, se ha ganado el estatus que posee a base de excelentes discos y más que poderosos directos. Los de Pino Montano vuelven a derrochar su habitual poderío con un “Siempre Fuertes 2” (SFDK Records/ BOA, 2009) que los define a la perfección: fuerza, sabiduría, talento y muchas dosis de guasa. SFDK, desde los chiqueros hasta tu casa.

Diez años después, la segunda parte de “Siempre Fuertes” (Zona Bruta, 1999), ¿por qué así y ahora? ¿Echáis de menos los viejos tiempos o es un puñetazo en la mesa? [Acción Sánchez]: es un homenaje a nosotros mismos, cerrando un ciclo profesional de diez años con el reflejo de toda nuestra experiencia a lo largo de esta trayectoria. También hemos recuperado parte de la esencia original, además de permitirnos el lujo de hacernos versiones a nosotros mismos. [Zatu]: no es una continuación del “Siempre Fuertes” original, sino una vuelta al mismo espíritu, ya que, evidentemente, en cuestiones musicales estamos a mil años de distancia.

De hecho, la portada es como un buen resumen de vuestra carrera, ¿no? [AS]: sí, hemos cogido elementos de cada disco... Es como un bodegón rapero de SFDK. Empezáis con “Crisis”, ¿qué opináis sobre la piratería y los P2P? [AS]: como promoción, internet es bueno, está claro, pero es un arma de doble filo. El hecho de que la música desaparezca en formato físico hace que se pierda el amor por ella: al tener tanta información gratis y asequible, no le tienes tanto cariño a lo que escuchas. [Z]: que pongan las casas gratis, ¿no es más necesario vivir bajo un techo que tener música sin pagar? Por otra parte, antes tenía sentido la labor del cazatalentos, pero ahora cualquier chaval en su casa se publica por internet al mismo tiempo que quien sale con una multi... Donde se ve de verdad lo bueno que eres es en el directo.

Tenéis a Chukky en “No”, ¿hay un compromiso por darle paso a los nuevos valores? [AS]: apoyamos a los jóvenes, pero siempre que tengan talento, no por colegueo. [Z]: como en el caso de Chukky con Nueva Era, ahora son amigos porque después de trabajar con ellos hay confianza, pero nuestra relación parte de que admirábamos su talento. Es un trabajo, además, casi sin ánimo de lucro por el estado de la industria, pero al final con lo que te quedas es con la idea de que mientras más hagas y a más gente ayudes, más a gusto te vas a sentir contigo mismo.

Me fascina el tema “V.S.”, con el enfrentamiento entre Zatu, el Ingeniero y el Niño Güey... ¿Múltiple personalidad, Zatu? ¿Ahora vas a ser El Sargento? [Z]: ese tema recupera los personajes o alter egos más llamativos que he usado a lo largo de estos años. Es interesante, porque cada fan de SFDK tiene su época favorita, pero todos esos personajes son parte de mí. Digamos que me insulto a mí mismo, pero también a aquellos seguidores que se obcecan en que una época concreta es mejor que otra.

Lo más gracioso es que la mayoría de fans de nuestros primeros discos no estaban ahí cuando los sacamos, sino que se han enganchado posteriormente... Y echar de menos algo que no has vivido no tiene mucho sentido.

Con “El Séquito”, ¿queríais darle un toque de atención a más de un engañao? [Z]: no nos molesta el rollo fan, la canción es simpática, pero nos hace gracia. Criticamos la falsa amistad, a aquellos que se ponen a tu lado porque eres famoso, pero jamás van a estar ahí cuando lleguen las vacas flacas. Se ve perfectamente en series como “Entourage”, o en “30 Rock” con los guardaespaldas de Tracy Jordan, que siempre le dejan ganar en la Play... Nosotros, pese a haber alcanzado cierto éxito, siempre hemos sido gente muy llana. Si tú me ves en un concierto de Jesuly o de El Límite, estaré con mis colegas del barrio, a quienes se la pela bastante que seamos más o menos famosos.

Lleváis ya un tiempo editando vuestros discos como SFDK Records, distribuyéndolos con BOA y con Wild Punk como agencia de management... [AS]: ya llevamos cinco años así, con Wild Punk más aun. Si yo trabajo con alguien y las cosas funcionan bien, no me gusta cambiar, porque apoyo a quien me ha demostrado amor durante todos estos años. Buena gente y buen currante es la ecuación perfecta.

Vuestro primer single es “S.E.V.I.L.L.A.”, ¿todo un homenaje a vuestra ciudad o hay cierta ironía? [Z]: en todos mis discos hay alguno, pero voy ampliando mis márgenes. Antes yo era muy de mi barrio, luego me sentí muy sevillano, ahora, más que nada, andaluz. También es una manera de apuntar que aquí hay mucho más que lo que se lleva años promocionando como sevillano, por el interés turístico. Hay una Sevilla más allá de lo típico.

¿Qué os pareció el encuentro de raperos hispalenses en el festival Territorios 2009, Sevilla All Stars? ¿Lo vais a volver a coordinar cada año? [Z]: fue muy emocionante estar allí con todos los amigos.

[AS]: pero todos los años no tiene sentido, porque es muy complicado de organizar, ya que cada uno tiene su plan de trabajo y coincidir se hace duro...

Aunque sería bonito hacerlo cada cierto tiempo.

Escuchando “30”... Zatu, ¿te ha cambiado mucho tu vida al ser padre? [Z]: lo mejor de la edad, aunque haya gente que se empeñe en encerrarse, es quitarse los prejuicios de encima. Yo he sido súper cerrado en todos los aspectos, tanto en los musicales como en los personales, pero te aporta mucho ver mundo. No toda la gente actúa como la de tu ciudad, hay muchas maneras de ser y entender las cosas, entre ellas la amistad.

¿Qué ha pasado con el gran Perro Juan, Zatu? Era un miembro más de SFDK. [Z]: Se fue... Era la estrella del grupo, con sus seguidores y todo.

Se puso malito y se nos fue, una semana antes de que naciera mi niña. Esa es la espina que me ha quedado, que no se hayan conocido, porque sé lo que él hubiera sentido por mi niña, y mi niña, viendo lo que hace con el gato, hubiera flipado con el Juan.

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ENTREVISTA sfdk

SFDK

HARDCORE, PERO BONITO Texto_ Pablo Vinuesa Foto_ Samuel Sánchez

“Siempre Fuertes 2” está editado por SFDK Records y distribuido por BOA. MÚSICA

ENTREVISTA the new raemon

THE NEW RAEMON

El vídeo de “Variables”, contigo haciendo de Spock, me encanta... Lo rodamos en el teatro que tienen los padres de Lyona en Esparraguera. Lyona siempre se rodea de un equipo de producción la mar de simpático y es toda una aventura verles trabajar y crear esos mundos de cartón y porexpan... De paso, hicimos un homenaje a Star Trek, que me parece una serie cojonuda. ¿Viste el “Star Trek” de J. J. Abrams? Colosal.

Texto_ Pablo Vinuesa / Foto_Lyona

Empezando por el nombre: lo de The New Raemon, ¿fue para intentar renovarte espiritualmente? Fue una broma entre amigos. También una forma subconsciente de comenzar a cambiar algunas cosas de mí que no acaban de gustarme. ¿Por qué surgió The New Raemon y, sobre todo, por qué decidiste empezar a cantar en castellano y componer canciones más pop?

Surgió así, sin más. Me propusieron grabar un disco sin mi banda e íntegramente en castellano. En ese momento me pareció divertido intentarlo, más adelante me di cuenta de que los temas tampoco eran tan horripilantes como esperaba y seguí con ellos hasta completar una colección de canciones más o menos coherente con la idea inicial que rondaba en mi cabeza.

Cada vez se te nota más cómodo en castellano, y no sólo eso, sino que integras dichos populares y refranes en una forma de escribir muy particular, sin complejos, que me recuerda en ese aspecto a Sr. Chinarro. ¿Te gustan las letras de Antonio Luque? Me gustan, sus discos también. Hace poco me agencié una copia de su libro “Socorrismo” y lo tengo ahí impaciente, esperando a que termine el que estoy leyendo...

Muchas de tus letras tratan sobre relaciones, sobre todo de rupturas... Son muy emocionantes, pero también te permites cierta autoparodia, como en un título tan brillante como “Dramón Rodríguez”? ¿Cómo se te ocurrió esto? Se me ocurrió recapitulando episodios bochornosos de mi vida. Me pareció gracioso y decidí escribir una canción basándome en ese título. Habla de cuando acepté un trabajo bien remunerado que no iba nada conmigo debido al primer embarazo de la madre de mis pequeñas.

Este disco está de nuevo producido en Ultramarinos Costa Brava, así que supongo que sigues pensando aquello que me dijiste, cuando te entrevisté por Madee, de que Santi Garcia es el mejor productor del país... El mejor que conozco, sin duda alguna. Para el primero trabajé con Ricky Falkner y es también un encanto, pero la cabra tira al monte y tener a Santi en el equipo se echa mucho en falta.

Hablando de eso, sigues contando con sospechosos habituales como los Rickys (Falkner y Lavado), pero ¿existe un grupo estable para The New Raemon, o tiras de amigos cuando lo necesitas?

Depende de las obligaciones ‘contractuales’ de los Rickys, si no les piso otros proyectos vienen conmigo. Si no pueden, vienen otros amigos como Lluís Cots (Madee), Merche Rosales (B-Violet) y Luís García Márquez (Garciamarquez). Marc Prats y Pablo Garrido siempre pueden subirse al barco, así que lo voy combinando.

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Me encanta el artwork de “La Dimensión Desconocida”, cuéntanos cómo surgió. Le conté la idea del concepto del disco a Martín Romero, quien ya se hizo cargo del primer álbum, y esta vez no le dejé escuchar nada. Así que él se hizo una idea personal del mismo y lo que presentó me pareció estupendo, como de costumbre.

Se te ve muy activo por Facebook, y además hay un buen número de fans de The New Raemon al acecho... ¿Te das cuenta de que estás consiguiendo componer auténticos himnos pop? ¿Te imaginas de aquí a un par de años tocando en festivales en plan Los Planetas delante del chavalerío indie? No me imagino nada de eso. De hecho no espero más que poder seguir tocando mientras pueda... Ahora he escrito este disco más pop y resulta que ha gustado, pero puede que el próximo no tenga nada que ver y me ponga a hacer lo que surja en ese momento (que es lo que acostumbro a hacer siempre) y entonces no guste a la chavalada, así que mejor no especular sobre nada.

No tengo noticias de tu otro grupo desde 2007, con el excepcional “L’Antarctica”. Con la repercusión que está teniendo ahora The New Raemon, ¿cuál es el estado de las cosas con Madee? ¿Te costaría ahora volver a componer de nuevo en inglés y con un rollo menos pop y más emocoreta? Madee seguimos siendo una banda. Lo que ocurre es que algunos de nosotros llevamos tocando cerca de veinte años, cada uno tiene su vida fuera del grupo y ahora, en el caso de Pep y Marc, tienen responsabilidades que requieren toda su atención. Sí me apetece hacer un nuevo disco, pero tranquilamente, sin presión alguna. Tenemos la intención de ir ensayando y escribiendo nuevo material, y una vez tengamos material a la altura de ser grabado le daremos un telefonazo a Santi y nos pondremos a producirlo. ¿Qué diferencia hay pues, a la hora de componer, entre una canción de Madee y otra de The New Raemon? Las canciones que escribo para The New Raemon las escribo en casa la mar de tranquilo. Las que escribo con Madee las improviso en el local de ensayo junto al resto de la banda y empuñando una guitarra eléctrica. ¿Cómo compaginas tus labores como músico y jefe del sello Cydonia? Cydonia duerme. Demasiados agujeros en mi bolsillo debido al amor al arte. La despertaré cuando crea oportuno y con artistas que sepan valorar lo que cuesta sacar adelante un disco, que los ha habido en el sello... Lo que ocurre es que si los grupos que publicas no dan conciertos, el trabajo que se haga, por mucho cariño que se le ponga, es inútil.

“La Dimensión Desconocida” está editado por BCore.

ENTREVISTA the new raemon

EL GENIO DE DRAMÓN RODRÍGUEZ Ramón Rodríguez vuelve a la carga con otro disco en solitario como The New Raemon, un “La Dimensión Desconocida” (BCore, 2009) que le confirma como uno de los artistas más en forma del momento. Con un arsenal de himnos pop entre sus manos, el líder de Madee ha entregado, sin duda, el disco nacional del año. Hablemos con él sobre múltiples personalidades, dramas personales y, por supuesto, Star Trek...

MÚSICA

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01. MAGA. A LA HORA DEL SOL. (MUSHROOM PILLOW) Los sevillanos Maga regresan con las pistas cargadas de vitalidad –la portada del pintor Juan Miguel Redondo ya lo adelanta-. Una grabación donde la naturalidad se palpa desde el comienzo. Aquí no hay atrezzo decorativo o añadidos poco creíbles; el sonido del grupo es de tomas en directo casi intactas. ‘A la hora del sol brotan arco íris nuevos’, –letra de “Canción para Septiembre”-, así reflejan el comienzo de algo renovado los chicos bidimensionales, que vuelven al panorama actual tras el fichaje por la discográfica madrileña Mushroom Pillow –atrás queda el buen trabajo realizado bajo el sello Limbo Starr-. Continúan la impronta personal que les ha hecho un hueco en la escena española, el estilo de la voz de Miguel Rivera y una tinta cargada de auto-navegación. Reflexiones particulares sobre la Semana Santa dictan el magnífico corte “Silencio”: ‘Hoy no quiero vivir en la ciudad más triste, que llora por afición’ o pegadizas explosiones sonoras al más puro estilo Maga en el tema “Hoy”: ‘Mientras siga vivo no podréis conmigo. Mientras siga vivo soy el rey del mundo’. Un álbum que no defrauda, da lo que muestra sin artificios apegados de ningún tipo.>Eduardo Mestre-Nadal 02. CARIBOU. SWIM. (CITY SLANG/NUEVOS MEDIOS) Tengámoslo bien clarito antes de empezar con esta reseña: Dan Snaith está como una cabra montesa. Lo digo para que después no se me asusten luego aquellos que no conozcan su proyecto Caribou si, después de leer estas letras, van y lo bichean a través de los interneles. También es cierto que lo del canadiense no es cosa nueva: lo sabíamos ya en la época en la que grababa para The Leaf Label como Manitoba; luego llegarían el juicio contra el cantante de los Dictators y el posterior renacimiento como Caribou. El caso es que lo último que supimos de Snaith fue el magnífico “Andorra”, y tres años de vacío se nos estaban haciendo un tanto eternos. “Swim”, la verdad, no sólo cumple los objetivos, sino que probablemente supere nuestros sueños más, ejem, húmedos...

Porque precisamente de humedades va la cosa, ya que el propio Snaith atribuye el peculiar sonido de este álbum a su intención de hacer una música electrónica que parezca más “acuosa” que “metálica”. El resultado es abrumador: al principio un tanto irritante, pero de lo más adictivo en cuanto sus psicodélicas aventuras se nos van haciendo familiares. Así que nos queda un disco así como de baile, que hasta se atreve con el house por momentos y que no extrañaría para nada en el reciente catálogo de DFA. Eso sí, me añaden ustedes la correspondiente pedrada mental y la importante sobredosis de lisergia discotequera.>Pablo Vinuesa 03. DELPHIC. ACOLYTE. (COOP/NUEVOS MEDIOS) He aquí un disco peculiar. Y peculiar porque pocos trabajos se pueden encontrar, hoy día, que reflejen mejor el sonido de los tiempos actuales, viniendo de un disco de debut donde la inexperiencia es un grado y el punto de localización (Manchester) marcado a fuego en su ADN. En primer lugar, en “Acolyte” podemos hallar shoegaze revival a lo M83; teclados prístinos y desarrollos progresivos a lo Orbital; subidones extáticos a lo Underworld; estribillos EMOcionales para desgañitarse con los brazos en alto al amanecer del club y, lo mejor de todo, la producción impecable del orfebre Ewan Pearson, que hace que un trabajo que, en otras manos, podría devenir en paja mental, bazofia pasto de portada de tendencias, sea una cosa muy seria. Delphic debería suponer el golpetazo definitivo a la soporífera (requete)vuelta de los ochenta. Deberían ser unos chicos que apenas superan la veintena los que insuflen de vida la nueva escena de clubes. Van por buen camino si siguen la vereda del tema homónimo “Acolyte” (donde, que me aspen, se pueden encontrar trazas de The Field) y menos la sendera tortuosa de medianías como “Submission”, canción sosa y mil veces escuchada ya.>Antonio Bret DISCOS - CRÍTICAS

REVIEWS

04. EFTERKLANG. MAGIC CHAIRS. (4AD/POP STOCK!) Decía el otro día un conocido mío que no sabía qué pasaba con 4AD, que cada vez que un grupo fichaba por el sello inglés se echaba a perder. La aseveración no es del todo cierta (ahí están los casos de Jóhann Jóhannsson, Deerhunter o Blonde Redhead para desmentirlo), pero desde luego resulta difícil de rebatir tras escuchar “Magic Chairs”. Y es que en su tercer disco en estudio (mini LPs aparte), los islandeses parecen una versión pálida y comercial de sí mismos.

Dónde antes había tensión dramática, oscuridad ambiental y desarrollos climáticos inciertos, ahora hay orquestaciones luminosas, estribillos pegadizos y estructuras cuasi-normales: los ingredientes para un disco de pop de cámara. Todo, eso sí, realizado con mimo y cuidado, sin grandes patinazos ni sobredosis de azúcar, cuidando la escritura y el acabado: ingredientes para un disco elegante y bien hecho. Y es que, para los que no conocieran antes a la banda, “Magic Chairs” puede resultar un disco notable, y con razón. El problema, en realidad, lo tenemos los que ya estábamos allí. Es, para que se hagan una idea, como si a Michael Haneke se le ocurriera hacer de repente una comedia: por muy bien que le saliera, por mucha finura que exhibiera el guión, aunque los actores fueran excelentes y la realización impecable, los fans no se lo perdonaríamos. Y es que a veces es mejor no conocer.>Vidal Romero 05. FOUR TET. THERE IS LOVE IN YOU. (DOMINO/PIAS) Hacía tanto tiempo que no sabíamos nada de Four Tet, concretamente cinco años desde “Everything Ecstatic”, que prácticamente nos habíamos olvidado de que había sido uno de nuestros proyectos favoritos de electrónica experimental y hip-hop abstracto. Con discos tan redondos como “Rounds” (2003), Kieran Hebden nos había ganado la partida y el corazón, además de que su proyecto post-rocker, Fridge, también apuntaba alto en las listas de favoritos cortavenas... Pero eran otros tiempos, oigan. El caso es que Hebden no estaba muerto, no, que estaba de parranda. Concretamente, afiliado a las cosas de la noche, pinchando, meclando sesiones DJ Kicks y hasta trapicheando con gentes de tan mal vivir como son los músicos de jazz. Todo ello, de una manera además muy evidente, se ha traspapelado a este enorme (perdón: ENORME) “There Is Love In You”. Sí, porque su habilidad manual para con las texturas y los samples permanece intacta, por supuesto, pero es que nuestro hombre, además, ha encontrado una nueva fijación en el lado pistero de la vida. De esa manera, sus hipnóticos desarrollos ganan enteros cuando el ritmo aprieta y los evanescentes coros femeninos hacen su presencia. Se convierte “There Is Love In You”, por lo tanto, en un fantástico disco de sofá, como lo fueron los anteriores, pero también en una magnífica elección para dejar en la mochila de DJ junto a los más contemporáneos terroristas del cosmic disco y el ambient sin moñadas. Discazo, tal cual.>Pablo Vinuesa 06. BUILT TO SPILL. THERE IS NO ENEMY. (ATP RECORDINGS/HOUSTON PARTY) Para qué vamos a andarnos con rodeos: Built to Spill es una de nuestras bandas de guitarras favoritas. Lo son desde hace muchos años, así que su fichaje por un sello tan exquisito como ATP Recordings, que pende además del festival más selecto del planeta, nos hace inmensamente felices. Sobre todo porque “There Is No Enemy” es tan bueno como podíamos esperar a estas alturas de un grupo que fue grande haciendo pop majareta (“There’s Nothing Wrong with Love”, en el 94), rock incendiario e interminable (“Perfect From Now On”, en el 97) o simplemente, siendo Built to Spill (como en los casos de “Keep It Like a Secret” y “You In Reverse”, del 99 y de 2006). En su último disco de estudio se mantienen las coordenadas habituales del combo, es decir, la voz gritona y expresiva de Doug Martsch, las andanadas de guitarras y la perfección de su rock independiente. Es Built to Spill, además, un grupo que crece enormemente en directo, como hemos podido presenciar los afortunados que ya los conocemos sobre las tablas. En concreto, “There Is No Enemy” es otro álbum fantástico más para sus librerías, por supuesto que sí, pero también una buena manera de entrar en su mundo para aquellos que todavía no los hayan conocido. Si es así, ya saben: entre Pavement y Neil Young, y con toda la clase del mundo: Built to Spill.>Pablo Vinuesa 07. MARK VAN HOEN. WHERE IS THE TRUTH. (CITY CENTRE OFFICES) Mark Van Hoen, a pesar de que nunca ha figurado en los grandes titulares del indie internacional, es uno de los personajes fundamentales de la cosa electrónica. Bajo su propio nombre o como Locust son múltiples los lanzamientos discográficos con historia para rato, pero quizás su proyecto más reconocido sea Seefeel, creado junto a Mark Clifford y uno de los grupos fundamentales del despliegue jander junto a, por poner unos pocos conocidos, Autechre, Aphex Twin o Plaid. El último disco de estudio conocido de Van Hoen fue “The Warmth Inside You”, nada menos que en 2004, y su vuelta ahora con “Where Is The Truth” debe ser doblemente celebrada, porque además sucede en el sello berlinés City Centre Offices, al que servidor le tenía perdida la pista últimamente, pero que en su día encandiló con gente como Arovane, Dictaphone, Marsen Jules o Ulrich Schnauss. Como es lógico por venir de quien viene, “Where Is The Truth” tiene una producción soberbia, con riqueza instrumental, idas y venidas ambientales y ritmos rotos en segundo plano. Además, las aportaciones de Neil Halstead (Slowdive y Mojave 3) y Julia Frodahl (Edison Woods) añaden un beneficioso barniz orgánico. No es rompedor, desde luego, ni tampoco una maravilla, pero sí agradable y brumoso. Y con el tiempo que hace, viene que ni pintado...>Pablo Vinuesa DISCOS - CRÍTICAS

REVIEWS 08. RICHARD YOUNGS. UNDER STELLAR STREAM. (JAGJAGUWAR/POP STOCK!) Lo hemos dicho por aquí alguna vez, pero nunca está de más repetirlo: Richard Youngs es uno de los grandes genios, no reconocidos, de estos últimos quince años. Sin alardes, sin levantar demasiado polvo, ha ido construyendo una discografía extensa, libre de fisuras y ataduras, en la que caben colaboraciones bajo el signo de la improvisación, fascinantes collages radiofónicos, ejercicios de noise, interpretaciones (muy) sui generis de la electrónica y particulares acercamientos al folk. Como todos los discos que publica en Jagjaguwar, “Under Stellar Stream” presenta al Richard Youngs más accesible, el que escribe canciones enraizadas en el pop y el folk y luego las adorna con arreglos minimalistas. Preciosas composiciones que avanzan al ralentí, mientras la voz (o mejor dicho, un mantra vocal magnético y conmovedor) desgrana letras de una intimidad desarmante, y los escasos instrumentos (pianos, harmonios, un contrabajo, sintetizadores) dibujan un paisaje fantasmal, repleto de ecos y espacios vacíos, en el que perderse se antoja como la más reveladora de las experiencias. Hay quien lo llamaría magia; yo insisto en llamarlo genio.>Vidal Romero 09. TONI ZENET. LOS MARES DE CHINA. (EL VOLCÁN) Chaleco, corbata y sombrero; pinta de crooner sin serlo. Con voz aguda de pecho y adornado por una música que tira para el jazz pero renueva géneros clásicos como el tango o la copla. Así se presenta el proyecto de Toni Zenet, donde tampoco falta el injerido acento sureño para enmarcar la puesta en escena de un cantante/actor con aires de Sinatra y paso latente de talento. La travesía de Zenet por “Los Mares de China” es una apuesta que escapa a discursos complejos para regalar emoción instantánea. La candidez de tocar fibra sensible sin efectismos del siglo XXI. El malagueño consigue sonar a muchos sabores, cuela letras de flamenco por blues, recuerda a Chavela Vargas en “Las Causas Perdidas” y se atreve a versionar el éxito de Edith Piaf “Je Ne Regrette Rien” con hilarante arte, hasta transformarlo en “Ná de ná”. El Volcán Música -su productora- ha sabido moverse bien para colocarle un gran cartel en círculos artísticos, yendo al compás del éxito de la estrella. Un producto recomendable, fiel a su sombra hasta hacer que regreses a la sencillez musical de un tono, un timbre y una palabra.>Eduardo Mestre-Nadal 10. TWO DOOR CINEMA CLUB. TOURIST HISTORY. (KITSUNÉ/NUEVOS MEDIOS) Empecemos por lo malo, que lo hay. Los chicos de Two Door Cinema Club son unos perros flojos. O sea, que lanzan un EP hace un año con media docena de canciones y ahora un largo que, de las diez que lo componen, 4 ya estaban incluidas en ese anterior trabajo. Entre los dos, doce canciones inéditas para Kitsuné, ese sello moderno de electrónica pop que tanto hace saltar y sudar en los clubs a nuestros vecinos los franceses. Y ahora lo bueno, que es todo el resto: Su título es “Tourist History” y es una colección de pop festivo, inmaculado, repleto de melodías pegadizas, jóvenes, urgentes, acompañadas de guitarras afiladas en riffs inmediatos, arreglos electrónicos que no hacen arquear la cabeza al alérgico y, sobre todo, hits tras hits. Si alguien me dice ‘son unos listos, en algunos temas se nota que se suben al carro de la nueva fiebre afrobeat’ le enseñaré el middlefinger, subiré el volumen, y me creeré que tengo quince años otra vez. Como con superpoderes, vamos. Discazo. Y no estará en las listas, porque la crítica sesuda es aburrida.>Antonio Bret 11. VEX’D. CLOUD SEED. (PLANET MU) Vex’d le pegaron un patadón a la escena breakcore en 2005 con el capital “Degenerate”, un abrumador largo (y tan largo, vaya) editado en Planet Mu que empezó a inventarse la cosa dubstep. Ya estaba todo allí: la agresividad rítmica, la oscuridad -no sólo estética sino ya ética pura-, los ecos dub, los graves abisales, la mala hostia... Todo lo que un año más tarde fuera revolución por parte de genios como Burial o Milanese, vaya. Jamie Teasdale y Roly Porter, los dos chungos que formaban Vex’d, sin embargo, no lo debieron ver tan color de rosa -perdón, negro mugre-, ya que se mandaron respectivamente a chuparla, con un segundo disco en la recámara y con título, este “Cloud Seed”, ya incluso anunciado. Para nuestro confort, eso sí, han decidido aparcar sus diatribas y terminar, más o menos, lo que todos esperábamos de ellos para una nueva pedrada con forma de CD. No es “Cloud Seed” un disco propiamente dicho, sino temas antiguos remozados, remixes y demás chatarrería olvidada por sus discos duros, pero eso no significa que no sea altamente disfrutable. Siempre y cuando ‘disfrutable’ sea para nosotros que el día se nos amargue, las nubes se ciernan sobre nuestra cabellera y, básicamente, el mundo se vaya a tomar por culo. Qué gustazo.>Pablo Vinuesa

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SAD FACE / HAPPY FACE Texto_ Vicente Durá

La imagen de una máscara sonriente y otra con gesto de dolor es uno de los emblemas del teatro. La alegría y la tristeza, la felicidad y el sufrimiento. El drama y la comedia conviven en ficción y realidad. La máscara triste de este número se la damos a Jan Lauwers y la Needcompany, que presentan “The Deer House”, un duro relato sobre la muerte de un ser querido basado en hechos reales. La careta alegre la visten la gente de Mopa producciones, más que por los contenidos de sus obras (que también) por la envidiable realidad de esta exitosa compañía andaluza de danza.

historia real para que no sea tan doloroso para nosotros interpretarla. En cualquier caso Tijen no pudo soportar este dolor y tuvo que desvincularse de la gira, por lo que no actuará en Andalucía». Continua diciendo que se trata de «una historia más lineal que “The Lobster Shop”, dividida en dos partes: en la primera los actores están en el vestuario, como si estuvieran preparándose para interpretar “The Deer House”, y en la segunda digamos que pasan a escena para interpretar la obra».

Al ver las imágenes promocionales del espectáculo llama la atención que sobre el escenario hay animales y que los propios actores van vestidos con pieles de animales. Le pregunto qué sentido tiene esto en una obra que cierra una trilogía sobre la ‘naturaleza humana’. «The Deer House es una historia muy oscura y muy triste, y se me ocurrió que para contarla de forma llevadera podríamos utilizar los recursos que usan los cuentos de hadas, o las fábulas. Estas historias también son a veces muy oscuras y muy tristes. Entonces lo que se intenta con los recursos que comentas es reflejar un poco la atmósfera de las fábulas o los cuentos de hadas.

Por otro lado, en ese tipo de relatos también se alude la belleza de los protagonistas para suavizar el drama, y nosotros disponemos de la belleza de nuestros actores y actrices igualmente».

NEEDCOMPANY. “THE DEER HOUSE” Últimamente hemos asistido a numerosas demostraciones de la forma en que varios artistas belgas entienden que se deben combinar sobre un escenario teatro, danza y música en directo. Cada uno ha sugerido sus proporciones y medidas. Unos han tirado más de una disciplina o de otra, y todos han optado por algún valor específico para articular la mezcla. Si la agresividad o la violencia eran la opciones elegidas por Wim Vandekeybus en “nieuwZwart”, y el sexo la alternativa de Jan Fabre en “Orgy of Tolerance”, Jan Lauwers y la Needcompany se distinguen por impregnar su propuesta de drama en “The Deer House”, donde el teatro se configura como ingrediente básico.

Sobre la trilogía también se ha dicho que trata sobre la “humanidad y el dolor”. Al comprobar que dos de los episodios están protagonizados por mujeres y uno por un hombre, le pregunto que a qué se debe esta supremacía femenina. «Es cierto que las mujeres saben más sobre el dolor que los hombres. Ellas dan a luz, pero los hombres, que somos más débiles, sólo podemos mirar. Pienso que el dolor de dar a luz ayuda a las mujeres a comprender mejor el sufrimiento, que es la esencia de la humanidad. En cualquier caso, sobre todo en “Isabella’s Room”, escribo ese papel para una mujer porque veo que no hay demasiados grandes papeles para mujeres en el teatro. Entonces yo escribí este papel para una mujer, que además es vieja».

En 2004 se estrenaba la obra “Isabella’s Room”. Con ella, Jan Lauwers abría su trilogía sobre la ‘naturaleza humana’ titulada “Sad Face / Happy Face”.

Aunque el título incluya la palabra ‘happy’, ya podemos adelantar que en la visión del artista belga predomina la tristeza, tal vez porque el punto de partida para escribir esta primera entrega fue la muerte de su padre. Con el primer capítulo han estado de gira hasta 2009, cuando actuaron en el Festival de Otoño de Madrid. De forma paralela desarrollaron la gira del segundo capítulo, “The Lobster Shop”, y a mediados de 2008 estrenan el capítulo final, este “The Deer House”.

Para terminar le nombro una larga lista de compañías belgas de éxito y le pregunto que cómo puede haber tantas en un país tan pequeño. «Eso es porque tenemos mucho talento los belgas [risas]. No, en serio, pero también es verdad que aquí trabajan muchos actores españoles, italianos, chinos, etc. Creo que somos muy internacionales y viajamos mucho para encontrar el talento que hay en otros lugares. Por ejemplo yo creo que en España hay grandes actores y actrices, y uno de mis grandes proyectos no realizados es montar alguna gran obra de Sakespeare únicamente con actores y actrices españolas».

Sobre el argumento sabemos que nace de la experiencia de Tijen Lawton, una de las integrantes de Needcompany, quien durante una gira por Francia es informada de que su hermano ha sido asesinado en la guerra de Kosovo, tras lo que ha de emprender un viaje a la región balcánica. Según nos contó Jan Lauwers, «una parte del texto es la historia de Tijen y otra es ficción. En la obra se habla de un hermano que muere en Kosovo y eso es verdad. El hermano de Tijen era periodista, y el personaje de la obra es fotógrafo. A partir de ahí vamos adquiriendo cierta distancia con la

MOPA PRODUCCIONES Fueron grandes protagonistas en el pasado Mes de Danza de Sevilla con “Tus Hijos me Están Jodiendo la Vida” y “Tuve que Hacer el Amor por Cortesía”; vencedores del Certamen Coreográfico de Madrid 209 con “Mala Suerte o Falta de Talento”; y la única compañía andaluza en la programación de Escena Contemporánea 2010 con “(espérame despierto)”. Próximamente el festival Cádiz en Danza (17-24 de abril) les rinde homenaje programando sus cuatro obras. Publicamos a continuación un pequeño extracto de la ent-

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revista que mantuvimos con Juan Luis Matilla, uno de los bailarines de Mopa producciones, antes de su actuación en Madrid dentro de Escena Contemporánea.

Sobre “(espérame despierto)”, espectáculo con el que acudieron al festival madrileño, comenta que «en cierto modo se podría hablar de danza-teatro pues el director, Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola, trabaja habitualmente con la compañía de Sasha Waltz, de quien se habla como la heredera directa de Pina Bausch, abanderada de la danza teatro. Así que podríamos hacer la carambola. En cualquier caso, el texto no es un elemento primordial; se usa como un elemento más bien sonoro, casi inaudible, en algún momento».

También se podría considerar como distintivo sonoro de la compañía la presencia de música en directo en la mayoría de sus creaciones.

«En “Tus Hijos me Están Jodiendo la Vida”, la principal referencia para el juego que planteamos es Christian Marclay y su manera de interactuar con el continente de la música, en este caso el vinilo; una perspectiva acerca de la música que va más hacia la instalación. La manera de abordar la música en “(espérame despierto)” es más sencilla y más frágil; no sólo se entiende la música como un elemento coreográfico más, sino que se comprende al músico como un interprete escénico».

En cuanto al ritmo laboralmente vertiginoso de la compañía durante los últimos meses, confirma que «está siendo una barbaridad de trabajo, pero eso pasa en todas las profesiones: hay momentos en los que se amontona el trabajo. La estructura de la empresa es la de trabajar por proyectos y estamos intentando construir un equipo de producción permanente que ya es necesario, pero que debido a esta crisis nos está costando mantener. Intentamos también construir una estructura basada en la colaboración, donde los procesos son muy distintos entre ellos, pero muy interesantes. Por ejemplo, aunque la iniciativa de “(espérame despierto)” fue mía, el rol que yo juego es el de bailarín; la idea de comenzar “Tus Hijos me Están Jodiendo la Vida” es de Roberto Martínez Losa, aunque la firmemos los dos como creadores, junto a Fran Torres, y la colaboración de Benito Jiménez sea más que importante; y aunque “Mala Suerte o Falta de Talento” sea en principio un mano a mano con Raquel Luque, no tardarán en aparecer distintos colaboradores, como de hecho ya lo es Roberto. Además estamos preparando otros trabajos en colaboración, como es el caso de nuestra participación en algunas actuaciones de Fiera, junto a los integrantes de Pony Bravo».

El evento o performance al que ha dado lugar esta colaboración se denomina “WildWorking” y se estrenará el próximo 18 de marzo en el marco del Festival Zemos98.

En la imagena: “THE DEER HOUSE”.

Fotografía_ Maarten Vanden Abeele Las obras recomendadas aparecen en nuestra agenda de la última página con indicación de las fechas, ciudades y salas correspondientes.

ESCENA

ARTÍCULO cormac mccarthy

Imagen: “The Road”adaptación de John Hillcoat a “La Carretera”.

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ARTÍCULO cormac mccarthy

¿Quién hubiese apostado hace unos años que uno de los autores que ha tratado con más violencia y crudeza la naturaleza humana iba a terminar siendo reconocido por el mundo del espectáculo? ¿Quién iba a imaginar que uno de los narradores más elusivos, recluido en su rancho de Nuevo México durante años sin conceder entrevistas, aparecería en el programa de Oprah Winfrey promocionando su último libro? Cormac McCarthy (Rhode Island, 1933) era una rara avis que no terminaba de encontrar su equilibrio entre la crítica literaria (que siempre lo tuvo, en la misma liga que Thomas Pynchon y Don Delillo) y el público hasta que comenzaron las exitosas adaptaciones cinematográficas. Quizás repasando dichas adaptaciones seamos capaces de definir al autor y su obra.

EL HOMBRE QUE SUSURRABA A LOS CABALLOS En 1992, McCarthy publicó “Todos Los Caballos Hermosos”, que constituía el primer volumen de la llamada Trilogía de la Frontera. Esta fue una novela que sorprendió a propios y a extraños por el velado romanticismo que rezumaban algunos pasajes. La novela se convirtió en el primer best-seller de su autor. Pero algo debió fallar durante la promoción del libro porque todo el mundo confundió los términos. “Todos Los Caballos Hermosos” no era una novela de amor. Ese mismo error cometió Harvey Weinstein cuando Billy Bob Thornton se empeñó en rodar una película sobre el libro. Cuenta la leyenda, y Peter Biskind así lo corrobora en el incisivo “Sexo, Mentiras y Hollywood” (2004), que cuando Thornton se plantó con su montaje original de casi 4 horas de metraje, Weinstein (también conocido como Harvey Manostijeras) montó en cólera y terminó estrenando la película como todos la conocimos.

No se puede decir que la primera de las adaptaciones cinematográficas de una obra de McCarthy fuera un éxito, pero también es cierto que su proceso de producción no fue el más sano.

A LA VEJEZ VIRUELAS Un aspecto sobre la obra de McCarthy a destacar es la importancia de la vejez, entendida esta como la sabiduría que otorga la experiencia y la capacidad de mirar atrás sin ira. Sólo el anciano tiene derecho a opinar, a extrañarse, a reflexionar. El anciano se ha mimetizado en la naturaleza. Es un elemento más de ella. Puede que lo anterior sea consecuencia directa del propio envejecimiento del autor, pero ya en “Todos Los Caballos Hermosos” encontrábamos muestras de ello. Pero es, sin duda, en “No Es País Para Viejos” (2005) donde se llevan estas reflexiones a su máximo esplendor. Todo el personaje del sheriff Ed Tom Bell responde a lo anterior. Y gran parte de ello quedó reflejado en la excelente adaptación cinematográfica que hicieron Joel y Ethan Coen de esta novela en 2007. Al margen de premios, lo curioso es que los Coen supieron adaptar con cordura, personalidad y fidelidad el universo McCarthyano, no sólo a nivel temático, sino plástico.

VIVO EN LA CARRETERA En 1943, Maslow tuvo a bien clasificar las necesidades humanas en su famosa pirámide. La base de aquella contenía aspectos fisiológicos elementales como respirar, beber, alimentarse, defecar y dormir. Son necesidades que, en el principio de los tiempos, se podían satisfacer gracias a la propia naturaleza. Existía pues una simbiosis, una relación de causalidad entre el hombre y la tierra, que equilibraba la balanza vida-muerte. Pero da la impresión de que Cormac McCarthy siempre ha estado interesado en desequilibrar esa balanza. “La Carretera” (2006), es la prueba definitiva.

Un padre y un hijo abandonados a su suerte en una inabarcable naturaleza muerta que ya no puede proveer más. ¿Qué ocurre entonces cuando el ser humano no es capaz de cubrir las necesidades más básicas? ¿En qué se convierte cuando se le despoja de la posibilidad de seguir siendo ‘humano’?

Sobre estas premisas se apoya, a nuestro juicio, toda la obra literaria de McCarthy. Toda esta desolación queda plasmada con firmeza en la fiel adaptación que ha realizado John Hillcoat de dicha novela, en la que un soberbio Viggo Mortensen da vida al padre más abnegado de todos los tiempos.

EL HOMBRE Y LA TIERRA Otra prueba de que McCarthy está más interesado en la naturaleza virgen del hombre que en cualquier otra cuestión puede verse en “Meridiano de Sangre” (1985), con su alambicada prosa descriptiva del paisaje. Un detallismo que no es casual, sino que pretende contextualizar el mundo al que pertenece el ser humano. McCarthy describe la fauna, la flora y los fenómenos naturales con bisturí. ¿Es el hombre un elemento más del paisaje? ¿Acaso no tiene mayor entidad que un escarabajo, un rayo o un cactus? Parece plantear McCarthy cuando nos perdemos en sus kilométricas disertaciones sobre el desierto, las colinas o los ríos. Ya sea en la frontera del lejano Oeste o en un mundo futuro apocalíptico, lo que mueve al autor de “Sutree” (1979) a escribir es el enfrentamiento del ser humano con una naturaleza exhausta, que lo pone a prueba, que le obliga a apostatar de su condición de ser social y civilizado para poder reencontrarse con su verdadero yo. Y no tiene McCarthy miedo de mostrar al hombre como un asesino de hombres, como un caníbal, como un animal. Y ahí quedará para la historia el Juez Holden y la banda de los Glanton. Tengo curiosidad por ver la adaptación de dicha novela, que a mi juicio es la obra maestra de McCarthy, y que actualmente está preparando Todd Field. Quizás encontremos en ella el epítome de la obra de McCarthy y también el punto final a las lucrativas adaptaciones cinematográficas de su breve obra narrativa, tan aparentemente inagotable como su prosa.

CORMAC MCCARTHY EL HOMBRE Y LA TIERRA Texto_ Fran G. Matute

CINE LITERATURA

ARTÍCULO dvd - cine

INTERMEDIO FRANCÉS ERIC ROHMER EN PARÍS Y JEAN-LUC GODARD: FICCIONES DVDs textos_ David Pareja ROHMER Desgraciadamente de actualidad por su reciente fallecimiento, Eric Rohmer está siendo uno de los objetivos de la editorial Intermedio, que en los últimos años se está dedicando a la destacable labor de editar todas las obras de Rohmer que aún no habían visto la luz en España. Recientemente le tocó a “Perceval el Galés”, la titánica adaptación del director francés de la obra de Chrétien de Troyes, escrita en en siglo XII y compuesta por más de nueve mil versos. En esta ocasión, la edición viene agrupada bajo el epígrafe “Rohmer en París” porque recoge cuatro obras y dos cortometrajes, así como numerosos textos y entrevistas cuyo nexo común es la ciudad de París, la capital francesa que también inspiró a Rohmer en películas como “Mi Noche con Maud”, “El Amigo de mi Amiga”, “Cuento de Invierno” o “Las Noches de La Luna Llena”.

“El Signo del León”, la primera película de Rohmer, se desarrolla en Saint-Germain-des-Prés, uno de los barrios parisinos por excelencia.

El paisaje urbano, la autenticidad de valores como lo espacial y el tiempo transcurridos en la película siempre han sido de vital importancia para Rohmer, que los trataba con una objetividad de inspiración baziniana. “Les Rendez-vous de Paris” es otra de las películas que componen el pack. La ciudad va tejiendo, armonizando y creando todas las historias, relatos que abarcan el desamor, el amor fugaz, la mentira y la seducción; emociones y encuentros articulados en torno a la ciudad de París. Tanto los personajes de “La Panadera de Monceau” como los de “La Carrera de Suzanne”, las otras dos películas que componen el pack y dos de los primeros cuentos morales de Rohmer, empiezan la película hablando de la ciudad, de los espacios que dan cuerpo y presencia a la película y en los que se desarrollará la trama.

GODARD Otro de los directores con los que Intermedio ha decidido completar su filmografía inédita en España es Jean-Luc Godard. Hasta ahora ha tenido el acierto de editar “Histoire(s) du Cinema” y el cofre “Jean-Luc Godard y el Grupo Dziga Vertov”, dedicado a sus años de mayor compromiso político. Ahora ve la luz un nuevo cofre agrupado bajo el nombre de “Ficciones”, que intenta demostrar la capacidad de Godard para reinventar el concepto de ficción a través de cuatro películas de diferentes épocas. Presentados por el crítico de cine Alain Bergala, uno de los mayores conocedores de la obra del cineasta francés, diseccionando las claves de cada film, situándolas en un contexto biográfico e histórico y marcando la atención en las escenas más importantes de cada título.

El primer título, “La Mujer Casada”, es una película rodada en blanco y negro en los años 60, donde Godard experimenta con las posibilidades formales y expresivas del celuloide incorporando la entrevista como recurso, la mirada a cámara o el cuerpo de Macha Méril, su protagonista, como un actante más del film. En “Que Se Salve Quien Pueda (La Vida)”, Godard vuelve al cine de ficción tras una etapa de militancia radical y política. En este filme aplica algunas de los hallazgos técnicos aprendidos de su trabajo en vídeo con el grupo Dziga Vertov. En “Cubre tu Derecha” podemos ver a Godard actuando, intentando encontrar su vocación como artista y dando rienda suelta a sus deseos de ser actor, según revela Alain Bergala en la introducción del film. Y en “For Ever Mozart” Godard trata una de las que serán sus obsesiones en el futuro: la guerra de Sarajevo, un tema que también analizó con profundidad en “Histoire(s) du Cinema”.

“Eric Rohmer en París” y “Jean-Luc Godard: Ficciones” han sido editados por Intermedio.

Más info en www.intermedio.net

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SHOEI IMAMURA MIKE LEIGH

SHOEI IMAMURA. FILMOTECA FNAC - AVALON. En el último número de CLONE centrábamos la atención de los lanzamientos en DVD a la colección que la Filmoteca FNAC le dedicaba a Seijun Suzuki, uno de los directores más importantes del cine contemporáneo japonés. Ahora le toca el turno a Shoei Imamura, otro de los cineastas fundamentales del cine nipón, perteneciente a esa generación que heredó el testigo de maestros como Ozu, Mizoguchi o Kurosawa y que formaron parte de la nueva ola japonesa (junto a realizadores como Naguisa Oshima o Masahiro Shinoda). Ganador de la Palma de Oro de Cannes en dos ocasiones (con “La Balada de Narayama” en 1983 y con “La Anguila” en 1998), logro que sólo han conseguido cineastas como Coppola o Kusturiça, Imamura es retratado en este pack a partir de tres películas de su primera época: “The Insect Woman” (1963), “Intentions of Murder” (1964) y “The Pornographers” (1966). Las tres películas son un retrato certero de los cambios que ha sufrido la sociedad japonesa, grabadas todas con un scope magistral y muy estilizado, marca de la casa. Una ocasión inmejorable para acercarse a uno de los cineastas más interesantes del siglo XX. MIKE LEIGH. INITIAL SERIES - CAMEO. Mike Leigh es uno de los cineastas más respetados de Inglaterra. Sus películas rara vez bajan de una media notable y ha cosechado numerosos premios internacionales gracias a películas como “Secretos y Mentiras” o “El Secreto de Vera Drake”. Director de la London Film School de Londres, Leigh se graduó la Royal Academy of Dramatic Art y en la escuela que hoy dirige. Sus comienzos estuvieron ligados al teatro pero pronto empezó a despuntar como guionista y realizador gracias a su severa visión de la realidad social, centrándose siempre en los estratos de clase media-baja, y a un estilo cargado de ironía. Este pack incluye tres películas y dos cortometrajes: “La Vida es Dulce”, de 1991. “Indefenso” (1993), quizás una de sus mejores películas hasta la fecha, la más mordaz, afilada y certera visión de la sociedad de fin de siglo, película que le valió el premio al mejor director en el Festival de Cannes y el de mejor actor a David Thewlis, hasta ese momento su actor fetiche. Y “Dos Chicas de Hoy” (1997), una tragicomedia excelentemente interpretada que realizó justo después del éxito de “Secretos y Mentiras”. Completan el pack dos cortometajes que realizó para la televisión británica: “The Short & Curlies” (1987) y “A Sense of History” (1992).

ARAGÓN

MANUEL GUTIÉRREZ ARAGÓN. “DEMONIOS EN EL JARDÍN” / “MARAVILLAS” - CAMEO. Manuel Gutiérrez Aragón proviene, como cineastas de la talla de Pilar Miró o Víctor Erice, de las primeras generaciones de la Escuela de Cine de Madrid. Con su primera película, “Habla, Mudita” (1973), obtuvo el premio de la crítica del Festival de Berlín. Colaboró en el guión de “Furtivos”, de José Luis Borau (del que Cameo también acaba de editar “Hay que Matar a B.”), una de las cumbres de nuestro cine contemporáneo; y ganó el Oso de Oro de Berlín con “Camada Negra” (1977), una película prohibida en su época y que levantó la revuelta de la ultraderecha en su estreno en el Madrid de finales de los setenta, la más importante de su etapa más política al final del franquismo. Cameo presenta ahora la edición de dos de sus mejores películas: “Maravillas” (1981), un cuento sobre la adolescencia interpretado por Fernando Fernán Gómez y Cristina Marcos. El cartel lo firma el siempre genial Iván Zulueta. Y “Demonios en el Jardín” (1982), quizás su mejor obra y la más representativa de su estrecha colaboración con la actriz Ángela Molina. En ella narra la esperpéntica vida de una familia disfuncional en un ambiente rural de posguerra. Ganadora del premio a la mejor película en San Sebastián así como el premio a mejor película en la Quincena de realizadores del Festival de Cannes. Una ocasión inmejorable para acercarse a la obra de uno de nuestros realizadores más olvidados.

LANZAMIENTOS CRÍTICAS LITERATURA DVD CINE

SEE IT críticas cine

IN THE LOOP (ARMANDO IANNUCCI, REINO UNIDO, 2009)

Carteles “In The Loop”.

El primer largo del escocés Armando Iannucci, periodista antes que realizador, es un spin-off de “The Thick of It”, la serie -una sátira sobre las interioridades del gobierno británico- que creara en 2005 para la BBC y cuya tercera temporada acaba de emitirse (recordemos que esta no ha sido sólo la década gloriosa de las series estadounidenses, algo se ha estado moviendo también al otro lado del Canal de La Mancha).

“In The Loop” y “The Thick of It” no sólo comparten temática, también algunos actores y personajes, como la mano derecha en la sombra del primer ministro, el acidísimo Malcolm Tucker (interpretado por Peter Capaldi), probablemente uno de los malos más detestables y carismáticos del audiovisual reciente. Aquí, Ianucci toma como referente claro las intrigas previas a la invasión de Irak, ficcionalizando con escalpelo la trastienda de las negociaciones entre británicos y norteamericanos. Lo que implica a varios consejeros, comisiones de toda laya, generales de oficina (grande James Gandolfini), ministros ridículos, electores enojados (Steve Coogan en su salsa) y trepas de manual. Filmada con el estilo semidocumental que aporta la cámara en mano -muy en la línea de otra reciente serie británica, “The Office” (2001-03)-, “In The Loop” se enmarca sin problemas en la fecunda tradición británica de la sátira política, a la que aporta una dosis extra de cinismo y una precisión admirable en el uso del lenguaje soez de la fontanería de las relaciones internacionales. Por lo demás, se trata de una comedia trepidante, muy bien escrita y mejor interpretada, que sólo muestra alguna debilidad en ciertas torpezas de la puesta en escena de Ianucci, perfectamente asumibles dentro de un conjunto brillante, lúcido, cortante y muy muy british.> Juan Pablo Ramos Fernández

ESTRENO CINE

ALGO PASA EN HOLLYWOOD (“WHAT JUST HAPPENED”, BARRY LEVINSON, USA, 2009) Barry Levinson comenzó su carrera en Hollywood a finales de los años 70 escribiendo chistes para Mel Brooks y Marty Feldman.

A principios de los 80 comenzó a dirigir una serie de títulos importantes que ofrecían diversos retratos sociales de Baltimore, su ciudad natal, como la generacional “Diner” (1982) o la desternillante y ácida “Tin Men” (1987). Al éxito de crítica le siguió el del público con películas como “Good Morning, Vietnam” (1987) y “Rain Man” (1988). Para finales de los 80, Barry Levinson se había convertido en un director que, con pocos títulos en su haber, ya había demostrado casi todo a la industria. Y desde entonces, caída libre. Nunca he sabido muy bien si Levinson era un director dotado para la comedia con ínfulas de autor o si se trataba de un artesano con cierta facilidad para la sátira. Pero en “Algo Pasa En Hollywood” lo cierto es que no es ninguna de esas cosas. Película vacía de contenido, sustentada en un par de gags (la barba de Bruce Willis; la escena del perro con Sean Penn), que pretende jugar con la realidad hollywoodiense (una semana en la vida de un productor de cine) y termina por conseguir lo no buscado: que demos la razón a Levinson en una cosa: algo verdaderamente grave debe estar pasando en Hollywood para que películas tan innecesarias como esta se estrenen en las pantallas de medio mundo.>Fran G. Matute

DONALD BARTHELME. EL PADRE MUERTO (SEXTO PISO, 192 PÁGINAS, 2009) Donald Barthelme, considerado por muchos el padre del postmodernismo literario, tuvo una escasa producción novelística. Volcado sobre todo en su labor como relatista, Barthelme nunca se vio cómodo en la novela, quizás por tratarse de un género que no terminaba de poner límites a su diarreica imaginación. Y a las pruebas me remito. “El Padre Muerto” (publicado originariamente en 1975) trata sobre un padre descomunal, con una pierna ortopédica y que gasta un pene de 65 metros (‘fláccido en ese momento’). El Padre Muerto es capaz de estar vivo y muerto a la vez, y es en ese estado de funambulista vital en el que su hijo y su nuera tratan por todos los medios de llevarlo ante el Vellocino mientras es arrastrado por cables, cual Gulliver en la Isla de Lilliput, por diecinueve porteadores. Y no queda ahí el parecido razonable con la inmortal obra de Jonathan Swift. Por el camino, el Padre Muerto se entretiene pronunciando discursos que son ‘un perfecto coñazo’ y va dejando a su paso un rastro de ‘monstruosos excrementos’, lo que provocará un violento encuentro con los Wend, dueños de las extrañas tierras por las que transcurre este viaje lisérgico y surrealista. No os puedo prometer que la lectura de “El Padre Muerto” (y su inserto, “Un Manual Para Hijos”) os vaya a ofrecer sesudas digresiones sobre el tema de la familia y las relaciones paterno-filiales, pero sin duda se trata de uno de los ejercicios humorísticos más originales que servidor se ha echado a los ojos en muchos años.>Fran G. Matute

READ IT críticas libros

HORACE MCCOY. LOS SUDARIOS NO TIENEN BOLSILLOS (AKAL, 208 PÁGINAS, 2009) La Historia hace tiempo que adjudicó el título de reyes de la novela negra a Dashiell Hammett y a Raymond Chandler. Pero el más grande escritor de aquél periodo clásico fue, en nuestra humilde opinión, Horace McCoy. Con sólo seis obras en su haber, McCoy no sólo fue el autor más versátil de su generación sino que fue el que mejor se adaptó al mundo del cine (ahí quedan para la memoria colectiva sus guiones de “Gentleman Jim” y “El Mundo en sus Manos”, ambas obras maestras de Raoul Walsh).

“Los Sudarios no Tienen Bolsillos” (1937) fue la segunda novela que publicó McCoy tras la aclamada “¿Acaso No Matan a Los Caballos?” (1935) y que junto a “Luces de Hollywood” (1939) conforman el núcleo duro de su obra. McCoy no sólo fue el que retrató con más matices los bajos fondos, sino que fue el cronista estrella de los años de la Gran Depresión. En “Los Sudarios... “ se da buena cuenta de la putrefacción del cuarto poder, ofreciéndonos de paso un anti-héroe como Mike Dolan, personaje repleto de contradicciones y auténtico motor de esta historia narrada al más puro estilo hard-boiled. No es de extrañar que esta novela, con su lenguaje directo y explícito, fuera prohibida en Estados Unidos en el momento de su publicación. Es un hachazo al sistema que se visualiza con cada página, con cada frase, con cada palabra. Es Horace McCoy en estado puro: el mejor escritor de novela negra de su generación. ‘Period’.>Fran G. Matute ANTONIO MÚÑOZ MOLINA. LA NOCHE DE LOS TIEMPOS (SEIX BARRAL, 960 PÁGINAS, 2009) El arquitecto español, Ignacio Abel, sube a un tren en la estación de Pensilvania. Ha huido de Madrid, de la guerra, de una muerte casi segura. Mientras va en el tren le sobrevienen recuerdos de su vida anterior al exilio. La ambivalencia profundiza en las contradicciones de cada uno de los personajes y la mirada de los otros expone otra visión de la realidad. Abel está siempre en dos mundos, en dos tiempos simultáneos, duplicado, enardecido por el amor de Judith, la amante, y acomodado en la rutina con Adela, su mujer. Los recuerdos del comienzo del amor con Judith Biely, esa americana que ha venido a España fascinada por la lectura de Washinton Irving. La madre de Judith que sabe que su hija va hacia el desastre y no puede prevenirla. Y el padre, que modifica sus recuerdos para contar lo que todos saben que no es verdad, que los logros de la hija se deben a él. Rossman, su profesor de Weimar, le produce lástima y rechazo, no hace casi nada por él cuando hubiera podido salvarlo. Sus hijos: Lita escucha Unión Radio, es irreprochable y falsa; Miguel prefiere las coplas de criadas, las películas de flamencas, al percibir las mentiras del padre, quiere quedarse y huir. Empezar a mentir sin esfuerzo ni remordimiento, acostumbrarse a oír disparos, a que los conocidos lleven pistola, a los muertos en la calle, no querer ver lo que pudo haberse evitado y ya no tiene remedio. Los anarquistas, los socialistas, los falangistas, los monárquicos... A tiros unos contra otros. Los dos bandos destruyendo, unos con el fuego que quema iglesias, con furia y torpeza. Otros con aviones italianos y alemanes, ametrallando a los fugitivos en los caminos y lanzando bombas sobre Madrid, que carece de defensa antiaérea. Esos señoritos que hacen la revolución social y que medran para conseguir becas y viajes oficiales. El sarcasmo y la amargura de Moreno Villa. Negrín acumulando trabajo y responsabilidades políticas con el mismo pantagruelismo con el que pide bandejas de mariscos, platos de jamón, vino, cerveza. Buñuel, de surrealista y moderno a la payasada folklórica de La hija de Juan Simón. Las señoras del Lyceum Club, Lorca, Salinas, Alberti...

La obsesión del tiempo agotado, del dónde estaremos mañana, del tiempo que se tarda en olvidar una voz. Y al llegar al final, la sensación de que hemos recibido una clase magistral sobre la construcción de una novela.>Ángeles Carmona

CRÍTICAS LITERATURA

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Mireille (pág anterior): camiseta sin mangas INSIGHT <www.insight51.com>+ jeans ROXY HEART <www.roxy-heart.com> Mireille (esta pág): chaleco plumas EASTPAK <www.eastpak.com> + jeans CONVERSE <www.converse.es>. Óscar: total look LEVI’S <www.levi.com>

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POST

STEVE REICH & BANG ON A CAN (REINA SOFÍA, MADRID, 3 DE NOVIEMBRE) Es casi deporte nacional lo de quejarse sobre lo mal que anda la oferta musical en este país, pero lo cierto es que el pasado 3 de noviembre muchos nos llevamos una sorpresa. Y decimos muchos porque la cola que acordonaba el Reina Sofía era digna de ver. El motivo, la visita relámpago de uno de los padres del minimalismo y quizá su mejor representante: Steve Reich acompañado de la polifórmica banda neoyorquina Bang on a Can. Con el auditorio lleno a reventar –y lo que quedó fuera– la actuación echó a andar con “Clapping Music”, palmas obsesivas entre las que se encontraban las del propio Reich. A continuación “New York Counterpoint”, o cómo descubrir una metrópoli a golpe de clarinetes. Llegó entonces “Piano/Video Phase”, todo un ejercicio de virtuosismo a cuatro manos, dos pregrabadas y dos reales, en el que los tempos se desdibujaban hasta dejarle a uno sin coordenadas donde agarrarse. Fin del primer acto y principio del segundo con “Music for Pieces of Wood”. Con “Electric Counterpoint” llegaría uno de los momentos más emotivos de la noche; enorme interpretación la de aquella guitarra mutante. Y como despedida 28 minutos de repeticiones, transiciones sutiles y endorfinas a cargo de un sexteto se músicos rodeados de vibráfonos, marimbas y sintes. Techno, house, krautrock, minimal... No se imaginan las nuevas generaciones cuánto le deben a este señor de cara sonriente.>Guillermo M. Ferrando

ELECTROCHOCK (US) 2009 (PISTA DIGITAL Y WAM BY ABRIL, SEVILLA, DEL 5 AL 7 DE NOVIEMBRE) Electrochock (US), bautizado como Ciclo de Música Electrónica de la Universidad de Sevilla, nació en 2008 para acercar esa citada institución al mundo del zapatilleo moderno. La cosa era buscar un punto de acercamiento un tanto más intelectual que el habitual de las cabinas de DJs, más dadas al gamberrismo y al sudor, cosa conseguida en su primera edición con actuaciones tan brillantes como las de Joakim & The Discos, Lindstrøm o Various Production. Para su segundo certamen, este ejemplar festival centró sus objetivos en el rastreo no ya de la música electrónica más arriesgada, sino de las conexiones de esta con sus fuentes de inspiración más habituales: las músicas clásicas y contemporáneas. Cambiados los emplazamientos de los conciertos, del Patio del Rectorado a Pistadigital, y de las sesiones, de la sala Obbio a la recientemente parida WAM by Abril, Electrochock (US) ha conservado su ética de acercar al público propuestas interesantes y arriesgadas, a precio simbólico. Cabe destacar la originalidad como escenario de Pistadigital, un proyecto de reconversión de pista de coches locos a espacio artístico que ganó el concurso Creativa07. Allí pudimos disfrutar con la IDM orgánica de un Christ., acompañado de batería, que se supo sobreponer a la pérdida de parte de su equipo en su vuelo desde Escocia. También al maravilloso ejercicio de Hauschka con su piano preparado y el acompañamiento de dos chelistas (momento pelos de punta cuando empezó a sacar todos los trastos que había introducido dentro del instrumento). Y por último, a la ejemplar conexión entre los cuatro miembros del sello-colectivo islandés Bedroom Community, que por turnos y en conjunto consiguieron electrizar al respetable con una ejecución oscura, ambiental y emocionante. No nos olvidaremos de las propuestas locales de los ruidistas TENSION Co. y del

ejercicio de hip-hop instrumental a dos MPCs de Voodooetnies & Toroweins, así como tampoco de las dos magníficas sesiones en WAM por parte de un DJ tan respetado como el barcelonés Undo y de ese entrañable bRUNA pinchando... ¡House! Esperamos con ansia su tercera cita en 2010. >Jorge Montes

HYPERSOUNDS (MUSEO REINA SOFÍA, MADRID, 13 Y 14 DE NOVIEMBRE) El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid alojaba el exitoso nacimiento de Hypersounds el pasado 13 y 14 de noviembre, reinventando sus espacios bajo la dirección artística de Advanced Music. Hypersounds se nos presenta de la mano de Rec_Overflow, Mary Anne Hobbs, HD Substance, Shit’n’Shine, Tender Forever o Rustie, entre los más de veinticinco artistas. Sobre todo mucho dubstep, hip-hop instrumental, electro y mutaciones wonkies. Con experiencias cinemáticas increíbles como Umfeld en audio surround 5.1 o la instalación sonora interactiva Spatial Sounds; la máquina de comportamiento inteligente que nos scanea y reacciona directamente ante nosotros, ideada por Marmix de Ninjs y Edwin Van der Heide, quien a su vez se lucía con su Laser Sound Performance. Además, el accesible documental sobre la improvisación de David Sylvian o las mejoras en la Reactable definían la nueva tecnología aplicada a la creación audiovisual y new media, y sabemos que te gusta estar a la última... >Evapin

40 ANIVERSARIO DE QUICKSILVER (PARÍS, 20 Y 21 DE NOVIEMBRE) El pasado mes de noviembre Quicksilver alcanzó sus cuatro décadas de vida y para celebrarlo no pudo escoger un escenario más singular: el Gran Palais de París. Pero eso no es todo, y es que para tal ocasión, este edificio, uno de los más emblemáticos edificios de la capital francesa, se transformó en la pista de skate más grande de Europa, dando cobijo a aficionados venidos de todas partes del mundo. Y, como no hay buena celebración sin un buen anfitrión, Quiksilver contó con el mejor maestro de ceremonias posible: Tony Hawk, una leyenda viva que sigue siendo la mayor estrella del skateboard mundial, volvía a la acción para esta ocasión tan especial, con un show que pasará a formar parte de la historia del skate. Como es de imaginar, fue un show muy potente de principio a fin, con dos momentos memorables: primero, el famoso 900º de Tony que le valiera la consagración mundial durante los X Games; y segundo, el primer Mctwist jamás realizado por una chica sobre una rampa de este calibre y que le valió a Lyn-Z Adams el reconocimiento de sus compañeros, que no dudaron en portarla a hombros para celebrarlo. Sin duda, fue una noche de gala, especial y diferente en la que pudimos disfrutar no sólo de Tony Hawk y sus trucos aéreos, sino que también hubo espacio para el arte, la moda y la música.>Maru Sánchez

DOMINIQUE A (TEATRO LOPE DE VEGA, SEVILLA, 18 DE ENERO) Con vestimenta de gala, el Lope de Vega se acicaló para recibir al que por derecho propio ocupa un lugar muy singular en la escena musical gala, fusionando tradición y modernidad como muestra de nuevos bríos, y revitalizando una nouvelle chanson que plantea otra vuelta de tuerca al perenne

Tender Forever - HYPERSOUNDS Foto_ Ricardo Blanco

legado de Gainsbourg. Falso Cabaret fueron los sevillanos responsables de inaugurar la velada, de un modo contraproducente, en su labor como teloneros. La gente intentaba resistir canción tras canción en su butaca, ausentándose de la platea hasta el inicio del auténtico espectáculo en aquella noche.

Ané, seductor e ilusionista trovador que mediante epilépticos movimientos corporales y constante oscilación de brazo, en cada pieza simula quizá la libertad del aleteo de un ave, que inicia una senda por la desgarrada melancolía de la chanson francesa. 24 obsequios en forma de canción, destacando “Hasta Que El Cuerpo Aguante”, folk achansonado de estribillo en castellano sin resultar postizo y dedicada a Rafa López (Green Ufos); “La Musique”, solemne columna vertebral como esqueleto sobre el que armar el conjunto de su obra, y que a través de un synth-pop ochentero, configura un himno atemporal; “Immortels”, aromas de composición definitiva en un lamento de soledad para este corredor de fondo tras la búsqueda de la canción perfecta; y para concluir, “Le Courage des Oiseaux” al ritmo enérgico de una contundente e incesante percusión, con una electricidad desgarradora de guitarra, con un controlado aumento progresivo en el tempus sonoro, incitando a liberar toda rabia contenida. Sublime broche de oro para uno de los mejores conciertos a presenciar en este 2010.>Armando Marín Ruiz

ZIMMERMANN & DE PERROT (TEATRO CENTRAL, SEVILLA, 5 DE FEBRERO) La noche del 5 de febrero el Teatro Central de Sevilla se llenó para ver el principio de la mini-gira española de los suizos Zimmermann & de Perrot, con su espectáculo “Öper-Öpis”.

De la anunciada mezcla de teatro, danza, circo y música en directo, sobresalió el protagonismo de estos dos últimos recursos. Y es que la música creada por Dimitri de Perrot con sus platos, mesa de mezclas y loops recorder, bien merecía para sí sola toda la atención. Los que de este modo pensaron, tuvieron la oportunidad de verle luego pinchar en la Sala Malandar. A la derecha de la posición de Dimitri, los otros seis componentes del elenco brillaron cada uno en su cometido: Martin Zimmermann, con su cuerpecito de papel, bailaba, hacía de payaso y de maestro de ceremonias. La bellísima Blancaluz Capela (increíble su entrada como tetrápodo cortado por la mitad) era la contorsionista. Kati Pikkarainen (la rubita) ponía colorido y simpatía a su rol principal de acróbata. La rolliza Eugénie Rebetez agitaba el escenario móvil yendo de un lado a otro a su bola. Mientras, los gigantones Victor Cathala y Rafael Moraes cumplían con su envidiable función de portores.

Las acrobacias y contorsiones sorprendieron casi siempre y todas las posiciones dibujaban imágenes con colores y formas estudiadas. Un trabajo casi, casi perfecto desbordante de imaginación, humor, sensualidad, etc.>Matías Marín

DH Substance - HYPERSOUNDS Foto_ Ricardo Blanco

Hauschka - ELECTROCHOCK (US) Foto_ Gretelle Daffon

CHRIST. - ELECTROCHOCK (US) Foto_ Gretelle Daffon

Rustie - HYPERSOUNDS Foto_ Ricardo Blanco

Ben Frost - ELECTROCHOCK (US) Foto_ Gretelle Daffon

SFDK

FILASTINE. ZEMOS 98

THE CABRIOLETS PROGRAMA MÚSICA, ARTE, ESCENA...

MÚSICA 23/02_18/05. FLAMENCO VIENE DEL SUR. Teatro Central. Sevilla 27/02_13/05. HEINEKEN MUSIC SELECTOR (BENJAMIN BIOLAY, CHRISTINA ROSENVINGE Y TULSA, LA BIEN QUERIDA Y JOE CREPÚSCULO...). Sala Heineken. Madrid 01/03. CORNERSHOP. Bikini. Barcelona 02/03. CORNERSHOP. Moby Dick. Madrid 02/03. AARON THOMAS. El Buho Real. Madrid 02/03. THALIA ZEDEK BAND. Aulario de La Bomba. Cádiz 02/03. ADAM GREEN. Razz 2. Barcelona 03/03. ADAM GREEN. Ramdall Live Club. Madrid 03/03. THALIA ZEDEK BAND. Universidad de Huelva. Huelva 04/03. THALIA ZEDEK BAND. Centro Cultural Caja Granada. Granada 04/03. FRANCISCO NIXON live!. Obbio. La Sala Club. Sevilla.

04/03. ANNI B SWEET. Gran Teatro. Cáceres 05/03. CHEMA REY. RNE3. Obbio. La Sala Club. Sevilla.

05/03. DOMINIK EULBERG (KOMPAKT) + ICO. Low Club. Madrid 05/03. SALIERI + LA CALLE MOJADA (ITA). Fun Club. Sevilla 05/03. THALIA ZEDEK BAND. Sala Octubre. Valencia 05/03_26/03. BLACK MUSIC FESTIVAL 2010. Salt. Girona 05/03. LA HABITACIÓN ROJA. Sala Camelot. Salamanca 05/03. CONTRABAND. Sala La Mandrágora. Alcalá de Guadaira. Sevilla 05/03. TADEO + DAMIEN SCHWARTZ + MARC PIÑOL + JUAN B. Nitsa Club. Barcelona 06/03. INFADELS DJ set + ICO. Low Club. Madrid 06/03. SALIERI + LA CALLE MOJADA (ITA). Supersonic. Cádiz 06/03. SFDK. Infeme. Mérida. Badajoz 06/03. PAL. Presentación Fiesta I Aniversario Mirador Pop. WSala. Cádiz 06/03. EH!. La[2]. Barcelona 10/03. THESE NEW PURITANS. Razzmatazz 3. Barcelona 11/03. THE TALLEST MAN ON EARTH. Teatro Municipal Pedro Muñoz Seca.

El Puerto de Santa María (Cádiz) 12/03. FISCHERSPOONER DJ set (USA) + HOMEBOY. Low Club. Madrid 12/03. THE TALLEST MAN ON EARTH. Centro Cultural Caja Granada. Granada 12/03. O´FUNK´ILLO. Sala Oasis. Zaragoza 12/03. TOKTOK & SOFFY O live! (TokTok/GER) + DJ FRA + JUAN B. Nitsa Club. Barcelona 13/03. PANORAMA POP FESTIVAL. PONY BRAVO + LA HABITACIÓN ROJA + EL COLUMPIO ASESINO + MENDETZ Y MÁS. Industrial Copera. Granada.

13/03. SINDEN (Domino/UK) + DJ FRA + KOSMOS. Nitsa Club. Barcelona 13/03. O´FUNK´ILLO. Razzmatazz. Barcelona 13/03. LA HABITACIÓN ROJA. Sala Industrial Copera. Granada 13/03. SFDK. Sala París 15. Málaga 13/03. THE TALLEST MAN ON EARTH. Sidecar. Barcelona 15/03_21/03. ZEMOS98. Conciertos, conferencias, talleres y más... Varios espacios. Sevilla.

16/03_17/03. AUSTRALIAN BLONDE, NUEVA VULCANO, MUJERES Y MÁS. Fiesta I Aniversario Mirador Pop. Sala Anfiteatro. Cádiz 17/03. CLEM SNIDE. Sala Heineken. Madrid 18/03. CLEM SNIDE. Plateruena. Durango 19/03. CABRIOLETS DJS, BIMBA BOSÉ + DIEGO POSTIGO MORLA. Obbio. Sevilla.

19/03. CLEM SNIDE. Mephisto. Barcelona 19/03. CHIMO BAYO. F.E.A. Tributo Party. L’Hospitalet. Barcelona.

20/03. ANNI B SWEET. Café Teatro. Lleida 20/03. JENNIFER CARDINI (GER) + DJ FRA + JUAN B. Nitsa Club. Barcelona 25/03. CHACHO BRODAS. Sala Sidecar. Barcelona 26/03_27/03. SOUTH POP FESTIVAL. SEÑOR CHINARRO, LOS PUNSETES, NUDOZURDO Y MÁS. Teatro Alameda. Sevilla 26/03. SUPERPITCHER (KOMPAKT/GER) + ALEK SUS. Low Club. Madrid 27/03. O´FUNK´ILLO. Sala Capitol. Santiago de Compostela 27/03. DON RIMINI (FR) + ICO. Low Club. Madrid 27/03. SUPERPITCHER (KOMPAKT/GER) + DJ FRA + JUAN B. Nitsa Club. Barcelona 27/03. GENTLE MUSIC MEN. La[2]. Barcelona 28/03. LINDA MIRADA DJ. South Pop After Party. Obbio. La Sala Club. Sevilla 30/03. NU NILES. ROCK-A-DUBA TOUR. Con Kitty, Daisy & Lewis. Joy Eslava. Madrid 02/04. KRIS MENACE. Lo*li*ta. Barcelona 03/04. LARRY TEE. Rexroom. Barcelona 10/04. WENDY JAMES DJ SET. Popbar. Barcelona 10/04. VIOLADORES DEL VERSO. Palacio de Vistalegre. Madrid 14/04. LA HABITACIÓN ROJA. Sala Heineken. Madrid 14/04. CHUCK PROPHET. Aulario de La Bomba. Cádiz 15/04. CHUCK PROPHET. Centro Cultural Caja Granada. Granada.

16/04. VIOLADORES DEL VERSO. Sant Jordi Club. Barcelona 16/04_18/04. EMERALDS, LEYLAND KYRBY, HUDSON MOHAWKE Y MÁS. Electrónica en Abril Festival. La Casa Encendida. Madrid 20/04. CHUCK PROPHET. Moby Dick. Madrid.

22/04_24/04. EMERALDS, ONEOHTRIX POINT NEVER, LEYLAND KYRBY Y MÁS. Electrónica en Abril. Obra Social Caja Madrid. Barcelona 23/04. MISS KITTIN. Razzclub. Barcelona

23/04_24/04. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO, CAMPING, MARTIN BULLOCH DJ SET (MOGWAI, UK) Y MÁS. Festival Plaff. Planta Baja. Granada 29/04. THE ARTERY FOUNDATION TOUR ALESANA + A SKYLIT DRIVE + EMAROSA + BURY TOMORROW. Sala Razz 2. Barcelona 30/04. THE ARTERY FOUNDATION TOUR ALESANA + A SKYLIT DRIVE + EMAROSA + BURY TOMORROW. Sala Live. Madrid 05/05. RUFUS WAINWRIGHT. Teatro Circo Price. Madrid ARTE Y AUDIOVISUAL 21/01_16/05. LOS ESQUIZOS DE MADRID. CAAC. Sevilla 28/01_25/04. AÑOS 70. FOTOGRAFÍA Y VIDA COTIDIANA. CAAC. Sevilla 29/01_18/03. OKUDA. Falsa Realidad. Montana Shop & Gallery. Sevilla 29/01_09/04. ERICH FISCHI. Centro de Arte Contemporáneo. Málaga 04/02_06/03. ALEX DIAMOND. Iguapop Gallery. Barcelona 05/02_30/03. COLECCIÓN DE FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA. Sala El Fotómata. Sevilla 05/02_09/05. GILBERT & GEORGE. Centro de Arte Contemporáneo. Málaga 10/02_14/06. MIQUEL BARCELÓ. Caixa Fórum. Madrid 12/02_11/04. FROM I TO J. Homenaje de Isabel Coixet a John Berger. La Casa Encendida. Madrid 15/02_25/04. FRANTIŠEK KUPKA. Obras de la Colección del Centre Pompidou. Museo Picasso. Málaga.

16/02_06/03. CONTENEDORES 10. Arte de acción. Varios espacios. Sevilla 17/02_17/05. TOMAS SCHÜTTE. Retrospección. Museo Reina Sofía. Madrid 10/02_07/03. CONEXIONARTE. Casino de la Exposición. Sevilla 23/02_30/05. MONET Y LA ABSTRACCIÓN. Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid 25/02_21/04 (sólo miércoles). CABARET LITERARIO, Museo Picasso. Málaga 04/03_04/05. MARIO PACHECO, DANIEL ALEA, DAVE HOMCY Y MÁS. Expo Staf Grráfico 004. Carhartt Shop. Madrid 04/03_26/03. ADRIANA ESPINOZA Y AURELIEN LORTET. Universos Paralelos.

Facultad de Bellas Artes. Sevilla 05/03_07/03. SIMBA. II Seminario Internacional de Música de Barcelona.

Club Sant Jordi. Barcelona 11/03_17/04. RAI ESCALÉ. La Sang Freda. Iguapop Gallery. Barcelona 31/03_12/07. MARTÍN RAMÍREZ. Marcos de reclusión. Museo Reina Sofía. Madrid 09/04_10/04. PICTOPLASMA Festival. Kino Babylon. Berlin 09/06_25/07. PHOTOESPAÑA. Varios espacios. Madrid

LOS PUNSETES. SOUTH POP

AGENDA TEATRO/DANZA 42 “WILDWORKING”. Fiera + Mopa producciones 18/03. Facultad de Comunicación. Universidad de Sevilla (Zemos98) “EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS ANIMALES: LOS CORDEROS”. Histrión teatro. Dirigida por Daniel Veronese 19/03_21/03. Teatro Alhambra. Granada “NIXON – FROST”. Teatre Lliure 19/03_20/03. Teatro Central. Sevilla 24/04_25/04. Teatro Cánovas. Málaga V FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO Y ARTES ESCÉNICAS DE SEVILLA “FEST” 10/04_18/04. Varios espacios en la ciudad de Sevilla Información en www.sevillafest.com

OKUDA

“GLENGARRY GLEN ROSS”. Teatro Español 10/04_11/04. Teatro Cánovas. Málaga “THE DEER HOUSE”. Needcompany 10/04_11/04. Teatro Central. Sevilla 15/04_16/04. Teatro Alhambra. Granada FESTIVAL CÁDIZ EN DANZA 17/04_24/04. Varios espacios en la ciudad de Cádiz “URTAIN”. Animalario (obra con 12 candidaturas a los premios Max) 23/04_24/04. Gran Teatro de Córdoba. Córdoba

AGENDA Marzo-Abril 2010

Propuestas agenda CLONE: art@clonemagazine.com / Escena por Vicente Durá

Rootlessroot. Obra “UNA”. FEST AGENDA CULTURAL

FotografĂ­a: Nacho Vaquero www.nachovaquero.com Estilismo: Anna Arroyo www.annaarroyo.es

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SEVILLA CLUB, BARES Y CAFÉS CIUDAD CONDAL CAFÉ cocktails & sound club

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Horario: de martes a viernes de 11 a 14h y de 18 a 21h.

Sábados de 11 a 14h - www.lanavespacial.com

MONASTERIO DE SAN CLEMENTE cas

Alameda de Hércules, 94. Sevilla.

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La terraza más ChillOut de la Alameda.Ciudad Condal Café es punto obligado de la tarde-noche sevillana.

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Abierto todos los días de 15:00h a madrugada. Djs de jueves a domingos. Música Pop-Rock. Zona wifi.

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ESCUELA DE PELUQUERÍA ELADIO THE ROOM skateboarding JACKSON bar Calle Relator 21, Alameda de Hércules. Sevilla Abierto todos los días de 22:00h a madrugada.

Programción diaria de Djs.

Arjona 4, Local C. Sevilla. Tlf.: 954216754 www.theroomsk8.com - C1RCA, EMERICA, SUPRA, ELEMENT, MOGRA, OSIRIS, BLACKLABEL,

CULTURAL, TALLER, ESTUDIO OBBIO la sala club - “10 años de OBBIO” Trastamara, 29. Junto Centro Comercial Plaza de Armas.

Sevilla. Teatro, Cine, Música...

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