CLONE.43

N43. MAY/JUN 10.

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Ilustración (portada + estas páginas): Fernando Hereñú AKA Pulpo Corp

Festival Internacional de Música Avanzada y Arte Multimedia www.sonar.es

Todos Todos temos temos unha unha razón razón A Coruña para para celebrar celebrar un ano un ano queque 17.18.19 Junio nonnon se repetirá se repetirá en once en once anos. anos.

Todos temos unha Todos razón temos unha razón ¿Cal¿Cal éaé túa? a túa?

para celebrar un ano que para celebrar un ano que repetirá en once anos. non se repetirá en non onceseanos. ¿Cal é a túa? ¿Cal é a túa?

air, lcd soundsystem, 2manydjs, hot chip, laurent garnier, sasha, booka shade, matthew herbert’s one club, flying lotus, fuck buttons, broadcast, alva noto + blixa bargeld, carte blanche (dj mehdi & riton), john talabot, uffie, the slew feat. kid koala, cora novoa, octa push, delorean, 6pm, grobas, david m, fat fish, fluzo, cauto, bflecha vs. mwëslee, viktor flores, o.m.e.ga, ino, escoitar.org (berio molina + horacio gonzález), labrador + p. ma, fake robotique, caradeniño dj, eme dj… escúchalos en SonarRadio www.sonar.es organiza

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17 º Festival Internacional de Música Avanzada y Arte Multimedia www.sonar.es

Barcelona 17.18.19 Junio

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FESTIVALES - FOTOGRAFÍA

START clone.43 - may.jun 2010 “HANGA ROA”

PHOTOESPAÑA 2010

SEVILLA FOTO FESTIVAL

MADRID, CUENCA, LISBOA. DEL 9 DE JUNIO AL 25 DE JULIO Sesenta y nueve exposiciones, 31 de ellas dentro de la Sección Oficial, con obras de 372 artistas y creadores de 41 nacionalidades. Esas son las derrochadoras cifras con las que regresa el evento pionero sobre fotografía en nuestro país. Con una proyección internacional más que contrastada, como demuestra el éxito de Trasatlántica, el foro de fotografía y artes visuales en Latinoamérica, y el certamen Descubrimientos PHE Brugal Extra Viejo, que este año ha aumentado en un 60% la participación, esta cita se ha convertido en una de las más importantes del calendario cultural. Asimismo, y en este contexto de proyección, el programa de exposiciones OpenPHoto Cuenca reunirá propuestas de embajadas e institutos culturales de Alemania, Bélgica, Francia, México, Plataforma cultural centroeuropea, Polonia, Portugal, Rumanía y Reino Unido. PHotoEspaña 2010 se pone en marcha, y lo hace culminando por primera vez un año de programación continua. La organización concluye así un camino emprendido desde que se constituyera como Festival y en el que, a lo largo de 13 años, ha ido evolucionando para convertirse en un proyecto a largo plazo que trasciende las fechas estivales del programa para organizar actividades durante todo el año.

La experiencia del tiempo en la obra de fotógrafos y artistas visuales será el leit motiv de una edición que desplegará un abanico interminable de exposiciones, talleres, encuentros, charlas, programas educativos y visionados. Entre los artistas que estarán presentes de una u otra manera en esta edición de 2010, destacan nombres como los de Harold Edgerton, Lázsló Moholy-Nagy, Helen Levitt, Bleda y Rosa, Juergen Teller, Jeff Wall y Roman Signer. Mediante sus instantáneas se tratará de dilucidar el misterio del tiempo, de nuestro tiempo. La movilidad, la instantaneidad y la simultaneidad definen nuestros modos y estilos de vida, cada vez más influidos por la cadencia tecnológica. Además, la globalización nos revela un mundo enredado en diferentes estadios de tiempo: culturales, psicosociales y espirituales. Por ello, PHE10 propone un programa temático que, utilizando imágenes del tiempo y tiempo de las imágenes, reflexiona sobre las paradojas técnicas y narrativas de la fotografía y pretende intensificar la percepción a través de una observación atenta y reflexiva.

El cine, por su parte, será también protagonista de una sección en la que se proyectarán películas tan trascendentes para la profesión fotográfica como “El Cameraman”, “Blow-Up”, “El Fotógrafo del Pánico” o “La Jetée”. Más info en www.phedigital.com

SEVILLA. DEL 13 DE MAYO AL 13 DE JUNIO ‘Flexible y sensible con la coyuntura económica actual’, así se presentan los chicos del Sevilla Foto Festival, y es que la demanda sigue siendo la demanda y la fotografía se ha convertido de motu propio en una de las manifestaciones artísticas que más interés suscita. Así, llega una nueva edición de un festival que ya desde su primera celebración consiguió un gran éxito de público y crítica. Y es que no se trata de un evento al uso, con un especial interés en la participación ciudadana, Sevilla Foto hace una invitación generalizada a construir colectivamente un festival para todos, que apueste por ofrecer lo mejor y que plantee nuevas actividades en las que la ciudad, sus habitantes y visitantes sean los protagonistas.

De este modo, son muchas las citas que se tienen previstas durante el mes que durará el encuentro. En primer lugar destacan las Baladas, durante estas sesiones, que se realizarán en distintos espacios de la ciudad como el Huerto del Rey Moro o la Alameda de Hércules (núcleo vital del festival), la fotografía se dará la mano con otras manifestaciones artísticas contribuyendo a crear un ambiente de intercambio y reflexión.

Las exposiciones serán por su parte otro de los platos fuertes de esta edición y poblarán las paredes de varios espacios sevillanos. Entre los títulos previstos destacan algunas como: Del paisaje, procesos y reflexiones; Trabajos de campo; Aquí, junto al agua; Más allá del horizonte; Días extraños y otros reportajes (Exposición Del Premio Photoespaña Ojodepez De Valores Humanos); Inward, Magic Tricky Alter Post.

Finalmente, las charlas con renombrados fotógrafos como Eduardo Momeñe, Oriol Maspons, Jordi Bernadó y Cristóbal Hara o los talleres profesionales impartidos por algunas de estas figuras son la guinda de un encuentro que cada año más gente tiene señalado en el calendario.

Más info en http:www.sevillafoto.com

08

Textos starts: Maru Sánchez <art@clonemagazine.com>

julio

15 | 16 | 17 | 18

july

THE PRODIGY KASABIAN VAmPIRE WEEKEND RAY DAVIES LILY ALLEN LEfTfIELD DIzzEE RAScAL

ASH BRENDAN BENSON BROKEN BELLS cHARLOTTE GAINSBOuRG THE cOuRTEENERS THE cRIBS DJ SHADOW EcHO & THE BuNNYmEN ELLIE GOuLDING fOALS fOuR TET (LIVE) GOLDfRAPP HOT cHIP IAN BROWN ILEGALES JuLIAN cASABLANcAS KLAxONS LOVE Of LESBIAN mumfORD & SONS PETER HOOK performing uNKNOWN PLEASuRES THE HAรงIENDA night featuring GRAEmE PARK, DJ PIERRE AND JuSTIN ROBERTSON

PIL THE SPEcIALS THE SuNDAY DRIVERS SR. cHINARRO

AlondrA Bentley BengA Bigott Boys noize CAlvin HArris CHin yi CoHete ColA Jet set CuCHillo Cut Copy dAedelus delorentos dirty proJeCtors Fionn regAn gentle MusiC Men el HiJo JACk BeAts JACk l tHe JApAnese popstArs JJ Jonston Joris voorn lindstrร M & CHristABelle MAgnetiC MAn MArCus doo & tHe seCret FAMily MidnigHt JuggernAuts pArAde Motor tHe pAris riots pHil kierAn prins tHoMAs sCrAtCH perverts skreAM soutHern Arts soCiety stAndstill tHe teMper trAp tiMo MAAs triรกngulo de AMor BizArro two door CineMA CluB yACHt & tHe strAigHt gAze yuksek ...y MuCHos Mรกs

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RETÍCULA ELTONO MONTANA SHOP & GALLERY, SEVILLA. Si tuviéramos que distinguir entre la tradición del arte estático o la contemporaneidad cambiante de las creaciones urbanas, la obra de Eltono sin duda pertenecería al segundo grupo. Parisino de nacimiento pero madrileño de adopción, este artista que se caracteriza por incorporar la precisión de la geometría a los espacios más degradados o desgastados (por el uso, entiéndase), llega ahora a la Montana Shop & Gallery de Sevilla. En la exposición “Retícula”, este creador trabajará en torno al encuentro entre la estética geométrica y limpia que le caracteriza y factores descontrolados como el desgaste debido a acciones espontáneas de los peatones. Mediante unos experimentos instalados en las calles de Sevilla, Eltono observará como esos factores irán afectando a su trabajo y de ello dependerá el estado final de las obras que se presentarán en la galería. Toulouse, Venecia, Milán, Módena, Genova, Liverpool, Manchester, Londres, Glasgow, Oslo, Amsterdam, Zurich, Berlín, Oporto, Guimaraes, Vigo, Sevilla, Barcelona, Zaragoza, Tarifa, Gran Canaria, Córdoba, Puerto Lumbreras, Tokio, Seúl, Río de Janeiro... Son sólo algunas de las ciudades en las que este creador ha dejado su pequeña huella. Con una trayectoria que se remite a finales de la década de los noventa, el factor de ilegalidad de su trabajo es, como él mismo afirma, “parte de su trabajo”. Sin embargo, y puede ser la clave que lo diferencia de otros artistas, tiene muy claro que lo que principalmente le preocupa es “no invadir demasiado ni molestar; por eso le doy mucha importancia a la elección del lugar donde pintar”. Una declaración de intenciones que se adecúa a la perfección a su currículum práctico de formas geométricas abstractas respetuosas, integradas y en convivencia con lo que les rodea.

Más info en www.montanasevilla.com

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EXPOS

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Imagen (arriba): ELTONO. Bogotá. Colombia Imagen (abajo): RIIKO SAKKINEN. “Sakkinen Prostitutes”

ESCRIBID A PAPA NÖEL Y PEDIRLE LIBERTAD, DE

RIIKO SAKKINEN.

GALERÍA GACMA, MÁLAGA. Aunque nos sabemos con suerte por haber nacido en esa parte buena del mundo, esa en la que comer y tener un iPod van de la mano, eso no es óbice para que una generación cada vez más consecuente con sus ideas luche por dar a conocer otras realidades. Es el caso del artista finlandés Riiko Sakkinen (Helsinki, 1976).

Este autor, uno de los más reconocidos de país nórdico y cuya obra forma parte de colecciones tan importantes como la del MoMA de Nueva York, llega a nuestro país, concretamente a la galería GACMA de Málaga, para presentar su trabajo “Escribid a Papa Nöel y Pedirle Libertad”.

Un conjunto de creaciones en pequeño formato sobre diferentes soportes –murales, papel de mala calidad o pintura sobre lienzo- que tiene como último objetivo criticar el sinsentido de la muy civilizada sociedad de consumo. Muy recomendable. Más info en www.gacma.com

spring / summer 2010 california desert

franklinandmarshall.com

EXPOS-LIBRO

START clone.43 “HANGA ROA”

CÓMO FUNCIONA ELBULLI. FERRAN ADRIÀ (PHAIDON) Uno de los restaurantes más codiciados del mundo, el templo de la nueva gastronomía y el sitio con más reservas por minuto después de que Ferran Adrià anunciara públicamente su cierre hace un par de meses. Si no formas parte de esa comunidad de afortunados que ha gozado de la ocasión de cenar una noche en el restaurante de la localidad catalana de Roses, esta es una oportunidad inmejorable para conocer las tripas de uno de los epicentros de la vanguardia culinaria. 600 páginas a color con recetas, menús, fotografías y diagramas del trabajo de un día en el restaurante. Desde la compra de los ingredientes en lo mercados cercanos hasta la preparación de los platos. La mejor forma de introducirse en uno de los sitios más exclusivos y con mejor gusto de la actualidad. Una experiencia repleta de aromas. Más info en www.phaidon.com > David Pareja

Imagenes: “Taxi” por Alexander James

ALEXANDER JAMES. TAXI. CONINGSBY GALLERY, LONDRES. Si está en verde suele suponer una alegría de esas que generan hasta cosquillitas por dentro. En ese momento en lo que ya lo único que quieres es una tele-transportación a tu casa, pillar un taxi de madrugada puede convertirse en toda una odisea. Una odisea para nosotros, usuarios, y una odisea para ellos, taxistas, que ya nos podemos imaginar con los especímenes con los que tienen que tratar noche tras noche. Pues bien, esta particularidad del western urbano de cada día es la que ha dado forma al nuevo trabajo del fotógrafo británico Alexander James. “Taxi”, como su propio nombre indica, es un conjunto de fotografías tomadas en diversas ciudades de Japón y en las que lo importante no es el componente social de estos ‘seres’ que pueblan nuestras calles, sino la fuerza estética y especialmente lumínica de sus señales. Un trabajo más que curioso que ahonda en formas y colores, proyecciones y dibujos en los que la fuerza de lo japonés, se impone ante cualquier otra consideración occidental. Como Tamagochis fluorescentes, James ha sabido captar la singularidad de un objeto globalizado en un contexto diferente.

Más info en www.ConingsbyGallery.com

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NOVELA GRÁFICA

JOE SACCO. NOTAS AL PIE DE GAZA (EDITORIAL MONDADORI) 1956. El ejército israelí irrumpe en la Franja de Gaza, donde la mayoría de habitantes son refugiados palestinos, y asesina a cerca de 400 personas en las ciudades de Khan Younis y Rafah, a pocos kilómetros de la frontera con Egipto. Un nuevo capítulo. Un capítulo más, pero que esta vez, y como tantas otras, pasó desapercibido a la opinión internacional.

Quizá no del todo, y es que puede, sólo puede, que se hiciera alguna velada referencia con alguna nota al pie en algún que otro periódico. El sinsentido de este conflicto eterno, concretamente de este desconcertante episodio, regresa ahora en forma de una impresionante novela gráfica. De las manos del prestigioso dibujante y periodista Joe Sacco y con un especial énfasis en el rigor histórico y la crueldad de los datos, “Notas al Pie de Gaza” rezuma periodismo, investigación y análisis del bueno. Si a esta obra magnífica y densamente documentada le añadimos la precisión de unos trazos de un realismo exagerado, y la hazaña que supone llegar a conmover y decir algo nuevo sobre un tema tan maltratado, tenemos como resultado un trabajo al que sin duda el tiempo le dará el título indispensable de clásico. Más info en www.randomhousemondadori.com

BRYAN TALBOT. ALICE IN SUNDERLAND (EDITORIAL MONDADORI) No sabemos si ha sido coincidencia o es que Tim Burton y Bryan Talbot han tejido una estrategia promocional de grandes dimensiones en torno al clásico de Alicia en el País de las Maravillas, lo que sin duda es cierto es que este es el año de la obra de Lewis Carroll. Aunque publicada en 2007, la última obra del prestigioso ilustrador británico Bryan Talbot, “Alice in Sunderland”, no se ha editado en España hasta marzo de este año. Con una factura de golosina de tapa dura y más de 300 páginas de ilustraciones sorprendentes, esta revisión de la clásica obra victoriana desquita el velo de la corrección para adentrarse en los aspectos más descarnados, irónicos y surrealistas de la novela original. Una adaptación postmoderna en la que, a partir de una serie de relatos, se imagina un posible encuentro entre Lewis Carroll y Alice Liddle, la niña que inspiró la novela. Con la reciente histórica británica como trasfondo y la ciudad de Sunderland, al noreste de Inglaterra, como escenario de este encuentro, el autor cita a estos dos personajes entre las bambalinas del imaginario (o no) Teatro Imperio de la ciudad inglesa. Un escenario eduardiano de variedades que sirve como telón de fondo para pequeños capítulos o secuencias, más que para una novela con una narrativa especialmente lineal. Algo a lo que sin duda contribuye la variedad estilística de unos diseños que oscilan entre una mezcla de blanco y negro, línea clara, monocromo y color, línea trabajada, acuarelas, collage e ilustraciones digitales. Una buena guía de colores y formas imposibles que te sumergirán de lleno en la parte más surrealista del surrealismo y que ha sido considerada por periódicos como The Guardian como uno de los imprescindibles de este año. Más info en www.randomhousemondadori.com

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Imagen: Alice in Sunderland

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25/02/10 12:46

FOUR TET - Fib

FIB

Cosa Azahar presenta: Festival Internacional de Benicàssim 2010... Y sólo con eso podemos resumir el atractivo de un FIB Heineken que, y eso duele porque hemos crecido con él y por lo tanto somos más viejos que qué, va ya por su XVI edición. Como en las últimas, julio es el mes escogido para asaltar la ciudad castellonense en tropel, más concretamente durante los cuatro días que van del 15 al 18. En ese intervalo, Benicàssim se transformará en toda una ciudad musical, un pueblo que se rinde al público del FIB y, sobre todo últimamente, al fenómeno guiri, para el cual resulta doblemente atractivo el tándem formado por los buenos conciertos y la playa. En cuanto a los grandes nombres, si en el FIB nunca han faltado los titulares de impresión, en esta ocasión no iba a ser menos, ya que un leve repaso al cartel puede provocar más de un soponcio. Si nos tira la electrónica, no podremos dudar que, por mucho que se terminaran convirtiendo en fenómeno cani, The Prodigy fueron los putos amos del asunto. Si nos tira el indie, estrellonas brit como Kasabian o los súper pomaderos Vampire Weekend harán nuestras delicias. Pero es que hay de todo, y de todo bueno, como en botica, desde leyendas tipo Ray Davies, PIL o The Specials, a nuevas maravillas como Calvin Harris, Cut Copy o The Japanese Popstars, clásicos de la escena alternativa como Goldfrapp o Julian Casablancas, media escena nacional, el enorme DJ Shadow, los brutísimos Foals, Four Tet con su flamante disco bajo el brazo... ¡Hasta Peter Hook reviviendo a Joy Division! En fin, si la letra pequeñísima la forman bestias como Midnight Juggernauts, Two Door Cinema Club, Yatch, Yuksek, Lindstrøm & Christabelle o Daedalus, casi que todo este texto sobra. Hijo mío, pasa por caja y déjate de hostias ya. Más info en www.fiberfib.com

AC/DC

CUT COPY - Fib

Miren, con la verdad por delante: Australia tiene que ser un sitio muy chungo cuando lo menos rudo que ha salido de esa tierra de ex carcelarios británicos ha sido Kylie Minogue. Uno se pone con la lista y le salen engendros de la naturaleza de The Beasts of Bourbon, Nick Cave y sus Bad Seeds o Russell Crowe. Hasta Nicole Kidman da miedo. Qué decir, entonces, de los míticos AC/ DC. Que sí, que llevan desde 1975 haciendo exactamente la misma canción. Pero coño, ¡qué canción! Que sí, que nada fue lo mismo tras la muerte (tope rocanrolera, claro está), de Bon Scott. Pero, ¿qué hay más rocanrol que sobrevivir al propio mito? Que vale, que su presencia se sustenta en el traje de colegial de Angus Young, en el uso y el abuso del power chord y en dos tics escénicos malcontaos... Pero, ¿y qué? ¿De verdad no es algo abrumador y espectacular poder ver en Sevilla a estos animales de bellota? Sinceramente, la cita del sábado 26 de junio en el Estadio Olímpico es simplemente his-tó-ri-ca. Así que vamos a dejarnos ya de comprarnos camisetitas fakes de grupos jevis en el H&M y vamos a ver a los verdaderos machotes, coño ya.

Que sí, que el pomadeo electrónico está de lomo, pero aquí el menos pintao ha hecho cienes y miles de espectáculos de air guitar pegando botes en su colchón. Rindamos pues pleitesía a unos de los autores del invento. Yeah! Más info en www.acdc.com

JACK SESSIONS CON LORI MEYERS

DJ SHADOW- Fib

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MADRID (6 MAYO), BARCELONA (13), VALENCIA (20) Y GRANADA (21) Innovando que es gerundio. Eso parece ser que pensaron a la hora de idear las Jack Sessions.

Y es que estos encuentros, tan simples en su concepto, aúnan todo lo que uno puede desear a la hora de disfrutar y desconectar. En este caso las Jack Sessions vuelven a varias ciudades españolas de la mano de unos invitados de lujo, Lori Meyers, que presentan su cuarto disco, “Cuando el Destino nos Alcance”. Junto a ellos también estará el grupo Montevideo, que vuelve con aires renovados y los nuevos sonidos que componen “Vértigo y Euforia”. Además, el incansable DJ Jeff Automatic se encargará de animar la fiesta con su revolucionario estilo, que va desde el indie más cándido al rock más poderoso. El ganador de la V edición del concurso de maquetas Jack Daniel’s Backstage también actuará en las nuevas Jack Sessions. Más info en www.jackdanielsmusic.es

FESTIVALES - MÚSICA

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SÓNAR 2010

MATTHEW HERBERT - Sónar

El Sónar es, y esto viene que ni al pelo con la edición de este año, como el Camino de Santiago, que uno hace un peregrinaje por fe, y ya vuelve todos los años siguientes por puro vicio. La fe es saber que no hay mejor reunión de estrellas de la electrónica en prácticamente el resto del planeta; el vicio, que cada año parecen superarse y eso de la “electrónica” se les ha quedado pequeño cuando pueden lucir de propuestas como Roxy Music, The Sugarhill Gang o Air. Luego, pues la habitual retahíla que quita el aliento, con Dizzee Rascal, LCD Soundsystem, Jónsi, Fuck Buttons, Hot Chip, Matthew Herbert, los Chemical, Plastikman, Flying Lotus y un larguísimo etcétera de jugosas propuestas. Como ya os avanzamos en el número anterior, Sónar tendrá dos ediciones del 17 al 19 de junio en su decimoséptimo cumpleaños: la barcelonesa de toda la vida de Dios, y el Sónar Galicia de EXPOcoruña con la bendita (nunca mejor dicho) excusa del Año Xacobeo. Además, y esto que conste en acta porque en CLONE también tenemos nuestro corazoncito, nos congratulamos de que organicen por segundo año consecutivo Sónar Kids, los días 12 y 13 de junio, una de las propuestas que mejor intenta inculcar el valor de la música electrónica entre el chavalerío, sin atribuirle factores, ejem, nocivos, como la nocturnidad, las drogas y el guarrismo generalizado. Con un par. Más info en www.sonar.es

OFFF PARÍS 2010 OFFF, también conocido como el International Festival for The Post-Digital Creation Culture, uséase la cita con los diseñadores, programadores y estetas más cool de este planeta y los que le rodean, cumple diez añazos rastreando en la vanguardia de la vanguardia con una cita que huele a histórica: del 24 al 26 de junio, La Grand Halle de la Villette será el hogar parisino de un encuentro tan particular que parece imposible explicárselo a quien no lo haya vivido con anterioridad. Tras su habitual residencia barcelonesa y puntuales ediciones en Nueva York, Lisboa y Oeiras, OFFF pega el pelotazo en la capital gala, reuniendo a lo más granado de la escena con figuras tan insignes en los campos del diseño, las editoriales, los FX o la publicidad como Joshua Davis, Matt Pyke, Hillman Curtis, The Mill o Neville Brody, jóvenes valores crecidos precisamente al calor del OFFF como Dvein o Multitouch, e invitados de postín como la potentísima ilustradora Tara McPherson o el genial Vaughan Oliver, responsable de la imagen del mítico sello 4AD. Así que, si juntamos que París bien vale una cita y OFFF, en la misma frase, la cosa está más que clara. ¡A buscar vuelos ya! Más info en www.offf.ws

ELECTROCHOCK III NEW YOUNG PONY CLUB - Sónar

MURCOF - Electrochock III

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En sus dos citas anteriores, el ciclo de música electrónica de la Universidad de Sevilla, Electrochock (US), ha sabido ofrecer una muestra selecta e innovadora de aquellas propuestas menos habituales en los clubes de la ciudad, rebuscando entre artistas que hacían flirtear la música de baile con estilos más académicos e incluso buceando entre aquellos académicos con fijación por las expresiones más hedonistas. En 2008 y 2009, entre el Patio del Rectorado y Pistadigital, Electrochock nos ha brindado la oportunidad de ver, por dos perras, a artistas tan fantásticos como Lindstrøm, Joakim & The Discos, Various Production, Christ., Hauschka o el colectivo islandés Bedroom Community, además de a una gran selección de artistas locales y nacionales, así como sesiones bailongas en clubes como Obbio o WAM. 2010 hará descubrir un nuevo espacio para Electrochock (US), Madre de Dios, desde hace poco nueva sede del CICUS (antigua Extensión Universitaria, para los más viejunos del lugar). Será una cita en dos partes: el primer fin de semana, el viernes 25 los británicos The Black Dog, con uno de los miembros originales de Plaid en sus filas, descubrirán por qué fueron pioneros de la IDM; el sábado 26 será el turno de la conjunción feliz entre el trompetista francés Eric Truffaz y el productor electrónico mexicano Murcof. El viernes 2 de julio, el atómico trío Aufgang, con Francesco Tristano al frente, hará que dos pianos y una batería se transformen en una bestia rítmica, mientras que un día más tarde batirá en directo elementos como el nu-disco, la psicodelia y el acid, para deleite de todos los presentes. Además, tras los conciertos, Madre de Dios se convertirá en pura fiesta con sesiones de DJ. Más info en http://www.facebook.com/ElectrochockUS

FESTIVALES - MÚSICA

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III CICLO DE MÚSICA ELECTRÓNICA UNIVERSIDAD DE SEVILLA

22.00

EDIFICIO CICUS C/ MADRE DE DIOS ,1

RANKIN

DESTROY/ RANKIN (Die Gestalten) Entrar en el estudio de un artista puede ser una profanación de su espacio más sagrado; cambiar, modificar y destruir su obra, un absoluto pecado mortal. Sin embargo, y como todos somos débiles criaturas, esta acción también debe suponer un sumo placer si el estropicio, por llamarlo de alguna manera, se hace bajo consentimiento explícito del creador, o lo que es más, en colaboración con algunos de los diseñadores y artistas visuales más importantes del mundo. Pues bien, este es el juego que propone este libro, “Destroy/ Rankin”, que, como su propio nombre indica, no es sino una reinterpretación bastante abusiva de la obra fotográfica de uno de los mejores retratistas a nivel internacional, el británico Rankin. Especialmente centrado en el universo musical al que tan íntimamente ha estado relacionado, rostros como los de Michael Stipe, U2, The Gossip, Beck, Jarvis Cocker, Debbie Harry, Kylie Minogue, Basement Jaxx, Goldfrapp o Marianne Faithfull cambian de registro bajo sus mismas manos, es decir, ellos mismos han reinterpretado la obra del que un día les retratara. Otros, por su parte, han decidido acometer esta empresa de la mano de grandes artistas visuales tales como Damien Hirst, Mat Collishaw y Douglas Gordon. Con cinco ensayos que hacen referencia a la más que discutida relación entre la música y el arte, el resultado es un catálogo de lo más sorprendente y curioso. Altamente entretenido.

Más info en www.gestalten.com En la imagen: BASEMENT JAXX by Mat Maitland

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ARQUITECTURA reviews

VARIOS AUTORES “VIVIR EN EL NUEVO MILENIO”. (PHAIDON) Ya hemos comentado alguna vez en esta sección que el mejor laboratorio de ideas para el desarrollo de la arquitectura es la vivienda particular: en ningún otro género edificatorio se produce el conflicto entre el interior y el exterior, lo privado y lo público, con tanta virulencia como en una casa privada. En pocos se presta tanta atención al detalle, o tienen tanta importancia decisiones que pueden parecer caprichosas (pero que nunca lo son; después de todo, cada uno hace en su morada lo que quiere) y que juegan un papel determinante en la morfología del edificio, descubriendo por el camino novedosas soluciones constructivas y recursos formales que más tarde podrán llegar a la obra pública o la residencia colectiva. En ningún otro género edificatorio, en fin, el arquitecto tiene a la vez tanta libertad y tan poca libertad, una deliciosa paradoja.

Como su título indica, “Vivir en el nuevo milenio” analiza lo que ha sucedido en este campo durante los últimos diez años, y para ello recopila tres docenas de ejemplos donde cabe de todo: desde invenciones formales y cabriolas programáticas a experimentos con el espacio; desde ejemplos de arquitectura silenciosa y contemplativa a explosiones epidérmicas; desde viviendas que se abren al paisaje o lo integran en su interior a casas que miran hacia dentro, esquivos ante el mundanal ruido. Un crisol de direcciones y actitudes que indica lo fragmentada que está la práctica de la arquitectura en la actualidad: para bien o para mal, una vez superadas las fiebres del minimalismo y el “rarismo” no existen modas ni tendencias dominantes. Pero también resulta interesante comprobar que, tras una época de globalismo exacerbado, varios de los mejores ejemplos que incluye el volumen son casas conscientes del lugar en el que están ubicadas: que trabajan con materiales autóctonos, se adaptan a condicionantes topográficos extremos utilizando soluciones tradicionales o reinterpretan métodos constructivos vernáculos desde una perspectiva moderna.

En este sentido, resultan particularmente interesantes viviendas como la Casa en Kangaloon, de Glen Murcutt, una variación del típico cottage australiano, contaminado para incluir un muro de protección contra el viento; la Casa Springtecture B, de Shuhei Endo, cuya forma deriva del pliegue continuo de una chapa metálica; la sorprendente Casa Acordeón, de 24 H-architecture, que recuerda a un extraño animal, y cuya piel exterior funciona como un caparazón, capaz de abrirse o cerrarse según la aridez del clima en el exterior; la Casa del Loto, de Kengo Kuma, cuyas paredes exteriores se disuelven en el interior de una forma de damero, provocando una distorsión entre lo que sucede dentro y fuera de la vivienda, o la curiosa Casa Mimética, de Dominic Stevens, que como su nombre indica, se mimetiza por completo con su exterior. Ejemplos, en fin, que hablan de una sensibilidad moderna, de un uso inteligente y muy personal de la tecnología, pero también de una manera actual de entender la vivienda, que debe ser cada vez más libre y versátil: un laboratorio lleno de posibilidades.

En la imagen: Ring House

ARQUITECTURA ESCRITA Texto_ Vidal Romero

ARQUITECTURA

CONOCE A juanjo fernández

EN CORTO Nombre: Juanjo Fernández Edad: 17 años Lugar de nacimiento: Sevilla Profesión: Surfista Retrato: Juanjo Fernandez Fotografía: Juan José Fernández Echeverria

1. Un concepto: la amistad.

2. Un concepto sobrevalorado: la solidaridad.

3. Una edad de oro: el presente.

4. Un personaje de ficcion que te hubiera gustado conocer: ninguno, prefiero personajes reales.

5. Un maestro: mi padre.

6. Un momento del dia que no cambiarias: un baño en el mar por la mañana temprano.

7. Un libro que no falta en tu habitación: revistas de surfing.

8. Una obsesión solitaria: no parar de surfear.

9. Un sueño repetido: viajar.

10. Un objetivo: terminar mis estudios.

11. Tus pupilas se dilatan cuando: veo una ola perfecta. http://diariodellegend.blogspot.com/

Sponsor: Rip Curl, Soul Surfboards, Legend´s Surf, Creature.

Localización: Playa de Razo. Galicia.

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START clone.43 “HIP-HOP NEWS”

Texto_ Pablo Vinuesa

RAYDEN. ESTABA ESCRITO (BOA, 2010)

LEGENDARIO. MIS ARMAS FAVORITAS (SFDK RECORDS/BOA, 2010)

El MC madrileño Rayden es conocido por su crew, A3BANDAS, pero probablemente lo más destacado de su trayectoria es haber conquistado en 2006 el campeonato mundial Red Bull Batalla de Gallos. Con su capacidad de improvisación por lo tanto demostrada, la asignatura pendiente del de Alcalá de Henares era la de aprobar en el álbum en solitario. Y es algo que consigue con “Estaba Escrito”, que sin ningún tipo de disimulo homenajea al gran Nas, concretamente a “It Was Written” (Columbia, 1996), poniéndose de paso el listón bastante alto. Con un manto sonoro lujoso y esteticista, firmado por productores como Rob Vendetta, Es. T, Figu, Mindheart o el propio Rayden, el rapero sabe entrar y salir de los ritmos con soltura. Además, destaca por sus pocos prejuicios a la hora de mostrarse íntimo: en una escena donde predominan el ego-trip y las vaciladas, a Rayden no le da ningún miedo definirse como solitario o romántico, al fin y al cabo un tío normal. El artwork de “Estaba Escrito”, además, merece la pena el desembolso, no sólo por su bonito digipack y la inclusión de las letras, sino porque contiene un cupón para participar en el sorteo del cinturón de campeón en la Batalla de Gallos... ¿Os imagináis poder lucirlo en las paredes de casa? Todo un puntazo.

Dogma Crew, tal como hemos hablado ya en el pasado por estas páginas, es uno de los grupos nacionales que con más fiereza defiende el rap pesado, la ortodoxia old-school y, de paso, el terrorcore. Todos los miembros del combo sevillano, excepto Demonio, habían probado ya la trayectoria en solitario, ya fuera en formato maquetero, como mixtape o incluso en disco oficial (el “Tiempo de Perros” de Zonah y el más reciente “Inspiración” de Puto Largo), y Legendario no se queda atrás. Su maxi “Bala Perdida”, en 2006, gustó, pero el salto hasta “Mis Armas Favoritas” es grande. Nada menos que 19 tracks repletos de acción, tensión y mala baba, como no podía ser menos viniendo el CD de quien viene, producidos además por beatmakers contrastados como su jefe de SFDK, Acción Sánchez, el malagueño Jefe de la M, Candela Clap o RJBeats. En el micro, Legendario se deja arropar por habituales de la zona como Shotta, Jesuly, El Límite, Gordo Master, Barrabás o sus compañeros de Dogma Crew. Con una voz totalmente reconocible, el MC disfruta creando el caos sonoro, destacando tanto en los temas más folclóricos como en los más sucios, esos que parecen teletransportados del debut de Wu-Tang Clan hasta la hispalense calle Venecia, a base de óxido y bruma.

En la imagen: RAYDEN MÚSICA

ENTREVISTA alex prager

REVISITANDO EL SUEÑO AMERICANO Texto_ Maru Sánchez

A imagen y semejanza de las grandes divas, esas cuya belleza nunca pasará de moda, así son las mujeres que aparecen en el último trabajo de la artista estadounidense Alex Prager (California).

Con él, la fotógrafa busca dar una vuelta de tuerca más a la tendencia revival que tan buenos resultados obtiene en este campo. ¿El resultado? Píxeles veraniegos, estéticas añoradas, paisajes evocados y mucho, mucho rimmel.

Mujeres vestidas en un exquisito estilismo retro, pelucas de colores imposibles, maquillajes teatrales... ¿Hay algo detrás de estas semidiosas postmodernas? Precisamente la extravagancia de los colores y el maquillaje son la herramienta de la que me valgo a la hora de despertar interés en el espectador y potenciar así que su imaginación haga el resto. Mi objetivo, por tanto es crear un estado de ánimo en el publico y propiciar así una respuesta emocional En ese sentido, tus fotografías remiten casi siempre a otras épocas, ¿existe algún motivo? ¿Qué hay acerca de la feminidad que dejan traslucir? Simplemente me gustaba mucho su estilo y la manera en la que lo reflejaban. Con mucho más color, aquellas mujeres a las que hago referencia en mis fotografías invertían mucho más tiempo en arreglarse y estar listas. A este respecto también me interesa cómo estar guapa pudo llegar a convertirse en la única carrera de muchas de estas mujeres durante los 50 y los 60.

Hitchcock es una de tus principales fuentes de inspiración. ¿Qué otros nombres engrosan esta lista? Guy Bourdin, William Eggleston, John Currin, David Lynch, Federico Fellini, Jean Louis Godard, Diane Arbus, Wegee... ¡La lista podría ser interminable!

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¿Qué hay acerca de la fotografía contemporánea? Hoy en día en que casi cualquiera puede convertirse en un ‘fotógrafo amateur’, ¿cuáles son, en tu opinión, los ingredientes del verdadero éxito?

Yo creo que es muy importante confiar en tus instintos y mantenerte fiel respecto a lo que te gusta fotografiar. En ese sentido, mi intención es la de representar siempre a gente que realmente pueda identificarse con mis propias ideas.

California es tu lugar de origen y eso es algo que se percibe también en la luz y los colores de tus fotografías. Si tuvieras que retratar un prototipo de mujer europea, ¿en qué te basarías? Cuando pienso en la mujer europea como un todo, lo primero que se me viene a la mente es la mujer de las películas de Fellini.

‘Weekend’ es el nombre de tu último trabajo, ¿qué nos puedes contar acerca de él? La verdad es que lo veo como una evolución de mis dos series anteriores, ‘Polyester’ y ‘The big valley’, de hecho creció a partir de estas dos anteriores, aunque es, quizá, la más teatral de todas.

Desdibujada en su totalidad, la línea que separa realidad y fantasía en estas fotografías no busca sino preguntar al espectador acerca del mundo en el que estas mujeres parecen habitar.

En junio, tu último trabajo se expondrá en la Michael Hoppen Gallery de Londres. ¿Crees que son muchas las diferencias en el mercado artístico a uno y otro lado del Atlántico? Realmente creo que el ‘art system’ es muy similar en todo el mundo: hay gente que está interesado en él porque busca algo que les guste o inspire, y hay otros cuyo objetivo es la inversión.

Más info www.alexprager.com Imágenes Alex Prager: ‘Weekend’.

ARTE

ENTREVISTA alex prager

Imágenes Alex Prager: ‘Weekend’.

ARTÍCULO territorios sevilla 2010

LA CULTURA DE LA CRISIS Texto_ Pablo Vinuesa El pasado 7 de abril, los medios de comunicación recibieron una nota de prensa en la cual veinte organizaciones denunciaban el estado de la cultura, instando a las administraciones, y en especial a la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, a que potenciaran sus políticas de apoyo a las industrias culturales y pusieran freno a la reducciones presupuestarias que están, según los firmantes de dicho comunicado, destruyendo decenas de miles de empleos en nuestra comunidad. Doce días más tarde, los periódicos del Grupo Joly publicaban un artículo titulado “Todo un festival de recortes”, donde se explicaba cómo las grandes citas artísticas están acusando la generalizada rebaja de las partidas anuales en los organismos públicos, citando como ejemplos notables que en Granada, Islantilla o Jimena hayan tenido que renunciar este año a sus festivales de literatura, cine y música.

En Sevilla, concretamente, la duodécima edición de Zemos98 ha estado poblada de “microbios, seres vivos diminutos”, el South Pop hacía malabarismos para confeccionar un cartel interesante y el Festival Internacional de Teatro y Artes Escénicas de Sevilla, feSt, ha tenido que hacer “sintética” su quinta edición. Son sólo tres muestras de la concreción y el pragmatismo que están necesitando aplicar los promotores locales para no dejar pasar 2010 como un año en blanco por culpa de esa crisis que obliga a los políticos a ser “austeros”.

Por otra parte, sería bastante injusto culpar sólo a una parte de los implicados. Sevilla en particular, y Andalucía en general, adolece de una industria cultural privada con solvencia para vivir en paz al margen de las ayudas institucionales, siendo incapaz pues de crear una red de promotores que vea más allá del uso y abuso de las subvenciones. Por último, y aunque a muchos les duela, no estamos hablando del público más inquieto del mundo, precisamente: demasiado generalizada está la actitud de quejarse de la falta de propuestas, acodado en un bar de la Alameda, mientras que cualquier espectáculo arriesgado que no se celebre en el centro y a un precio máximo de diez euros suele morir sin remedio.

Imagen Territorios Sevilla 21010 por Jacobo Carmona

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TERRITORIOS SEVILLA 2010 Ante este panorama desolador, la edición número XIII del Festival Internacional de Música de los Pueblos, Territorios 2010, demasiado tiene con poder existir. Con un recorte drástico de presupuesto y el retraso de sus fechas de celebración desde el habitual mayo hasta el actual primeros de junio, debido a una ralentización de las negociaciones con el CAAC (sede del grueso de su programación desde hace años) por el cambio de director en el centro albergado en el Monasterio de la Cartuja, se ha hecho un esfuerzo tangible por seleccionar lo más imprescindible del espíritu del festival, en un año de transición y obligada contención.

Territorios Sevilla, en 2010, pierde todo el ramillete de actividades paralelas (el proverbial día gratuito con música mestiza, el interesante ciclo de documentales musicales Territorios In-Edit o la vanguardista propuesta de Territorios Digitales), para centrarse en lo único verdaderamente imprescindible: los tres días de conciertos en el CAAC. Sólo se permite una excepción, y en este caso bastante honrosa, con la actuación a modo presentación de festival, el 21 de mayo en el Teatro Alameda, de la nueva esperanza blanca del soul, Eli “Paperboy” Reed, que tocará junto a sus The True Loves y la banda local La Mula. Eso sí, la estructura de las tres jornadas en el Monasterio de la Cartuja con su división temática se mantiene.

CLONE SELECTION: YUKSEK Pierre-Alexandre Busson es un chavalín francés que la está liando parda con un sonido atronador, muy en la línea de vecinos como Justice y toda la panda de sellos como Ed Banger o Kitsuné. En realidad, Yuksek (que por casualidad significa “alto” en turco) comenzó en el label de otros franceses virtuosos que pasaron por el festival, Birdy Nam Nam, haciéndose un nombre con potentes remezclas para estrellas como Mika, Kaiser Chiefs, Ghostface Killah o Phoenix, aunque la gloria le ha llegado con su debut, “Away from The Sea”, publicado hace pocos meses. El disco está editado en Francia por Sound of Barclay, pero es significativo que en Gran Bretaña lo saque Fiction, el sello de The Cure, dada la poco oculta afición de nuevos terroristas del dance-rock como Digitalism, New Young Pony Club, Filthy Dukes o Delphic por rememorar, hipervitaminados, eso sí, los mejores momentos del post-punk.

En conclusión, la crew CLONEra no faltará a Yuksek y lo dará todo con pepinazos del calibre de “Tonight” (sí, la del anuncio), “I Like to Play” o “Extraball”.

Yuksek, guapetón, ¡queremos un hijo tuyo!

Texto_ Jorge Montes En la imagen: YUKSEK

De este modo, el jueves 3 está dedicado a África y contará con la presencia de artistas como Salif Keita, Gentleman & The Evolution, Los Delinqüentes, un sound system de Soul Jazz Records o el gran Mulatu Astakte, quien demostrará junto a sus The Heliocentrics por qué Jim Jarmusch lo elegió como compositor de la BSO de “Flores Rotas”. El viernes 4 será el turno del pop-rock, con las actuaciones de los reyes del melodrama, Tindersticks, el clamor indie de Los Planetas, el espectáculo de « rinôçérôse », los mutantes Pony Bravo, el ambient envenenado de Pantha du Prince, la potencia de Maika Makovski o la juerga neoravera de Yuksek. La última jornada estará de nuevo dedicada al hip-hop, de manera que el sábado 5 disfrutaremos con los directos de Morodo, SFDK, Chacho Brodas o la alianza entre esas dos bestias pardas que son DJ Griffi y DJ 2D2. Pero, por encima de todos los demás, están Public Enemy. Su concierto, única fecha en España, será el sábado pero podría celebrarse el jueves (pocos grupos han reivindicado más la herencia afroamericana) o el viernes (es conocido que Public Enemy son el mejor grupo de rock del mundo... Sin ser rock). Allí estaremos para rendir pleitesía a Chuck D y su abrasadora militia, para corear hits imperecederos como “Bring The Noise”, “Don’t Believe The Hype” o “Fight The Power”.

Puedes consultar la programación completa en www.territoriossevilla.com MÚSICA

MAIKA MAKOVSKI A bote pronto, un nombre como Maika Makovski puede parecer más un apodo artístico que lo que reza en el DNI, pero en tu caso es lo segundo... ¿Crees que precisamente ha sido esa herencia paterna, tener un padre multi-instrumentista, decisivo para tu carrera? Creo que sí, y no sé si por herencia genética o por el roce continuo con su música desde una edad tan temprana. Tampoco sé qué hubiera ocurrido de no haber crecido con él cerca, pero supongo que el hecho de escuchar música continuamente en casa es algo que influye tanto a un niño como cualquier otra cosa a la que esté expuesto de una manera tan intensa.

Además es muy distinto escuchar a través del televisor o la radio que oír por ejemplo una trompeta o una tuba en la habitación de al lado, con su sonido, potencia y volumen reales. Añade tridimensionalidad al asunto, hace de la música algo más cercano y natural que siempre me cautivó; y por supuesto no existió el dilema de ‘mis padres están absolutamente en contra de que me dedique a esto, y yo me siento horriblemente culpable por hacerlo... O suicida y deprimida por no poder’.

A ver, ‘mallorquina con sangre andaluza y macedonia, que ha vivido en Nueva York y siempre vuelve a Barcelona’. Vaya tela, ¿cómo se lleva eso de ser una ciudadana del mundo? Por lo pronto, se deja notar en tu buen acento inglés, algo que no sobra en la escena nacional, desde luego. ¡Se lleva con toda la alegría que se puede! A veces echo de menos unas raíces claras, si te soy completamente sincera. En momentos de debilidad, sobre todo, o de crisis creativas, desearía poder agarrarme a algo concreto en lugar de tener que inventármelo yo. Pero no te creas que no le veo la parte buena. Me gusta ser mil leches. Me gusta ser nómada y tener muchas cosas que verter en la música. ¿Qué te parece la escena mallorquina, si es que existe? Grupos como El Diablo en el Ojo o sellos como Primeros Pasitos han sacado música fantástica... ¡Veo que tienes buen gusto! Hace tiempo que no vivo permanentemente en Mallorca, pero recuerdo pensar a menudo que era una lástima que la insularidad mantuviera lejos del público peninsular (y europeo, y mundial) a bandas y músicos con tanta calidad. Me gustaría estar más al día de lo que ocurre por allí, pero es difícil porque ahora soy parte de ese público peninsular.

Lo siento mucho, pero he de ser sincero: este es el primer disco de Maika Makovski que escucho. Antes editaste “Kradiaw” (2005) y “Kraj So Kóferot” (2007), cuéntame un poco sobre ellos. ¿Sus nombres tienen que ver con tu sangre macedonia? ¿Qué significan? ¡No pasa nada! Tampoco es fácil dar con ellos, fueron ediciones modestas y creo que están los dos agotados. ¡Yo no los tengo, desde luego! “Kradiaw”

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significa ‘perro ladrón’, y “Kraj So Koferot” significa ‘el fin del baúl’, por las ganas que tenía de liberar muchas canciones que tenía guardadas desde hacía tiempo. ¿Por qué, después de 5 años, le pones un título homónimo a tu tercer disco? ¿Ha sido como volver a nacer? No, porque no veo este disco como una rotura. Lo veo como una evolución, pero una en la que finalmente veo dónde me posiciono, o dónde empiezo a hacerlo. No sé si me explico; es como un atleta que se pasa años entrenando y corriendo carreras en las afueras de su ciudad y de repente se siente preparado para correr de verdad, donde sea, sin tonterías, cada músculo afinado y la mente concentrada.

La producción es de John Parish, un verdadero genio de las mezclas, ¿cómo conseguiste llegar hasta él y qué tal resultó la grabación?

Pues fue muy fácil... A través del e-mail [risas]. Le gustaron las maquetas que grababa en casa, sin más, ¿no es fantástico? Un hombre de nombre y con tanto bagaje, que siga moviéndose por sus criterios artísticos nada más.

Admirable, todo un ejemplo para mí. La grabación fue muy fluida y natural, y trabajar con él fue una experiencia placentera, una vez conseguí delegar. Me sentí parte de un gran equipo, con mi banda, John y Ali Chant y Paul Corkett. ¿Crees que haber paseado por una ciudad tan importante en el aspecto musical como la brumosa Bristol, durante las sesiones, se ha calado un poco en el sonido del disco? Creo que sí, pero sobre todo por la gente que trabajó en él. A menudo me pregunto cómo hubiera sonado el disco de haber sido grabado en Barcelona. No lo sé. Siento que hay un entendimiento y una proximidad especiales entre mi música y la manera de sentir y hacer inglesa, y en todo momento tuve la sensación de que los técnicos del disco supieron traducir la ‘bruma’ que ya tenían las canciones a la bruma de la grabación.

Supongo que, por el estilo de tu música y encima teniendo a Parish como productor, estarás ya harta de que te comparen con PJ Harvey... ¿Estás hasta el moño de oír tanto su nombre o te resulta, por el contrario, halagador? Un poco hasta el moño, como tú dices, porque para más INRI ni siquiera escucho sus discos, pero me lo tomo con filosofía, caballero. ¿Qué le voy a hacer yo? La gente dice lo que quiere, y yo sólo puedo continuar haciendo lo que hago.

Tocas en el festival Territorios Sevilla 2010, junto a bandas míticas como Tindersticks o Public Enemy, ¿qué te parece? ¿Has pasado muchas veces por aquí? Tocando creo que es la primera, ¿no? Corrígeme si me equivoco. Nunca he tocado en Sevilla (en realidad nunca hemos bajado de Murcia) y tengo muchas ganas. Tengo sangre sevillana, no sé si te lo habían dicho. Mi abuela nació en Herrera, creció en Herrera y el Rubio. Arsa y arsa. Y también es mi primera vez en el festival, y voy con ansias de ver a Tindersticks y a Pony Bravo. Ya estamos contando los días.

“Maika Makovski” está editado por Origami Records.

Puedes leer la entrevista completa en www.clonemagazine.com

ENTREVISTA maika makovski

A buen seguro, una de las sorpresas del festival Territorios Sevilla 2010 será Maika Makovski, una mallorquina transhumante que destila sabiduría rock por los cuatro costados.

Producido por el flamante John Parish, compañero habitual de PJ Harvey, su tercer disco, homónimo y editado en el cuidadoso sello Origami Records, nos la trae en el mejor momento. Madura y poderosa, la inmediatez de su catálogo anticipa muy buenas sensaciones en directo.

AFINADA Y CONCENTRADA Texto_ Pablo Vinuesa

MÚSICA

ENTREVISTA yarg noremac

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Dice que no se siente cómodo con la etiqueta de seriedad que rodea a la fotografía, técnica que sirve de base a sus pinturas. Y es que Yarg Noremac (1981, Alemania) es de esos artistas que buscan el instante decisivo al margen de la racionalidad. Ya lo adivinó Freud y nosotros lo hemos constatado más de una vez, la excitación de un momento inesperado es difícilmente alcanzable a través de la razón pura, aunque Kant se opondría a tal consideración. En fin, relájense y disfruten con los orgasmos colectivos que la música es capaz de generar.

¿Has percibido diferencias entre la gente que asiste a los conciertos en América y en Europa? Los jóvenes europeos son más libres a la hora de expresar su identidad y quiénes son. Me encanta la forma que tienen de vestir como si cada noche fueran a una fiesta de disfraces. La escena parisina es la que más me fascina, de hecho me gustaría algún día poder explorarla con más tiempo. Los chicos en América no han cogido todavía esta onda, aunque creo que lo harán.

Tus pinturas muestran la parte menos conocida de un espectáculo: los propios espectadores. En este caso jóvenes efervescentes de hormonas se desatan ante sus ídolos. ¿Qué experiencias tienes tú en ‘ese otro lado’ del escenario? Cuando era un chaval estaba totalmente fascinado con el punk rock y el mundo del skate. Nunca supe tocar un instrumento o cantar pero me encantaba ir a conciertos. Mis bandas favoritas eran grupos locales formadas por amigos que nunca llegaron a nada o encontraron el éxito comercial, algo que, por otra parte, no nos importaba en absoluto. Y es que el éxito, como tal, no era el objetivo, sino más bien impresionar a los otros y pasar un buen rato, una manera más de consolidar nuestras identidades. En los últimos años he estado viviendo en Los Ángeles y allí he ido mucho a un club llamado Smell. Se trata de un espacio independiente con muchos jóvenes que luchan por hacerse un hueco. Es muy inspirador para mí.

¿Persigues alguna máxima con estos trabajos? ¿Qué es lo que realmente quieres transmitir? Lo que más me interesa es resaltar la belleza del rock, transmitir la fuerza espiritual de estos actos paganos. En ese sentido creo que si nunca has ido con tus colegas a un concierto, te has colado en alguna actuación o perdido entre la multitud mientras la banda está tocando, te has perdido una ocasión para vivir de verdad. En definitiva, me gusta captar desde dentro la emoción que se vive en ese preciso instante.

¿Cómo consigues concentrarte en un momento tan especial? Realmente disfruto mucho esos momentos. Siempre llevo la cámara conmigo y disparo fotografías todo el tiempo, muchas de las cuales no valen para nada, las deshecho en cuanto llego a casa. De hecho, tiendo a hacer mejores fotos cuando estoy algo bebido o excitado con la música, o ambas cosas a la vez. El preciosismo es para los fotógrafos, y yo no lo soy. De hecho no me gusta mucho la fotografía, veo en ella un aura de seriedad que no me llega.

Prefiero algo más caótico y espontáneo como las fotos de Dash Snow donde se muestran las verdaderas aspiraciones y manera de vivir de los jóvenes. ¿Qué es lo que más te impresiona en ese ‘momento verdadero’? Pues el éxtasis que se percibe. Es el momento en el que el concierto se convierte en algo sagrado, como un culto o una fusión mental colectiva. La energía se mueve de un lado para otro y todos están subidos al mismo tren. Ese momento, creado por la banda, es el que yo escojo para girar mi objetivo y dirigirlo a la multitud.

¿Cuál ha sido el concierto más espectacular al que has ido? Cuando tenía 15 años, fui durante un verano a Nueva York a ver a unos parientes y descubrí el camino hacia el Lower East Side. Mi primo trabajaba como portero en el CBGB’s y me colaba en un montón de conciertos, entre ellos uno de Korn. Era la primera vez que los veía tocar –esto fue antes de que alcanzaran el espaldarazo comercial- y recuerdo que en aquel momento pensé que algo especial estaba sucediendo a mi alrededor.

¿Qué nos puedes decir acerca de la técnica que utilizas para tus obras? Primero tomo las fotos, que simplemente me sirven como referencia, una vez que he hecho la primera criba, selecciono las que creo que pueden servir y las divido en cuadrados para así poder pintar el cuadro en pequeñas partes que guardan relación con su conjunto. Anteriormente probé suerte con muchas otras cosas como la escultura o las instalaciones, pero soy mi peor crítico y al final siempre acababa destruyéndolas. Esta es la primera vez que realmente estoy satisfecho de mi trabajo.

Actualmente te encuentras en el Himalaya, ¿un nuevo motivo de inspiración para tu obra? Ahora mismo estoy en Nepal haciendo trekking. Aunque no estoy trabajando nada específico o buscando nuevos argumentos, he descubierto algo que realmente me tiene fascinado, se trata de la pintura thangka, una técnica tradicional nepalí. No obstante, hacer senderismo solo ha sido siempre una buena manera de llegar dentro de uno mismo y encontrar las respuestas adecuadas para qué hacer a continuación.

EL INFILTRADO Texto_ Maru Sánchez

ARTE

ARTICULO brian viveros

Con un poso cinematográfico difícil de disimular, David Trulli, que en septiembre estrena exposición en la prestigiosa Robert Berman Gallery (L.A.), nos traslada con destreza a esas ciudades deshumanizadas y misteriosas del mejor cine negro. Y es que sus piezas, de una originalidad que difícilmente se puede apreciar sobre el papel –son grandes paneles de madera en los que la imagen se forma rayando la superficie negra– bien podrían ser los bocetos para el storyboard de una de ellas. Un teléfono que no suena, un cigarro a medio consumir y una rubia de labios rojo carmín mirando a través de la ventana... Comienza la función.

ARTE

ENTREVISTA david trulli

Internet ha revolucionado el mundo del arte permitiéndonos conocer la obra de artistas que están en el otro lado del mundo, pero aún no es suficiente para apreciar los detalles de todo trabajo hecho a mano como los tuyos. En ese sentido, ¿cómo describirías tus tablas o ‘scrachtboards’? Empiezo con un panel de madera que cubro con finas capas de barro, cuando está completamente seco le echo arena muy fina y cubro toda la superficie con tinta china. Luego, con cuchillos muy delgados, araño la superficie hasta revelar el blanco que yace debajo, así, cada línea blanca que ves en mis cuadros es un arañado o raspadura. Finalmente se le aplica un barniz que además de proteger el cuadro, le da más brillo y contraste. Normalmente las piezas con las que trabajo varían entre los 10 y los 300 centímetros de diámetro.

En este sentido, ¿cuáles crees que son las ventajas y las desventajas de internet para un artista? ¿Ha favorecido más el trabajo de ilustradores y artistas online que de los de ‘toda la vida’? No existe nada que sustituya la experiencia artística en persona. Y es que a menos que la pieza haya sido creada específicamente para ser disfrutada online, hay algunos elementos del arte que no se trasladarán nunca a la red. En cuanto a mi obra, la conciencia del tamaño físico, la textura de la superficie rayada y mucho más, se pierde. Sólo queda, por así decirlo, la figura, el escenario y el paisaje de fondo. En cuanto a quién beneficia esto de la red, pienso que es cuestión de perder lo menos posible en el camino al trasladar una obra de arte al mundo digital. Y es que internet ejerce un efecto balanza para los artistas emergentes. Cualquiera puede publicar sus obras posibilitando así que mucha gente las conozca. No sólo eso, también comisarios, coleccionistas, editores (como vosotros) pueden encontrar artistas que están a medio mundo de distancia. No obstante, y por increíble que parezca, es muy difícil sobresalir entre la gran producción visual que circula por la red.

Antes de ganarte la vida con estas obras trabajaste durante muchos años como cineasta. ¿Qué nos puedes contar sobre este período y cómo te ha influido posteriormente? Como cineasta uno siempre tiene que lidiar con restricciones, ya sea el dinero, el tiempo o la puesta de sol.

Trabajar como artista fue como liberarme de los confines del mundo físico.

Yo estaba acostumbrado a trabajar dentro de los límites de un presupuesto de una película tensa en la que el dibujo no importaba nada. ¡Esta liberación fue energizante! No obstante, las mejores partes de mi trabajo de ahora siguen siendo las mismas -la composición, el ángulo de visión... -, y es que la técnica del ‘scratchboard’ se parece mucho a un plató de iluminación: parte de negro al que se va añadiendo luz. Además de una gran experiencia en cuanto a composición, mis años en el cine me dieron también la habilidad de proyectarme físicamente hacia otros lugares, es decir, la capacidad de entender cómo se verá una escena desde otros puntos de vista que no tengo por qué compartir o experimentar.

Atmósferas oscuras, personajes cargados de ansiedad y preocupación, ciudades solitarias y paisajes urbanos de lo más sórdidos. Tu obra parece recoger el testigo estético de muchos de los clásicos del cine negro. Estoy muy influenciado por el cine negro. Crecí amando las grandes películas en blanco y negro de los años 30, 40, y 50. Las películas de Fritz Lang, Orson Welles, Stanley Kubrick y otros juegan un papel muy

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importante en mi trabajo. Por su parte, los grabadores de madera Lynd Ward y Landacre Pablo ha tenido una gran influencia en mi obra, así como pintores como Edward Hopper o Tooker George.

Quizá por este pasado vinculado al séptimo arte, tus escenas parecen formar parte de historias complejas. ¿Has pensado alguna vez en hacer algún cómic o novela gráfica? A menudo he pensado en hacer una novela gráfica. De hecho, dos veces he producido múltiples piezas que juntas narraban una historia muy corta y sin palabras. Algún día me gustaría intentar una novela entera, también sin palabras. El artista Lynd Ward produjo maravillosas y complejas novelas gráficas sin palabras en la década de 1930. Son muy inspiradoras. ¿En qué piensas justo antes de diseñar una de estas escenas? ¿Qué es en ese momento más importante: la parte narrativa o la estética?

Esta es una pregunta difícil y no estoy seguro de cómo responder a ella.

En última instancia, creo que ambas partes son indisociables. Si la pieza tiene éxito narrativamente pero estéticamente no, o al revés, será una pieza defectuosa. Todas mis obras comienzan como pequeños bocetos, por lo general en una libreta que llevo siempre encima. Estas imágenes vienen de una manera natural, por lo que yo trato de dejar que fluyan, los cambios vendrán a medida que empiezo a trabajar sobre la madera.

El próximo mes de septiembre protagonizas una exposición individual en la Galería Robert Berman en Santa Mónica, ¿qué nos puedes contar sobre ella? Se trata de un conjunto de piezas reunidas bajo el título “David Trulli_El Cebo” y en las que, por primera vez, me he concentrado en el brillo y las escenas con luz natural, sin perder el espíritu del cine negro. Aunque menos narrativa que trabajos anteriores, las piezas muestran interiores de oficinas con grandes ventanales que dan a una gran ciudad, las oficinas están vacías y no existe un sentido particular del tiempo.

Un sentimiento de expectación impregna la escena, como si se estuviera a la espera de algo, pero no se sabe qué. Tal vez algo que está ocurriendo justo fuera de nuestra vista. ¿Qué significa? Pues aunque me gusta que los debates surjan, tengo algunas ideas: el concepto de América que se formó en el siglo XX se ha desvanecido. ¿Qué lo reemplazará? ¿Cuándo vamos a saber? Durante años, desde el 11 de septiembre de 2001, todos hemos tenido la incómoda sensación de que algo iba a suceder, y de hecho muchas cosas han sucedido. Las guerras, el colapso económico, la polarización política y mucho más, todo ocurrió mientras observábamos o mirábamos hacia otro lado en plena luz del día.

Más info http://davidtrulii.com

EL ILUMINADOR SOBRE EL TEJADO Texto_ Maru Sánchez

ARTE

ENTREVISTA prins thomas

La feliz noche en la que el cosmic-disco le sacudió dos sopapos con la mano abierta al minimal, devolviendo a las madrugadas parte de su magia y emoción sonora, este jipi guapeao llamado Prins Thomas se coronó como amo y señor del trasunto. Este vikingo titular, además de declararse adorador de Can -así cualquiera-, perjura que no ha roto con Lindstrøm y seguro que, tras una visita al barbero y con su debut homónimo en formato largo bajo el brazo, daría el pego ante la madre más exigente. Estoy entusiasmado.

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ENTREVISTA prins thomas

PRINS THOMAS CÓSMICO AMBULANTE Texto_ Fernando Fuentes Y pensar que todavía hay gente que piensa que Lindstrøm & Prins Thomas es la misma persona y que firmáis dos para cobrar doble...¿Lo quieres desmentir públicamente ahora? Sí, la verdad es que me sorprende que nadie se haya dado cuenta antes...

Por cierto, ¿no es un poco pesado e incordioso que cada vez que te hacen una entrevista te pregunten por él? Bueno, la verdad es que no me molesta para nada que me pregunten por Lindstrøm, porque evidentemente estamos muy unidos. Lo que sí es una pena es que haya mucha gente más interesada en ver las coincidencias entre las propuestas musicales de la escena noruega que en ver sus evidentes diferencias.

Ciertamente, catalogar todo en un género único y específico suena muy poco imaginativo.

Vayamos al grano, ¿qué tienes que decir a los que piensan que el cosmic-disco, como estilo sonoro, nació en el año 2005 en Oslo?

Pues les diría que googlearan “baldelli, cosmic” y se pusieran al día con las lecciones de historia musical.

Tangerine Dream, la música espacial de los años 70, las kosmische bands... ¿A qué te suena todo esto? Como en todos los estilos, hay buen material y también espantoso, y el kraut y la kosmische no son una excepción. Tanto en mi faceta como oyente como por la de DJ, es mi trabajo encontrar las partes que me gustan, oírlas en casa y resaltarlas en las sesiones, de manera que muchos ‘accidentes felices’ ocurren por el camino.

Desgraciadamente hay más gente interesada en la oscuridad de estos estilos que en sus cualidades. Personalmente, para mí Can son imbatibles, a pesar de que a estas alturas sean una opción bastante obvia. El material en solitario de Holger Czukay es excepcional, igual que el de Michael Rother.

A mucha gente tu música le puede sonar a revivalismo puro y duro sin realmente ser así. ¿Qué porcentaje hay de retro y cuánto de vanguardia en tu sonido? No pienso demasiado en esto, la verdad. La música sale tal cual, obviamente inspirada por muchas cosas distintas que voy escuchando, pero aun así natural en su proceso. Otra vez más dejaré para los demás eso de entender la música.

Esto del space-disco está muy bien porque es como la tripa de jorge, cabe absolutamente de todo, desde kraut-rock, funk e italo hasta psicodelia, electrónica, balearic etc. ¿Hay algún estilo que no haya tenido o tenga ascendente sobre él? Para empezar, yo intento no usar términos como ‘space disco’, ‘nu disco’ y demás, porque lo que hace

es limitar las expectativas que la música puede crear. Me encuentro más cómodo con lo de ‘cosmic disco’ porque se refiere a aquello que Baldelli y sus chicos hicieron en Italia hace un porrón de años, y comprendía músicas distintas, pero que tenían en común ser buenas y, en cierto sentido, bailables. Dicho esto, todavía no he conseguido descubrir la ligazón entre el black metal y el space disco, aunque sí te puedo decir que algunos metaleros chungos de por aquí tienen grandes colecciones de viejo italo y EBM, así que, quién sabe, todo es posible.

Has tardado mucho tiempo en terminar este primer disco, ¿es más fácil hacer temas sueltos que componer un disco como tal? Sí, totalmente. No ha sido hasta hace muy poquito que empecé a pensar en hacer un álbum entero por mí mismo, pero la verdad es que, en cuanto me puse, me salió rápido. ¿De veras eres un músico multi-instrumentista tan bueno como dicen los créditos de tu disco o tienes una banda de enanitos nórdicos bajo la mesa del estudio que son los que realmente lo tocan todo y tu te lo llevas crudo? Pero qué políticamente incorrecto, por favor... Se llaman ‘personas bajitas’. Y no, desgraciadamente tengo que hacer toda la música yo solito.

Después de firmar varios discos y de currar junto a Lindstrøm durante años, de pronto como que ya nos os apetece producir juntos y firmar los temas y remixes a medias... ¿Se trata de una separación meramente artística o hay algo más? ¿Ya no sois pareja de hecho sonora? Siempre es un sube y baja. También hubo un largo parón entre “I” y “II”, pero básicamente para mantenernos sanos, porque necesitamos un poco de equilibrio entre trabajar juntos y hacerlo por separado. La razón que me llevó a este disco con mi firma fue que, después de mezclar “II”, tenía un subidón compositivo y necesitaba sacar cosas mías. Otra de las razones es que actualmente los dos estamos muy pero que muy ocupados, así que incluso si nos apeteciera juntarnos tendríamos que trabajar bastante las agendas para conseguirlo. Hay un par de remezclas por salir, y además siempre hay cosillas, tipo de tócame aquí unos teclados o ayúdame un poco con estas mezclas.

La pregunta del millón, ¿de todos los fascinantes remixes que te has currado en los últimos años cual te gusta más? ¿Y menos? Sólo tengo toneladas de amor para mis retoños, pero ciertamente hay un par de ellas que creo que se podrían haber hecho mejor. El problema principal es que al hacer una remezcla de una banda, esta se involucre.

Una curiosidad malsana para terminar, en Oslo hará un frío que pela pero lo de la camisa de franela de cuadros rollito grunge que luces en la portada del álbum no es que sea muy cosmic-disco, ¿no? No, como bien dices es más como Seattle en el 92. Desgraciadamente no tengo nada de estilo vistiendo, ¡pero intento compensarlo componiendo y tocando música excepcional!

“Prins Thomas” está editado por Full Pupp.

Puedes leer la entrevista completa en www.clonemagazine.com MÚSICA

ENTREVISTA algora

ALGORA POP-OESÍA

Texto_ Fernando Fuentes

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ENTREVISTA algora

Este crooner lo-fi, tan electrónico como pop, es antes poeta que musiquero, ¿o es al revés? El caso es que en su segundo disco, “Galimatías” (Dress for Excess/ [PIAS] Spain, 2010) sienta cátedra en lo que afecta a la componenda literaria y sonora que refresca al mejor Carlos Berlanga y pone tiernos a Los Planetas.

Tan necesario y talentoso como bizarro y enredador es Algora, y así te lo contamos.

El segundo disco es como tierra de nadie, ya que se suele decir que no es ni el del debut, ni el de la consolidación, pero, ¿qué nos encontramos en este Galimatías que antes no se haya dicho en el universo literario sonoro que propone Algora? Para mí es como un nuevo debut. Han pasado ya casi tres años desde “Planes de Verano” y se puede decir que han cambiado muchas cosas, aunque la esencia, que a mi parecer radica en las letras, sigue intacta. Hay un giro muy claro en el sonido, aunque yo no diría que es una evolución, porque ya estaba ahí desde el principio, es algo así como una prolongación y un mayor acercamiento hacia el camino que seguramente me gustaría desarrollar en el futuro. En él hay canciones incluso más antiguas que las de “Planes de Verano” y otras compuestas en plena grabación. Supongo que el mayor cambio es que puede llamar la atención a un espectro de público mucho más amplio, y que ha sido gestado con mucha más calma que el primero y por eso se acerca mucho más a lo que mi música podría llegar a ser.

“Galimatías” es un trabajo sobre luz e insectos, profundamente marcado por la cultura norteamericana... La luz y los bichos siempre han sido temas muy recurrentes en mis letras, me apasiona la electricidad, la naturaleza... Creo que son cosas muy violentas y a la vez tremendamente tiernas, como la realidad, que puede ser muy cruel pero a la vez es inmensamente bella y llena de comicidad. Además, en este disco hay historias inspiradas en la historia reciente de EE.UU., que es una cultura que por momentos me fascina y por momentos me descoloca e irrita. Supongo que todo tiene que ver con puntos extremos.

Poeta que compone y canta, crooner lo-fi y compositor que escribe poesía... ¿Con qué definición andas más a gusto? ¿Qué fue antes, el huevo o la gallina, con perdón? Yo empecé escribiendo poesía gracias a la clase de Literatura en el instituto, y luego cayó en mis manos una guitarrucha de mi padre que andaba por casa y se armó la marimorena. Me da igual cómo me definan, las etiquetas están llenas de clichés, pero prefiero que sea la gente quien decida, porque yo simplemente sigo una especie de instinto punk que me hace no plantearme absolutamente nada.

Seguramente muchos seguidores piensan que son New Order y los Smiths, o en su defecto Morrissey, los dos referentes más evidentes en el sonido de Algora... Morrissey me marcó mucho en todas sus etapas, y New Order nunca ha sido un referente muy claro para mí, aunque sería absurdo decir que no he escuchado algunos de sus discos hasta la saciedad. Quizás me vea más cerca de grupos como REM, Décima Víctima

o Carlos Berlanga, no sé, ellos sí que son la banda sonora de mi vida. Este disco es un poco como si metieras en una coctelera a Michael Stipe, John Foxx y David Sylvian y los cocieras a fuego lento. Aunque yo creo que el grupo que más tiene que ver conmigo son Los Ramones.

Escuchando “Cráneo Roto” y “San José de Cupertino”, los dos temas adelanto del flamante disco, se aprecia que la metáfora sigue aunándose sin colisión con melodías emocionantes sintéticas y naturales... ¿Estamos ante un mismo Algora pero mejorado en muchos aspectos de la componenda musical e incluso literaria?

Como te decía, hay canciones que fueron compuestas en momentos entre hace cinco años hasta esta parte. No siento que mis letras hayan cambiado.

Sí que es cierto que he incluido temas que nacieron de una simple guitarra en contraposición al anterior que nacieron de un ordenador, y eso se nota, pero más por la producción, más elaborada y personal, y también por la presencia de Javier Castellanos, mi guitarrista, que ha puesto de sí mismo mucho en este trabajo, por la implicación en los arreglos de Nacho, mi teclista y trombonista y el resto de músicos con los que he ensayado estas canciones antes de grabar, y por supuesto por el papel de José Luis Macías, mi productor, que creo que se ha implicado mucho más y tiene una forma de hacer muy característica.

Como en el caso del fascinante “Nubes Blancas, Sueños Raros”, ¿tendrá este disco una segunda versión remixera e incluso más club? No, prefiero sacar otro disco con canciones inéditas, que las tengo en el cajón a borbotones. La experiencia con ese disco fue agridulce y aunque me pareció un trabajo muy bonito en su momento, creo que me aburriría sobremanera volver a hacerlo con este. ¿Qué opinión te merecen los escritores de letras de pop-rock en España? ¿Crees que hay talla y calidad en sus trabajos o algunos deberían de volver a leer un rato antes de aventurarse a poner en negro sobre blanco tales disparates y estupideces? Hay talla y calidad a raudales, desde Nacho Vegas a Astrud e Hidrogenesse, o Los Punsetes, Sr. Chinarro o Los Planetas, Fran Nixon y The New Raemon, y así una lista insuperable. Luego hay otros para los que su fuerte no reside precisamente en sus letras, pero lo compensan con sus melodías y producciones.

Por último, grabar en una disquera de la independencia y buen gusto de DFE supongo que será un placer para un artista como tú, ¿podría un talento silvestre y libre como el tuyo ser feliz trabajando en un sello mainstream al uso? Me siento muy bien donde estoy, siempre me han tratado genial en Dress for Excess y han hecho por mí cosas que sé que ya no hacen por sus artistas en la mayoría de sellos independientes, y eso es de agradecer en los tiempos que corren. Sería cuestión de probar en una súper discográfica, tampoco me importaría, aunque creo que para eso tendrían que cambiar muchas cosas en este país, y desde luego yo no sería una de ellas. O quizás sí.

“Galimatías” está editado en Dress for Excess y distribuido por [PIAS] Spain.

MÚSICA

ENTREVISTA the baltic sea

“El Gran Blanco” (Cuac! Música, 2010) supone la vuelta al candelero de una de nuestras bandas más queridas, The Baltic Sea. Si bien es cierto que se han hecho de rogar un poco, hay que admitir que la espera bien ha valido la pena. Y es que estas canciones son de las que superan con creces cualquier expectativa. Hablamos con Esteban Ruiz sobre la inspiración, los cambios, el perfeccionismo y otros tantos asuntos.

Han pasado casi tres años desde la publicación de vuestro primer disco, ¿qué ha ocurrido durante todo este tiempo? Muchas cosas, algunas buenas y otras no tanto, pero en general creo que el balance de estos años ha sido muy bueno. Ha habido eventos destacados, como la marcha de Javi, batería original del grupo, y la incorporación de Mariano en su puesto y de Alex como quinto músico. Además acabamos de editar un disco en castellano, otro cambio importante.

También habéis cambiado de sello, ¿no? Sí, hemos dejado PuPilo records. Nuestra relación con ellos era buena pero llegó un momento en el que decidimos cambiar. Cuac! Música es un sello montado por amigos con los que llevamos años trabajando, así que ha sido un proceso bastante natural.

Habéis grabado “El Gran Blanco” en los estudios de Raúl, vuestro bajista. ¿Os ha empujado esto a ser más perfeccionistas y eliminar las habituales restricciones en el tiempo de grabación? Definitivamente sí, grabar con Raúl en estas condiciones es una suerte, disfrutar de la tranquilidad de no depender de plazos y presupuestos. Hemos grabado el disco durante casi cinco meses, cuidando cada detalle con calma. No quiere decir que haya sido todo un camino de rosas, una grabación tan intensa también supone un desgaste importante cuando todos los miembros del grupo están implicados. Si encima el productor es el bajista del grupo todo podía haber sido un drama, pero nos hemos entendido bien y estamos muy contentos con el resultado, en todos los sentidos.

Las letras dejan entrever cierto pesimismo, cierto amargor... ¿Qué os inspira aparte de ‘el drama y la felicidad’? Bueno, creo que el drama y la felicidad son dos fuentes de inspiración que se repiten en la mayoría de gente que escribe canciones. Al menos si uno escribe las canciones con noción autobiográfica, es difícil eludir estos dos estados de ánimo.

Sí que es cierto que las letras no son alegres, no son letras felices, en términos generales. Quería hablar de ciertas sensaciones que arrastro cuando pienso en algunos dramas pasados. No sé si se trata tanto de la amargura o el pesimismo como de la necesidad de cerrar episodios y pasar página. Teniendo en cuenta que los asuntos que pretendo dejar atrás son ciertamente oscuros y poco amables, es normal que se perciba esta negatividad. ¿Ha resultado complicado escribirlas en un idioma distinto al que solíais emplear hasta ahora? Más que complicado ha resultado extraño.

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Siempre he escrito letras en inglés y no me sentía incómodo haciéndolo, pero escribir en castellano no es algo que me haya resultado difícil después de todo. Me siento expuesto con las letras en castellano porque ahora todo el mundo conecta muy deprisa con el contenido, para bien o para mal.

Se detecta también un cambio de sonido en el disco cuando se compara con el primero. La mayoría de las canciones no resultan tan inmediatas a la primera escucha. El disco es más complejo, más denso. Es posible que algunas canciones sean menos inmediatas que las del primero, pero creo que el cambio viene determinado por el tiempo que hemos tenido para producirlo. En el primer disco grabamos las canciones muy deprisa pero esta vez hemos tenido tiempo de prestar mucha atención y eso ha restado posiblemente frescura a las canciones. ¿Con qué bandas se os está empezando a comparar desde la salida de este nuevo disco? ¿Están muy lejos de las bandas con las que solían relacionar el disco anterior? ¿Han tenido realmente influencia en vosotros estos grupos? Es fácil establecer paralelismos con otras bandas que se han pasado al castellano en algún momento de sus carreras. En estas últimas semanas nos han mencionado a bandas como Love of Lesbian o Standstill hablando de ese asunto. A Standstill sí les hemos seguido todos, pero a Love of Lesbian no tanto. No sé si al final estas comparaciones son sólo por habernos cambiado de idioma o porque realmente se encuentran similitudes musicales. Es cierto que, como por arte de magia, ya nadie menciona a Doves, Morning Runner o Radiohead. Tampoco nos obsesiona este asunto, honestamente. ¿Empezáis a notar que llegáis a un público diferente? Hemos tocado muy poco por ahora con el disco nuevo, pero sí que parece que tenemos un público algo distinto, aunque no podremos contestar a esta pregunta hasta que no hayamos tocado más y hayamos podido contrastar este asunto. ¿Se os va a ver mucho en los escenarios en la temporada que entra?

Intentaremos hacer lo posible por que se nos vea mucho, pero hacer una gira larga en nuestro país hoy en día no es fácil. El disco ha salido este mes y, siendo realistas, será seguramente después de verano cuando tengamos la agenda más apretada. De todos modos tenemos ya muchas fechas confirmadas para este verano y más festivales que nunca hasta ahora.

Además, a finales de mayo iremos de nuevo a tocar a Inglaterra y eso nos hace mucha ilusión.

Tal vez sea un poco pronto, pero ahora que habéis salido del parto del disco, ¿cuáles son vuestros planes a medio plazo? Estamos ensayando el repertorio nuevo y empezando con los conciertos de presentación.

Tenemos intención de empezar a maquetar canciones nuevas muy pronto, pero por ahora nos centramos en ensayar y tocar.

“El Gran Blanco” está editado por Cuac! Música.

ENTREVISTA the baltic sea

THE BALTIC SEA EL DRAMA, LA FELICIDAD Texto_ J. Perepi Foto_ Thomas Eagle (thomaseagle.com)

MÚSICA

ENTREVISTA triangulo de amor bizarro

Nueve trallazos, que no superan ni siquiera los 30 minutos, han bastado de nuevo a TAB para dejar claro que siguen estando a años luz de todas esas aburridas y solemnes bandas de pop-rock-progresivo de manual que desde hace un par de años asolan al panorama guitarrero ibérico con ínfulas. En este “Año Santo” (Mushroom Pillow, 2001) zurran más fuerte que nunca –y mejor- siempre a la búsqueda de una belleza ruidosa, veloz y pop. Ya le estás dando más volumen.

EL RUIDACO EL BELLO Texto_ Fernando Fuentes Foto_ Juan Cea

Triangulo de Amor Bizarro tocarán en el FIB Hineken: 16, 17, 18, 19 Julio.

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TRIANGULO DE AMOR BIZAROO Desde luego no tenéis vergüenza, desde el 2006 la gente esperanto este Año Santo... ¿Qué habéis hecho durante los últimos tres años?

Aparte de girar, pelearnos entre nosotros, recomponer el grupo y en general vivir, pues poco más. El disco lo hicimos bastante rápido, lo dificil fue ponerse a ello. Esto es una cosa en que por mucho que lo intentes, si realmente no tienes ganas de hacer canciones, no salen y punto. Es un problema de concentración. Ya lo tenía cuando estudiaba, qué se le va a hacer.

Vamos directos a la preguntas inteligentes, ¿por qué el título de “Año Santo”? ¿No será por el Xacobeo? Barajamos varios títulos, sobre todo el que no llevase título y llamarlo II, cuando toda la prensa gallega y la Diputación y demás empezaron a caldear el ambiente con lo del año Xacobeo... Fue como si ellos mismos te hicieran el trabajo de promo y esas cosas. Ahora ya estamos casi a la mitad del año, y este Xacobeo es un gigantesco bluff, pero a finales del 2009 sólo se hablaba en Galicia de Año Santo.

ENTREVISTA triangulo de amor bizarro

pueda mientras se distinga la canción. Nuestras canciones están hechas así.

No me planteo en ningún momento, ‘aquí hay que controlar el ruidaco, que nos estamos pasando’. Al contrario, intentamos hacer canciones con todo el ruido que podemos.

Joder, debéis de ser el orgullo de toda la Galicia neo-punk, ¿veneráis a Siniestro Total o son demasaido arties para gente bronca como vosotros? ¿Os gusta que os comparen con Aerolíneas Federales pero con bastante más mala baba? Los Siniestro son gente de ciudad y muy finos para nosotros. Lo mismo con Aerolíneas. Nos quedamos, sin duda, con los dos primeros discos de Heredeiros da Crus.

En este disco no hay ni rastro del Membri, ni de Carlos Hernández... ¿Son los primeros sonoros cadáveres en el jardín de TAM? Con Joaquín habíamos hablado de que metiese unas guitarras en el estudio de Paco Loco, que se bajase él de Albacete a Cádiz, pero al final por prisas y fechas no pudo ser, ya que grabamos el disco en navidades y lo mezclamos la semana siguiente, para poder sacarlo antes del verano. Nos pasó lo mismo con otras colaboraciones que teníamos habladas. Con Carlos un poco lo mismo. Pero como aún tenemos pensado hacer más discos, pues seguro que en el futuro vemos la posibilidad.

Hablemos de las nuevas letras, en las ahora sí que hay chicha y hasta limoná, ¿en qué os inspiráis para escribir vuestros aguerridos textos? Las letras, como siempre, intentarmos hacerlas simples y que se entiendan. Gracias por lo de que ahora tienen chicha, estoy completamente de acuerdo. Las del primer disco tienen frases así como muy pegadizas, pero en algunas canciones las estrofas resultan mediocres.

¿Es cierto que si un tema que tenéis entre manos dura más de tres minutos se lo regaláis a Vetusta Morla y combos aledaños? ¿De veras lleváis un cronómetro instalado en pleno hipotálamo y si se pasa de 240 segundos le cortáis las puntas con guadaña? Dudo que quieran nada nuestro, la verdad. Y a mucha honra. Supongo que pensarán que no sabemos cantar, ni tocar, ni somos lo suficientemente trabajadores.

Intentamos diferenciarnos lo más posible del pop-rock épico-progresivo de libro. Lo que sí es que medimos mucho lo que duran las canciones. Para lo que hacemos, creo que lo ideal es de dos a tres minutos o, si no, todo lo contrario, entre diez y veinte.

Rabia que supura con un estilo pop... ¿Os sigue gustando esta forma de definir vuestro sonido o ya hemos pasado a otro estadio menos doloroso? Nunca hemos sido un grupo de estos de dolor infinito. Mal humor sí, y rabia, pero según en qué momento. Lo que sí hemos intentado siempre es ser lo más pop que podamos. Otra cosa es que la noción que tenemos de lo que es el pop parece ser que difiere de lo de mucha gente, y se fijan más en el ruidaco que en los propios estribillos... Todo lo que hacemos son canciones.

Cuidado amigos, de los teclados a los sintetizadores hay nada... ¿Para cuándo los esperados remixes de TAM firmados por lo más píntón del moderneo patrio? A nosotros nos encantan los sintetizadores analógicos o, en su defecto, los de modelado analógico. Son instrumentos completamente vivos, nada fríos. Les metemos unos cuantos pedales y a tope, claro. Lo digital ya no nos gusta tanto. Yo lo paso bien tocando un instrumento, y con un ordenador no tengo esa sensación.

La muralla sónica en este segundo álbum es casi más tremenda que en anteriores entregas, ¿dónde está el secreto del buen zurre? Nuestra prioridad en cuanto al sonido de este disco es que quedase reflejado el chorro. Paco Loco la verdad es que nos pilló muy bien, sacó el sonido que queríamos. Era algo que siempre estaba ahí, pero hasta ahora no quedó muy bien plasmado. De todas formas, en el siguiente más y mejor.

Suicide, The Jesus and Mary Chain, The Ronnettes, Telescopes, My Bloody Valentine, Surfin Bichos, Loop, Ride... ¿Hay algo que os interese musicalmente desde el 1990 hasta hoy mismo? Sí, por supuesto, no somos de esos que creen que lo pasado era mejor. Otra cosa es que el filtro del tiempo facilita mucho las cosas. Es como en el cine, la época dorada de Hollywood, de los directores clásicos y blablabla... Como si no se hicieran bodrios en los años 40 ó 50. Lo que pasa es que nadie se acuerda de ellos. La mayor parte del tiempo escuchamos música nueva.

Shoegazer, noise controlado, no wawe, kraut-rock... ¿En qué quedamos? ¡Organización! De todo un poco, pero al final intentamos hacerlo a nuestra manera. A mí me gusta el ruido, y en el momento en que intentas controlarlo, pues deja de serlo, ¿no? Yo intento meter todo el que

“Año Santo” está editado por Mushroom Pillow.

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01. BOOKA SHADE. MORE! (GET PHYSICAL/NUEVOS MEDIOS) Walter Merziger y Arno Kammermeier se han ido labrando una carrera muy parecida a la de otros proyectos como Underworld, no ya por sus cercanías sonoras, sino por haber comenzado practicando un estilo eminentemente pistero para terminar dejándose contaminar por influencias pop. Eso no significa que el material último de Booka Shade sea más de sofá que de club, ni mucho menos, pero sí explica que, aunque los temas de los de Frankfurt sean sobradamente bailables, hay siempre en ellos una elegancia difícil de encontrar en muchos otros productores, un gusto por la melodía melancólica que los distingue de la morralla ravera. Con discos tan disfrutables como “Memento” (2004) o “Movements” (2006) en su haber, su cuarto largo (y tercero que empieza por ‘m’, por cierto), “More!”, nos da sencillamente eso: más buenas pistas que disfrutar, con el punto justo de aliento dance y el detalle preciso en los desarrollos melódicos. En definitiva, un disco que no puede presumir de hits puntuales tan pegadizos como los de Simian Mobile Disco o Röyksopp, por citar otros dos ejemplos de electrónica heterodoxa, pero que a la postre se muestra mucho más sólido y coherente que la mayoría de opciones de esta categoría.>Pablo Vinuesa 02. DAMIEN JURADO. SAINT BARTLETT (SECRETLY CANADIAN/HOUSTON PARTY) Damien Jurado es un tipo que te tiene que caer bien sí o sí. Porque empezó haciendo punk cristiano (toma candela) junto a David Bazan, más tarde conocido por su grupo Pedro The Lion. Porque ha grabado con sellos como Sub Pop, Burn Toast Vinyl o Secretly Canadian. Porque no está delgado, que digamos, y titula un disco suyo “I Break Chairs”, con dos cojones. Porque literariamente se le compara con Raymond Carver y porque es capaz de ponerle los pelos como escarpias a todo un teatro, como ocurrió en un pasado Tanned Tin cuando dedicó una canción a su madre y mientras cantaba se echó a llorar como una nena.

Y para eso, como para cantar en falsete, hay que ser muy hombre. “Saint Bartlett”, además de su enésimo disco, está producido por otro de esos tipos a los que respetamos más que a nuestros jefes, uséase Richard Swift. Y que el autor de “Dressed Up for The Letdown” ande detrás de los controles se nota bastante, por la vuelta de Jurado a su folk más directo y por un acabado sonoro que tiene un feeling más retro, digamos que por momentos hasta spectoriano. En definitiva, otro gran álbum de un tipo que nunca los hace malos; un tipo al que siempre habrá que escuchar e ir a ver. Eso es así, compadre.>Jorge Montes 03. HEY-Ø-HANSEN. WE SO HORNY - SERIOUS PLEASURE RIDDIMS (PINGIPUNG/HEY REC) Nos ha resultado completamente imposible rendirnos ante los encantos de este disco. Porque, ¿no resulta brillante eso de titularlo “We So Horny”, juego de palabras intraducible al castellano pero que involucra estar cachondo y tocar instrumentos de viento? Uhm... Igual sí que se puede traducir al final, pero bueno, el caso: Hey-ø-hansen es un dúo de majaras austríacos que lleva dede los 80 facturando dub. Sí, dub. Austríacos haciendo riddims. Y lo llaman ‘austrodub’, claro. Y viven en Berlín. Ofú, cómo está el patio... Así las cosas, Helmut Erler y Michael Wolf han encontrado además en la escena electrónica de esa ciudad la inspiración perfecta, el colchón ideal sobre el que descansar sus arrebatos jamaicanos. Además, como no son los primeros en fusionar esos estilos, este cruce de rocksteady y ambiente germano suena fantástico. No será disco del año, eso por supuesto, pero sí proporciona media horita de perfecta banda sonora para relajarse y, por supuesto, ponerse cachondón. Pero bueno, esto último, aunque venga aconsejado por sus propios creadores, es opción propia del oyente, por supuesto, que por su parte ya tienen suficiente con tejer estas tonadillas profundas, divertidas y guarrongas.>Jorge Montes DISCOS - CRÍTICAS

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04. GORILLAZ. PLASTIC BEACH (PARLOPHONE/VIRGIN) Sin poseer el impacto novedoso de antaño, Gorillaz evoluciona –y de qué forma- dentro de su propio planeta. “Plastic Beach” se entrega como un trabajo compacto, colorido y coherente con sus intenciones. La “Orchestral Intro” ya avisa de que se avecina un universo de ciencia ficción -artificial- al estilo de los mejores títulos del género. A través de sus 16 temas se navega por un atractivo collage de rock, pop, electrónica y hip-hop a las ordenes de lo epicúreo. El lema de esta playa es ‘abandona la realidad para dejar paso al disfrute’. Un disco con una cantidad descomunal de artistas invitados, cohesionados de manera brillante en el todo. A destacar la contribución de los suecos Little Dragon, que acarician el material de los sueños ofreciendo “Empire Ants”, y sintetizan unos afables arreglos de cuerda en “To Binge”. El imperial “Stylo” se antoja un adictivo single de promoción instantánea, pero detrás hay mucho más. Desde la gustosa “On Melancholy Hill” hasta la riqueza instrumental de “White Flag” –con la presencia de la Orquesta Nacional Libanesa para música Arábiga-. Una retahíla de apariciones tan dispar como los raperos Snoop Dog o Mos Def –insuflando hip-hop a hierro- y el mítico Lou Reed ensalzando a su manera “Some Kind of Nature”. Un trabajo gozoso, y todo esto proviene de un proyecto invisible -quizás de plástico-, con un sonido enlatado en sesiones de estudio, sin un vocalista diva o un batería guapo. A falta de esta corporeidad, no reniegan de sus principios ni disimulan su comedida arrogancia por fabricar excelentes planteamientos musicales.>Edu Mestre-Nadal 05. KATH BLOOM. THIN THIN LINE (CALDO VERDE/HOUSTON PARTY) He aquí una historia parecida a la de Terry Callier o la de Vashti Bunyan, amigos, una de esas que podría convertirse sin muchos retoques en un guión de blockbuster hollywoodiense, sobre todo por el sentimiento de justicia universal y el final feliz. Kath Bloom fue una precursora del folk de vanguardia, que allá por los 70 y los 80 colaboró con bestias como Bruce Neumann o Loren MazzaCane Connors. Tras varios discos junto a este último, sobrevino una ruptura que la dejó, en 1984, con pocas ganas de continuar tocando. Inmersa en problemas económicos, durante los (muchos) años siguientes se dedicó a sacar adelante a su familia. El giro de guión llega en 1995, cuando Richard Linklater recupera una de sus canciones para su exitosa “Antes del Amanecer” y le da vidilla a nuestra protagonista. De nuevo interesada en las cosas del tocar, recupera poco a poco los ánimos y, a día de hoy, cuenta con varias reediciones, un disco tributo con invitados tan importantes como Mark Kozelek, Devendra Banhart, Mia Doi Todd o Scout Nibblet, y tres largos de material nuevo. El último de ellos, este “Thin Thin Line”, viene precisamente editado por Caldo Verde, sello de Kozelek, y muestra un conjunto de canciones de esquema folk y aromas blueseros, muy a la antigua usanza como corresponde a la edad de Bloom, pero bonito, tanto por su propia valía como por la historia de redención que encierra.>Pablo Vinuesa 06. MICAH P. HINSON ...AND THE PIONEER SABOUTEURS (FULL TIME HOBBY/HOUSTON PARTY) Como ya hemos contado alguna vez por aquí, la vida de Micah P. Hinson es una de esas que no deseamos para nada, por mucho que ahora le lleguen las mieles del éxito musical. Educado en un estricto ambiente de cristiano fundamentalismo, a los 20 años ya estaba nuestro amigo fatal con las drogas, tirado por las calles sin un sólo dólar en el bolsillo. La música fue su tabla de salvación, aunque los problemas de salud nunca le han dejado tranquilo. Tanto drama sí ha ayudado en una cosa: cuando su profunda voz ruge, cuando sus emotivos lamentos nos arropan, sabemos que hay mucha verdad en sus versos. Aficionado a colgarse una nueva banda, ficticia o no, en cada disco, en su cuarto largo aparece acompañado por The Pioneer Saboteurs, un grupo de revolucionarios con los que, según él, pretende liarla parda ante el desbarajuste económico y político que llevamos sufriendo ya una buena temporada. Musicalmente, este disco luce tan intenso como los anteriores, tan salvaje dentro de su americana cocida a fuego lento, pero con unos arreglos más abigarrados y poliédricos.

Teniendo en cuenta lo que le gusta nuestro país (edita ahora libro con Alpha Decay y vuelve de gira en junio), no se extrañen si en un par de años lo vemos acompañado de los flamencos más dolidos de la escena. Y si me creen, miren lo del tito Howe por estas mismas páginas... >Pablo Vinuesa 07. NAJWA NIMRI. EL ÚLTIMO PRIMATE (WARNER) Intimista, arriesgado y descomunal esfuerzo del animal Najwa. La Nimri rompe con todo lo anterior y se desnuda en la lengua de Cervantes. Prescinde de Carlos Jean y se acoge a Raúl Santos para evadirse de la electrónica artificiosa o los complejos arreglos. Un trabajo en castellano –inclasificable-, menos pop que los ascendientes, donde se roza piel y hueso si uno deja llevar el alma entre sus oníricos pianos y deliciosas orquestaciones de cuerda. Este ‘particular romance con Lucifer’, como lo ha bautizado su autora, está engrandecido por delicadas piezas de artesanía que se revalorizan con el tiempo. Es el caso de “Con un Puñal” o “Siento El Diablo en Mí”. Alejado de estos temas se encuentra el contundente sencillo –parece tener vida propia- que da nombre al disco. ‘Y gritaré, gritaré hasta que encuentre una razón’, así reza parte del estribillo de “El Último Primate”. La bandera de la ceguera obsesiva sale a flote en la refinada “Como un Animal”, que desmonta al orgullo personal en pos de la perturbación por una idea fija. Najwa exhibe despojo y se autoflagela vox populi, sin piedad, golpe a golpe va descifrando el ente fatídico que resultan los sentimientos puros. ¡Bravo!>Edu Mestre-Nadal DISCOS - CRÍTICAS

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08. SHE & HIM. VOLUME TWO (DOMINO/[PIAS] SPAIN) Sábado, 12 de noviembre de 1955, 08:55 PM. Gracias a la ciencia, un condensador de fluzo ubicado en mi DeLorean permitióme asistir al ‘Baile del Encantamiento bajo el Mar’, paradigma de los bailes de instituto americano. Cuál será mi sorpresa aquella noche, al no encontrarme con la actuación de Marvin Berry and The Starlighters, sino con la de una pizpireta pareja de hecho que hacía llamarse She (la bellísima, Zooey Deschanel) & Him (virtuosismo a las seis cuerdas, Matt Ward), presentando su reciente trabajo “Volume Two”, continuación de su sorpresivo “Volume One”, de 2008. No obstante, la desilusión duró poco, al verse embelesado el allí presente por un happy pop atemporal, que conquista nada más ser escuchado y cuyas buenas vibraciones invitan a pasear bajo un eterno sol primaveral. Trece garrapiñados cortes pop, epicentros de un universo de color de rosa con batidos de fresa como vía láctea, palomitas de colores como estrellas y algodones de azúcar como planetas en constante estado de enamoramiento. Bastará con escuchar la conmovedora “Thieves”, la ensoñadora “In The Sun”, la delicada “Lingering Still”, la tímida “Sing” o la exquisita “Brand New Shoes”. Sin duda, trabajo a destacar en este 2010.>Armando Marín Ruiz 09. SLEEPY SUN. FEVER (ATP RECORDINGS/HOUSTON PARTY) Como ya hemos apuntado varias veces desde las páginas de esta revista, todo lo que toca All Tomorrow Parties, sea su propio festival, el escenario que proponen para nuestro Primavera Sound o los lanzamientos de su sello, es oro puro. Y cuando vieron el potencial del autoproducido debut de Sleepy Sun, “Embrace”, supieron ver que merecía la pena reeditarlo bajo su manto. Ahora sacan el segundo esfuerzo de estos californianos de Santa Cruz, “Fever”, otro aldabonazo de rock psicodélico para paladear con calma chicha. El sexteto, ahora residente de San Francisco, es fiel a los dictados de su estado, o más bien a la mejor música experimental que se cocía por su zona hará unos cuarenta años...

Porque Sleepy Sun dominan las largas andanadas guitarreras, los riffs mastodónticos, el ambiente al rojo vivo, alucinógeno, que se adentra por momentos en mares de tranquilidad inusitada guiados por las ocasionales voces femeninas. No es fácil deducir que en el altar de estos neohippies se encuentran grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath o el gran Jimi Hendrix, pero ahora que los que más petan son los revivalistas del ácido, no van demasiado desencaminados para gustar a cierto sector del gran público indie. En realidad no están tan lejos de Kings of Leon y, sinceramente, suenan mucho mejor que ellos.>Pablo Vinuesa 10. RUBY SUNS. FIGHT SOFTLY (NUEVOS MEDIOS) Lo tengo muy claro. Tan claro como que va a ser uno de los discos del año. Y tan claro como que va a tener otra horda de detractores. No les culpo, porque llevamos ya casi un año con el dichoso ‘suenan a Animal Collective’, como si éstos hubiesen inventado la rueda (ojo, son grupazo, no me malinterpreten). Ruby Suns dan un salto de gigante tres años después de “Sea Lion” con este majestuoso tratado de neopsicodelia llamado “Fight Softly”, que viene a ser como la depuración pop de Panda Bear. Como si este hubiese decidido limpiarse un poco las gafas del vaho de tanto sol y dispusiese la toalla bajo un cielo repleto de capas y capas y loops y melodías cristalinas y reverbs que no cansan a pesar de la acumulación; y de percusiones que huelen a fiesta, a verbena primitiva, a espejismo del que surge en la playa cuando has decidido levantarte a tomar una cerveza y ves que la orilla despide humo y tu paladar se acolcha. Las canciones surgen fantasmagóricas, optimistas. Cambian de sentido y de melodía según conviene. Empiezan tristes y acaban orgíasticas. Lo dicho, uno de los putos discos del año.>Antonio Bret

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HOWE GELB AND A BAND OF GYPSIES. ALEGRÍAS (EUREKA/[PIAS] SPAIN)

Howe Gelb es uno de los autores con más personalidad del panorama independiente, un auténtico maestro que puede despachar a sus dos antiguos compañeros John Convertino y Joey Burns de un plumazo, definiendo a su banda, Calexico, como ‘un caballo amaestrado’. El animal salvaje era por supuesto Giant Sand, un proyecto inclasificable, arenoso como el desierto de Tucson donde se forjó, prácticamente creador de la americana, deudor tanto del folk, el blues y el country como del noise, el jazz y las vanguardias. Gelb, además, siempre ha sido para Giant Sand un poco como Antonio Luque para Sr. Chinarro, con la dificultad que eso añade para poder seguirle la pista al proyecto en cuestión de estilos o componentes. Con decir que, a pesar de que editara bajo el nombre de su grupo en 2008 el disco “Provisions”, la carrera última de Gelb viene firmada sobre todo en solitario, también porque su vida transcurre ahora entre Estados Unidos y Dinamarca. Si hace poco se hacía rodear de un grupo gospel, “Alegrías” lo presenta bien asentado entre gitanos de Córdoba, con un disco grabado allí y editado por el sello de Fernando Vacas, Eureka, que partió de una idea del propio Vacas, Gelb y Joan Vich (capo del sello mallorquín Primeros Pasitos e incansable tour manager patrio). Y a pesar de que pueda chocar escuchar a Gelb tocar junto a Raimundo Amador, bien conocido es su amor por nuestro país, y más en concreto por las papas fritas de El Cortijo del Olivar, por lo que el encuentro no sólo no resulta chocante, sino que funciona a las mil maravillas, ya que el norteamericano sale y entra de las canciones tan a su antojo como siempre ha hecho. Fronterizo, rumbero o soulero, eso da igual: quien es caballero, lo es siempre. Y Howe Gelb ostenta ese título desde hace ya muchísimos años.>Pablo Vinuesa

KELE. THE BOXER (WICHITA/NUEVOS MEDIOS) Los chicos de Bloc Party ya habían sorprendido a media escena indie con los extrañísimos arreglos de su último largo, “Intimacy” (2008), y sobre todo con el big beat atómico de su primer single, “Mercury”. ¿Qué había pasado con aquellas baterías imparables, con los riffs nerviosos marca de la casa, esos que cruzaban la herencia británica del post-punk con la escuela hardcoreta de Washington D.C.? Pues miren, que Bloc Party parecían haberse aburrido de su puntos fuertes, un drama. Y, por lo que podemos constatar en este sorprendente “The Boxer”, sobre todo su líder y cantante, Kele Okereke. No sabemos si la famosa tunda que se llevó por parte de los guardaespaldas del muy racista Johnny Rotten en un conocido festival español le han afectado la chorla, pero aquí el amigo se ha aliado con XXXchange (de los cerdísimos Spank Rock) para facturar un disco... ¡Dance! Sí, sí, porque a pesar de que las melodías de Okereke sigan siendo las mismas (es más, ya cansa un poco de repetir la misma una y otra vez, aunque sea muy buena), lo que hay detrás no es otra cosa que zurrapa buena para la pista de baile. Con sintes afilados cual diente de sierra, subidones tipo David Guetta, estribillacos dignos de la Maxima FM y to sus avíos, el amigo está que lo peta. Lo cual no es necesariamente malo, ojo, porque precisamente en los momentos ‘más Bloc Party’ y en las canciones en las que se pone más tierno, allá por la mitad del disco, es cuando da una brasa que no lo soportan ni sus compis de grupo. Sin embargo, hay que reconocer que singles como “Walk Talk”, “Tenderoni” o la explosiva “Rise” tienen más de un sardineo. ¡Quién lo iba a decir, Kele! Si es que, al final, a todos nos gusta el temita, ío... >Jorge Montes

DISCOS - CRÍTICAS

PROGRAMA teatro danza

TEATRO SIN PALABRAS/SIN PERSONAS Se puede pensar que últimamente en esta sección le dedicamos algo más de espacio a la danza que al teatro. Es probable que los procesos de creación en danza estén resultando últimamente más libres y más capaces de asimilar las posibilidades que las nuevas tecnologías ofrecen en los campos de la música y la imagen, por lo que los avances se muestran más evidentes y llamativos a primera vista. Además, las obligaciones del coreógrafo con una historia, con una estructura lineal o con un idioma en que contar las cosas con palabras son menores, lo que amplía tanto el espacio de la creación como el de la recepción. En este número, hemos pensado en hablar de un tipo de teatro también libre, que aproveche las nuevas tecnologías y que hasta elimine la necesidad de las palabras y las personas.

TEATRO SIN PERSONAS Nombres legendarios como los de Ionesco o Kantor aparecen, junto a otros más contemporáneos como Daniel Veronese o La Fura dels Baus, ligados al concepto de Teatro de Objetos. En general, la etiqueta define a aquellas obras de teatro protagonizadas por objetos, que cobran vida en el escenario tras la oportuna manipulación humana. Hay quien lo considera una variante del teatro de títeres, en la que los títeres son sustituidos por objetos, y hay quien considera a los títeres una variante del teatro de objetos en la que los objetos son sustituidos por títeres. En cualquier caso, el meollo de la cuestión es dotar a la materia inanimada del vigor expresivo necesario para contar una historia.

La compañía holandesa Hotel Modern, habitual los últimos años en escenarios andaluces, ofrece la siguiente propuesta: cear en directo una película de animación con marionetas, usando 300 pequeñas gambas y 53 decorados en miniatura. El espectáculo lleva por título “Shrimp tales” y durante el mismo los tres profesionales de la compañía van de un pequeño decorado a otro creando en cada uno de ellos diferentes escenas protagonizadas por gambas, que luego se proyectan sobre una pantalla al fondo del escenario.

Las gambas juegan al ajedrez, escriben a máquina, practican cirugía y hasta montan una rave, en serio.

El espectáculo de Hotel Modern, que también se representará en otras ciudades españolas, se incluye en la programación del Festival de Teatro de Títeres, Objetos y Visual que se celebra a finales de mayo en Málaga y Granada. También forman parte de esta programación, aún por cerrar, los

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canadienses de The Old Trout Puppet Workshop, con su montaje “Famous Puppet Death Scenes”. Tras este macabro título encontramos una obra compuesta por 22 viñetas que reflexiona sobre la muerte parodiando varios géneros teatrales. En esta ocasión los protagonistas sí que se parecen un poco más a lo que cualquiera puede entender por una marioneta. Aparecen unos cincuenta personajes, entre los que destacan un cura cantante de ópera y su mono, ballenas, animales de granja y extraterrestres que se parecen a Johnny Depp.

Para terminar con esta parte del texto, sólo una referencia a un estilo de hacer teatro que, si bien cuenta con personas sobre el escenario, también alude al uso de nuevos elementos y tecnologías visuales que interactúan con el actor y que poco a poco van tomando forma y asentándose. Se trata de espectáculos que mezclan ingredientes del cine y el teatro. Se pueden afrontar de forma similar a como anteriormente se describía el trabajo de Hotel Modern, a partir del diseño de escenas que se construyen y se proyectan simultáneamente, o mediante formatos que permiten a los actores interactuar con imágenes proyectadas cuya grabación y montaje se haya realizado con anterioridad. Se diferenciaría del uso de los audiovisuales que se da desde hace unos años de forma masiva en el teatro, en que los casos que se agrupan bajo esta nueva etiqueta buscan, como explican los componentes de la compañía chilena Teatro Cinema, “crear una fusión entre lo virtual y corpóreo, haciendo imperceptible la frontera entre el teatro y el cine”, de forma que la intención al recurrir a la imagen va más allá de la de componer un fondo o un decorado sobre el que representar la obra, convirtiéndola en otro elemento con el que interaccionar y del que obtener réplicas. Con este planteamiento, los chilenos de Teatro Cinema se han colado en la programación del próximo Festival de Edimburgo (agosto 2010), que coproduce su espectáculo “El Hombre que Alimentaba a las Mariposas”.

TEATRO SIN PALABRAS Juan Dolores Caballero, como hiciera en “La Belle Cuisine”, vuelve a inventarse un idioma para construir “Dröpo”, su última producción con la compañía andaluza de teatro y danza Teatro del Velador.

El punto de partida de “Dröpo” recuerda bastante al ofrecido por la compañía letona Jaunais Rigas Teatris en “Long Life”, donde se mostraba un día en la vida de un grupo de ancianos que compartían un piso comunitario en una república ex-soviética. Sin utilizar una sola palabra inteligible, los ancianos, algunos con evidentes dificultades para cuidar de sí mismos, vivían una jornada triste, casi patética, en un piso repleto de objetos inservibles recogidos de la basura, intentando explotar de forma imaginativa los escasos recursos materiales e inmateriales con los que contaban para ser felices.

En la alternativa del Teatro del Velador, los personajes, que deambulan por un apartamento igualmente decorado por alguien con síndrome de Diógenes, son algo más jóvenes y, aunque también presentan alguna discapacidad física, las limitaciones más importantes tienen que ver más con su capacidad para expresar sentimientos. En este caso, en lugar de ancianos, los actores parecen representar a emigrantes llegados a una ciudad occidental cualquiera desde distintas partes del mundo. Ancianos y

PROGRAMA teatro danza

emigrantes pueden entenderse como colectivos que comparten la frustración de haber sido excluidos por el sistema de los espacios habituales donde disfrutar y realizarse como seres humanos. Aun así, el humor, que aparecía a ratos en “Long Life”, aquí tiene mucho más peso. En su estreno durante la pasada Muestra de Teatro Andaluz del Puerto de Santa María, el público interrumpió varias veces con risas y aplausos la obra, destacando en este sentido el uso que se hace de dos ‘agujeros negros’ colocados a ambos lados del escenario en forma de bañera y de sótano imaginario.

La utilización de la música en directo recuerda también a la que hicieron la gente del Jaunais Rigas Teatris, destacando los momentos operísticos y la canción con la que cierran la obra, al estilo Yann Tiersen

ESCENA Texto_ Vicente Durá

“Famous Puppet Death Scenes” The Old Trout Puppet Workshop Las obras recomendadas aparecen en nuestra agenda de la última página con indicación de las fechas, ciudades y salas correspondientes.

ESCENA

ARTĂ?CULO john travolta

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ARTÍCULO john travolta

Travolta tiene una historia singular; juega a hacer películas pasables hasta que le da por resucitar. Cuando lo hace es a un nivel de talento desbordante, mientras tanto mezcla en su trabajo a personajes memorables con otros de vaivén como este Charlie Wax, que llega “Desde París con Amor” (Pierre Morel, 2010).

Poco nos debe querer para regalarnos una interpretación tan usual, pero él es así y no puede evitar divertirse –juguetona alma italo-irlandesa-. Una carrera desigual, envuelta en todo tipo de títulos, cuyos momentos álgidos son de una seductora añoranza fílmica. Luego está la retahíla de películas olvidables, en las que no se le puede recriminar hacer de cada papel un ejercicio de estilo inigualable. John, como siempre, a su manera.

Era el momento justo para aniquilarle. Todo preparado. Estaba en el punto de mira. Mi corazón latía con mucha fuerza. Lo pillé en Nueva York, sobre la alfombra de la premiere “From Paris with Love”. Le quebré la cabeza con dos balas en un santiamén. Fue entonces cuando sucedió el milagro, porque no tuve la sensación de que hubiese desaparecido de la faz terrestre. Travolta se desplomó con un donaire delicioso. Mis temores interiores se constataron al comprender que matándole no acabaría con Vincent Vega, Tony Manero, Chili Palmer o Bobby Long, presencias inmortales que atormentarían mi alma hasta el final.

Asesiné por envidia. Ese fue el móvil, no poder parecerme a él. ¿Quién podría hacerlo? Han pasado unos minutos desde que apreté el gatillo. Ahora escucho las sirenas de policía viniendo hacía mí, al tiempo que su celuloide entra a oleadas por las vitrinas de mi DVD cerebral. Te debo una, John.

FIN DEL PRIMER Y SEGUNDO ACTO. Aún recuerdo en esta denostada habitación la primera vez que te vi a las órdenes de Tarantino. Con el pelo peinado hacia atrás, esa argolla, algunos kilos de más y la elegante presencia de un dandi, Vincent Vega apareció en nuestras vidas. ¡Estabas tan enorme! De una costilla de Vega nació Palmer para mostrarnos cómo conquistar la meca del cine y la industria musical. Entre medias, coqueteas con la acción de John Woo, vuelves a la comedia –”Michael” (Nora Ephron, 1996)-, Malick te reclama y bordas al demócrata Stanton en “Primary Colors” (Mike Nichols, 1998).

Llegados a este punto, tengo que reivindicar “Una Canción del Pasado” (Shainee Gabel, 2004). Bobby Long es la recreación más valiente, sincera y poética de tu carrera.

FIN DEL TERCER ACTO. Hoy te exhibes, bazooka en mano, metido en la piel de un particular agente secreto. Look agresivo y métodos poco ortodoxos; uno más que añadir a tu galería de puro divertimento. La policía está echando la puerta abajo. A todo esto, podrías haber seguido haciendo cualquier cosa, siempre con tu innegable estilo. El sonido de las bisagras rotas termina por abrumarme. ¡Están aquí! No te preocupes, me encargaré de que en tu epitafio rece que tuviste una riña de enamorados con el mundo -nadie puede contigo-. En cambio, el mío debe ser claro y conciso: Yo, Travoltista.

TRAVOLTISMO Texto_ Edu Mestre-Nadal

En los 70, con camisa ajustada, pantalones de tela de gabardina y zapatos de plataforma sacabas tu mejor disfraz para ser el rey de la pista, sin embargo entre semana eras uno más trabajando en una tienda de Brooklyn.

Esa dicotomía te llevó a De Palma por segunda vez, ya eran los 80 y tu papel de Jack en “Impacto” (“Blow Out”, Brian de Palma 1981) fue magnífico y poco reconocido a partes iguales. Antes fuiste un “Cowboy de Ciudad” (James Bridges, 1980) y volviste a encumbrar al género musical con “Grease” (Randal Kleiser, 1978) -habrá gente que baile mejor que tú, pero nadie baila como tú-. Después te reinventaste para no caer en el viscoso ostracismo de la memoria popular. El pasarato de “Mira Quien Habla” (Amy Heckerling, 1989) resultó un cómodo refugio hasta que apareció el instante de resurgir.

CINE

ARTÍCULO dvd - cine

Intermedio vuelve a editar una colección excepcional con dos volúmenes (nos espera otro par en breve) de los trabajos realizados por el matrimonio formado por Jean-Marie Straub y Daniéle Huillet, una de las parejas más interesantes, libres e influyentes del cine europeo contemporáneo, desgraciadamente de actualidad en la última década tras el fallecimiento de Huillet en el año 2006. Ambos han tenido siempre una relación muy estrecha con su obra, un vínculo ejemplar de reescritura constante, de un cuidado milimétrico por la puesta en escena, la palabra o el corte. Y a través de su obra han dado voz a su vida y a los autores que la impregnan. Es imposible pensar en el cine de Straub y Hullet sin pensar en Cézanne, Shoenberg, Hölderling, Böll, Pavese o Brecht. El suyo es un trabajo radical que aúna estética y política, ese binomio que bien podrían reinterpretar de las parejas formadas por Cézanne y Brecht, o incluso por Griffith y Bresson.

Su obra es un cuerpo a cuerpo con el texto que reinterpretan. Un texto que ensayan, diseccionan y depuran hasta llegar a los orígenes de su cine: un cine interpretado por actores no profesionales, que huye de una planificación redundante y explícita y que aboga por el

uso del plano general. Buena parte de este trabajo exhaustivo puede verse en el documental de Pedro Costa sobre el montaje (y nuevo montaje) de “¡Sicilia!”. Straub interpreta y se mueve en la moviola, Huillet interpreta y realiza el corte. Una pareja que hacía de la vida un arte de hacer películas.

En esta doble edición se reinterpretan algunos de sus autores favoritos: Heinrich Böll en “Machorka-Muff” y “No Reconciliados o Sólo la Violencia Ayuda Donde la Violencia Reina”, dos de sus primeros trabajos cinematográficos. También las óperas de Arnold Schoenberg a través de “Moisés y Aarón”, “Introducción a la Música de Acompañamiento para la Escena de una Película” y “De la Noche a la Mañana”. Este primer pack viene acompañado de una extensa biofilmografía (64 páginas) escrita por Manuel Asín. El segundo cofre de DVDs se acerca a la reinterpretación que los autores hicieron de escritores italianos: su admirado Cesare Pavese en “De la Nube a la Resistencia” y “Esos Encuentros con Ellos”, o de otros autores como Elio Vittorini y Franco Fortini.

JEAN-MARIE STRAUB Y DANIÉLE HUILLET DVDs textos_ David Pareja

Ambos volúmenes de “Jean-Marie Straub y Daniéle Huillet” han sido editados por Intermedio Más info en www.intermedio.net

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GORDOS

YO, TAMBIÉN

SÉANCE

DANIEL SÁNCHEZ ARÉVALO. GORDOS (CAMEO) Daniel Sánchez Arévalo empezó destacando en el mundo del corto al ganar el festival notodofilmfest con el cortometraje “Exprés”, que también consiguió una nominación a los Goya. Más tarde llegaron otros premios y reconocimientos con “Física II” y su primera película, “AzulOscuroCasiNegro”. Para su segundo largometraje, Sánchez Arévalo se acerca al mundo de los gordos, el sobrepeso, la autoestima y los planes de adelgazamiento. Interpretada por Antonio de la Torre, Raúl Arévalo, Roberto Enriquez, Teté Delgado, Adam Jezierski y Verónica Sánchez, “Gordos” intenta llevarnos hasta la idea de que ‘todos llevamos un gordo dentro’, organizándose en torno a un grupo de terapia que sirve de nexo y epicentro para una variopinta colección de personajes que protagonizan esta comedia coral. “Gordos” naufraga en su intento y desdibuja las intenciones de su autor, dando como resultado uno de sus trabajos más flojos a la fecha. Aun así, Sánchez Arévalo sigue demostrando que es uno de los mejores guionistas de nuestro cine, capaz de escribir situaciones de una comicidad única. ÁLVARO PASTOR Y ANTONIO NAHARRO. YO, TAMBIÉN (CAMEO) “Yo, También” es algo más que un acercamiento o la recreación de la historia de Pablo Pineda, el caso de síndrome de down más famoso de nuestro país: diplomado en magisterio, profesor de educación especial y estudiante de psicopedagogía. Al igual que Pablo, Daniel, el protagonista de la película, es un andaluz de 34 años que comienza a trabajar en la empresa pública. Allí conoce a Laura (Lola Dueñas), una empleada que atraviesa momentos muy difíciles en su vida y de la que se enamorará perdidamente. Más allá de la sensiblería o de la denuncia social, Naharro y Pastor consiguen emocionarnos con la historia de una pareja inusual, increíble e imposible; el relato de una amistad que cambiará la vida de los dos protagonistas. Gran parte del mérito de la veracidad de esta historia recae en la interpretación del dúo protagonista (nominados al Goya y Concha de Plata en San Sebastián para Pablo Pineda), que consigue transmitir entre miradas y sonrisas altas dosis de autenticidad. Pese a la manida revisión de algunos tópicos localistas, “Yo, También” consigue hacer de la discapacidad una condición normal y y repleta de dignidad.

KIYOSHI KUROSAWA. LOFT // SÉANCE (MEDIATRES ESTUDIO) Kiyoshi Kurosawa (Kobe, 1955) obtuvo el reconocimiento internacional de la crítica gracias a su película “Cure” (1997), realizada con un presupuesto mínimo.

Una película que nos dejaba entrever su estilo a la hora de afrontar historias de terror, de un marcado tono existencialista y espiritual. Mediatres Estudio edita ahora “Loft” (2005) y “Séance” (2000). “Loft” es un thriller sobrenatural que narra la relación entre Reiko, una escritora que entra en contacto con una serie de enigmáticos sucesos arqueológicos tratando de terminar su novela. En la más temprana “Séance” volvemos a encontrarnos con Koji Yakusho (“Cure”) y cuenta el matrimonio de Koji y Junco, un técnico de sonido y una chica con poderes extrasensoriales. En ambas podemos vislumbrar la maestría de Kurosawa para dominar el tempo del filme, los detalles de la puesta en escena (atrezzo, localizaciones... ) y su querencia por un cine casi metafísico, que lo separa a grandes distancias de las nuevas olas de terror japonés inauguradas por películas como “Saw”. Un director que ha sabido hacer honor a su apellido.

LANZAMIENTOS CRÍTICAS LITERATURA DVD - CINE

SEE IT críticas cine

TULPAN (SERGEI DVOSTSEVOY, KAZAJISTÁN-RUSIA-POLONIAALEMANIA-SUIZA, 2008)

Premiada en las ediciones de 2008 de Cannes y Gijón, esta aparentemente pequeña película que recrea la vida de los pastores nómadas de la estepa kazaja ha llegado al fin a nuestras pantallas, aunque es seguro que no permanecerá en ellas por mucho tiempo... Para empezar, una prevención: lo que se ha vendido como una comedia tercermundista, una especie de Kusturica kazajo o el Borat auténtico, es en realidad un documental etnográfico disfrazado de levísima ficción. Una anécdota argumental mínima -la necesidad de encontrarle esposa en su regreso a la estepa a un joven recién licenciado de la marina rusa- sostiene un ejercicio de puesta en escena hipercalculado que se presenta al espectador como todo lo contrario. Cámara al hombro, Dvostsevoy, formado en el documental, sigue a los personajes de su primer largo en extensos planos secuencia que ocupan casi siempre la totalidad de cada una de las escenas. Una escena, un plano, al modo de Jarmusch en “Extraños en El Paraíso”, con la salvedad de que lo que en el neoyorquino es estilización, aquí se transforma en un intento a veces dramático -fíjense en el momento estremecedor del parto de la oveja- de captar la realidad en bruto. Resulta difícil encontrar películas como “Tulpan” en la cartelera actual: tan conscientes de la propia materia fílmica que les da forma (resulta significativo que su título responda a una presencia que acaba resultando fantasmagórica), como preocupadas sinceramente por contar de manera fiel y auténtica otras culturas, otras vidas. Y sin un gramo de paternalismo bienpensante.

Con sus altibajos y sus baches narrativos, pero también con un trabajo en la banda sonora como hace tiempo que no me encontraba, “Tulpan”, más que una película, es una experiencia audiovisual a reivindicar. >Juan Pablo Ramos Fernández

ESTRENO CINE

FANTÁSTICO SR. FOX (“FANTASTIC MR. FOX”, WES ANDERSON, USA, 2009) Nunca he tenido muy claro si las películas de Wes Anderson tienen, como dicen los cursis, mensaje o no. Pero si alguna obra de su filmografía se acerca a dicho concepto teleológico es este “Fantástico Sr. Fox” (2009). Basado en el cuento infantil que Roald Dahl escribió en 1970, Anderson traslada los personajes y el núcleo de aquella historia a su particular universo cinéfilo. Si ver a zorros discutiendo acerca de sus penurias matrimoniales como si estuviésemos en una película de Rohmer o Truffaut es la ‘última propuesta para los más pequeños’ (como han descrito a esta película en algún diario de tirada nacional), es que me he quedado definitivamente obsoleto como crítico. Lo que no resulta nada obsoleto es el esfuerzo titánico del perfeccionista Anderson por elaborar cada brillante fotograma de este film rodado en stop-motion, y que deja en evidencia las últimas propuestas del tan cacareado 3D que no aportan ni la mitad de vitalidad que esta cinta de marionetas orquestadas por Mark Gustafson. Pero detrás de tan aparente novación, “Fantástico Sr. Fox” es puro Anderson: co-guionizada por su inseparable Noah Baumbach, una banda sonora vertebrada por canciones de los 60 y en las voces su fiel troupe de actores (Owen Wilson, Bill Murray, Jason Schwartzman, Michael Gambon... ). La crítica se ha enamorado de esta película, pero servidor ha echado en falta esos finales a cámara lenta a los que nos tenía acostumbrados el Señor Anderson y que funcionaban a modo de epítome de esa weltanschauung suya tan particular, que en “Fantástico Sr. Fox” la notamos un puntín edulcorada.>Fran G. Matute

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WERNER HERZOG. CONQUISTA DE LO INÚTIL (BLACKIE BOOKS, 328 PÁGINAS, 2010) Una de mis películas favoritas de Herzog siempre ha sido “Mein Liebster Feind” (“Mi Enemigo Íntimo”, 1999), la obra póstuma que el realizador alemán le dedicó al que fuera su actor fetiche, Klaus Kinski. En uno de los pasajes de la película Herzog relata cómo a Kinski siempre le sacaba de quicio que durante el rodaje de “Fitzcarraldo”, Herzog se ensimismara en un pequeño cuaderno Moleskine, escribiendo un diario de rodaje en una letra minúscula que él nunca podía llegar a leer. Siempre me pregunté qué pensamientos vomitaba Herzog en esos cuadernos (gran parte del rodaje de “Fitzcarraldo” fue un infierno que se prolongó durante casi dos años). Veintiséis años después, Herzog se ha decidido a rescatarlo,s publicando esos misteriosos diarios de letra pequeña y abigarrada. En ellos nos adentraremos al periplo que supuso toda la película, una odisea amazónica que le hizo convivir con la idiosincrasia de las tribus indias y con la jungla de los productores de Hollywood. En uno de los instantes del film, el personaje que interpretaba Klaus Kinski, Don Araujo, exclama: “¡Por Fitzcarraldo, conquistador de lo imposible!”; de ahí el título del libro. Un relato que explora los límites del ser humano y de la naturaleza en su estado más salvaje, una ópera fílmica cuya intención estética era la de subir una montaña con un mastodóntico barco a vapor a través de los ríos. Herzog 100%.>David Pareja HUMPHREY SLATER. EL CONSPIRADOR (GALAXIA GUTENBERG, 215 PÁGINAS, 2009) Galaxia Gutenberg viene identificándose, de un tiempo a esta parte, como una señora editorial que rescata títulos fundamentales y olvidados de la literatura universal. Ahí quedan sus esfuerzos por recuperar al inmenso Saul Bellow, por poner de moda a Vasili Grossman y por permitirnos disfrutar del “Warlock” de Oakley Hall.

Pero la jugada detrás de la recuperación del ignoto y poco prolífico Humphrey Slater se me escapa. Si bien es cierto que su perfil puede resultar atractivo hoy día (un comunista rebotado tras participar en las Brigadas Internacionales durante la Guerra Civil española), la pretendida profundidad de carga literaria de una obra como “El Conspirador” (1948) deja bastante que desear. Con más apego al panfleto romántico que al verdadero análisis de la cuestión comunista (para ello habrá que sumergirse, me imagino, en “Los Herejes”, publicada a la par por la editorial), Slater reescribe parcialmente “Casablanca” (Michael Curtiz, 1942), a la que sin pudor cita en el libro, para ofrecer una versión edulcorada del mundo de los espías y la alta sociedad británica en el aftermath de la Segunda Guerra Mundial. Eso sí, si uno se toma con ironía, como sugiere la editorial del libro, esta novelita rosa con alma noir, puede llegar a encontrar cierto encanto escondido en sus palabras. Si no se tiene paciencia para la lectura, hay película protagonizada por Elizabeth Taylor y Robert Taylor. Y si se quiere garantizar la diversión, os recomiendo el visionado de “Me Casé con un Comunista” (Robert Stevenson, 1949), que viene a contar más o menos lo mismo pero en plan exploitation.>Fran G. Matute JULIÁN RUIZ-BRAVO. LUCIO (SLOPER, 285 PÁGINAS, 2009) Lucio es, ante todo, un nombre de pez. De agua dulce, a más señas. También es famoso Lucio por sus huevos fritos. En Madrid, claro está, que es donde transcurre este “Lucio” de Julián Ruiz-Bravo (2009). Y en concreto, en la calle del Pez, con lo que cerramos el círculo piscícola. Pero lucio también suena a lúcido, que es justo lo que no es Lucio, el protagonista de esta novela. Y es que el Lucio de Ruiz-Bravo aún mantiene abierta su fontanela, desde que era un renacuajo, y vive con sus inmortales padres y un zoo privado sacado de unos recortes. Ah, y un perrito. Y a pesar de la aparente no-lucidez de Lucio, se le permite formar parte de un club secreto y conocer así el mundo espelunca (mi última palabra favorita) y luchar contra los bricomanes por el mundo peor... Y bueno, ya os adelanto que no tenéis ni idea de cómo va esto de la evolución de las especies. Menos mal que ha llegado alguien tan lúcido (este sí) como Julián Ruiz-Bravo, un auténtico intraterrestre literario, para explicárnoslo todo en esta novela sin control, con tintes de terror cósmico y que nos reencuentra con lo mejor del surrealismo con fundamento, cuando este era divertido y no sesudamente aburrido. ¡Y a chospar!>Fran G. Matute

CRÍTICAS LITERATURA

Fotografía: Anna Wolf www.annawolf.com Estilismo: Lauri Eisenberg www.laurieisenberg.com Maquillaje y peluquería: Anna Bernabe for Clinique Modelo: Rafael Lazzini (Ford Models)

Localización: Long Island (NYC)

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LRG REINTERPRETA ENJOY THE SILENCE Words like violence break the silence. Come crashing in into my little world. Así empieza la mítica canción de Depeche Mode y así quieren rendirle homenaje desde LRG. La popular firma reinterpreta el silencio desde su grafismo atrevido y punzante, que recuerda a la letra del emblemático tema de la banda electrónica. Con una serie limitada de prendas 100% algodón, diseñadas con print frontal de una chica amordazada bajo el lema ‘enjoy the silence (drawing of girl with tape on mouth)’, esta propuesta refleja el espíritu alternativo de una marca 100% street. Más info en www.l-r-g.com

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Este modelo mezcla lo mejor de los shortboard y los fish. Especial para surfistas medios que buscan comodidad. La Mistic tiene un suave canal desde el medio de la tabla hacia las quillas laterales haciendo un efecto venturi que genera sustentación y velocidad combinado con una ligera V en los cantos y cola junto a un rocker suave y doble winger que te ayudará en los giros. Más info en www.soulsurfboard.com

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EL ALTER EGO DE LA MODA Arquitectura contemporánea y espíritu urbano, esos son los principales ingredientes de la nueva colección de Bench. La popular firma de moda inglesa retoma los graffitis y las nuevas siluetas como alicientes para un verano donde los básicos se mezclan con la tendencia y se modifican según el estilo de cada uno. La música continúa siendo su fuente de inspiración atribuyendo a los diseños ritmo, movimiento y energía, y donde el botón flash-forward se ensalza para proyectar su visión de futuro, adelantándose a los nuevos tiempos. Gamas de rojo, azul y morado suavizados para darle un look más coqueto sin olvidar el toque rock’n’rollero son las armas de la mujer Bench, mientras que para los chicos la marca apuesta por su espíritu más urbano.

Más info en www.bench.co.uk Total look chica-chico Bench.

PROTEST LANZA LA BEACH CRUISER DE JOHNNY LOCO Protest se une a la célebre firma de bicicletas Johnny Loco para diseñar una exclusiva Cruise. Un modelo tradicional para una reedición única. Las bicicletas cruiser son un símbolo de la cultura urbana que Protest recupera con esta exclusiva edición. Una creación bautizada como Protest Beach Cruiser que responde a la visión particular que las dos marcas tienen de disfrutar al máximo el tiempo libre; bien sobre una tabla o sobre dos ruedas.

La Protest Beach Cruiser, una creación limitada basada en parámetros de calidad, diseño y diversión, nace de rediseñar el primer modelo de bicicleta creada por Johnny Loco en 2005, apostando por un estilo más playero con un cuadro de 21” y una sola marcha. Con llantas amarillas, sillín y manillas cruisers en color naranja y neumáticos cruisers negros, la Protest Beach Cruiser tiene todas las características propias de las clásicas cruisers de Johnny Loco. Más info en www.protest.eu

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Soul Surfboard team rider: Juanjo Fernรกndez

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ZEMOS98 (VARIOS EMPLAZAMIENTOS, SEVILLA, DEL 15 AL 21 DE MARZO) La edición 2010 del consolidado Zemos98 ha dejado un regusto agradable: nos ha descubierto un proyecto (Furia) que, si concreta y madura, podrá llegar a ser excepcional. Por el momento, curioso experimento. Peregrinaciones con paradas de tangos y soleares, pinchada con discos de pizarra en una tiendecilla de ultramarinos, el delirante experimento digital de Internet 2; el precioso ejercicio naíf de Le Petit Cirque y dos platos fuertes.

El primero Filastine, músico de Seattle afincado en Barcelona y con cariz antiglobalización. Sí, el temor hizo presencia. Si al principio se hizo acompañar de una gloriosa chelista y su sonido se mezcló entre brumas dub y emotiva contemporanea, más tarde tiró de obviedades perroflautas, combinando percusión cansina, concretismo con carrito de supermercado y mensajes facilones con dólares cubiertos de sangre, el puto Bush, los cocteles molotov... Aburrimiento. Lo de Ryoji Ikeda y Alva Noto fue de matrícula de honor. Allí todo crepitaba y cegaba como si fuese el fin del mundo. Hubo quien se salió con ansiedad y taquicardias. Y sin monsergas piesnegras. Bravo.>Antonio Bret

SOUTH POP 2010 (TEATRO ALAMEDA, SEVILLA, DEL 25 AL 28 DE MARZO) Otra vez la ciudad expiró noches de fantasía al cobijo del recién llegado equinoccio. El South Pop regresó al son de un estupendo cartel y con la batuta de gran suceso musical en Sevilla. El ritual de la tradición se instaura fuerte con este festival, que ya ha echado raíces en la capital del sur. Cada año al concluir se palpa el desperdigado hálito de un sabor ya degustado y que esperas volver a repetir, como los besos dados cuando sueñas en primavera. La organización del sello discográfico Green Ufos ha conseguido un festival creíble y honesto en Sevilla, sustentado en la sede central del Teatro Alameda y secundado de manera inteligente por las fantásticas salas Obbio y Malandar. El festival ha dejado destellos para la nostalgia. En la jornada del viernes los deliciosos François and The Atlas Mountains transmitieron una cimentada colección de emociones.

Tras los murcianos Klaus&Kinski –que sonaron a cotas más electrónicas y oscuras de lo habitual-, un peso pesado, sobre el escenario Sr. Chinarro.

Puesta en escena acompañado por bajo, batería y violonchelo –dándole brillo neoclásico a algunas de sus composiciones-. Paso a paso no dudó en desgranar su discografía cronológicamente, demostrando que cuando tira de repertorio tiene un puñado de canciones realmente bellas. Al concluir, todos a bailar con la incontestable alegría de los suecos Lacrosse. El sábado aconteció el milagro: Exsonvaldes. Estar frente a los parisinos fue un regalo celestial. Su medicina pop y las tablas de grupo curtido exaltaron la sangre del público, abocados al chaparrón de “Lali”, “Sunlight” o “Going Away”. La despedida con “Everything I See” se ha convertido desde ya en un clásico. Tuve la impresión en todo momento de estar en un concierto mítico. Luego Los Punsetes, que conectaron con su ironía y controlada maldad. La platea se entregó desde el minuto uno y ellos

dieron más conexión al ritmo de los temas “Dinero”, “Pinta de Tarao” o “Maricas”. En las antípodas de propuesta musical, los románticos Hidden Cameras, que gustaron, y Zombie Zombie. Grata mención para la creación de sus seductoras atmósferas sonoras. Una esplendida edición del South Pop, un festival de personalidad versátil, que se abre más allá de lo que se entiende por ‘indie’.>Edu Mestre-Nadal

THE NEW RAEMON + DANI LLAMAS (FUN CLUB, SEVILLA, 16 DE ABRIL) Dani Llamas es un tipo estimable. Lo es no sólo porque la evolución de su grupo, G.A.S. Drummers, haya sido impactante en sus últimos trabajos, sino porque hasta en solitario, el cantante y guitarrista sorprende. “Speaking Thru The Others” es un trabajo sólido, donde el que fue hardcoreta abraza otros géneros como el blues, el folk y el country, con una facilidad aplastante; con una voz que, a los que comenzamos a verlo hace años, en Jerez, pegando berridos, nos deja atónitos. Hay que ser fans. De todas formas, la noche era de Ramón Rodríguez, ese hombre bajito y siempre vestido de negro que no sólo se ha ganado a media escena indie liderando a los excepcionales Madee (todavía nos acordamos del insuperable “L’Antarctica”, por supuesto), sino que se ha inventado una carrera en solitario que, de golpe y porrazo, lo ha situado en la cúspide de la música hecha aquí. Así lo demuestran “A Propósito de Garfunkel”, “La Dimensión Desconocida” [ver entrevista en CLONE.42] o el reciente EP “Cuaresma”, lanzamientos fabulosos donde el catalán da lecciones de cómo componer en castellano, frente al inglés habitual en su anterior banda. En Sevilla se presentó rodeado por sus compinches habituales, los dos Rickys (Falkner y Lavado), Marc Prats y Pablo Garrido, junto a los cuales forma una banda espectacular, que sabe dar el tono íntimo a las canciones más de dormitorio, pero también perderse en delirios psicodélicos y ramalazos acrobáticos, puro éxtasis rockista. Tardaron poco, además, en sentirse arropados por un público fervoroso, que cantó estribillos a voz en grito (sobre todo las niñas presentes... Y un servidor, que conste en acta) y rió mucho con las bromas de un Rodríguez que, si bien al principio parecía un poco cortado, tardó sólo tres canciones en soltarse con chistes de Eugenio, alabanzas a Messi y dardos a los que piensan que su primer disco ‘es el guay’. En conclusión, todos los allí presentes, tanto los que tocaban encima del escenario como los que lo disfrutábamos abajo, pasamos una noche fantástica. Se repasaron todos los discos de The New Raemon, versionaron dos temas de Nueva Vulcano (incluida esa preciosidad que es “Te Debo un Baile”), cayó algún tema nuevo y hasta pidieron claves al respetable sobre cómo continuar la fiesta por la ciudad. The New Raemon está en lo más alto, y lo más llamativo es que no se le ve el límite. >Pablo Vinuesa

DAN KAPLAN AND KROOKED TREE (SALA MALANDAR, 17 DE ABRIL, SEVILLA) Dan Kaplan es un compositor neoyorquino que lleva ya bastantes años asentado en España, más concretamente por la provincia de Sevilla, desde que llegó directo al Conservatorio Superior con la intención de continuar

con sus estudios. Enamorado de la música de raíces de su país, en su mochila emocional siempre ha guardado un amplio hueco para los mejores de la categoría, sea el intocable Dylan o el carcelario Johnny Cash, el contestatario Woody Guthrie o el misterioso John Prine. Tal herencia se ha dejado notar en anteriores proyectos de Kaplan como el recital “Puntos de Fuga: Paisajes Americanos” o la banda sonora compuesta para la controvertida película de David W. Griffith “El Nacimiento de Una Nación” (también tuneada aquí convenientemente por DJ Spooky, en una pasada edición de Zemos98, no lo olvidemos). Y por supuesto es perfectamente reconocible en el alma de un disco como “A Good Day for Living” (Bujío, 2010), grabado junto a Krooked Tree, una banda en la que se alinean colaboradores de largo recorrido como el violinista Jerome Ireland, el batería Cayo Antonio o dos músicos muy queridos por estas páginas, Carlos López (guitarra) y Juan Miguel Martín (bajo). Junto a ellos presentó este disco en la sala Malandar, en un ambiente muy familiar donde resaltaron los niños, cariñosamente apodados como los ‘children of Krooked Tree’ en los créditos del álbum. La puesta en escena fue un pelo más rockera de lo mostrado en el CD, pese a que la producción de Paco Loco, grabada fundamentalmente en directo y sin apenas overdubs, ya es sobradamente fiel y directa.

Repasaron las principales canciones de “A Good Day for Living”, mostraron algunos nuevos temas y hasta se atrevieron a cerrar con el “Ballad of Hollis Brown” del maestro Dylan. Fue en definitiva una plácida velada, con un Malandar lleno que cerró la actuación del quinteto con una sentida ovación... Y no, no hubo ramalazos aflamencados a pesar del catálogo habitual del sello que se ha atrevido a lanzar el disco. Allá lo que hubo fue mucha americana, de la buena, de esa que ni Bush Jr. podría destronar por su importancia en el posterior devenir de toda la música moderna.>Jorge Montes

Fotos_ Gretelle Daffon

Filastine - ZEMOS98

The Hidden Cameras - SOUTH POP

Sr. Chinarro - SOUTH POP

THE XX - Primavera Sound

DJ HELL - Comeback 15 Festival

ERIC TRUFFAZZ - Electrochock (US) PROGRAMA MÚSICA, ARTE, ESCENA...

MÚSICA 30/04_01/05. FRANZ FERDINAND, HOT CHIP, FATBOY SLIM y más. Festival Estrella Levante SOS 4.8. Murcia.

01/05. MAGA. Zaragoza.

01/05. ALONDRA BENTLEY, EL HIJO, NACHO UMBERT y más. Homenaje a Vic Chesnutt.

Sala Caracol. Madrid.

05/05. THE POSIES INTERPRETANDO “A Catholic Education” de Teenage Fanclub. Gira We Used To Party. Teatro Municipal Pedro Muñoz Seca. El Puerto de Santa María. Cádiz.

06/05. THE POSIES INTERPRETANDO “A Catholic Education” de Teenage Fanclub. Gira We Used To Party. Centro Cultural Caja Granada. Granada.

06/05. POLAR. Sala Sidecar. Barcelona.

06/05. VENETIAN SNARES (Planet Mu/CAN + OTTO VON SCHIRACH (Beta Bodega/USA).

Sala Live. Madrid.

07/05. AEROPLANE (BEL) + HOMEBOY. Low Club. Madrid.

07/05. THE UNFINISHED SIMPATHY, TOKYO SEX DESTRUCTION, CÁPSULA y más. 20 Aniversario BCore Records. La[2] de Apolo. Barcelona.

07/05. MAGA. Sala Studio 54. León.

07/05. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO. Sala 8 y Medio. Madrid.

07/05. MANOS DE TOPO + Amnesia. Fiestas Mirador Pop. Sala Supersonic. Cádiz.

07/05. YOU ME AT SIX. Sala Penelope. Madrid.

07/05. MANOS DE TOPO + DAVID PAREJA. OBBIO, La Sala Club. Sevilla.

08/05. NUEVA VULCANO, MAPLE y más. 20 Aniversario BCore Records. La[2] de Apolo.

Barcelona.

08/05. SASCHA FUNKE (Bpitch Control/GER) + FRITZ ZANDER. Nitsa Apolo. Barcelona.

08/05. YOU ME AT SIX. Sala Razzmatazz. Barcelona.

08/05. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO. 12 y Medio. Murcia.

12/05. RETRIBUTION GOSPEL CHOIR + ROSVITA. Moby Dick club. Madrid.

14/05. DELOREAN. Festival Insomnic Gerona. Girona.

14/05. LA HABITACIÓN ROJA. Universimad. Madrid.

14/05. POLOCK. Sala M Club. Valencia.

14/05. Carte Blanche: DJ MEHDI & RITON (FR) + HOMEBOY. Low Club. Madrid.

21/05. MAGA. Sala El Sol. Madrid.

21/05. DJ FEAZ (FR) + ICO. Low Club. Madrid.

21/05. ELI “PAPERBOY” REED + LA MULA. Concierto de presentación del Festival Territorios Sevilla 2010. Teatro Alameda. Sevilla.

21/05. RETRIBUTION GOSPEL CHOIR. Teatro Municipal Pedro Muñoz Seca. El Puerto de Santa María. Cádiz.

25/05. RETRIBUTION GOSPEL CHOIR. Ciclo “A Quemarropa”. Sala Sidecar. Barcelona.

27/05_29/05. FUCK BUTTONS, GRIZZLY BEAR, BEAK>, THE XX, TORTOISE y más. Festival Primavera Sound. Parc del Fòrum. Barcelona.

31/05. COCOROSIE. Teatro Circo Price. Madrid.

03/06. LA HABITACIÓN ROJA. La[2] de Apolo. Barcelona.

03/06. RAP’SUSKLEI. Gira “Pandemia”. Granada.

03/06_05/06. PUBLIC ENEMY, TINDERSTICKS, YUKSEK, LOS PLANETAS y más. Festival Territorios Sevilla 2010. CAAC. Sevilla.

04/06. RAP’SUSKLEI. Gira “Pandemia”. Sevilla.

05/06. RAP’SUSKLEI. Gira “Pandemia”. Málaga.

05/06. DJ HELL, REX THE DOG, SNAP!, MARC MARZENIT, IVAN SMAGGHE y más.

Comeback 15 Festival. Estadio Olímpico. Sevilla.

06/06. MICAH P. HINSON. Sala El Loco. Valencia.

08/06. MICAH P. HINSON. Teatro Lara. Madrid.

09/06. MICAH P. HINSON. Teatro Isidoro Máiquez. Granada.

12/06_13/06. GUILLAMINO, JIMI TENOR, THE PINKER TONES y más. Sónar Kids. Barcelona.

13/06. NOTHINK. TBA. Madrid.

17/06. JONSTON. TBA. Sevilla.

17/06_19/06. ROXY MUSIC, LCD SOUNDSYSTEM, PLASTIKMAN, DIZZEE RASCAL y más.

Festival Sónar 2010. Barcelona.

17/06_19/06. AIR, HOT CHIP, BOOKA SHADE, FUCK BUTTONS, FLYING LOTUS y más. Festival Sónar Galicia 2010. EXPOCoruña. A Coruña.

18/06. NACHO UMBERT. Neu! Club. Barcelona.

18/06. HOWE GELB AND A BAND OF GYPSIES. TBA. Córdoba.

19/06. HOWE GELB AND A BAND OF GYPSIES. TBA. Sevilla.

20/06. HOWE GELB AND A BAND OF GYPSIES. TBA. Barcelona.

22/06. NOTHINK. Heliogàbal. Barcelona.

24/06_26/06. LULLATONE, CASPER ELECTRONICS, MENEO, ROTH MOBOY y más. Escenario Loopita. OFFF 2010. La Grande Halle de la Villette. París.

25/06. THE BLACK DOG (UK) + sesión de DJ. Festival Electrochock (US) 2010.

Madre de Dios. Sevilla.

26/06. ERIC TRUFFAZZ + MURCOF (FR + MEX) + sesión de DJ. Festival Electrochock (US) 2010. Madre de Dios. Sevilla.

26/06. WILL JOHNSON. Arbúcies - Poparb.

26/06. AC/CD. Estadio Olímpico. Sevilla.

02/07. AUFGANG (USA) + sesión de DJ. Festival Electrochock (US) 2010.

Madre de Dios. Sevilla.

03/07. THE EMPEROR MACHINE (UK) + sesión de DJ. Festival Electrochock (US) 2010.

Madre de Dios. Sevilla.

15/07_18/07. THE PRODIGY, VAMPIRE WEEKEND, CALVIN HARRIS, MIDNIGHT JUGGERNAUTS, TWO DOOR CINEMA CLUB, LINDSTRØM & CHRISTABELLE y más. Festival Internacional de Benicàssim 2010. Benicàssim.

AGENDA ARTE Y EXPOS 14/04_07/05. JORN JANSSEN: “Na-Apen”. Carmen de la Victoria. Granada.

29/04_12/06. NICK VEASEY: “X-Ray”. Galería Tago Mago. Barcelona.

30/04_TBA. EXPOSICIÓN COLECCIÓN DE ARTE CONTEMPORÁNEO MP. Fundación Valentín de Madariaga. Sevilla.

05/05_06/05. VII EDICIÓN DE ANDALUCÍA DE MODA. Patio de la Diputación. Sevilla.

06/05_05/06. JOSÉ LUIS RIC: “HUMANISMO”. Galería Concha Pedrosa. Sevilla.

07/05_27/06. SOPHIE WHETTNALL. Excés de Yang. Fundació Joan Miró. Barcelona.

10/05_14/05. IV PANORAMA DE CINE DOCUMENTAL ÁRABE CONTEMPORÁNEO. Casa Árabe. Madrid.

13/05_13/06. SEVILLA FOTO FESTIVAL. Varios Emplazamientos. Sevilla.

14/05_TBA. EL TONO: “RETÍCULAS”. Montana Shop & Gallery. Sevilla.

15/05. NOCHE EUROPEA DE LOS MUSEOS. Fundación NMAC. Dehesa de Montenmedio. Vejer de la Frontera. Cádiz.

15/05_15/07. RIIKO SAKKINEN: “ESCRIBID A PAPÁ NÖEL Y PEDIDLE LIBERTAD”.

Galería GACMA. Málaga.

18/05. DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS. Fundación NMAC. Dehesa de Montenmedio.

Vejer de la Frontera. Cádiz.

09/06_25/06. PHOTOESPAÑA 2010. Varios Emplazamientos. Madrid, Cuenca y Lisboa.

24/06_26/06. VAUGHAN OLIVER, MATT PYKE, TARA MCPHERSON y más. International Festival for the Post-Digital Creation Culture, OFFF 2010. La Grande Halle de la Villette. París.

AC/DC - Estadio Olímpico

AGENDA TEATRO DANZA 44 Final del certamen SCENA SIMULACRO 2010.

12/05. Sala El Triángulo. Madrid.

“DRÖPO”. TEATRO DEL VELADOR 13/05_16/05. Teatro Lope de Vega. Sevilla “PLATONOV”. CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL. 14/05_15/05. Teatro Cervantes. Málaga.

03/06_20/06. Teatre Nacional de Catalunya. Barcelona.

“FAMOUS PUPPETS DEATH SCENES”. THE OLD TROUT PUPPET WORKSHOP 22/05_23/05. Teatro Central. Sevilla.

“SHRIMP TALES”. HOTEL MODERN 21/05_22/05. Teatro Central. Sevilla 25/05. Teatro Alhambra. Granada. (Festival de Teatro de Títeres, Objetos y Visual) 28/05. Teatro Cánovas. Málaga (Festival de Teatro de Títeres, Objetos y Visual)

RIIKO SAKKINEN - Galería GACMA

FESTIVAL DE TEATRO DE TÍTERES, OBJETOS Y VISUAL 24/05_30/05. Teatro Alambra. Granada (www.teatroalhambra.com) 26/05_30/05. Teatro Cánovas. Málaga (www.teatrocanovas.es) FESTIVAL SEVILLA CIRCADA 10/06_20/06. Varios espacios en la ciudad de Sevilla MUESTRA JOVEN DE ARTES ESCÉNICAS 30/06. Teatro Cervantes. Málaga

AGENDA Mayo - Junio 2010

Propuestas agenda CLONE: art@clonemagazine.com / Escena por Vicente Durá

TARA MCPHERSON - OFFF París AGENDA CULTURAL

FotografĂ­a: Anna Wolf www.annawolf.com

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