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일 년에 1000편, 점유율 90%의 영화 왕국 영화 한 편에 액션, 로맨스, 코미디, 스릴러가 다 들었다. 춤과 노래도 빠지지 않는다. 대사는 더빙으로, 노래는 플레이백 싱어가 대신한다.

10억 인구의 최고 오락이다.

영화 ＜둠 3＞, 비제이 크리시나 아차리아 감독, 2013

인텔리겐치아 2220호, 2014년 9월 18일 발행

아시아 콘텐츠 특집 4. 문관규·유양근·이명자·함춘성이 쓴 ≪시네 클래스≫

인도의 대중 뮤지컬 형식 영화 ‘마살라’는 러 닝타임이 4시간이 넘고 온갖 장르를 섞어 보 여준다. 한 편의 영화를 통해 모든 것을 다 양하게 즐기려는 인도 관객들의 취향 때문 이다.

-‘비평: 스크린 위의 코드를 풀다’, ≪시네 클래 스≫, 303쪽.

인도 영화의 특징이 뭔가? 마살라 영화다. 마살라가 뭔가? 인도 음식에 꼭 들어가는 혼합 향신료다. 그러면 마살라 영화란 무엇인가? 온갖 향신료를 섞은 것처럼 한 영화에 액션, 로맨스, 코미디, 스릴러를 섞고 여기에 춤과 노래가 더해지는 독특한 스타일의 영화다. 인도 영화는 다 이런가? 대부분 그렇다. 그러나 멀티플렉스의 증가, 도시의 젊은 영화 관객의 취향 변화, 해외에 진출한 인도 영화 감독들의 새로운 시도 때문

에 전통적 발리우드 영화의 형식과 내용에서 탈피하려는 시도도 이루어진다. 발리우드 영화란 무엇인가? 인도 영화의 닉네임이다. 발리우드는 뭄바 이의 옛 이름인 봄베이와 할리우드의 합성 어다. 그래서 뭄바이 외의 지역에서는 발리 우드라는 명칭이 거부되기도 한다. 다른 지 역에서는 콜리우드, 톨리우드로 부르기도 한다. 발리우드의 특징은 무엇인가? 스토리는 권선징악과 해피엔드가 뼈대를 이 루고 춤과 노래가 스토리 전개와 상관없이 수 시로 등장한다. 각종 장르와 외국 영화에서

차용한 스타일이 혼재되어 있고 상영시간이 긴 것이 특징이다. 춤과 노래가 빠지지 않는 이유는 무엇인가? 유성영화가 등장했을 때 다른 언어를 사용하 는 지역 관객에게 자막 없이도 스토리를 전달 하고 감정이입을 이끌어 내기 위해서 노래와 춤이 필요했다. 노래와 춤은 인도 신화와 연 결되고 인도 전통 연극 형식과도 긴밀하다. 언어가 소통되지 않아도 관객을 쉽게 카타르 시스로 안내할 수 있다. 배우는 여러 언어를 어떻게 연기하는가? 그건 어렵지 않다. 더빙을 하기 때문이다. 덕 분에 촬영할 때 낡은 카메라가 소음을 내도

아무 문제가 없다. 노래를 못하는 배우는 어떻게 하나? 플레이백 싱어가 대신 노래한다. 많은 플레 이백 싱어들이 인기를 누리고 있다. 최근 인도에서 인기를 끈 영화는 무엇인가?

2013년 크리스마스에 맞춰 개봉한 액션 시리 즈 <둠 3>가 히트했다. 인기작인 <첸나이 익 스프레스>, <끄리쉬 3>의 기록을 깨고 마의 벽으로 평가되던 50억 루피(약 870억 원)의 티켓을 팔았다. 인도 영화 산업의 특징은 무엇인가? 세계 최대 제작 편수와 관객 수를 자랑한다.

자국 영화의 국내 점유율도 높아 90%가 넘 는다. 한 해 몇 편의 영화가 제작되는가? 약 1000편 정도 제작된다. 할리우드에서 한 해 약 300편이 제작되는 것과 비교해 보면 그 규모를 가늠할 수 있다. 왜 이렇게 많이 만드는가? 인도에서 영화는 가장 인기 있는 오락이다. 인구가 10억 명이 넘고 언어도 30개 이상이 사용된다. 인도 영화라고 하면 주로 힌디어 로 제작된 발리우드 영화를 생각하지만 그게 인도 영화의 전부는 아니다.

한국 영화와 교류는 어떤가? 류승완 감독의 <아라한 장풍대작전>이 2005 년 8월에 인도에서 최초로 개봉됐다. 또 원빈 주연의 <아저씨>가 발리우드에서 정식 리메 이크될 예정이다. 인도 영화의 해외 진출 사정은 어떤가? 십여 년 전부터 북미 시장을 겨냥해 미국에 직접 제작사를 세우고 기획, 제작, 촬영하는 영화가 늘어났다. 인도 국내에서는 외국 영 화 촬영 로케이션과 후반작업을 유치하고 외 국의 영화제작사와 파트너십을 맺어 공동 제 작을 시도하고 있다. 기술 면에서도 국제 경 쟁력을 높여 간다.

당신이 공저자로 참여한 책, ≪시네 클래스≫ 는 무엇을 설명하는가? 이 책은 영화에 입문하는 초보자를 위한 길잡 이 책으로 기획했다. 영화에 관심 있는 누구 라도 쉽게 읽고 영화에 대한 기본 지식을 얻 을 수 있도록 구성했다. 당신은 누구인가? 함춘성이다. 씸엔터테인먼트 공동 대표다.

일 년에 1000편, 점유율 90%의 영화 왕국 영화 한 편에 액션, 로맨스, 코미디, 스릴러가 다 들었다. 춤과 노래도 빠지지 않는다. 대사는 더빙으로, 노래는 플레이백 싱어가 대신한다.

10억 인구의 최고 오락이다.

영화 ＜둠 3＞, 비제이 크리시나 아차리아 감독, 2013

시네 클래스 문관규·유양근· 이명자·함춘성 지음 영화이론 2012년 2월 13일 신국판(153*224mm) 무선 제본, 368쪽 25,000원

작품 속으로

시네 클래스

머리말 너와 나 그리고 우리의 영화

영화는 대중적인 매체다. 사람들은 영화에 대해 많은 것을 알고 있다. 어느 자리에서든 영화에 대한 지식과 자신의 견해를 주저 없이 밝히고 함께 공유한다. 그런데 스스로 미진한 구석이 있다는 생각을 하기도 한 다. 조금 더 체계적으로 영화를 바라보고 설명할 수 있었으면 좋겠다는 바람도 든다. 영화에 대해 여기저기서 습득한 지식을 한데 꿰어줄 도구 가 있었으면 한다. 한편, 요즘 대학에서는 영화 관련 강좌가 대부분 개 설되어 있다. 영화, 신문방송, 광고홍보 등 영상매체 관련 학과가 있는 대학은 물론이거니와 이와 같은 학과가 없는 대학에서도 교양과목 중 하나로서 영화를 다루고 있다. 더불어 수강생도 증가하고 있다. 그럼에 도 불구하고, 가르치는 입장에서도 배우는 위치에서도 마땅한 교재를 찾기가 쉽지 않았던 것도 사실이다.

󰡔󰡔시네 클래스󰡕󰡕는 그런 쓰임새를 위해 만들어졌다. 영화에 대해 관

심이 있는, 영화를 더 알고 싶은, 그래서 영화를 더 사랑하고 싶은, 하지 만 영화와 관련된 지나치게 세부적인 기술 용어와 불필요한 설명은 부 담스러워 하는 이들을 위해 만들어진 책이다.

󰡔󰡔시네 클래스󰡕󰡕는 기획에서부터 집필하는 동안 가상의 독자를 앞에

두고서 이루어졌다. ‘대학에 갓 입학한, 영화와 영상을 전공으로 삼지 않 는, 영화에 대한 관심이 있는, 영화 관련 교양 강의를 수강하려는’ 학생 을 가상 독자로 삼았다. 가상 독자를 설정한 까닭은 첫째, 대학생을 기

준으로 대학생보다 어린 중고생과 대학 과정을 이미 끝마친 일반인도 모두 읽을 수 있는 책, 둘째, 영화 전공자와 비전공자가 함께 봐도 좋을 만한 책, 셋째, 전문적인 내용을 지나칠 정도로 많이 담거나 영화에 대한 접근 방식이 획일적인 영화 입문서와 차별성을 주는 책, 마지막으로 영 화 입문 성격의 교양 강의와 전공 강의에 실제로 활용할 수 있는 책을 만 들기 위해서였다.

󰡔󰡔시네 클래스󰡕󰡕는 영화라는 우물 안에서만 영화를 바라보지 않는다.

오히려 영화 밖에서 영화를 내려다보면서 영화와 관계된 다른 분야까지 도 연관시켜 폭넓게 생각할 기회를 제공한다. 영화 자체에 대한 이해를 심화하되, 영화가 사회 경제 문화 등과 맺고 있는 방식과 내용에 대한 인 식을 확장할 수 있게 한다. 또한, 영화에 대해 이러저러한 지식은 반드 시 갖춰야 한다고도 강요하지 않는다. 대부분의 책이 영화 탄생 초창기 부터 현재까지의 영화를 연대기 순으로 장황하게 다루지만, 이 책은 고 심 끝에 ‘영화의 역사’ 부분을 뺐다. 그러한 이유다. 한마디로 영화 전공 자가 비전공자와 일반 독자를 내려다보며 ‘적어도 이 정도는 알아야 해, 그렇지 않고서는…’이라고 가르치려 하지 않는다. 이런 점이 기존의 영 화 입문서 역할을 하는 책들과 다르다. 이 책은 한 학기 동안 수업에서 활용할 수 있도록 목차와 내용을 고 려하였다. 총 12개의 장으로 이루어졌는데, 가르치는 입장에 따라 더 자 세히 다루고 싶은 장은 두 주에 걸쳐 할 수 있을 것이다. 학생이나 독자 입장에서는 강의를 들을 때에도 유용하겠지만, 강의와 상관없이 혼자 읽어도 도움이 될 수 있게 구성하고 내용을 담았다. 가능하면 우리에게 친숙한 한국 영화를 사례로 설명하고자 했으며, 영화의 여러 장면을 넣 어 이해가 잘 되도록 했다. 각 장의 시작에는 단원에서 알고 넘어가야 할 내용을 간추려 놓았다. 단원별 목표라고 간주해도 좋을 것이다. 각 장의 끝에는 생각해 볼 문제를 실어서 수업에서 토론이나 과제로 활용할 수 있도록 했다.

각 장에서 다루는 내용을 간략하게 소개하면 다음과 같다.

1장(‘나, 제왕의 생애’: 영화를 둘러싼 모든 것)에서는 영화가 종합 예술이라고 간주되는 이유와 영화적 체험이란 무엇이며, 관객이 영화를 수용하는 방식과 의미를 생성하는 과정을 설명한다.

2장(스토리텔링: 영화가 이야기를 보여 주다)에서는 영화에서 이야 기를 전개할 때 사용하는 극적 장치를 살펴보고, 고전적이며 관습적인 스토리텔링과 대안적인 이야기 전개 방식을 비교 논의한다.

3장(연출, 사각의 프레임에 의미를 담다)에서는 감독의 연출에 대 해 논의한다. 감독은 시나리오를 영상화할 때 창의적인 방법으로 주제 와 의도를 구현한다. 영화적 문법과 언어의 관습을 따르면서도 자신만 의 스타일을 연출에 가미한다. 동시에 관객과의 소통을 위해서도 고민 한다. 연출 자체에 대한 이해를 높이는 동시에 연출부의 구성과 작업 과 정에 대해서도 설명한다.

4장(카메라와 컴퓨터: 세상을 만들다)에서는 우리가 스크린에서 보 는 것은 카메라의 시선, 즉 카메라에 의한 화면의 크기, 각도, 움직임 등 으로 대상을 포착한 것임을 이해한다. 카메라와 인간의 시각의 차이점, 카메라의 시선이 관객에게 미치는 심리적·미학적 효과를 알아본다. 컴 퓨터 그래픽에 의한 시각 효과와 디지털 영화에 대해서도 논의한다.

5장(편집: 시간과 공간이 움직이다)에서는 편집이 영화 속 이미지 의 시간과 공간의 연속성을 유지하고 컷과 컷의 흐름을 만들어 내는 것 임을 이해한다. 이야기를 이끌어가기 위해 고안된 다양한 장면 전환 방 식을 보여 주고, 이미지와 사운드로 의미를 생산해 내는 영화의 표현 능 력이 어떻게 진화되었는지 탐구한다.

6장(사운드: 소리를 디자인하다)에서는 영화가 이미지와 사운드의 두 축으로 이루어져 있고, 그중 사운드가 얼마나 중요한 역할을 담당하 는지 알아본다. 그리고 사운드가 이야기 전개에서 의미의 전달은 물론, 관객의 정서를 움직이기 위해 사용하는 방식과 장치를 살펴본다.

7장(영화와 스타: 영화와 현실을 살다)에서는 영화의 별이자 관객 을 매료시키는 배우, 즉 스타에 대해 알아본다. 연극과 영화에서의 연기 를 비교해 살펴보고, 연기 스타일을 기준으로 배우의 유형을 분류한다. 한류에 의거한 스타의 역할과 의미를 문화적 맥락 안에서 논의한다.

8장(장르: 대중의 무의식을 전시하다)에서는 영화를 만드는 사람도 소비하는 관객도 모두 일종의 프레임을 통해 영화를 구분한다는 사실과 그 프레임이 곧 장르임을 이해한다. 장르의 속성과 관습적 요소, 장르 간의 혼합, 각 장르 영화의 특징을 파악함으로써 관객-산업-비평을 잇는 고리로서 장르를 바라본다.

9장(다큐멘터리, 아방가르드, 애니메이션: 다른 세상을 엿보다)에 서는 허구의 이야기를 기반으로 하지 않고 현실을 카메라로 고스란히 포착하고자 하는 다큐멘터리, 우리가 살고 있는 물리적 현실과 가시적 체험 세계를 넘어선 ‘무엇’을 표현하려는 실험적인 아방가르드 영화, 허 구이되 실사 영화가 아닌 애니메이션에 대해 알아본다.

10장(영화 비즈니스: 예술과 상품 사이를 걷다)에서는 영화를 예술 작품인 동시에 상품이기도 하다는 시각에서 관객이 소비하는 상품인 영 화가 어떻게 생산-유통-소비되는지 살펴본다. 상품인 영화의 특징, 소비 자인 관객의 특성과 소비 방식, 그리고 흥행 수익을 위한 고려 사항 등을 논의한다.

11장(비평: 스크린 위의 코드를 풀다)에서는 영화 보기를 넘어서 영 화에 대한 글쓰기를 고민한다. 영화를 이해하고 해석한 바를 글로 직접 표현해 보는 방법을 안내한다. 비평 방법을 소개한 후, 학생과 전문가가 쓴 글을 함께 비교해 보고 자신만의 비평을 시도하게 한다.

12장(영화의 미래: 공존의 길목에 서다)에서는 디지털 시대의 미디 어 환경에서 영화의 위상은 예전 같지 않음을 확인한다. 이후, 영화의 미래는 어떻게 될 것인가, 영화의 존재 양식은 어떤 방향으로 탈바꿈하 게 될 것인가, 영화의 존립과 영향력을 새로운 환경에서도 유지 확대하

려면 어떻게 해야 할 것인가를 논의한다.

12개의 장은 네 명의 공저자가 나누어 썼다. 스토리텔링·영화 비 즈니스·첫 번째 장인 영화를 둘러싼 모든 것은 함춘성, 연출·편집· 사운드 분야는 문관규, 카메라·연기·영화의 미래는 유양근, 장르·비 평·다큐·아방가르드·애니메이션 부문은 이명자가 각각 집필했다. 책의 취지를 살리고 독자와의 소통이 더 잘 되도록, 책의 내용과 형식에 서 미비한 점은 앞으로 보완해 나갈 계획이다. 아이디어를 함께 나누고 지원을 아끼지 않았으며 약속보다 늦게 나 온 원고를 참고 기다려 준 커뮤니케이션북스㈜의 전정욱 주간님과 박선 영 편집팀장께도 감사를 드린다.

2012. 2 저자를 대표하여 함춘성

차례

v

머리말: 너와 나 그리고 우리의 영화

01 나, 제왕의 생애: 영화를 둘러싼 모든 것 3

영화와 다른 예술 매체 영화적 체험

7

감정의 여행

9

관객의 기대

12

관객의 수용

16

02 스토리텔링: 영화가 이야기를 보여 주다 27

인물, 사건, 배경

28

사건의 선택과 배제 그리고 배열

33

원인과 결과에 의한 사건의 연쇄 3막 8장 구조와 관객의 궁금증

37 45

대안적인 이야기 전개 방식과 요소

03 연출: 사각의 프레임에 의미를 담다 영화 연출자의 역할

59

연출부와 제작부의 구성과 역할 연출의 의도와 스타일 작품의 모티브

76

캐스팅의 사례

77

65

61

04 카메라와 컴퓨터: 세상을 만들다 85

카메라의 기능, 역할, 미학 89

피사체의 크기와 앵글 카메라 움직임과 깊이감

95

디지털과 컴퓨터 그래픽

99

106

촬영과 현대의 영화

05 편집: 시간과 공간이 움직이다 113

편집이란 무엇인가 편집의 중요한 개념들 편집의 유형

시간과 공간의 장면 전환 편집의 미학

116

121 128

135

06 사운드: 소리를 디자인하다 145

영화 소리의 도입

사운드의 세 가지 종류

146

147

영화의 목소리 다양한 음향효과

150

영화 음악의 세계

160

07 영화와 스타: 영화와 현실을 살다 연극에서의 연기, 영화에서의 연기 잘하는 연기, 자연스러운 연기 영화의 별, 스타 한류와 스타

186

190

176

171

08 장르: 대중의 무의식을 전시하다 199

친숙한 것을 낯설게 하기, 낯선 것을 친숙하게 하기 202

과잉의 미학: 멜로드라마

211

‘지금 여기’의 미학: 코미디

억압된 것의 돌아옴: 공포 영화

215

비열한 거리에서 탄생한 공공의 적: 갱스터 영화

219

09 다큐멘터리, 아방가르드, 애니메이션: 다른 세상을 엿보다 227

관객과 현실의 직접 대면: 다큐멘터리

순수하게 영화적인 이미지와 움직임: 아방가르드 영화 242

생명을 얻은 사물의 목소리: 애니메이션

10 영화 비즈니스: 예술과 상품 사이를 걷다 영화는 텍스트다: 그림 대 영화

259

상품으로서의 영화: 햄버거 대 영화

261

영화의 수요와 공급: 소비자 대 시장 조사 투자와 배급의 메커니즘: 흥행과 수익

265

267

주류영화 대 독립(저예산)영화: 제작비와 수익률

11 비평: 스크린 위의 코드를 풀다 감독과 작가주의 비평

286

사회의 무의식과 장르 비평 영화 언어와 형식주의 비평

290 295

역사적 관점과 역사 비평

301

시선과 이데올로기 비평

307

274

235

12 영화의 미래: 공존의 길목에 서다 영화와 디지털 시대

319

영화와 미디어, 게임

323

영화의 미래

328

영화명·인명·용어 원어 병기 미주

347

334

01 나, 제왕의 생애: 영화를 둘러싼 모든 것

지난 100여 년 동안, 영화는 대중이 가장 쉽고 편하게 접근할 수 있는 예술 매체로서 사랑을 받아왔다. 영화는 대중에게 가까운 존재인 동시에 종합예술이기도 하다. 종합예술이라고 불리는 이유는 영화에 예술의 거의 모든 분야가 개입되어 있기 때문이다. 영화를 다른 예술 －소설, 회화, 사진, 연극 등－과 비교하며 영화의 특성을 파악해 보자. 스티븐 킹은 소설을 일컬어 ‘거짓의 거미줄로 이루어진 이야기’라고 말한 바 있다. 영화 역시 소설처럼 허구의 이야기다. 영화는 허구를 움직이는 이미지로 만든다. 관객은 영화를 보는 행위를 통해서 경험하는 바가 있다. 이를 일컬어 ‘영화적 체험’이라 한다. 영화적 체험에서 상상력과 감정이 어떤 역할을 하는지 알아보자. 관객은 영화와 상호작용을 한다. 관람하기 전에 만들어지는 기대와 영화를 수용하게 되는 맥락이 있다. 관객은 보고자 하는 영화에 대해 기대를 갖게 되는데, 그러한 기대를 형성케 하는 요인이 무엇인지 살펴보자. 또한 영화를 수용하게 되는 서로 다른 맥락도 논의해 보자. 그럼으로써 관객이 영화에서 구하는 재미와 의미가 맥락에 따라 가변적일 수 있고, 동일한 영화에서 다양한 시각과 의미를 만들어 낼 수 있다는 점을 확인해보자.

‘나, 제왕의 생애’는 중국 소설가 쑤퉁의 장편소설 제목이다. 소설은 열 네 살에 왕의 자리에 오르나 광대로 변신하게 되는 한 사내의 이야기를 그린다. 지난 100여 년 동안 영화는 모든 예술이 흘러들어와 융합되는 그리고 수많은 사람들이 함께 모여서 보고 누구나 얘기할 수 있는 매체 로서 엔터테인먼트의 제왕과 같은 자리를 누렸다. 영화는 우리의 일상 생활에 깊숙이 들어왔다. 사람들은 영화에 대하여 언제 어디서나 거리 낌 없이 편하게 이야기한다. 우리는 영화에 대해 많은 것을, 아니 모든 것을 알고 있다. 그래서 누구에게나 영화는 쉽게 넘볼 수 있는 대상이다. 그 모습이 만인지상의 제왕이면서 만인지하의 저잣거리의 광대와 닮은 듯하다.

영화와 다른 예술 매체 우리에게 ‘영화를 본다’는 것은 무엇을 의미하는가? 문화 활동, 여가 활 동, 시간 때우기, 데이트? 그렇다면 영화 관람은 소설이나 시를 읽는 것, 그림이나 사진을 감상하는 것, 연극을 보는 것, 춤이나 오페라 등의 공연 을 보는 것, 조각이나 건축물 내지 설치미술을 보는 것과는 어떤 면에서 다른 것일까? 영화는 말한다. ‘내 안에 네가 있다.’ 영화는 영화에 앞선 모든 예술 매체의 특성을 수용하면서 각 매체의 한계를 넘어서 왔다. 영화에는 소설처럼 이야기가 있다. 영화는 이야기 속 세계를 과거 로 미래로 주라기 시대로 외계로 자유자재로 확대할 수 있다. 이야기 속 시공에는 경계가 없다. 이런 점에서 영화는 소설과 닮았다. 오히려 영화 는 한 발 더 나아간다. 영화가 소설보다 이야기 속 세계를 생생하게 구현 해서 보여 준다. 소설의 독자는 문자를 매개로 스스로 이미지를 떠올려 야 하지만, 관객은 자신이 생각해 낼 수 있는 것보다 더 구체적이고 화려

그림 1-1 소설과 영화. 동명소설의 영화화

자동차를 몰고 가던 주인공 에드워드 블룸은 영문도 모르게 물속으로 들어가게 된다. 주인공 은 물론 관객에게도 현실과 환상의 경계가 모호해진다. 사진은 <빅 피쉬>의 한 장면

하며 웅장하기조차 한 이미지를 힘 안 들이고 볼 수 있다. 관객은 영화가 제공하는 그런 이미지와 사운드에 압도당한다. 그러길 소망한다. 소설 원작을 각색하여 만든 영화 중, ‘책은 안 읽었지만 영화는 봤다’는 관객 이 얼마나 많은가? 회화와 사진과 영화를 비교해 보자. 영화에 앞서 사진이 있었고, 사 진이 발명되기 전에는 회화가 먼저 있었다. 알타미라 동굴에는 구석기 인이 그린 동굴 벽화가 있으니 인류가 그림을 그리기 시작한 것은 꽤 오 래전부터였다. 회화는 캔버스에 실재를 재현해 놓는다. 프레임에 담긴 사진의 이미지도 실제 사물에 대한 재현이다. 우리가 사진 속의 의자를 보는 행위는 의자라는 사물 자체를 보는 게 아니다. 우리는 사진에서 의 자라는 사물을 재현해 놓은 것을 본다. 재현의 기능과 능력에서 사진은 회화를 대체했다. 초상화보다는 인물 사진이 실재에 더 가깝게 느껴지 기 때문이다. 회화와 사진이 모두 재현 매체이지만, 회화는 현존하지 않는 것도

재현할 수 있는 반면, 피사체에 의존하는 사진은 현존하는 사물만을 드 러낼 수 있다. 사진은 한 장소에서의 순간을 빛의 작용으로 포착하기 때 문이다. 영화도 회화와 사진과 마찬가지로 재현을 한다. 피사체에 의존해서 현존하는 사물만을 촬영할 수 있다는 점은 영화를 회화와는 다르고 사 진과는 유사한 것으로 자리매김한다. 영화가 사진과 가장 다른 점은 움 직임을 만들어 낸다는 사실이다. 회화와 사진은 움직임을 만들어 내지 못한다. 영화는 회화와 사진의 정적인 이미지를 넘어선다. 영화는 움직 이는 이미지다. 영화는 사건의 배열을 통해서 사건의 시간적 관계를 재 현할 수 있다. 실은, 편집으로 합성에 의한 인위적인 시간 창출이다. 현 실에서는 서로 연결되지 않는 시간을 이어 붙이고, 그러한 이미지에 기 반을 두고 공간도 지속되게끔 재현한다. 영화는 연속되는 시간-공간적 이미지에 사운드(대사와 음악과 효과음)를 덧붙여 관객의 시청각을 동 시에 만족시켜 준다. 회화와 사진이 꿈꿀 수 없었던 일이다. 연극은 무대 위에서의 장면화와 등장인물의 대사로 보는 이에게 감 정이입을 이끌어 내어 카타르시스를 선사한다. 영화도 연극처럼 극 중 인물이 대사를 하며 연기를 한다. 등장인물이 겪는 사건과 이에 따라 증 폭되는 갈등과 내면의 변화를 보여 준다. 하지만, 영화로 이야기를 펼치 기에는 연극의 무대가 비좁다. 영화는 연극의 좁은 무대로 인해 제약을 받는 시공간을 벗어난다. 영화는 시간과 공간의 제약을 받지 않는다. 사 건의 흐름을 빠르고 다이내믹하게 전개할 수 있고, 같은 시간대에 일어 나는 사건을 병치해서 보여 줄 수도 있다. 카메라는 사건의 진행을 일부 러 느리거나 고속으로 보여 줄 수도 있다. 등장인물의 내면은 더욱 알기 쉽게 다양한 방식으로 전달될 수도 있다. 카메라는 등장인물과 사물과 배경의 세부적인 면까지도 확대하여 보여 줄 수도 있다. 그럼으로써 우 리는 한 인물이 겪는 기쁨과 애환을 온전히 내려다보며 파악한다는 느 낌을 가질 수 있게 된다. 연극이 할 수 없었던 일이다.

그림 1-2 동시에 발생하는 시간의 지속과 정지

주인공 에드워드 블룸이 앞으로 걸어 나오는 순간, 그를 제외한 모든 사물과 사람은 시간이 정지된 것인 양 멈춰져 있다. 사진은 <빅 피쉬>의 한 장면

영화의 움직이는 이미지는 리드미컬하게 편집되어 춤을 추듯이 스 크린에서 너울댄다. 어쩌면 시의 운율과도 닮아 있다. 춤과 음악이 스토 리의 주요 전달 수단이 되는 뮤지컬 영화는 더욱 그렇다. 영화에는 시가 제공하는 심상과 은유와 상징도 담겨 있다. 영화에서 서로 다른 이미지 와 이미지의 충돌은 새로운 이미지와 의미를 생성하기도 한다. 영화는 음악과 효과음으로 관객이 등장인물의 심리를 느낄 수 있게 도와준다. 오페라는 주인공이 직접 자신의 마음을 노래로 표현하지만, 영화 속 주 인공은 뮤지컬 영화가 아닌 바에야 그럴 필요가 없다. 주인공이 심정을 직접 표현하지 않더라도 또는 극 안에서 들려오는 음악이 아니어서 주 인공은 듣지 못하더라도, 관객은 음악을 통해 말 없는 주인공의 심리를 이해하고 감정을 공감할 수 있다. 이렇게 영화에는 시와 춤과 음악적인 요소가 들어와 있다. 가장 뒤늦게 태어난 영화는 문학, 연극, 미술, 건축, 음악 등을 빠르 게 모방하고 흡수했다. 그러나 이에 머물지 않고 자양분을 주었던 장르

의 범주를 넘어 한 발 더 나아간다. 영화가 단지 스크린에 투사된 그림자 가 아니며 허구(fiction)의 그림자놀이가 아님을 증명이라도 하려는 듯, 기술적 진보를 바탕으로 끊임없이 한계를 넘어서 왔다.

영화적 체험 영화의 기술적 진보의 전제는 현실감이다. 영화는 어느 매체보다도 생생 한 현실감을 확보하고자 노력해 왔다. 스크린에 펼쳐진 장면이 바로 내 눈앞에서 일어난 것처럼 느끼게 하려는 것이다. 장면에 사운드가 더해지 고 역동적인 움직임이 가미되어, 허구를 현실처럼 판타지를 현실처럼 느 끼게 한다. 이를 ‘영화적 체험’이라 한다. 영화적 체험은 외부와 단절된 영화관의 어두운 공간에 의해 더욱 강화된다. 와이드스크린, 3D, 컴퓨터 그래픽 등도 모두 영화적 체험을 극대화하기 위한 도구다. 이제는 관객 의 감각 중 시청각만을 만족시키는 데 그치지 않고 후각 등 다른 감각도 자극한다. 이미 미각은 팝콘과 음료수로 영화에 빼앗긴 지 오래다. 기술적 성취로 인해, 영화가 다루는 주제와 방식에는 한계가 없어 보인다. 시적인 분위기의 서정적인 영화에서부터 큰 스케일의 서사적인 역사물까지 다루지 못할 이유가 없다. 우리의 관능을 자극하는 영화에 서부터 철학적이고 형이상학적인 질문을 던지는 영화에 이르기까지 한 계가 없다. 주관적인 시점에서부터 객관적인 시점에 이르기까지 다양한 시점을 섞어서 이야기를 전달할 수도 있다. 관객의 눈에서 눈물을 흘리 게 하기도 하고 몸속에서는 아드레날린을 분비하게도 한다. 이것 또한 ‘영화적 체험’을 구성한다. 영화는 각각의 예술을 모아 짜깁기한 종합에 머물지 않았다. 기술 을 바탕으로 우월한 지위를 지닌 엔터테인먼트의 독보적인 존재로 자리 매김 했다. 그리고 자신을 대중화했다. 영화만큼 한꺼번에 많은 사람이

함께 볼 수 있는 매체가 어디 있었겠는가? 영화만큼 상대적으로 적은 시 간과 돈으로 즐길 수 있는 것이 어디 있겠는가? 물론, 이러한 영화의 위 치는 컴퓨터 게임이나 소셜 네트워크가 대체할 가능성이 높아 보이지 만, 박스오피스로 대변되는 영화의 지위는 여전히 상징적이다. 영화의 영향력은 증대되었지만 스스로를 대중화한 만큼, 영화는 문 학, 음악, 미술, 건축, 연극 등에 비해 덜 고상한 매체로 대접받는다. 오 락거리에 불과한 것으로 받아들여진다.

셰익스피어의 󰡔󰡔맥베스󰡕󰡕󰡕5막 5장에서 주인공 맥베스는 다음과 같이

말한다.

인생이란 걸어가는 그림자, 자기가 맡은 시간만은 장한 듯이 무대 위에서 떠들지만 그것이 지나가면 잊혀지는 가련한 배우일 뿐. 인생이란 바보가 지껄이는 이야기, 시끄러운 소리와 광포로 가득하지만 아무것도 의미하지 않는 이야기.1)

맥베스의 대사에서 ‘인생’을 ‘영화’로 바꿔 읽어도 무방해 보인다. ‘영화란 바보가 지껄이는 이야기…’ 그럼에도 지난 100여 년 동안 영화 가 엔터테인먼트의 제왕적 자리를 유지한 이유는 무엇일까? 영화의 존 재 이유는 무엇일까? 관객은 왜 “바보가 지껄이는 … 아무것도 의미하지 않는 이야기”를 보고 들으려 하는 것인가? ‘영화적 체험’을 통해 무엇을 얻는 것일까?

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