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할리우드의 ABC 스튜디오 시스템, 스타 시스템 그리고 블록버스터는 할리우드를 만들고 다시 살렸다. 서부극은 가고 멀티미디어 시대가 왔지만 제작, 배우, 비즈니스의 삼박자는 변하지 않았다.

＜할리우드＞, 토머스 하트 벤턴 그림, 1938

인텔리겐치아 2433호, 2015년 2월 4일 발행

신강호가 쓴 ≪할리우드 영화≫

1930년대의 대공황 기간 동안 성공한 영화 들을 살펴보면 대중이 영화를 통해 얻고자 한 것은 바로 화려함과 풍요로움, 재미라는 것을 알 수 있다. 누구나 25센트만 있으면 자 신들의 꿈이 실현될 수 있는 행복과 번영의 나라, 즉 현실과는 상반된 미국의 모습을 즐 길 수 있었다. 그것이 그들의 현실과 거리가

멀어도 상관없었다. 배고픈 사람들이 태반 이었는데도 스타들의 호의호식을 보고 불평 이나 불만을 하지 않았다. 관객들이 원하는 것은 현실이 아니었다. 몇 시간이나마 가난 과 실업의 절망감에서 벗어날 수 있고 풍요 를 맛볼 수 있는 영화는 꿈의 궁전이었다. 관 객들은 영화를 통해 우울한 일상을 잠시나 마 잊고 새로운 꿈의 세계로 빠질 수 있었다. 할리우드는 바로 그 꿈을 만드는 곳이었다.

- ‘미국 영화와 할리우드 시스템’, «할리우드 영화», viii쪽.

꿈을 만드는 공장은 언제 문이 열렸나?

1910년대 초반이다. 로스앤젤레스 할리우드 지역에 영화 제작사들이 모여 들기 시작한 때다. 왜 하필 로스앤젤레스였나? 화창하고 건조한 날씨 때문이다. 일 년 내내 야외 촬영이 가능했다. 캘리포니아주 남부 는 태양과 사막, 산, 숲, 비탈처럼 다양한 광 경을 제공했다. 영화에서 날씨와 자연이 그렇게 중요한가? 그 당시 가장 인기 높은 장르가 서부극이었 기 때문이다. 서부극은 실제 서부에서 촬영 했을 때 더 실감이 난다. 영화사들이 모여 있

던 뉴저지와 뉴욕에서는 찾기 어려운 환경이 었다. 할리우드를 세운 것은 서부극이었나? 그렇다. 흥행이 성공하자 할리우드 스튜디 오들은 곧 거대한 밀실 스튜디오와 많은 부서 를 거느린 복합 시스템으로 성장한다. 할리 우드는 1920년대를 전후로 미국 영화 산업의 중추로 자리 잡는다. 할리우드 시스템의 핵심은 뭔가? 스튜디오 시스템이다. 영화 제작·배급·상 영의 수직 통합과 제작 표준화, 협동 창작 제 도를 특징으로 한다. 특히 제작사가 극장을 사들이고 짓는 수직 통합 전략이 주효했다.

수직 통합의 이득은 뭔가? 이익의 안정화와 극대화를 꾀할 수 있다. 거 물급 제작자들은 극장 체인을 소유함으로써 영화의 직판점을 확보했다. 일정 수준 이상의 흥행 수익을 담보하는 장치였다. 이익이 안정되면 어떤 일이 일어나는가? 대작 영화 제작이 가능해졌다. 영화 볼거리 의 품질을 높이고 외국 영화 제작자들을 스카 우트하는 자금원이 되었다. 스튜디오 시스템이 만든 영화는 무엇인가? 특수효과가 대거 투입된 ＜킹콩＞과 ＜오 즈의 마법사＞가 대표작이다. 뮤지컬영화 ＜42번가＞, 공포영화 ＜드라큘라＞와 더불

어 스크루볼코미디, 갱스터영화, 전쟁영화 와 같은 장르영화가 표준화된 공정으로 대거 제작, 유통되었다. 스튜디오만으로 할리우드가 가능했는가? 두 번째 성공 요인이 있었다. 스타 시스템이 다. 대형 제작사들은 스타의 이미지와 캐릭 터를 치밀하게 계산해 창조했다. 관객들 에게 친숙하게 다가가기 위해서였다. 누가 스타 캐릭터였나?

MGM은 그레타 가르보, 진 할로 같은 매혹적 여배우를 내세웠고, 워너브라더스는 제임스 캐그니, 험프리 보가트 같은 터프한 남자 성 격 배우를 좋아했다. 파라마운트는 클로데트

콜베르, 마를렌 디티리히, 캐리 그렌트처럼 세련된 외모의 배우들을 자랑했다. 외국 배우 를 기용해 이국적 분위기를 창조했다. 스타 시스템의 결과는? 관객들이 주연배우만 보고 어떤 영화인지 짐 작할 수 있을 정도로 영화 선택의 한 기준이 되었다. 스타 배우가 흥행의 보증 수표가 된 것이다. 제작사가 스타 관리에 힘을 쏟게 된 이유다. 스타를 어떻게 관리했나? 제작사 홍보부서가 스타들의 바깥 일정을 대 중에게 최대한 노출되도록 조정했다. 적당 한 수준으로 열애설도 터트렸다. 치밀한 각

본과 계산, 선전과 조작을 통해 스타들을 관 리한 것이다. 스튜디오의 시대는 언제 끝나는가?

1949년 미국 대법원이 스튜디오 시스템을 독 점 시스템이라고 판결하면서 쇠락하기 시작 한다. 스튜디오의 배급과 상영에 대한 권한 을 결정적으로 약화하는 조치였기 때문이다.

1950년대 이후 텔레비전이 주요 대중매체로 등장하면서 영화 관객도 점차 줄어들었다. 할리우드는 죽었나?

1970년대 ‘뉴 할리우드’ 시기를 거치면서 다 시 태어난다. 거대한 물량과 제작비가 투여 된 블록버스터 영화가 제작되기 시작한 때

다. 블록버스터는 초국가적 상품이자 고부가 가치를 지닌 멀티미디어 복합체의 일부분으 로 미국의 문화적 패권의 한 축을 맡게 된다. 뉴 할리우드의 성격은? 유료 케이블과 홈비디오 같은 다양한 2차 시 장의 매출을 바탕으로 극적으로 성장한다. 비디오 산업이 영화 산업을 능가하는 규 모로 확대되면서 할리우드 영화 산업 자체의 기본 틀이 변한다. 거대 자본에 의한 인수합 병이 영화 시장을 주도하기에 이른다. 이 책, ≪할리우드 영화≫는 무엇을 말하는 책인가? 영화의 탄생에서 블록버스터 영화가 등장하

기까지 미국 영화 산업의 흐름을 짚는다. 할 리우드 영화가 어떻게 국제적 산업과 예술로 개발되었는지를 살폈다. 당신은 누구인가? 신강호다. 대진대학교 연극영화학부 교수 다.

할리우드의 ABC 스튜디오 시스템, 스타 시스템 그리고 블록버스터는 할리우드를 만들고 다시 살렸다. 서부극은 가고 멀티미디어 시대가 왔지만 제작, 배우, 비즈니스의 삼박자는 변하지 않았다.

＜할리우드＞, 토머스 하트 벤턴 그림, 1938

할리우드 영화 신강호 지음 영화이론 2013년 2월 25일 사륙판(128*188) 무선 제본,142쪽 9,800원

작품 속으로 커뮤니케이션이해총서

할리우드 영화 신강호

미국 영화와 할리우드 시스템

이 책은 오늘날 널리 사용되고 있는 연구방식에 따라 할리 우드 영화 역사를 소개하려고 한다. 따라서 영화 미학이 나 이론에 대한 전문지식은 되도록 언급하지 않았다. 그 대신 현재까지 널리 수용되고 있는 미국 영화사를 영화산 업의 흐름을 중심으로 이 한 권의 분량으로 요약하고자 했 다. 영화 제작과 영화산업은 폭넓은 사회, 경제, 그리고 정 치적 배경과 함께 영향을 주고받는다. 미국 영화 역사는 영화를 중심으로 관련 예술과 문화는 물론 폭넓은 세계에 대해 생각하게 할 것이다.

영화의 탄생 영화가 탄생하기 이전부터 영화의 메커니즘과 관련된 몇 몇 과학적, 기술적, 화학적 원리와 그를 토대로 한 기술의 발달이 이루어졌다. 영화의 전사(前史)로 일컫는 이러한 것들에는 간헐적으로 제시되는 이미지를 연속적인 것으로 느끼게 하는 잔상효과 외에도 사진기술과 촬영기, 롤 필름 등이 포함된다. 영화의 전사에 해당하는 것들은 잔상효과

의 원리가 발표된 1600년대부터 셀룰로이드 롤 필름이 개 발된 1888년 사이에 이미 모두 개발되어 활용되고 있었다.

1891년에 에디슨 연구소는 이러한 여러 요소들을 종합 해 키네토그라프(kinetograph)라는 이름의 촬영기와 키 네토스코프(kinetoscope)라는 이름의 재생기를 선보였 다. 키네토스코프는 오늘날의 영화 기기와 달리 한 사람 만이 움직이는 이미지를 볼 수 있는 핍 쇼(peep show) 형 태였다. 에디슨의 키네토스코프 원리를 개량해 프랑스의 뤼미 에르(Lumière) 형제가 시네마토그래프(cinematograph) 를 완성한 것은 1895년 2월 10일이었다. 이들은 1895년 12월 28일에 파리의 그랑 카페(Grand Café)에서 시네마 토그래프의 대중 공개 상영을 시작했다. 이 상영은 극장 에서, 동시에 여러 사람이 함께 볼 수 있도록 한 스크린 영 사 방식으로, 1프랑의 입장료를 받아서 시행했다는 면에 서 오늘날의 영화 상영 형태와 흡사했다. 그런 까닭에 이 날을 세계영화의 날로 기념하고 있다. 영화의 발명은 몇몇 나라의 기술자와 기업가를 포함하 는 긴 과정이었다. 미국의 특허권 보유자들의 투쟁이 미 국의 영화산업 발전을 늦춘 반면, 프랑스 회사들은 세계시 장으로 빠르게 진출했다.

할리우드 스튜디오 시대의 황금기 미국 영화산업은 영화 초창기인 1900년대에 소규모의 스 튜디오를 기반으로 시작해 1920년대에서 1960년대 사이 에 거대한 스튜디오를 기반으로 한 독점 자본주의로 변모 했다. 스튜디오 시대를 1920년에서 1960년까지로 본다면, 그 가운데 대략 1930년에서 1945년까지를 할리우드 스튜 디오 시대의 황금기(golden age), 또는 고전기(classic period)라고 부른다. 공장 제작 양식과 노동의 분화를 통 한 할리우드 스튜디오 시스템이 1920년대에 발달되면서 1930년대 들어서 황금기를 맞은 것이었다. 할리우드 영화산업은 1900년대 초까지만 해도 조그만 시장 자본이었으나 1920년대에서 1960년대에 이르기까 지 메이저 스튜디오들의 독점자본이 되었고, 이후 오늘날 에 이르기까지 다국적 자본으로 집중화되었다. 뿐만 아니 라 이 당시 할리우드의 영화산업은 미국뿐만 아니라 세계 적으로 가장 대중적인 산업으로 존재했다. 영화의 탄생 이후 1910년대까지 대중을 사로잡았던 영화 의 매력이 시각적 스펙터클에 주로 있었다면 1920년대 이후 부터 영화는 소설이나 연극과 마찬가지로 이야기의 즐거움 과 배우의 연기와 매력을 대중에게 선사할 수 있게 되었다.

1930년대는 할리우드의 황금기로서 제도적인 측면이나 영

화 미학적인 측면에서 현재까지 영향을 미치는 스튜디오 시스템과 스타 시스템, 장르 시스템을 구축한 시기다.

1930년대의 대공황 기간 동안 성공한 영화들을 살펴보 면 대중이 영화를 통해 얻고자 한 것은 바로 화려함과 풍 요로움, 재미라는 것을 알 수 있다. 최소한 25센트만 있으 면 자신들의 꿈이 실현될 수 있는 행복과 번영의 나라, 즉 현실과는 상반된 미국의 모습을 즐길 수 있었다. 그것이 그들의 현실과 거리가 멀어도 상관없었다. 배고픈 사람들 이 태반이었는데도 스타들의 호의호식을 보고 불평이나 불만을 하지 않았다. 관객들이 원하는 것은 현실이 아니 었다. 몇 시간이나마 가난과 실업의 절망감에서 벗어날 수 있고 풍요를 맛볼 수 있는 영화는 꿈의 궁전이었다. 관 객들은 영화를 통해 우울한 일상을 잠시나마 잊고 새로운 꿈의 세계로 빠질 수 있었고 할리우드는 바로 그 꿈을 만 드는 곳이었다. 스튜디오들은 영화의 제작, 배급, 상영의 수직 통합 (vertical integration)을 통해 이익의 극대화를 꾀했던 것 이다. 1, 2차 세계대전 사이에 미국 영화는 세계 영화 시장 의 80%를 점유했다. 그리고 미국 영화사를 논할 때 대략 1927년경부터 1960년까지를 ‘할리우드 영화의 고전적 스 타일’이 지속되었다는 차원에서 고전적 시기로 분류하기

도 한다. 스튜디오 시대의 황금기 동안 할리우드 영화산업은 스 튜디오 시스템을 통해 영화 제작의 표준화를 추구했다. 할리우드라는 개념은 스튜디오 시스템의 거대한 협동창 작과 연관 지을 수 있다. 이 시기를 특징짓는 세 가지 주요 시스템은 결국 최상의 흥행을 보장하기 위한 방편으로 고 안된 시스템이었다. 스튜디오 시대 동안 대공황과 전쟁으로 세계 영화 시장 은 불규칙했지만 할리우드 영화는 세계 각국 스크린의 4분의 3 이상을 지배했고, 오늘날에도 40% 이하로 떨어져 본 적이 없다. 따라서 관객들은 할리우드라는 렌즈를 통 해 세계를 상상하고 창조하는 것이다. 스튜디오 시대에 영화를 보는 것은 할리우드가 재현하 는 특별한 세계에 관객들이 동참하는 것이었으며, 관객들 은 ‘꿈의 공장’이 만들어내는, 일상생활에서 결핍된 모든 자극, 로맨스, 모험에 도취했다. 할리우드는 그러한 관객 들을 도피와 향수와 상상의 세계로 인도했다. 스튜디오 시스템이 할리우드가 산업적 기반을 체계적 으로 정비하는 과정에서 구축된 하드웨어의 결집체라면, 스타 시스템과 장르 시스템은 콘텐츠의 핵심을 이루는 내 용과 형식이며 문화인 것이다.

스타 시스템 1910년 이전에는 배우 이름이 영화의 자막에 거의 나타나 지도 않았다. 그것은 이름이 알려질 경우 배우들이 높은 출연료를 요구할지도 모른다고 제작자들이 걱정했기 때 문이었다. 하지만 무성영화 시대를 통해 대중은 어떠한 방식으로 든 좋아하는 배우들에게 이름을 붙이게 되었다. 가령 메 리 픽포드(Mary Pickford)는 그녀가 맡았던 배역의 이름 인 ‘리틀 메리’로 먼저 알려졌다. 스타에 대한 대중의 사랑 은 영화 제작자들이 대중과 스타 양쪽 모두를 착취하도록 부추겼다. 스타들은 갑자기 부와 권세를 얻어 희희낙락했 고, 할리우드의 화려하고 장엄한 모습에 도취되어 대중은 점점 더 열을 올려 스타에 관해 알려고 했다. 그리고 영화팬들을 위한 잡지가 우후죽순 격으로 나타 나기 시작했다. 1911년 최초의 영화잡지 ≪영화 이야기 잡지(The Motion Picture Story Magazine)≫가 창간되고, 이어 서 여러 영화잡지들이 나오면서 배우들과 새 영화들을 소 개하기 시작했다. 호황을 누리던 영화사들은 이러한 호기 심을 만족시키기 위해 쉬지 않고 광고를 해댔다.

1910년대 중반 이래로 하나의 시스템으로 자리 잡게 되 면서 스타 시스템은 미국 영화산업의 중추적인 역할을 하

게 된다. 스타는 대중이 창조한 것이면서 한편으로는 대 중을 지배하는 최고의 인기인이었다. 가령 1920년대에 메 리 픽포드와 찰리 채플린(Charles Chaplin)은 엄청난 수 익을 보장받는 스타들이었다. 그리고 1920년대 후반 유성 영화 시대가 도래하면서 1930년대와 1940년대에 스타 시 스템은 그 전성기를 구가하게 된다. 전통적으로 부침이 심한 영화산업에서 영화사는 어느 정도 흥행을 보장받기 위한 일종의 담보물로 스타를 이용 했다. 오늘날에도 스타는 담보가 가능한 상품이라고 일컫 고 있다. 즉, 스타는 투자자들에게 큰 이득을 안겨 주는 보 험증서와 같다는 것이다. 메이저 영화사들은 그들의 스타 를 귀중한 투자 대상으로 보았고, 각 영화사는 많은 시간 과 돈을 들여 나름대로 스타 양성의 기법을 개발했다. 상품가치를 인정받는 톱스타는 자막에서 영화제목보 다 먼저 자기 이름을 내세울 수 있고 감독이나 촬영감독, 같이 출연할 배우를 선정할 때 영향력을 행사하기도 한다. 그리고 자신이 촬영되는 장면의 수량까지도 영화사에 확 인을 받는다.

장르 시스템 무성영화 시대의 많은 장르들은 유성영화 시대에도 계속

이어졌다. 그러나 산업 내 기술적 변화와 세계사적 변화 들은 새로운 장르들을 등장하게 했고 오래된 장르에 새로 운 변형을 가하도록 했다. 같은 장르에 속하는 영화들이 공식(formula), 관습(convention), 도상(icon)을 공유함 으로써 관객들에게는 친숙한 이야기가 된다. 가령 갱스터 영화에서 대로변의 자동차 추격전, 서부극의 결투, 갱스 터영화에서 경찰이나 동료의 총에 맞아 쓰러져 가는 주인 공의 처참한 말로, 뮤지컬에서 남녀 주인공의 사랑의 이중 창 등은 장르영화에서 예견 가능하고 친숙한 장면들이다. 이 세 가지 장르 요소의 반복은 관객에게 기대감을 준 다. 다른 영화들에서 봤던 비슷비슷한 요소들을 알아차릴 때쯤 관객은 다음에 무엇이 나올 것이며 어떻게 이야기가 전개될 것이라는 기대감을 갖고 보게 된다. 그러나 이 말이 곧 동종의 장르영화가 똑같아야 한다는 의미는 아니다. 감독은 이러한 공식, 관습, 그리고 도상을 따르지만 자신의 영화를 독특한 것으로 만든다. 따라서 감독은 낯선 것을 관객들이 보아온 영화에 맞추어야 하지 만 또한 관객에게 이미 친숙해진 것을 새롭게 만들기도 해 야 한다. 이것을 변주라고 할 수 있는데, 새로운 영화의 등 장으로 하나의 장르는 늘 새롭게 발전해 간다. 장르는 그렇게 보수적인 개념이 아니라 변화되고 겹쳐

지고 전복되고 패러디되기도 한다. 이렇게 장르는 마치 유기체와 같이 태어나고 자라고 황금기를 거쳐 쇠퇴하고 소멸한다. 그러나 소멸이 곧 그 장르의 죽음을 의미하지 는 않는다. 시간이 흐르고 그 장르를 적절하게 변주한 영 화에 의해 장르는 부활한다. 다만 재탄생한 장르는 이전 의 것과 달리 새로운 관객들의 요구를 담고 있다. 오늘날 대부분의 영화에서 장르 혼합은 일반적인 현상이 되었다.

할리우드 변천기 제2차 세계대전 이후 할리우드는 위기를 맞게 된다. 우선 1948년 5월, 연방 정부 대 파라마운트의 소송에서 대법원 이 메이저 스튜디오의 수직적 통합이 독과점이라는 판결 을 내린 사건이다. 이 때문에 메이저 영화사는 제작, 배급, 상영에서 상영 부문의 통제력을 잃게 되고 할리우드 스튜 디오 시스템의 황금기는 쇠퇴하기 시작한다. 고전영화의 시대가 서서히 막을 내리기 시작한 것이다. 다른 하나는 1950년대 텔레비전의 등장과 그에 따른 폭발적 수요다. 안방에 자리잡은 이 새로운 시각매체로 인해 관객 수는 눈 에 띄게 줄어들었고 할리우드는 큰 타격을 입었다. 할리 우드는 와이드 스크린과 컬러 영화 등의 기술 혁신을 통해 새로운 돌파구를 마련하려고 했다.

이후 1960년대부터 1970년대 중반까지 할리우드는 몇 가지 변화를 겪으면서 고전 시기를 벗어나 새로운 시대로 진입하게 된다. 가장 중요한 변화는 1960년대부터 1970 년대 중반까지 가속된 복합기업에 의한 영화사의 합병이 다. 자금력이 풍부한 복합기업은 영화사를 재정적 압박에 서 구해주기는 했지만 소유주는 영화사업에 대해 거의 아 는 바가 없었다. 대부분 복합기업은 제작 부문의 팽창을 원하지 않았고 미학적인 실험보다는 특정 장르영화들을 선호했다. 복합기업의 자회사로서 영화사의 정체성은 점 점 희미해져갔고 비용의 최소화와 효율을 최우선으로 하 는 환경 속에서 영화사는 적은 편수의 개봉을 통해 이익의 극대화를 추구했다. 할리우드 영화의 흥행 수익에서 해외시장의 비중은 그 다지 크지 않았으나 제2차 세계대전 이후 미국 내 흥행 수 입의 감소에 따라 점점 더 중요하게 되었다. 그 결과 1960 년대 말에 이르면 해외시장 수익이 미국 전체 흥행수익의 절반을 차지하기에 이른다. 또 다른 변화는 관객 취향의 변화와 새로운 관객층의 등장이다. 1950년대와 60년대에는 도시에서 교외로 이주 가 유행하고 가족 단위의 여가생활 즐기기와 베이비 붐 등 이 관객의 영화 선택 취향에 변화를 가져왔다. 이후 베이

비 붐 세대가 성장해 새로운 관객층을 형성하게 되었는데 이전 세대와는 다른 다양하고 차별화된 영화적 취향을 나 타냈다. 젊은이들이 자동차에서 즐기는 저예산의 십대 영 화, 공포영화와 SF영화가 증가했고 예술영화와 외국영화 의 상영도 늘었다. 예술영화 상영관과 대학가를 중심으로 할리우드의 대안 영화가 상영되고 대학에 영화강좌가 개 설되기 시작했다. 뉴 할리우드가 도래하기 이전까지 할리우드는 장기적 인 불황에 시달려야 했다. 1940년대 중반에는 매년 400여 편의 영화(메이저 스튜디오: 300여 편, 독립 제작사: 100 여 편)가 만들어졌다. 그리고 매주 8000만 내지 1억 명의 사람들이 극장을 찾았지만, 1960년대에는 주당 평균 관객 이 4600만 명 정도로 떨어졌다. 1960년대의 10년 동안 제 작된 영화는 연평균 159편에 지나지 않았다. 1962년 할리 우드 전체의 총수익은 1946년 총수익의 절반에도 미치지 못했다.

1975년 이후의 뉴 할리우드를 이해하기 위해서는 전후 미국 영화 제작에서 블록버스터 현상이 어떻게 출현했는 지를 알아야 한다. 그리고 1975년 이후의 뉴 할리우드는 경제적, 미학적, 기술적 상호작용에 초점을 맞추어야 한 다. 그것은 고전적 할리우드 역시 경제적, 기술적, 산업적

맥락에서 이해되어야 하는 것과 마찬가지다. 뉴 할리우드 에 블록버스터 현상이 도래하면서 이러한 상호작용은 여 러 측면에서 더욱 복잡해졌다. 오늘날 사실 미디어 시장 에서 텍스트 자체를 떼어놓거나, 영화미학이나 내러티브 특질을 상업적 요구들과 구분하는 것은 불가능하다. 1980 년대 중엽부터 1990년대 들어서 할리우드는 다시 성장궤 도를 탔다. 소비자의 오락 성향이 강해지고 시장이 안팎 으로 넓어지는 동시에 수직통합형 대형 M&A가 가속되고 비즈니스의 거대화가 계속됐다. 뉴 할리우드의 도래와 그 복잡한 과정은 전후 미국 영 화산업을 조정해 왔다. 뉴 할리우드의 중대한 차원 중 하 나가 독립·대안 영화들의 장을 열어 주었던 반면에, 여전 히 스타, 장르, 영화적 혁신들이 확고한 영화들이 주류를 이루어 왔던 것 또한 사실이다. 즉, 대중적이고 상업적인 성격에서 영화의 문법은 더 세련되고 매체의 기본 특성이 명백해졌다. 이러한 블록버스터 성공이 좋든 나쁘든 뉴 할리우드가 무엇인가 하는 것은 현대 미국 영화사를 이해 하는 데 필수적인 출발점이 될 것이다.

뉴 할리우드와 1980년대 할리우드 1980년대 가속된 세계 오락 시장의 급속한 확장과 더불어

미국의 극장과 비디오 시장에서 그 영향력을 고려한다면 조지 루카스(George Lucas)와 스티븐 스필버그(Steven Spielberg)의 슈퍼 블록버스터들의 중요성은 결코 간과할 수 없다. 할리우드의 국내 극장 수익은 1975년 20억 달러 를 넘어선 후, 1980년 27억 5000만 달러에서 1989년과 1990년 50억 달러에 이르기까지 지속적으로 증가했다.

1980년대에 걸친 지속적인 극장 수익 증가는 유료 케이 블과 홈비디오 같은 다양한 2차 시장에 의해 더욱 극적으 로 성장했다. 1980년대 동안 미국 가정의 VCR 보유대수 는 185만 가구(40가구에 하나)에서 620만 가구(전체 가구 의 3분의 2)로 증가했다. 비디오 공테이프의 판매량은 1980년 300만 개에 불과했으나 1990년 2억 2000만 개로 늘어났다(6500% 증가). 케이블 TV 시청 가구 수는 1980 년 1960만 가구에서 1990년 5500만 가구로 늘어났고, 10 년 동안 유료 가입자 수도 900만에서 4200만으로 증가했다. 유료 케이블 TV와 홈비디오산업의 성장은 할리우드의 극장 시장과 마찬가지로 극영화 수입에 중요한 재정원이 되었다. 1970년대 초반에 영화 및 출판 산업의 보조시장 으로 등장한 비디오산업은 영화산업을 능가하는 거대한 규모로 확대되었을 뿐만 아니라 심지어는 할리우드 영화 산업 자체의 기본 틀을 변화시키는 근본 요인이 되었다.

메이저 영화사들은 1970년대부터 가정, 호텔, 병원 등을 대상으로 케이블 TV망을 구축하기 시작했고, 각종 비디오 관련 기기들의 급속한 발전으로 비디오산업 또한 급격히 팽창하게 되었다. 그 결과 1980년대 할리우드의 주요 수 입 비율에서 극장 수익은 줄어들었지만 전체 수익은 치솟 았다. 가령 1978년 월트 디즈니의 국내 흥행 수익에서 유 료 케이블 TV와 홈비디오의 수익은 4%에 불과했지만 1986년에는 50%를 넘어섰다. 1987년 비디오 대여와 판매 수익은 72억 달러(대여: 44억 달러, 판매: 28억 달러)였다. 이것은 그해 극장 수익의 거의 12배에 달하는 액수였다. 할리우드의 또 하나 뚜렷한 2차 시장은 유럽을 비롯한 세계시장의 흥행이었다. 1985년에서 1990년 사이에 유럽 극장에서 흥행실적이 증가하면서, <귀여운 여인(Pretty Woman)>, <토탈 리콜(Total Recall)>, <인어 공주(The Little Mermaid)>, <늑대와 춤을(Dances with Wolves)> 같은 영화들은 미국보다 유럽 흥행에서 더 큰 성공을 거두 었다. 그리고 ≪포브스(Forbes)≫는 1995년에 유럽 극장 시장이 두 배로 확대될 것으로 추측했다. 또한 동유럽도 새로운 시장으로 부각되었다.

1980년대 후반 미국 영화산업은 극장과 비디오 시장의 괄목할 만한 성장에 힘입어 점차 견고하게 자리 잡았다.

1980년대 초반 영화 시장을 지배했던 1억 달러 이상의 블 록버스터는 1년에 한두 편에 불과했고, 1986년에서 1990 년 사이에는 이러한 슈퍼 블록버스터 히트도 줄어드는 경 향이었지만 5000만 달러 이상의 흥행작과 1000만 달러 이 상의 흥행작이 10편이었다. 흥행 수입 5000만 달러 이상 은 1965년에서 1975년 사이에 6편, 1976년에서 1980년 사 이에 13편, 1981년에서 1985년 사이에 17편이었지만, 1986년에서 1990년 사이에는 30편을 넘어섰다. 제작과 선전비용의 증가도 뚜렷한 현상으로 대두된다. 스튜디오들의 평균 제작비는 1980년 940만 달러에서 1990년에는 2680만 달러로 상승했다. 같은 기간에 편당 프린트와 광고의 평균비용도 1980년 430만 달러에서 1990년에는 1160만 달러로 올랐다. 이러한 제작비용의 증가는 특수효과 비용과 스타들의 출연료가 상승한 두 가지 요인 때문이었다. 미국 내 실내 극장이 1980년 1만 4000여 개에서 1990년 2만 2000여 개 로 증가하면서 프린트 비용도 증가했다. 전국 동시 개봉 을 위해서는 1000개에서 2700개까지 프린트가 필요하기 때문이었다. 그리고 특히 블록버스터 영화들의 제작비 상승 의 가장 중요한 요인은 TV 광고료 증가에 따른 것이었다. 예를 들어 1990년 <딕 트레이시(Dick Tracy)>, <토탈 리

콜>, <다이 하드 2(Die Hard 2)> 등의 영화들은 2000만 달러 이상을 광고에 소비했다. 반면에 1990년 최고 흥행작인 <나 홀로 집에(Home Alone)>, <사랑과 영혼(Ghost)>, <귀여운 여인>은 계산 된 블록버스터 추세에 저항해 왜 할리우드가 비교적 돈이 덜 드는 영화를 꾸준히 생산하는지를 보여 주었다. 이 영 화들은 사전 대량 홍보보다는 관객들의 입 선전 덕분에 흥 행작으로 떠올랐기 때문이다. 이 영화들의 성공으로 영화 제작자들은 블록버스터들의 제작에 의문을 제기하기도 했다. 월트 디즈니의 블록버스터 <딕 트레이시>는 제작비 로 4500만 달러, 시장과 상영 비용으로 5500만 달러, 광고 와 홍보비용으로 4400만 달러를 들였지만, 극장 수익은 6000만 달러에 그쳤다. 모든 시장 연구와 홍보 전략을 동 원했는데도 관객들의 반응은 결코 계산하거나 예견할 수 없는 것이었다. 스튜디오들은 그만큼 위험 부담이 높아졌 고 더 철저한 블록버스터 전략을 세우지 않으면 안됐다.

1990년대 할리우드 블록버스터 전쟁 1990년대 할리우드 오락산업은 새로운 M&A(기업의 합병) 물결에 휩쓸렸다. 1990년 마쓰시타의 MCA 매수, 1993년 바이어컴의 파라마운트 커뮤니케이션스 매수, 1995년 월

트 디즈니의 ABC 매수, 1998년 시그램의 폴리그램 매수, 1999년 바이어컴의 CBS 매수 등 M&A가 잇달았다. 할리우드가 블록버스터 게임에 거는 판돈을 계속 키워 가는 동안 위험 부담 역시 더 커졌다. 그리고 그 판돈은 더 커질 것이었다. 2억 달러짜리 도박을 거는 횟수는 감소할 지도 모르고, 특수효과 대작은 다소 편수가 줄어들지도 모 르지만 영화 제작과 마케팅에 들어가는 비용은 줄어들 기 미가 보이지 않았다. 할리우드 블록버스터의 경제학과 미학은 미국 문화산 업으로서 할리우드 영화를 재정의하고 스튜디오의 다른 극영화들과 계산된 블록버스터를 차별화하는 전혀 다른 종류의 상품을 필요로 할지도 모른다. 이 같은 블록버스 터의 시대가 영화의 미래를 빼앗아갔다고 보는 시각도 있 다. 그러나 주요 세계시장에서 사회적·경제적 발전, 할 리우드 스튜디오들의 생존 본능과 전반적인 경제적 안정 성, 그리고 그 상품들의 국제적 호소력을 고려해 볼 때, 뉴 할리우드와 그 특징인 블록버스터 상품은 계속될 것이 확 실하다. 거대 엔터테인먼트의 독재자들은 자기들 편할 대 로 그 규칙을 새롭게 쓰고 있다. 블록버스터는 거대한 초 국가 상품이자 고부가가치를 지닌 멀티미디어 복합체의 일부분으로 미국 문화적 패권의 한 축을 맡고 있다.

할리우드가 추진하고 있는 디지털 혁명은 할리우드가 생산 보유하는 오락 콘텐츠에 대한 수요가 높다는 사실에 한층 주목하게 한다. 물론 그 반대도 성립한다. 디지털 경 제를 구성하는 하나의 핵심이 할리우드고 새로 출현한 경 제는 할리우드에 구조 변혁을 요구하고 있다.

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