Desafiando infiernos numero 1 by conde smith

Desafiando Infiernos Junio de 2013

TARANTINO

sin

cadenas

THE CURE en

Argentina

B O W I E

p r o v o c a a puro rock

Hospital Borda

m á s c u l t u r a menos represión

Número 1

E n t r e v i s t a fotográfica

Mariana Copello

Sumario Sumario

Foto de Tapa: "Cuerpo a cuerpo de energías" del Proyecto D i m e n s i ó n a t e m p o r a l Mariana Copello * Atilio Schweizer Artista Visual Actor/Bailarín Fotógrafa de Danza Butoh We b : h t t p : / / m a r i a n a c o p e l l o . w i x . c o m / p h o t o g r a p h y Face: www.facebook.com/mariana.copello?ref=tn_tnmn

Staff Idea y edición de arte: Diego Vidal Poeta y columnista: Crista Smith

Colaboran en este número Ramiro Sivila El Conde José Manuel Vara Fernández (España)

Agradecimientos A todos y cada uno de los profesionales y amigos que, desinteresadamente, hicieron posible y real este sueño.

Contacto Felicitaciones, críticas, inquietudes, preguntas y/o sugerencias serán elegidas y publicadas en números siguientes. Enviarlas a: desafiandoinfiernos@gmail.com

Sumario

pag. 2

Nota del editor

pag. 3

Basta

pag. 4

Biblioteca

pag. 6

El Visitante

pag. 7

Más vivo que nunca

pag. 8

Me doy el gusto

pag. 11

El artista del mes

pag. 12

Artistas trabajando

pag. 14

Con el arte en la sangre

pag. 15

Mundo Ramas

pag. 16

Super 8

pag. 17

No quiero morirme sin conocerte

pag. 18

Te acordas hermano

pag. 20

Tocadiscos

pag. 21

Whisky a go go

pag. 22

Sinfonía celestial

pag. 23

Desafiando Infiernos

Nota del editor: “Surgió una noche de liberación” como dijo mi amigo, compañero de ruta musical y cuasi hermano Lucio en su tema “A. C. O. Blue´s”, y así, de repente, surgió la idea de la revista. ¿Por qué “Desafiando Infiernos”? Simplemente porque esa es la idea. Como en la “Divina Comedia” de Dante, mostrar lo más horroroso del infierno para poder disfrutar mucho más de lo hermoso del cielo. Sin connotaciones religiosas, claro está. ¿Qué sería el infierno? Notas sobre lo que la gente distinta dice ¡Basta! Y cuando hablo de gente distinta hablo del artista. Pero entonces, ¿Qué sería el cielo? El cielo sería todo aquello que nos llena como artistas. Desde un lugar paradisiaco, hasta un poema desconocido. Desde una foto de París hasta la portada de un disco nuevo de un artista suburbano. Desde aquella película que te emocionó alguna vez, hasta un personaje de Dostoievski o una frase de Sbarra. Alguna vez escuché por ahí: “Somos poesía en estado salvaje”. Bueno, así, con ese lema, saldremos a enfrentar los más crueles infiernos. Súmate a nuestro ejército, sólo reclutamos gente distinta, honesta, creativa y sensible. O sea artistas. El resto no creo que comprenda de qué se trata todo esto… 3

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Hospital Borda El hospital neuropsiquiátrico José T. Borda, ubicado en el barrio de Barracas de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, fue albergue de una innumerable cantidad de pacientes desde su fundación en 1865. Es increíble y hasta obsceno, que habiendo llegado a un número de 6000 internos a fines de la primera guerra mundial, hoy no llegue al 10 por ciento de aquel número, ni siquiera en las pésimas condiciones de atención, infraestructura y limpieza en las que se encuentra actualmente. A fines de abril de 2013 se produjo una manifestación de protesta en contra de la construcción de un Centro Cívico dentro de sus instalaciones, lo que terminó en un sangriento enfrentamiento entre la Policía Metropolitana y los manifestantes. Enfrentamiento que, más allá de demostrar una vez más la incapacidad de la policía para intervenir en cualquier cuestión que requiera de sus servicios, y el aprovechamiento de grupos violentos infiltrados políticamente entre los manifestantes, ocasionó descompensaciones y reacciones agudas en algunos internos que debieron ser contenidos y cuidados de forma especial en los días posteriores. Médicos del hospital manifestaron su disconformidad con respecto al violento accionar de los uniformados, responsabilizándolos de las lesiones y trastornos de ansiedad y conducta que sufrieron algunos internos. Un dicho popular dice: “Mientras hay vida, hay esperanza”. Perfectamente así, lo entienden los pacientes del hospital que a través de distintas formas exponen su deseo de salir adelante más allá de toda esta mugre política.

Pan del Borda (Reconstruido en otra sección del hospital, luego que el gobierno porteño demoliera el subsuelo de la cocina donde funcionaba), Cooperanza, el Frente de Artistas del Borda (FAB) y la reconocida LT22 Radio La Colifata con más de veinte años en el aire, son claras muestras de que los internos prefieren y necesitan más derechos que balas de goma. Por eso, más allá de pasear un rato por la historia del hospital y recalcar la violenta represión policial, esta revista prefiere mostrar la vida ante la desesperanza, y estos pacientes son un ejemplo de vida. LT22 Radio La Colifata se creó en 1991 por iniciativa del psicólogo Alfredo Olivera (estudiante en ese momento) como parte de terapia de recuperación de pacientes del hospital. La idea comprendía en capacitar pacientes internados y brindarles las herramientas necesarias para recuperar su iniciativa de reinserción en el momento del alta. Además de reconstruir el uso del lenguaje, asociado a los pacientes con psicosis, Olivera pretendía extirpar de la sociedad eso de que los internos psiquiátricos son gente peligrosa. Y vaya que lo logró. Luego de más de veinte años las emisiones pasaron de ser grabaciones de pacientes, editadas en pequeños fragmentos de 2 minutos de duración, donde tomaban un grabador de cinta y decían lo que se les ocurriera, a emisiones en vivo por la FM 100,1 Mhz u online a través de su página web. Actualmente tienen equipamiento donado por distintas ONG, personalidades famosas, particulares y algunos entes del gobierno. Su éxito fue rotundo, a punto tal que varios países han copiado esta iniciativa, no sólo por la cantidad de oyentes que siguen la radio o por la mención especial otorgada en los Premios Konex en 2007, sino también por el buen resultado terapéutico logrado, que en definitiva fue para lo que se creó. por Diego Vidal

Biblioteca Sobre Plástico cruel de José Sbarra José Sbarra fue un escritor marginal, poco difundido en vida, que supo pintar como nadie en sus novelas el mundo oculto que no siempre queremos ver pero que, sabemos existe (travestis, prostitutas, drogadictos y demás); todo ello con un magistral lenguaje, pleno de talento y rico en matices que conduce no obstante, a la emoción y sensibilidad. Prueba de ello es “Plástico Cruel” una de sus ficciones más amadas por sus seguidores. En esta nota, trataré de esbozar algunas palabras sobre la misma.

“BOMBÓN -poeta y puta DIARIO Hambrienta de sexo. He perdido el placer de estar una noche a solas. El chico de los cerdos todavía no regresó. Sufro como una madre, de esas.”

Plástico cruel, casi un guion cinematográfico (de hecho fue llevado al cine), es trepidante de principio a fin, más por lo que se dice que por lo que se hace. La novela se caracteriza por sus diálogos intensos, fuertes algunas veces, pero también plagados de sentimientos e ilusiones en sus protagonistas; sobre todo en Bombón aquél travesti enamorado de Axel -el chico cerdo- con el cuál vive instantes sexuales aún a sabiendas que éste ama a otra mujer ( Linda Morris). También es Bombón quién relata una especie de diario íntimo al lector en su “Bombón -poeta y putaDiario”, sumergiendo así a quien lee el mismo, en una especie de conversación/confesión de sus padeceres interiores y exteriores que le provoca la relación que vive con el hombre al que ama. Una mención aparte merece las “Señales de Tránsito”, pequeños fragmentos en el libro, llenos de poesía y amor pero también desilusión y melancolía que, no hacen a la historia propiamente dicha pero sí, tienen que ver quizás con todo como en la vida. Para ello, vaya una muestra de ejemplo:

“SEÑALES DE TRANSITO Falsificadores abstenerse sólo se recibe amor no se aceptan copias por perfectas que parezcan falsificadores abstenerse.”

En definitiva, “Plástico Cruel” es una novela corta ya que se lee de un tirón que sin embargo, transmite grandes emociones y no deja indiferente a quién la tiene en sus manos. En ella Sbarra quiso transmitirnos todo un universo a veces injusto y cruel pero no por ello menos verdadero y real. por Crista Smith

HOY

VI SI TAN TE

VI LLA VIC TO RIA

Por Diego Vidal

Mientras paseaba bajo un cielo nublado por la bella ciudad de Mar del Plata de la costa atlántica, me recomendaron visitar el Centro Cultural Villa Victoria Ocampo, así que sin dudarlo me trepé a un taxi y fui hasta la calle Matheu 1851. Al llegar, me encontré con un predio muy pintoresco, donde la casona de hierro y madera traída desde Inglaterra en 1912 es su centro de atracción, rodeada por un parque lleno de plantas y bancos de madera que hacen del lugar un sitio tranquilo y apacible. Ya en el interior nos encontramos con once cuartos, salas de estar, comedores y vestíbulos que conservan el típico estilo inglés de la época de pisos de madera crujientes, empapelados llenos de flores y pájaros, e innumerables ventanas con vista al parque. En sus ambientes se ofrecen diversas exposiciones temporarias y eventos culturales, tanto musicales como conferencias y disertaciones. Tuve la suerte de acudir a la muestra expuesta por la actriz “Mónica Pari” que en el papel de “Avelina” –criada de Victorianos dio a los presentes un excelente monólogo acerca de la vida de la escritora. Pasando por su estilo de vida, sus increíbles amistades y sus emprendimientos. Así fue como conocí a esta mujer, Victoria Ocampo. Inteligente y transgresora. Educada en la Sorbona y fundadora de la editorial “Sur”. Amiga de Jorge Luis Borges y Bioy Casares y enemiga del machismo de la época, a punto tal de ser la primera mujer en obtener -abogados y jueces de por mediosu licencia de conducir, o de ser la primera mujer en ser miembro de la Academia Argentina de Letras muchos años después. Recomiendo plenamente visitar este hermoso lugar donde se respira belleza, arte y poesía. La entrada tiene un costo -casi simbólico- de diez pesos, y la oferta cultural que ofrece es sumamente mayor a ese precio. En 1973 Victoria Ocampo donó la residencia a la UNESCO, que a su muerte la remató, siendo adquirida por el municipio local. Desde entonces funciona como Centro Cultural. 7 7

¡ Más vivo que nunca!

12 de abril 2013, The Cure en Argentina Tengo que escribir acerca del show de The Cure en Argentina –éste segundo show, luego de veintiséis años desde su primera visita- y más que un trabajo para la revista, es un sentimiento a flor de piel que se me escapa por el pecho. La primera vez que escuché a The Cure, fue a mis once años con el tema “Charlotte Sometimes”, canción que formaba parte de uno de sus primeros trabajos discográficos “Pornography” editado en 1982 y, debo reconocer que si bien por aquella época dada mi corta edad, aún no me adentraba en su música, no faltaría mucho tiempo para que, definitivamente cayera en sus redes hasta convertirme en una chica Smith. Del primer show en Argentina no puedo hacer referencia no sólo porque no concurrí al mismo, sino porque era yo muy pequeña por ese entonces; pero sí puedo hablar (escribir) de éste, donde sí estuve presente disfrutando y emocionándome hasta las lágrimas.

Pasadas las nueve y media de la noche, del viernes 12 de abril de 2013, las luces del Estadio de River Plate se apagaron para dar comienzo así, a lo que sería una noche mágica de más de tres horas bajo los efectos poéticos oscuros del Caballero Robert y compañía. “Plainsong” fue la canción que, comenzó a sonar “Pictures of you” con imágenes de fondo muy similares a las del vídeo original; le siguió “Lullaby” y “High” –ésta última una de mis preferidas que ha inspirado algunos poemas y prosas en instantes de mi vida- para continuar con “The end of the world” y “Lovesong”. A cada canción, una puesta en escena diferente que lo sumergía a uno a otros mundos llenándolo de sensaciones y emoción: un bosque carente de color para “A forest” o corazones rojos escapando de la pantalla gigante en “Friday I'm in love”, por citar algunos ejemplos. El juego de luces, adecuado, preciso y perfecto, caracterizándose en su mayoría con un tinte azul, fue otro elemento a destacar así como también el sonido que fue impecable.

La lista de temas siguió y fue realmente extensa, con dos cortes a lo largo de todo el espectáculo. En cada entrada y salida de Robert, éste fue ovacionado por un público para esas alturas conmovido y para nada defraudado: si bien es notorio el paso del tiempo en el cuerpo y rostro del cantante oscuro, no cabe mencionar lo mismo para su voz que, continua siendo la de su juventud con un tinte cristalino, limpio y sensible. Del primer show de The Cure en Argentina por allá en el año 1987, sólo supe que hubo disturbios, robos y que fue uno de los motivos por los cuáles la banda tardó tanto en regresar al país. De este segundo en cambio, el resultado fue más que positivo no sólo por el comportamiento de la gente muy diferente al de veintitantos años atrás, sino por la vigencia de la banda que mantiene sus principios demostrando el porqué del cariño y fidelidad de su público, acá o en otros lugares del planeta.

En la última salida, y luego de dos horas y media de show, la banda nos terminó de volar la cabeza con una seguidilla de temas como “The Lovecats”, “The caterpillar”, “Close to me”, “Let´s go to bed”, “Boys don´t cry”, cerrando con dos temas de su etapa de Three Imaginary Boys. Cuando terminó el último acorde y ya empezábamos a ver esta noche mágica como un pasado cercano, el Padre Dark por excelencia regresó al mic y se ganó la última ovación de la noche con la frase que todos queríamos oír: “See you again”. Ahora sí, puedo decir que el viernes 12 de abril de 2013 en el Estadio de River Plate, el recital de The Cure fue una preciosa y verdadera fiesta. La más poética y oscura que pude presenciar desde hacía muchísimo tiempo. Y con un reencuentro en un futuro cercano. Crista Smith

Me doy el gusto

Fuerza natural El universo en tu entrepierna. El vicio en mi mirada. Los ojos no-ficción atravesando más allá de lo real acunan el vuelo oportuno de un halcón angelical. El viento acerca las alas del deseo oscuro, aclarándolo. Mi alma anida entre tus dedos hechos ramas floreciendo el perfume del ámbar sobre el terciopelo. Y es la lluvia -ésa lluviala que se evapora a través del beso. Y son tus raíces -aquéllos pies desnudoslos que juegan en la lluvia, secándola. Fuerza natural de la noche sobre el día enrojeciendo lo azul en el alba limpia. Conversación amena sobre miradas tiernas. Y mientras mi piel se eriza, tus ojos se desvían hacia la virgen etérea atravesando la puerta. Sagrada cópula dorada bendice la esencia hecha vida. Tormenta, lluvia, inundación. Caminos anegados Dan lugar a otra noche. Crista Smith - el Conde.

E L

Entrevista Fotográfica LA FOTOGRAFIA ES UNA HERRAMIENTA QUE ME PERMITE MOSTRAR

A R T I S T A D E L M E S por Crista Smith

Mariana Copello (Argentina 1970) es más que una fotógrafa. Es una artista de la luz cuyos trabajos transmiten una sensibilidad extrema y una vibración pura de arte que no producen jamás indiferencia. Como dice en su página de wix “busca

tatuar alma y cuerpo en cada una de sus fotografías, entendiendo la imagen como la exterioridad de lo más íntimo, aquello que vacila entre lo interior y lo exterior, 'lo éxtimo'”. En julio de 2012 tuve la oportunidad de conocerla y llevar adelante un trabajo en conjunto. Basado en un p o e m a m í o : “A l u m b r a m i e n t o (marginal y silencioso)”, el resultado del encuentro fue una mañana y tarde, plenas de poesía, luz y tinta. Jamás olvidaré aquella experiencia, no sólo por la calidad y exquisitez de la obra final, sino además, por la calidez y cordialidad de esta mujer increíble.

Mariana Copello - Atilio Schweizer Mariana: ¿Por qué la fotografía? ¿Cuáles son tus artistas favoritos? Porque es poético en sí el hecho de estar dibujando Me gusta y encuentro sintonía con la obra de Sophie con luz. Es una herramienta que me permite mostrar Calle, Ana Mendieta, Francesca Woodman, Marina en imágenes sensaciones, colores y formas. Hacer Abramonic y Pipilotti Rist entre otros. Poesía visual. ¿Qué te inspira? ¿Cómo fueron tus inicios? El amor, la belleza, la desnudez, el dolor existencial, la Desde niña tuve mi propia cámara fotográfica ya que danza, la poesía… mi padrino tenía una casa de fotografía y para cada ¿Cuál es el proyecto que más te conmovió? cumpleaños me regalaba una. Después se llevaba los Creo que todos me conmueven, es el inicio de cada rollos y los revelaba. Creo que mi mirada en ese uno de mis proyectos…podría decir que ha dejado entonces ya era poética. una marca inicial en mi recorrido el primer trabajo ¿Dónde te formaste? realizado en conjunto, el libro de artista “áLmame” En el Centro Cultural Recoleta con Roberto Camarra y que realicé junto a Luis Venceya que de ahí en más Gabriel Liporace, con ellos realicé curso básico de empecé a decir desde la FotoPoesía. fotografía, taller de creación de imágenes y ¿Cómo es trabajar en una obra en conjunto, en este laboratorio. De ahí en más autodidacta. Realicé caso como la que llevas a cabo con Atilio Schweizer? también Clínica de Obra individual con Fabiana Es muy placentero, es un espacio sagrado de Barreda. experimentación. Yo venía trabajando mucho desde

MARIANA COPELLO EN IMÁGENES SENSACIONES, COLORES Y FORMAS. HACER POESÍA VISUAL.

Mariana Copello - Seres de agua

Mariana Copello - Jardín estremecido

el autorretrato y el encuentro con otro fue un pasaje interesante, descubrir que en un cuerpo a cuerpo de energías se abre un espacio infinito potenciando el acto creativo. Con Atilio llega la Danza Butoh, el Cuerpo, el movimiento y un espacio de investigación. ¿Qué podrías contarnos de Atilio? Siento que el mundo se detiene cuando él danza, es como si contemplara muchos seres delante de mí, seres que vienen de otros mundos, corre una brisa que me mueve a registrar, tatuar esos cuerpos y almas en imágenes, valiéndome tanto de la luz como de la oscuridad. La última, ¿Cuáles son tus proyectos a futuro? No lo sé anticipadamente, van sucediendo, una obra trae a la siguiente, como una historia hilvanada a lo largo del tiempo. Lo más inmediato sería la edición del material realizado durante todo el 2012 con Atilio. Es el proyecto conjunto “Dimensión atemporal” que será proyectado en un evento este año. Para este trabajo de edición hemos sumado recientemente a Guille Soto, un encantador ser que llega también con toda su luz.

Artistas Trabajando

por Crista Smith

Celedonia es un emprendimiento artesanal creado por Melina mediante la técnica del fieltro.

Se destaca por la elaboración de productos como carteras, bolsos, botitas, etc. En esta nota intentaremos aprender un poco sobre cómo es el proceso que Melina realiza para llevar adelante su mini empresa. Melina, ¿Cómo surgió la idea de Celedonia? Después de experimentar con varias técnicas de textiles artesanales, descubrí el fieltro artesanal. Técnica en la que me formé en el Museo Ernesto de la Cárcova, con la Profesora Vesna Poljanek. La necesidad de convertir mis intereses en un emprendimiento productivo, dieron origen a Celedonia. ¿Qué podes contarnos sobre la técnica del fieltro? El fieltro artesanal es el resultado de una técnica que combina fibras de lana, humedad, calor, fricción. ¿Es fácil esta técnica? Es muy fácil. Actualmente doy clases donde participan del taller niñas y sus abuelas. Este abanico de edades permite decir que toda persona que guste de los procesos de trabajo artesanal, con la paciencia que ellos requieren, es apta para aprender y dominar la técnica. ¿Cuánto tiempo te lleva elaborar por ejemplo, una cartera? Es una pregunta difícil de responder para mi, porque no produzco a gran escala, a modo industrial, ni de modo estandarizado; si fuera de otra manera, no disfrutaría de lo que hago. En una producción artesanal, el tiempo varía en cada producto, que es único. Si se me ocurre un dibujo complejo por ejemplo, exige más tiempo. ¿Qué otros productos te gustaría poder realizar? Me gustaría desarrollar una línea de accesorios. Supe que das talleres. ¿Qué podes contarnos sobre los mismos? Doy un taller en la Biblioteca Popular Hipólito Vieytes, del partido de Magdalena. Es una experiencia interesante, en principio porque la Biblioteca funciona en el edificio recuperado por vecinos- que pertenecía la estación del ferrocarril del pueblo de Vieytes. Cuando me mudé a este pueblo, fue en lo primero que reparé con tristeza. Ese edificio estaba totalmente abandonado. Hoy, afortunadamente, en plena restauración, ofrece a la comunidad una oferta educativa muy rica: macramé, danzas folklóricas, música, telar, entre otros. Tengo aproximadamente diez alumnas, que vienen al curso con inquietudes y experiencias variadas y encantadoras. Gracias Melina por el tiempo y por la predisposición para “Desafiando Infiernos” http://celedoniafieltro.blogspot.com.ar https://www.facebook.com/celedonia.fieltro

Con el Arte en la Sangre

David Bowie Este muchachito londinense de 66 años vuelve al ruedo con un disco impecable que repasa sus distintas épocas y se funde en una metamorfosis perfecta y armónica. Luego de sus correlativos “Heathen” en 2002 y “Reality” en 2003, hoy, diez años después, regresa con “The next day”, un disco que se las trae. Sin la psicodelia de “Space Oddity” (1969), ni la locura de “Ziggy Stardust” (1972), podríamos decir que este nuevo trabajo combina la fuerza del “Heroes” de 1977 con el sonido glam de los 90 y la belleza post 2000. O sea, una mezcla que hecha por cualquier humano sería algo incomprensible, pero hecho por Bowie es para saborear largamente. El disco es provocativo por donde se lo mire. Tanto su sonido audaz y potente, como la iniciativa de promoción marketinera de copiar la tapa del legendario disco “Heroes” pero con un recuadro blanco tapando la cara de Bowie y con la palabra “Heroes” tachada. Con un look que casi impresiona lo bien que le sientan los años a este multifacético artista (músico, compositor, arreglista, productor, multiinstrumentista y actor, entre tantas otras cosas), nuestro presentador de pasarela en “Zoolander” y villano exquisito en “Laberinto”, parece estar disfrutando en penumbras del éxito de su nuevo trabajo ya que se muestra muy poco. La cara visible y encargado de la promoción del disco es su productor Tony Visconti, que consultado por una posible gira del glamoroso ídolo, dijo que no había nada concreto, pero que tampoco se descarte esa posibilidad. Por lo visto, sólo nos queda esperar por una posible gira mundial. Mientras tanto, tenemos al poderoso y exquisito “The next day” para deleitarnos. por Diego Vidal

M U N D O R A M A S G R E E N L A N T E R N COMO UN GLADIADOR ESMERALDA Es hablar de un Green Lantern. En este caso en particular de Hal Jordan, el más popular y el más conocido para nosotros porque, “Linternas Verdes” hay muchos... Pero mejor vayamos por partes y un poco más atrás en la historia. Ha existido por alrededor de 10 billones de años una raza genéticamente relacionada con los primeros seres que existieron en el universo, llamados “GUARDIANES”. Fueron ellos quienes con el objetivo de ocuparse de la justicia y la ley en todos los planetas, crearon la Green Lantern Corps, una especie de "Policía Galáctica". Dicha fuerza dividió al universo en 3600 sectores, cada uno de ellos patrullado por uno de sus miembros. Es así como en dicho momento y dentro de determinadas circunstancias, el joven piloto de pruebas Hal Jordan se convierte en el primer Green Lantern terrestre, poseedor como todos los que componen esta elite de un "anillo de poder " cuya fuente de energía les permite manifestar dicho poder en formas e intensidades solamente limitadas por la voluntad de quien posee dicho anillo, convirtiéndolo en una de las armas más poderosas de la galaxia. Jordan , ocupándose del sector 2814 , se destacó entre todos los demás Lanters , convirtiéndose en el más grande de ellos, con fidelidad al servicio de los “Guardianes” . Todo fue así por años, hasta la llegada del "Crepúsculo Esmeralda", pero esa, es otra historia... por Ramiro Sivila

Super 8 por Diego Vidal

A ver, por dónde empezar… “Django sin cadenas” es una película de Tarantino que se estrenó en Argentina en enero de 2013. Hasta ahí todo bien. Ahora, si no sé por dónde empezar es porque leí distintos comentarios de críticos acerca de la película y esto más que aclarar, confundió. En la gran mayoría (ahora todos aduladores del viejo Western) coinciden en que la película es un robo por donde se la mire. Desde la música de los créditos (que es la original del año 1966), hasta los diálogos (largos y aburridos para esta gente). Insisten en criticar la excesiva violencia en las tomas de acción, la sangre derramada y la liviandad con la que se refiere al tema de la esclavitud. Señores, es Quentin Tarantino. ¿Qué esperaban ver escenas de la Novicia Rebelde? Para aquel que no la vio aun, puedo decirle que tiene actuaciones que no tienen desperdicio. La actuación de Jamie Foxx en el papel de Django es muy buena, la de Leonardo Di Caprio (actor que nunca me convenció demasiado) me sorprendió. Qué hablar de Samuel Jackson, en su papel de negro esclavo que denigra a los negros esclavos, un genio. Y creo que la mención especial es para Christoph Waltz, que hace de su papel de alemán caza recompensas un personaje riquísimo. La actuación de Kerry Washington como esclava y esposa de Django es perfecta. Y como nos tiene acostumbrados Tarantino, es muy difícil que elija mal a un actor. Por eso hasta el mismo Don Johnson hace un buen papel. Sin olvidarnos de la aparición de Franco Nero (protagonista del Django del 66). Qué quizás sea un poco larga la película, lo acepto. Que la nominación al Oscar haya sido exagerada, lo acepto. Pero para que más o menos tengan una idea de la gente que criticó la película, les digo que uno de ellos, la comparó (despreciablemente) como “La hija de la lágrima” de Charly García, evidentemente este crítico debe hacerse una larga autocritica. Para terminar, creo que es una película muy bien lograda. Con una fotografía excelente, unas tomas de violencia y unos diálogos bien de Tarantino, y sobre todo, una muy buena adaptación del Django original, mostrándolo desde la mirada del esclavo. Creo que, aunque no sea la mejor película de este director, se puede ver y disfrutar tranquilamente sin que a uno le duelan los ojos, y mucho menos los oídos (ya sabemos lo que es la música de sus películas).

Amado y odiado. Absurdo y bizarro. Violento y ácido.

Quentin Tarantino.

NO QUIERO MORIRME SIN UNO DE LOS CENTROS EDITORIALES Y CULTURALES MAS IMPORTANTES DEL MUNDO CON MAS DE

BARCELONA Barcelona crepuscular estallando en la retina, mientras la luz se refleja desde los charcos de agua de lluvia que salpican las callejuelas del barrio del Raval, donde la sabiduría permanece adormecida en el pozo de los vasos de vino de los alcohólicos de largo recorrido, donde el humo se mezcla con el aroma a humanidad, destilado en el vaho que desprenden las historias que se cuentan a media voz, historias de perdedores ilusionados en cruenta lucha social, donde el límite lo pone la propia necesidad y el ansia humana de supervivencia.

más allá de los límites de toda moral conocida. Barcelona crepuscular estallando en la retina, bajo el trazo underground de los dibujos de Nazario, reflejando una humanidad que naufraga por las Ramblas y acaba refugiándose en la isla natural de la Plaza Real, Plaza Real, donde los comerciantes de domingo muestran su cara más amable y donde el extranjero se refugia para calmar su sed y regalar sol infinito a su lechosa piel. Suelos y paredes con vida propia donde los desconchones parecen esconder miles de historias de mujeres de la vida que escapan de mediocridades aparentes satisfaciendo de forma temporal la melancolía bastarda de cientos de hombres anónimos que buscan entre sus piernas el recuerdo de sus almas perdidas; vidas vacías que navegan entre mares insondables de ojos que devoran todo lo que encuentran a su paso, modernismo violento en todas las esquinas, más allá de aquella vieja portada de Prince en blanco y negro con la Sagrada Familia de fondo;

Barcelona crepuscular estallando en la retina, mientras la belleza se refleja desde paredes pintadas con rabia de artista sin domesticar, graffitis como destellos de vida pura en el barrio de Vallcarca, donde los anti-disturbios actuaron protegidos por el manto de la noche para desahuciar unas decenas de vidas a la deriva, los nuevos nómadas de una sociedad que busca mostrar su cara más amable fingiendo un progreso hipócrita que sólo beneficia a los habitantes de esas zonas altas, que ocultan locales de dudosa reputación, 18

CONOCERTE...

POR JOSE MANUEL VARA FERNANDEZ

SETENTA MUSEOS, DESCRIPTA POR JOSE VARA, UN POETA LOCAL QUE LA CONOCE COMO NADIE.

CREPUSCULAR suburbios fagocitados por los objetivos de las cámaras fotográficas y un funicular que te aleja del centro y te permite contemplar la majestuosidad de una ciudad que nunca duerme, con la excelencia visual de una torre Agbar que muta de color en noches ciegas, la innovación arquitectónica de la torre Mapfre, de la desbordante belleza histriónica de las torres de la Sagrada Familia, con la visión de la espalda encorvada del hotel Vela con un agua marina que le lame los pies de forma ofensiva, más allá de la montaña del Tibidabo, más allá de la estatua de Colón señalando una América imaginaria, más allá del rompeolas donde amantes ocasionales intercambian emociones desesperadas…

donde pintores y creadores ofrecen su arte a cambio de aplauso, sonrisas, y, con un poco de suerte, algunas monedas con las que poder seguir un día más en la cascada de la existencia, mezclándose con estatuas humanas que desafían al viandante con la mirada, más viva que la suya propia, más allá de los puestos de flores y de los mercados de la vida, más allá de la odisea infinita del descubrimiento del viajero de lugares no descritos en ninguna guía, más allá del trance hipnótico que supone bajar por Tallers hasta las Ramblas, ese recorrido uterino que acaba transportándote a mundos paralelos, más allá de la estela nebulosa de los sueños, donde una Barcelona crepuscular acaba estallando en la retina de un pintor callejero que da un baño de color a paredes muertas, y donde la sabiduría sigue esperando adormecida en el pozo de los vasos de vino de los alcohólicos de largo recorrido.

Barcelona crepuscular estallando en la retina, ciudad cosmopolita entregada a la fiereza de la comunicación humana, ruido ambiental en las calles vertebrales y silencio profundo en plazas interiores de los barrios marginales,

Te acordas hermano por Crista Smith

Polaroid Las cámaras Polaroid que datan de principios de los años ’60, eran cámaras fotográficas que se caracterizaban por ofrecer una fotografía al momento mismo de tomarlas. Es por esto que también se las conocía como cámaras instantáneas. Dentro de las mismas, se introducía una película cuyo rollo proporcionaba la posibilidad de sacar entre 8 y 10 fotografías. Si bien las imágenes finales tenían un tono pastel muy bonito, el punto negativo de estos objetos era que, con el tiempo, se borraba las imágenes que se habían sacado. En la actualidad su uso no es muy frecuente pero, todavía quedan algunos coleccionistas que, adquieren estas cámaras considerándolas como verdaderas reliquias. Walkman: Seguramente las nuevas generaciones no sepan de este objeto. Hasta hace no mucho tiempo atrás, la música que escuchaban los jóvenes en sus oídos no era reproducida por el hoy tan famoso y difundido mp3, sino que, era el walkman el encargado de esta tarea. Una especie de mini radio que, también servía a veces, según el modelo y la marca para grabar notas de voz. Dentro del mismo, se introducía el cassette (hoy también casi en extinción) para escuchar música mientras se paseaba por la calle o se realizaba alguna actividad al aire libre. Funcionaba a pilas ya que si algo lo destacaba, era la posibilidad de utilizarlo sin necesidad de electricidad. El walkman empezó a caer en desuso con la llegada del compact disc que dio lugar al Discman (una especie de walkman más moderno, donde en lugar de cassettes, se introducían discos compactos en su interior) y luego ya más tarde, los mp3, cada vez más pequeños y modernos que se utilizan hoy en día.

Tocadiscos

“Wiser for the Time” de The Black Crowes

“Chances ” de Illya Kuryaki and the Valderramas El dúo mas esperado se hizo rogar, pero regresó con todo. Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur lanzaron su séptimo disco de estudio con I.K.V. tras diez años de carreras solistas. Grabado en Buenos Aires durante un año y mezclado en Los Angeles, “Chances” es un disco que muestra que estos dos amigos de toda la vida están más ensamblados que nunca. Con temas potentes en cuanto a lo instrumental, algunos bailables, otros rocker, pero todos con una tremenda super producción detrás, como nos tienen acostumbrados desde su disco “Versus” (para mí, el mejor disco de la banda), nos muestran una perfecta comunión de voces cada vez más ajustadas y con letras muy poéticas. El primer corte de difusión es “Ula Ula”, el tema más comercial del disco, pero que marca a las claras lo que suenan estos muchachos por estos días. Luego encontramos temas como “Adelante”, con una hermosa letra; “Madafaka”, un tema hecho a medias con los Molotov y creo que la perla del disco es sin duda “Aguila Amarilla”, el tema dedicado al flaco Luis Alberto Spinetta, donde el arreglo de violines, la interpretación de Dante y el estribillo desgarrador de Emmanuel, hacen del tema un verdadero homenaje y estremecer hasta las piedras. Como resultado, creo que es un buen disco. De lo mejor que se puede escuchar por estas latitudes.

La banda liderada por los hermanos Robinson sacó a la calle este nuevo trabajo “Wiser for the Time”, grabado en vivo durante cinco conciertos que el grupo ofreció en Nueva York en el otoño de 2010. Es un disco doble que contiene 26 canciones, con 15 versiones acústicas y 11 eléctricas de exquisita interpretación. Con su clásico juego preciso de guitarras, acordes y sensualidad; y ese aroma mezcla de orillas del Mississippi y bar de mala muerte, los Black Crowes no defraudan (como nunca lo hacen) y salen de gira presentando el disco por el Reino Unido y Norteamérica. Entre los 26 temas del disco encontramos “Smile”, “Soul Singing”, el clásico “She talks to Angels” y "Tonight I'll be staying here with you", cover de Bob Dylan. Seguramente no saldrá en ninguna tapa de revista, ni se detendrá el mundo por este anuncio. No es su estilo. Es simplemente rock and roll en estado puro.

por Diego Vidal

Entrevistamos a Pablo Bernardo, líder de “El hijo del viento”. Banda que viene tocando seguido y en pleno ascenso en la zona sur del Gran Buenos Aires. Pablo: ¿Cómo está formada la banda? Estamos en formato de TRIO. Armamos las canciones y las plasmamos sobre ese estilo de rock. En la BATERIA: Leonardo Acosta. BAJO: Daniel Núñez. GUITARRA Y VOZ: Pablo Bernardo. ¿Cuánto hace que están juntos? En Diciembre de 2005 fue cuando por primera vez nos juntamos. A fines de 2008 entramos en un parate que nos volvería a juntar casi tres años más tarde. ¿Qué influencias tienen y a dónde apuntan con el sonido? Nuestro estilo es rock con influencias de varios formatos de este género. Las bandas que nos gustan y que por lo tanto, influyeron en nuestro estilo son: Desde Héroes del Silencio a Deep Purple. Lo más relevante en nuestra sonoridad, es no perder nunca la canción. O sea, bucear sobre los sonidos pero mantener la estructura de la composición sobre una guitarra acústica y letras con carga emotiva y narrativas metáforas de vivencias de gente de acá.

letras las compongo yo. Después en la sala pasa aquello que es mágico. Donde cada uno agrega su interpretación y musicalidad. Lo que transforma una idea en una canción de rock. Cada uno desde su instrumento compone a fin a esa sensación partera de la creación de esa obra. ¿En qué se inspiran al hacer los temas y las letras? La inspiración creo, no tiene inicios, formas, presunciones ni objetivos. La inspiración es esa necesidad urgente de decir algo, de gritar algo o simplemente compartirlo. Puede ser en una canción, en una pintura o simplemente en una hoja en blanco. En lo personal, la inspiración me llega y me desborda cuando algo cala profundo en mis sentidos. Nunca pude sentarme y decir, hoy voy a escribir una canción sobre tal cosa… La inspiración llega, como dije antes, como algo urgente, y como entrado en trance, compongo sin analizar lo que estoy haciendo… sólo dejo que fluya. En lo que implica recursos literarios al momento de plasmar las letras, me baso en la metáfora como estrategia… Mi principal influencia en la escritura son Mario Benedetti y Enrique Bunbury.

¿Por qué “El hijo del viento”? El nombre de la banda está basado en una novela propia, escrita por mí, compuesta hace ya muchos años, en tiempos de la adolescencia… El Hijo del Viento (una historia de Rock y Amor). ¿Tienen intenciones de grabar algo pronto, y dónde ensayan? Estamos trabajando en la grabación de las maquetas de los temas. Lo que hacemos puntualmente, es grabar todas las guitarras y bajos con metrónomo sobre pistas que serán re grabadas en el estudio posterior a la toma de la batería. Calculamos que verá la luz a fines de 2013. Ensayamos en la sala RONNIE JAMES DIO, perteneciente a una banda amiga, Razza Mística. La sala es para nosotros nuestro salón de juegos y es importante que tenga el clima necesario para la génesis del arte.

¿Qué aspiraciones tienen para el futuro? La aspiración única e irrenunciable es mantener siempre vivo el sueño rockero. No perder nunca el niño que día tras día me saca a pasear por los balcones del alma y me dice que mi sueño, aún está vigente…

¿Cómo componen los temas? Los temas en cuanto a la estructura, guitarra, melodías y

infonía Celestial

Por Diego Vidal

Hace unos días nos dej ó físicamente un grande del rock y de la música en general como lo era el señor Raymond Daniel Manczarek, más conocido como Ray Manzarek. Músico, cantante, productor, director de cine y escritor estadounidense, nacido en Chicago en 1939 y tecladista y cofundador de la mítica banda The Doors junto a Jim Morrison. Precursor de un estilo único, conoció a Jim en 1965 en la U n i ve rs i d a d d e C a l i fo r n i a Ray mientras cursaban cine. Oyó un poema de Morrison (“Moonlight Manzarek Drive”) y quedó fascinado. Amante del rock y blues de la época, le pidió a su nuevo amigo que le cante el poema, y el carismático Jim, lo deslumbró de tal forma que así nació The Doors. Luego se sumaron Robby Krieger en guitarra y John Densmore en batería. Pero sin duda, el sonido del teclado de Ray es el sonido de The Doors. Como el grupo no tenía bajista, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso piano Fender Rhodes y las melodías del órgano con la mano derecha. Grabó seis discos con la banda, y luego de la muerte de Jim Morrison en 1971, y de probar varios cantantes -Iggy Pop entre ellos- decidieron Densmore y él hacerse cargo de las voces. Grabaron dos discos más que tuvieron muy poca repercusión y allí se separaron. Más tarde en 1978 editan “An American Prayer”, pero esta vez, poniéndole música a grabaciones de Morrison recitando sus poemas. Luego de algunos trabajos como solista y como productor, Manzarek, junto a Krieger, se reunieron en 2002 y crearon una nueva versión de The Doors, llamada The Doors of the 21st Century, con Ian Astbury como vocalista, y Angelo Barbera en el bajo. Con esta formación ofrecieron una gira mundial que los trajo a Argentina en el año 2004, presentándose en el estadio de Vélez Sarsfield. En 2008, regresó a Argentina bajo el nombre Riders on the Storm presentándose en el estadio Luna Park. Seguramente ya está reuniéndose con su amigo Jim, recordando buenos tiempos, y formando parte de la gran sinfonía celestial, mientras nosotros seguimos deleitándonos con su música.