M I A M I by Juan Pelaez

MIAMI

M I A M I es un espacio independiente. Claro está que no dependemos de ninguna institución privada ni del estado, es también cierto que para nuestro sostenimiento utilizamos fondos generados por nosotros mismos y a través de un sistema de arriendo de talleres para artistas y diseñadores que nos permite solventar los gastos normales de una casa y las necesidades de los proyectos que realizamos; no tenemos contratos ni contactos con galerías comerciales y no recibimos el apoyo de ningún mecenas. Entonces: ¿esto nos convierte en un espacio independiente? Tal vez no. En últimas somos dependientes de las propias estrategias que nos permiten sobrevivir. Dependemos de un sutil equilibrio monetario y anímico que nos mantenga unidos y bajo techo y dependemos también de cuánto estemos dispuestos a trabajar para que M I A M I funcione, no como un espacio aislado, sino como un espacio conectado con los procesos artísticos y con la generación de proyectos que permitan hacer visibles las formas de hacer y entender el arte contemporáneo. Tal vez esto sea lo más difícil de hacer funcionar un espacio como M I A M I o el extinto Bodegón: La conciencia de que todo depende del equipo de trabajo y el equipo de trabajo depende de todo un poco. Pero al mismo tiempo esa conciencia se convierte en el motor y en la postura misma del espacio y le da la posibilidad de criticarse, de entrar en crisis, lo que lo convierte no en un

espacio independiente sino en un espacio, es decir, un contenedor de relaciones y de propuestas, de conflictos y de soluciones. Los integrantes son en su totalidad artistas plásticos involucrados en la realización de productos culturales desde la producción de obras, así como publicaciones impresas relativas a las artes, curadurías e investigaciones. Entre otros proyectos creados y/o apoyados por los integrantes se encuentran: El espacio independiente “El Bodegón”(Bogotá), las publicación “Cain Press”(Bogotá) y la revista “Arteria” (Bogotá), la galería Nueveochenta (Bogotá), la editorial “Jardín Publicaciones”(Bogotá) y la sección cultural del Banco de la República (Bogotá) entre otros. M I A M I abre sus puertas al público en mayo de 2011 con la intensión de hacer visibles procesos de arte contemporáneo que no necesariamente se encontraran dentro de los círculos comerciales o las galerías tradicionales. En nuestros ya casi ocho meses de operación hemos ido aprendiendo a sortear obstáculos y tropiezos con trabajo en equipo y la convicción de que son sólo nuestras decisiones como espacio las que definirán la manera en que a futuro sea visto nuestro proyecto por el público y por nosotros mismos, es decir, si M I A M I es eficaz o no respecto a los cambios procesuales y conceptuales que el arte contemporáneo plantea. Como espacio autónomo, es decir un espacio en la capacidad de criticar, no sólo las prácticas artísticas contemporáneas, sino su propio proceder frente a estas, nuestro afán siempre ha sido el de tener frente a los procesos que en M I A M I se presentan cierto nivel de incidencia. Esto quiere decir que en M I A M I la colaboración y el intercambio de ideas con curadores, artistas o talleristas, siempre ha sido la base fundamental de nuestra operación. Para M I A M I el espacio de exhibición es un espació de incertidumbre y al mismo tiempo de interacción con los procesos que llegan hasta sus puertas y una oportunidad de aprendizaje y crecimiento únicas, ya que no sólo tenemos acceso a estos procesos de “primera mano” sino que también nos exigimos como espacio un aporte solidario y serio a esos procesos que creemos son importantes y relevantes para el diálogo y la socialización del arte contemporáneo.

M I A M I abre sus puertas al público en Mayo 26 del 2011 en una casa ubicada en el barrio Teusaquillo, con la exposición del artista bogotano Andrés Felipe Uribe “Sexo, Política y Rock N` Roll”, curada por Guillermo Vanegas. Desde la apertura hemos realizado lanzamientos de publicaciones, screenings, presentaciones y mas de 20 exposiciones, cada una de estas ha concluido en una charla de cierre en la que abrimos un espacio de discusión y crítica en torno a lo sucedido en la muestra

SE XO, POLITICA & ROCK N’ ROLL 26 de mayo 2011 Curaduría por Guillermo Vanegas ARTISTA: Felipe Uribe NUMERO DE ASISTENTES APROXIMADOS: 300 1 .- La versión original de la frase que titula esta exposición ha sido una de las contraseñas identitarias más efectivas en la cultura popular contemporánea. Como es de suponer, si esta expresión funcionó tan bien como un estandarte que, antes, permitía obtener más sexo, más drogas y más rock’n roll, fue en gran medida por la puntual participación de la industria musical en su diseño. Sobre esta relación, el periodista Manuel Salazar Salvo recuerda una frase del –creo- guitarrista de Jefferson Airplane, Skipe Spence, en plena psicosis química, “soy un desadaptado, soy el salvador del mundo, soy la droga, soy el rock and roll”, y el alto influjo que este gremio ejerció en el incremento del consumo de sustancias psicoactivas durante las décadas de 1960 y 1970. 2.- Durante el gobierno de Álvaro Uribe Vélez se explotaron el patriotismo y la persecución hasta alcanzar unos pavorosos niveles de intolerancia. Sin embargo, y para fortuna de muchos, el problema de ése régimen fue que a pesar de la paranoia que intentó sembrar entre cada uno de los colombianos, no logró obtener los mismos re-

sultados que los egregios políticos e ideólogos que lo inspiraron (Julio César Turbay Ayala, José Obdulio Gaviria o Carlos Castaño). Por otra parte, la polarización que generó entre la opinión pública dio pie a una catarata de imágenes a favor y en contra que bien merecerían un estudio riguroso. 3.- En alguna ocasión, Andrés Felipe Uribe comentó el desprecio que le inspiraba la ley que obliga a las emisoras de radio a poner el himno nacional de Colombia todos los días a las 6 de la mañana y a las 6 de la tarde. Su reacción fue entonces la de aprendérselo y tocarlo mezclado con el de Estados Unidos (al fin y al cabo son dos temas musicales que están en la misma tonalidad) de la manera más estridente posible a través de las ventanas de la casa donde vive con su familia. Las protestas no se hicieron esperar y Uribe debió guardar su instrumento y su furia para otra ocasión. A él sí le tocó esperar. 4.- Esta exposición mal curada es un ajuste de cuentas con tres temas que apasionan a Andrés Felipe Uribe. Con la política, le pasa factura al gobierno de Álvaro Uribe Vélez, señalando su fijación con las cifras y su entorno de mentira, manipulación y grupos Nule (gracias a Andrés Uriel Gallego). Con el sexo y el rock n’ roll, la cuestión es mucho más relajada, agradecida. A ambos les rinde un homenaje. Porque, eso hay que reconocerlo, en la obsesión hay una manifestación de agrado, afecto y ternura: reunir incontables gemidos de mujeres que alcanzan –o fingen alcanzar- un orgasmo, copiar los resultados de búsquedas por Internet de variaciones sexuales entre humanos y entre humanos con animales u objetos, esculpir primorosas vaginas en plastilina, dibujar y copiar cien estilos de peinados de cantantes de rock, y hacer todo esto sin maldecir, son expresiones de una obsesión amorosa. 5.- Ante la frasesita esa del sexo y las drogas que se le

atribuye a los Rolling Stones (¿a cuál de ellos exactamente?), lo mejor que hace Andrés Felipe Uribe es no tragarse entera la pepa, no hacer una apología del consumo, no profetizar su perdición. Simplemente mira a las sustancias de lejos, como se observa un insecto de colores brillantes, que es tan hermoso y vuela tan rápido que mejor sería que no nos persiguiera. Guille Vanegas Con este conjunto de trabajos, en principio producidos con desenfreno durante algunos años y luego organizados concienzudamente por Guillermo Vanegas, Andrés Felipe Uribe nos invita a bailar como baila él: con precipitación y violencia pero también con profunda conciencia de cada movimiento.

L A N Z A M I E N T O del VOLUMEN NUMERO 2 de “ E l S E Ñ O R ” 18 Junio 2011 El señor NUMERO DE ASISTENTES APROXIMADOS: 150 “El Señor” es un proyecto artístico que surge de la inquietud de doce dibujantes colombianos quienes deciden apropiarse de la Biblia, despojándola de su carga religiosa, moral, cultural, social, etc. Esta es entonces tomada como un texto literario que es interpretado según el criterio de cada uno de los participantes, generando de esta lectura una variedad de dibujos que serán compilados en una serie de publicaciones. La primera consta de 32 paginas a blanco y negro que empezó a circular en el mes de septiembre de 2010. En esta, su segunda edición, con dibujos de: Martin Lacko, Bastardo™, Sr.E, Fyodor Sorokin, Paola Gaviria, María Olivares Alfaro, Frankie Brack, Daniela Jordan, Xarito, Jim Pluk, Pablo Boffelli, Jack Bailey, Javier Fabregas, Laurent Impeduglia, Martha Verschaffel, Luciano Scherer, Juan Echeverri, Carolina Rojas, Zigendemonic, Carla Barth, Matilde Guerrero, Fernando Zuluaga, Kevin Mancera, Tim Lahan, Chris Parrado, Mauricio Ramírez. 40 imágenes basadas en el primer libro de La Biblia, GENESIS.

LANZAMIENTO JARDIN PUBLICACIONES, POSITIVE PAIN & CUERO de CULEBRA 30 Julio de 2011 Jardin publicaciones. NUMERO DE ASISTENTES APROXIMADOS: 100 Jardín publicaciones es una editorial independiente enfocada en arte joven colombiano con sede en Bogotá, Colombia. Fundada en el 2010 por Andrea Triana y Kevin Simón Mancera. Actualmente Jardín cuenta con la colaboración de Juan Peláez, artista plástico que ha venido trabajando desde hace algunos años en diseño editorial.

AMBIENTE FAMILIAR 8 de septiembre 2011 Curaduría por William Contreras Alfonso NUMERO DE ASISTENTES APROXIMADO: 250 En un principio se podría pensar que la vida en las grandes ciudades es una constante inmersión en sociedad: se duerme en un edificio, se almuerza en restaurantes, se toma un taxi, se trabaja en una oficina. La vida contemporánea exige atravesar diariamente situaciones y lugares construidos para compartirse, sin embargo, una distancia enorme continúa separándonos aún cuando habitamos los mismos tiempos y espacios con centenares de personas anónimas. ¿Por qué miramos hacia las paredes estando en un ascensor? Si en nuestras vidas es inevitable la interacción diaria y periódica con desconocidos, llegar a tener una vaga sensación de privacidad es una tarea verdaderamente difícil. Puede que en muchos de esos casos se nos haga útil un acercamiento personal “no mayor al necesario”, esto como una forma de obtener privacidad entre tanto espacio compartido. Sobrellevar la cotidianidad sin una dosis sensata de desconocimiento de la vida de los demás sería un imposible, el anonimato sería entonces un lujo, y un actuar escueto y desinteresado hacia los demás llegaría a convertirse en una verdadera muestra de amabilidad. Iván Argote, Luisa Poncas, Yeslacan & , Juan Pablo Plazas, Vesko Göesel y Guadalupe Ruiz

CIRCULAR – RECORRIDO por ESPACIOS ARTISTICOS 22 de octubre 2011 NUMERO DE ASISTENTES APROXIMADO: 650 Es la primera vez que nos unimos 11 espacios artísticos en Bogotá.¡¡Mas de 80 artistas participantes!! Abriremos nuestras puertas invitándolos a que nos visiten, entrar en relación con las dinámicas de los talleres, ver exposiciones dispuestas especialmente para esta oportunidad, conocer las obras y sus procesos interactuando de manera directa y personal con los artistas participantes. En la pagina web podrán ver información general de todos los espacios. También acceder a los links específicos de cada sitio en Internet en donde se pueden encontrar, entre otras cosas, portafolios de sus integrantes y los eventos particulares de esta época para que programen sus agendas. CIRCULAR se presenta como una iniciativa colectiva por parte de un grupo de once espacios que se enuncian como talleres, estudios, oficinas, lugares de exhibición, etc. cuyas dinámicas particulares se caracterizan por una interdisciplinaridad que gira en torno a las prácticas artísticas. Inicialmente el proyecto lanza una publicación tipo mapa que localizará en Bogotá estos espacios con el objetivo de visibilizar, difundir y hacer público sus procesos internos, abriendo de esta manera una nueva ruta para la época de ferias artísticas (ARTBO, La Otra, Odeon). Así el sábado 22 y el miércoles 26 de octubre se definen como los días en los que se abrirán simultáneamente las puertas de estos espacios. A continuación los espacios participantes: BASTARDO™, Cooperartes, ESPACIO 101, Espacio 4/4, Estudios “Las Nieves”, FUNDACION 4-18, La Agencia, MIAMI, POLÍGONO, RATTUS RATTUS espacio y Si Nos Pagan Boys. http://rutacircular.tumblr.com/

TCOB

22 Octubre 2011 Curaduría por MIAMI NUMERO DE ASISTENTES APROXIMADO: 250 “El camino hacía la riqueza depende fundamentalmente de dos palabras: trabajo y ahorro”. Benjamin Franklin Según entiendo la expresión Taking Care of Business traducida a nuestro lenguaje coloquial vendría siendo algo así como “estar pilas” o “en la jugada” Se utiliza como un término de negocios, obviamente, pero también para situaciones de la vida cotidiana como el coqueteo en un bar. Estar T.C.O.B es estar, en últimas, al acecho. Llevar todas las de ganar. Esta corta sigla parece contener en si misma gran parte del comportamiento corporativo y de las estrategias de negocios de casi todas las empresas en lo que va de este siglo y el pasado. Siempre hay que ganar, y para ello hay tener los ojos bien abiertos; comprender los caudales de información y volver esos datos en favor de la ganancia. De la misma manera las estructuras e instituciones del arte internacional nutren sus arcas especulando y “endiosando” obras de arte muy consientes de la fluctuación de los mercados y las tendencias de compra. A mi modo de ver T.C.O.B, la primera curaduría que realiza MIAMI desde su apertura hace ya unos cuantos meses, es la reunión de trabajos de artistas que retan estas nociones de mercado, de productividad y eficacia ¿Cómo lo hacen? Tratar de responder esta pregunta agrupando sus estrategias en un solo cuerpo es una estupidez. Por el contrario me parece que en la fragmentación y disparidad de herramientas técnicas y conceptuales que utilizan se encuentra un camino para acercarse a la comprensión de sus formas discursivas.

Hay por ejemplo dos trabajos que a mi parecer ponen de manifiesto una pelea muy consiente de parte de sus productores con la noción de mercado y de economía en la producción. El primero es “Lacuna” de María Angélica Madero y la otra es 75.000 monedas de Juan Peláez y María Paola Sánchez. Estos dos proyectos están emparentados por una estrategia de disolución que contradice la lógica de la productividad y el mercado. Por un lado María Angélica, imprime una copia de Funes el Memorioso de Jorge Luis Borges, dividido en 2655 hojas (tantas como palabras tiene el cuento original) y que puede ser llevado gratuitamente por los espectadores fragmentariamente, pone en crisis la idea, no sólo de objeto de arte vendible como pieza única sino también la idea de la colección y del coleccionista ¿De qué sirve tener el fragmento inconexo de un cuento? ¿para que generar una edición tan eminentemente anti económica en todos los sentidos?. De la misma manera 75.000 monedas de Juan Peláez y María Paola Sánchez al fragmentar 1.500.000 pesos a su cambio mínimo e inservible en la vida cotidiana nos lleva a pensar en la acumulación de capital de una manera obsoleta, físicamente aparatosa y aparentemente carente de valor, una relación entre cantidad, significado y precio. En toda la muestra hay una incoherencia manifiesta entre los ideales de producción capitalista y la forma en la que estos artistas desarrollaron sus trabajos. En ellos la idea de ser productivos, de economizar al máximo los recursos para sacar un provecho económico parece desdibujarse hasta lo ridículo. Perder el tiempo, hacer las tareas cotidianas lentamente, dedicarse a tareas inútiles y hablar de proyectos frustrados no parecen el tipo de cosas que al sistema de mercado le interesen. Y no le interesan porque no son prácticos, porque no generan plusvalía. Es aquí donde se genera una dicotomía profunda: por un lado los artistas retan la producción capitalista y monetaria con gestos a veces inútiles y anti económicos, por el otro parecen ser bien consientes de

que a través de ellos y cobijados por las leyes del arte estos gestos podrían generar algún intercambio monetario. Es un doble juego, una doble amenaza. Porque parece que los artistas de esta muestra entienden muy bien que una forma de retar el mercado y el intercambio monetario es poner de manifiesto lo truculento y casi engañoso de la su producción artística, un video de una persona subiéndose a un taxi muy lentamente, probar un Kilométrico para ver si su tinta dura un kilómetro, una lista de proyectos nunca llevados a cabo, ¿cuánto estaría dispuesto usted como espectador a pagar por estos trabajos? ¿cómo los exhibiría en la sala de su casa? ¿le está empezando a sonar a engaño? Tal vez lo sea y en últimas T.C.O.B puede que sea un llamado y una advertencia a que usted como espectador tenga los ojos bien abiertos, a que esté en la jugada. Gabriel Mejía MIAMI Octubre de 2011

ANATOMÍA COMPARATIVA 28 Octubre 2011 Curatoria forense NUMERO DE ASISTENTES APROXIMADO: 60 El conversatorio se realizará en el marco de la residencia [INDIFERENCIA] Encubrimientos & Escamoteos organizada por Curatoria Forense y Andrés Jurado. Aprovechando que tendremos visitantes de distintos países vinculados al arte y a la cultura, a esta actividad también se asistirán personas locales pertenecientes a instituciones académicas, dependientes, autónomas e independientes. Los puntos clave del conversatorio son: - Diagnóstico local + relaciones internacionales - Financiamiento autónomo + institucional (estrategias) - Producción (editorialidad de arte contemporáneo / selección de obras y curaduría de contenido) Más información sobre la residencia de arte contemporáneo en http://www.curatoriaforense.net/niued/?p=1143 Participan: Jorge Sepúlveda T. e Ilze Petroni (Curatoría Forense), Ricardo Arcos-Palma (UNAL), Guille Vanegas (casi UNAL), Victor Albarracín, Mauricio Gómez, Andrés Matute, Jimena Andrade (www.interferencia.co.net), Fernando Escobar. Andres Jurado.

PARAISOS PERDIDOS 24 de noviembre 2011 El Mal Salvaje & La Sociedad de los Perros (Andrés Jurado y Julio García Murillo) NUMERO DE ASISTENTES APROXIMADO: 40 La exhibición reúne la obra de cuatro artistas que apuntalan diferentes registros, dispositivos y usos atrozmente incorporados en la modernidad. Anteriormente presentada en la galería La Miscelánea (DF) en colaboración con el Laboratorio Arte Alameda & en Galería 904 Mérida. México. Artistas: Viviana Alfonso, Eloisa Mora Ojeda, Aranzazu Pola, Laura Snyder ¿Qué es en el fondo esa historia de encontrar un reino milenario, un edén, un otro mundo? Todo lo que se escribe en estos tiempos y que vale la pena leer está orientado hacia la nostalgia. Complejo de la Arcadia, retorno al gran útero, back to Adam, le bon sauvage (y van…), Paraíso perdido, perdido por buscarte, yo, sin luz para siempre… Y dale con las islas (cf. Musil) o con los gurús (si se tiene plata para el avión Paris-Bombay) o simplemente agarrando una tacita de café y mirándola por todos lados, no ya como una taza sino como un testimonio de la inmensa burrada en que estamos metidos todos, creer que ese objeto es nada mas que una tacita de café cuando el mas idiota de los periodistas encargados de resumirnos los quanta, Planck y Heisenberg, se mate explicándonos a tres columnas que todo vibra y tiembla y está como un gato a la espera de dar el enorme salto de hidrógeno o de cobalto que nos va a dejar a todos con las patas pare arriba. Grosero modo de expresarse, realmente. Rayuela: Capítulo 71 – Julio Cortázar

“Un aumento en la densidad de la transparencia se traduce en ceguera” 15 de Marzo 2012 Exposicón de fredy Buitrago curada por MIAMI Esta exposición que presenta M I A M I y que nace de un recorrido por los proyectos de grado de la Universidad Nacional de Colombia es, a mi modo de ver, un doble juego de la truculencia. Por un lado nos muestra a los espectadores la simpleza de la experimentación, el extraño e infantil goce de la ilusión y del truco develado, por otro, nos invita a reflexionar sobre el papel pasivo que a veces tomamos frente a discursos académicos y científicos, frente a los cuales preferimos simplemente aceptar antes de poner en duda o crisis. No es, como podría parecer a primera vista, una sucesión de ejercicios científicos estilo “Museo de los niños”, por el contrario creo que Fredy es muy conciente del juego que está jugando. Asombrarnos con el simple movimiento de una moneda o un plato roto que se completa por la rotación es también ponernos a pensar sobre nuestro papel como espectadores, como estudiantes y como consumidores de ciencia y tecnología. El truco y la maroma se convierten en la excusa para hacernos sentir tan inteligentes y al mismo tiempo tan tontos como sólo el saber falto de experiencia puede hacerlo. Nos invita a reflexionar sobre la forma en la que nos acercamos a los objetos cotidianos, a los fenómenos de calor, fuerza, equilibrio y percepción y genera un deseo primario de desentrañar la naturaleza de los ejercicios que convive más con la simpleza de la curiosidad que con la petulancia del conocimiento, aunque estoy seguro que no faltó alguno que otro espectador que ante este sencillo doble juego de tramoya se sintió tan conocedor y tan sabio como la ciencia y el arte mismos. Gabriel Mejía

LA CAIDA 25 de abril 2012 Exposición de Sebastián Camacho, curaduría por MIAMI Miedo al vacío El trabajo de Sebastian Camacho tiene dos ejes conceptuales que lo atraviesan de forma irregular. El primero de ellos es la imposiblidad del transporte de sus obras desde la ciudad de Buenos Aires a la ciudad de Bogotá. No una imposibilidad física si no más bien un muro burocrático y ecónomico. El papeleo y los altos costos necesarios para transportar una pieza de arte tradicional (en este caso una pintura y dibujos) se convierten en un abismo casi infranqueable para un artista que no tiene la capacidad económica para hacerlo y que al mismo tiempo comprende y se resiste a estos mecanismos del comercio internacional. Como respuesta a estas políticas Sebastian decidió convertir su pintura de gran formato en imágenes tamaño postal cortando el original, y así burlar a las autoridades aduaneras argentinas. Las postales llegaron a los espectadores vía mano a mano o correo y cada uno de ellos se encarga, en el espacio de exhibición, de completar la pintura. El segundo eje del trabajo de Sebastian es, a mi modo de ver, una preocupación por generar en el lugar de exhibición una atmósfera dramática alrededor de un acto tan simple como el de caer. Un momento estar arriba y al otro abajo parece una tontería, un escalón, por ejemplo es ya una pequeña caida, un salto o una zambullida son diminutos retos a la gravedad. Pero Sebastian le da a este acto un sentido casí cinematográfico, convirtiendo la caida en una metafora de la desaparición y la historia de un pajarito que cuidó a otro moribundo durante su agonía, en una moraleja de cómo la gravedad siempre termina ganándole a los cuerpos.

111111111X111111111= 12345678987654321 5 de julio 2012 por Colectivo Marzo curada por Maria Mercedes Salgado Cuando empecé a escribir este texto pensé en hablar sobre Gordon Matta-Clark y sus intervenciones en las arquitecturas derruidas y a punto de desaparecer, pensé en hablar de los centros comerciales, de los aeropuertos, de las escenografías para videos publicitarios; pensé en hablar de la siempre satisfactoria sensación al ensuciar un espacio tan limpio como MIAMI, de lo liberador de romper algunos vidrios; pero al rato me di cuenta de que quería hablar de la soledad. Cuando camino por este barrio un domingo es fácil para mi imaginarme la soledad que hay dentro de estas carcasas sin niños, sin perros y sin los sonidos eléctricos de los televisores. Es fácil para mi saber que allá adentro no está pasando nada, pero al mismo tiempo no puedo dejar de pensar que debería estar pasando porque hay cantidad de signos que así parecen demostrarlo: los jardines arreglados, los vidrios impecables, las rejas bien afiladas. Un parque temático desolado del tercer mundo. De hecho creo que de eso se trata este proyecto de Estudio Marzo: de una suerte de simulacro del espacio vacío, del espacio deshabitado, o por lo menos de un ejercicio de visualización de un espacio inservible. Hace visible la inutilidad y al mismo tiempo la extrema necesidad de los espacios de exhibición de arte o de lo que sea que se quiera exhibir y juega con la idea de que al llenar, en cierta manera se está vaciando, no sólo físicamente si no también de sentido. Una avalancha de arena que atravieza la ventana me hace pensar en el espacio público, en la calle y sus extrañezas pero también en el detrás, en lo que queda adentro, en el siempre solitario revés de la escenografía.

UN LLAMAMIENTO FALLIDO 6 de Septiembre 2012 Exposición individual de Lorena Espitia. Proyecto Ganador de la convocatoria del Ministerio de Cultura Colombia, Residencia artistica en Mexico, Ministerio de Cultura – FONCA.(Colombia – México). Un fantasma recorre MIAMI, el fantasma de las luchas perdidas, de las luchas sin enemigo. Ya sabemos el destino de los muros, se lo entregamos hace tiempo a los grafiteros gringos, a los estudiantes de la Universidad pública y a “Pepe pegotero” Sabemos también perdidos los bríos y la vehemencia de tiempos pasados. Nos sonroja la grandilocuencia y el ardor de los caudillos revolucionarios de épocas en las que los artistas luchaban por los movimientos de trabajadores y los sindicatos. Nos aterrorizan los murales llenos de cuerpos retorcidos y sobreactuados que cuentan historias heroicas de luchas, de enseñanzas, de proezas lejanas. Hemos convertido todo en un inmenso cliché escenográfico y ya de nada es fácil agarrarse, nada nos sostiene. Vivimos entre el amor y el odio. Sabemos que en el fondo amamos todo aquello que nos averguenza, también sabemos que el amor no lo es todo y que no hay que tragar entero, menos cuando nos sabemos tan llenos de historia y de “cultura general”. A MIAMI llegaron las cenizas desde el D.F. los restos de la acción toman otro significado. Bajo techo, en la seguridad del espacio cerrado, eso que en un momento parecía contestatario se convierte y convierte el espacio en una especie de relicario, en un baúl de recuerdos oxidados. Justo lo que Lorena quería: traer a Miami los restos de un cadáver. Cuando vi esos despojos pensé en la bandera roída de algún país, tal vez en un festón después de un incendio. En todo caso y dejando aparte cualquier romanticada como la que acabo de escribir me gusta pensar que MIAMI es contenedor de una ruina, de un muerto. Un muerto de muchas cabezas, con muchos sentidos.

I (love) U DON MANCHITA 20 de septiembre 2012 La exposición, I <3 U Don Manchita es parte de la programación de, Desde El Bienestar para los 14 Salones Regio-nales de Artistas (zona Pacífico) del Ministerio de Cultura. Artistas: Adrián Gaitán, Camilo Aguirre, Herikita con K, Juan Martín Rico, Wilson Nieva. Curaduría: Juan Sebastián Ramírez. Dice que es pintor, otras veces que es artista. Esté donde esté, fijo que a esta hora estará con un pincel en sus manos así no tenga nada en ellas. Cuando duerme su mundo se deshace en filigranas de colores y cuando pinta intenta reconstruirlos. -¡Mentira! Cuando Don Manchita pinta, no sabe por qué lo hace, es más, piensa que para eso existe la pintura, piensa que independiente de la imagen proyectada, el hecho de embarrar sus emociones en un pedacito de tela es una catarsis que hace posible otras formas de espejo. Barata catarsis, fino espejo tramado. Obvio, lo mejor para el arte sería que Don Manchita pinte imágenes que hablen o que “cuestionen” la situación de la pintura en la contemporaneidad, que la imagen funcione como medio y como mensaje, no que uno sea el otro, sino que sea de las dos maneras. Que pinte las mismas cosas de hace siglos pero con colores contemporáneos o que recontextualice las actitudes de famosos pintores. (fragmento del texto “Don Manchita” de Wilson Nieva) http://desdeelbienestar.wordpress.com/

Mariconna en MIAMI 13 de octubre 2012 Curaduría de la obra de Juan Pablo Echeverri realizada por M I A M I que consistía en la producción de una serie de souvenirs basados en su obra fotografiica donde se plantea una discusión sobre el papel del artista como gestór y mercadér en la producción de arte hoy. Durante el evento, que duró una noche, hubo una presentación de Mariconna (propuesta musical de covers de Echeverri). Madonna en Medellin, Lady Gaga en Bogotá, Mariconna en M I A M I.

Conversatorio de Natalia Valencia 16 de octubre 2012 Ponencia dada por Natalia Valencia en torno al ciclo â&#x20AC;&#x153;Dialogos Criticosâ&#x20AC;? dirigido por Andres Matute en cooperacion con la Universidad de los Andes.

Nado Sincronizado en Mar Abierto 17 de noviembre 2012 Exposición realizada en conjunto con La Usurpadora espacio de arte independiente ubicado en Puerto Colombia. Casi todos nuestros deseos son clichés que esconden un profundo anhelo de desaparición, de no estar en ninguna parte. Y es así porque la escencia misma del deseo es la imposibilidad. No hay lugar ni situación capaz de satisfacer la necesidad del deseo, no existe el lugar físico para deseo; lo que deseamos está siempre más allá. Como esa delgada capa de aire que une al cielo con el mar , que confunde el arriba con el abajo, lo lejano de lo inmediato. De la misma manera nuestro deseo es repetitivo e idílico: virtual. Nado sincronizado en mar abierto, la exposición que realizan en conjunto MIAMI y La Usurpadora, es un catálogo de desventuras del deseo. Un Intento por desenmascarar la arquitectura de los lugares comunes y también un homenaje a su materialidad, a sus formas particulares y privadas; a las maneras en que cada uno de los artistas que conforman la muestra hace visible su capacidad de desear y lo ridículo o no que a veces eso puede resultar. Reconociendo estas diferencias se asimilan y se nutren las coincidencias y los puntos en común. Porque aunque la costa de Colombia y su interior se encuentren casi en extremos opuestos de la geografía y los modos, la máquina del deseo se encarga de ponerlos por momentos en un mismo plano. Los artistas del interior hablando de derretirse bajo el sol, el mar y las sirenas y los de la costa hablando de motores y publicidad callejera. Parece que unos desearan lo que tiene el otro en exceso y viceversa. Como una triste historia de amor ninguno llega a comprender del todo los deseos del otro, pero por lo menos se vislumbran, se encuentran por algunos días y como un equipo de nado sincronizado en la mitad del mar dialogan de esquizofrénicas maneras.

Taking Care of Business (Itinerancia cali) 8 de febrero 2012 Curaduria de MIAMI que plantea una reflexion sobre la productividad, eficacia y el trabajo con la participaci贸n de Matthieu Laurette, Adriana Martinez, Nicolas Leguizam贸n, Mariana Murica, Esteban Rivera, Iv谩n Argote, Maria Ang茅lica Madero, Juan Pelaez y Maria Paola Sanchez.

CRU_TON 23 de febrero 2013 Exposici贸n y presentaci贸n del proyecto realizado por el colectivo Cru_Ton durante de su residencia en Colombia. Proyecto en colaboraci贸n con Laagencia.

Dialogos Criticos en MIAMI 20 de febrero 2013 Charla en el marco del proyecto Dialogos Criticos dirigido por Andres Matute con apoyo de la Universidad de los Andes. En esta ocasiรณn la discusiรณn girรณ en torno a la funciรณn de espacios como MIAMI, coherencia, estructura y viabilidad frente a otros modelos de circulaciรณn de arte contemporaneo. Moderado por los estudiantes.

Charla con Paulo Licona 21 de marzo 2013 Charla con artista Paulo Licona sobre su experiencia en el proceso de desmovilizacion paramilitar entre el 2002 y 2004. género - reinserción - brujería - masacres - drags - misticismo - conflicto - manicure - paramilitarismo - queer aguardiente - cerveza “Mala vía. Muy plano. Trocha. Indios. /Los caminos de arbolitos son todos los mismos. /Manacacías, San Miguel. / Bloque pequeño, el águila y su esposa. /Duermen lejos. / Carpas blancas como de manicomio campestre. /Todos quieren ser Rambo, indios disfrazados de Rambo, pequeños. /Tienen uñas pintadas de negro y largas, dicen que se cruzaron, es un pacto con el diablo. /Son inmunes, blindados condicionales, pagan con un muerto al mes. / Algunos flotan en combate. /Los indios hacen el rito. /Hay más”. Paulo Licona.

P L A N O

de S A L A