DE LO CONTEMPORÁNEO A LO PLÁSTICO
Un pequeño resumen con los artistas más importantes de las últimas décadas, una mirada y análisis de las obras que han deleitado en los últimos tiempos
De lo contemporáneo a lo plástico
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Indice La Imagen Gerhard Richter___________________________________ 3
Guillermo Lorca ___________________________________6
El Color Yayoi Kusama ____________________________________7
Daniel Buren _____________________________________10
Cruz Diez ________________________________________12
Matilde Pérez ____________________________________13
El Dibujo Roberto Matta
__________________________________15
La seguridad del trazo _________________________________16
Objeto Real Cecilia Vicuña ___________________________________17
Juan Luis Martínez _______________________________19
El Registro “Rivers and Tides” por Andy Goldsworthy __________20
“Cien niños esperando un tren” por Ignacio Agüero ___22
“a Valparaíso” por Joris Ivens ______________________24
La Performance Marina Abramovic y Ulay __________________________25
Conclusión curso
_____________________________________26
Por Constanza Arancibia
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La Imagen La imagen toma un lugar fundamental en las obras de muchos artistas, la imagen es inestable y percibida de manera diferente por todas las personas, es una experiencia cromática variada e intensa. Color y fotografía son portadores de la imagen. A continuación se presentarán artistas que trabajan sus obras a partir de la imagen.
Gerhard Richter , Alemán, 1932 La producción artística de Gerhard Richter puede clasificarse en tres categorías:
-Figurativa: esto es todas las pinturas se basan en fotografías o la naturaleza.
-Constructiva: trabajo más teórico como tablas de color, paneles de vidrio y espejos.
-Abstracto: casi todo trabajo realizado desde 1976 excepto bodegones y paisajes.
“El trabajo de Richter es clave en el arte alemán post guerra, es considerado uno de los artistas más importantes del arte contemporáneo” Atraído por métodos poco convencionales para ejecutar obras de arte, Richter comienza a experimentar en obras foto- pinturas (tal como la que se percibe al costado derecho). De esta forma comienza a extraer imágenes de fotos familiares, fotógrafos a fi c i o n a d o y p e r i ó d i c o s p a r a d e s a r ro l l a r s u s o b r a s . D e s d e entonces ha pintado muchos cuadros en los que explora la percepción por parte del espectador de objetos familiares, interceptada por las técnicas de la pintura.
Betty, 1977, Museo Ludwig/Colección Privada
Por Constanza Arancibia
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Vitral Catedral de Colonia, Alemania El año 2007 Richter dona el trabajo vitral que decora una parte de la catedral de Colonia, su ciudad natal. La donación de Richter viene a reemplazar un vitral que emanaba mucha luz y que databa posterior a la Segunda Guerra Mundial. El vitral mide aproximadamente 20 metros de alto y tiene una superficie de 113 metros cuadrados.
La realización de este vitral tiene todo un trabajo minucioso de constantes pruebas y moldes, los tamaños de cada cuadrado en el vitral fueron estudiados y analizados como así también la distribución de los colores. Diversas pruebas fue realizando el artista junto a su equipo de trabajo, de manera que se crearon moldes y maquetas de como sería el resultado final de tamaños y disposición de colores. No es un trabajo fácil, ya que al estar trabajando con una gran paleta de colores, el orden de ellos jugaba un papel importantísimo a la hora del resultado total, la imagen que reflejaría el vitral sería una sensación cromática que no se repetiría en otro patrón de distribución, por ello debía ser perfecta y capaz de transmitir lo que quería lograr el autor.
“Richter convierte el clásico vitral, de manera que resalta la imagen final y la sensación cromática que provoca sobre la historia que cuenta en su extensión” Por Constanza Arancibia
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Richter es difícil de encajarlo en un solo tipo de arte, ha realizado diversas obras en diversas técnicas y temáticas. Otra de sus facetas conocidas son sus obras abstractas realizadas en enormes lienzos ocupando múltiples técnicas e incluso herramientas que el mismo confecciona para poder llevar a cabo sus ideas artísticas. Existen diversos videos en internet en donde muestran como va creando sus obras y desarrollándolas.
Gerhard Richter con una de sus herramientas de trabajo.
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Guillermo Lorca, Chileno, 1984 Pintor figurativo chileno, conocido por sus pinturas de gran formato inspiradas en elementos de orden onírico. Su obra es de influencia Barroca, tratando temas como la violencia, la sensualidad, la inocencia y la niñez. Este joven artista chileno comienza su carrera alrededor de los 22 años, tiene amplia experiencia en el mundo del arte, su trabajo nace a partir de un foto- montaje que realiza por photoshop a partir de imágenes de su propio registro, de esa forma va creando capas y diversos montajes, teniendo una alta calidad en su realismo. Generalmente sus obras son de grandes tamaños. Sus obras han sido expuestas en el Museo de Bellas Artes de Santiago y a participado en diversas exposiciones, tal como la que se realizó el año 2010 para el Metro de Santiago en donde expuso enormes retratos de diferentes personas.
Los Gansos, 2013
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El Color
El color ha sido la base de creación para muchos artistas contemporáneos, diferenciándose unos de otros a partir del uso en formas o repeticiones de manera que crean patrones de diseño propios y característicos en cada autor.
El color le ha proporcionado un apoyo a los artistas para así poder crear obras no muy rebuscadas en su técnica pero de una genialidad y simpleza increíbles, a partir de ello a continuación se presentarán artistas icónicos que se han caracterizado por un patrón determinado en sus obras.
Yayoi Kusama, Japonesa, 1929 A lo largo de su carrera, ella ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones, la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, minimalismo y arte feminista e influenció a sus contemporáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg. A pesar de haber sido olvidada después de que dejó la escena del arte neoyorquino a principios de la década de 1970, Kusama es reconocida actualmente como una de las artistas más importantes que haya salido de Japón y una voz muy importante del avantgarde (nombre que se le dio a las obras innovadoras o experimentales en aquella época. También es novelista y poeta publicada, ha creado notables trabajos en filmes y diseños de moda.
“El amor como filosofía de vida que todo lo abarca, permite a los seres humanos vivir sus vidas en este universo infinito” (Yayoi Kusama) Por Constanza Arancibia
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Los lunares de Kusama
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Las obras de esta artista Japonesa han estado marcadas por su sello personal, el cual serían los lunares, en todas sus obras presenta el patrón de círculos de diferentes colores y tamaños, creando obras enteras a partir de estos patrones. Este sello tan característico en ella la ha llevado a participar en grandes exposiciones por todo el mundo y también a aportar a grandes casas de moda que han inspirados colecciones a partir de su sello tan característico.
Colaboración de Yayoi Kusama para Louis Vuitton
Limonada, 2000
Calabazas
Por Constanza Arancibia
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“Obsesión infinita” en Chile Desde el 7 de marzo y hasta el 7 de junio estará abierta la retrospectiva Yayoi Kusama: Obsesión infinita, en el Centro de las Artes 660 / CA 660, lo que marca su paso por Chile tras una larga itinerancia por ciudades de Argentina, Brasil y México. Esta muestra incluye más de 100 obras entre papeles, pinturas, esculturas, videos, presentaciones con diapositivas y espectaculares instalaciones, todas con una intensidad alucinógena que refleja la particular mirada del mundo de esta artista japonesa. Los trabajos fueron creados entre 1950 y 2013, y dan cuenta del camino que ha hecho Kusama durante sus 60 años de carrera, un recorrido que va desde el ámbito privado a la esfera pública, desde la pintura a la performance, desde el taller a la calle. Cada una de las piezas presentes en esta exposición fue creada pensando en que el
espectador interactúe con ella y se haga parte del mundo surrealista de esta artista. El título Obsesión infinita sintetiza en dos palabras los polos del universo de Kusama. Por una parte “obsesión” tiene que ver con la recurrencia de íconos que esta artista ha trabajado a lo largo de su carrera y, por otro, “infinita” se refiere a su capacidad de trabajo y a las alusiones al cosmos y los espacios sin fin. Una de las preocupaciones permanentes de Kusama ha sido representar el espacio infinito. Un buen ejemplo es el uso que le ha dado a los espejos, transformándolos en un elemento recurrente hasta hoy. Para esta exhibición presentará la famosa instalación Infinity Mirror Room, que busca invitar a los espectadores a dejar en suspenso su propia percepción para sumarse en el viaje que Kusama hace hacia la anulación.
Registro personal visita a la exposición “Obsesión Infinita”
Por Constanza Arancibia
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Daniel Buren, Francés, 1938 Artista conceptual francés, a veces se le considera un minimalista abstracto, se le conoce por el uso de rayas de gran tamaño y regulares en contraste para integrar la superficie visual y el espacio arquitectónico, especialmente histórico.
Este artista le da énfasis al proceso de hacer la obra, considera también que la obra es una instalación específica para un lugar relacionándose con su ambiente.
Columnas, Palais Royal
Kaleidoscope, 2012
“Las rayas son el sello característico de Buren” Por Constanza Arancibia
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La moda y el arte
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El año 2012 el artista Daniel Buren fue encargado de realizar el escenario para el desfile de modas de la famosa casa de moda Louis Vuitton, en aquel tiempo dirigida por el diseñador de modas Marc Jacobs. La puesta en escena se relacionaba totalmente con las prendas creadas por el diseñador, ya que el trabajo de Buren sirvió de inspiración a Jacobs. En páginas anteriores también se muestra la colaboración de Kusama a Louis Vuitton, es así como se demuestra que la moda es también un vehículo de arte capaz de exponer formas y colores en composición. Estos aportes de parte de grandes artistas contemporáneos hacia el mundo de la moda, logra unir estos dos mundos que se rigen por un mismo eje, el cual es la creatividad. No es menos cierto que el mundo se la moda se ha considerado un espacio frívolo y solo comercial durante los últimos años, pero no se puede desconocer que también es un gran soporte para plasmar la creatividad de geniales artistas que han marcado la escena artística mundial en las últimas décadas. Arte y moda poco a poco se van uniendo en pos a lograr objetivos y puestas en escenas más significativas para el espectador.
Por Constanza Arancibia
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Lo Óptico y cinético
El color y las formas toman gran protagonismo en este tipo de arte, en el cual las estratégicas posiciones dan lugar a obras con movimiento y vida propia, el paso de obras a ilusiones cromáticas ópticas. A continuación se verá el trabajo de dos artistas sudamericanos, máximos exponentes en este tipo de creaciones.
Carlos Cruz Diez, Venezolano,1923 Protagonista más significativo del arte óptico y cinético, teórico del c o l o r, s u i n v e s t i g a c i ó n s e fundamenta en 4 condiciones cromáticas: sustractiva, aditiva, inductiva, y refleja.
Su trabajo ha aportado una forma nueva de conocimiento del fenómeno cromático, ampliando el universo perceptivo. En sus obras el color presenta como una realidad que puede existir sin ayuda de la forma ni el soporte.
Couleur Additive 301
Couleur dans l'Espace
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Matilde Pérez, Chilena, 1920-2014
Siempre atenta “ a lo que no se repite, porque cuando algo se empieza a repetir, se agota”, combinó los más diversos materiales y técnicas para plasmar una mirada que apuesta por que “el ojo se mueva”
La audacia fue el sello de la vida de Matilde Pérez, una artista visual de camino propio que abrió nuevos rumbos en el arte chileno del siglo XX y que como mujer, transgredió muchas de las convenciones de su tiempo para dedicarse, como lo hizo, a explorar el lenguaje pictórico.Una de las principales exponentes del arte cinético en Chile. Trabajó en murales, esculturas e instalaciones. Fue parte del grupo de los cinco expresando su inconformismo con los medios tradicionales de representación pictórica. Luego esta iniciativa derivó a la creación del Grupo Rectángulo, que basaba su expresión en la abstracción geométrica. Sus obras, sean pinturas, collages, esculturas acrílicas o metálicas, dan cuenta de una incesante experimentación con las posibilidades de la creación tanto del movimiento virtual -a través de la ilusión óptica- o del movimiento real a través de la electricidad, elemento que incorporó a sus obras a partir de 1970.
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“Me mortifican las cosas quietas, impenetrables y muertas. me gusta la vida, yo predico la vida” (Matilde Pérez)
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El Dibujo
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A partir del dibujo nacen nuevos mundos y formas extraídas de la imaginación de los artistas, el color pasa a ser un ente importante en la obra pero no el principal ya que las formas, y lo nuevo que surge del trazo es lo que mueve la obra en su totalidad.
Roberto Matta, Chileno, 1911-2002 La obra de este connotado artista se extiende desde los años treinta hasta hoy. Fue partícipe y renovador del surrealismo y personaje decisivo en el grupo de artistas del expresionismo abstracto de los años 40. En los inicios de su labor artística, s u s o b ra s r e f l e j a r o n s u s p r e o c u p a c i o n e s metafísicas, la importancia de las creaciones religiosas. Dibujos figurativos que con el tiempo fueron evolucionando hacia una abstracción, con referencia de artistas de la época como Dalí y Picasso y la influencia de El Greco. Elementos como el humor, el erotismo, la reflexión, el pensamiento estuvieron presentes en estos inicios. Roberto Matta ha realizado un valioso aporte en las artes plásticas universales del presente siglo, ubicándose como uno de los artistas más importantes del Movimiento Surrealista.
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La seguridad del trazo
Algunos de los artistas mencionados en esta revista poseen videos en la web en donde muestran sus estudios, y su intimidad a la hora de realizar sus obras, en cada uno de esos momentos en que se enfrentan con el soporte de la obra y sus elementos para trabajar, la seguridad brota por todas partes de su cuerpo, dejando entrever que todo está totalmente calculado a la hora de hacer un trazo, colorearlo, etc. En esta seguridad no hay una soberbia, al contrario una simpleza en el oficio.
La respuesta en esta seguridad en el trazo tiene que ver con el conocimiento que tienen de ellos mismo con el pasar de los años y el ir creando infinitamente durante años, conocen sus campos, sus movimientos, sus habilidades, pero eso no es motivo para mostrarse con la autoridad de ni siquiera autodenominarse artistas o genios. Es ahí donde aparece el verdadero artista, el que no pretende nada más que mostrar su mundo imaginario, plasmarlo en algún soporte y regalarlo visualmente al resto. Es ahí donde el arte se dice ser para todos y por todos.
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Objeto Real
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El soporte de la creatividad es un objeto o la composición de muchos de estos, realizado en variadas y libres técnicas. El objeto transmite lo creativo o el mensaje que quiere comunicar el autor, o causar sensaciones o emociones al estar en contacto con el.
Cecilia Vicuña, Chilena, 1948 Poeta y artista chilena de larga trayectoria internacional, creadora de “lo precario,” una poética espacial realizada en la naturaleza, calles y museos como “una f o r m a d e o i r u n a n t i g u o s i l e n c i o .” Fundadora de la “Tribu No”en Chile y de “Artists for Democracy” en Londres, ha creado multiples instancias de encuentro, cursos y talleres en comunidades y universidades tales como Naropa University, Denver University, SUNY Purchase y la Universidad de Buenos Aires, entre otros. Su obra se difunde ampliamente en Estados Unidos, Europa y América Latina, en performances y publicaciones traducidas a varios idiomas. Recientemente hizo una gira de performances poéticos por cuatro países latinoamericanos junto al poeta Jerome Rothenberg.
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Archivo personal visita Museo Bellas Artes 2014, Textil Chile Vencerá, Cecilia Vicuña
Artists For Democracy fue una manifestación de apoyo a la resistencia chilena realizada en el Royal College of Art de Londres en 1974 con la participación de artistas como Jhon Dugger, Julio Cortázar, Roberto Matta, Liliane Lijn o Mike Leggett y Cecilia Vicuña, y que tuvo un momento culminante con la manifestación de solidaridad con Chile con más de 10 mil personas en Trafalgar Square. Esta escena donde su unió arte y política, sin embargo, ha sido ignorada por la historiografía del arte chileno y borrada de nuestra memoria. Tan cierto es esto, que a propósito de la exposición que se realiza en estos días en el Museo de la Memoria, el equipo de Vicuña ha descubierto que en los depósitos del museo de la Solidaridad hay cerca de 100 obras de esa exposición sin que nadie hubiera reparado en ellas hasta hoy.
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Juan Luis Martinez, Chileno, 1949-1993 Martínez sentía que no era dueño del lenguaje que componía su obra, y por eso tachaba su nombre. Decía: “no soy yo el autor de nada, el lenguaje le pertenece a todo el mundo, yo sólo lo ordené de una manera, pero esto lo podría haber hecho cualquiera”. El mismo Martínez escribe su propio nombre, pero luego lo tacha, lo elimina, lo borra: el sujeto desaparece, el ego no tiene cabida posible.
Obras plásticas
Campo de cerezas
Dobles del centro
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El Registro Obras efímeras que quedan registradas en fotografías o videos captando el resultado y final del proceso, pero la obra también puede ser un relato, un croquis,etc. La obra tiene procesos de antes, durante y después, que forman parte del resultado final. El registro recoge el entorno, en donde se posiciona la obra, haciendo que la mirada capte la interacción entre obra y entorno. El registro también se convierte en arte al ejecutarse de manera destacada y delicada, captando lo esencial de lo que se quiere registrar.
Andy Goldsworthy, Inglés, 1956 De su documental Rivers and Tides se puede desprender que la naturaleza es capaz de proporcionar la materialidad y soporte a los artistas para crear obras efímeras. Estas obras con una belleza del antes, durante y después. Obras leves en su consistencia pero con un alto contenido artístico, visual y armónico. Este arte no se presenta como una amenaza para la naturaleza, ya que logra realizar el proceso solo con materiales naturales tales como agua, hojas, troncos, piedras,etc.
Desde y con la naturaleza hacia la obra, así como se hace del uso de la naturaleza para lograr la materialidad de la obra, también las formas de los ríos, montañas y de la naturaleza en si dan cabida a la inspiración del artista. Es a partir de la observación de su entorno y sus formas en donde encuentra cabida a su imaginación para poder crear increíbles obras efímeras.
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Obras que aparecen en el documental Rivers And Tides
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Documental “100 niños esperando un tren” El documental es un registro del taller de apreciación cinematográfica que realizaba la profesora Alicia Vega en una población de Peñalolen, en medio de dificultades y límites que amenazaban la sobrevivencia de la actividad. La profesora logra salir adelante recurriendo al ingenio y a la capacidad lúdica de los niños, pero el documental de Agüero va mucho más allá de su anécdota.
El documental tiene tres puntos en los cuales se centra, uno con respecto a lo cultural, al mostrar como el cine era llevado a sectores vulnerables del país, luego el ámbito social ya que al realizar el taller de cine en Peñalolen, deja ver la situación social de las poblaciones en la década de los 80, y por último lo político ya que en constantes escenas del documental se deja a la vista el como el golpe militar del año 1973 ha tocado y marcado a los niños de aquella época, demostrando claramente e ingenuamente interés sobre las marchas, protestas y represión policial.
La sencillez del documental es capaz de mostrar la inocencia de los niños chilenos de escasos recursos de aquellos tiempos, siendo capaz de conmover, y dejar un espacio de reflexión para crear algunas preguntas al espectador tales como: ¿ qué ha pasado con los niños de esta época? ¿ qué ha ocurrido con la inocencia y las ganas de aprender haciendo propio de la niñez? ¿qué tanto afectó la dictadura a los niños que la vivieron?¿qué ocurrió con aquellos niños y sus sueños?.
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A 27 años del documental
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Muchas dudas han surgido en los espectadores sobre este documental y el transcurrir de los años, porque ha sido un registro cinematográfico que ha calado profundo en los últimos tiempos. Ya han pasado 27 años desde aquel taller de cine impartido en Peñalolen, y para sorpresa de muchos la profesora que lo realizó, Alicia Vega, aún vive y sigue realizando el taller para niños en sectores vulnerables del país. En una de las últimas entrevistas que dio, confiesa que hoy en día realizar el taller es mucho más complicado, ya que la desconfianza en los padres y pobladores ha aumentado, y es por ello que ha decidido impartir el taller en colegio de escasos recursos para no perder la continuidad del este, que ya se ha mantenido por casi tres décadas.
El documental ha sido tema importante para muchos directores de cine e incluso ha aparecido en algunas series de televisión ambientadas en la época de los 80.
Con respecto a los niños que aparecían en el documental, hace dos años atrás el canal de televisión Canal 13 realizó un reportaje sobre el documental y salió en búsqueda de alguno de los niños protagonistas de el, es ahí donde resaltaron muchos temas desconocidos sobre el registro audiovisual. Muchos de los niños que aparecían en el seguían viviendo en el mismo lugar donde se registró, y no habían visto nunca el documental. Ya todos los protagonistas bordeaban casi los 30 años y tenían sus familias formadas, algunos más que otros pudieron cumplir sus sueños y avanzar en lo que respecta a lo social. También confesaron que uno de los éxitos del desarrollo del taller en esos años, se debió a la colación que regalaban durante la jornada, lo que obligaba a muchos a ir para poder comer durante la mañana ya que venían de familias de muy escasos recursos, de esa forma queda más claro la situación social colectiva que sufrían aquellos protagonistas.
El director también comenta que el desarrollo de aquel registro en aquellos años no fue para nada fácil, incluso muchas ocasiones temieron por sus vidas ya que estaban registrando no solo el taller sino la posición y pensamiento que tenía la población con respecto al duro momento político que afectaba al país.
Alicia vega impartiendo el taller de cine en el año 2014
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“Valparaíso” por Joris Ivens El documental a través de una mirada poética de Valparaíso, muestra la mixtura cultural del Puerto y las desigualdades sociales existentes entre los que viven en el cerro y los que habitan en el puerto.
A través de este registro se puede perpetuar la identidad de una ciudad tan pintoresca como lo era y sigue siendo Valparaíso. Un registro de un valor sin precedentes en donde la ciudad se convierte en el soporte de la gran historia que quiere contar este cineasta Holandés.
Registros que perduran más allá de los tiempos, que permiten generar preguntas de acuerdo a la temática que aborda y el espacio en el que se desarrolla.
¿ V a l p a r a í s o r e fl e j a d o e n e l documental en su edad de oro o en el comienzo de su decadencia que se prolonga hasta estos días?
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La Performance Una de las variedades del arte contemporáneo, es la performance, esto corresponde a actos en vivo realizado por artistas plásticos que a través del cuerpo, sonidos, emociones y todo lo relacionados al sentir con los 5 sentidos pueden transmitir a los demás. Es así como nacen reconocidos artistas especializados en este tipo de arte, presentando variadas puestas escenas por todo el mundo.
Marina Abramovic y Ulay
Relation in time 1977
Marina y Ulay se encuentran en el Moma después de 23 años sin verse.
El contenido central de sus obras es la relación entre el cuerpo, el espacio y la sociedad. Viajaron a diferentes países para colaborar con artistas locales. Entre estos países se puede nombrar Australia, China, Estados Unidos y Países Bajos. Trabajaron juntos desde1976 a 1989. Las actuaciones realizadas en este periodo son las obras más conocidas de ambos. En 1988, Ulay y Abramovic decidieron hacer un viaje espiritual que pondría fin a su relación. Cada uno de ellos caminó por uno de los extremos de la Gran Muralla China y se reunieron en el centro. Ulay partió del desierto de Gobi y Abramovic en el Mar Amarillo. Cada uno de ellos caminó 2.500 kilómetros, se encontraron en el centro y se dijeron "adiós". En 2010 el MoMa presentó una retrospectiva de la obra de Abramovic, donde ella interpretó "La Artista Está Presente" (The Artist Is Present), compartiendo un minuto de silencio con cada desconocido que se sentó frente a ella. Ulay hizo una aparición sorpresa la noche de apertura y Abramovic experimentó una fuerte reacción emocional al ver frente a ella a Ulay después de 23 años de haberse separado. Por Constanza Arancibia
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¿CUANDO EL ARTE SE CONVIERTE EN ARTE? Luego de recorrer el trabajo de diversos artistas contemporáneos nace la pregunta de cuando el arte se convierte en arte. Muchas de las obras presentadas durante el curso son de mi total gusto, pero algunas definitivamente no lo son, y es ahí en ese punto de inflexión en donde se encuentra la respuesta. No todos miramos el arte con los mismos ojos, ni tampoco sentimos lo mismo que siente el espectador que se encuentra al lado de nosotros. El arte es un constante descubrimiento de sensaciones y emociones, en el cual nos vamos envolviendo a partir de nuestras experiencias, gustos y emociones.
No existen parámetros a la hora de calificar lo que es arte y lo que no es arte, en el preciso momento en donde nace algo de las manos, el cuerpo, la voz, la imaginación y se plasma en cualquier tipo de soporte, se convierte automáticamente en arte, algunas obras más valoradas que otras por el total de los espectadores pero todas con un eje en común, que es poder transmitir ese algo que se esconde y conmueve al creador, que muchas veces hace mover lo central de su vida.
Dicen que todo artista tiene un grado de locura, y quizás es en aquel trance en que se logra esa conexión con lo más agudo de la creatividad individual.
Y es precisamente ahora en donde me pregunto ¿ los arquitectos o diseñadores son artistas?¿nuestros trabajos son obras de arte?, y con respecto a esto creo absolutamente que somos artistas capaces de crear obras, porque el habitar y el diseño nos mueven, llevándonos a ver cosas que el normal de la gente no puede apreciar, para de allí obtener las más descabelladas e increíbles ideas en el habitar. Creamos nuevas dimensiones en el espacio, damos cabida al diseño, a lo armónico y a lo imaginario que sale de nuestras observaciones y percepciones.
Todo aquel que se atreva a expresar su imaginación y su mundo interior a través de cualquier método artístico es creador y precursor del arte.
Por Constanza Arancibia