MAGAZINE & BUSINESS WOMAN
ÍNDICE
A MEANS OF EXPRESSION WITH FRESH AND CURRENT INFORMATION, WE HAVE THE SUPPORT OF COMPANIES AND ASSOCIATIONS THAT GIVE US THEIR RECOGNITION TO THE PARTICIPATING PEOPLE, AMONG THEM IS UNESCO FOR SUPPORTING THE ARTS AND THEIR DISCIPLINES; TERRACYCLE FOR BEING A SOCIALLY RESPONSIBLE MAGAZINE WITH THE ENVIRONMENT, INADEM AS THE BEST DIGITAL CULTURAL COMPANY CREATED BY YOUNG ENTREPRENEURS, CONCANACO SERVITUR ASÍA BEING ONE OF THE FIRST COMPANIES TO ENTER THE ASIAN MARKET, GOVERNMENT OF LOS ANGELES GIVING A CERTIFICATE OF HONOR IN LIVING LEGACY AND RECENTLY TOTA PULCHRA (VATICAN) BY MOSIGNOR JEAN-MARIE GERVAIS, PRESIDENT OF THE SAME ASSOCIATION AND COADJUTOR PREFECT OF THE VATICAN CHAPTER FOR OUR GREAT WORK IN THE BRANCHES OF ART
CEO & FOUNDER
ARTHUR ELIAS
DIRECTORA DE DISEÑO FERNANDA GONZÁLEZ
DISEÑO
CARLOS PINEDA
ADRIAN HERNÁNDEZ
MARCOS MORALES
ILUSTRACIÓN Y FOTOGRAFÍA
ANAHÍ SOLANO
LUIS HERNÁNDEZ
DIRECTORA EDITORIAL
DEFNNY SZCUBERT
EDITORIAL
KATIA MÉNDEZ
MARIO GARCÍA
ERIKA SALCIDO
ESCRITORES
RAÚL PLANCARTE
LAURA SANZ
LORENA MÁRTINEZ
JOSEAS MILTÓN
COLABORADORES
CHRISTIAN GAMÉZ
CARLOS MENDOZA
ALBARO MARTÍNEZ
WILLIAM SILVA
Aida
LA EVOLUCIÓN ARTÍSTICA, UNA
PROMETEDORA TALENTO MEXICANA
Nacida en la Ciudad de México y actualmente residente en Metepec, Estado de México, Aida Ambriz es una artista plástica que ha incursionado en el arte de la pintura desde 2008 Con un enfoque en el arte figurativo, su trabajo refleja sus sentimientos, percepciones y experiencias del mundo que la rodea. A lo largo de su trayectoria, ha dominado diversas técnicas, incluyendo acrílico, acuarela y óleo, bajo la guía de maestros destacados como Luis Nishizawa, Gabriela Rojo y María Clavel. A través de sus obras, busca transmitir sus emociones y su particular visión de la vida cotidiana.
Aida explica: “Con la necesidad de expresar lo que veo, oigo, toco y huelo, es para mí una gran emoción tener un lienzo blanco en mis manos. Dejo que se manifiesten todas mis sensaciones en un lienzo” Su proceso creativo comienza con una idea que luego se fusiona con la espontaneidad, dando como resultado obras únicas que invitan al espectador a conectar con sus emociones.
Su estilo se caracteriza principalmente por el arte figurativo, aunque también explora el abstracto, lo que le permite experimentar con diferentes técnicas y materiales En su colección "Del Olimpo al Génesis", Aida utilizó una técnica mixta que le permitió jugar con texturas y óleo, resultando en una experiencia gratificante y enriquecedora.
En cuanto a las temáticas que aborda, Aida se centra en la identidad y la cultura, buscando recordar al público que no estamos tan alejados de nuestra historia, reflejada en mitos y leyendas. Su colección mencionada explora el olvido de los dioses griegos, una reflexión sobre cómo las creencias han cambiado a lo largo del tiempo
Su experiencia internacional ha sido igualmente enriquecedora, colaborando con artistas de diversas culturas y participando en exposiciones como ART AL VENT X, donde su trabajo se expuso en varios museos en Italia. Esta interacción con diferentes tradiciones artísticas le ha permitido crecer y expandir su perspectiva.
A lo largo de su carrera, el arte de Aida ha evolucionado significativamente, destacando la serie "Del Olimpo al Génesis" como un hito en su desarrollo. Actualmente, se encuentra explorando técnicas de tinta china y se prepara para exponer en museos y colaborar con instituciones en subastas benéficas.
Aida espera que su trabajo conecte emocionalmente con el público, buscando fomentar un diálogo que resalte la sensibilidad humana en un mundo cada vez más tecnológico. Para ella, el arte es esencial para reconectar a las personas con sus emociones y pensamientos.
Entre los desafíos que ha enfrentado, destaca el miedo al lienzo en blanco, un obstáculo que ha aprendido a superar confiando en su capacidad de transmitir lo que siente. Sus logros, aunque numerosos, son solo parte de un largo camino en su carrera.
Para los artistas emergentes, Aida aconseja prepararse y confiar en su trabajo, resaltando la importancia de la disciplina y la constancia. En los próximos años, sueña con llevar su arte a diferentes partes del mundo, y considera que este es un buen medio para lograrlo.
Finalmente, reflexiona sobre cómo su percepción del arte ha evolucionado, reconociendo que este es un reflejo de todos los tiempos. Influenciada por maestros como René Magritte y Leonardo da Vinci, su viaje artístico continúa siendo una exploración profunda y enriquecedora
Frank
ACTOR, ESCRITOR Y ARTISTA EN CONSTANTE MOVIMIENTO CREATIVO
Frank Maldonado es un artista español que ha dedicado su vida a la exploración creativa Estudió Bellas Artes en Madrid y en la Escuela de Artes Plásticas de Almería Comenzó su carrera exponiendo en diversas salas de arte y centros culturales, hasta alcanzar importantes galerías y museos en ciudades como México, Toronto, Los Ángeles y Miami. En 2018, fue reconocido como uno de los mejores artistas emergentes en la renombrada feria de arte Art Basel Miami.
Contacto: @frankmaldoando @frankmaldonadoart www.frankmaldonado.net
Créditos de Fotografía: Claudia Soto
Insta: @claudia_soto_fotografa FB; @claudiasotofotografa
Su distintiva técnica con espátulas da vida a un concepto único que retrata rostros y cuerpos llenos de realismo y colores vibrantes, transportando a los espectadores a un universo de pop art Sus obras expresan una energía visual intensa, lograda a través de una combinación de colores poderosos que cobran vida en el momento de la creación Las elecciones de color reflejan las emociones que el artista experimenta durante el proceso creativo.
La creación visual de Frank se caracteriza por trazos largos y cortos en direcciones descontroladas, amalgamados en un mundo de colores audaces, acompañados de expresiones intensas y una textura rica que define sus diversas colecciones Este año, después de cuatro años sin exponer debido a la pandemia y otros proyectos profesionales, trabaja en lo que será su colección más compleja hasta la fecha
Esta nueva colección, creada en México, llevará por nombre **METAMORFOSIS**. Este título simboliza el desprendimiento de una vieja identidad, sin perder la esencia personal ni los aspectos que ya no son útiles para afrontar una nueva etapa en la vida personal y artística de Frank.
El artista aborda esta colección con una perspectiva más madura, incorporando nuevos materiales y enfoques artísticos. Utiliza láminas de metacrilato de colores y añade iluminación a sus piezas, dándoles un toque moderno y sofisticado, sin renunciar a su sello distintivo de espátulas coloridas. Este cambio también responde a la transformación personal que Frank ha experimentado en los últimos años, durante los cuales ha explorado diferentes ramas creativas, como la actuación y la escritura Él considera que estos procesos de cambio son una metáfora de la metamorfosis necesaria para crecer y evolucionar como artistas y personas.
Frank reflexiona sobre las múltiples metamorfosis que vivimos a lo largo de nuestras vidas, los profundos cambios que conllevan asumir nuevas identidades. Desde la niñez a la adolescencia, de la adolescencia a la adultez, nuestra identidad sigue siendo dinámica, afectada por nuestro estilo de vida, los lugares que habitamos y las personas que conocemos en el camino
“Toda evolución, cultural o biológica, es un proceso de continua adaptación a eventos inesperados y circunstancias contingentes,” afirma
Por ello, esta nueva colección es la más significativa hasta el momento, ya que fue creada en una época de cambios y con una madurez artística consolidada tras 15 años de carrera. La colección se exhibirá en noviembre en la galería "SIN GALERÍA", un espacio con una gran iniciativa para impulsar tanto a nuevos talentos como a artistas consagrados en México, ampliando sus oportunidades para mostrar su arte al país y al mundo @sin galeria
Alonzo
UN VIAJE DE PASIÓN Y CREATIVIDAD EN EL ARTE
Alonzo Ybarra García, un artista plástico originario de Chupícuaro, Guanajuato, comparte su trayectoria y su profunda conexión con el arte en una conversación enriquecedora. Desde sus inicios en la pintura en 1980, bajo la guía de la maestra Estela Lara en el Museo de Acámbaro, hasta su desarrollo en diversas academias, Ybarra ha cultivado un estilo que se define principalmente por el realismo.
La curiosidad innata de Ybarra lo llevó a explorar el mundo del arte, recordando cómo cada obra que veía lo inspiraba a imaginar su proceso creativo. “La inmortalidad se logra a través del legado que dejamos”, expresa, enfatizando su deseo de inspirar a otros con su trabajo. En cuanto a técnicas, Ybarra se siente atraído por el impresionismo, el realismo y el hiperrealismo, aunque se inclina especialmente hacia el realismo, donde busca que su obra hable por sí misma. Utiliza una variedad de materiales accesibles, como óleo, acuarelas y barro, lo que le permite ofrecer una diversidad de estilos.
El mensaje que intenta transmitir a través de su arte es una celebración de la vida cotidiana y las emociones que lo acompañan. “Cada obra es un reflejo de mi esencia”, comenta, destacando cómo sus experiencias y sentimientos quedan plasmados en cada creación. Su estilo ha evolucionado con el tiempo, desarrollándose hacia un enfoque más maduro y consciente de los materiales que utiliza. “Cada avance en mi obra es un gozo personal”, agrega, subrayando su conexión emocional con su trabajo.
Ybarra reconoce la influencia de sus maestros, quienes han dejado una huella en su estilo y técnica. Culturas antiguas, como la Chupícuaro, así como sus propias experiencias personales, son fuentes constantes de inspiración para él Su proceso creativo comienza en momentos de motivación e inspiración, muchas veces surgidos de recuerdos significativos o interacciones cotidianas. “Aprovecho el momento y dejo fluir mis ideas”, explica, destacando la espontaneidad que caracteriza su trabajo.
El impacto de su arte en la sociedad es palpable; las reacciones del público son una fuente de motivación para Ybarra “Saber que mi obra provoca emociones en las personas es gratificante”, afirma, observando cómo cada exposición genera una diversidad de respuestas.
Sin embargo, Ybarra también reconoce que el apoyo a nuevos talentos artísticos es limitado “Es necesario un mayor apoyo para evitar que se pierdan talentos valiosos”, señala, abogando por una mayor atención a los artistas emergentes.
Actualmente, está trabajando en la creación de figuras prehispánicas en barro, buscando llevar la historia a las aulas y conectar a los jóvenes con su herencia cultural. “Quiero que los estudiantes se sientan motivados e interesados en nuestras raíces”, comparte. Mirando hacia el futuro, Ybarra aspira a seguir sensibilizando a nuevas generaciones y dejar un legado a través de su obra “El éxito se mide en la pasión y en la huella que dejamos”, concluye
Finalmente, Ybarra expresa su profunda gratitud hacia su familia y maestros, quienes han sido pilares fundamentales en su camino artístico. “Cada uno ha contribuido a mi crecimiento y desarrollo”, dice, con un brillo de emoción en los ojos. El arte de Alonzo Ybarra es más que una expresión visual; es un viaje emocional que invita al espectador a reflexionar y sentir, dejando una huella imborrable en quienes se cruzan en su camino
Otilia
LA ACUARELISTA MEXICANA QUE TRANSFORMA LA BELLEZA DE LA VIDA EN ARTE
Otilia Carrillo es una destacada artista mexicana especializada en acuarela, nacida en la Ciudad de México. Actualmente, se desempeña como Presidenta de la Sociedad Mexicana de Acuarelistas para el bienio 2022-2024. Su trayectoria abarca catorce años de dedicación en el mundo del arte, durante los cuales ha participado en más de 250 exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional, así como en 20 exposiciones individuales. Este arduo trabajo le ha valido numerosos premios y reconocimientos, consolidándola como una figura relevante en el ámbito de la acuarela.
www.otiliacarrillo-ocarrillo.com
Entre sus logros más recientes se encuentran la Mención Honorífica en el concurso “Woman in Watercolor” y el Premio a la Creatividad en España. Además, Otilia ha obtenido el Primer lugar en pintura en acuarela del concurso de la edición 165 de la Feria de las Flores de San Ángel, así como una Mención Honorífica en el LXVI Salón Nacional de la Acuarela, otorgada por el Museo Nacional de la Acuarela “Alfredo Guati Rojo”. También ha sido reconocida por su valiosa colaboración con las Direcciones de Cultura de los municipios de Atizapán de
Zaragoza y Cuauhtémoc en la Ciudad de México
Las obras de Otilia Carrillo forman parte del acervo de instituciones como la Universidad Anáhuac, la Universidad Autónoma del Estado de México, el Museo de la Acuarela del Estado de México y la Universidad Tepantlato, además de colecciones privadas. Su formación incluye diversos diplomados y talleres impartidos por reconocidos artistas nacionales e internacionales, como los maestros Hermenegildo Sosa, Gerardo Torres, Herman Pekel, Chein Chung-Wei, Yuko Nagayama y Keiko Tanabe Otilia también es miembro de “International Encaustic Artist” y de “Woman in Watercolor”
Desde su infancia, Otilia mostró un interés especial por el arte, inspirado por su madre, quien pintaba. En la escuela, disfrutaba especialmente de las materias de dibujo e historia del arte. La influencia de su abuelo y su padre, que tenían una fundición, también marcó su apreciación por el arte y el proceso creativo.
La acuarela es el material que más utiliza en sus obras, aunque también disfruta de emplear técnicas mixtas en sus libretas Para Otilia, el color es una forma de expresar sentimientos, y su estilo figurativo busca transmitir la belleza de la vida a través de la observación de elementos cotidianos como flores, gotas de agua y momentos efímeros que muchas veces pasan desapercibidos.
Otilia encuentra inspiración en su entorno, al caminar y observar, así como en la amplia variedad de fuentes que las redes sociales ofrecen hoy en día. Su proceso creativo comienza con bosquejos en libretas, de los cuales surgen ideas que desarrolla hasta encontrar lo que desea plasmar
Uno de sus proyectos más significativos fue “Pausa”, realizado en 2013, donde invitaba a los espectadores a hacer una pausa en sus vidas y dedicarse a la observación.
Esta propuesta busca reflexionar sobre la belleza que nos rodea y la importancia de apreciarla. Otilia cree que cada persona tiene el libre albedrío de rodearse de quienes alimenten su espíritu y que el entorno puede influir profundamente en su creatividad
A pesar de que a menudo los gobiernos no comprenden la importancia del arte para el desarrollo social, Otilia considera que tiene la fortuna de vivir en Atizapán de Zaragoza, donde se realizan actividades culturales que enriquecen a la comunidad y cuentan con el apoyo de las autoridades locales
En su carrera, ha enfrentado desafíos creativos, pero ha aprendido que esos momentos de duda son parte del proceso. Ha participado en numerosas exposiciones, siendo una de las más memorables la que tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.
Otilia define el éxito como algo subjetivo, destacando que lo que realmente le llena es el acto de seguir creando. Sus proyectos futuros estarán determinados por las oportunidades que encuentre en su camino, y espera que las personas que interactúan con su arte sientan alegría y energía positiva.
En la actualidad, Otilia se encuentra trabajando en nuevas obras para una próxima exposición individual en la Ciudad de México, programada para noviembre en el Museo Adolfo López Mateos, donde exhibirá temas relacionados con su estado durante cuatro meses
Otilia Carrillo invita a todos a visitar su exposición y anima a los artistas emergentes a no rendirse, seguir sus sueños y disfrutar del proceso creativo. Expresa su agradecimiento a su familia y al Municipio de Atizapán de Zaragoza, que siempre ha creído en su talento y la ha apoyado a lo largo de su carrera. Para más información sobre su trabajo, se pueden visitar sus sitios web.
Ricardo
UN VIAJE ARTÍSTICO DESDE LO COTIDIANO HASTA LO POÉTICO
Ricardo Vega comenzó su carrera artística en 2008, participando en un simposio de escultura y pintura en Orotina, Costa Rica, que celebraba el centenario del cantón Desde entonces, ha estado inspirado por la posibilidad de crear y contar historias a través de sus trazos en papel y lienzo.
CONTACTO:
Tel. +506 89191284
Email: ricardovegart@gmail.com
Redes sociales: @ricardovegacr
Foto de portada:
Fotografía: Emiliano Mejía
Edición: Erick Molina
Locación: Cosmovitral, Toluca.
Actualmente, Ricardo se dedica principalmente a la pintura al óleo, especialmente sobre madera, ya que le ofrece una experiencia única al aplicar la pincelada También experimenta con tintas acrílicas, combinando elementos abstractos con figuras realistas.
ANTARKARANA_ÓLEO SOBRE MADERA_2024_COLECCIÓN PARTICULAR
Su obra se enfoca en lo etéreo y las sensaciones, plasmando las reflexiones de sus meditaciones y temas de interés literario. A menudo utiliza referencias fotográficas para capturar lo poético en lo cotidiano, brindando al espectador una nueva forma de apreciar lo habitual
Su estilo artístico se describe como figuración contemporánea, donde mezcla lo abstracto con lo realista. A lo largo de su carrera, su técnica se ha vuelto más sólida, lo que considera un logro significativo. La inspiración para su arte proviene de sus experiencias internas y del entorno que lo rodea. Cada escena observada puede convertirse en una obra, especialmente después de sus viajes a México, que han dejado una huella en su creatividad
_Brisa cósmica__Óleo sobre lienzo_40x50 cm_2023_obra comenzada en Museo Soumaya_
El proceso creativo de Ricardo gira en torno a retratos y figuras que evocan emociones Antes de comenzar a pintar, realiza trazos preliminares para definir la composición y los elementos simbólicos de su obra. Se toma el tiempo para despejar su mente antes de dar las primeras pinceladas, entendiendo que cada decisión durante la creación es fundamental.
Ricardo está entusiasmado por iniciar su próxima serie de obras para una muestra individual, un desafío que lo emociona y le genera un poco de nervios. Considera que su trabajo es más un reflejo de su ser que una influencia de la sociedad. Aunque se inspira en lo bello y cotidiano, no busca reflejar la realidad social, sino más bien mostrar la poesía de lo común
_GAIA__OBRA MURAL_LA FORTUNA, COSTA RICA_2023
A pesar de su pasión, Ricardo señala que falta apoyo por parte de las autoridades para que los artistas puedan desarrollarse y mostrar su trabajo Ha vivido la experiencia de ser contratado por un pago simbólico, lo que limita su crecimiento. Sin embargo, también observa que en su entorno ha podido vivir eventos que le han permitido mostrar su obra, como su participación en el Museo Soumaya durante un concurso nacional de pintura.
Definiendo el éxito de manera personal, considera que haber podido vivir de su arte y llevar su trabajo fuera de Costa Rica es un logro. Desea exponer individualmente en museos y seguir creando oportunidades que impulsen su carrera.
Ricardo admira a varios maestros de la historia y contemporáneos, como Velásquez y Da Vinci, así como a artistas actuales que sigue en redes sociales Ve el arte como un elemento vital en la sociedad, fundamental para desarrollar habilidades y sensibilidad ante el entorno Le gustaría que sus obras generen una conexión emocional con los espectadores, brindándoles una experiencia significativa.
En su vida, la plenitud es lo más importante para él, más allá de la felicidad constante. Reflexiona sobre el camino que ha recorrido y se siente en paz con su trayectoria. Actualmente, está terminando una colección de tintas con un enfoque en las sensaciones y se prepara para una nueva serie. Además, está gestionando workshops en Costa Rica con artistas internacionales para impulsar el realismo en su gremio.
Para el próximo año, tiene programada su primera exposición individual en México, un evento que le emociona profundamente. A los artistas emergentes les aconseja que sigan trabajando con pasión y autenticidad, enfocándose en su desarrollo personal y creativo, lejos de la búsqueda de aprobación externa.
Ricardo agradece a sus padres, su hermano, sus amigos y colegas, quienes han sido fundamentales en su camino artístico. Reconoce la importancia del apoyo y la amistad en su desarrollo, especialmente de aquellos que han iluminado su camino en el mundo del arte. También expresa su gratitud hacia el Cosmovitral por permitirle realizar la fotografía de portada en un espacio tan mágico
Ranulfo
UN VIAJE A TRAVÉS DEL ARTE Y LA EMOCIÓN
Ranulfo González, pintor de reconocido prestigio, ha construido una carrera notable con una profunda conexión con el arte. Desde joven, la pintura se convirtió en una forma de expresar sus emociones y traducir lo indescriptible en colores y formas. Su pasión por el arte surgió al descubrir cómo podía capturar y hacer trascender momentos a través de la pintura González comenzó explorando el arte por curiosidad, pero pronto se dio cuenta de que se trataba de una forma fundamental de comunicación con el mundo
Su estilo artístico ha evolucionado significativamente a lo largo del tiempo. Inicialmente centrado en el realismo paisajístico, donde buscaba transmitir la serenidad y majestuosidad de la naturaleza, ha integrado elementos de surrealismo en su obra actual. Esta evolución ha llevado a una combinación de realismo y simbolismo, caracterizada por un uso evocador del color y la luz para crear una conexión emocional con el espectador González explora la relación entre la figura humana y su entorno, jugando con formas y texturas para desafiar percepciones convencionales.
El proceso creativo de González es fluido y altamente intuitivo Comienza con la observación de su entorno, captando la inspiración de escenas cotidianas y atmósferas particulares Tras realizar bocetos preliminares, pasa a la planificación detallada, eligiendo materiales, paletas de colores y técnicas. La fase de pintura es tanto racional como emocional, permitiendo ajustes y cambios según la evolución de la obra. Finalmente, cuando la pintura logra un equilibrio entre su visión inicial y lo que la obra demanda, considera el proceso completo.
González se siente particularmente atraído por el óleo debido a su versatilidad y la profundidad que permite en sus obras. Prefiere lienzos de alta calidad y pigmentos naturales, que aportan autenticidad y riqueza cromática a sus pinturas. La técnica del óleo le permite crear atmósferas matizadas, ideales para su enfoque en paisajes realistas y evocadores.
Un tema recurrente en su trabajo es el paisaje, que ha explorado durante años con una fascinación por la naturaleza y su capacidad de evocar emociones profundas. Captura momentos de transición, como amaneceres y atardeceres, buscando transmitir no solo la apariencia visual, sino también la experiencia sensorial y emocional del entorno
La evolución de su arte ha sido marcada por un cambio hacia un estilo más suelto y expresivo, permitiendo una mayor libertad en la exploración de la luz, el color y la textura. Esta transición ha incluido la experimentación con nuevas técnicas y combinaciones de materiales, manteniendo siempre un equilibrio entre la precisión técnica y la narrativa emocional
Entre sus principales influencias artísticas, González destaca a los maestros del paisaje como Caspar David Friedrich y J.M.W. Turner, quienes le enseñaron a utilizar la luz y la atmósfera para transmitir emociones profundas También menciona a artistas contemporáneos como Gerhard Richter, cuya habilidad para combinar el realismo y la abstracción le ha inspirado a desafiar los límites de su propio estilo.
Uno de los proyectos más significativos de su carrera es la serie "Haciendas y Paisajes de Morelos", que ha sido expuesta en numerosos museos a lo largo de México. Este trabajo destaca por su enfoque en capturar la riqueza histórica y la belleza natural de las haciendas y paisajes de Morelos, revelando la interrelación entre el pasado y el presente a través de la pintura.
Para mantener su creatividad, González combina una rutina estructurada con momentos de espontaneidad Revisa sus bocetos y referencias visuales, camina por la naturaleza, y mantiene una práctica diaria de pintura. También lleva un diario visual que le ayuda a registrar ideas y reflexiones. Estas prácticas le permiten mantenerse en contacto con su creatividad y experimentar continuamente.
HACIENDASAN
A lo largo de su carrera, Ranulfo González ha superado desafíos como la saturación del mercado artístico y la gestión de recursos para proyectos ambiciosos, adaptándose y colaborando con otros artistas para crecer profesionalmente. En la sociedad actual, él ve el arte como un medio crucial para la comunicación y la reflexión, ofreciendo contemplación, diálogo y conexión emocional, y fomentando la empatía entre culturas Busca que su audiencia experimente una conexión personal con su trabajo y que el arte sirva como un espejo de la experiencia humana.
Para los jóvenes artistas, González recomienda mantenerse fieles a su visión, experimentar con técnicas y estilos, y construir una red de apoyo. Admira a Leonardo da Vinci, Johannes Vermeer y Gerhard Richter por sus habilidades y versatilidad. En el futuro, está trabajando en la serie "Intersecciones del Tiempo", que explora la relación entre el pasado y el presente, con planes de exponerla a nivel nacional e internacional y colaborar en proyectos interdisciplinarios para seguir evolucionando y conectar con la audiencia.
EX HACIENDASAN ANTONIO EL PUENTE
