The A Magazine, arte y diseño Paraguay

Diseño & Arte en Paraguay

#3 THE COLOUR ISSUE

Artista internacional Bobbie Burgers

GS. 35.000

OCTUBRE 2017

ASUNCION - PY

IMPRESO EN

Tendencias en arte y diseño Collages Entrevista Regina Rivas ilustradora nacional Lugares Café Consulado un encuentro con el arte

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The colour issue Greenery es un tono verde amarillo fresco y picante que evoca los primeros días de la primavera cuando los verdes de la naturaleza reviven, restauran y renuevan.

Ilustrativo del follaje floreciente y la exuberancia de la vida al aire libre, los atributos fortificantes de Greenery indican a los consumidores que respiren profundamente, se oxigenen y revitalicen. El verdor es neutral en la naturaleza.

Las personas que más sumergidas están en la vida moderna, son las que mayor deseo innato poseen de sumergirse en la belleza física y la unidad inherente del mundo natural. Este cambio se refleja en

la proliferación de todas las cosas que expresan verdor en la vida cotidiana a través de la planificación urbana, arquitectura, estilo de vida y elecciones de diseño a nivel mundial. Una constante en la periferia, Greenery ahora se está poniendo al frente, es un matiz omnipresente en todo el mundo.

Un tono que afirma la vida, el verdor también es emblemático de la búsqueda de las pasiones personales y la vitalidad.

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¿Qué es el color PANTONE del año?

Una selección de color simbólico; una instantánea en color de lo que vemos que tiene lugar en nuestra cultura global y que sirve como una expresión de un estado de ánimo, una inspiración y una actitud.

Editorial

Una sombra refrescante y revitalizante, Greenery es símbolo de nuevos comienzos.

Staff

Staff 4

The A Magazine - Diseño y Arte de Paraguay Editoria Raquel Allegretti Garcia de Zuñiga Subeditora Patricia Benitez Rodriguez Redactores Patricia Benitez Rodriguez Lujan Arevaldos Corrector Eulo Garcia

Cronista Mariela Garcia Fotografo Ismael Prado Departamento Comercial Gerente Comercial Natalia Torres Contacto nataliat@theartmagazine.com.py +595 415 7041 Asuncion, Paraguay

Directora de Arte Bernarda Diaz Diseño y Diagramacion Pamela Lugo

Impresion AGR Imprenta www.theamagazine.com.py

Directora de Produccion Amalia Rivas Bigorda Productora Mafe Gonzales Asistentes de Produccion An Morinigo Bethania Achon Fotografia Fiorella Filartiga

Nuestra Tapa The colour issue #3 - octubre 2017 Fotografia Monica Morelos

Cordinadora de Sociales Patricia Paiva Gabriela Valdez

Produccion Mafe Gonzales

Arte y Estilismo Pamela Lugo

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Al igual que la tecnología, la moda avanza, pero aprendiendo del pasado se encuentra en una encrucijada en donde lo nuevo es muy similar a lo antiguo y no tenemos tiempo de pensar porque la nueva colección ya está pasada de moda y la siguiente es lo nuevo. Es aquí donde el estilo de cada persona entra en juego y actualiza realmente lo visto en las pasarelas o en los catálogos, ya que la inspiración no necesariamente se traduce en "mirar hacia adelante", se traduce en plasmar ese sentimiento en una prenda, a veces, con tanta "inspiración" que parece ser la actualización de prendas de otras décadas con frases que se repiten y repiten, "los 80 están de vuelta", cuando en realidad nunca se fueron.

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Con el nuevo año, entramos en la segunda parte de la nueva década, en donde lo que se vive hoy reflejará que las colecciones han sido inspiradas en décadas y décadas, dejando la originalidad en pequeñas alteraciones de lo ya visto. Si pensamos en décadas del siglo pasado, nuestra mente de forma instántanea piensa en prendas o accesorios inmediatos, pero en el nuevo siglo se piensa en la actualización, o en el cambio de la industria misma que de ciertas tendencias que vayan a pasar la moda del mes.

Si tenemos que encontrar el color de las décadas que vendrán será en el desarrollo del estilo y punto de vista de cada persona, más que en la prenda que X diseñador nos entrega.

Carta del editor

s común oír o leer que en el mundo de la moda lo que depara el futuro es lo que gobierna nuestro presente, en frases cómo "qué estará de moda", "qué debes usar en...", nunca prestando atención a lo que sucede o disfrutarlo. Todo tiene sentido en el papel, pero deja de ser real cuando las colecciones toman inspiración de historias pasadas o cuando la tendencia de cierta década vuelve a los estantes en cada temporada y es donde la frase queda obsoleta antes de ser dictada en la prensa especializada.

CONTENIDOS

10 Entrevista Internacional

Bobbie Burgers

20 Tendencias de arte

Collages

40 Entrevista

Regina Rivas

52 Recorrido

Katie Rodgers

60 Exposiciones

Biombo Galería de Arte

66 Reportaje fotográfico

Instantáneas en el proceso

74 Lugares

Café Consulado

84 Espacios de arte

Desde el interior

Recomendaciones

Nuestras recomendaciones del mes Agendas de editoriales para el 2018 Blog Rayitas azules rayitasazules.com

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Sacar adelante trabajo, estudios, proyectos y, lo más importante, tu vida personal, hoy día, se convierte en una suerte de odisea para la que más vale ir armado hasta los dientes con una herramienta de planificación que te solucione la papeleta. Es por eso que los meses de septiembre y octubre son aquellos en los que has de mantenerte alerta para tomar una gran decisión: qué agenda elegir. Contras: tienes que esperar a enero para estrenarla. Y es que, al menos nosotros, nos confesamos adictos a todo lo que esté hecho de papel y huela a tinta.

Seguí leyendo en rayitasazules.com

Fundiciones tipograficas de America Latina Blog Rayitas azules rayitasazules.com

Desde su nacimiento y desarrollo en Europa y su posterior extensión a los Estados Unidos de América, los límites geográficos de la tipografía han permanecido más o menos inalterables hasta hace bien poco. La eclosión del diseño de tipos que desde hace unos años se vive en Latinoamérica parece haberla convertido en la gran cantera mundial de la disciplina y han transformado al continente en un paisaje apasionante para cualquier amante de las letras bien hechas.

Juego De Tronos, Juego De Cubiertas

Articulo de Sarva Cerda, para Rayitas Azules El invierno ya ha llegado a los corazones de los fans de Juego de Tronos (o lo que viene siendo el 99,9% de la población mundial) entre los cuales nos incluimos. Para mitigar esta orfandad repentina de dragones, Lannisters y “jonsnowismo”, hemos buceado en los internetes para repasar los diseños de cubiertas más molonas, “chunguis”, y curiosas de todo Poniente (Westeros para los amigos). Que tiemble el señor de los caminantes blancos, que nuestro post viene con más acero valyrio que los sotanos de Rocadragón. Hemos dividido el diseño de las cubiertas de Juego de Tronos en diversas tendencias estilísticas. “¡Al ataquerrrr!”

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Cristobal Hernestrosa, Laura Meseguer, José Scaglione.

Typo-E. ¿Qué caracteres son imprescindibles en una fuente?, ¿qué diferencia hay entre redonda, inclinada y una cursiva?

Cómo crear tipogarfías es una guía que responde a estas y otras preguntas, de una manera clara y directa, enfocada tanto a neofitos como a iniciados en el diseño tipográfico y a la apasionante tarea de dibujar una fuente.

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Recomendaciones

Nuestro libro recomendado: Cómo crear tipografías

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Bobbie Burgers Texto Chloe Berge Fotografo Billy Wishloff Fuente Bau-Xi Gallery bobbieburgers.com

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La última exposición de las pinturas florales a gran escala de la artista Bobbie Burgers, en Vancouver, hace alusión a los remolinos épicos de la emoción. La pincelada dramática y los colores evocan una gama de poderosos sentimientos de anhelo, transformando pétalos delicados y fugaces en algo provocativo. Sigue leyendo para obtener consejos de Bobbie sobre la compra de arte (no te precipites en una compra, y la investigación de un artista antes de comprar su trabajo), y por qué una gran pieza de arte vale 50 knick-knacks y pequeños marcos.

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Temas florales y estilo inspirado en el impresionismo, caracterĂ­sticas de la obra de Bobbie.

Nadie puede aferrarse a la euforia, existe en momentos breves e inesperados, lleno de dolor y miedo. Irónicamente, es este estado eufórico, este realzado estado de realismo, que estoy tratando de congelar en estas pinturas.

Lovely Fugitive se deriva del poema de Charles Baudelaire titulado À Un Passante. En este hermoso poema, un hombre ve a una mujer en duelo caminando por la calle y es instantáneamente fascinado por ella y atraído por su belleza. Estas obras son sobre el deseo, la efímera belleza, y el deseo de algo que no se puede sostener si se trata de un sentimiento, un objeto o una persona.

Nadie puede aferrarse a la euforia, existe en momentos breves e inesperados, lleno de dolor y miedo. Irónicamente, es este estado eufórico, este realzado estado de realismo, que estoy tratando de congelar en estas pinturas.

H & H: ¿Tienes una pieza favorita en tu repertorio que te parezca que representa tu

trabajo o que es particularmente significativo para ti?

En Lovely Fugitive en la Galería Bau-Xi, Toronto, es la pintura titulada Thunderous Chaos (mostrado detrás de ella en el retrato, arriba).

He estado deseando pintar en un color de sangre de buey profundo, saturado durante el último par de años, y finalmente no se apartó de la pureza de este color, es completamente primordial. Tiendo a gustar de obras más grandes, me parece que son todos consumir e inevitable. Si te gustan o no les gusta, están presentes y hace que el espectador presente.

H & H: ¿Cuál es su consejo para seleccionar la pieza de arte adecuada para su hogar?

B: Comprar obras de arte que te gusta, en realidad realmente me gusta, no algo que está en tendencia o elegido exclusivamente por otra persona. Comienza una relación con una galería, empieza a aprender sobre el arte en general y los artistas que te interesan. Mi relación con la Galería Bau-Xi ha durado 14 años, y es una relación que ha sido muy importante tanto para mi obras de arte y los clientes de Bau-Xi. Conocer al artista y hacer investigaciones sobre su filosofía hace que la obra de arte en algo mucho más que una pieza de decoración. No tenga miedo de hacer preguntas; Una buena galería te enseñará y te guiará en la dirección correcta, no te empujará a algo que es sólo una venta.

Elija las ilustraciones que usted sabrá para su curso de la vida; Una pintura es también una de las pocas cosas que queda en el mundo que es verdaderamente único y único en su tipo. Creo que traer esa clase de personalidad en su hogar también hace su hogar especial; Usted realmente tiene que comprar de su corazón.

H & H: Algunas personas se sienten intimidadas al exhibir obras de arte a gran escala en su hogar. ¿Cuál es su consejo para que funcione?

Uno se acostumbra a gran escala muy rápidamente. Una pieza de arte es una inversión que usted tiene durante mucho tiempo, como una pieza de diseño de ropa. A gran escala sustituye a 50 nicknacks, jarrones, pequeños marcos, y otras piezas de decoración pequeña.

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Ha tomado un tema de la naturaleza inmóvil y le ha dado la carga emocional verdadera. ¿Qué inspira este enfoque expresionista?

Bobbie Burgers dice “comencé con naturalezas muertas porque era una manera fácil de caer en el color; soy todo sobre color y movimiento.

De muchas maneras, he estado poniéndome a través de mi propia escuela de pintura donde rompo el tema para representar el paso del tiempo.

Las flores, para mí, son lo contrario todavía.

Cambiando de minuto a minuto, son símbolos perfectos para la vida, la muerte, el anhelo y la belleza. Mis pinceladas son capas con mis propias cargas internas, que representan la ira, la frustración, la suavidad, el deseo, y más.

Cuando nos cuenta sobre las obras de su nueva exposición Bau-xi, Lovely Fugitive.

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Otras caracteristicas del trabajo de Bobbie son los lienzos de gran tamaĂąo, el trabajo en la paleta de colores tan sutil y armĂłnica. Ella resalta el impresionismo moderno y utiliza su arte para canalizar sus emociones y percepciones del mundo.

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Hace una declaración, pero lo más importante es que construyes una relación con ella.

A menudo pienso que las personas con el mejor sentido del estilo llevará piezas clásicas durante años y años, hasta que se convierte en parte de su personalidad. Es un compromiso de gastar la cantidad inicial, pero he visto mi mamá llevar una pulsera de Martha Sturdy durante 30 años. Es icónica, y mi mamá posee ese brazalete, se reinventa a lo largo de las décadas. Una obra de arte puede moverse alrededor, usted puede verla de maneras diferentes a través de los años, pero es algo que usted acariciará y pasará abajo.

Bobbie usa mucho color brillante en tu trabajo. Le preguntamos si tienes el mismo enfoque para la decoración y la moda, ella respondio que en su estilo personal, trata de imitar los colores que veo en la naturaleza y las estaciones. No le gustan los colores agresivos y falsos. “En Vancouver tenemos azules brumosos, peonías rojas profundas, montones de flores en primavera, verduras frescas y crujientes, y estos son los colores que me atraen”, dice.

Creo que es un testimonio de cómo la buena arquitectura puede mejorar la vida de cada día y, como el arte, debe invertirse en aquello bien pensado y querido.

“Yo tampoco trato de ser demasiado matchy matchy; creo que la verdad es lo que brilla de mi trabajo, y un hogar honesto para mí es uno que es natural y orgánico. No pongo en escena nuestra casa, me gusta pensar que las cosas evolucionan de una manera natural.

Puedo comprar una tela porque me encanta, me siento atraído por su historia, o por los gráficos. Me gusta trabajar con lo que tengo; en nuestra casa tenemos paredes blancas, y uso ese blanco para permitir que mi espacio de piezas de colores respire.”

Cuenta Bobbie que en una casa blanca, renovada, cerca del océano, con un estanque gigante que hay que cruzar para llegar a la puerta principal, como un foso!

"Amo nuestra casa; cuando hago el desayuno por la mañana el sol brilla a través de nuestros enormes cedros y avellanos, y miro nuestro koi desde la ventana."

La casa fue construida en la década de 1930 y es más pequeña, con mucho espacio para respirar en la gran propiedad. Mi habitación favorita ahora es nuestro baño; finalmente terminamos el jardín y ahora tenemos suficiente espacio para retirar las cortinas de 12 pies y hacer retroceder los deslizadores gigantes.

Se siente como nuestra bañera exterior, con vistas a los antiguos manzanos que se espaliere en la parte posterior, y una enorme pared refleja una pared de escultura que hemos estado trabajando. Creo que es un testimonio de cómo la buena arquitectura puede mejorar la vida de cada día y, como el arte, debe invertirse en, pensado y querido.

A menudo pienso que las personas con el mejor sentido del estilo llevará piezas clásicas durante años y años, hasta que se convierte en parte de su personalidad. Es un compromiso de gastar la cantidad inicial, pero he visto mi mamá llevar una pulsera de Martha Sturdy durante 30 años.

Es icónica, y mi mamá posee ese brazalete, se reinventa a lo largo de las décadas. Una obra de arte puede moverse alrededor, usted puede verla de maneras diferentes a través de los años, pero es algo que usted acariciará y pasará abajo.

A menudo pienso que las personas con el mejor sentido del estilo llevará piezas clásicas durante años y años, hasta que se convierte en parte de su personalidad. Es un compromiso de gastar la cantidad inicial, pero he visto mi mamá llevar una pulsera de Martha Sturdy durante 30 años. Se reinventa a lo largo de las décadas.

Descalza y llena de colores, Bobbie posa frente a sus obras en su estudio.

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Bobbie Burgers en una exposiciรณn de sus obras, realizada en la New York Gallery, 2015.

Es icónica, y mi mamá posee ese brazalete, se reinventa a lo largo de las décadas. Una obra de arte puede moverse alrededor, usted puede verla de maneras diferentes a través de los años, pero es algo que usted acariciará y pasará abajo. Al hablar como uno puede elegir ilustraciones para su hogar, ella comenta: “elija las ilustraciones que usted sabrá para su curso de la vida; Una pintura es también una de las pocas cosas que queda en el mundo que es verdaderamente único y único en su tipo.

Creo que traer esa clase de personalidad en su hogar también hace su hogar especial.

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Uno se acostumbra a gran escala muy rápidamente. Una pieza de arte es una inversión que usted tiene durante mucho tiempo, como una pieza de diseño de ropa. A gran escala sustituye a 50 nicknacks, jarrones, pequeños marcos, y otras piezas de decoración pequeña. Hace una declaración, pero lo más importante es que construyes una relación con ella. A menudo pienso que las personas con el mejor sentido del estilo llevará piezas clásicas durante años y años, hasta que se convierte en parte de su personalidad. Es un compromiso de gastar la cantidad inicial, pero he visto a mi mamá llevar una pulsera de Martha Sturdy.

Tendencias / Diseño y arte

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Collages El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar diversos elementos en un tono unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar. En español es recomendable utilizar la palabra colaje, de la que ya existe el derivado bricolaje, pues según la RAE las palabras provenientes del francés que acaben en “age” deben de españolizarse en “aje”.

En pintura, un collage se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc.

Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque. El primero había pegado fotografías a sus dibujos en fechas tan tempranas como 1899, y en la primavera de 1912 incorporó hule en forma de rejilla a su citada pintura naturaleza muerta con silla de rejilla. Pero el segundo realizó a finales del verano de aquel año los primeros papiers collés al incorporar a sus obras recortes de papel pintado comercial que imitaba madera, uno de cuyos ejemplos es Tête de femme (1912).

En aquel momento, los dos artistas se habían instalado en Sorgues, si bien Picasso se encontraba de viaje en París cuando Braque compró el papel y realizó estas obras. A su vuelta, Picasso se entusiasmó con el descubrimiento de su amigo y los dos se lanzaron a introducir en sus pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o cigarrillos y también

papeles coloreados. Juan Gris rápidamente entendió la potencia del hallazgo y lo empleó también.

Del collage se depuró un principio previo o técnica cuyo primer creador fue al parecer el dadaísta Marcel Duchamp: el «objeto encontrado», según la cual cualquier cosa que elige un artista es sacralizada como «arte», desde una piedra que llama su atención en un camino a una imagen que le gusta en una revista. De ahí a la amalgama de «objetos encontrados» o collage hay sólo un paso.

El collage ha sido usado, pues, en las vanguardias históricas de principios del siglo XX: Futurismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo... Artistas plásticos que frecuentemente han usado esta técnica incluyen a Max Ernst, Juan Gris, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray, Raoul Hausmann, Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Jasper Johns y el artista mexicano Alberto Gironella.

Asimismo es una técnica habitualmente empleada por los creadores del arte correo en la difusión de sus trabajos.

Tendencias / DiseĂąo y arte

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Tendencias / Diseño y arte

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Muestras de trabajos de Francisca Pageo, quien realiza collages de inspiraciÓn rétro-vintage.

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Tendencias / DiseĂąo y arte

“La creación” Marisa Maestre. www.maestremarisa.com

Tendencias / Diseño y arte

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Tendencias / Diseño y arte

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Raphaël Vicenzi, ilustrador y diseñador belga. Conocido por su pseudonimo "my dead pony". Conoce su trabajo en behance.net/mydeadpony

Tendencias / DiseĂąo y arte

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Tendencias / DiseĂąo y arte

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Ediciones y collages publicitarios de Gabbyy Longmire.

Tendencias / DiseĂąo y arte

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Acceso gratuito // Herrera 834 / Tacuary 745 - Asunciรณn // www.juandesalazar.org.py // Salazar 2017

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Guía artística y cultural del mes Noviembre arranca de color rosa, aun recordando el mes de la lucha contra el cáncer de mamas.

Exposiciones, películas y talleres son centrales dentro de las actividades del mes, siempre con una temática social actual.

Referencias de Iconos

Fechas

Mensaje

Nuevo

Lugar

Horarios

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Jueves 2 19:00 hs Literatura Club de lectura Deshojando Biblioteca Cervantes, Centro Cultural de España Juan de Salazar

Domingo 12 18:00 hs Cine A La F resca Chico y Rita (España) Jardín Félix de Azara

Viernes 10 20:00 hs Exposicion Inauguración del espacio "Julian y Josefina", colección Museo Julian de la Herreria.

Museo del Barro

Lunes 3 20:00 hs Concier to Fuzzrnak Fuzz Rock / Stoner Rock Lanzamiento del EP Auditorio Manuel de Falla

Octubre / Noviembre issue #3

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Martes 14 19:00 hs Literatura Club de lectura Deshojando Biblioteca Cervantes, Centro Cultural de España Juan de Salazar.

Sábado 18 20:00 hs Exposición Inauguracion de la muestra "Espacio 5" Centro Cultural de España Juan de Salazar.

Sábado 18 10:00 hs Actividad Club Salazarcitos Biblioteca Cervantes, Centro Cultural de España Juan de Salazar

Martes 21 18:30 hs Literatura Club de lectura Deshojando Biblioteca Cervantes, Centro Cultural de España Juan de Salazar.

Guía cultural y artística mensual

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Jueves 23 15:00 hs Seminario Introduccion a la interpretacion historia de la arquitectura occidental Biblioteca Cervantes, Centro Cultural de España Juan de Salazar.

Sábado 25 18:00 hs Cine A La F resca El secreto de sus ojos (Argentina) Jardín Félix de Azara

Viernes 24 19:00 hs R eunion Te Invito un Tere, charla compartida. Presentacion de proyectos independientes.

Koworking Gua, Manuel del Castillo 5657 y Charles de Gaulle.

Martes 28 18:30 hs Literatura Club de lectura Deshojando Biblioteca Cervantes, Centro Cultural de España Juan de Salazar.

Octubre / Noviembre issue #3

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Jueves 30 18:30 hs Literatura Club de lectura Deshojando Biblioteca Cervantes, Centro Cultural de España Juan de Salazar.

Viernes 1 19:00 hs Taller Casi invisible Taller de arte sonoro con Gustavo Minian Laboratorio Y

Sábado 2 de diciembre 18:00 hs Cine A La F resca Paraguay droga y banana (Paraguay) Jardín Félix de Azara

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Guía cultural y artística mensual

Allen Ginsberg wrote that Selby Jr.'s Last Exit to Brooklyn would "explode like a rusty, hellish bombshell over America, and still be eagerly read in 100 years". Written while Selby, Jr. was addicted to heroin (he kicked the habit in the late 60s after a spell

Ben Brown's Rare Book Pick

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Octubre / Noviembre issue #3

Browse rare books at shakespeareandcompany.com

in jail on possession charges) this notorious, violent and transgressive novel reminiscent of Burroughs' Naked Lunch was equally praised and censured by contemporary critics. Banned in the UK a little after its release the ruling was overturned the following year with the help of testimony from authors like Frank Kermode and Anthony Burgess.

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GuĂ­a cultural y artĂ­stica mensual

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Laboratorio Y

Auditorio Manuel de Falla

Museo del Barro

Octubre / Noviembre issue #3

Nacional / Regi Rivas

Sobre el amor y otros demonios

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Regina Rivas, siempre hay algo que contar sobre esta ilustradora.

Hace exactamente cinco años, salía en High Class hablando de sus accesorios y objetos decorativos. Desde entonces ha crecido tanto, como persona y como artista, que quisimos partir de cero para cubrir todas las bases, desde sus cuadernos donde dibuja mano alzada hasta sus ilustraciones digitales de contenido erótico que desafían al público a explorar su consciencia, sus deseos y prejuicios.

Texto Patricia Luján Arévalos Fotografias instagram/ RegiRivas Fuente High Class Interview

Nacional / Regi Rivas

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Nacional / Regi Rivas

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“Las ideas me vienen de lo que me pasa, de lo que escucho, de lo que siento, lo que me cuentan, en ese sentido es como autobiográfico. Estos son los dibujos de verdad, para mi. Los que necesitaron salir inmediatamente, que después voy puliendo y agregando colores”

Difícilmente desconozcas el trabajo de Regina Rivas. Lo habrás visto estampado en prendas, en maniquíes, en tazas, en accesorios y, claro, en cuadros. Habrás visto a sus personas y animales representar tus experiencias, tus momentos y hasta tus sentimientos, o habrás visto su interpretación de las casas más emblemáticas del centro de Asunción. Gracias a eso, te habrás hecho una idea de la mujer detrás de la imagen, una persona interesante y talentosa, y también insegura y en exploración permanente de su propio lenguaje personal.

Me senté a conversar con Regi con un par de tazas de café enfrente porque sé lo mucho que le gusta tomarse un espresso o un cortado (o ambos, dada su cuasiadicción a la cafeína) mientras habla. No puedo evitar sonreír mientras charlamos porque me acuerdo de la primera vez que vi su trabajo, en una muestra habilitada en el Centro Cultural Juan de Salazar hace ya siete años, y de las tantas cosas que han cambiado desde entonces.

El paso del tiempo se nota en su obra; en la evolución de sus dibujos y, notablemente, en los temas que escoge. Mientras nos saludamos, saca unos cuadernos de su bolso y empiezo a hacerme una idea mas clara de como es el mundo interno de Regina. “Para dibujar hay muchos procesos y cada dibujante tiene el suyo” explica, y agrega: “las ideas me vienen de lo que me pasa, de lo que escucho, de lo que siento, lo que me cuentan, en ese sentido es como autobiográfico. Estos son los dibujos de verdad, para mi. Los que necesitaron salir inmediatamente, que después voy puliendo y agregando colores”.

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A veces, las experiencias que comparte o las fantasías que dibuja no son las suyas propias, sino confidencias anónimas que ella luego transporta a imágenes. “Tengo un cuaderno desde 2008 donde colecciono secretos. Pido a mis amigos o conocidos que me cuenten algo que nadie sepa, puede ser algo supertonto, pero la gente esta tan en shock que me cuenta cosas sin pensarlo. Por supuesto, hay un acuerdo implícito, así que yo también cuento algo. Hay dibujos que parten de ese intercambio.”, explica Regina.

La otra Regina Hay un motivo recurrente en tus dibujos, esta mujer con dos cabezas que se viene repitiendo desde hace años. ¿Qué representa?

Me estás preguntando algo que estoy pensando hace exactamente tres semanas (risas).

Nacional / Regi Rivas

En cada página hay una especie de boceto, que va desde un par de lineas para ilustrar la idea original hasta un cuadro completo con detalles de fondo, que luego pasa a ilustración digital. “Yo tengo tan buena memoria que tengo miedo de un día olvidarme de todo. Entonces el dibujo me sirve como un registro, y poder anotar cosas al margen me ayuda. Aparte, me gusta escribir, aunque no soy buena en eso, por eso necesito que haya comentarios ahí.”, comenta.

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¿Cómo sentir a la otra Regina?

Hay días en que amanezco yo y por la tarde está la otra. Podes no saber con cuál estas hablando, pero la existencia de una no invalida a la otra. De hecho, son varias Reginas y por supuesto que no es esquizofrenia, sino distintas partes de mí misma. Convivo con ellas en mis dibujos y pocas personas pueden leer el trasfondo, hace unas semanas me puse a buscar todos los dibujos de la mujer con dos cabezas para saber en qué momento apareció, porque no fue un ejercicio consciente. ¿Hay una Regina que todavía no mostraste al mundo?

Sí, hay cosas que una no cuenta o que las cuenta de manera tan sutil que solo alguien que te conoce demasiado va a poder entreverlas.

Pero ese no es el caso, es solamente un elemento mas del dibujo y no es mi intención que alguien tenga que leer ese trasfondo.

Hay muchas cosas que pensé guardar para mi y terminé compartiendo, pero es porque me inspiro en mis propias experiencias de vida. Es inevitable mostrarse un poco. ¿Cómo se traduce esto en tu serie Mamacitas Club?

Gran parte es real, pero tampoco todo es cierto (risas). Claro que hay una gran mezcla de fantasía y realidad, pero mas se trata de como vi o sentí esa situación, no de cómo fue literalmente. Nosotros dependemos demasiado de la mirada del otro, pero ¿qué es una persona sino el cúmulo de sus experiencias?

La lectura inconsciente de cada persona depende de eso y el dibujante también. Como dije en una entrevista hace poco, la ilustración es, para mí, el arte más democrático, a pesarle que hay gente que no lo considera arte; si no hacés manchas, no sos artista (risas).

Y no es que yo me considere artista porque es un titulo muy grande y si te lo van a dar, te lo tiene que dar la gente. Vos podéis tener un dibujo que la gente va a entender de mil maneras. Pueden entenderlo de diferente forma a lo que vos propusiste, pero lo van

a comprender porque no necesita un traductor al lado, o leer 200 años de historia del arte para entender. El dibujo es directo y mientras más honesto es, más llega a la gente. ¿Cómo nació Mamacitas Club?

Nació cuando estaba haciendo mi diario ilustrado.

Creo que el dibujo que inició todo esto fue aquel que decía “Memoria Fotográfica” y había diferentes penes. Ena un chiste gráfico y lo subí en un contexto de esas peleas en Twitter sobre “Queremos mamá y papá”, era una forma de mandar eso al caño.

En realidad, yo siempre dibujé personas desnudas, pero con Mamacitas Club empezó un estilo distinto. “Memora Fotográfica” fue el más explícito que hice en mi vida, me pareció tan simpático que le mostré a mi hermano y se mató de risa, y fue un momento en que me di permiso de mostrar más esa parte de mí que siempre existió. ¿Cómo se dio esa liberación ?

Fueron dos razones principales; la primera es que siempre fui una persona muy sexual (risas) y la segunda es que subí de peso, entonces tuve que encontrar una forma de reconciliarme con mi cuerpo. No hubo un

“Hay muchas cosas que pensé guardar para mi y terminé compartiendo, pero es porque me inspiro en mis propias experiencias de vida. Es inevitable mostrarse un poco” disparador especifico, sino una serie de sucesos que se sumaron. Veo muchas chicas que son unas diosas y viven acomplejadas, o que son muy pendejas y son discriminadoras, o ya son bastante grandes y no viven su libertad sexual. Dibujo desde una óptica femenina para un publico femenino. Cuando publiqué “Memoria Fotográfica”, muchas chicas me escribieron al privado a contarme que se sintieron identificadas, y eso me hizo sentir muy bien. Con Mamacitas Club se van destapando historias, fantasías, cosas que no sabías que estaban ahí. Es también una forma de transmitir a los hombres que, en el sexo, somos todos iguales, con la única excepción de que nosotras podemos embarazarnos, lo que nos hace más cautelosas con la pareja que vamos a elegir. A lo que me refiero es que la sexualidad depende de cada persona, no tiene que ver con su género.

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Yo siempre sentir que algo no estaba tan bien dentro de mi, puede que por mi manera de pensar, porque tengo ideas totalmente opuestas, a veces, y pienso que ambas son correctas. Me di cuenta de que tenia esa dualidad, tengo otra Regina dentro de mi que mira las cosas de forma diferente y todo se siente distinto.

Es la segunda vez que hablo de esto, me gustaría escribir una historia.

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Coleccion Mamacitas Club, de Regina Rivas.

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¿Sentís que Mamacitas Club cumple una función liberadora también para el público?

Al compartir mis ilustraciones veo que las mujeres se sienten más liberadas cuando ven algo con lo que se sienten identificadas. Ya no se sienten solas. Todos buscamos encajar en un lugar o con alguien.

Queramos o no, vivimos en una sociedad machista y católica, donde la culpa y el pudor del cuerpo nos inculcaron por encima de todo, donde nos dicen que Dios está viendo todo lo que hacemos y que no le gusta. ¿Qué es eso? ¡Un robo de intimidad único! Y ni siquiera mi familia es así, pero mis compañeras de colegio si eran así, en la escuela aprendí que Dios me mira, entonces no puedo hacer nada porque si no me voy a ir al infierno. Cuando sos grande, vas aprendiendo a discernir, pero nuestra generación viene de ese lugar y es importante sentar postura. Con cada dibujo, estoy sentando postura, independientemente de la interpretación que da cada espectador. ¿Cuál es esa postura?

Que quiero vivir en un país de libertad, donde podamos disfrutar y crecer, ser cada vez mejores; no un país de “Queremos Mamá y Papá”, que es discriminador. Como individuos o como comunidad, tenemos que cambiar.

Veo una gran respuesta de la gente en las redes sociales. ¿Cómo te sentís vos?

No quiero sonar pretensiosa, pero los likes y comentarios son una unidad de medida para el éxito de algo, es una realidad. No creo que nos convirtamos en un episodio de Black Mirror, pero me ayuda a entender lo que la gente quiere. Por ejemplo, ayer subi un dibujo supersimple y después uno más elaborado técnicamente, pero el primero tuvo 100 likes más que el otro, aunque me haya tomado 10 minutos y el otro más de cuatro horas, ¿por qué? Yo me cuestiono esto porque quiero entender mejor mi trabajo y la gente que lo está consumiendo. Creo que depende del mensaje y de cuanta gente se sienta identificada con él.

Creo que el éxito tiene que ver con la honestidad

con la que contás las cosas.. Cuanto más honesta soy, se nota. Hay artistas que tienen un excelente estilo y se nota en el trabajo, pero no me cuentan absolutamente nada.

La ilustración nace para acompañar al texto, contar una historia después se despega y se vuelve independiente, o para eso trabajamos ahora, para no estar supeditados a otra persona y que la ilustración tenga un peso por si sola. Desde un punto de vista comercial, hoy día un ilustrador no depende de un escritor para hacer su trabajo.

La exploración

Mamacitas Club se convirtió rápidamente en una sensación casi viral, Regi encontró una forma de explotar el nicho de las cosas de las que nada habla en público, de los pensamientos que ocultamos y de las experiencias que nos unen. Lo que no siempre consideramos es que esta serie es también un ejercicio para ella, no como ilustradora precisamente, sino como persona.

En el tiempo que lleva publicando esta serie, el público no tuvo miedo de preguntar si lo que veía era tal cual. Regina repite que todo es una mezcla de realidad y fantasía, y menciona al realismo mágico que tanto recuerda de la época del colegio sin realmente identificarse con esa corriente. “Esta lo que sucede, por un lado, y por el otro esta lo que me imagino.

Cada dibujo que hago es un registro de lo que sentí, pasé o viví. Cuando lo convertí en una serie, tuve que preguntarme cada vez más seguido qué tema tocar, luego se convirtió en un diálogo conmigo misma. Me cuestioné sobre el amor , el sexo y erotismo, exploré lo que significan para mí”, cuenta.

En cada dibujo se ve más que el simple acto.

Hay una lámpara, un sofá, plantas… hay un entorno un contexto. “Para mí esto tiene que ver con como percibimos las mujeres el sexo, no sé si todas, al darle importancia al compañero, aunque sea un compañero de hora y media”, agregar. Regi explica que hay algunos dibujos que le sirven para aclarar

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sus sentimientos, entender lo que sucede con una persona e incluso ir más allá, a donde sea que el viento de la inspiración sople.

Sobre todo, Mamacitas Club es un cuestionamiento sobre el amor en el sentido más amplio, hacia sí misma, y todas sus expresiones meramente sexuales o románticas, hétero u homo, polígamas o monógamas, personales o revolucionarias, superficiales o dolorosamente perspicaces. Hay imágenes donde un jurado evalúa a un hombre y las que califican son las otras Reginas. Ellas deciden si vale la pena arriesgarse románticamente con esta persona en particular o no. Hay otras donde la soledad sale a flote, una soledad que Regina reconoce como parte de sí misma debido a que encaja bien

con su trabajo (“la ilustración es un oficio solitario”, dice). Una soledad que la acompaña desde niña y que no le molesta porque forma parte de ese rico mundo en el que vive y en el que ocasionalmente intervienen su familia, amigos y pareja.

Cualesquiera sean las razones que la lleven a Regina a tomar su sharpie y dibujar, realmente no las objeto. Se que hay mucho todavía por ver de Regina Rivas, literal o subliminalmente, y que aún vamos a ver muchos ejercicios de cuestionamiento personal. Finalmente, la pregunta queda flotando es si estamos listos para aceptar el desafío de acompañarla y realizar el mismo ejercicio, pero en nuestras propias vidas. ¿Te animás?.

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Recorrido

Katie Rodgers

Una vez Walt Disney dijo “todos tus sueños se pueden hacer realidad si tienes el valor para perseguirlos” y desde luego, no se equivocaba. Si no, que se lo pregunten a Katie Rodgers, quien con siete años pintaba como cualquier otra niña de su edad y 20 años después ha hecho de su afición su medio de vida.

Unas maravillosas ilustraciones de acuarela, con elegantes y románticos figurines, han sido las culpables de su éxito.

Gracias a ello, Katie puede presumir de haber trabajado para importantes firmas de la talla de Valentino, Swarovski, Cartier, Lacoste, Coach, Ray Ban, Jaeger LeCoultre o Kate Spade y otras.

Texto Diana Muñoz Fotografias paperfashion.net

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Ilustraciones para Ellie Saab

Recorrido

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Katie nació en una pequeña localidad a las afueras de Atlanta y creció dentro del seno de una familia de músicos y artistas.

Desde muy pequeña, toda su familia vio su indudable don para la pintura de acuarela, pero a pesar de ello decidió dejarlo como un simple hobby y estudiar diseño industrial en la Carnegie Mellon University en Pittburgh. No tardaría mucho en darse cuenta de que eso no era lo suyo, por lo que cogió las maletas y se fue a Florencia a estudiar diseño de moda y accesorios en el 2007. Allí descubrió su pasión por la ilustración de moda y en el año 2009 decidió abrir su propio blog Paper Fashion, donde iba colgando sus ilustraciones. Pronto, el blog empezó a adquirir fama, convirtiéndose en un excelente escaparate donde mostrar al mundo sus creaciones. Más tarde, Reebok la contrataría como diseñadora de moda para finalmente acabar trabajando por su cuenta de manera freelance en Nueva York, colaborando con conocidas firmas y vendiendo sus ilustraciones en forma de láminas, calendarios, carteras y carcasas de móvil.

El arte de la ilustración con acuarelas en su familia se remonta a su bisabuelo, quien también era ilustrador. “Mi técnica de trabajo es exactamente la misma que la de él, a mano. En esta era digital, es bonito saber que todavía hay cosas que sólo se pueden crear de esta manera”, afirma la artista. Para ella, la acuarela es una técnica muy atractiva por el hecho de que seca muy rápido y es un método que no permite marcha atrás, sin contar, por supuesto, el gran valor sentimental que conlleva este tipo de pintura para la artista.

“No es suficiente tener talento, se necesita pasión” afirma la ilustradora, y sin duda, la suya se refleja en cada trabajo.

En sus ilustraciones encontramos preciosos bocetos inspirados en el mundo de la moda, que bien podrían estar sobre la mesa de Chanel, Dior o Balenciaga.

Sus figurines recuerdan mucho a las bailarinas de ballet, ya que según ella misma, le fascina la elegancia de esta disciplina.

En su técnica combina el romanticismo clásico con toques de fantasía, siempre de manera fresca y elegante, dando como resultado unas pinturas que parecen sacadas de cualquier libro de princesas.

Si no te queres perdern ninguna de sus creaciones, no dejesde seguirla en su cuenta de Facebook e Instagram.

No pierdas la oportunidad de disfrutar de las muestras del proceso de creación de uno de sus últimos trabajos, inspirados en los diseños de Jesus Del Pozo.

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Exposiciones

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Biombo GalerĂ­a de arte

Biombo es una galería de arte posmoderna y contemporánea; con obras de arte accesibles, estéticas, funcionales o decorativas, promueven jÓvenes artistas emergentes y también destacados nombres del arte nacional, con años de presencia en el mercado cultural paraguayo.

Hacemos una pequeña visita a su hermoso acervo.

Exposiciones / Biombo Galería

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Exposiciones

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Una galería de arte o museo de arte es un espacio para la exhibición y promoción del arte, especialmente del arte visual, y principalmente pintura y escultura, de forma similar a un museo puede ser pinacoteca, gliptoteca y otros.

El concepto también es usado, para designar el establecimiento que además de exhibir y promocionar obras de arte, se dedica a su venta, siendo entonces por lo general un espacio más reducido y limitando el periodo de exhibición a un tiempo determinado, pasado el cual se desmonta la "exposición" y se monta una nueva. El oficio y técnica de su gestión se denomina galerismo.

También es muy habitual que los museos realicen exposiciones temporales, especialmente con fondos ajenos.

El uso del nombre galería proviene del idioma italiano, especialmente por la Galleria degli Uffizi, construida en Florencia por Vasari en 1560 para alojar la colección de arte de los Médici. De forma similar se denominó la Galleria Borghese para la colección del cardenal Borghese.

En Londres recibieron ese nombre la National Gallery (1824) y la Tate Gallery (1897). En Nueva York , la National Gallery of Art se abrió en 1937.

Las galerías de arte contemporáneo realizan dos clases de muestras: individuales y colectivas. En las individuales los trabajos de un solo artista son exhibidas al público.

En las colectivas, varios artistas presentan a la vez uno o varios de sus trabajos según el tamaño de la galería. Las muestras acostumbran durar quince o treinta días, según la importancia del artista .

Impulsadas por artistas jóvenes emergentes, nacen galerías y salas de exhibición que van consolidando un nuevo circuito local.

Una gran diversidad de propuestas artístico -culturales configuran el mundo del arte contemporáneo de la Ciudad de Córdoba en la actualidad.

Un recorrido por la nueva escena del arte contemporáneo.

Desde hace ya unos años la escena de las artes viene experimentando algunas transformaciones. Gestados principalmente por jóvenes, los espacios destinados a la difusión, exhibición y comercialización del arte contemporáneo han expandido sus límites y diversificado sus propuestas. Hoy, en el pais, proliferan espacios independientes y autogestivos que no cuentan con subvención estatal y reciben muy poco apoyo de empresas privadas. Proponen dinámicas de trabajo interdisciplinarias y flexibles, priorizando el trabajo colectivo y por sobre todas las cosas buscan profesionalizar el campo artístico. Para lograrlo, los jóvenes combinan recursos y dan cabida a soluciones creativas que les permiten sostener sus iniciativas de un modo autónomo e independiente.

Durante los primeros años del 2000, parecía que Córdoba transitaba por una especie de vacío en materia de nuevas propuestas.

Algunas experiencias aisladas, tales como Casa 13, Documenta Escénica, Corazón Cordobés o Artis, resistían. Todas ellas hoy son referentes obligados para las nuevas generaciones de gestores culturales. Durante esos años no era posible vislumbrar la constitución de un circuito de galerías de arte contemporáneo y espacios de exhibición como el que es posible mapear en la actualidad. Así, Córdoba ensaya una suerte de circuito alternativo de arte contemporáneo con contenidos y propuestas que sorprende.

Nuestra produccion visitó algunos espacios y conversó con sus directores, indagando en torno a los objetivos y proyecciones que guían estas propuestas. Aunque cada espacio presenta particularidades únicas y originales que a veces son determinadas por condiciones físicas y disponibilidad de recursos, y otras por el concepto que se pretende llevar adelante, algunos puntos en común caracterizan a estas nuevas iniciativas.

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Un recorrido por la nueva escena del arte contemporáneo.

Desde hace ya unos años la escena de las artes viene experimentando algunas transformaciones. Gestados principalmente por jóvenes, los espacios destinados a la difusión, exhibición y comercialización del arte contemporáneo han expandido sus límites y diversificado sus propuestas.

Hoy, en nuestro pais, roliferan espacios independientes y autogestivos que no cuentan con subvención estatal y reciben muy poco apoyo de empresas privadas.

Proponen distintas dinámicas de trabajo interdisciplinarias y flexibles, priorizando el

trabajo colectivo y por sobre todas las cosas buscan profesionalizar el campo artístico. Para lograrlo, los jóvenes combinan recursos y dan cabida a soluciones creativas que les permiten sostener sus iniciativas de un modo autónomo e independiente.

Nuestra produccion visitó algunos espacios y conversó con sus directores, indagando en torno a los objetivos y proyecciones que guían estas propuestas. Aunque cada espacio presenta particularidades únicas y originales que a veces son determinadas por condiciones físicas y disponibilidad de recursos, y otras por el concepto que se pretende llevar adelante.

Exposiciones / Biombo Galería

Paisaje del interior del pais, con los tradicionales lapachos amarillos. Michael Burt, artista de reconocida trayectoria nacional.

Exposiciones

Las propuestas buscan promover un diálogo entre el arte contemporáneo y otras disciplinas, como la moda, el diseño, la arquitectura, la gastronomía y la comunicación, configurando espacios que ofrecen diversas posibilidades de experimentación. Estos formatos flexibles evitan encasillar sus actividades y prácticas.

Pareciera que el arte, los libros, la comida, la moda y la formación pueden convivir de un modo orgánico sin reclamar posiciones jerárquicas o definiciones estereotipadas.

los nuevos creadores no cuentan con lugares para exhibir sus obras y generalmente quedan fuera de los circuitos tradicionales y legitimados, como son los museos y las galerías.

El recorrido nos lleva desde una galería de arte que es un restaurante, pasando por una galería donde alternan estudios de diseño, arquitectura e investigación artística, hasta imprentas que se vuelven espacios de exhibición y producción, tiendas de diseño que incluyen salas de arte a la venta, o una galería de arte de la calle.

Éstas son alternativas que buscan mantener un gran profesionalismo y cuidado en infraestructura y difusión”. Otro punto en común es el interés en la sustentabilidad económica de las propuestas. Se trata de una generación que no le teme al mercado y es consciente de la necesidad de incluir algunas de sus lógicas con el fin de hacer los espacios sustentables, ¿será que terminamos con la era del “por amor al arte” para pasar al objetivo de “vivir del arte”?

La necesidad de abrir espacios para jóvenes artistas es una constante en el discurso de la mayoría de los entrevistados. Plantean que

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Paula Trimano, coordinadora del espacio Fractal, comenta: “El museo, para los artistas jóvenes, es inalcanzable. Te exige una trayectoria y una cantidad de obras casi imposible de producir para un artista joven.

Se trata de una generación que no le teme al mercado y es consciente de la necesidad de incluir algunas de sus lógicas con el fin de hacer los espacios sustentables, ¿será que terminamos con la era del “por amor al arte” para pasar al objetivo de “vivir del arte”?

Exposiciones / Biombo Galería

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Reportaje fotográfico

Instantáneas en el proceso

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Un delicioso recorrido fotográfico por el proceso de creación de las obras de artistas, documentado especialmente para el deleite visual del lector. Los colores de esta colecciÓn: amarillos pasteles, contraste armónico y, por supuesto, brillo.

Reportaje fotogrรกfico / The Process

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Reportaje fotogrรกfico / The Process

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Reportaje fotogrรกfico / The Process

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Reportaje fotogrรกfico

Reportaje fotogrรกfico / The Process

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Lugares

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Café Consulado El café de los artistas nos trae una nueva ediciÓn de la exposiciÓn de arte de temporada, echemos un vistazo a los artistas destacados de esta ediciÓn y sus obras.

Vistas del interior del cafe.

Cafe Consulado es un espacio alternativo de recreacion, que ademas de poseer el mejor cafe de autor de la capital, es un espacio cultural, que realiza exposiciones, proyecciones de cine, y diferentes actividades que fomentan la cultura e interaccion.

Lugares / CafĂŠ cnsulado

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Fernando Bogarin y Andrea Rolon Kanonnikoff

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Lugares / CafĂŠ cnsulado

Mercedes Centurion y Fernando Bogarin Toledo

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Patricia Silva, Aharon Emery, Silvana Nuovo, Fernando Martinez, Yami Morel, Juli Torres y Eduardo Martinez

NIno Cricco, Fernando Martinez, Juli Torres, Fernando Bogarin

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Lugares

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Ricardo Alvarez, Alicia Perito, Carlos Nunes, Mercedes Centurion.

Eduardo Martinez, Rodrigo Aguero y Arami Espiau

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Vista interior del café. Pedi el molido café del día y los panqueques de banana.

Probá las espcialidades de la casa consultando con el barista de turno.

Visitá Café Consulado todos los días, desde las 10hs hasta las 20:30 hs, horario de verano, y disfrutá de los mejores cafés y deleitá tus sentidos con las obras de arte, artesanías, juegos de mesa, cerveza artesanal y las playlist alterntiva de los baristas. El café funciona como galería de arte permanente, realizando exposiciones y muestras periódicamente.

También ofrece un variado repertorio de actividades, como ciclos de cine al aire libre, talleres de arte y manualidades, conciertos, ferias, y por si fuera poco, el mejor café de autor del centro de Asunción, con granos tostados de Kafa Tostadores.

Encontrá el local en la Galería Estrella, Calle Palma y O'leary.

E s p aEspacios cios de arte

Desde el interior

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AquÍ es donde el arte ocurre. Recorremos el estudio de diversos artistas y extraemos momentos de inspiraciÓn desde lo más profundo del archivo. Colores, manchas, orden aleatorio o desastre aleatorio, espacios tan artÍsticos como los resultados.

Espacios / Desde el interior

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Manchas, telas, pinceles, estantes y libros en el estudio de Lorena Crambart.

Fotografia de cortesia de la artista.

Los pintores realizan estudios para entender los problemas que suscita una obra y planear los elementos que terminarán componiéndola, en aspectos tales como la luz, el color, la forma, la perspectiva y la composición.

En algunos casos, el estudio alcanza mayor impacto que la obra terminada, a causa de la frescura del trabajo del artista mientras explora el tema. La excitación del descubrimiento puede dar vitalidad a un estudio, a lo que puede ayudar los cambios y arrepentimientos del artista. A veces el pintor yuxtapone o superpone variaciones

del mismo o distintos asuntos, o añade notas escritas, conservando o cambiando la verticalidad, o aprovecha zonas que habían quedado vacías en un estudio previo (incluyendo el reverso); todo lo cual permite comprender mejor el proceso de su trabajo pictórico.

El arte conceptual del siglo XX, en el que el proceso creativo en sí mismo es el tema de la obra, elimina la diferencia entre estudio y obra terminada, que no tiene por que ser ningún objeto material.

Se han conservado estudios pictórcos de los grandes maestros del Pleno Renacimiento italiano; como por ejemplo algunos de Miguel Ángel. En uno de ellos, para la Sibila libia del techo de la Capilla Sixtina, puede apreciarse que la composición definitiva estaba basada inicialmente en un modelo masculino; en otro, para la deposición, que una figura femenina se concibió inicialmente como un desnudo adolescente.

Espacios / Desde el interior

Estudio es la denominación que se da al croquis preparatorio de una obra pictórica (en cuyo caso también se denomina "boceto"), o a la nota visual que toma el pintor (también se denomina "apunte"). Puede ser tanto un dibujo como un trabajo más complejo realizado con cualquier tipo de técnica (estudio al óleo).

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Manchas, telas, pinceles, estantes y libros en el estudio de Lorena Crambart.

Fotografia de cortesia de la artista.

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Manchas de pintura y utensilios artisticos. Fotografia cortesia de la artista.

De Leonardo se conservan numerosos estudios, la mayor parte encuadernados, junto con todo tipo de notas y observaciones, Códice Atlántico, Códices Madrid I-II, Códice Hammer, Códice sobre el vuelo de los pájaros, Codex Trivulzianus, Codex Arundel; entre otros, se conservan algunos que permiten comprobar cómo estudiaba variaciones en la postura de las manos de La Gioconda o el movimiento de los caballos de La batalla de Anghiari.

De Rafael se ha conservado un gran conjunto de estudios preparatorios y cartones, que permiten reconstruir sus técnicas y proceso creativo.De mediados del siglo XV se conservan estudios de Rogier van der Weyden, y a la primera mitad de ese mismo siglo, se conservan los de Pisanello, encuadernados en el Codex Vallardi.

De Rafael se ha conservado un gran conjunto de estudios preparatorios y cartones, que permiten reconstruir sus técnicas y proceso creativo.

Se conservan también notables estudios de grandes maestros de la Edad Moderna y aún mas abundantes son los que se han conservado de la pintura contemporánea.

Se conservan notables estudios de grandes maestros de las diferentes épocas del arte de la Edad Moderna, como El Bosco, Durero, Tiziano,​Rubens, Ribera, Velázquez,​Rembrandt,​Poussin, Mengs, Fragonard, Reynolds o Gainsborough.​ Muy particular estudio han recibido los estudios preparatorios de Goya, que recogió en varios cuadernos, llamados Cuaderno italiano, Álbum A o pequeño de Sanlúcar, Álbum B" o de Sanlúcar -Madrid, C, D... hasta el H.

Mucho más abundantes son los que se han conservado de los maestros de la pintura contemporánea.

Espacios / Desde el interior

Hay códices más antiguos que contienen dibujos que pueden considerarse estu91 dios, como el de Villard de Honnecourt, de la primera mitad del siglo XIII.

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Trayectoria

Roberto Morelli, artista destacado con mas de 30 aĂąos en el mundo del arte.

Lugares de arte

Exploramos el arte, arquitectura, diseĂąo de interior y la cultura dentro de CasaCor Paraguay.

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