Nยบ 1 Revista/Magazine
Abril | Mayo 2014
Crazy Mary
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Editorial. Soñando en Blanco y Negro En Portada. Una imagen onírica para empezar Interiorismo. Derek Swalwell. Fotógrafo Moda. Miriam Ponsa Exposición. Una historia de Moda Animación. Pixar 25 años de animación Viajes. Un paseo por Notting Hill Gastronomía. Saboc. Cuestión de Temperatura Entrevista. Alfons Tost. Interiorista Le Corbusier ARCOmadrid 2014 Espacios. Galería Loewe Artículos de Autor 99 Jot Down 101 Ayer y hoy en Berlín. Imágenes de la ciudad 105 Once upon a time in my life…
Redacción
Directora. Mª Ángeles Fernández Subdirectora. Conchi Roque Colaboradores. Nicola Campanelli
Soñando en Blanco y Negro
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a primera vez que soñamos con publicar una revista, la descartamos en cuestión de segundos. ¿Para qué íbamos a crear una publicación con todas las que ya existen? ¿A quién iba a interesar? ¿Realmente teníamos algo que contar? El tiempo pasaba y la idea aletargada parecía haber perdido fuerza. Las cosas han cambiado desde entonces y ahora sí hay mucho que decir. Somos periodistas y queremos crear un medio para mostrar la realidad tal y como nosotros la vemos, sin tintes añadidos, con lo bueno y lo malo, como la vida misma. Por eso hemos elegido presentarnos con los colores que mejor nos definen en estos momentos: el Blanco y el Negro. Una combinación elegante y evocadora, y sobre todo simbólica, para describir el resultado final de nuestro trabajo: escribir caracteres negros sobre fondo blanco. Una idea tan sencilla como compleja. Y en medio, un montón de contenidos e imágenes que aportan el color necesario para que la vida siga y podamos ir recuperando la ilusión y el optimismo que, dadas las circunstancias que nos ha tocado vivir, hemos ido perdiendo por el camino. No hay objetivos fijados, ni metas, ni contenidos programados. Creamos y crecemos con el día a día, y cada dos meses volcamos todos nuestros trabajos, frustraciones, descubrimientos, deseos y experiencias en esta revista. Disfrutar del camino es lo único que perseguimos. Nuestro lema cada vez que alguno de nosotros sale a la calle a cubrir un evento, o preparar un reportaje es “no olvides divertirte”. Porque realmente esto es lo que nos apasiona: escribir, comunicar y sobre todo compartir. No podemos cambiar las cosas de golpe, pero sí vamos a aportar un poco de entretenimiento durante el camino y un montón de cosas motivadoras que nos ayuden a soñar con que es posible hacer de este un mundo mejor.
Mª Ángeles Fernández
Directora Crazy Mary
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Una imagen onírica para empezar
En Portada
suplementos de las cabeceras más destacadas, tanto en periódicos como en revistas, para comprobar que esto no es una afirmación basada en una opinión personal, sino que es todo un hecho. Al hilo de nuestra primera reflexión sobre el maravilloso sueño que representa Crazy Mary para nosotros, decidimos que nuestra primera portada sería esta. Una imagen sencilla, minimalista, que recuerda a la luna, mentora de cambios físicos y psicológicos que van desde la marea, hasta partos y estados de ánimo, inspiradora de muchas historias y siempre vinculada a la locura y a los soñadores que solemos estar ahí, en la mismísima luna. Y que mejor forma de transmitir ese sentimiento y deseo que con una imagen llena de connotaciones oníricas.
E
legir la primera portada de algo que quieres hacer con tanto mimo y dedicación es una de las cosas más difíciles que hemos tenido que hacer al crear esta revista. Imágenes hay siempre miles. De mejor calidad, más originales, más evocadoras, más atractivas. Parece que ninguna es lo suficientemente buena como para estar en la primera página de algo tan importante como esto que acaba de nacer. Y menos en esta era del periodismo digital donde somos bombardeados a diario con miles de imágenes y contenidos de usar y tirar. Perdonad la osadía, pero en esta ocasión sólo una imagen debía comunicar toda una filosofía, una estética, una propuesta, un trabajo y al final pensamos más en lo que queríamos transmitir que en lo que realmente te dicen que suele funcionar o gustar. Si tienes en cuenta las estadísticas y lo que supuestamente te venden como “los gustos del lector”, en los que en la mayoría de los casos prevalecen criterios publicitarios y mercantilistas más que informativos o creativos, acabas pensando en que lo más fácil es reproducir lo que hacen los demás. Y para muestra un botón, no hay más que echar un vistazo a las portadas de las últimas revistas y
Una lámpara de cristal en la que depositar todos nuestros deseos. Formada por pequeñas flores que anuncian la llegada de la primavera. Un objeto creado para iluminar el espacio, que representa todas y cada una de las personas e ideas que nos han inspirado y ayudado, y cuya aportación ha sido básica para que este primer número vea por fin la luz. Una fotografía que tomamos en Praga este otoño y cuya visión nos resultó tan impactante que la creemos digna de ocupar este lugar, ni más ni menos que la portada del primer número de la revista online Crazy Mary.
Texto y Fotografía Mª Ángeles Fernández Lámpara de la firma “Preciosa Lighting” Expuesta en Designblok 2013 (Praga)
Crazy Mary
© Derek Swalwell
Derek Swalwell, Fotógrafo de Interiores
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ncontrar imágenes de interiores como las de Derek Swalwell, siempre es un grato descubrimiento. Se trata de un fotógrafo profesional afincado en Melbourne (Australia), que ha realizado trabajos para numerosas firmas y publicaciones de arquitectura, interiorismo y diseño como Vogue Living, Habitus, Wallpaper, Inside Out, Architecture Review. En su página web www.derekswalwell.com se pueden ver sus últimos trabajos que abarcan diversas temáticas, pero es conocido sobre todo por sus fotografías de interiores para libros y revistas. Le conocimos precisamente en este campo, en concreto por las de dormitorios, en los que captura con su objetivo el encanto y los detalles de cada espacio, mostrando el juego de luces y sombras, y sobre todo la perspectiva más adecuada para potenciar el trabajo de estilismo de cada estancia.
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Derek Swalwell, Fotografía
Interiorismo
© Derek Swalwell
Fotos que destacan no sólo por su calidad, sino sobre todo porque ofrecen la visión personal del artista, que hace que cada composición escénica parezca un escaparate, o incluso una obra de arte, que hace sentir al espectador como si estuviese ante un cuadro realista. Espacios con una estética minimalista, que no están recargados, y en los que el enfoque elegido por el autor consigue potenciar todos y cada uno de los detalles que la componen, y que conforman un todo perfecto.
Crazy Mary
© Derek Swalwell Habitaciones en distintas tonalidades de colores neutros (grises, blancos y beige), con pinceladas de color (azul en la imagen anterior y rosa palo en esta página), en los que ocupan un papel protagonista los textiles, juegos de texturas en colores lisos, con pequeñas licencias de telas estampadas bicolor y motivos geométricos en uno de los cojines, suelos de madera natural de color claro y lámparas asimétricas con respecto a la pared, que suelen aparecer ubicadas a un lado de la cama, son algunos de los detalles que destacamos en las imágenes que hemos elegido para presentar aquí en la sección de tendencia de interiorismo. Texto Mª Ángeles Fernández
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Miriam Ponsa
Moda
Miriam Ponsa
Una diseñadora de espíritu libre Texto y Fotografías tienda Conchi Roque | Desfile fotos oficiales
Crazy Mary
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i algo define los diseños de la catalana Miriam Ponsa es que no siguen tendencias. Sus colecciones podrían calificarse de independientes, con procesos totalmente artesanales y utilizando técnicas que, hoy en día, están prácticamente desaparecidas: elaboración de tejidos con telar manual, bordado a mano, cestería, macramé…
Sherpa
Y seguro que en esto tiene mucho que ver su historia personal, ya que proviene de una familia con una importante tradición textil, que se remonta a 1886, cuando su bisabuela fundó una fábrica dedicada a la producción de las betas de las famosas espardenyes.
El esfuerzo, la tenacidad y las condiciones extremas son las fuentes de inspiración de una colección en la que el punto tiene mucha presencia, trabajado con moher de galga muy fina y lana mecha tricotada a mano.
Desde entonces han pasado muchos años pero los lazos que unen pasado y presente están muy vigentes, empezando por el propio taller de Ponsa, que ocupa las instalaciones de la antigua fábrica familiar. Siendo así, no es de extrañar que sus colecciones tengan ese espíritu industrial.
Colección otoño-invierno 2014-15 Sherpa es la nueva colección de Miriam Ponsa, presentada en la última semana de la moda barcelonesa, 080 Barcelona Fashion. Un homenaje a los portadores y guías de las montañas del Himalaya.
Piezas de gran volumen que evocan las cargas que transportan los sherpas; formas orgánicas; líneas redondeadas y colores negros, crudos y grises son las constantes de esta nueva colección en la que también hace acto de presencia la técnica del macramé como homenaje a la forma de vida propia de los tibetanos.
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Miriam Ponsa
Moda
Im谩genes oficiales colecci贸n Miriam Ponsa
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Miriam Ponsa
Moda
Tienda de Referencia
El local que Miriam Ponsa tiene en el Born, uno de los barrios mĂĄs vanguardistas de Barcelona, es un fiel reflejo de su modo de concebir la moda. Con un aire eminentemente industrial, predomina sobre todo la madera, tanto en los mostradores como en los probadores, con enormes porticones de madera. Las paredes de obra vista, los techos con vigas de madera y el predominio del color gris nos remiten a ese pasado industrial al que hacĂamos referencia anteriormente.
Como decoraciĂłn, algunas maletas viejas, hormas de zapatos y una butaca vintage roja a juego con los divertidos botijos que cuelgan del techo ante el enorme escaparate y que aportan un toque de color a la casi monocromĂa del local. Una tienda sencilla pero llena de encanto. Muy acorde con el estilo Ponsa.
Miriam Ponsa C/ Princesa, 14 Born Barcelona
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Miriam Ponsa
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Aquí puedes ver el vídeo de su proceso creativo. Toda una obra de arte e inspiración.
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Miriam Ponsa
Moda
Crazy Mary
Un boceto, una muestra de tejido y una imagen que ilustra el proceso creativo de la última colección de Miriam Ponsa. Un homenaje a los sherpas del Himalaya. Tejidos y texturas que reflejan la personalidad del Tíbet. Un viaje y una experiencia en contacto con la naturaleza. Punto tricot, nudo español, huata, macramé, bordados a mano, tejidos de lana 100% de mohair. Conceptos que se incorporan al relato y que conforman Sherpa, la última colección de Miriam Ponsa. Un alarde de originalidad inspirada en la vida natural y sencilla de las montañas.
Imagen Web
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Exposición Prêt à Porter
Moda
Una historia
de Moda Prêt-à-porter: Expresión francesa que significa “listo para llevar” tomada del inglés “ready to wear”. Designa un sistema de fabricación seriada de prendas de vestir dirigidas a un público universal. (Margarita Rivière, Diccionario de la moda. Los estilos del Siglo XX).
El Palau Robert ha organizado por primera vez una retrospectiva de los 50 años de la historia reciente de la moda en Cataluña. La exposición Barcelona Prêt-à-porter 1958-2008 es un repaso a lo que ha sido, y sigue siendo, la industria de la moda en Cataluña. La muestra ha sido posible gracias a la Colección Textil Antoni de Montpalau, llegando a exhibirse un total de más de 300 piezas.
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En la exposición están presentes tanto los diseñadores más relevantes como marcas y pequeños talleres, con el fin de dar una visión realmente amplia del tema.
Las escuelas de diseño, también protagonistas Diversas escuelas de diseño han colaborado en la renovación del gran escaparate de la Exposición, con el objetivo de mostrar el trabajo de sus alumnos. Por esta “pasarela” han pasado desde alumnos de ELISAVA, BAU o el Instituto Europeo di Design. En la imagen, la propuesta “Punk Maniac. Do it Yourself”, obra de Elena Elvira, alumna de la Escola Idep Barcelona.
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Exposición Prêt à Porter
Moda
Además de la ropa, la exposición consta de filmaciones, imágenes de archivo, carteles antiguos y una pequeña muestra del trabajo de algunos de los grandes fotógrafos de la moda como son Oriol Maspons, Manuel Outumuro, Antoni Bernat, Colita…
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La muestra es también una perfecta guía de los diversos salones y desfiles de moda que han tenido lugar, principalmente en Barcelona. Desde aquellos clásicos Semana del Algodón o Moda del Mediterráneo, pasando por Gaudí Novias, Barcelona Fashion Week, Bread & Butter, The Brandery, hasta llegar al actual 080 Barcelona Fashion.
Barcelona Prêt-à-porter 1958-2008. Medio siglo de Industria y Moda Palau Robert
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Imagen del corto Lámpara Luxo (1986) de John Lasseter
Pixar 25 años de animación Caixa Forum Madrid presenta, del 21 de marzo al 22 de junio, una exposición que muestra la historia de algunos de los trabajos de animación de los estudios Pixar, para conmemorar su vigésimo quinto aniversario. Inaugurada por primera vez en el MoMA de Nueva York, y después de recorrer medio mundo llega esta primavera a Madrid y Barcelona.
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Hace ya algunos años, ni más ni menos que 25, tan sólo algunos creadores adelantados a su tiempo habían oído hablar de la animación por ordenador. Ahora todo el mundo conoce los trabajos de Pixar, que se ha convertido en un referente y ha puesto el cine de animación en el lugar que merece. Toy Story (1995) fue el primer largometraje en el que se utilizaron efectos de animación digital en su totalidad, y representó una auténtica revolución en este campo.
A partir de aquí los éxitos de taquilla fueron sucediéndose y en la actualidad los
estudios de animación Pixar han logrado 26 premios Oscar y 7 Globos de Oro.
Imagen del personaje Carl Fredricksen protagonista de la película UP
La fórmula de su éxito fue el resultado de
artística. La muestra quiere recuperar de
unir el talento creativo de John Lasseter
los archivos largometrajes y cortos de los
(Director creativo), la visión empresarial
últimos veinticinco años, para profundizar
de Steve Jobs y el éxito de crítica y
en
taquilla en los noventa de su primer
narran, y entender y conocer los mundos
proyecto: Toy Story, que atrajeron el
de ficción que han creado. Más de 500
interés de Disney que compró el proyecto.
dibujos,
Y sobre todo contar con un colectivo de
maquetas e instalaciones digitales creados
inventores
de
por los artistas de Pixar tanto con medios
tecnologías informáticas y visuales, junto
tradicionales –dibujo a mano, pintura,
con brillantes cineastas que plantearon en
pasteles o escultura– como digitalmente.
su filmografía una serie de relecturas de
La gran cantidad de obras de arte a las
los géneros clásicos: el western, la ciencia
que han dado vida estos equipos humanos
ficción, las aventuras, el melodrama, la
para cada filme sale muy pocas veces del
comedia. Auténticos genios creativos que
estudio, aunque cada película, una vez
han
terminada,
y
combinado
desarrolladores
en
su
producción
la
innovación y el respeto a la tradición
los
entero.
personajes,
storyboards,
suele
las
historias
guiones
recorrer
el
que
gráficos,
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Exposición Animación
Cultura
Imagen de la película Brave (2012)
Durante años ha pasado desapercibido todo este
largo, intenso y laborioso proceso de
creación que hay detrás, sin el que esto no sería posible. Títulos inolvidables como Buscando a Nemo, o maravillas de ciencia ficción como Wall-E, pasando por la entrañable Up forman parte de la historia de nuestro imaginario colectivo en cuanto a cine y animación se refiere. Desde entonces todas las generaciones han crecido viendo sus películas. Obras de arte que han conseguido al fin el reconocimiento que estos trabajos de animación por ordenador en 3D merecen, y cuyo valor artístico se muestra al público en esta exposición.
Imagen de Los Increíbles (2004)
Caixa Forum Madrid (Paseo del Prado 36) De lunes a Domingo de 10.00 a 20h. Hasta el 22 de Junio de 2014. Entrada: 4€ (Clientes La Caixa Gratis) Texto Mª Ángeles Fernández | Imágenes Pixar
Un paseo por Notting Hill
S
i hay un barrio popular en Londres ese es Notting Hill. Ubicado en la parte oeste de la ciudad, cerca de la esquina noroeste de Hyde Park, ofrece al visitante un entorno compuesto por casas victorianas, calles adoquinadas, tiendas y sobre todo el mercado de Portobello en el que se mezclan tiendas con las últimas tendencias en moda, con anticuarios, comercios de segunda mano (sobre todo de música), puestos típicos de flores y comida al aire libre, convirtiendo este lugar cada fin de semana en uno de los sitios más visitados por su ambiente festivo. Si a ello añadimos una amplia gama de cafés, librerías y restaurantes la cita se convierte entonces en un regalo para el turista que recorre la ciudad. Texto y Fotografía Mª Ángeles Fernández
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Un paseo por Notting Hill
Viajes
Cada vez que uno visita una ciudad por primera vez espera encontrar lo que ha sentido al ver decenas de imágenes a lo largo de su vida y leer muchas historias con respecto a ella y lo que uno puede descubrir allí. En muchas ocasiones, sobre todo cuando se trata de grandes capitales del mundo, se tiene la sensación de estar en una ciudad como cualquier otra, como si se hubiese estado antes allí, porque todas se parecen. Londres ha sabido conservar parte de su esencia en algunas zonas y logra transmitir al visitante la sensación de estar en el lugar que ha idealizado. Desde el primer momento las calles y escaparates no dejan lugar a dudas, estás en Gran Bretaña, y pases por donde pases queda constancia de ello porque sus símbolos nacionales están por todas partes: la Reina Isabel II, grupos musicales como Los Beatles o los Sex Pistols y su bandera tricolor (Union Jack) en múltiples variantes.
No hay más que callejear por Londres para notar la diferencia. Y no solo por sus emblemáticos taxis negros o autobuses rojos de dos plantas, ni por el sentido de las calles (aquí el volante está a la derecha y se circula por el lado izquierdo).
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Como en todas las grandes capitales la mezcla de razas y culturas es bastantes habitual, diferencias que ya han pasado a formar parte de la idiosincrasia de la ciudad desde la ĂŠpoca colonial. La mezcla entre tradiciĂłn y modernidad es latente en cada esquina.
Habitantes y turistas inundan cada espacio pĂşblico. Todos destacan y todos pasan inadvertidos a la vez. Vestir de un modo estrafalario no es motivo de miradas y comentarios, la excepcionalidad se viste de normalidad cuando hay tantos contrastes de culturas y formas de vestir y vivir.
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Un paseo por Notting Hill
Viajes
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Una de las zonas londineses mรกs populares es Notting Hill, un barrio cosmopolita, bohemio y elegante en el que cada sรกbado se celebra el mercadillo de anticuarios de Portobello Road. Los comerciantes de la zona aprovechan esta convocatoria para sacar sus productos a la calle, convirtiendo el lugar en un mercado variopinto y colorido en el que conviven vanguardia y tradiciรณn ambas al mรกs puro estilo british.
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Si hay algo que ha convertido Notting Hill en un sitio buscado y fotografiado es una película de 1999. Una comedia protagonizada por Julia Roberts y Hugh Grant con el mismo nombre que el barrio. A partir de este momento empieza a ser considerado uno más representativos de la ciudad y visitados por los turistas que recorren sus calles buscando The Travel Bookshop, la librería de Hugh Grant en la película, donde se conocen los protagonistas. Se encuentra en el número 11 de Blenheim Crescent, aunque los productores filmaron sólo la fachada exterior y reprodujeron el interior en unos estudios. Se trata de una librería en la que además de encontrar libros de viajes hay opciones para todos los gustos, y que tiene delante del escaparate un banco de madera en el que los visitantes guardan turno para fotografiarse.
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Toda la zona está llena de librerías, como Garden Books, y enfrente, Books for Cooks, especializada en libros de cocina con un pequeño restaurante al fondo. Galerías de arte, tiendas de discos, decoración, infantiles y por supuesto teterías y cafeterías con encanto en las que además de tomar té o café se pueden leer libros y revistas especializadas.
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Acostumbrados a un clima hĂşmedo y a una lluvia constante, con el primer rayo de sol que aparece la gente abandona sus casas y toma la calle. Todo el mundo come y bebe al aire libre y las terrazas de los bares y restaurantes adquieren vida propia desde primera hora. Aunque en Londres se suele almorzar antes que aquĂ, los restaurantes tienen abiertas sus cocinas hasta Ăşltima hora de la tarde. Es posible comer en la zona incluso a las cuatro de la tarde.
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La mejor forma de llegar es en metro o autobús hasta la estación de Notting Hill Gate. Una vez allí no hay más que seguir los pasos de la gente que se encamina hacia Pembridge Road, donde empiezan a aparecer las primeras tiendas de ropa y complementos que llaman la atención de los que pasan por sus elaborados escaparates. Después de atravesar esta calle llegamos a la esquina de Portobello Road. Aquí comienza y se desarrolla cada sábado el tradicional mercado de anticuarios.
El paseo continúa hasta la estación de Ladbroke Grove, que con sus tiendas de ropa de segunda mano marca el final del recorrido. Hay comercios para todos los gustos: más alternativos, de marcas, de estilo clásico, de souvenirs para turistas, joyerías, tiendas delicatessen, librerías, de música e instrumentos… Y una amplia oferta gastronómica tanto en la calle como en cafeterías, bares y restaurantes, la mayoría con terrazas o bancos desde los que disfrutar del ambiente callejero.
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Es precisamente este mercado de anticuarios el que atrae más visitantes y turistas a la zona. Se pueden encontrar tiendas especializadas en un solo tipo de artículos como la popular Chloe Alberry, que ofrece pomos de puertas y ventanas, un referente muy solicitado en la zona. Se encuentra en el número 84 de Portobello Road.
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Lugares como Notting Hill inspiran no sólo algunas escenas cinematográficas, artículos en revistas de viajes, y numerosos álbumes de fotos turísticas. Hablan de una ciudad vivida en la que hay personas de todo tipo y en la que no te sientes un visitante extraño. La vida vibra en las calles de la ciudad, que se transforma en fiesta en cuanto el sol aparece, los comercios llenos de clientes, la gente comiendo y bailando en la calle, los espectáculos callejeros que van desde el aficionado hasta la violista de la filarmónica que ensaya en plena calle. Escenas cotidianas que se ven en muchos lugares del mundo pero que aquí son valoradas y disfrutadas en comunidad, pues la gente no pasa sin mirar, ni deja de aportar una moneda por la causa. El estilo, el talento, la originalidad brotan en cada esquina y en Notting Hill especialmente. No es un barrio de clase alta, aunque sus casas son muy valoradas y solicitadas en la ciudad, no es un barrio obrero aunque está lleno de gente bohemia y de clase media. Pero si es un lugar diferente porque logra que convivan la modernidad y la tradición en perfecta conjunción sin perder un ápice de personalidad en ambos aspectos. No hay locales cerrados, ni carteles de “se alquila” a cada paso. No es sólo un síntoma de cómo la crisis golpea más o menos una ciudad, es una cuestión de cultura, de saber valorar lo que se tiene, de cuidarlo y conservarlo y visto a través de sus ojos hace que los extraños lo veamos también así, como algo propio, característico y auténtico, que ha hecho de este barrio londinense uno de los lugares más conocidos y visitados del planeta.
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Sab o c
Cuesti贸n de Temperatura Texto y Fotograf铆a: Conchi Roque
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Foodie: aficionado a la comida y a la bebida Esta sería sin duda la mejor palabra para definir al equipo de Saboc: 5 amigos que hace ya más de 12 años decidieron lanzarse a la aventura de montar un restaurante y abrieron el Bestiari. Y ahora, después de una espectacular transformación de la zona -con la inauguración del antiguo Mercat del Born convertido en El Born Centre Cultural- han decidido hacer lo mismo con su local. Lo han renovado de arriba a abajo y el resultado es Saboc, una propuesta elegante a la vez que informal, en la que la originalidad radica en el modo de entender la cocina. Es la llamada cocina de temperatura.
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Saboc
Restauración
Ubicado en una de las zonas más de moda de Barcelona, el Born, el proyecto ha corrido a cargo de tres arquitectos: Juan Carlos Fernández, Reyes Castellano y Adam Bresnick. Fruto de su trabajo nace Saboc, un claro homenaje al estilo nórdico. Con un interiorismo sencillo e informal, la mezcla de colores fríos (predominan los grises) y cálidos (el amarillo ocre de las tapicerías) es el elemento característico, junto con el mobiliario de la firma danesa Hay, que remite a los años 50 nórdicos.
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La iluminación tiene también un papel importante, tanto la indirecta como especialmente la puntual, con lámparas colgantes que permiten ser desplazadas a través de unos rieles, de manera que, aunque se muevan las mesas, la luz siempre quede centrada.
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Saboc
Restauraci贸n
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Saboc
Restauración
El otro gran protagonista es el suelo, en donde se ha recuperado el mosaico hidráulico del siglo XIX barcelonés, con forma hexagonal y guardando además similitudes con el del clásico Paseo de Grácia.
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Pero no solo se ha cuidado la decoración del local. También el estilo gráfico está muy elaborado y ha sido concebido como parte del interiorismo. No hay más que fijarse en los dibujos de las cartas para darse cuenta que, también aquí, hay reminiscencias de los años 50. Ilustraciones divertidas, obra de Oriol Alegret “Intestinofino”, mitad alimento mitad objeto, que van cambiando también en función de la temporada.
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Saboc
Restauración
La comida
Y en todo esto, no podemos dejarnos lo más importante: la comida. Para empezar, expliquemos un poco en qué consiste la cocina de Saboc. Para ello, nada mejor que empezar por el nombre. Saboc significa distintos SABores + distintas cOCcciones. De ahí que se juegue con el nombre del local, sustituyendo la O y cambiándola por grados, SABOC, para transmitir la importancia que la temperatura tiene en su cocina.
1 | 20º Ceviche de corvina con cilantro y lima 2 | 80º Falda de Ternera 70º con crujientes de banana y boniato
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El sabor de los alimentos, la textura… varía totalmente en función de cómo se cocinan y ahí nace la experiencia diferenciadora del local. El cliente no elige el plato solo en función de los ingredientes sino, sobre todo, en función de cómo han sido cocinados. Así, podemos encontrar 4 estilos de cocina/cocción: En crudo, 20ºC, alimentos macerados o directamente crudos; Baja temperatura, 80ºC, sin duda la más novedosa y en la que merece la pena centrarse; Fogones, 100ºC, el modo más tradicional; y Plancha, 200ºC.
80º Huevo a 62º con espuma de patatas y virutas de jamón
100º Risotto de orzo con espárragos y gambas
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Restauración Pero esta no es la única novedad del local. Aquí tampoco se sigue el orden clásico de primero-segundo-postre sino que la carta está compuesta de platillos -que no tapas, porque son recetas muy elaboradas- de manera que se puedan probar y compartir varios platos. El objetivo: que el cliente disfrute y vuelva para probar el resto de los platos que, además, varía también en función de la estación, procurando que la base de los platos sean productos de temporada.
200º Magret de pato caramelizado con cítricos
Sin duda, una apuesta segura para quien quiera disfrutar de una comida divertida, variada, informal y a precios asequibles (unos 30€ por persona, con unos 3 o 4 platos por cabeza + bebida). Y todo, con un trato amable y cercano y en un ambiente de lo más cuidado.
Saboc Fusina, 3 Born, Barcelona
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El interiorista Alfons Tost nos recibe en su estudio barcelonés. Hablamos con él sobre su trabajo, sus pasiones y su último proyecto,
The Hall Entrevista Conchi Roque | Fotografía Mª Ángeles Fernández
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Alfons Tost
Entrevista
Alfons Tost “Hay que aprender a
desdramatizar, hacer de la
imperfección un valor añadido”
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Háblenos de sus inicios en el mundo del interiorismo. Mi padre era paisajista y siempre había intentando convencerme para seguir su oficio. La verdad es que a mí el tema de la jardinería, del paisajismo, me gustaba pero no era vocacional. Mi familia es de Tortosa. Les dije que quería estudiar interiorismo y diseño y viene aquí a Barcelona y me puse a estudiar en la escuela de diseño Eina. En aquella época estábamos en una casita, medio abandonada se puede decir, y se respiraba un ambiente muy bohemio, lo que era el diseño en aquella época. Al principio trabajó también con composiciones florales supongo que un poco llevado por el oficio de su padre… Cuando llegué aquí a Barcelona, iba a clase durante unas horas por la mañana y tenía parte de la tarde libre. Entonces había una escuela que se llama „Escola de Art Floral de Catalunya‟ y allí hice los cursos de arte floral. Me interesaba mucho este tema, la parte más expresiva del arte, la menos comercial y en aquella época había también una parte muy bohemia y divertida, con intervenciones de gente de todo el mundo que venían a darnos monográficos. La verdad es que fue una época muy interesante. Incluso participé en concursos de arte floral y fui campeón de Catalunya y de España. El interés por la parte más plástica del arte
floral es algo que de una forma paralela, pero no cruzada, siempre ha estado en mi vida, pero no es un elemento que incluya dentro de mi oficio de interiorismo. ¿Cómo definiría su estilo? Si hay que definirlo, sería como „Muy personal‟. Creo que mi estilo es fruto de todo un bagaje de vida y oficio, comprometido con la parte funcional y también con la estética. Muchas veces en el mundo del interiorismo se banaliza sobre la parte estética y yo siempre defiendo que es un elemento más. Hay grandes maestros de la escuela americana que utilizan la estética como una forma de manifestación y que al final tiene la misma intención que cuando explicas un proyecto, a partir de un concepto más abstracto, que es la de emocionar. No hay que banalizar la estética. Si conseguimos que un espacio funcione y además es muy bello es fantástico. Por eso mi estilo es muy personal y comprometido con la parte estética.
Alfombra de la colección “Deconstrucción”
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Entrevista
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Alfons Tost
Entrevista ¿La clave está en la mezcla de elementos: funcionales con otros de tendencia…? No sé si es tanto mezclar elementos funcionales con otros de tendencia. Lo que está claro es que la clave es mezclar, no fijar cánones de orden en ningún sentido porque quizá al final lo que no está bien es preestablecer. En cada proyecto hay que partir de cero y que al final sea el proyecto del cliente. Esto no quiere decir que aceptemos cualquier premisa que nos marquen, pero hay que entender cuáles son sus necesidades e intentar ponerlas en orden. Crear un camino y un paisaje que sea coherente con sus necesidades y sus apetencias y con nuestros conocimientos.
veces cuesta convencer al cliente, porque se ha acostumbrado a utilizarlas de una forma y después tienes que explicarle y razonarle por qué va a ser mejor lo que le estás proponiendo. Pero también tienes que dejar que él te exponga su forma de vivir, de entender su negocio, de ver las cosas y que tú puedas ordenar este caos, esta información y ponerla en un paisaje coherente, por donde pueda pasearse de una forma lógica y como a él le apetezca. Es el primer ejercicio que hay que hacer en todo proyecto de interiorismo, intentar ensamblar tus conocimientos con las necesidades del cliente.
Sin embargo usted ha dicho en muchas ocasiones que no le gusta dejar su sello personal en sus trabajos…
Esa es precisamente una de sus máximas, que lo más importante a la hora de afrontar un proyecto es lo que quiera el cliente. ¿Esto varía si es un particular o un espacio público?
Es que, al final, si tú me vienes a encargar tu casa, yo tengo que hacer “tu casa”, no tengo que hacerla como a mí me gustaría. Evidentemente hay una parte de convencimiento, puntos de vista que quizá tienes que hacer replantear a tu cliente. Incluso me atrevo a decir que a veces hay clientes que llegan con malos hábitos y es el momento de decirles: „Mira, que cuando tu llegabas a casa, dejabas las llaves encima de una mesa que estaba al final del pasillo… No no, ahora vamos a poner una mesa en la entrada y vas a dejar las llaves aquí‟. Cosas tan banales que a
Evidentemente hay diferencias. Pero lo que condiciona más a la hora de proyectar un negocio, es si está ya establecido o si es un cliente que empieza desde cero. Entonces sí que es muy diferente. En una casa el cliente ya sabe sus vicios, sus conductas, lo que no le resulta cómodo… Aunque después intentes reajustar todo eso hay muchos referentes de sus años anteriores vividos. Cuando es un negocio que ya existe, pasa lo mismo. Pero si es un proyecto que parte de cero, incluso con conceptos nuevos, como ha pasado por ejemplo con Monvínic, hay muchas cosas que van
Crazy Mary
apareciendo durante el proceso de concepción, dudas. Incluso una vez que termiado hay una temporada de rodaje, y siempre hay cosas que reajustar porque realmente funciona de forma diferente a lo que tu pensabas. Hay elementos que, aunque se puedan tener en cuenta proyectualmente, no vas a poder controlar nunca hasta que no abras tu negocio, y lo veas en la práctica. ¿En alguna ocasión se ha encontrado con alguien que le haya dado carta blanca a la hora de trabajar? ¡Muchas veces! Pero siempre hay una parte de implicación por parte del cliente. Desde el momento en que tienes un trabajo hay una implicación y yo exijo que haya un briefing a la hora de hacer el encargo, porque las coordenadas para establecer un proyecto de una forma o de otra las tiene que marcar un poco el cliente. Al final es una carta blanca que está, de forma indirecta, sugerida por el cliente. ¿En qué trabajos se siente más cómodo: particulares o espacios públicos? Me gustan todos. Son muy diferentes. Restaurantes hacemos muchos pero también hacemos muchas casas, lo que pasa es que estas casi nunca se publican y los restaurantes sí. Siempre te apetece hacer cosas que no hayas hecho en los últimos tiempos por la teoría del contraste: cuando tienes blanco quieres negro y
cuando blanco.
tienes
negro
quieres
¿De cuál de sus trabajos está más orgulloso? O es como preguntarle a un niño a quién quiere más, si a papá o a mamá… Tengo nostalgia con dos proyectos, los dos primeros, porque nunca los fotografié. Están muy bien referenciados en mi cabeza y tengo los planos, que en aquella época dibujábamos a mano. Son una peluquería y una casa. Empatizas con todos, y es que un proyecto es como un pequeño hijo tuyo que al final siempre te da pena dejarlo escapar. Me encanta ver los proyectos en la distancia. Porque a veces te decepcionas y otras te sorprendes.
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Alfons Tost
Entrevista
Pieza de la colección “Esferificación” diseñada por Alfons Tost para la firma de alfombras DAC.
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Háblenos de su último proyecto (The Hall – Madrid) The Hall es un proyecto que vino a partir de Benjamín Calles, un cliente con mucha experiencia en el mundo de la gastronomía, que ha tenido en Madrid grandes espacios gastronómicos como Pan de Lujo o como The Hall, que antes era Nodo. Cuando me vino a buscar y me propuso hacer el restaurante nuevo en el Nodo, al principio me impuso un poco porque era un proyecto muy bien hecho y tengo mucho respeto hacia su autor, Dani Freixes, para mí un referente del interiorismo en este país. Le dije que lo haría siempre y cuando partiéramos de cero. Yo no podía intervenir sobre un proyecto que ya existía, y además un proyecto del calibre de este por respeto a su autor. Así que hicimos una fiesta, una demolition party e invitamos a los antiguos clientes de Nodo a destruirlo. Fue una gran fiesta. Destruimos todo el restaurante y a partir de ahí comenzamos. El concepto era muy claro. Benjamín quería hacer algo nuevo, que no tuviera nada que ver con el anterior. A nivel de interiorismo y a nivel de concepto. Me dijo: „Yo quiero un sitio donde la gente se encuentre a gusto. No quiero un escaparate, quiero un lugar donde la gente esté reconfortada. Que vengan a tomarse una copa o una tapa, incluso a desayunar o tomar una infusión. Y que todos puedan convivir en este mismo espacio”. Y a partir de aquí nació la idea. Nos parecía que el sitio en el que quedaban más claramente
expuestos estos flujos era en el hall de un hotel. Y de aquí surgió el nombre. Es un espacio único con diferentes rincones que personalidad propia. Todavía trabajamos en él, ahora estamos haciendo la parte de la terraza y arriba vamos a crear un espacio de proyección donde la gente pueda cenar mientras se visualizan cosas. La iluminación tiene también mucha importancia en este proyecto. En general, le da mucha importancia a la luz… Soy un fanático, un obsesivo de la iluminación. ¿Cree que una mala iluminación puede estropear un proyecto? No lo creo, estoy segurísimo. Me atrevo a decir que no es que una mala iluminación pueda estropear un proyecto sino que una buena iluminación hace que un proyecto sea fantástico. La iluminación crea espacios, volumetría, atmósferas. La luz es capaz de transmitir emociones, cosa que, en interiorismo, no todos los elementos consiguen transmitir. La iluminación cambia el paisaje absolutamente. Y la prueba está en la calle. Tú vas por la calle y tu jardín o tu plaza, con la luz del día tiene una atmósfera, a media luz tiene otra atmósfera y cuando se van encendiendo las farolas tiene otra.
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Alfons Tost
Entrevista
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Además de la luz, supongo que los materiales también son importantes. ¿Cuáles son sus materiales “fetiche”? La verdad es que no tengo un material fetiche. Hay un material que me atrae muchísimo que es la madera, porque me ha acompañado durante toda la vida. Pero lo que me atrae ellos es la capacidad que tienen de transformarse. Cuanta más capacidad tiene de transformarse, más me apetece. Quizá la madera y el metal, sobre todo el hierro, son dos materiales que te permiten jugar con ellos, que tienen lenguaje y entidad por sí mismos. Te permiten interactuar con ellos y es fantástico. La madera tiene la identidad y la personalidad de un elemento vivo que era el árbol y que siempre está presente, como una aureola alrededor de los muebles. Venir de la naturaleza le da una identidad y un carácter muy especial. ¿El lujo está en los detalles? Depende de lo que entiendas por detalles. Detalles son todo. Yo creo que el lujo, el gran lujo, es poder permitirse lo que a uno le apetece sabiendo que es lógico lo que se está permitiendo. No tiene por qué ser algo que es caro. En relación al interiorismo, está en poder tener el espacio o las cosas que uno quiere. Claro que hay una parte del lujo está implícitamente ligada a lo inasequible, porque al final, en esta sociedad de consumo, casi siempre “lo más lujoso” acaba siendo lo más
inaccesible. Pero el lujo pueden ser muchas cosas: Estar arriba de una montaña viendo la puesta del sol y tener una casita en un sitio donde no pasan coches por la calle. Creo que al final es permitirse lo que a uno le apetezca, teniendo en cuenta que cuando se hace para evidenciar algo ya pasa a ser ostentación. Y esto no me parece un lujo, me parece eso, ostentación. Un término que suele usar es el de “desdramatizar”. Háblenos de este concepto. Desdramatizar quiere decir lo que decíamos precisamente antes, que las cosas que entendemos por lujosas dejen de serlo y pasen a ser más cotidianas. No es necesario que te compres unos muebles como hacían nuestros antepasados para tener un salón o un comedor impecable, porque al final ¡acabas comiendo en la cocina! Desdramatizar quiere decir que comas en el comedor, porque al final la pátina de viejo quizá hasta es mejor que la pátina de nuevo. Desdramatizar es conseguir que las cosas más lujosas pasen a ser cotidianas. Que las cosas más increíbles pasen a formar parte del día a día. Quiere decir que al final todo, de una manera o de otra, tiene que normalizarse, y ser accesible. Y en cuanto al planteamiento estético, quizá las cosas bien pensadas no tienen por qué tener un rigor tan exacto, hacer de la imperfección un valor añadido quizá está bien. Y esto es una forma de desdramatizar.
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Entrevista Con el paso de los años la conciencia medioambiental de la sociedad ha ido avanzando. ¿Lo nota cuándo le encargan un proyecto? El término sostenibilidad comporta no solo un planteamiento proyectual o conceptual, sino también de uso. Un proyecto sostenible o biosostenible, no tiene sentido si después no hay una aplicación en el día a día, en la explotación de este proyecto. Sostenibilidad yo creo que es un compromiso que tenemos que adquirir con el medio ambiente, con nuestro planeta, que pasa por una gestión individual, de cómo usas las cosas. Si tú haces un espacio utilizando telas que son naturales, poliésteres reciclados, etc. y al final resulta que cuando estás en casa dejas las luces encendidas o cuando te vas no eres capaz de apagar la calefacción, pues no tiene demasiado sentido. Cada uno tiene que asumir el compromiso que pueda llevar durante toda su vida, no adquirir un compromiso caprichosamente para que después no lo ejecute. La convicción de ser sensible con el medio ambiente debe ser eso, una convicción, no una cosa del momento. ¿Intenta aplicar estos criterios aún cuando el cliente no lo solicite explícitamente? Hay un tema de compromiso personal. Si tengo que elegir entre una madera que venga certificada de bosques controlados con otra que no venga certificada yo
prefiero la primera. Sé que hay cosas que no utilizaré porque va contra mis principios. Intento siempre utilizar materiales que se que de alguna forma están más o menos vinculados con un tema de biosostenibilidad. Pero es el cliente el que debe adquirir el compromiso final. Usted fue una de las “estrellas” de la última edición de Casa Decor. ¿Le ha servido para conseguir más trabajos? Evidentemente todo sirve. Yo no voy a Casa Decor con el ánimo de facturar, voy porque me hace ilusión, por posicionamiento y para poder explicar a la gente mi trabajo. Hago muchos proyectos no puedo publicar. Me apetecía explicar mi visión de lo que es una casa, mi compromiso con el interiorismo, con esa parte más emotiva del interiorismo, de sensaciones (por eso lo titulé Sweet Home Relax). Casa Decor es un gran escaparate, la gente ve tu trabajo y acabas conociendo a personas que en teoría son competencia, pero no es verdad, eres colega y al final se acaban creando unas sinergias de intercambio que me encantan.
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Y ya para acabar, hablemos un poco del futuro. ¿Proyectos? Tenemos varios proyectos, varias casas y un restaurante. Queremos posicionarnos en Madrid y en el norte de Europa, donde estamos trabajando ahora en un proyecto… Colaboramos con varias casas de diseño industrial, con una edición de mobiliario metálico y unas lámparas pero estamos todavía en fase de introducción. Y lo que sí está a punto de salir es la edición
The Hall
C/ Velazquez ,150 28002 Madrid www.thehall.es
de alfombras para la firma Dac que hemos titulado „Alfombras comestibles‟ y que hacen referencia al mundo de la gastronomía. Hemos sacado dos colecciones, una se llama „Esferificación‟, en referencia a la famosa esferificación de la cocina molecular, y otra „Deconstrucción‟, porque son deconstrucciones cromáticas. Estamos muy contentos y esperemos que a la gente le guste.
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Le Corbusier
Arquitectura
Le Corbusier Un Atlas de Paisajes Modernos
Texto y Fotografía Conchi Roque
Bajo este título se presenta, en el CaixaForum de Barcelona, la exposición que recoge parte de la obra del que puede considerarse padre de la arquitectura moderna. La muestra es fruto de la colaboración con el MoMA de Nueva York y supone la exposición de unas 215 piezas que proceden, en su mayoría, tanto del museo neoyorkino como de la Fundación Le Corbusier. Una muestra que da al visitante la posibilidad de pasear por los espacios ideados por Le Corbusier, con replicas a escala real de interiores que él diseñó y con piezas de mobiliario original, además de disfrutar de muchos de sus dibujos, pinturas y maquetas.
Villa Savoye, Poissy 1928 – 1931
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Arquitecto, urbanista, pintor, diseñador de mobiliario, escritor y fotógrafo, Le Corbusier fue uno de los artistas más influyentes y polémicos del movimiento moderno del siglo XX. Una personalidad inquieta que dinamitó los conceptos artísticos de una época para promover aquello que hoy conocemos como arte moderno.
Pese a que se hizo famoso por su interpretación, a menudo provocadora, de la era de las máquinas, lo cierto es que sus proyectos y su concepción de la arquitectura estaban muy ligadas a la naturaleza y el paisaje. Era una obra arraigada al entorno, procurando siempre integrar la construcción en el paisaje. La arquitectura al servicio de las necesidades de la sociedad. Estudió las construcciones clásicas de todo el mundo y remodeló directa o indirectamente la fisonomía de distintas ciudades, desde América del Sur hasta la India. Aunque sus principales construcciones son conocidas y apreciadas hoy en todo el mundo, en su época fueron pequeñas revoluciones y, en algunos casos, rodeadas de polémica.
Unité d‟Habitation, Marsella 1946 – 1952
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Le Corbusier
Arquitectura Un breve repaso a su obra a través de la exposición La exposición de CaixaForum está organizada por etapas que coinciden con diferentes momentos en la vida de Le Corbusier (1887-1965).La primera etapa se corresponde a sus orígenes. Natural de una pequeña ciudad en el macizo suizo del Jura, a los veinte años construyó su primera casa, Villa Fallet. Tras esto se dedicó a viajar por Europa hasta que se trasladó, en 1917, a París.
Unité d‟Habitation, Marsella 1946 – 1952
En París funda, junto al artista Amédée Ozenfant y el poeta Paul Dermée, la revista de arte y cultura de vanguardia L’Esprit nouveau y es aquí donde Charles-Édouard Jeanneret, su verdadero nombre, adopta el seudónimo de Le Corbusier para firmar sus, a menudo, polémicos artículos. En esta época funda también su estudio de arquitectura y construye varias casas para la élite parisina, entre ellas la conocida Villa Savoye. Poco a poco su trabajo va adquiriendo una enorme repercusión mundial y empiezan a aparecer nuevas ideas y la necesidad de intervenir en el urbanismo de otros paisajes. Es aquí donde empiezan a surgir algunas de sus mayores decepciones. La primera de ellas al ser derrotado en el concurso del Palacio de los Sóviets, en Moscú. A esta le siguieron diferentes proyectos en Brasil y Montevideo que tampoco vieron la luz, la decepción en Nueva York con la sede de las Naciones Unidas… Tras la Segunda Guerra Mundial llegó una de sus grandes oportunidades, la de construir toda una ciudad, Chandigarh, en el norte de la India, una de las obras más monumentales de hormigón visto. Poco después, en 1947, publicó su famoso sistema de proporciones armónicas, el Modulor. En los últimos 15 años de su vida alcanzó muchos de sus objetivos, entre ellos el de construir unidades habitacionales, cuatro en Francia y una en Berlín.
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Collage con dibujos y fotografías del proyecto para la sede de las Naciones Unidas, (Nueva York 1946 – 1947)
A pesar del reconocimiento mundial, Le Corbusier se fue encerrando cada vez más en si mismo. Su cabaña junto al Mediterráneo, el lugar al que había acudido desde finales de los años 30 con su mujer, se convirtió en su retiro. En 1952 Le Corbusier afirmó ante el fotógrafo Brassaï: “Estoy tan a gusto en la cabaña que, sin duda alguna, terminaré allí mis días”. El 27 de agosto de 1965 moría en la playa, al lado del que fue su último refugio.
Principios de Urbanismo
Le Corbusier definió lo que para él debería ser la finalidad del urbanismo como la necesidad de dar cumplida satisfacción a cuatro necesidades urbanas de carácter primordial: habitar, trabajar, recrear el cuerpo y el espíritu y circular. Sobre estos principios de urbanismo, elaboró un conjunto de exigencias que a día de hoy siguen siendo vigentes, como la de construir viviendas sanas, mínimamente soleadas (al menos dos horas de sol al día) y rodeadas de espacios verdes, teniendo a su alrededor los servicios indispensables para satisfacer las necesidades cotidianas de sus habitantes; o la de construir instalaciones para la diversión y el ocio. En el film Les Bâtisseurs (Los Constructores), 1937, podemos “asistir” (minuto 20 aproximadamente) a una clase magistral del propio Le Corbusier en la que da buena cuenta de todas y cada una de esas teorías. Un documento imprescindible para todos aquellos que, a día de hoy, siguen creyendo firmemente en las teorías del que, en su tiempo, fue denominado como el “Picasso de la arquitectura”.
Le Corbusier. Un atlas de paisajes modernos
CaixaForum Barcelona 29 de enero al 11 de mayo CaixaForum Madrid 11 de junio al 13 de octubre
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Arquitectura
Arco 2014 Texto y Fotografﾃｭa Mﾂｪ ﾃ］geles Fernﾃ｡ndez
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RCO La Feria internacional de Arte Contemporáneo de Madrid se consolida como una de las muestras más importantes para coleccionistas y compradores de arte. Con una gran presencia de galerías y artistas internacionales el prestigio de la muestra trasciende nuestras fronteras y así podemos contemplar obras de EEUU, Alemania, Latinoamérica y muchas representaciones de diversos países de todo el mundo.
La mejoría de los principales indicadores de la economía, unido a las reformas de la fiscalidad para la compra de arte, han proporcionado unas condiciones favorables para esta edición que se ha visto dinamizada con la presencia de un importante número de coleccionistas privados, el compromiso de compra de colecciones extranjeras, y el retorno de grandes galerías internacionales. En esta 33ª edición los organizadores hacen un balance positivo de los resultados, con un ligero incremento que pone de manifiesto el cambio de tendencia en este sector. Hay una leve mejora y tanto participantes nacionales como internacionales afirman que las ventas han superado las del año pasado. No conocemos las cifras exactas en cuanto a resultados pero sí el presupuesto inicial. Ni más ni menos que 4,5 millones de euros. A los profanos en la materia nos resulta imposible calcular cuál debe ser el beneficio teniendo en cuenta la inversión inicial. Sin duda hablamos de un rentable y cuantioso negocio que, exceptuando a algunas élites privilegiadas, al resto de los mundanos se nos escapa poder comprender.
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Al margen de consideraciones económicas, la cifra de más de 100. 000 visitantes durante los 5 días que ha durado el evento no deja lugar a duda. ARCO es una de las Ferias más populares y visitadas en Madrid. Es una oportunidad para conocer las últimas tendencias artísticas a nivel internacional. Un derroche de talento y creatividad al alcance tan sólo de algunos bolsillos pero a la vista de todos. Esta es la crónica en imágenes de nuestra visita a la última edición de ARCO 2014.
Obra de Ana Tiscornia en la galería Alejandra von Hartz Gallery de Miami
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Campagne Premier. Marianna Christofides. Serie de postales históricas.
Los programas de invitados han traído a Madrid cerca de 500 coleccionistas y prescriptores de todo el mundo, y se han realizado actuaciones para fomentar relaciones con coleccionistas de importantes mercados como Alemania, Bélgica, España y Brasil, además de iniciativas de promoción internacional. ARCOmadrid también es una Feria destinada al descubrimiento de nuevos talentos. En total participan 219 galerías de 23 países. La obra seleccionada abarca las vanguardias históricas, los clásicos contemporáneos y el arte actual. Se exponen pintura, escultura, instalaciones, fotografía, vídeo, new media, dibujo y grabado. Con el nombre de #FocusFinland se presentó una selección de 13 galerías de Finlandia, país invitado en esta edición. En la sección #SoloProjects se ha desarrollado un espacio de investigación con trabajos de artistas latinoamericanos. Para ello se ha contado con la colaboración de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). Un espacio de intercambio entre Latinoamérica y Europa, y un encuentro profesional de directores de museos, críticos y comisarios. Otra de las propuestas fue #Opening, una iniciativa que cuenta con la presencia de 29 galerías internacionales con una trayectoria inferior a siete años. Además hay un Programa Internacional de Coleccionistas, un espacio de debate en torno a la actualidad creativa y al mercado del arte, y el XII Foro de Expertos. En esta edición, ARCOmadrid se ha sumado a la iniciativa ¡Alfombras rosas ya!, que forma parte de la campaña de Plan Internacional, Por Ser Niña, para la defensa de la educación de los más de 65 millones de niñas en el mundo que no pueden tener acceso. Con colocación de una alfombra rosa en la entrada del pabellón en señal de apoyo a la educación de estas personas discriminadas, se ha querido contribuir con esta iniciativa. El evento se ha desarrollado en dos pabellones de IFEMA divididos en cubículos de paredes blancas en los que se podía disfrutar de una numerosa oferta de arte. Espacios en los que, por momentos, se reproducía el ambiente propio de una exposición, incluso de un museo, siempre que el espectador pudiese abstraerse y olvidar que realmente se trata de una feria, de un mercado en el que el talento se mide más por el valor monetario de la obra que por la obra en sí.
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Sarah Grilo GalerĂa Jorge Mara la Ruche Buenos Aires (Argentina)
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Anthony Caro Galería Álvaro Alcázar (Madrid)
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Juan Garaziabal Galería Álvaro Alcázar (Madrid)
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Mario Segueira Braga (Portugal)
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Rita Aramesh Palestinos esperan para cruzar el paso fronterizo de rez para salir de Gaza
Leila Heller Gallery (New York)
Imágenes páginas siguientes. 1 - Área, Luz Mª Bedoya. Detalle instalación. 2 - Colores del tema (2013). Instalación de 60 piezas. Impresión por inyección de tinta sobre papel de algodón.
Luz Mª Bedoya Área 200-2012 Instalación de 21 piezas. Impresión de tintas al carbón sobre papel de algodón a partir de negativos de gelatina de plata digitalizados. Mirada de una fachada de un edificio urbano de Lima. Una serie de ventanas que contienen situaciones prescindibles ocurriendo simultáneamente.
Buenos Aires (Argentina)
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1 - Sergio Fingermann. Sem Título II. 2 – Rubén Ramos Balsa. S/T. 3 – Lucio Muñoz. Tabla 21/95. 4 – Carlos Bunga. 5 – Los Carpinteros. Sala de lectura estrella. Prototipo. 6 – Ai Weiwei. F-Size 2011.
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Marlene Stamm 6 hours of light (2013) Una obra compuesta por 530 acuarelas sobre papel de 16x18cm. Una paciente y metódica ejecución elaborada durante horas y horas, día tras día, hasta registrar esas 6 horas de luz, para mostrar los restos que dejan tras de sí las llamas de todas y cada una de la cerillas encendidas, y la duración exacta de esta experiencia en el tiempo, y plasmando cada instante en fotografías que después la autora ha transformado en pintura. Colocadas siguiendo un orden riguroso, calculado y preciso, consiguen dar una visión de cómo ese tiempo se transforma en espacio.
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Espacio de El País, con Ferrán Adriá como artista invitado. Una muestra formada por 200 documentos y dibujos inéditos realizados en los últimos dos años por el cocinero, que materializan en garabatos, casi criptogramas, su obsesión por dotarse de una particular piedra roseta, de una tabla periódica para descifrar el jeroglífico físico e intelectual de la cocina a lo largo de la historia con la finalidad de transmitirlo. Ensayos previos dibujados a lo largo de los años hasta desentrañar el Decoding del Proceso Gastronómico: una hoja de ruta que componen: el producto, la técnica, la elaboración, el espacio y las
herramientas que intervienen en el universo de la cocina. Una gastronomía
que hacemos todos. Tras un año y medio frenético, ese decoding se materializa en un complejísimo y magnético diagrama, elaborado por Bestiario (una compañía que cabalga entre el arte y los algoritmos y convierte grandes masas de datos dispersos en información clara, eficaz y de una gran belleza visual), una
especie de guía de alcance infinito para
entender la cocina. El segundo bloque de la muestra de ARCO está formado por sesenta pinturas originales del cocinero, de pequeño formato, pintados con los dedos al óleo que imaginan la evolución de la humanidad unida a la evolución de la cocina.
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Lugar de reunión de profesionales del arte, coleccionistas, aficionados, artistas, galeristas y público en general que alberga además de las obras e instalaciones, otras posibilidades relacionadas con el arte desde librerías y editoriales de arte, hasta instituciones públicas y privadas vinculadas con la cultura, y también prensa especializada y numerosos espacios gastronómicos.
Además del programa de charlas y conferencias que se han desarrollado aquí, ARCO se celebra por toda la ciudad. El arte contemporáneo inunda Madrid y se realizan exposiciones en los principales museos de la capital, en centros culturales, galerías y fundaciones.
Una de las mejores propuestas de la pasada edición fue la organizada por la Sala de Arte, Ciudad del Grupo Santander con la exposición de la Grazyna Kulczyk Collection, una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes del Este de Europa, y que se denomina “Everybody Is Nobody for Somebody”. Una selección de más de 100 obras de 57 artistas. La muestra se puede ver hasta el 15 de junio y es gratuita. También se puede visitar online gracias a la visita virtual que han creado para la ocasión.
Una cita anual con el arte contemporáneo que acaba de celebrar su 33ª edición, lo que la convierte además de en un evento consolidado, en uno de los referentes en cuanto al mercado de arte a nivel internacional se refiere.
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Espacio de SModa diseĂąado por el interiorista Guillermo GarcĂa de la Hoz.
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Espacio ARCOKids, dedicado a la creación infantil y con el reciclaje como protagonista.
Stand de Ivory Press en ARCO Sala de exposiciones de arte, Galería , Librería y Editorial de arte fundada y dirigida por Elena Ochoa en Madrid.
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Galería LOEWE
Sala Lounge. Foto Loewe
Un homenaje al buen gusto Texto y Fotografía Conchi Roque
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oewe es sin duda una de las marcas más emblemáticas de nuestro país. Sus complementos son sinónimo de calidad y elegancia. Y como no podía ser de otro modo, esos mismos adjetivos podrían servir perfectamente para definir la galería que la marca tiene en pleno Paseo de Gracia de Barcelona.
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Galería Loewe
Espacios
La Galería Loewe es un homenaje al universo de la marca. Un lugar en el que disfrutar de piezas emblemáticas en un entorno cuidado hasta el extremo.
Dividida en diferentes niveles, cada uno de ellos se centra en alguno de los aspectos distintivos de la marca: bolsos, pañuelos de seda y, como no, los famosos escaparates de Loewe, que ya se han convertido en una tradición en cada cambio de estación.
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Se muestra una reconstrucción integra de uno de los escaparates más recordados de los años 60, creación del que fuera diseñador y director de arte de Loewe desde 1943 hasta 1978, José Pérez de Rozas. Sin duda uno de los enclaves estrella de la galería, en el que también se exponen los bolsos y las piezas históricas más características de la marca.
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Galería Loewe
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En un nivel inferior encontramos el homenaje a la seda, otro de los materiales tradicionalmente usados por Loewe. Una pequeña selección de pañuelos con estampados históricos y proyecciones sobre seda de otros muchos modelos. Y al fondo, pañuelos que danzan al ritmo de toques flamencos.
Otro de los grandes atractivos de la galería son los dos espectaculares árboles decorados con bolsos Flamenco a modo de frutos. En este caso, un homenaje a la piel, símbolo indiscutible de Loewe. Napa, ante, pieles exóticas y pieles con grano se entremezclan en un expositor que llega a hacerle sombra al propio producto.
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Galería Loewe
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Y como no, un lugar privilegiado para el que ha sido y sigue siendo el icono de la casa, el bolso Amazona. Fue creado en 1975 y a día de hoy es todo un símbolo a nivel internacional. Desde su nacimiento no ha parado de reinventarse con diferentes combinaciones de colores e incluso materiales, pero manteniendo siempre ese aire que lo hace especial y elegante. Además, se pueden apreciar algunas de las herramientas que se usan para trabajar la piel y que, en el caso de Loewe, como ellos mismos se encargan de remarcar, pasan de padres a hijos, junto al conocimiento artesano para utilizarlas. Un indicador más del aprecio de la marca por las cosa bien hechas.
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Además de exponer sus productos, la galería cuenta también con una zona Lounge en la que se celebran exposiciones y eventos culturales relacionados con la firma.
Galería Loewe Passeig de Gràcia, 91 Barcelona
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Jot Down
Periodismo
JOT DOWN o „El Método de la Locura‟ Texto y Fotografía Conchi Roque
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Corría el año 2011 (¡Cómo ha pasado el tiempo!) y una nueva revista veía la luz en internet. Nacía Jot Down Magazine y lo hacía “marcando paquete”: en blanco y negro, con artículos en los que el ratón parecía no llegar nunca a su fin y, además, centrada en el mundo de la cultura y las ideas. Nada más y nada menos. Ha llovido mucho desde entonces, pero Jot Down sigue siendo fiel a sus principios, eso sí, hoy, además, se publica también en papel. Todo un logro en los tiempos que corren en los que, a los que preferimos el papel, nos miran como a dinosaurios, incapacitados para evolucionar. Sin embargo, ahí están los números: 15.000 ejemplares editados de cada uno de los 6 números impresos, ¡y se agotan! Y eso que no se leen así, entre metro y metro. ¡320 páginas y ni una de publicidad! Menos mal que es trimestral porque si no… A ver de dónde sacamos el tiempo para leerlo todo. Porque claro, además de los números impresos, está la web, que no para. Cada día contenidos nuevos. Que si opinión, que si actualidad… Por no hablar de las entrevistas. ¡Qué entrevistas! ¡Pero si necesitas una semana para acabártelas!
recibimos diariamente, de la inmediatez de la información… Pues Jot Down es todo lo contrario. Ellos hacen apología de lo lento y eso, la verdad, es de agradecer.
Los Contenidos “Creemos que es posible analizar con humor las cosas serias, abordar la cultura y el ocio desde otra perspectiva y departir con sus protagonistas de forma diferente. Poder decir lo que pensamos, no lo que nos dicen que pensemos; entretener sin ser superficiales, informar sin caer en una frialdad impersonal y, por supuesto, ¡hablar de sexo!” Vamos, que no deja lugar a dudas. Que nadie diga que no sabe qué se va a encontrar. Eso sí, como en la variedad está el gusto, en función del día que tengamos podemos dedicarnos a uno u otro tema. Están los artículos sobre filosofía, fotografía, arquitectura… O sobre cine y televisión. O incluso sobre deportes. Si tenemos el día “subidito”, siempre nos quedará Eros…
Para aquellos que aún no la conocen, solo con echar un vistazo a la web, ya podrán hacerse una idea de lo que decimos. Sin duda requiere su tiempo y una lectura pausada, en contra de lo que estamos acostumbrados -o acostumbrándonos- a causa de la cantidad de imputs que
Vamos, que por variedad no será… Y lo dicho, si tenemos TIEMPO (sí, en mayúsculas) las entrevistas son, sin duda, la mejor opción. Las hay para todos los gusto: desde David Trueba hasta Luis María Ansón, desde Lucía Etxeberría hasta Rosa Díez. O Cebrián, Federico Jiménez Losantos… Vamos, que una vez más, ¡no será por variedad! Calidad y cantidad casi nunca van de la mano. Pero en toda regla hay una excepción. Y en este caso, Jot Down confirma la regla. Larga vida a su locura y a su método.
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Ayer y hoy en Berlín
Artículos de Autor
Ayer y hoy en Berlín Imágenes de la ciudad
Texto y Fotografía Nicola Campanelli
Crazy Mary
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esde que me mudé a vivir a Berlín, enseguida me acostumbré a moverme en bicicleta por la ciudad. Aunque se trate de una bicicleta holandesa algo vieja, con el freno a contrapedal y marchas que no funcionan bien, me paso horas yendo de un punto a otro de la ciudad. La primera vez que visité Berlín, hace unos 15 años, tuve la oportunidad de ver y conocer los diferentes barrios de la ciudad en bicicleta. Aún recuerdo que la diferencia entre Oriente y Occidente me impresionó mucho. A pesar de que el muro ya no existía, la diversidad arquitectónica de los edificios, los diferentes estilos de las tiendas y restaurantes internacionales de Occidente, los precios generalmente más bajos que en el lado Este, Mercedes y Audi aparcados en Charlottenburg, Fiat y Volkswagen en la Karl Marx Allee, e incluso la misma gente, por lo menos en su aspecto, parecían seguir manteniendo un límite, una línea clara de demarcación entre las dos partes de la ciudad. Mientras pedaleaba por la Kurfursterdamm, miraba los escaparates y las indicaciones de los centros comerciales, pero para mí todo eso no representaba nada nuevo. Al contrario, fué la zona oriental la que me llamó mucho la atención porque era algo que nunca había visto antes. Como un equilibrista, trataba de pisar con las ruedas de mi bici la línea que una vez estuvo marcada por el muro, para luego desplazarme a Mitte y seguir siempre avanzando hacia al Este.
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Ayer y hoy en Berlín
Artículos de Autor
Mitte es un barrio símbolico y representa el corazón de la República Democrática Alemana (RDA). Con su torre de televisión me resultaba completamente distinto de las plazas más famosas de Roma, París o Londres, con sus fuentes, obeliscos o iglesias monumentales. Prenzlauer Berg, otro distrito de Oriente, estaba lleno de pequeñas tiendas, sobre todo de segunda mano, en las que se podían encontrar objetos o prendas de vestir a precios inimaginables. Había cestas enteras de ropa militar, monos, sudaderas y camisetas que llegaban de Estados Unidos. No me pareció muy diferente del mercado de Resina en Herculano.
Crazy Mary
Friedrichshain, junto con la Karl Marx Allee (donde se celebraban las fiestas oficiales de la RDA), era exactamente el símbolo de la arquitectura socialista de la ciudad. Todos aquellos palacios similares a los cuarteles militares, me fascinaban mucho, a pesar de su fealdad geométrica. Resumiento, yo prefería la parte oriental. Hoy en día, la vista desde mi bicicleta me ofrece un escenario completamente distinto de lo que yo guardaba en mis recuerdos.
Después de la reunificación, con todos los cambios y transformaciones de los años 90 necesarias para adaptarse a las necesidades del nuevo centro de la ciudad de Berlín como capital, los edificios del gobierno de la antigua República Democrática fueron reconvertidos o destruidos. A lo largo de la línea ocupada por el muro y una vez cruzada se construyeron oficinas y talleres, conviertiéndose Friedrichstrasse en una calle totalmente comercial. Ahora junto a las multinacionales más famosas se suceden lujosos hoteles y las tiendas más caras, sin dejar ni rastro del pasado reciente del "viejo" Berlín Este.
Sin embargo toda la zona Oeste desde Wittenbergplatz, con el edifico KaDeWe (famoso símbolo del consumismo, de Occidente y de la riqueza), hasta la Kurfürstendamm, sigue exactamente como era. El resultado es que la parte Oeste que en el pasado parecía no estar en sintonía con el resto de la ciudad, ha mantenido la misma cara que hace muchos años. El KaDeWe parece un centro comercial un poco retro, y en los escaparates que antes me parecían tan brillantes, ahora hay una pátina envejecida que me lleva de vuelta al pasado. Desde el sillín de mi bicicleta, ahora me siento más en el Este cuando me encuentro en el antiguo Berlín Oeste. Del Berlín que tanto me había impresionado sólo queda la torre de la televisión, que sigue gustándome pero sólo si la contemplo desde lejos ...
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Once upon a time in my life… (Smashing Pumpkins) Texto y fotografía Mª Ángeles Fernández
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ecorriendo las calles de Madrid para asistir a muchos de los eventos que durante el pasado mes de febrero se celebraron en la ciudad, siempre pendiente de la hora y reseteando continuamente mi mente para poder saltar de un tema a otro, me di cuenta de que intentaba una y otra vez dar coherencia a todo lo que había dentro de mi cabeza, coordinar la realidad que estaba viendo y viviendo con la idea que no me abandonaba ni un segundo durante semanas: crear esta Revista. Era solo eso, una idea, un concepto, un sueño dibujado en blanco y negro y desarrollado en torno a intensos sentimientos que también podían describirse como blancos o negros con respecto al proyecto, a los contenidos, a la gran cantidad de trabajo, esfuerzo e intensa dedicación que supone una publicación, y a la organización del tiempo para poder llevarlo a cabo. Y mientras pensaba cómo iba a ser capaz de captar, crear y coordinar todo esto tuve una visión, la de trasformar también mi realidad en un inspirador entorno bicolor.
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Agobiada por la falta de luz, y por intentar cumplir a rajatabla cada día mi planning, no tuve más remedio que rendirme ante la evidencia. Las tardes en invierno son cortas y el cambio de color del cielo al atardecer no dejaba lugar a duda, las fotos de mi cámara no captaban la esencia del momento ni de las cosas porque cada vez más deprisa la oscuridad se ceñía sobre la ciudad. Pero a pesar de ello, aún teníamos cosas que contar mi cámara y yo y el recorrido por las calles y eventos de la ciudad aún no había llegado a su fin en esa jornada.
Como dice el refrán “a grandes males grandes remedios” así que sin pensármelo dos veces cambié la configuración de mi cámara a monocromo. En el visor la escena oscura carente de encanto e imposible de fotografiar se transformaba en una imagen potente y estéticamente maravillosa, que reflejaba a la perfección las líneas, luces y sombras que junto a una amplia gama cromática de grises daba forma a las cosas y lugares que tenía ante mis ojos. Imágenes algunas veces desenfocadas, fugaces, espontáneas… que despertaban en mí una nueva motivación capaz de emocionarme.
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Y así lucía de noche una esquina emblemática de la ciudad de Madrid, a la salida de un evento enmarcado en el programa de ARCOmadrid 2014, en el Museo Reina Sofía. Elegante, intrigadora, bohemia, misteriosa... cómplice de vivencias personales, de escenas cotidianas que pasan inadvertidas para todos, llenas de encanto y que invitan a la ensoñación. De repente miles de historias imaginarias surgían de todas partes. ¿Qué estarían diciéndose estas dos personas?... Una frente a otra, inmóviles, mirándose a los ojos, deteniendo el tiempo, sin gesticular, como posando para mí en un escenario como este. Y destacando ante la inmensidad de este edificio una pizca de humanidad que hace que todo adquiera otro sentido, y el momento trascienda a lo meramente artístico o periodístico y pase a formar parte de la experiencia personal. Un momento único, poder presenciar una escena improvisada que rompe con la deshumanización del arte de la que tanto hablaba Ortega y Gasset y que yo misma buscaba hacía sólo un instante.
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De repente escaparates que a la vista pasaban desapercibidos para mi objetivo, cobraban cada vez más fuerza, y pequeños detalles que con los colores tenues de la noche resultaban oscuros para una foto, parecían lucir mucho más en la oscuridad, en este escenario bicolor de ficción creado para la ocasión. E inmersa en esta especie de película mezcla entre la realidad y la ensoñación recorrí la ciudad hasta altas horas de la madrugada. Sola, disfrutando como nunca.
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En mi recorrido nocturno encontré imágenes como este escaparate de una conocida firma de moda de lujo en la Milla de Oro de Madrid. Escenas que invitan a la reflexión, y ponen de manifiesto lo que en realidad somos para las grandes marcas comerciales: formas sin caras, consumidores, clientes, compradores catalogados por tallas y por poder adquisitivo, dispuestos a pagar un precio por algo que realmente no necesitan y que francamente no es una cosa del otro mundo. Al fin y al cabo este acto mercantilista es lo único que cuenta y este espíritu invade todo en la ciudad. Una contaminación lumínica y estética que impide ver lo que hay más allá: Las calles, los árboles e incluso las personas. Parte de los viandantes ni siquiera miran a los que se cruzan en su camino, simplemente desvían la mirada hacia los escaparates de las fachadas de los edificios.
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Para cerrar este círculo armónico y coherente, una invitada de excepción, la música de Smashing Pumpkins de su álbum Adore (1998) que suena de fondo mientas escribo e intento dar forma y sentido a este artículo. Llámalo casualidades del destino, inspiración o lo que quieras, pero justamente mientras busco el título de la canción que suena me paro a mirar la portada, el libreto con las letras de las canciones e imágenes y me doy cuenta de que también son en blanco y negro. Hace años que no abría esta carátula, posiblemente desde la primera semana que la compré, cuando ávidamente esperaba con gusto descubrir todas las maravillas que contenía en conjunto.
Todo esto hace que se me erice el vello de todo el cuerpo, viendo y sintiendo como todas las piezas de este puzzle encajan a la perfección mecidas por la melodía del segundo corte del álbum Ava Adore, como se decía antiguamente, antes de que la era digital lo invadiera todo y las canciones sonasen sueltas en vez de integradas en un todo perfecto, en una obra maestra, que había que escuchar y disfrutar de principio a fin.
Y toda esta reflexión también tiene su lugar aquí, porque algunas personas me comentan de buena fe, cuando les hablo de esta revista, que no hay que ser tan perfeccionista, porque la gente no se lee todas las cosas que se escriben en las publicaciones. Y yo añado “igual que ya no se escuchan discos completos”, sino selecciones musicales que un ordenador hace aleatoriamente para nosotros en función de lo que consideran que son “nuestros gustos”. Ya sé que esta reflexión puede sonar melancólica, idealista y trasnochada pero, sinceramente, creo que los que no lo han vivido no saben lo que se pierden…
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