crescendo 2/2011, Ausgabe März - Mai 2011 by crescendo - das Klassikmagazin

B47837 Jahrgang 14 / 02_2011

MÄRZ – MAI 2011 www.crescendo.de

MIT:

Isabelle Faust Christian Gerhaher Renée Fleming Wilhelm Furtwängler Jascha Heifetz & Daniel Hope THEMA:

Wie wichtig ist musikalische Erziehung für unsere Kinder?

KISSINGER SOMMER

17. Juni bis 17. Juli 2011 mit Simone Kermes, Cecilia Bartoli, Philippe Jaroussky, Sabine Meyer Hélène Grimaud, David Garrett, u. a.

WAS DENKT . . .

FRANCESCO TRISTANO? Mit Beihefter CLASS aktuell

Thomas Zehetmair Ru t h K i l l i u s Manto and Madrigals

Pe t e r I. Tc h a i kov s k y Victor Kissine P i a n o Tr i o s

T h o m a s Z e h e t m a i r, v i o l i n Ru t h K i l l iu s, v i o l a

Gi d o n K r e m e r, v i o l i n Gi e d r e D i r v a n au s k a i t e, v i o l o n c e l l o K h a t i a Bu n i a t i s hv i l i, p i a n o

N e w wo r k s by G av i n Br y a r s c o mp l e t e a n i m a g i n a t i ve r e c o n s t r u c t i o n of a 13 t h c e nt u r y vot i ve M a s s to t h e Virgin Mar y

V i c to r K i s s i n e: Z e r k a l o Pe t e r I. Tc h a i kov s k y : P i a n o Tr i o o p. 50

E CM N e w S e r i e s 2 16 6 CD 476 42 15

Wo r k s by Gi a c i nto S c e l s i, Pe t e r M a x we l l D av i e s, H e i n z H o l l i g e r, B o hu s l av M a r t i n u˚ a n d m o r e E CM N e w S e r i e s 2 15 0 CD 476 3 827

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Tr i o M e d i a eva l A Wo r c e s t e r L a d y m a s s

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A l ex a n d e r L o n q u i c h Ro b e r t S c h u m a n n H e i nz H o l l i g e r

Alban Berg Karl Amadeus Har tmann Tief in der Nacht

A l ex a n d e r Lo n qu i c h, p i a n o

J u l i a n e B a n s e: s o p r a n o Aleksandar Mad√ar: piano

Ro b e r t S c hu m a n n: K r e i s l e r i a n a H e i n z Ho l l i g e r : Pa r t i t a

Im Un i ve r s a l Ve r t r i e b

E CM N e w S e r i e s 2 10 4 CD 476 3 826

Jö r g W i d m a n n Elegie J ö r g W i d m a n n, c l a r i n e t H e i n z H o l l i g e r, p i a n o G e r m a n R a d i o P h i l h a r m o ni c O r c h s t r a Ch r i s to p h Po p p e n, c o n d u c to r

A l b a n B e r g: Si e b e n f r ü h e L i e d e r, Ju g e n d l i e d e r, Zwe i L i e d e r n a c h T h e o d o r Sto r m K a r l A m a d e u s H a r t m a n n: L a m e nto

M e s s e fo r o r c h e s t r a Fü nf Br u c h s t ü c ke fo r c l a r i n e t a n d p i a n o El e g i e fo r c l a r i n e t a n d o r c h e s t r a

E CM N e w S e r i e s 2 15 3 CD 476 3 8 4 8

E CM N e w S e r i e s 2 110 CD 476 3 3 0 9

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{ EDITORIAL }

Mehr Inhalt!

Fotos Titel: Bob Coat; LAVA Andreas Dommenz; KW Neun

neue Arbeitsplätze nehDaten übertragung an die men Gestalt an. GleichzeiDruckerei aus. In wenigen tig entsteht die erste AusgaStunden laufen die Druckbe, parallel zum „normalen“ maschinen an. crescendo, das sie gerade in Wenn Sie auch Lust auf den Händen halten. Die Premium bekommen haneuen Kollegen leben sich ben, schicken Sie uns einWINFRIED HANUSCHIK schnell ein. Es brummt, fach eine kurze Mail an HER AUSGEBER man diskutiert, streitet um premium@crescendo.de jedes Thema und jede Seite, aber es fühlt oder den Coupon von Seite 37. Dann sensich gut an. den wir Ihnen einmalig ohne Berechnung Endspurt, überall fehlt noch eine Klei- die erste crescendo Premium-Ausgabe mit nigkeit, hier ein Fotonachweis, da eine Über- deutlich erweitertem Inhalt und der exkluschrift, hier die mit Fragezeichen versehene siven heftbegleitenden CD für AbonnenJahreszahl. Letzte Korrekturen. Wie beim ten. Zusätzlich erhalten Sie zur PremiumKino�lm entsteht das Gesamtwerk erst zum Premiere ein klingendes Porträt des Labels Schluss im Schneideraum. Zum ersten Mal Oehms mit Aufnahmen seiner interessansehen wir das Magazin nun komplett, blät- testen Künstler. tern Seite für Seite. Das ist jedes Mal wieder Doch bevor ich nun ins Schwärmen geein besonderer Moment. Dieses Mal ist er rate, wünsche ich Ihnen viel Vergnügen mit ganz besonders. Es ist spät geworden. Wie der vor Ihnen liegenden aktuellen crescendoimmer am letzten Produktionstag. Jetzt gibt Ausgabe! es kein Zurück mehr, der Gra�ker löst die Herzlichst,

ST R Ö M H A M M AAR K R IST IN A E O RG E G E N AT E E A R M O NUIA A S KADZ IR M A IS P R E IK P E T R O RG N O H M Y RS BAMBEIS CEH S P H IL E S TA ATN NOTT B AY E R NIEJO A H T A N HARMOL A K O C H B E R L IN E R DA N IE H A R M O N I K E R P H I L L M F U RT W Ä N G L E R W IL H E L E FA U S T M A H L E R IS A B E LB E R O R C H E S T R A C H A M ARDINGLINUSROTH DANIELH EN-SINN diti on m-EW miuO PreD ndoR LsceA N JOSÉGAELcre E G RGEG IARNHBAEGZEU I YANGG EO . 3T0EIT1 HAAS K RLIS VTO Q UA RT UTTA bis Mai 201 TJ rz W N MäE e gab Aus zu O CD H Die DEN V CHRISTIAN S U A H N SILKEA HEERTRIOMEDIAEVAL GERHA An dieser Stelle ist keine Abo-CD vorhanden? Dann lesen Sie vermutlich nicht crescendo Premium. Wenn Sie auch von der exklusiven Abo CD für Premium-Abonnenten profitieren wollen, dann bestellen Sie Ihre persönliche Premium-Ausgabe von crescendo. Entweder mit unserem Angebot in diesem Heft (Seite 37), durch einen Anruf unter 089/85 85 35 48 oder durch ein E-Mail an abo@crescendo.de

Foto: Paul Schmitt

Liebe Leser, vielen Dank für die zahlreichen Themenanregungen und Inspirationen, die uns immer wieder erreichen. Wie gerne hätten wir sie schon früher in unserem Magazin umgesetzt. Doch das ist auf 52 Seiten nicht unterzubringen und mit den beschränkten Mitteln eines Gratismagazins nicht zu machen. Dazu braucht man mehr: mehr Raum, mehr Seiten, mehr Autoren, mehr Redakteure, mehr Geld – und eine gehörige Portion unternehmerischen Mut! Ihre vielen Zuschriften haben mich darin bestärkt, nun diesen lange gehegten Traum umzusetzen: crescendo Premium – das Premium-Magazin für klassische Musik! Premium steht für mehr: mehr Seiten, mehr Themen, mehr Vielfalt, mehr Service, noch mehr Qualität – hochwertig gedruckt auf edlem Papier. Seitdem geht es hier im Verlag zu wie in einem Bienenstock. Zusätzliche Flächen sind bezogen, die Handwerker fast fertig,

Ihre Abo-CD In der Premium-Ausgabe finden Sie nicht nur deutlich mehr Inhalt: 60 Prozent mehr Reportagen, Porträts, Interviews und Hintergründe aus der Welt der Klassik – in einer besonders hochwertigen Ausstattung. Sondern auch unsere crescendo Abo-CD. Sie ist eine exklusive Leistung unseres crescendo Premium-Abonnements. Premium-Abonnenten erhalten sechs Mal jährlich eine hochwertige CD mit Werken der in der aktuellen Ausgabe vorgestellten Künstler. Mittlerweile ist bereits die 30. CD in dieser crescendo Premium Edition erschienen.

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{ I N H A LT M Ä R Z – M A I 2 0 1 1 }

NEUHEITEN BEI BERLIN CLASSICS

AUTOREN

1 CD · 0016642BC

Hinter den Kulissen von crescendo

NEWS

Ein Anruf bei René Fleming in New York

MIHAELA URSULEASA Romanian Rhapsody Die Rumänin und Wahl-Wienerin zündet ein musikalisches Feuerwerk, das aus der Folklore der Donauländer schöpft: Zu hören sind Enescu, Constantinescu, Bartók und Schubert.

ISABELLE FAUST

FRANCESCO TRISTANO

CHRISTIAN GERHAHER

LINUS ROTH

Der Nachwuchs-Star

WILHELM FURTWÄNGLER

War der Dirigent ein Nazi?

1 CD · 0016722BC

MIDORI SEILER JOHANN SEBASTIAN BACH Partiten für Solovioline Die renommierte Geigerin präsentiert ihre historisch versierte und zugleich emotionale Lesart dieses puren Bach. »...genauso muss es sein, habe ich mir beim Hören immer wieder gedacht.« (Doris Blaich auf SWR2)

ISABEL FAUST

Pascal Morché über OpernHäuser als „Landmark-Buildings“

erzählt uns das Märchen von ihrer „Dornröschen-Stradivari“

IMPRESSUM

REZENSIONEN

Attila Csampai testet seine wichtigsten Alben und unsere Autoren die Neuerscheinungen des Monats.

QUIZ

KLASSIK UND BILDUNG Musizieren als Schule fürs Leben?

REISE

Unser Weltreporter testete die Oper von Lyon 1 CD · 0300198BC

KOLUMNE

DIE WELT DER KLASSIK Klassik in Zahlen

PLUS REGIONAL: AUGSBURG

CHRISTIAN GERHAHER Operette nein, Fledermaus ja – der bayerische Bariton hat klare Meinungen

Zum Jubiläum Musiktraditon: Mozart & Bach

DRESDNER KREUZCHOR Vespern im Osterkreis

PLUS REGIONAL: KISSINGER SOMMER Einst Zonenrand, heute Festival-Mittelpunkt

TERMINE & VERANSTALTUNGEN Die wichtigsten Termine für das Frühjahr

Die Reihe der Kreuzchorvespern geht weiter! In dieser Folge ist der eindrucksvolle Übergang von Passion zu Ostern zu erleben. Die Musik reicht vom Mittelalter bis in die Moderne, so daß sich alle klanglichen Facetten des Chors voll entfalten können.

Daniel Hope mag Joseph Joachim

QUIZ Lösen Sie unser„Rätsel des klassischen Alltags“?

Jetzt im Handel sowie als Download erhältlich. Weitere Informationen und den Katalog erhalten Sie bei: Edel Germany GmbH, Hamburg · Telefon (040) 89 08 53 13 www.edelclassics.de

DIE LETZTE SEITE

FRANCESCO TRISTANO lebt in zwei Welten. crescendo beleuchtet beide: die des klassischen Pianisten und jene des coolen Techno-Discjockeys.

Fotos: Bob Coat; Felix Broede; Hiromichi Yamamoto

crescendo-Premium Abonnenten lesen mehr In der deutlich umfangreicheren Premium-Ausgabe erfahren Sie zusätzlich – welche seltsamen „Opern-Novitäten“ derzeit in London laufen, – weshalb Musikers Schlaraffenland bei Bamberg liegt, – warum Ioan Holenders Maschinenbau-Studium ihm auch als Intendant an der Wiener Staatsoper geholfen hat, – wie das Leben einer Berliner Ballerina hinter den Kulissen aussieht, – was sich hinter dem spannenden Format „Klassik im Club“ verbirgt, – wie Klassik-Label-Chef Dieter Oehms seinen 70. Geburtstag feiert und zu diesem Anlass jedem Premium-Abonnenten eine CD mit Aufnahmen seiner interessantesten Künstler schenkt. Neugierig geworden? Testen Sie doch unser neues crescendo Premium – kostenlos und unverbindlich. Entweder über unser Angebot auf S. 37 oder indem Sie unser AboTelefon unter 089-85 85 35 48 anrufen bzw. ein E-Mail an abo@crescendo.de schicken.

EBENFALLS EXKLUSIV FÜR ABONNENTEN Hören Sie die Musik zu unseren Texten auf der crescendo Abo-CD – exklusiv für Abonnenten. Infos auf Seite 37. www.crescendo.de 02_2011 | 5

{ AU T O R E N }

HINTER DER BÜHNE Die wahren Helden bei crescendo sind die Mitarbeiter. Deshalb der gewohnte Blick hinter die Kulissen. STEFAN STEITZ Der langjährige Art Direktor von crescendo wurde in dieser Ausgabe zum Marathonmann. Da sich crescendo etwas verändert hat und die Premium-Ausgabe jetzt mit 32 Seiten mehr bestückt wurde, musste Steitz etwa doppelt so viele Geschichten und Seiten layouten wie bisher. Unser Glück ist, dass der 45-Jährige auch in seiner Freizeit als Ausdauersportler aktiv ist (vergangenes Jahr startete er beim Marathon in Paris) und somit die Belastung bis zur letzten Seite meisterte. Übrigens: Steitz ist auch ein hervorragender Zeichner und Illustrator. Überzeugen können Sie sich davon auch in dieser Ausgabe, die Zeichnungen auf Seite 24 und 36 stammen aus der Feder des Münchners.

ATTILA CSAMPAI Unser hochrangiger CD-Experte hatte uns mehrfach darauf hingewiesen, man möge doch endlich einmal den Virtuosen Jascha Heifetz in der Art würdigen, die ihm eigentlich zustünde: gebührend. Nachdem nun auch noch eine 103-fache CD-Edition (plus eine DVD) des einstigen Wundergeigers auf den Markt kam, griffen wir zum Telefon und baten Csampai um eine adäquate Rezension. Wie Csampai es schaffte, in der kurzen Zeit die über 100 CDs auszuwerten, blieb sein Geheimnis – die Geschichte �nden Sie auf Seite 28. Csampais regelmäßige Kolumne steht wie gewohnt auf Seite 24.

CARLO MERTENS

CHRISTIAN KORTMANN Unser Neu-Autor, der nebenbei auch Romane (zum Beispiel „Der Läufer“, Blessing Verlag 2009) veröffentlicht hat, tauchte in die Tiefen der „Tigermamas“. Kortmann recherchierte das Phänomen, ob klassische Musikerziehung Kinder zu besseren Menschen macht. Die Ergebnisse seiner Umfragen, die ihn auch zum Pianisten Martin Stadtfeld führten, �nden Sie auf den Seiten 34 bis 36. PS: Während des Schreibens bevorzugt Kortmann die „Englischen Suiten“ von Johann Sebastian Bach.

Fotos: privat (2); Bob Coat (2); fotografa/Berlin; Paul Schmitt

Der Musikwissenschaftler aus Neu-Ulm half uns, diese Ausgabe vor allem mit kleinen Geschichten aus der Welt der Klassik zu füllen. Als wir noch jemanden suchten, der sich telefonisch bei Renée Fleming nach ihrem werten Be�nden erkundigen sollte, rief Mertens zu laut ja und verbrachte – aufgrund der Zeitverschiebung mit New York – die halbe Nacht in der Redaktion. Die (nächtlichen) Antworten der amerikanischen Operndiva lesen Sie auf Seite 8.

K l av i e r : A n d r e w T y s on

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„Ray Chen kann auf seiner Violine wirk lich alles!“  

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{ N EWS }

„Ich trällere nie zum Vergnügen“ Ein Anruf bei der Sopranistin Renée Fleming, die keine Berührungsängste mit Popmusik und Politik hat. Hallo Mrs. Fleming. Wobei stören wir Sie gerade?

Ach, Sie stören überhaupt nicht. Ich bin gerade in meinem Büro in New York und hatte gerade eine schöne Probe mit dem Emerson String Quartet. Mit einem Quartett?

Ja, wir proben gerade Mahlers Rückert-Lieder. Wenn ich mich nicht irre, gibt es ja gerade ein Mahler-Jubiläum (lacht). Allerdings. Noch wichtiger aber ist: In diesem Jahr wird Ihre MET-Neueinspielung von Rossinis „Armida“ auf DVD veröffentlicht. Sind Sie stolz auf das Ergebnis?

Ja, eine wirklich sehr gute Einspielung – der Zuschauer versteht die Handlung ohne Weiteres. Ihre erste Opernrolle in Europa war Mozarts Konstanze aus der „Entführung“. War es ein weiter Weg von der Konstanze zur Armida?

Obwohl Konstanze ein viel höhere Tessitura hat, passen vom Stilistischen und von der Fioratura her Mozart und Bel Canto sehr gut zusammen. Ich hingegen trete diesen Monat in Rossinis Armida auf und nächsten Monat singe ich Strauss. Das ist eine Herausforderung.

nem Rock-Album hören kann. Im Musikbetrieb gab es bisher nicht viele Sänger, die Stile so stark mischen. Wissen Sie, manche Menschen sind perfekt darin, Akzente zu imitieren. Das kann ich nicht, aber mir fällt es leicht Gesangsstile nachzuahmen. Um nochmal zurück auf Präsident Obama zu kommen. Es ist auffällig, dass US-amerikanische Künstler viel weniger Berührungsängste mit der Politik haben ...

Als eine US-Bürgerin möchte ich neutral bleiben. Es ist für mich ein Dienst am Land und seinen Leuten. Und nicht nur ich sondern fast jeder US-Amerikaner empfand die Wahl Obamas als einen historischen Wendepunkt. Es war ein wunderbares Zeichen des Wandels. Bezüglich Kunst und Politik war es für mich hingegen sehr interessant, dass man mir in Baden-Baden bei meinem Aufenthalt für den „Rosenkavalier“ im Januar 2009 sagte: „Wir hätten ihnen nicht erlaubt, bei der Zeremonie zu singen, wenn nicht Herr Obama zum Präsident gewählt worden wäre!“ Was singen Sie eigentlich, wenn Sie gerade nicht auf der Bühne stehen, beim Aufräumen zum Beispiel?

Sie haben vor Kurzem nicht nur Klassik, sondern sogar Pop- und Rocksongs aufgenommen. Was ist schwieriger, Arie, Rock- oder Popsong?

Wenn ich zu Hause bin, probe ich meine verschiedenen Projekte. Aber ich trällere nie zum Vergnügen. Mir fehlt eher die Zeit, meine Stimme zu schonen.

Ich fand das Popprogramm im Verhältnis zu dem klassischen Programm sehr anspruchsvoll. Beides werde ich nächste Woche an einem Abend geben. Bei der Popmusik war ich weniger frei als bei den Arien, und das Zusammenspiel ist sie fast so anspruchvoll wie bei Mozart. Das war für mich überraschend.

Ja, dass stimmt veilleicht, weil „You‘ll Never Walk Alone“ im Musiktheater-Stil steht und der ist vielmehr ein Crossover, als was man auf mei-

Renée Fleming ist eine der großen USSopranistinnen. Sir Georg Solti bezeichnete ihren Stimmklang als „Crème double“. Mit ihm nahm sie auch einen Querschnitt durch ihr riesiges Repertoire auf: Renée Fleming – Signatures (DECCA).

PLAYLIST Pianistin Olga Scheps verrät uns die fünf derzeit meist gespielten Klassik-Lieder auf ihrem iPod (...die wir gerne kommentieren) 1. Alfred Brendel: Schubert Impromptus (Gute Wahl. Sehr gute Wahl sogar.) 2. Murray Perahia: Bach Partiten (Gibt es übrigens auch sehr empfehlenswert von Irma Issakadze.) 3. Gabriela Montero: Live in Germany (Für Nichtkenner: Spitzen Improvisation.) 4. Wilhelm Furtwängler: Beethoven Symphonien (Da empfehlen wir die Geschichte zu Furtwängler, Seite 18,19) 5. Magdalena Kozˇená: Lettere Amorose (Wie schön: endlich mal romantische Liebeslieder.)

Sicher Strauss – er war immer jemand mit dem ich gerne einmal gesprochen hätte. Ich war in Garmisch in seinem Haus mit Christian Strauss und das was sehr bewegend, nicht zuletzt da Strauss der wichtigste Komponist in meiner künstlerischen Karriere ist. Die ersten zehn Jahre war es Mozart, die folgenden zehn Strauss. Ich war begeistert also ich einmal Joni Mitchell traf. Sie sehen, ich habe auch im Pop-Bereich meine Idole, wie jeder andere auch. //

Foto: Matthias Creutziger

Bei Ihrem Auftritt zur Amtseinführung von Präsident Obama hatten Sie auch schon Klassik und Pop gemischt ...

Zu guter Letzt noch die Glaubensfrage: Wen würden Sie lieber im Jenseits treffen? Jimmy Morrison oder Richard Strauss?

PINA PORTMAN

Der Pina Bausch Film ist da. Ansehen!

Glaubt man den Feuilletons, dreht sich die ganze Welt derzeit auf Zehenspitzen. Ballett ist IN! Zumindest im Film. Natalie Portman ertanzte sich bereits den Oscar, Pina Bausch tanzt sich posthum durch die Dokumentation ihres Lebens. „Pina: Tanzt, tanzt, sonst sind wir verloren“, läuft jetzt im Kino. Wim Wenders drehte in 3-D. Da tanzen, räumlich gesehen, auch die Kanzlerin und das oberste Ehepaar der Republik gerne mit (siehe Foto). Das Publikum staunt, die „begnadete Marionettenspielerin“, wie ein Kritiker sie rühmte, bewegt immer noch mit ihren Fäden. Ansehen! Seit 24. Februar im Kino. Die VIP's auf der „Pina“-Premiere anlässlich der Berlinale.

{ N EWS }

BAUWERKE

Es gibt ja das Gerücht, dass das Bayreuther Festspielhaus nicht in Grund und Boden gebombt wurde, weil die Allierten es für eine Scheune hielten. Wagners Wohnhaus, die Villa Wahnfried, kam hingegen nicht so glimpﬂich davon. Nach der Rekonstruktion im Jahr 1976 zog das Richard-Wagner-Museum ein. Sein Ausstellungskonzept ist inzwischen etwas angestaubt: Wagners Antisemitismus und

die problematische Rolle der Bayreuther Festspiele während des Dritten Reiches wurden bisher ausgeblendet. Nun hat die Bayerische Staatsregierung zugesagt, den Umbau und die Neugestaltung mit bis zu vier Millionen Euro zu unterstützen. Der Freistaat würde damit in den nächsten drei Jahren fast ein Drittel der Gesamtkosten beisteuern. Das ist ein Geldregen mit Tradition: Der Bau der Villa wurde vom großen WagnerFan, König Ludwig II. ﬁnanziert.

Foto: Pressestelle Stadt Bayreuth

„Hier wo mein Wähnen Frieden fand“

Villa und Sponsor: Ludwig II. vor Wahnfried

gelesen & notiert „Wenn man mit Oper aufwächst, ist das wie mit einem Haustier. Man gewöhnt sich daran, es zu streicheln und zu füttern – und wenn es weg ist, vermisst man es riesig. KATHRINA WAGNER Leiterin der Bayreuther Festspiele, zu neuen Opern-Formaten für Kinder.

„Wenn Du in guter Form bist und die Hütte vollkriegst, solltest Du weitermachen.” PLÀCIDO DOMINGO Sängerlegende und Jubilar (70. Geburtstag am 21.1.) zur Frage, ob er an einen Abschied denkt.

„Ich sage immer zu meinen Studenten: Sänger, die schön singen, gibt’s wie Sand am Meer. Ich möchte aber, dass ihr Künstler werdet.“ THOMAS QUASTHOFF Gesangsprofessor und Gründer des Wettbewerbs „Das Lied“ in der Frankfurter Allgemeinen Sonntagszeitung am 27.2.

„Auch ohne einander wären Rattle und die Berliner Philharmoniker Spitzenklasse. Aber zusammen sind sie unschlagbar“ THE GUARDIAN Britische Zeitung nach den jüngsten Tournee-Konzerten der Berliner Philharmoniker im Londoner Barbican-Centre.

News Ticker +++ News

WWW.BACHFESTLEIPZIG.DE KARTEN: TEL. 018 05 / 56 20 30*

+++ Ensemble Modern feiert seinen 30. Geburtstag. Es zählt weltweit zu den renommiertesten Ensembles für Neue Musik. Sie spielten Referenzaufnahmen von Werken Adam Smiths („Shaker Loops“) und Morton Feldman („For Samuel Beckett“) ein. +++ Neuer Chefdirigent

des

Konzerthausorchesters

Berlin wird Iván Fischer. 2006 bis 2009 war der ungarische Künstler der erste Gastdirigent des National Symphony Orchestra (Washington, D.C.) . 2012 kommt er nach Berlin. + ++ Riccardo Muti gewinnt zwei Grammys. Für der Mailänder Dirigent den Grammy sowohl für das beste klassische Album als auch die beste Choraufnahme. +++ Gründung einer Junior Company des Bayerischen Staatsballetts. Das Bayerische Staatsballett hat zusammen mit der Heinz-Bosl-Stiftung und der Hochschule für Musik und Theater München eine Junior Company gegründet. Sie soll den TanzNachwuchs fördern.

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BACHFEST LEIPZIG 10.–19. JUNI 2011 Bachs Werk am authentischen Ort

* (0,14 €/min aus dem dt. Festnetz; ggf. abweichende Mobilfunktarife)

die Einspielung von Verdis „Requiem“ erhielt

{ MENSCHEN }

Die Prinzessin

Die Violinistin Isabelle Faust trifft den Ton, und wir trafen sie. Ein Gespräch über ihre „Strad“, Tempoangaben von Joseph Joachim und stabile Nerven. VON JULI A K IMMERLE

gelernt. Aber vielleicht gibt es auch nochmal eine neue künstlerisch-klangliche Anregung mit einem anderen wunderbaren Instrument. CRESCENDO: Gerade haben Sie eine CD mit Brahms’ Violinkonzert in D-Dur veröffentlicht und sich dafür intensiv mit dem ersten Interpreten des Stücks, Joseph Joachim auseinandergesetzt. Sie haben auch den Briefwechsel zwischen ihm und Brahms studiert ... FAUST: Zu Stücken aus dieser Zeit existieren glücklicherweise zahlreiche Briefe der Komponisten und Interpreten, die CRESCENDO: Darf ich erst einfür das Verständnis wertvoll mal eine Frage zu Ihrem Insind. Joachim hat außerdem strument stellen? Ihre Geige in einem Band seiner Vioheißt ja „Dornröschen-Stralinschule zu den wichtigsten divari“. Das klingt nach Isabelle Faust, geboren 1972. Violinkonzerten sehr genaue großem Märchen ... Inter pretationsvorschläge ISABELLE FAUST: Ja, und ihre Geschichte hört sich tatsächlich nach festgehalten, unter anderem zu dem Brahms-Konzert, das ist sehr einem Märchen an. Über hundert Jahre war sie verschollen. Als sie anregend zu lesen. um 1 wieder auftauchte, bekam sie vom Experten in London CRESCENDO: Was konnten Sie daraus für Ihre Interpretation verden Namen „Sleeping Beauty“. Sie gehörte später auch der Familie wenden? von Boeselager. Philipp von Boeselager war im zweiten Weltkrieg FAUST: Letztendlich muss man natürlich immer für sich selbst herTeil der Stauffenberg-Verschwörung gegen Hitler. Diese Geige hat ausfinden, was stimmig ist – aber wenn man solche Quellen hat, tatsächlich eine spannende Geschichte. kann man davon als Gedankenanstoß profitieren. Sehr interessant CRESCENDO: Und wie fand das Instrument jetzt zu Ihnen? sind zum Beispiel Joachims Tempoangaben, weil sie durchweg FAUST: Ein Freund hatte das Instrument bei einem Geigenhändler schneller sind als die Tempi, die man heute gewohnt ist. Das ist gesehen und mich darauf aufmerksam gemacht. Nachdem ich sie – ähnlich wie bei Schumann – deshalb spannend, weil es auch oft dann dort eine halbe Stunde lang probeweise spielen durfte, konnte gegen heutige Hörgewohnheiten geht. ich sie tatsächlich mit der Prinzessin aus dem Märchen vergleiCRESCENDO: Musik ist ein Prozess des Gebens und Nehmens, haben chen: Das Wachspielen war ein längerer Prozess, ganz allmählich Sie einmal gesagt. Überwiegt bei Ihnen gerade das Geben – oder hat die Geige sich über Jahre hinweg geöffnet. Nehmen? CRESCENDO: Und jetzt ist sie Ihre große Liebe? FAUST: Im Moment verstärkt sich beides gegenseitig. Mir kommt es so FAUST: Ich spiele sie nun seit 1 Jahren, wir sind natürlich sehr anvor, als ob vieles meiner bisherigen Laufbahn nur eine Vorbereieinander gewachsen und kennen uns bis in die feinsten Details! tung war auf das, was jetzt kommt: Ich habe immer mehr GelegenIch habe Glück, diese Violine spielen zu dürfen und viel an ihr heiten, regelmäßig mit interessanten Dirigenten und Ensembles zu

Foto: Felix Broede

Die gebürtige Baden-Württembergerin kam durch die Familie zur Violine: Ihr Vater nahm sie als Fünfjährige mit in den Unterricht. Sechs Jahre später gründete sie ein Streichquartett, studierte bei Dénes Zsigmondy und Christoph Poppen und gewann mit 15 den Leopold-Mozart-Wettbewerb. Den „Wunderkind“-Stempel bekam sie jedoch nie aufgedrückt. Für ihre Aufnahmen gewann sie zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den „Diapason d’or de l’année 2010“. Zuletzt war sie für den Klassik Grammy 2010 nominiert

musica viva

WIE IST IHRE NEUE CD?

Der opake, weiche und sehr schlanke Klang von Isabelle Faust verjüngt das Violinkonzert op. 77 von Brahms erheblich. Falscher Pathos und schmalzige Ritardandi, die sich in der Einleitung des letzten Satzes abgelagert haben, streift sie zusammen mit Harding und dem Mahler Chamber Orchestra ab. Trotzdem ist das Tempo gut: im ersten Satz ruhiger, aber nicht schleppend, im Letzten nicht zu rasch. Harding betont hier das kleinteilige, barocke in der Satzanlage und weniger den großen romantischen Bogen. Wer also bisher nur Oistrachs Interpretation kennt, sollte zugreifen. Abo-CD Track 6 (s. Seite 37)

arbeiten, in letzter Zeit zum Beispiel mit Claudio Abbado. Viel mehr kann man sich fast nicht wünschen als Musiker. CRESCENDO: Gemeinsam mit Alexander Melnikov und Teunis van der Zwart werden sie im Oktober auch beim Festival AlpenKLASSIK in Bad Reichenhall auftreten. Auf dem Programm stehen Ligeti, Fauré und Brahms – wie kam es zu dieser Auswahl? FAUST: Den Intendanten Klaus Lauer kenne ich schon lange, mittlerweile ist er ein guter Freund. Er hat ein Faible für zeitgenössische Musik. Wenn er anfragt, dann hat er schon immer eine genaue Vorstellung des gesamten Programms und weiß sehr gut, was sich gut in seine Rahmenvorstellung fügt. Da wird dann auch nicht lange diskutiert. Bei solchen Organisatoren ist man als Künstler gerne bereit, die Augen zu schließen und ihm zu folgen. Dahinter steht immer ein gutes und interessantes Konzept – was die Zusammenarbeit dort auch zu etwas Besonderem macht. CRESCENDO:  haben sie mit den Münchner Philharmonikern ein selten gespieltes Stück von André Jolivet zum ersten Mal in Deutschland aufgeführt – welche Musik reizt Sie noch? FAUST: Das ist ganz unterschiedlich. Gerade erarbeite ich ein Britten Konzert, ein fantastisches Stück, das nicht so häufig gespielt wird und das auch nicht so einfach in ein Programm einzubinden ist. Aber es steht schon so lange auf meiner Liste der Stücke, die ich gerne spielen möchte. Hindemiths Kammermusik No.  würde ich auch gerne mal an den Mann bringen. Morton Feldmans „Violin and Orchestra“, aber auch frühe Haydn Violinkonzerte spielt man zu selten – ach, es gibt noch so Vieles! CRESCENDO: Im vergangenen Jahr wurden Ihre Aufnahmen, unter anderem sämtlicher Beethoven Sonaten, gleich mehrfach ausgezeichnet. Welche Rolle spielen Preise für die Karriere? FAUST: Auszeichnungen für Aufnahmen zum Beispiel öffnen sicher noch mehr Wege zu einem breiteren Publikum. Was Wettbewerbe im jugendlichen Alter angeht, so war für mich vor allem der allererste wichtig. Vor dem Leopold-Mozart-Wettbewerb hatte ich fünf Jahren Quartettspielen als zweite Geige hinter mir – und auf einmal konnte ich solistisch tätig sein und mit großem Orchester spielen. Das war deshalb schon eine wichtige Station für mein ganzes späteres Leben. Der Zweite dagegen hat an meiner Laufbahn so gut wie nichts geändert. CRESCENDO: Ihre Solistenlaufbahn hat sich schon früh abgezeichnet. Sie waren selbst auch Professorin für Violine an der Berliner UDK. Wie beurteilen Sie bei Ihren Schülern, ob jemand diesen Weg tatsächlich einschlagen kann? FAUST: Es ist unheimlich schwer, so etwas vorauszusehen. Natürlich gehört Fleiß und Begabung dazu, aber auch eine gute Gesundheit und stabile Nerven. Und echte musikalische Begeisterung. Ich habe schon Studenten erlebt, die zwar extrem begabt waren, sich der musikalischen Verantwortung aber nicht wirklich bewusst waren, die so ein Talent mit sich bringt. Ab einem gewissen Alter muss dieses Bewusstsein da sein, sonst gibt es keine Weiterentwicklung. CRESCENDO: Letzte Frage: Haben Sie Ihre Ziele eigentlich schon erreicht? FAUST: Das Wunderbare an unserem Beruf ist ja, dass man nie wirklich am Ende einer Entwicklung angekommen ist. Natürlich kann man sich auch schon in frühen Jahren festlegen, ein Repertoire definieren und dabei bleiben. Das wäre vielleicht der bequemere Weg. Aber dann hat man die Möglichkeiten der Kunst völlig verkannt. //

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die Zeitgenössische Konzertreihe des Bayerischen Rundfunks – präsentiert:

07. 04 .11 Carl-Orff-Saal / Gasteig, München 6–te musica viva Veranstaltung Ferneyhough, Dufourt, Dillon, Hübler, Billone Arditti Quartett

27. 05.11 Herkulessaal der Residenz, München 7–te musica viva Veranstaltung [Abonnement] Franke, Nakatani, de Gelmini, Hartmann Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks Lucas Vis Leitung

08. 07.11 Herkulessaal der Residenz, München 8–te musica viva Veranstaltung [Abonnement] Lachenmann, Zender, Zimmermann Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks Susanna Mälkki Leitung

Karten erhältlich bei www.br-klassikticket.de oder bei BRticket +49 (0)89 5900 4545 Nähere Informationen unter www.br-online.de/br-klassik/musica-viva

Pianist und Techno-DJ: Die zwei Gesichter des Francesco Tristano.

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Der Flügel-DJ

Francesco Tristano lebt zwei Träume, die er selbst nicht trennen mag: Er ist professioneller Techno-DJ und klassischer Pianist in einem. VON TOBI AS H ABERL

CRESCENDO: Francesco Tristano, der Name ist wie geschaffen für einen Künstler. Heißen Sie wirklich so? FRANCESCO TRISTANO: Ja, beide Namen stehen im Pass. Es sind aber meine Vornamen, mein Familienname ist Schlimé. Früher habe ich ihn benutzt, inzwischen lasse ich ihn weg. CRESCENDO: Schade. Schlimé klingt doch wie aus einer romantischen Novelle. TRISTANO: Aber der Name ist zu kompliziert. Jeder spricht ihn anders aus, das verwirrt nur. CRESCENDO: Auf Ihrem neuen Album kombinieren Sie Johann Sebastian Bach und John Cage, also Barock und . Jahrhundert. Es wurde vom Techno-DJ Moritz von Oswald produziert. Wie kam's? TRISTANO: Das war keine Provokation. Ich habe mir das genau überlegt. Eine

Studioaufnahme ist etwas ganz anderes als ein Klavierrecital auf der Bühne. Das eine ist live, das Publikum reagiert und beeinflusst die Aufführung, das andere ist ein Prozess, vergleichbar mit einem Filmdreh. Man filmt, schneidet, springt zurück, filmt noch mal, verändert, produziert, postproduziert. CRESCENDO: Wie hat man sich als Klassik-Künstler denn bitte die Studioarbeit mit einem Techno-Produzenten vorzustellen? TRISTANO: Allein die Postproduktion hat eine Woche gedauert. Wir haben jedes Stück stundenlang bearbeitet. So eine Aufnahme ist ein Klangstück, eine richtige Klanginstallation. Man kann das auch ganz anders machen, aber die CD ist mein Vorschlag aus dem Jahr 1, mit zeitgenössischem Sounddesign, das uns zur Verfügung steht und dessen sich alle Musikformen bedienen, nur die Klassik nicht. CRESCENDO: Sie scheinen sich sehr für die technische Seite von Musik zu interessieren. TRISTANO: Ich bin sogar ein Technik-Nerd. Als ich 1 von Paris nach New York zog, bin ich voll in die Clubszene eingetaucht. Und natürlich sind Sound und Computer da wichtige Themen. Andere klassische Pianisten kümmern sich mehr um die Noten, aber der Klang gehört eben auch dazu. Der Regisseur Michael Haneke sagt, dass für ihn die spannendsten Wochen beginnen, wenn ein Film fertig ist. Dann geht er nämlich erst ans Sounddesign. FRANCESCO TRISTANO Ich verstehe das total. Ein Klavier muss 1981 in Luxemburg geboren, beginnt sich nicht immer gleich anhören, es er mit fünf Jahren das Klavierspiel. kann auch ganz anders klingen. Nach dem Studium an der Juilliard CRESCENDO: Sie treten selbst in School in New York, den KonserClubs auf und arbeiten mit weltvatorien in Brüssel, Riga und Paris bekannten DJs zusammen. Übergewinnt Tristano 2004 den Concours brücken Sie stilistische Unterschieinternational de piano d‘Orléans. Er tritt de oder empfinden Sie gar keine? u.a. zusammen mit dem Russischen NationalTRISTANO: Ich weiß nicht, ob ich sie orchester und den Hamburger Symphonikern auf. nicht sehe oder nicht sehen will, aber Gleichzeitig machte er sich einen Namen als Technodie Grenzen sind oft nicht von musiDJ in diversen Clubs. 2005 folgt eine Einspielung alkalischer Natur. Meistens handelt es ler Klavierwerke von Luciano Berio bei Sisyphe, 2006 sich um soziale Codes. Techno, das die Einhand-Klavierkonzerte von Ravel und Prokofjew heißt Nachtleben, Club und Drogen, mit dem Russischen Nationalorchester (Pentatone). bei klassischer Musik muss man fein Das Video zu seinem neuen Album „bachCage“ ist angezogen sein und für zwei Stunden bei youtube zu sehen. möglichst tief empfinden. Aber damit ist doch noch nichts über die Musik Am 11.4. spielt Tristano Bach und Cage in München, ausgesagt, das ist mir zu einfach. Tut am 12.4. in Frankfurt und am 27.4. in Berlin. mir leid: Ich höre immer nur Musik.

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Fotos: Bob Coat; Matthew Stansfield

Francesco Tristano ist ein besonderer Mensch. Er verkörpert auch optisch das, was man über ihn sagt: Er sieht gleichzeitig vornehm und cool aus. Er ist 29 und hat in Luxemburg, Paris, New York, Brüssel, Riga und Barcelona gelebt. Er spielt begnadet Bach, hat eine dreiköp�ge Band namens „Aufgang“ und liebt die Musikstilrichtung Techno derart, dass er nachts in Clubs an den „Turntables“ steht. Tristano spielt mit Epochen und Stilen. Mit fünf Jahren beginnt er Klavier zu spielen, mit 13 gibt er sein erstes Konzert und überrascht das Publikum mit Eigenkompositionen. Tristanto gilt als Künstler mit einem Kopf, der Dinge denkt, die es noch nicht gibt. Wir holen ihn am Flughafen in München ab. Er kommt mit der Abendmaschine aus New York, wo er ein paar Interviews gegeben hat. Der gebürtige Luxemburger ist ein wenig erschöpft, das ständige Reisen, die Zeitverschiebung. Aber ein Bier vor dem Schlafengehen – warum nicht? Wir gehen zusammen in eine Bar im Münchner Glockenbachviertel. Es ist ein gewöhnlicher Dienstag, 23 Uhr, unterwegs sind junge Menschen in bunten Turnschuhen. Francesco Tristano sieht aus, als würde er dazugehören. Er könnte hier Stammgast sein. Wilde Locken fallen in sein feines Gesicht, es macht Spaß, ihm zuzuhören – und das liegt nicht nur an seinem französischen Akzent. So müde er auch aussieht, seine Gedanken sind wach, unglaublich wach.

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CRESCENDO: Haben Sie eine Erklärung, woran das liegen könnte? TRISTANO: Das hat sicher mit meiner Mutter zu tun. Sie war ein Hippie und hat alles durcheinander gehört: Wagner, Pink Floyd, Country. Neben der klassischen Klavierausbildung habe ich früh improvisiert und eigene Sachen komponiert. Irgendwann flossen alle Stile ineinander, ich habe die alte Musik nicht mehr als alt und neue nicht als neu empfunden, es gab nur noch Musik.

CRESCENDO: Was war eigentlich zuerst da: die Begeisterung für Bach und Liszt oder die Faszination für elektronische Musik? TRISTANO: Merken Sie, wie Sie schon wieder auf die sozialen Codes zu sprechen kommen, dabei sind die Welten gar nicht so verschieden: Im Konzertsaal gibt es vielleicht keine Drogen, dafür aber Champagner. Da wie dort geht es um Konsum, um eine Feier des Lebens. Und natürlich war das Klavier zuerst da, als Fünfjähriger hört man nun mal keine Clubmusik. CRESCENDO: Also gab es ein Schlüsselerlebnis, wo Sie die Energie von Clubmusik zum ersten Mal gespürt haben. TRISTANO: Es gab da einen Abend in Paris Ende der Neunziger. Ich Ich finde, man darf klassische Musik nicht als eine abgeschirmte war in einem Club, eigentlich ein Schwulenclub, aber an diesem Welt betrachten, die geschützt werden muss. Musik ist doch nichts Tag war er offen für alle. Ich kam rein und überall war Musik. Heiliges, das sind grandiose Partituren, die durch die JahrhunderIch sah ein paar Gestalten, einer spielte Bass, außerdem Maschite reisen, und sich wandeln. Musik ist kein Regelwerk, sondern nen und Laptops. Der Beat war umwerfend, alles war Musik und Freiheit. Rhythmus und Tanz. Es kam mir vor, als hätte ich die Zukunft CRESCENDO: So kann nur einer sprechen, der viel herumgekommen der Musik gehört. ist. Sie sind noch nicht mal dreißig und haben in Paris, New York, CRESCENDO: Haben Sie einen Lieblingsclub? Brüssel, Riga und Barcelona gelebt. TRISTANO: Die meisten sind mittlerweile geschlossen, zum Beispiel TRISTANO: Stimmt, dafür bin ich dankbar, denn Reisen ist ja auch ein das Vinyl in New York. Das war ein Wahnsinnsclub. Für mich ist hervorragender Lehrmeister. Die Juilliard School in New York war wichtig, dass der Club die Musik zum Protagonisten macht und super, aber die Stadt war eben noch besser. Ich bin in Luxemburg eine gute Anlage und gute Acts hat. Ich gehe nicht einfach so aus groß geworden, da ist es hübsch und gemütlich, aber eben auch und verbringe die ganze Nacht in einem Club. Er muss gut sein, klein und limitiert. Ich bin früh weg, das war meine Chance. nein, er muss sehr gut sein, sonst bleibe ich zu Hause. CRESCENDO: Können Sie dazu beitragen, attraktive Mädchen in den CRESCENDO: Was halten Sie von Crossover-Künstlern wie dem Konzertsaal zu locken? Geiger David Garrett, der mittlerweile riesige Hallen füllt? TRISTANO: Nicht nur Mädchen, überhaupt junge Menschen. TRISTANO: Ich kenne David Garrett. Man darf nicht vergessen, CRESCENDO: Ist das eines Ihrer Anliegen? dass er ein genialer Geiger ist, und ich finde es absolut legitim, TRISTANO: Ich glaube, dass sich jeder klassiwas er macht. Trotzdem glaube ich nicht, sche Musiker mal die Frage stellt: Sag mal, dass Crossover meine Art, Musik zu machen, für wen spiele ich eigentlich? Warum ist SEINE MUSIK beschreibt. Wenn ich ein Crossover-Projekt mein Publikum dreimal so alt wie ich? Es ist Wie ist sie nun, die neue CD gemacht hätte, hätte ich Bach auf dem Keyschade, dass in der Welt der Musik alles so von Francesco Tristano? board aufnehmen müssen, aber das hat Wendy getrennt wahrgenommen wird. Très élégant: Ein Carlos schon Ende der Sechziger gemacht, Sie CRESCENDO: Konkrete Frage: Wo sind Sie quirliges, perkussiwissen schon, der Soundtrack von Clockwerk mehr in Ihrem Element, im Konzertsaal ves Spiel kombiniert Orange. Das war genial, ein Meilenstein der oder auf der Clubbühne? Tristano bei Bachs Musikgeschichte, aber eben  Jahre her. TRISTANO: Weder da noch dort, beides verhält Partita Nr. 1 mit eiCrossover gibt es schon lange und hat seine sich komplementär zueinander, auch emotionem filigranen und glasklaren Berechtigung, aber für mich ist das nichts. nal, denn im Club bin ich ja mit ganz anderen Anschlag. Manchmal bleibt er dabei CRESCENDO: Nicht mal, um ein bisschen Geld Reaktionen als im Konzertsaal konfrontiert. vielleicht zu sehr an der glänzenden zu verdienen? Übrigens ist es nicht so, dass ich im Konzert Oberfläche, aber wer noch keine TRISTANO: Offensichtlich nicht. Ich bin glückkonzentriert bin und im Club wilde Partys Aufnahme hat, der findet in dieser lich, nein, ich bin der glücklichste Mensch, feiere. Ein Clubauftritt ist oft anstrengeneine leicht Zugängliche. Cages „The weil ich mit dem, was ich liebe, überleben der als ein Recital. Wenn ich um . Uhr Season“ profitiert viel mehr von der kann, nämlich Musik. nachts auftrete, muss ich wach, konzentriert leichtfüßigen Spielweise. Hier gibt CRESCENDO: In den Medien werden Sie oft als und professionell sein. es auch schöne Tristesse. Francesco radikal bezeichnet. Merkwürdig, Sie wirken CRESCENDO: Aber ein Clubabend macht mehr Tristano: „bachCage“ (DG). CM überhaupt nicht so. Spaß, oder? TRISTANO: Erstens: Wenn ich radikal bin, TRISTANO: Auch nicht. Beides macht Spaß, nur wäre es nicht an mir zu sagen, dass ich es bin. auf unterschiedliche Weise. John Cage hat mal gesagt, Musik ist Zweitens: Ich bin nur konsequent. Ich versuche, meine Ohren ein sinnloses Spiel. Sie hat nicht die Aufgabe, eine Ordnung ins offenzuhalten und die Zeit, in der ich lebe, wahrhaftig zu erleChaos zu bringen. Das kann ich voll unterstreichen. Natürlich ben. Ich bin 11 geboren, Fin de siècle sozusagen. Ich will keine wirbelt Musik auf, konfrontiert uns mit Emotionen und philosoStandards setzen, nur ehrlich sein, zu mir, zum Publikum, zur phischen Fragen, aber letztlich ist es ein sinnloses Spiel. Gibt es Musik. Ich habe gar keine andere Möglichkeit, ich muss tun, was was Schöneres? ich tun muss. //

„Tut mir leid: Ich höre immer nur Musik.“

*Vlado Milunic & Frank Gehry: â&#x20AC;&#x17E;Das tanzende Hausâ&#x20AC;&#x153;

www.br-klassik.de

Foto: Wikimedia Creative Commons, 2008 Dino Quinzani

klassik inspiriert*

{ GESANG }

„Die Fledermaus ist anders“ Ein launisches und doch tiefgreifendes Gespräch mit dem Bariton Christian Gerhaher, von dem man eines nicht bekommt: langweilige Antworten.

CRESCENDO: Sie stehen gerade tung Klamauk geht. An sich in der „Fledermaus“ auf der gilt es, das Genre aufzuwerBühne. Wir dachten ja, Sie ten. Einen Subtext gibt‘s doch finden Operette doof. immer; ich meinte, dass Texte CHRISTIAN GERHAHER: Ja, vielleicht auf ihre Tiefgründigstimmt, Operette an sich keit hin noch mal durchleuchkann ich nicht ausstehen. tet werden sollten. Das ist doch Aber die „Fledermaus“ muss nicht nur ein harmloser Scherz ich ein bisschen ausnehmen, von Eisenstein, dass er schwodas macht mir großen Spaß. fen geht; das ist eine ernste GeMeine Genrekenntnisse sind fährdung seiner Ehe! insgesamt unvollständig. Bei CRESCENDO: Wussten wir`s anderen Dingen würde ich doch: Sie wollen eine Oper das bedauern; aber nicht bei draus machen. der Operette. So vieles ekelt GERHAHER: Viele Opern wermich! den heute oft sehr leichtgängig CRESCENDO: Und die „Flederinszeniert, was die Sache nicht maus“ ist anders? attraktiver macht. Genauso GERHAHER: Ja, sie ist ein zum kann man bei dieser Operette Teil sehr tiefschürfendes mal schauen, ob es abgründige Stück. Die Dekadenz, die Passagen gibt ... Aber UnterOperetten durchgehend haltung oder nicht ist natürlich begleitet, ist hier weniger ein Thema bei dem Genre. Ich Ausstattung als Thema: persönlich fühle mich nicht Das Stück ist relativ selbstunterhalten, wenn ich abgebezüglich, das ist intereskartete Scherze sehe. Die heuSänger Gerhaher (42): „Diese institutionalisierten sant. Und wenn es dann so tige Kunst läuft immer mehr Scherzkanonaden möchte ich nicht auf der Bühne sehen.“ auf die Bühne kommt wie Gefahr, zur Unterhaltung zu in Frankfurt unter Christof verkommen, je mehr sie sich Loy, können Sie sicher sein, dass kein Text den Mund eines Dardem Sponsoring hingibt. Das ist ein politisches Problem. stellers verlassen wird, ohne auf seine Möglichkeiten einer tieferen CRESCENDO: Ihr Kalender platzt aus den Nähten. Schubert-, MahlerBegründung hin untersucht worden zu sein. Liederabende ... CRESCENDO: Aber die Operette ist doch gnadenloses Amusement? GERHAHER: ... und die „schöne Magelone“ mit Martin Walser, der auch GERHAHER: Ach, diese institutionalisierten Scherzkanonaden möchte den Text ein bisschen umgeschrieben hat, eine Japan-Tournee und, ich nicht auf der Bühne sehen. Es könnte aber, halten Sie lassen Sie mich nachschauen ...Oper, Oper, Oper. Frankfurt sich fest, auch in Frankfurt lustig werden. 1, Toulouse, 1. Und 1 den Giovanni in Frankfurt CRESCENDO: Krankt das Genre nicht generell daran, dass und den Wozzeck in Zürich. Dann 1 noch einige Uraufes eigentlich nur über tagesaktuelle Couplets, bissige, führungen, Zyklen von Heinz Holliger und Jörg Widmann. zynische Anspielungen funktioniert, und nicht als muCRESCENDO: Das führt uns zurück zum Ernst der Lebens: sealisiertes Objekt? Wenn Sie von ganz weit oben auf Ihre GERHAHER: Man kann auch heute tagesCHRISTIAN GERHAHER Karriere blicken: Was sehen Sie? War es Am 6.3. feierte Johann Strauß‘ „Die Fledermaus“ mit aktuelle Scherze einbauen. Ich glaube das, was Sie sich im Studium ausgemalt Christian Gerhaher an der Oper Frankfurt Premiere. allerdings, dass die Operette den subhatten? Bis April ist er dort als Eisenstein zu erleben. Und seiversiven Anspruch nicht mehr so sehr GERHAHER: Hm. Zuerst: Natürlich hatte ne Einspielung von Wolfs „Italienisches Liederbuch“ hat, sondern dass es heute oft in Richich wahnsinnig viel Glück; sehr wenig ist erscheint im April bei Sony Classical. Abo-CD Track 12 (s. Seite 37)

Foto: Alexander Basta for Sony/BMG

VON MA RT IN MORGENST ERN

{ N EWC O M E R }

Der Streicher Unterschätzt, aber auf dem richtigen Weg: Linus Roth möchte alle berühren! Linus Roth aus dem Jahr 1977 und seine Stradivari „Dancla“ aus dem Jahr 1703.

Foto: wildundleise.de

in diesem Beruf wirklich planbar. Auf viele Dinge, die sich entwickeln, hat man vorher keinen Einfluss. Der Liedgesang faszinierte mich immer am meisten, aber sicher sein kann man nie, dass eine Karriere auf so einem Gebiet klappt. Dietrich Fischer-Dieskau sagte mir: „Machen Sie doch mal die Medizin fertig.“ Und er hat das nicht bös gemeint! Später sagte er mir, er hätte meine Entwicklung so nicht erwartet. CRESCENDO: Inwieweit prägen die Lehrer den Berufsweg? GERHAHER: Jeder Musikstudent ist doch ein Erwachsener, der seinen Weg selbst gehen muss. Er sollte nicht erwarten, dass er von anderen geleitet wird. Er muss das selbst finden, schon allein wegen der Tatsache, dass eine Stimme Ausdruck einer Persönlichkeit ist, eines Willens: Ab  oder so ist man – ich sage das, obwohl viele Freunde das anders beurteilen – verantwortlich, wie die eigene Stimme klingt. Das klangliche Ergeb„Oft genug nis entspricht und folgt dem, was man will oder wollte ich wie eben nicht will, gepaart mit den individuellen ein anderer physiologischen Voraussetzungen – oft genug klingen ... das wollte ich wie ein anderer klingen, zum Beiging natürlich spiel wie Fritz Wunderlich oder José van Dam – das ging natürlich nicht. Ich kam schließlich zu nicht.“ der Auffassung, dass die „Schönheit“ einer Stimme vor allem davon abhängt, wie sehr ein klangliches inneres Erleben mit den äußeren Möglichkeiten kongruiert. Ich möchte aber auch nicht sagen, bloß weil ich viel Glück gehabt habe, jeder ist seines Glückes Schmied. So arrogant möchte ich nicht sein. CRESCENDO: Vorsichtiger Einschub: Sie leiden unter einer chronischen Erkrankung, die unter Umständen auch Ihre Berufsausübung einschränkt, Sie von bestimmten Projekten abhält, etc. Wie geht man mit diesem Grenzbereich von Privatem und Beruflichem um? GERHAHER: Ich möchte meine Erkrankung eigentlich nicht so in den Vordergrund stellen und würde Ihre Frage gerne umdeuten: Welche Forderungen stellt der Beruf an einen Sänger, und wie geht man damit um? Ich muss schon sagen, es ist schwierig, wenn man sein Leben so lange vorplanen muss. Auf Jahre hinaus Termine festlegen – das ist kein Lippenbekenntnis – ich glaube, das ist wirklich schwierig. Diese Pflicht, alles tadellos erfüllen zu müssen. Ich habe zum Beispiel volles Verständnis, wenn Sänger sagen: „Ich kann mir nicht mehr vorstellen, diese Rolle zu singen.“ Oder dass man manche Planungen einfach aus persönlichen oder familiären Gründen verändern muss. Es ist zwar nicht einfach für den „Betrieb“, aber da muss man Nachsicht üben. Ein Leben ist nicht so planbar wie eine Opernkarriere ... CRESCENDO: Jetzt fällt es schwer, zu einem schönen Schluss überzuleiten. GERHAHER: Ach, ich bin sehr dankbar dafür, wie es momentan läuft. Ich hab nur eine Angst: dass die Zeit, die beruflich am besten läuft, auch die Zeit ist, die familiär am wichtigsten ist. Wenn ich meine Kinder aus dem Haus hab und dann nicht mehr singen kann – das wäre schade. CRESCENDO: Ach, da kommen doch Ihre Enkel. Ádám Fischer hat uns neulich erzählt, nur eines wäre schöner als Kinder zu haben: Enkel zu haben! GERHAHER: Oooch, wissen Sie, da mache ich lieber mit meiner Frau eine interessante Reise. //

Liebe auf den ersten Blick gibt es auch bei Instrumenten. Im Fall von Linus Roth funkte es mit der Stradivari „Dancla“ von 1703. Als er die 1997 in die Hände nahm, wusste er auf Anhieb, dass „es passt, weil sie ein ganz besonderes Instrument mit eigener Persönlichkeit ist, das ohne Limit klanglich alles mitbringt“. Seit dessen Erwerb durch die Musikstiftung der Landesbank BadenWürttemberg arbeitet Linus Roth noch intensiver an dem, was für ihn das „größte Glück“ und „Heimat“ zugleich ist: klassische Musik, bevorzugt Bach, Beethoven, Brahms und MendelssohnBartholdy. Die spielt er auf über 60 Konzerten pro Jahr, wobei die Rangordnung klar ist. „Ich bin zwar eine Rampensau, will mich aber nicht vor die Musik stellen.“ Um die bis ins letzte zu durchdringen, übt der Wahl-Münchner mehrere Stunden täglich und beschäftigt sich ausgiebig mit jedem Werk und seiner Entstehung. Und das seit seiner Kindheit. Mit sechs Jahren bekam der Sohn zweier Musiker seine erste kleine Geige, wurde mit zwölf in die Vorklasse der Musikhochschule Freiburg aufgenommen, studierte später in Lübeck, Zürich sowie München bis zum Solistendiplom und gewann u.a. den ersten Preis des Bundeswettbewerbs „Jugend musiziert“ 1992 sowie einen ECHO Klassik als „Bester Nachwuchskünstler 2006“ für seine Debut-CD bei EMI. Eine ebenso erfolgreiche wie „kontinuierliche Entwicklung“, bei der Linus Roth „einen Schritt nach dem anderen“ auf seinem Weg gegangen ist. Dazu gehört auch, sein bereits drittes Album bewusst bei Challenge Classics zu veröffentlichen, weil ihm dieses kleine Label genau „das Repertoire ermöglicht, das ich will“ – Brahms’ „Violin Sonatas“. Oder in den kommenden Monaten sowohl bei Recitals mit seinem Lieblingspianisten José Gallardo als auch als Solist mit Orchestern zu konzertieren. Sein Ziel: die Zuhörer so zu berühren, dass sie „den Alltag vergessen, Spaß haben oder tief empfundene Gefühle haben.“ (Infos zu Linus: www.linusroth.com). Antoinette Schmelter de Escobar Abo-CD Track 7 (s. Seite 37) www.crescendo.de 02_2011 | 17

{ H I S T O RY }

Partei Ergreifend

Nur wenige mögen bestreiNachfolge Wagners, kein ten, dass Wilhelm FurtEiferer für teutonische wängler einer der ganz groGlaubenssätze, wie dies ja ßen Musiker des vergangebis heute einem Hans P�tznen Jahrhunderts war. Und ner anhaftet, und wie das so gibt es heute denn auch auch Arnold Schönberg ve– neben den Toscanini- und hement vertrat, bevor er, der Celibidache-‚Gemeinden’ – „falschen Rasse“ zugehörig, keinen Dirigenten, der weltmit dem nationalistischen weit so viele Anhänger hätte. Bann�uch belegt wurde. Nach wie vor wird in allen Die Frage, die sich heuerreichbaren Archiven gete angesichts anhaltender fahndet, ob sich noch weiteFeuilleton-Wetterlage jeder re Aufnahmen seiner Kunst Ahnungslose stellen muss, finden. Legenden geistern lautet: War Wilhelm FurtDirigent Wilhelm Furtwängler umher, und vielleicht �ndet wängler ein Nazi? sich ja irgendwann tatsächlich doch noch irgendwo ein RundfunkmitWer selbst nicht in die Verlegenheit gekommen ist, hier für sich in schnitt von Joseph Haydns „Schöpfung“ unter dem großen Stern am den Wirren der Zeit eine Entscheidung treffen zu müssen, wer also deutschen Dirigentenhimmel. Das wäre eine echte Sensation, die den mit dem Kon�ikt Karriere versus Gewissen in dieser dramatischen internationalen Sammlermarkt in Verzückung setzen würde. und bedrohlichen Form nie in Berührung gekommen ist (und das gilt Wilhelm Furtwängler glaubte an einen deutschen Humanismus. für fast jeden, der heute schreibt), kann sich natürlich leicht tun im Er war, wie fast alle Maestri seiner Zeit, überzeugt von der qualita- Urteil, was hätte sein müssen und was nicht hätte sein dürfen. Eine tiven Überlegenheit seiner Kultur, von den gewachsenen „geistigen nüchterne Selbstbetrachtung, wie es mit der eigenen Aufrichtigkeit, Werten“, und sah sich in der Verantwortung, diese Werte fortzufüh- Zivilcourage und Dissensfähigkeit bestellt ist, kann da Wunder der ren und für ihre lebendige Überlieferung einzutreten. Wenn wir das Erkenntnis bewirken und Unterscheidungsfähigkeit und Einfühlungsheute in einer anderen Relation sehen mögen und auch die „dunkle vermögen fördern, ohne dass der Meinungsbildner gleich zum lavieSeite“ der monumentalen (westlichen) Hochkultur sehen und vor renden Weichspüler werden muss. allem ihrer längst eingeleiteten Dekadenz gewahr sind, so ist dies Als um den 25. Januar die Beiträge zum 125. Geburtstag Furtwängkeine Forderung, die wir auf eine frühere Generation übertragen kön- lers vom Stapel gelassen wurden, war sich ein Großteil der Kommennen. Jedenfalls war Furtwängler beispielsweise kein Antisemit in der tatoren in despektierlich vorauseilender Gebärde einig: „Furtwängler

Foto: Library of Congress, Prints & Photographs Division, 37828

125 Jahre Wilhelm Furtwängler und das Feuilleton stellt erneut die Frage: War der Dirigent ein Nazi? Unser Autor Christoph Schlüren reiste in die Vergangenheit und kommt zu einem klaren Entschluss.

kaum Schätzbares bewirkt für die Menschen, die im Land blieben und nach einer geistigen Orientierung innerhalb der organisierten Massenpsychose suchten. Er war dabei kein Held, der sein Leben riskierte, sondern ein Mann, der stets weiter nach gangbaren Lösungen suchte und dafür manchen Kompromiss in Wort und Tat einging, der ihm noch als das geringstmögliche der verfügbaren Übel erschien. Er hätte rechtzeitig Deutschland den Rücken kehren und in die Emigration gehen können, und sein Ruf wäre unbeschädigt geblieben. Alternativ dazu hätte es wohl einzig noch den Rückzug ins Privatleben gegeben. Wer etwas bewirken wollte, musste immer und überall mit den Mächtigen dealen. Und wenn man ihm eines vorwerfen kann, dann dies. Die Fähigkeit, wirken zu können, hat er – nicht zuletzt aufgrund des öffentlichkeitsträchtigen Entnazifierungsverfahrens und

Wilhelm Furtwängler (geboren 1886 in Berlin-Schönefeld, gestorben 1954 in Ebersteinburg bei Baden-Baden). Auf den Fotos dirigiert Furtwängler vor den Granden des Nationalsozialismus die Berliner Philharmoniker in einer Werkshalle. Wer sich dem Musiker Furtwängler über historische Tondokumente nähern will, sei sowohl auf eine EMI-Kompilation mit seinen berühmtesten Aufnahmen hingewiesen als auch auf eine bei Membran erschienene Box mit 106 (!) CDs, die – bis auf ein paar Marginalien – das gesamte aufgenommene Repertoire Furtwänglers enthält. Abo-CD Track 5 (s. Seite 37)

vorübergehenden Auftrittsverbots, dem ihn die amerikanischen Befreier nach Kriegsende unterzogen – teuer bezahlt. Er hatte seine Schwächen, manches Manöver hätte von mehr Intelligenz und weniger persönlicher Gekränktheit getragen sein können, doch wer kann so ohne Weiteres von sich sagen, unter solch enormem Druck umsichtiger und vorausschauender agieren zu können? Wer übrigens genauer Bescheid wissen möchte über die nüchternen Fakten der Musikerschaft im Nationalsozialismus, sollte sich – und das ist das Mindeste, was von jedem, der mitdiskutieren möchte, zu erwarten ist – anhand von Fred Priebergs wissenschaftlichem Vermächtnis, dem nur auf CD erhältlichen „Handbuch deutsche Musiker 1933-45“, das mehr als 50 Jahre Recherchearbeit auf über 10.000 Seiten zusammenfasst – weiter informieren. Hier kann man fast jede Behauptung auf ihre Stichhaltigkeit überprüfen. Wer sich nicht auskennt, dürfte spätestens bei dieser Lektüre erkennen, dass viele Legenden kaum Wahrheitsgehalt aufweisen. // Fotos: Archiv Helge Grünewald (u); bpk (o)

war natürlich ein Nazi“, und natürlich „trotzdem ein großer Künstler“ – mehr oder weniger groß, je nach Meinungs- und Kompetenzlage des Experten –, und auf der Grundlage dieser Behauptung kann man dann so „aufschlussreichen Tendenzen“ nachgehen wie dem Auseinanderklaffen menschlicher und künstlerischer Integrität. Nur – es gibt hier ein schlichtes Tatsachenproblem, und das ist so einfach wie die Gretchenfrage: Furtwängler war kein Nazi. Dieses Statement ist – anders als das Gegenteilige, das gerne als „common sense“ verbreitet wird – aufgrund der Indizienlage lückenlos belegbar. Die Beweislage hat kein Geringerer erbracht als Fred Prieberg (1918-2010), der akribischste und konzessionsloseste Aufarbeiter und Dokumentator der Musik im Nationalsozialismus. Sein 1986 bei Brockhaus in Wiesbaden erschienenes Buch „Kraftprobe. Wilhelm Furtwängler im Dritten Reich“ begleitet kritisch sämtliche Schritte des Protagonisten in der Zeit, als Deutschland in der Barbarei versank. Das Fazit lautet: Furtwängler war weder tollkühner Widerstandskämpfer noch unpolitisch passiv. Er glaubte tatsächlich, sich mit der unsichtbaren Macht der deutschen Geistesgeschichte im Kreuz den Schergen des Antisemitismus und völkischer Primitivität wirkungsvoll entgegenstellen zu können. Wäre das Musizieren eine ökonomisch nützliche Tätigkeit in Arbeitslagern gewesen, hätte er damit vielleicht sogar reüssieren können. Doch im Rampenlicht, die ihm unterstellten Akteure in begehrten, beneideten Positionen im Berliner Philharmonischen Orchester, war Schutz nur in Anfangszeiten des „Tausendjährigen Reichs“ möglich. Solange irgend machbar, dirigierte er Mendelssohn und den verfemten Volksfeind Paul Hindemith, und stellte sich schützend vor seine jüdischen Musiker, darunter den grandiosen Konzertmeister Szymon Goldberg, der später als Leiter des Niederländischen Kammerorchesters immer wieder betonte, Furtwängler die entscheidenden Impulse als Musiker verdankt zu haben. Furtwängler wurde nicht Parteimitglied, hatte massiv unter den Anfeindungen und Intrigen der Clique um Hermann Göring zu leiden und – anders als etwa seine Konkurrenten Herbert von Karajan, der gleich zweimal der NSDAP beigetreten ist, Hans Knappertsbusch und Karl Böhm – vermied er es soweit irgend möglich, bei of�ziellen Anlässen der Partei als deren propagandistisches Aushängeschild aufzutreten. Man denke sich dergleichen in der stalinistischen Sowjetunion – unvorstellbar, ohne mit dem Gulag oder dem Leben dafür zu bezahlen. Furtwängler hat

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{ KO L U M N E }

VON PA S C A L MORCH É

„EINMAL IN DER BONBONSCHACHTEL SITZEN“ Unser Kolumnist diagnostiziert die Bestätigung eines befürchteten Klischees: Viele Opernhäuser vertrauen (nur noch) auf eine spektakuläre Hülle.

Vor Weihnachten war ich kurz in Australien. Ein paar Tage Sydney sind in dieser Zeit auch für Opernfreunde die wahre Freude. In den hiesigen Sangestempeln gibt es dann meist nur den familienkompatiblen Kanon des gängigsten Repertoires: „Zauberflöte“, „Bohème“, „Hänsel und Gretel“. Und auch unserem nasskalten Winterwetter entkommt man am besten am anderen Ende der Welt. Übrigens ist es eine großartige Sache, dorthin mit der Airline Emirates zu fliegen. An Bord des neuen A--Fliegers gibt es 1. (in Worten eintausendzweihundert) Entertainmentprogramme. Ich möchte hier keine Werbekampagne starten, aber die Info, dass sich im Emirates-Sessel der gesamte (!) Wagner„Ring“, Beethovens späte Streichquartette und viele andere Klassik-Schmuckstücke finden, halte ich für durchaus erwähnenswert. Es kommt übrigens gut auf Parties, wenn man nebenbei einen Satz wie „ich habe nochmal in Soltis ‚Rosenkavalier‘ reingehört als ich nach Sydney flog“ fallen lässt. Aber das nur nebenbei. Doch zum eigentlichen Thema: Von Sydney kennt man eigentlich nur die Brücke (Silvester-Feuerwerk) und das Opernhaus. Das hat es sogar schon auf die Briefmarken des Landes geschafft. Ja, das Opernhaus mit seiner wirklich fantastischen Architektur des Dänen Jörn

Utzorn ist ein absolutes „must“ für alle Touristen (die man in Australien kaum bemerkt, denn das Land ist ja auch verdammt groß). Die Opernsaison des Hauses war bereits beendet, aber an diesem australischen Frühsommertag, dem . November, gab es immerhin ein Konzert des Sydney Symphony Orchestra: Vladimir Ashkenazy dirigierte Mahlers Vierte. Also: Karte gekauft und reingegangen! Gleich vorweg: Die Architektur von Utzorns Oper hält innen nicht, was sie von außen verspricht. Nun sind Mahler und das zuvor von Ashkenazys Sohn Dimitri gespielte Mozart Klarinettenkonzert ohnehin Grüße aus der fernen Heimat. Doch sie blieben nicht die einzigen. Vor mir erwähnte ein Ehepaar aus Iserlohn, dass die Akustik im Konzerthaus von Dortmund doch wesentlich besser sei (stimmt) und hinter mir saßen zwei Damen aus Hannover, die sich mehrfach an die Filmmusik aus „Tod in Venedig“ erinnert fühlten (stimmt nicht, denn dort wurden die Mahler Symphonien  und  verhackstückt). Mir wurde klar: Ich bin hier in keinem Opernhaus, sondern in einem Touristentempel! Ganz ehrlich: Dieses Erlebnis hat man öfters: Nirgendwo in New York trifft man soviele deutsche Landsleute wie im Foyer der Metropolitan Opera, wenn die x-te Zeffirelli-

Das Opernhaus ist ein „Must“ für alle Touristen.

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„Traviata“ über die Bühne geht; nirgendwo sieht man soviele japanische und amerikanische Touristen ihre Handycams zücken wie in der Wiener Staatsoper an einem ganz gewöhnlichen Repertoireabend; nirgendwo stehen Touris so traurig vor meist verschlossenen Türen wie vor dem La Fenice in Venedig und nirgendwo ist die Oper derart grand final einer Kaffeefahrt wie in Dresden, wo Touristen jenen Prachtbau von Gottfried Semper oft auch für die Brauerei des guten Radeberger Biers halten. Bestimmte Opernhäuser sind eben unverwüstliche Touristentempel und Reiseunternehmen, die einzelne Vorstellungen ausmieten, zahlen gern Zuschläge von bis zu  Prozent. (Übrigens kann man an den genannten Häusern die Touristenherden nochmals in zwei Kategorien unterteilen: Jene, die nur eine Führung durch das jeweilige Opernhaus mitmachen – was der hausinterne Betrieb wegen laufender Probenarbeit meist nicht sonderlich schätzt – und jene, die sich eine Karte kaufen, oder diese gleich vorweg über ihren Reiseveranstalter buchen lassen. Was aber macht Opernhäuser zu Touristenmagneten? Warum wollen Menschen, die eventuell niemals in die Oper gehen, unbedingt in Wien oder Dresden den Theatervorhang aufgehen sehen? Und wie sollen sich Intendanten diesem nicht heimischen Publikum gegenüber verhalten, für das sie ja „eigentlich“ keine Oper machen, das sie

aber auch als gut zahlende Käufergruppe auf keinen Fall vergraulen wollen? Die Antworten darauf sind komplex: Zum einen ist es gewiss die Aura, diese große historische Tradition eines Hauses, inklusive seiner festlichen, zumeist pompösen Architektur (Wien, Dresden). Die will auch der opernferne Tourist mal „auf sich wirken lassen“; er will Teil des Festes werden, will einmal in der Bonbonschachtel sitzen! Zum anderen aber ist es – ähnlich wie bei Museen – oft auch ultramoderne Architektur, die Musentempel zur Touristenattraktion werden lässt. Das 1 vollendete Opernhaus von Sydney ist dafür bestes Beispiel. Andere sollten folgen: Muziektheater Amsterdam (1); Aalto Theater, Essen (1); Opéra Bastille, Paris (1); Lyon (1); Tel Aviv und Helsinki (1); Kopenhagen (); Valencia (); Oslo (). Im Jubel über diesen Opernhausbauboom mag aber nicht vergessen werden, dass er in erster Linie der Eitelkeit von Lokalpolitikern und Bürgermeistern geschuldet ist. Jene Politiker also, die gerne einen Wettstreit unter Städten um „den Konzertsaal“ mit der besten Akustik und „das Opernhaus“ mit der futuristischsten Architektur vom Zaun brechen, auf dass ihre Stadt für Touristen (noch) attraktiver werde. Für diesen Wettstreit braucht man heute immer einen prominenten Architektennamen. Und so ist der Architekt eines neuen Konzertsaals oder Opernhauses längst nichts anderes mehr als ein in glamouröser Absicht von Stadt und Staat gehätschelter Bauwerklieferant. Das Wichtigste an der Elbphilharmonie in Hamburg ist nämlich nicht, wie sie einmal klingen und wer sie gar bespielen wird, sondern der Name des Architekturbüros: Herzog & de Meuron. Ein Name, den man eitel ausspricht, als ein Label, das die Stadt schmücken und ihr Status geben soll – schließlich interessierte sich für Bilbao auch niemand, bevor Frank Gehry dort das Guggenheim-Museum baute. Ja, es ist dieser Bilbao-Effekt auf den gehofft wird, wenn man Touristen Inhalt über die Verpackung verkaufen will. Da kann dann der abgeleiertste „Barbier“ über die Bühne gehen – die Kaffeefahrttanten werden schon jubeln; da kann die abgenudeltste „Tosca“ ge-

spielt werden – Hauptsache alle Partien sind fürs Namedropping mit Promi-Sängern besetzt, die der Tourist aus den Medien kennt. Nun geht es Intendanten und Operndirektoren aber um Inhalt und eben nicht (nur) um die Verpackung. Stehen sie an der Spitze von Opernhäusern, die primär Touristenmagneten sind, so üben sie mit jeder Entscheidung den Balanceakt: Die Herden, in den vorm Opernhaus parkenden Bussen, sie will man ANZEIGE

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NYMPHIDIA - The Court of Faerie Phantastische Balladen und Tänze aus dem elisabethanischen und jakobinischen England Carpe Diem Records | im Vertrieb der NAXOS Deutschland GmbH

nicht verprellen und doch sollen weder Spielplan noch musikalische oder inszenatorische Arbeiten sich ihnen anbiedern. Schließlich – und völlig zu Recht – will ein Intendant zuallererst „seinem“ Haus eine prägende, der jeweiligen Stadt und Gesellschaft typische, unverwechselbare künstlerische Identität geben. Man darf gespannt sein, wie die Intendanten der New Yorker Met, der Wiener Staatsoper und der Semperoper Dresden in den nächsten Jahren diesen Spagat zwischen

Tourismusattraktion und originärer Opernarbeit hinbekommen. Nahezu zeitgleich sind an jenen drei großen Häusern, die gerade (auch) als Touristentempel bekannt und verschrien sind, neue Intendanten gestartet: New Yorker Met (Peter Gelb), Wiener Staatsoper (Dominique Meyer), Semperoper Dresden (Ulrike Hessler). Alle drei versprechen den künstlerischen Schlendrian, der sich in den überlangen Amtszeiten ihrer Vorgänger eingeschlichen hat – und sich einschleichen konnte, da er den Touristen eh wurscht ist – zu beenden, ohne natürlich die Busladungen draußen vor der Tür zu vergraulen. Ihnen muss die Quadratur des Kreises gelingen, aber deshalb machen sie ja auch den Job. Eigen ist diesen drei neuen Intendanten, dass sie als erste Amtshandlung ihre Häuser gezielt für das heimische Publikum, die Gesellschaft ihrer Städte, zu öffnen versuchen. So sagt auch Ulrike Hessler: „Natürlich ist es sehr, sehr erfreulich, wenn der Besucher einer Stadt automatisch auch in die Oper gehen will. In welcher Stadt gibt es das schon?“ Die neue Intendantin der Semperoper ist sich aber auch bewusst, „dass  Prozent der Karten an auswärtige Besucher“ gehen. Recht Erfolg versprechend versucht Hessler bereits in ihrer ersten Spielzeit mit einer Vielzahl an spielplanerischen und marketingtechnischen Massnahmen mehr Dresdner Publikum direkt an ihr Haus zu binden. So führt sie offene, neue Formate wie Jazzabende, Intermezzi, Junge Szene oder eine Verlängerung der „Dresden Tage“ ein und wendet sich mit jeder zweiten Vorstellung einer Neuproduktion zu günstigen Kartenpreisen bewusst direkt an die Dresdner. „Die Bewohner einer Stadt“, so Hessler, „sollen über ihre Oper reden.“ Der Spagat muss gelingen, schließlich sitzen auch Münchner im Hofbräuhaus und selbst Pariser besuchen ihren Eiffelturm. Wenn sich Häuser wie die Wiener Staatsoper nicht als künstlerisch austauschbare, tönende Touristenfallen präsentieren, sondern sich eine, wie Ulrike Hessler für die Semperoper elegant reklamiert, „spezifische couleur locale behalten“, dann würden sich auch meine Sorgen im nächsten Flugzeugsessel in (der) Luft auflösen. //

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{ IMPRESSUM }

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VERLAG

Juliane Banse

Port Media GmbH, Senefelderstraße 14, 80336 München Telefon: +49- (0)89-741509-0, Fax: -11 info@crescendo.de, www.crescendo.de Port Media ist Mitglied im Verband Deutscher Zeitschriftenverleger und im AKS Arbeitskreis Kultursponsoring

singt die schönsten Liebesarien besarien b esari

HERAUSGEBER Winfried Hanuschik | hanuschik@crescendo.de

VERLAGSLEITUNG Petra Lettenmeier | lettenmeier@crescendo.de

CHEFREDAKTEUR Robert Kittel (verantwortlich)

ART DIREKTOR

Best.-Nr.: 93.262 Eine kluge und anspruchsvolle Auswahl von Liebesarien. Neben ausgewählten Klassikern von Mozart, Puccini, Bizet und Gounod hat Juliane Banse auch einige weniger bekannte Arien aus Webers “Der Freischütz“, Tschaikowskys “Eugen Onegin”, Smetanas “Die verkaufte Braut” und Massenets “Manon” ins Programm dieser wunderschönen CD aufgenommen.

Foto: © Susi Knoll

Stefan Steitz

CHEF VOM DIENST Michaela Wurstbauer

AUTOREN Tobias Haberl, Teresa Pieschacón Raphael, Christoph Schlüren

KOLUMNISTEN Pascal Morché, Attila Csampai, Daniel Hope

MITARBEITER DIESER AUSGABE Carlo Mertens, Martin Morgenstern, Angelika Rahm, Burkhard Schäfer, Antoinette Schmelter de Escobar, Uwe Schneider, Bob Coat, Christian Kortmann, Hans-Jürgen Kuntze, Julia Kimmerle, Sascha Fröhlich, Jens F. Laursson.

Mit ihrer fantastischen Stimme und einem tiefen Einfühlungsvermögen präsentiert Juliane Banse überzeugend eine große Bandbreite an Gefühlen: Ob schüchtern oder schlau, leidend oder leidenschaftlich: Sie versteht es, dem besonderen Charakter und der emotionalen Tiefe der jeweiligen Frauengestalt einer Oper gerecht zu werden. Dirgiert von Christoph Poppen und sensationell begleitet vom Orchester der Deutschen Radio Philharmonie!

PROJEKTLEITUNG PLUS REGIONAL Liselotte Richter-Lux | richter-lux@crescendo.de

VERLAGSREPRÄSENTANTEN Tonträger: Petra Lettenmeier | lettenmeier@crescendo.de Kulturbetriebe: L. Richter-Lux | richter-lux@crescendo.de Hifi & Marke: Heinz Mannsdorff | mannsdorff@crescendo.de

Juliane Banse brilliert auf dieser CD, ebenso als Agathe in „Der Freischütz“, ein preisgekrönter Film von Jens Neubert nach der romantischen Oper von Carl Maria von Weber.

AUFTRAGSMANAGEMENT Petra Lettenmeier | lettenmeier@crescendo.de

(Seit 23. Dezember 2010 in den Kinos)

GÜLTIGE ANZEIGENPREISLISTE Nr. 14 vom 01.09.2010

hänssler CLASSIC mit neuen großartigen Aufnahmen

DRUCK Westermann Druck Georg-Westermann-Allee 66, 38104 Braunschweig

Festival Edition Schwetzingen

ERSCHEINUNGSWEISE

Grammy® nominiert

crescendo ist bei Opern- und Konzert häusern, im Kartenvorkauf und im Hifi- und Tonträgerhandel erhältlich. Copyright für alle Bei träge bei Port Media GmbH. Namentlich gekennzeichnete Beiträge geben die Meinung des Verfassers, nicht unbedingt die der Redaktion wieder. Nachdruck und Vervielfältigung, auch auszugsweise, nur mit schriftlicher Genehmigung des Verlags. Für unverlangt eingesandte Manuskripte und Fotos wird keine Gewähr übernommen.

ANGABE DER BETEILIGUNGSVERHÄLTNISSE Gesellschafter der Port Media GmbH: Winfried Hanuschik (100 %)

Svjatoslav Richter Piano Concert Edvard Grieg, César Franck, Maurice Ravel Best.-Nr.: 93.712 Alexis Weissenberg Piano Recital 1972 Frédéric Chopin Best.-Nr.: 93.710

Antonio Salieri II Ouvertüren und Bühnenmusik Mannheimer Mozartorchester, Thomas Fey, conductor Best.-Nr.: 98.554

ABONNEMENT Das crescendo premium-Abo umfasst sieben Ausgaben, inklusive „crescendo festspiel-guide“ und zusätzlich sechs exklusive heftbegleitende premium-CDs und kostet 49,90,– EUR pro Jahr inkl. MwSt. und Versand Versand ins Europ. Ausland: zzgl. EUR 10,- Bank-/Portospesen Zahlung per Rechnung: zzgl. EUR 5,- Bearbeitungsgebühr. Kündigung: nach Ablauf des ersten Bezugsjahres, jederzeit fristlos. (Stand: 1.1.2011)

Joaquin Turina Mezzo Soprano Lucia Duchonovà Best.-Nr.: 98.608

Abo-Service crescendo, Postfach 13 63, 82034 Deisenhofen Telefon: +49-89-8585-3548, Fax: -362452, abo@crescendo.de Verbreitete Auflage: 73.209 (laut IVW-Meldung IV/10) ISSN: 1436-5529 geprüfte Auflage

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BEILAGENHINWEIS: Diese Ausgabe enthält Teilbeilagen des ZEIT Verlages/Weltkunst, des Menuhin Festival Gstaad und der Allgäu Marketing GmbH/MusikHochGenuss .

DAS NÄCHSTE CRESCENDO ERSCHEINT AM 8. APRIL 2011

{ REZENSIONEN }

Foto: Lucille Reyboz

Grüße mit Groove: Robin McKelle

Robin McKelle

SOULIGES UPDATE Sie sei eine „Hard Working Woman“, meint Robin McKelle von sich selbst. Außerdem überlasse sie ungern etwas dem Zufall. Also hat die Sängerin aus Rochester, US-Bundesstaat New York, ihr drittes Album „Mess Around“ selbst produziert und dem eigenen Sound ein neues Gewand verpasst. Bislang kannte man sie als Traditionalistin, swingend mit Big Band im Rücken. Das Update klingt jetzt souliger, hat Lieder von Popkollegen wie Leonard Cohen im Programm und Gäste wie den

Saxofonisten Houston Person im Line-Up. Robin McKelles Stimme trägt die Musik, hat Kraft und die nötige Emphase, um nicht an der Seele des Souls zu scheitern. „Mess Around“ ist daher unsere Entdeckung des Monats und versierter Entertainment Jazz, souverän genug, um weiter Freunde zu sammeln. SASCHA FRÖHLICH

Jazz

Robin McKelle: „Mess Around“ (RCA))

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{ REZENSIONEN }

ls Glenn Gould 1954 seine erste Version der „Goldberg-Variationen“ bei Columbia herausbrachte, wurde er über Nacht weltberühmt. Wer heute ein ähnliches Wunder vollbringt, muss darum bangen, überhaupt HIER REZENSIERT wahrgenommen zu werden. Denn der wirkliche Fortschritt �ndet längst abseits der grossen PR-Bühnen, in der reichen musikalischen Gegenwelt der Independents statt. Die Folge: Viele Juwelen werden schlicht übersehen. Die junge, in München lebende Georgierin Irma Issakadze hat jetzt mit Bachs „Partiten“ eine sensationelle neue Referenzmarke gesetzt, und es dabei fertiggebracht, just Goulds alte, stets ein wenig überschätzte Version klar hinter sich zu lassen. Wie schon bei ihrem ersten Bach-Album (mit den „Goldberg“-Variationen) durchwirkt sie die komplexen Strukturen Bachs mit einem feminin anmutenden Wärmestrom der tastenden Emp�ndsamkeit und steigert diese „sprechende“ Polyphonie in den gewichtigen Ecksätzen zu �ammender, dramatischer Sinnlichkeit, so dass sie die bei Gould vorherrschende spröde Motorik in zutiefst menschliche Klangrede, in durchlebten Kontrapunkt verwandelt. Der ständig wiederkehrende Kanon wird von stilisierten Tanzstücken mit Seele und Charakter ausgestattet. Diese romantisch anmutende Sensibilität steht auf dem festen Boden unerschütterlichen Ernstes und eines wunderbar ausdifferenzierten, substanzreich-runden Anschlags, der niemals seine klaren Konturen verliert und auf dem großen Steinway weitgehend ohne Pedaleinsatz einen betörenden Reichtum an Farben und Stimmungen ausbreitet. Diese Ganz ehrlich: Das ist für mich die beste, suggestivste Bach-Klavieraufnahme seit romantisch langem und ein wunderbares Verspreanmutende Sensichen für eine große Zukunft. bilität steht auf dem Einen ähnlichen Ansatz „moderfesten Boden uner- ner“, historisch orientierter, durchlebter Klangrede praktiziert der 31-jährige schütterlichen Südafrikaner Kristian Bezuidenhout auf Ernstes. alten Tasteninstrumenten, die er mit beherztem Zugriff und unbefangener Spiellaune aufblühen und glänzen lässt, als wären sie von heute: Auf seinem zweiten Mozart-Soloalbum hat er zwei gewichtige Sonaten (C-Dur KV 330 und c-Moll KV 457) mit den beiden Rondos in a-Moll und D-Dur und dem trostlosen h-Moll-Adagio zu einem eindringlichen Mo-

zart-Plädoyer zusammengefügt, das die falsche Patina des allzu Gefälligen und Harmlosen ein für allemal von diesen wunderbar pulsierenden, in allen Schattierungen funkelnden Diamanten abreißt und zugleich auch mit Nachdruck die AT T I L A C S A M PA I Tauglichkeit der hier verwendeten exzellenten Kopie eines Walter-Fortepianos aus dem Jahr 1802 unterstreicht. Dieses von Paul McNulty 2008 nachgebaute 5-Oktaven-Instrument verfügt über einen Reichtum an Klangfarben, der jeden Steinway graustichig erscheinen lässt, und Bezuidenhout nutzt diese Palette, um mit geschickter Agogik und atmenden Tempi die latente „Opernnähe“ von Mozarts Klaviersatz offenzulegen, zugleich aber auch die Seelenabgründe der c-Moll-Sonate oder auch die Trostlosigkeit des hMoll-Adagios in seiner schockierenden Gefühlstiefe auszuleuchten: Ein aufregender, berückender Aus�ug ins Museum der Leidenschaften. Den leidenschaftlichen Gefühlskosmos eines verliebten Mädchens von der ersten Sehnsucht bis zur bitteren Erkenntnis des Treuebruchs durchlebt Englands junger Opernstar Kate Royal in ihrem neuen Liederalbum: Mit ihrem wunderbaren, mächtigen Sopran und der pointierten, hellwachen Begleitung von Malcolm Martineau erteilt sie uns eine 29-teilige, unglaublich intensive „Lesson in Love“, wobei sie zwei Jahrhunderte durchstreift und 17 Komponisten in drei Sprachen konsultiert, von Schubert bis Bolcom. Faszinierend und unwiderstehlich ist vor allem die gestalterische Sicherheit, mit der die 31-jährige Londonerin dieses mit vielen Raritäten bestückte weibliche Leidenskompendium durchmisst und auch bei den deutschen Romantikern mit großem Opernton immer aufs Ganze geht, mit Leidenschaft gegen das weibliche Rollenbild aufbegehrend. Wer den anderen, stilleren, innerlichen Schubert-Ton bevorzugt, den Sänger und Pianisten gleichermaßen fürchten und so schwer treffen, dem empfehle ich das neue vierhändige Schubertalbum der beiden britischen Pianisten Paul Lewis und Steven Osborne: Die beiden exzellenten Solopianisten widmen sich hier vor allem den letzten vierhändigen Einzelstücken, die Schubert in seinem Todesjahr unter anderem auch für seine Schülerin Karoline Esterházy verfasste (in die er unglücklich verliebt war). Sie zeigen uns eindringlich, in welchem experimentellen Schaffensrausch er sich in dieser Zeit trotz aller Todesahnungen befand, und wie er selbst in diesen entlegenen, umschatteten Preziosen die große stilistische Loslösung von Beethoven vorantrieb und die Weichen stellte für die Romantik. Dass aus-

GEFÜHLE, LEIDENSCHAFTEN, TRAUER UND LEBENSFREUDE!

Attillas CDs des Monats

internationales musikfestival 19.märz bis 17.april 11 »zeitenwechsel«

J.S. Bach: „Sechs Partiten“ Irma Issakadze (Oehms Classics) Abo-CD Track 2 (siehe S. 37)

Mozart: „Klaviermusik Vol. 2“ Kristian Bezuidenhout (Harmonia Mundi) Abo-CD Track 10 (siehe S. 37)

Kate Royal: „A Lesson in Love“ 29 Lieder von Schubert bis Bolcom Kate Royal, Malcolm Martineau (EMI)

Schubert: „Piano Duets“ Paul Lewis, Steven Osborne (Hyperion)

Rossini: „Ouvertüren“, Mozart: „Don Giovanni“-Ouvertüre Chicago Symphony Orchestra, Fritz Reiner (Aufnahmen 1958) (RCA)

London Philharmonic Orchestra I András Schiff I Academy of St. Martin in the Fields

gerechnet zwei britische Pianisten hier so feinfühlig und spannungsreich den „authentischen“ Schubert-Ton treffen, ist erstaunlich und macht ihr neues Schubert-Album zu einem absoluten „Muss“ für jeden Klassik-Sammler. Und zum guten Ende ein historischer OuvertürenKnaller, der auch nach mehr als 50 Jahren jeden, auch den Klassik-Skeptiker, vom Stuhl reisst: Der 1888 in Budapest geborene Fritz Reiner gilt bis heute als Prototyp des unerbittlichen, autokratischen Präzisionsfanatikers, der seinen Musikern stets das letzte abverlangte, und der vor allem mit dem Chicago Symphony Orchestra in seinen legendären Living-Stereo-Produktionen für RCA Schallplattengeschichte schrieb. Jetzt hat Sony in seiner neuen Reissue-Edition „Originals“ ein bisher unter Verschluss gehaltenes Rossini-Album Reiners aus dem Jahr 1958 herausgebracht. Zunächst ist man sprachlos über die sensationelle Klangqualität der historischen StereoAufnahmen: Und wer da bislang meinte, Rossini sei eine Angelegenheit für Italiener oder Historisten, dem erteilt der gnadenlose Perfektionist Reiner nicht nur eine Lektion in orchestaler Virtuosität und Klangkultur, sondern er entfacht in der „Wilhelm Tell“-Ouvertüre solche Explosivkräfte des Dramatischen und Vorwärtsdrängenden, dass man unweigerlich mitgerissen wird von diesem Strudel entfesselter Lebenslust: Dieser Energiestrom reicht für die nächsten 200 Jahre, da bin ich mir sicher. //

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Thomas Hampson I Lars Vogt I Martin Grubinger I Venice Baroque Orchestra Fauré Quartett I Veronika Eberle Christoph Prégardien I Pierre-Laurent Aimard Roby Lakatos I Christian Tetzlaff I Gautier Capuçon I Maurice Steger I Kuss Quartett I Igor Levit I Mahler Chamber Orchestra u.v.m. Neu: Festival Akademie

Karten unter Tel. 06221 – 584 00 44, an allen bekannten Vorverkaufsstellen und unter www.heidelberger-fruehling.de

{ REZENSIONEN }

Foto: Julia Wesely

Piano Mihaela Ursuleasa

Mihaela Ursuleasa

ZUM STAUNEN Was für ein fulminanter Einstieg in die CD! Und was für eine herrliche Interpretation! Die – viel zu selten gespielte – „Rumänische Rhapsodie“ Nr. 1 ihres Landsmannes George Enescu entfaltet unter den Händen von Mihaela Ursuleasa eine Lebendigkeit und Farbenpracht, die einfach nur staunen macht. Und auf diesem hohen klang- und spieltechnischen Niveau geht es mit der – ebenfalls so gut wie nie zu hörenden – Suite für Klavier von Paul Constantinescu weiter. Aus ganz anderem Holz geschnitzt sind dann die Drei Klavierstücke D 946 von Franz

Mihaela Ursuleasa: „Romanian Rhapsody“ Enescu, Constantinescu, Schubert, Bartók (BERLIN Classics)

Nicholas Rimmer

Swiss Piano Trio

BEHERZT UND DEFTIG

WIE MEDELSSOHN SELBST

Nicholas Rimmer debütiert als Solopianist mit einem höchst originell konzipierten Album, das von Haydns pointiertem „Sauschneider“-Capriccio über Beethovens kühne Fantasie op. 77, William Byrd, Mozarts geniale Gluck-Variationen „Unser dummer Pöbel meint“, drei Poulenc-Improvisationen, eine idiosynkratische Variante Michael Finnisseys von Gershwins „Love is Here to Stay“, Bartóks freisinnige „Improvisationen über ungarische Bauernlieder“ und eine Fauré-Petitesse zu Percy Graingers „In Dahomey. Cakewalk Smasher“ den Bogen spannt. Wirklich toll zusammengestellt und sehr beherzt gespielt, teils deftig, teils kantabel und zart, und immer mit klarem Gestaltungsdrang. Auch tontechnisch präsent und plastisch, gewährt diese musikalische Reise viel kurzweiliges Vergnügen. CHRISTOPH SCHLÜREN Nicholas Rimmer: „Acht Sauschneider und andere Improvisationen“ (MVH-Medien)

Schubert, die erst 40 Jahre nach Schuberts Tod durch Brahms in den Druck gelangten – auch diese wunderbar dargeboten von einer Ausnahmekünstlerin, die man schon jetzt als eine ganz Große ihrer Zunft bezeichnen darf. Einen (weiteren) Höhepunkt der Scheibe stellt dann die Rhapsodie für Violine und Klavier Nr. 2 von Béla Bartók dar. Anspieltipp: Die improvisierte Einleitung (Track 10). Unbedingt empfehlenswert. BURKHARD SCHÄFER

Wie ein Espresso: Klassik in hochkonzentrierter Form. Seit 1998 spielen Angela Golubeva, Sébastien Singer und Martin Lucas Staub gemeinsam als Schweizer Klaviertrio. Jetzt haben sie zwei „Piano Trios“ von Felix Mendelssohn-Bartholdy eingespielt: beide in D-Moll op. 49 bzw. C-Moll op. 66, aber alles andere als düster. Vielmehr interpretiert das Schweizer Klaviertrio sie lebendig, leicht, instrumental ausgewogen und in ähnlich „zauberischer Frische“, mit der Mendelssohn die Werke selbst gespielt haben soll. ANTOINETTE SCHMELTER DE ESCOBAR Felix Mendelssohn-Bartholdy: „Piano Trios“ Swiss Piano Trio (audite)

Alexandre Tharaud

SCARLATTI PERFEKT UMGESETZT

Mit Freude erinnere ich mich an das Vergnügen, als ich zum ersten Mal Alexandre Tharauds Couperin-Album gehört hatte. Seither hat er uns solo und im Duospiel verwöhnt. Die schiere Vielseitigkeit, die seine Darstellung von 18 Sonaten Domenico Scarlattis auszeichnet, ist bemerkenswert: Man hört diese Scheibe durch und kann gar nicht genug bekommen. Wem sonst gelänge das bei einer solchen Zusammenstellung? CHRISTOPH SCHLÜREN „Alexandre Tharaud plays Scarlatti“ (Virgin Classics)

Symphonie Jonathan Nott

LUXURIÖS, ABER ETWAS ABSTRUS

Foto: Richard Haughton

Über mehrere Jahre haben die Bamberger Symphoniker unter Jonathan Nott die Symphonien Franz Schuberts eingespielt, und das Ergebnis ist differenziert und klar. Hinsichtlich Gestaltung von Harmonik und Melodik vermisst man aber die letzte Eindringlichkeit. Besondere Aufmerksamkeit erheischen die unterschiedlichen Schubert-Reflexionen zeitgenössischer Komponisten: Widmann, Rihm, Mantovani, Schnebel, Berio, Reimann, Henze, Zender und Schwertsik, unter welchen Jörg Widmanns „Lied“ und Luciano Berios „Rendering“ vielleicht die reizvollsten sind. Vieles aber – muss man sagen – ist hier abstrus geraten. CHRISTOPH SCHLÜREN Franz Schubert: „Symphonien 1 - 8, Dialog & Epilog“ Bamberger Symphoniker Bayerische Staatsphilharmonie, Jonathan Nott (TUDOR) Abo-CD Track 3 (siehe S. 37)

Bamberger Symphoniker Bayerische Staatsphilharmonie

Sir Georg Solti

VERRAUSCHT Gerade war Georg Solti (1912-1997) britischer Staatsbürger geworden, da verlieh ihm die Königin den „Sir“. Solti spielte natürlich gleich britisches: Edward Elgars Erste, bald darauf dessen Zweite Sinfonie und dann auch noch das Lieblingswerk des Engländers, die „EnigmaVariationen“ ein. Jetzt ist ein erster Schwung von acht „Legacy“-DVDs erschienen; Soltis Live-Einspielungen sind eine davon. Für anglophile Archivmäuse mag das hochspannend sein, die Tonqualität der Aufnahmen (aus den Jahren 1975 und 1979) ist jedoch unerträglich verrauscht und scheppernd. MARTIN MORGENSTERN

Edward Elgar: „Symphonie No. 2 Es-Dur“, „Enigma-Variationen“ London Philharmonic Orchestra, Sir Georg Solti (ica CLASSICS)

Charles Ives, Henry Brant

KRAFTVOLL

Charles Ives’ Concord-Sonate, ein Klassiker der Klavierliteratur der Moderne, gehört zu den enigmatischsten Werken des Repertoires. Dieses Opus hat nicht nur Ives selbst vier Jahrzehnte lang beschäftigt, sondern von 1958 bis 1994 auch den Kanadier Henry Brant, der eine Orchesterfassung davon erarbeitete. Das Ergebnis ist schön: kraftvoll, intensiv, farbenreich, lebendig. Michael Tilson Thomas ist mit dem breiten Klang seines San Francisco Symphony dabei ein idealer Anwalt. UWE SCHNEIDER Ives, Brant: „Concord Symphony”, Copland: „Organ Symphony“ San Francisco Symphony, Michael Tilson Thomas (SFSmedia)

Andris Nelsons

ETWAS ZÄH

In der von Andris Nelsons mit dem City of Birmingham Symphony Orchestra eingespielten Interpretation von Richard Strauss’ letzter Sinfonischen Dichtung fallen einem die langsamen Tempi auf. Die Musik gerät hier schwerfällig, breit und zäh. Nelsons betont die wuchtige Seite der „Alpensinfonie“ – auch in der Dynamik – und vernachlässigt oftmals die Feinheiten, versäumt es, lyrische Stellen aufblühen zu lassen. Uneingeschränkt faszinierend gelang dagegen Salomes Tanz der sieben Schleier in seiner sinnlichen Mischung aus Zartheit, Delikatesse und Ekstase. ANGELIKA RAHM

Richard Strauss: „Eine Alpensinfonie“ City of Birmingham Symphony Orchestra, Andris Nelsons (Orfeo)

It s all abou Its about ab out musi out music! mu sic! sic! ’

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{ REZENSIONEN }

Der Übermusiker

Den Maßstab aller Geiger, Jascha Heifetz, gibt es jetzt als Edition mit 103 CDs

Geige

Jascha Heifetz – The Complete Album Collection Alle zwischen 1950 und 1977 veröffentlichten LP-Programme plus drei Bonus-CDs. Aufnahmen 19171972, diverse Dirigenten und Orchester, diverse Solisten. (erschienen bei Sony Classical)

in einer umfassenden „Complete Album Collection“ auf 103 CDs (+ 1 DVD) zusammengefasst worden sind: Neben den hauseigenen RCA- und Columbia-Beständen hat man hier auch alle britischen HMV-Produktionen Heifetz’ aus den Jahren 1934-1951 mit aufgenommen, und sie durch ein dreistündiges Extra-Programm mit bislang unveröffentlichten RCA-Aufnahmen aus den Jahren 1934-1964 ergänzt, darunter eine hochinteressante frühe Einspielung des Brahms-Konzerts unter Koussevitzky aus dem Jahr

1937. (Lediglich einige 1944-46 für die amerikanische Decca eingespielte Zugabestücke sind in der „Collection“ nicht enthalten.) Die Aufteilung der 50stündigen Diskographie erfolgte „historisch korrekt“ nach den Veröffentlichungsdaten der alten LP-Programme, die man in exakten Eins-zu-Eins-Tranfers auf das kleinere CD-Format überspielt hat, inklusive der alten Originalcover. Das sorgt zwar für viel nostalgisches Flair, stiftet aber dennoch einige Verwirrung, da sich die „listing dates“ (Erscheinungsdaten der LPs) nicht nach den Aufnahmedaten richten: So �nden sich die frühesten Trichteraufnahmen Heifetz’ erst auf den CDs Nr. 81-84, weil die LPs erst 1975 herauskamen, während sich seine späten Pariser Aufnahmen von 1970 auf der Nr. 73 be�nden. Einige Stücke – wie das Tschaikowsky-Konzert von 1950 – gibt es sogar doppelt in der Collection, was selbst den Heifetz-Kenner Jascha Heifetz (geboren 1901 in Vilnius) spielte im Alter von sechs Jahren das Violinkonzert von Mendelssohn Bartholdy. Bild daneben: als JungDandy mit Fliege (und Taschenuhr).

irritieren dürfte: Das 300seitige Begleitbuch versucht redlich, das Chaos etwas zu lichten. Doch verblassen alle Nörgeleien augenblicklich, wenn einem Heifetz’ geigerische Vollkommenheit, seine berstende Musikalität, und die elektrisierende Glut seines Spiels aus jedem einzelnen Track, von jeder beliebigen Stelle dieser gigantischen Gesamtschau entgegen�uten und einen sofort verzaubern: Unerklärlich und faszinierend bleiben vor allem das mörderisch hohe Niveau und der gestalterische Totaleinsatz, den dieser �ammende Übermusiker von seiner ersten Miniatur bis zu seinen späten legendären Stereo-Konzertaufnahmen unter Reiner, Munch und Steinberg durchgehalten hat, ohne einen Hauch an Spannung, an Druck, an Stringenz einzubüssen, und zugleich ist man sehr beeindruckt über die Vielzahl von tief beseelten, herzenswarmen, pulsierenden Kammermusikaufnahmen, die den anderen, sensiblen, umsichtigen Mitspieler Heifetz zeigen. Ein aufschlussreiches Gegengewicht zum unnahbaren Vollstrecker bilden auch die vielen Eigenbearbeitungen und romantischen Miniaturen, die Heifetz’ kreative Seite und auch seine Offenheit gegenüber leichterer Kost bezeugen. Und so fügt sich dieses einzigartige Kompendium geigerischer Überlegenheit doch zu einem ganz großen Panorama musikalischer Vielseitigkeit und einer gestalterischen Rigorosität, die so, in der Totale, die Lebensleistung dieser Geigerlegende noch unerklärlicher erscheinen lassen. Jetzt wissen wir es de�nitiv: Jascha Heifetz ist und bleibt der Größte. ATTILA CSAMPAI

Fotos: Library of Congress, Prints & Photographs Division, 30215, 25609

Als der legendäre Violinvirtuose Fritz Kreisler den elfjährigen „Jascha“ Heifetz zum ersten Mal hörte, schlug er vor, dass alle anderen Geiger ihre Instrumente zerbrechen sollten, und nach seinem Londoner Debüt im Jahr 1920 erhielt Heifetz einen Brief von George Bernard Shaw, in dem dieser ihm ein kurzes Leben prophezeite, wenn er weiterhin mit einer solchen „übermenschlichen Perfektion“ spielte. Er riet ihm ernsthaft, „jede Nacht vor dem Zubettgehen etwas Schlechtes zu spielen, anstatt zu beten, um die eifersüchtigen Götter zu beschwichtigen. Kein Sterblicher sollte sich herausnehmen, so fehlerlos zu spielen.“ Bis heute gilt der 1901 in Vilnius geborene Heifetz als Synonym für geigerische Perfektion, und als Größter seiner Zunft. Unumstritten selbst unter seinen prominenten Kollegen. Mit sechs Jahren spielte er bereits das Mendelssohn-Konzert und mit elf brillierte er in Berlin mit den Philharmonikern unter Nikisch im Tschaikowsky-Konzert. 1917 übersiedelte er in die Staaten und setzte dann über fünfzig Jahre lang den Maßstab für atemberaubende Virtuosität, glühende Ausdruckskraft und einen unerschütterlichen, geradezu abweisenden musikalischen Ernst: Sein hochkonzentriertes, äußerlich regloses Spiel irritierte nur einige dumme Kritiker und die Nazis, die ihm emotionale Kälte vorhielten. Dabei war Heifetz privat die Freundlichkeit in Person und ein äußerst kooperativer Kammermusiker, nur eben das absolute Gegenteil eines schwitzenden Selbstdarstellers. Seine überirdische Virtuosität und sein schneller Weltruhm öffneten ihm früh die Türen zum Schallplattenstudio: Bereits 1917 entstanden seine ersten akustischen Aufnahmen, die roboterhafte Präzision verströmen, und bis 1972, als er sein letztes Recital gab, produzierte Heifetz zahllose Schellacks und über 100 LPs, die jetzt von Sony zum erstenmal

{ P O R T R ÄT }

MEHR VON IHM Kommt immer wieder vor: Der Franzose und Wahlschweizer Jean Derbès wird bisher ziemlich unterschätzt – dabei sind seine „Orchesterwerke“ faszinierend.

Neue Musik

Immer wieder werden auf sensationelle Weise Komponisten entdeckt, Erscheinungen genannt werden. Die Musik hat immer die unter die Räder der Geschichtsschreibung geraten sind. Der ge- Spannung und Fluss, sie erzählt stets eine Geschichte, borene Franzose und Wahlschweizer Jean Derbès ist ein solcher, und das in authentischer Weise, dunkel glühend, Abgrünund es ist in qualitativer Hinsicht nicht zu verstehen, warum er bis diges beschwörend, zwischen Meditation und Ekstase. heute eine lokale Genfer Erscheinung Jean Derbès wurde 1937 in Aix-lesgeblieben ist. Bains geboren und starb 1982, mit knapp Eine der zentralen Schwächen der 45 Jahren, in Genf, wo er als Produzent musikalischen Avantgarde nach dem II. bei Radio Suisse Romande arbeitete. Er Weltkrieg ist, bei allen faszinierenden war ein herausragender Pianist, der mit Errungenschaften klanglicher, systemiMadeleine Lipatti, Nikita Magaloff, Yves scher und formexperimenteller Art, der Nat und Walter Gieseking studiert und Mangel an dynamischem, erlebbarem 1961 beim Genfer Wettbewerb den zweiZusammenhang, also anders gesagt: die ten Preis gewonnen hatte. Seine KompoAbsenz bewusster, schlüssiger Formung. sitionslehrer in Paris waren Tony Aubin Doch manche haben den Eindruck von und Noël Gallon. Doch schnell ging er Dichte und Geschlossenheit auf intuitiseine ganz eigenen Wege. Vorliegende vem Wege erreicht. Zu diesen ist auch CD stellt Orchesterwerke aus zwei PeDerbès zu zählen. Er hat sich intensiv rioden vor: 1967-69 und 1979-80. Die mit den zeitgenössischen Techniken früheren sind dramatischer aufbegehauseinandergesetzt, insbesondere mit rend, von expressionistischer Wildheit, der Verschmelzung natürlicher und darunter die Ballettmusik „Manu Tara“. elektro-akustischer Klangquellen, und Die späteren sind aufs Wesentliche reEr hat trotz aller Technik nie doch hat er über all diesen methodischen duziert, tendieren zur Einstimmigkeit. vergessen, ein Musiker zu sein. Forschungen nie vergessen, ein MusiDerbès scheute auch keineswegs den ker zu sein. Offensichtlich ist, dass ihn Wohlklang, und nichts lässt das Leidenin klanglich-struktureller Hinsicht György Ligeti beein�usst hat, de und Zerrissene schmerzlicher aufscheinen als die unmittelbare doch bei ihm ist das als Ganzes lebendiger, fasslicher, und bei aller Gegenüberstellung von Konsonanzen und Dissonanzen. Komplexität der Details einfacher in der Aussage. Was die organiCHRISTOPH SCHLÜREN sche Ver�echtung dissonanter Klangfelder, die energetische Kontinuität betrifft, mögen der Kanadier Claude Vivier, der Armenier Jean Derbès: „Orchesterwerke“ Philharmonisches Orchester Timisoara, Avet Terterian oder der Finne Pehr-Henrik Nordgren als verwandte Jean-François Antonioli (Timpani)

Franz Liszt

Superstar

Eine Leseprobe und weitere Informationen finden Sie unter www.siedler-verlag.de/liszt

Franz Liszt (1811–1886) war eine absolute Ausnahmeerscheinung, ein musikalischer Revolutionär, eine europäische Berühmtheit, ein romantischer Exzentriker, kurzum: ein Superstar des 19. Jahrhunderts, der sein Publikum zur Raserei trieb. Oliver Hilmes breitet das außergewöhnliche Leben und das faszinierende Werk dieses schillerndsten Künstlers seiner Zeit vor uns aus.

Leinen, 432 Seiten mit Abb., € 24,99 [D] ISBN 978-3-88680-947-9

Siedler www. siedler-verlag.de

www.crescendo.de 02_2011 | 29

{ REZENSIONEN }

Renée Fleming

Oper

GELUNGENE INSZENIERUNG Opernfans wissen: Bei einer MET-Produktion wird das Werk nicht „gegen den Strich gebürstet“. Aber man hat mit Rossinis Dramma per musica über die Zauberin Armida und den von ihr gefangenen Kreuzritter Rinaldo eine echte Opernrarität ausgegraben, die kaum ein Haus stemmen kann. Erfordert die Besetzung doch neben der Hauptrolle, einer fulminanten Belcanto-Sopranistin (hier lässt Renée Fleming nahezu keine Wünsche offen), nicht weniger als sechs Tenöre. Regisseurin Mary Zimmerman entschied sich für die Originalfassung samt zehnminütigem Ballett, das sie schlüssig und witzig in die Handlung integriert. Überhaupt kennzeichnet eine ironische Grundhaltung die fast zu gefällige, aber doch klug-durchdachte und musikalisch gelungene Inszenierung. Bezwingend vor allem die Idee, den beiden zentralen Emotionen, Liebe und Rache, menschliche Gestalten zu verleihen. Oper auf Hochglanz, aber mit Tiefe.

George Petrou

DIEBISCHES VERGNÜGEN

Obwohl die dreißig Arien, Ensembles, Sinfonien und ein Duett in Georg Friedrich Händels Oper „Alessandro Severo“ sämtlich aus zehn seiner Opern der letzten fünfzehn Jahre zusammengewürfelt sind – lediglich die Ouvertüre und ein kurzes Rezitativ schrieb der Komponist für dieses „Pasticcio“ neu –, und obwohl die Sinnfälligkeit der Handlungen um den römischen Kaiser Severus Alexander (geboren 208, ermordet 235) mehr als dürftig erscheinen, bereitet es ein diebisches Vergnügen, dem 2009 von George Petrou gegründeten Ensemble Armonia Atenea und den erneut hervorragenden Solisten zu lauschen. Die Zugabe: die Oper „Don Crepuscolo“ (1815) von Niccolò Manzaro. Wer schon immer mal die schamlos kopierte „Registerarie“ auf ein sympathisches Libretto hören wollte, in dem Albanien, Nekromantie, eine frühe Form von LSD und eine Braut mit Affengesicht und Elefantenrüssel enthalten sind, kommt hier auf seine Kosten. MARTIN MORGENSTERN

ANGELIKA RAHM

Gioachino Rossini: „Armida“ Renée Fleming, The Metropolitan Opera Orchestra, Chorus and Ballet, Riccardo Frizza (DECCA)

Händel: „Alessandro Severo“, Niccolò Manzaro: „Don Crepuscolo“ Armonia Atenea, George Petrou (MDG) Abo-CD Track 1 (s. Seite 37)

Trio Mediaeval

FASZINIERENDER MUSIKHYBRID

Sakrale Musik

Die Gesangsbücher, die die fünfzig Mönche der Benediktinerabtei St. Mary‘s in Worcester für den Gottesdienst nutzten, wurden systematisch vernichtet, als Heinrich der Achte sich 1534 von der Römischen Kirche lossagte. Einzelne Manuskriptfragmente überlebten aber, weil sie – als „Schmierpapier“ ausgesondert – zu Einbänden neuer Kodizes verarbeitet wurden. Die Musikwissenschaftlerin Nicky Losseff hat sich der Stückchen angenommen und daraus eine Messe rekonstruiert; das Trio Mediaeval bat den Komponisten Gavin Bryars, das verloren gegangene „Credo“ neu zu schreiben. Herausgekommen ist ein faszinierender, fünfzigminütiger Musikhybrid, der den Zuhörer zuerst tief ins dreizehnte Jahrhundert entführt, um dann mit zwei, drei überraschenden Noten in Arvo Pärt‘scher Manier einen sanften Bogen in die Gegenwart zu schlagen. MARTIN MORGENSTERN

Trio Mediaeval: „A Worcester Ladymass“ (ECM) Abo-CD Track 13 (s. Seite 37)

Weithaas & Avenhaus

Daniela Koch

AKZENTUIERT

BRILLANTES DEBUT

Daniela Koch, gebürtige Tirolerin, Jahrgang 1989, ist u.a. 2. Preisträgerin beim renommierten ARD-Musikwettbewerb. Die Flöte ist ihr Instrument, nun ist ihre erste Solo-CD erschienen. Vom kitschigen Cover sollte man sich dabei ebenso wenig abschrecken lassen wie vom banalen, anglisierten Zauberflöten-Titel. Denn was die Noch-Mozarteum-Studentin hier zu Gehör bringt (mit Mozart, Schubert und Franzosen des 20. Jahrhunderts), vermittelt nicht nur große Musizierfreude und technische Beherrschung ihres Instruments, reine Intonation, virtuose Läufe, stilistische Flexibilität, sondern auch einen individuellen Zugang zu den Werken. Das Spektrum ihrer Farbgebung ist weit ausgeprägt, lebendig atmend ihr Ton, elegant entworfen die Phrasierungen. Dutilleux’ spätimpressionistische Sonatine und Taffanels virtuose Freischütz-Fantasie, die Höhepunkte dieser Debüt-CD sind, bringen all diese Fähigkeiten mit Brillanz zur Geltung. UWE SCHNEIDER

Foto: Julia Wesely

Daniela Koch: „My Magic Flute“ Mozart, Schubert, Dutilleux u.a. (Gramola) Abo-CD Track 4 (s. Seite 37)

Solo

Wen-Sinn Yang

KLASSISCH-GEDIEGEN

Joseph Haydns Cellokonzerte zählen zu den schönsten und meistgespielten Werken dieser Gattung. Und so ist es auch kein Wunder, dass unzählige Aufnahmen in unterschiedlichen Interpretationen dieser großartigen Konzerte auf CD verfügbar sind. Zwischen den vielen Möglichkeiten, die Werke anzupacken, wählt Wen-Sinn Yang die „klassisch-gediegene und klangschöne“, wie er im Interview sagt, das in dem sehr lesenswerten Booklet abgedruckt ist. Dieser goldene Mittelweg zwischen einer historisierenden und einer peppigen Lesart entpuppt sich nicht als mittelmäßig, sondern vermag auf ganzer Linie zu überzeugen. BURKHARD SCHÄFER Haydn: „Cello Concertos“ Wen-Sinn Yang (OEHMS Classics) Abo-CD Track 8 (s. Seite 37)

Geige Piano

Markant, kraftvoll zupackend, klar akzentuiert, transparent im Klang und in der formalen Gestaltung, dann wieder dezent zurückhaltend, die nächste Steigerung vorbereitend – so kann man das bestens aufeinander abgestimmte Spiel der beiden Virtuosinnen Antje Weithaas (Violine) und Silke Avenhaus (Klavier) charakterisieren. Beides im besten Sinne musikantisch denkende und agierende Musikerinnen, die immer wieder die Moderne in der Rhythmik und den Harmonien in der tschechischen Spätromantik dieser um 1900 entstandenen und weitgehend unbekannten Duos von Dvorˇ ák und seinen Schüler (und Schwiegersohn) Josef Suk durchschimmern lassen. Höhepunkt ist Dvorˇ áks F-Dur Sonate, die in der Lesart der beiden nichts mehr von der ihr gerne nachgesagten Sperrigkeit hat, sondern ein inspiriertes, im Mittelteil luzides und sich in den Brüchen des Finalsatzes zu großer musikalischer Ausdruckskraft steigerndes Kleinod ist.

UWE SCHNEIDER

Antonín Dvorˇ ák, Josef Suk: „Works for violin and piano“ Antje Weithaas, Silke Avenhaus (Avi-Music) Abo-CD Track 11 (s. Seite 37)

1/3 S. Crescendo (220 x 90)

CELLO DUELLO JENS PETER MAINTZ

WOLFGANG EMANUEL SCHMIDT

„Auf ihrer neuen CD zünden die beiden wieder ein Feuerwerk an Virtuosität und Spielfreude“ concerti

„... so ausdrucksstark, elegant und flink, wie man sie sich nur wünschen kann ...“ klassik.com

„... ideale Partner ...“ ensemble

„Maintz und Schmidt haben eine brilliante CD aufgelegt ... hier musizieren zwei hervorragende Musiker auf höchstem Niveau; lassen einen teils den Atem stocken vor Virtuosität ...“ Ludwig Hartmann auf NDR Kultur

Die neue CD Solo Musica SM 146

www.solo-musica.de

www.wolfgangemanuelschmidt.com/cello-duello

www.grunau-musikmanagement.eu

KLANGSTARKE

ORIGINALE Die neue Serie Sony Classical ORIGINALS präsentiert legendäre Aufnahmen aus dem Zeitalter der Langspielplatte in großartiger Klangqualität. Die ersten 32 CDs der Traditionslabels RCA Red Seal und Columbia Masterworks erscheinen als detailgetreue und hochwertige Dokumentationen ihrer zeitlosen Originale mit der Optik der Original-LPs, den Original-Labeln und -Texten. Alle Aufnahmen wurden remastered und erscheinen zum attraktiven Preis.

Bereits erhältlich: Leonard Bernstein Beethoven: Symphonien Nr. 5 & Nr. 7 � George Szell Mozart: Symphonien Nr. 35, Nr. 39 & Nr. 40 � Leonard Bernstein Gershwin: Rhapsody in Blue; An American in Paris � Fritz Reiner Rossini: Ouvertüren � Montserrat Caballé Presenting Montserrat Caballé � Seiji Ozawa Mussorgsky: Bilder einer Ausstellung & Britten: Young Person’s Guide to the Orchestra � Plácido Domingo Romantic Arias Jascha Heifetz Bruch & Mozart Violinkonzerte � Leopold Stokowski Rhapsodies u.a.

www.sonymusicclassical.de

Ab April erhältlich: Pierre Boulez Ravel: Bolero, La Valse � Seiji Ozawa Orff: Carmina Burana � Charles Munch Debussy: La Mer � Leonard Bernstein Mahler: Das Lied von der Erde � Fritz Reiner dirigiert Wagner � George Szell Dvorák: Sinfonie Nr. 9 „From the new world“ � Vladimir Horowitz The celebrated Scarlatti Recordings � Benny Goodman Mozart: Klarinettenkonzerte � John Williams Rodrigo: Concierto de Aranjuez � Arthur Rubinstein Chopin: Nocturnes � Van Cliburn Rachmaninoff: Klavierkonzerte Nr. 2 & 3 � Fritz Reiner Rimsky-Korsakov: Schéhérazade Fritz Reiner Tchaikovsky: Ouverture solennelle � Charles Munch Beethoven: Sinfonie Nr. 9 � Gregor Piatigorsky Dvorák & Walton: Cellokonzerte

{ R AT E S P I E L }

Was verbirgt sich ... ... hinter diesem Text? Lösen Sie unser Rätsel des „klassischen Alltags“ und gewinnen Sie die Edition „Opernführer für Fortgeschrittene“.

Gleich vorweg: Ohne mich geht nichts! Ich gehöre einfach auf die Bühne. Egal, wie Sie hießen oder heißen, sie kennen mich. Früher der Nurejew oder die Callas, heute die Netrebko oder der wunderbare Jonas Kaufmann. Sie alle brauchen mich. Sie fürchten mich. Sie wollen mich! Hybris, denken Sie? Nein, Bühnen-Realität. Ich bin der Stoff Ihrer Träume, der Samt Ihrer Seele. Anfangs stehen Sie in der Geborgenheit meiner dunklen Seite. Ruhig, gesammelt, konzentriert die einen. Trippelnd wie Rennpferde die anderen: nervös geblähte Nüstern, die Pupillen nicht nur wegen der Dunkelheit geweitet. Doch dann geben sie sich den letzten Ruck, schieben mich – mich! – achtlos beiseite und treten ins gleißende Licht. Natürlich gibt es auch bei uns Unterschiede. Wer einsteigt, bei einer kleinen Stadtbühne etwa, der ist kommunalen Controllern gerade mal 8000 Euro wert. Die Stars bei uns kosten aber mehr als das Jahresgehalt eines mittleren Generalmusikdirektors: bis zu 400.000 Euro. Mein geschätzter Kollege von der Oper in Oslo beispielsweise ist ein Riese. Er wirkt wie in verknitterte Alufolie gekleidet. „MetaFoil“, so sein Künstlername, hat sogar schon zahlreiche Staatsgäste begeistert. Eine US-Künstlerin, Pea White mit Namen, hat ihn erschaffen. „MetaFoil“ schiebt man nicht achtlos beiseite. Ihn

öffnet man „deutsch“ – sein metallen wirkender Mantel zieht sich ohne Raffungen nach oben. Von klassischer, spanischer Schönheit hingegen ist der Kollege im Teatro Real in Madrid. Gewandet in leuchtend rotes Velours, bestickt mit Kristallperlen, 50 Quadratmeter Blattgold im Trompe-l'oeil-Stil – ein 350.000 Euro teurer Prototyp unserer besten Tage. In Spanien, da hat unser Auftritt eben noch Grandezza. Die wissen uns eben noch zu zelebrieren! Wobei, so viel Patriotismus darf sein, weltweit führend ist noch immer die deutsche Schule. Wer von Gerriets in Freiburg kommt, �ndet überall eine Bühne. Die Metropolitan in New York etwa, kauft sich hier alle zehn Jahre einen neuen Kollegen. Meist in eineinhalb Tonnen gelber Seide. Ach ja, diese Stars. Am Ende, wenn sie es hinter sich haben, dann kommen sie wieder ins Dunkle – und können einfach nicht genug von uns haben. Nochmal, nochmal, nochmal und nochmal müssen wir ihnen die Bühne geben. Dann lachen sie, strahlen wie die Scheinwerfer um sie herum, sind locker und gelöst. Sehen Sie, das ist es doch, was ich meine. Sie brauchen mich. Sie wollen mich. Ohne mich geht es nicht im klassischen Alltag. //

RÄTSEL DES KLASSISCHEN ALLTAGS

Wer oder was verbirgt sich hinter unserem Rätsel des klassischen Alltags? Wenn Sie glauben, die Antwort zu kennen, dann schreiben Sie Ihre Lösung unter dem Stichwort „Alltags-Rätsel“ an die crescendo-Redaktion, Senefelderstraße 14, 80336 München oder per E-Mail an redaktion@crescendo.de. Unter allen richtigen Einsendungen verlosen wir drei Editionen von Schreibers fünfbändigem Opernführer für Fortgeschrittene (Bärenreiter). Einsendeschluss ist der 30. April 2011. Viel Glück!

www.crescendo.de 02_2011 | 33

Foto: privat

{ KLASSIK & BILDUNG }

Musikalisch erzogen: Nikolaus Harnoncourt (rechts) und seine Brüder, im Winter 1933/34

EHRGEIZIGE ETÜDEN An Amy Chuas Bestseller „Die Mutter des Erfolgs“ entzündet sich eine Debatte über die Wirkung von klassischer Musik. Macht das Erlernen eines Instruments Menschen klüger und erfolgreicher, oder ist Musik eine zweckfreie Bewusstseinserweiterung? V O N C H R I S T I A N KO R T M A N N

uch Tigerjungen haben mal frei. Selbst wenn ein komplexes Notensystem verinnerlicht und zudem Bühnentaugihre Mutter alles daran setzt, die Sprösslinge lichkeit bewiesen hat? Macht Musik die Menschen klüger oder gar gründlich in den Techniken der Jagd zu schu„�t für die Wirtschaftswelt“, wie es heute gerne heißt? len, damit sie später alleine in der Wildnis überleben, so weiß sie doch „Musikerziehung hat zahlreiche positive Effekte“, sagt Eckart auch, dass ihre Kleinen manchmal nur herumtoben wollen. Auch Altenmüller, Neurologe, Musiker und Professor an der Musikhochdas gehört zum Leben dazu, und anschließend haben sie den Kopf schule Hannover: „Aber man sollte diese Effekte nicht überschätwieder frei für neue Tricks. So muss man die titelgebende Tigerin zen. Das Spiel eines Instruments nur zu erlernen, um etwas anderes von Amy Chuas autobiogra�schem Bestseller „Battle Hymn of the zu erreichen, gibt der Sache zudem einen utilaristischen Zug, der Tiger Mother“, der auf Deutsch „Die Mutter des Erfolgs: Wie ich sich unweigerlich auf die Musik und den Schüler auswirkt.“ Zwar meinen Kindern das Siegen beibrachte“ heißt, vor der menschlichen verbessere gemeinsames Musizieren das kooperative Verhalten von Vereinnahmung in Schutz nehmen. Eine Erziehungsphilosophie des Kindern und das Vermögen, die Stimmungen von anderen Menschen nicht enden wollenden Drills, der tagtäglichen Abrichtung bis tief in zu erkennen, sowie die Fähigkeit zum Spracherwerb. Doch keinesfalls die Nacht, wie sie Amy Chua beschreibt, ist dem Tiger fremd. Wie seien Musiker intelligenter als andere Berufsgruppen. Großen Wert alle Raubkatzen p�egt er ein sehr ausgedehntes, leidenschaftliches legt Altenmüller auf die Freiwilligkeit musikalischer Erziehung, durch und wahrhaft energieef�zientes Hobby: Schlafen und Dösen, übermäßigen Drill erreichten Eltern oft das Gegenteil ihrer dafür nimmt er sich bis zu 20 Stunden Zeit. Nicht wie die Ambitionen. Er erzählt von einem Berufsmusikerpaar, „Leistungselite“ der Wirtschaftswelt pro Arbeitswoche, das seine vier Söhne zu einem professionellen Streichsondern pro Tag! quartett formen wollte. Der Jüngste musste Geige Die Frage, was das Tigersein ausmacht, muss gelernen, kam aber mit dem Druck nicht zurecht. In stellt werden, weil Chuas Buch von den zentralen der Sprechstunde seiner Spezialambulanz für MuWerten ihres Menschenbildes handelt. Als erfolgsiker-Erkrankungen hat Eckart Altenmüller immer reiche Tochter asiatischer Migranten in den USA wieder mit jungen Patienten zu tun, bei denen psywill sie diese Werte ihren eigenen beiden Töchtern chische Probleme Auslöser für körperliche Schmerzen Amy Chua vermitteln. Wichtigster Bestandteil ihres Erziehungssind: „Wenn sie Kindern befehlen, ein Instrument zu programms, das den unterstellten Verzärtelungstendenzen lernen, und ihnen ihre Selbstbestimmung nehmen, wird der westlichen Ideologie entgegenwirken soll und unter anderem das früher oder später zu Krisen führen. Diese jungen Menschen aus täglich zwei Stunden Chinesischunterricht besteht, ist der Insind leistungsbereit, wurden aber, wenn auch wohlmeinend, auf den strumental-Unterricht: „Klassische Musik war das Gegenteil von falschen Weg geführt.“ Niedergang“, schreibt Chua, „das Gegenteil von Trägheit, Vulgarität Wessen Leben unter dem Diktat des musikalischen Drills steht, und Verwöhntheit.“ der vermisst, was zu einer Jugend dazugehört: den Umgang mit norAmy Chua wählt die Instrumente aus, Klavier und Geige, und malen Menschen, die keine „Wunderkinder“ sind, die Lust den Tag würde in ihrem Ehrgeiz wohl auch die beiden Schäferhunde orcheszu verbummeln und etwas nicht Zielgerichtetes zu tun, eben das Austral verplanen, wenn diese nicht gänzlich unmusikalisch und auch leben von Flausen, die Erwachsene nicht verstehen können. Deshalb sonst recht unbegabt wären. Täglich müssen die Kinder mindestens kommt von Eckart Altenmüller eine klare Absage an eine „schwarze 90 Minuten üben. Wenn sie nicht spuren, droht die sie „überwaPädagogik“ im Zusammenhang mit klassischer Musik. Er sieht den chende“ Mutter damit, ihre Kuscheltiere zu verbrennen. Lulu, die größten Vorteil einer behutsamen musischen Ausbildung darin, dass jüngere Tochter, rebelliert zwar im Teenageralter und tauscht die sie ein Angebot macht: „Musik ermöglicht einen anderen Zugang Geige gegen den Tennisschläger, zeigt aber auch auf dem Court Ehrzur Welt und zur Emotion.“ Sie ermuntere den Schüler zur Eigeninigeiz und Siegeswillen. Ist das eine verallgemeinerbare Wirkung des tiative, mache ihm Lust, sich auszuprobieren und durch viele kleine Klassikunterrichts? Exzelliert der kindliche Musikvirtuose auch in Schritte etwas Großes zu erreichen. Dieses prozesshafte Aneignen anderen Bereichen und später im Berufsleben, weil er Disziplin und einer fremden Materie sei keinesfalls nur mit Klassik verbunden:

„Klassische Musik war das Gegenteil von Niedergang“

www.crescendo.de 02_2011 | 35

{ KLASSIK & BILDUNG }

„Die nicht-klassische Musik ist genauso schließlich nicht, wenn man Solist differenziert. Ob man nun am Klavier, an werden wolle, sagt er am Telefon der E-Gitarre oder am Computer sitzt und und wirkt dabei so, als habe er ein Sample einfügt. Wer musiziert, löst seine Karriere von Beginn an in gemeinsam mit anderen Probleme und die eigenen Hände genommen. erschließt sich einen neuen Kosmos. „Große Meisterschaft erwächst Man sollte jedem Kind das Angebot nur aus spielerischer Freude“, zur Musik machen, aber nicht wegen sagt er, diese Freude müsse im der Transfereffekte, sondern um ihm Kind entfacht werden. Er selbst eine Möglichkeit zu bieten, in einen habe sich stets freiwillig ans Bereich des Unaussprechlichen vorKlavier gesetzt. Sogar, wenn er zudringen.“ als Kind mit seinen Freunden Wenn man die Eltern von Musikdraußen spielte, habe er manchschülern fragt, wie es etwa die euromal daran gedacht, „ob es jetzt päische Vereinigung der nach der Sunicht noch schöner wäre, an der zuki-Methode unterrichtenden Lehrer Beethoven-Sonate weiterzuargetan hat, berichten diese überwiegend von beiten“. Kinder wollen spielen – manchmal positiven Wirkungen auf ihre Kinder. Beim Wenn man fragt, ob dieses lebensanders, als es Eltern vorschreiben. Instrumentalunterricht à la Suzuki – der lange Lernen auch sein Denken in anauch von Amy Chua gewählten Methode deren Bereichen geprägt habe, reagiert – werden die Eltern in das intensive Übungsprogramm eingebunden er mit Skepsis. Allzu einfach erscheinen ihm solch direkte Übertraund verfolgen unmittelbar jeden Entwicklungsschritt. Alle an der gungen. „Na, ja, stimmt schon“, sagt er zögerlich, „durch die intenUmfrage beteiligten Eltern sagten, dass ihre Kinder durch den Instrusive Beschäftigung mit Musik wächst sicherlich das Bedürfnis, ein mentalunterricht gelernt hätten, sich besser und länger zu konzentGrundverständnis für alle Dinge zu entwickeln und sich nicht mit rieren, ihre Gedächtnisfähigkeit zu steigern und sich systematisch einfachen Erklärungen und Ober�ächlichkeiten abspeisen zu lassen. etwas Neues zu erarbeiten. Hierbei mag auch der Wunsch Vater des Denn man weiß, dass es erst in der Tiefe wirklich aufregend wird.“ Gedankens sein. Wer seine Kinder gezielt unterrichten lässt, wird Das Entscheidende ist für Stadtfeld aber, dass nicht allein der „Glaumanchen Fortschritt auf die Musik zurückführen, den das Kind ohbe an Ef�zienz und beru�iche Verwertung“ dahinter stehen darf, nehin gemacht hätte. Nach ihren Absichten gefragt, wollen die Eltern wenn man Kinder an ein Instrument heranführt. Musik sei eben das neben wirtschaftsfreundlichen Tugenden wie Geduld, Ausdauer und Gegenteil der Ausbildung von funktionierenden Wirtschaftskräften Selbstdisziplin auch soziale und humanistische Eigenschaften förund „willfährigen Konsumenten“. Da ist er ganz bei Eckart Altendern. So wird etwa die Überwindung von Ängsten genannt, wie auch müller: Die wahren Liebhaber wollen die Musik nicht funktionaligegenseitige Rücksichtnahme, der Aufbau von Freundschaften und siert sehen, denn sie begreifen sie als Reich von eigenem Recht. das Stärken von schwächeren Schülern. Da man den Eltern nicht vorschreiben kann, ihren Kindern das Es bringe „wichtige Erfolgserlebnisse mit sich“, sagt die Mutter Angebot zu musikalischer Bildung zu machen, sieht Stadtfeld die einer Elfjährigen über die Bedeutung des Ensemblespiels, „zugleich Schulen in der P�icht. Kindern diese Möglichkeit, über den Telleraber auch das Gefühl des Gebrauchtwerdens und der Mitverantworrand zu blicken, vorzuenthalten, nennt er „geistigen Diebstahl“. Das tung. In ihr ist dadurch eine Haltung gewachsen, die ich mit sozialer Argument, dass Kinder in der Schule nicht mehr singen und Noten Verantwortung umschreiben würde.“ Trotz allen nützlichen Funklesen wollten, lässt er nicht gelten: „Wenn die Schüler abstimmen tionalismen, die der Musik als logischem, nur durch ausdauerndes würden, würde auch Mathe abgeschafft!“ Üben zu erlernendem System zugeschrieben werden, hat ihre WirMartin Stadtfelds engagiertes Plädoyer weist auf den Weg, auf dem kung eben auch einen subversiven Zug ins Tagträumerische und alKlassik erfolgreich an die nächsten Generationen vermittelt werden len weltlichen Zwängen Entrückte. In den Worten der Mutter einer und die Welt weiterhin bereichern kann. Zum einen müssen Kinder achtjährigen Geigenschülerin: „Musik gibt der Seele Flügel. Sie sollen zu jeder Art von Musik ermuntert, zum anderen vor dem übertriebemeine Tochter in eine Welt zwischen Traum und Wirklichkeit tragen nen Ehrgeiz von Amy-Chua-artigen Eltern geschützt werden, der, wie und ihr einen Weg zum verlorenen Paradies zeigen.“ Eckart Altenmüller aus seiner Sprechstunde weiß, längst auch in der Die Musik als zweckfreie Bewusstseinserweiterung – dieser deutschen Gesellschaft angekommen ist. Klassische Musik hat keine Deutung stimmt auch Martin Stadtfeld zu. Der für seine Bach- und eingebaute Klugheits- und Erfolgsgarantie, aber die Welt wird durch Beethoven Einspielungen gefeierte 30-jährige Pianist, der sich bei sie bunter. Und ganz ohne Lebensfreude würde sich ja auch der Tiger Schulbesuchen als Vermittler von klassischer Musik betätigt, hat niemals zur Jagd aufraffen. // mit sechs Jahren angefangen, Klavier zu spielen. Anders gehe es

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ht.

„Dolcissimo amo 1 Georg Friedrich Händel onia Atenea, George Arm m, strö mar Ham Kristina Petrou h „Partita Nr. 2 in c-Moll 2 Johann Sebastian Bac ze kad Issa Irma BWV 826“ e Nr. 6 in C-Dur D 589“ 3 Franz Schubert „Sinfoni Bayerische Staatsphilr nike pho Bamberger Sym t Not n harmonie, Jonatha ktion und Variationen 4 Franz Schubert „Introdu e-Moll D 802, Daniela über „Trockene Blumen“ Koch, Christian Reif e Nr. 9 in C-Dur D 944“ 5 Franz Schubert „Sinfoni elm Furtwängler Wilh er, onik harm Phil Berliner ert in D-Dur op. onz link „Vio 6 Johannes Brahms Chamber Orchestra, 77“ Isabelle Faust, Mahler Daniel Harding linsonate Nr. 3 in d-Moll 7 Johannes Brahms „Vio Gallardo op. 108“ Linus Roth, José ert Nr. 2 in D-Dur, onz llok „Ce dn Hay 8 Joseph Georg Egger g, Yan n -Sin Wen :2“ Hob. VIIb eichquartett in e„Str en 9 Ludwig van Beethov y‘“ Hagen Quartett Moll op. 59/2 ‚Rasumowsk art „Klaviersonate in 10 Wolfgang Amadeus Moz uidenhout Bez tian Kris 457“ KV oll c-M 17“ Antje Weitop. ke Stüc r „Vie 11 Josef Suk us nha Ave haas, Silke so hüllt in Blumen mei12 Hugo Wolf „Sterb‘ ich, er, Gerold Huber hah Ger n ne Glieder“ Christia Ladymass“ Agnus Dei, ter ces Wor „A nym Ano 13 Trio Mediaeval

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{ REISE }

Dort, wo sich Flüsse küssen! Unser Weltreporter landete in Lyon, besuchte die Oper und staunte mehr über die Architektur als den ebenfalls anwesenden Rolando Villazón V O N J E N S F. L AU R S S O N

Foto: Franchella Stofleth

Der Architekt Jean Nouvel hat es in Lyon geschafft, Tradition und Moderne miteinander zu verbinden. Im Bild das Opernhaus mit futuristischer Glaskuppel.

Lyon – die Stadt, an deren Rand sich Rhône und Saône küssen … und seelenruhig vorbei- und ineinander�ießen. Lyon – Sitz von drei (mehr und weniger gut erhaltenen) Römischen Amphitheatern, aber auch sozialer Brennpunkt Frankreichs mit ausgeprägten Armenvierteln. Lyon – die Hauptstadt der Rhône-Alpes Region, die sich als zweite Stadt Frankreichs sieht, immer im Ringen um Aufmerksamkeit mit Paris, immer wissend, Paris nie wirklich ein- geschweige denn überholen zu können, und doch immer von dieser einseitigen Rivalität angespornt. Lyon, das ist die Stadt des Essens (2600 Restaurants!), die Stadt des Kinos, der Seidenweber, der Karrieren des Patrice Chéreau und Paul Bocuse, und – wenn es im Jahr 2014 fertig sein wird, auch mit einem sogenannten „Landmark-Building“, einem Museum des Architekturbüros Coop Himmelb(l)au, von dem viele sagen, es sehe aus wie ein riesiges Zugunglück. Bis zur Eröffnung dieses Hauses aber bleibt Lyon auch die Stadt des Theaters und der Oper. Die Fahrt in die Stadt führt mit tausend gefühlten Umwegen des Taxifahrers von französischer Landidylle zu entmutigenden Satellitenstädten bis ins grau-hübsche Herzen Lyons, das von Hügeln und den zwei Flüssen dominiert wird. Inmitten Lyons, auf der Landzunge 38

zwischen Rhône und Saône, steht das prächtige Rathaus vor dem imposanten Bartholdi-Brunnen, dessen Pferdestatuen die Eiszapfen dick aus den Nüstern hängen. (Gut, etwas bekannter ist der Bildhauer Frédéric-Auguste Bartholdi für den Entwurf der Amerikanischen Freiheitsstatue). Hinter dem Rathaus liegt das Opernhaus, die Opéra Nouvel. Nicht so benannt, weil es ein neues Opernhaus ist, sondern weil der Architekt Jean Nouvel dem ursprünglichen Haus, einem 150-Jahre alten Bau, eine gewaltige, tonnenförmige Stahl-und-GlasHaube aufgesetzt hat. Die ragt bis in den zehnten Stock, wo Direktion und Administration sitzen und – zum Beispiel von Operndirektor Serge Dorny’s Büro aus – einen Ausblick über Lyon haben, der alleine einen Aus�ug wert ist. Nach unten geht das völlig entkernte Gebäude mit dem elfhundert Zuschauer fassenden Saal, bis in den fünften Kellerstock, was der permanenten Platznot im alten Haus ein Ende bereitete. Direktor Serge Dorny, noch keine 50, lernte sein Handwerk früh unter Gérard Mortier in Brüssel an der La Monnaie und ist seit 2003 Chef der Opéra Lyon. Davor leitete der Belgier mit dem weichen Akzent im Englischen (er bietet für das Gespräch genauso

selbstverständlich Deutsch an) acht Jahre die Londoner Philharmohen, dass weltweit nur ungefähr 100 Titel immer wieder und wieder niker (LPO). Er macht einen herzlichen Eindruck – als wäre Mon– zum Teil völlig gedankenlos – gespielt werden, und so viele andere sieur Dorny nicht Chef eines bestimmten Opernhauses, das es zu nicht. Wir versuchen jede Saison von vorne zu beginnen, jedesmal zu ‚bewerben‘ gilt, sondern schlicht von der Musik fasziniert und mit hinterfragen: Warum diese Oper?! Alles, um nicht in dieses Schema großem Enthusiasmus ein Mitglied seiner Branche. Wir reden über zu verfallen: ‚Wir brauchen einmal Wagner, einmal Verdi, einmal alles Mögliche: Orchester, Ekaterina Semenchuk, Dirigenten, Mariss Mozart, einmal Modern, einmal Leicht, einmal Gassenhauer …‘ HinJansons etwa, Regisseure, die Londoner Orchester-Szene. Besonders ter all dem steht der Versuch, eine unverwechselbare Handschrift zu interessant ist sein passender Vergleich der drei großen Londoner tragen, die sagt: ‚Opéra de Lyon‘.“ Orchester mit Klavieren: Das Philharmonia Orchestra sei wie ein Am Abend dann ein Puzzelstück dieser Handschrift: Massenets Pleyel, mit einem sehr transparenten „Werther“ steht auf dem Programm, Klang, was wiederum in den Dirigenten eine dramatisch ereignislose Oper mit der Philharmonia begründet (oder verursehr hübschen Melodien und einem Lisacht) sei: Christoph von Dohnányi. Das bretto, das mit dem Goetheschen Stück LPO sei eher ein Bösendorfer mit seinem immerhin die Namen der Protagonisten deutschen, satten Klang, sich in den Dirigemein hat. Rolando Villazón versucht genten Klaus Tennstedt und Kurt Masur der Oberflächlichkeit Tiefe zu geben. widerspiegelnd. Das London Symphony Tiefenpsychologie sogar; zumindest Orchestra schließlich sei der Steinway, treten erstaunlich viele Clowns auf, die ein virtuoses Instrument. Das würde in sich inner- und außerhalb eines überder Tat zum Stil des momentanen Chefs, dimensionierten Vogelkä�gs aufhalten, Autor Laursson im Gespräch mit Serge Dorny Valery Gergiev, passen. (Gergiev – sowenn sie nicht gerade Weihnachtsliederviel zu Dorny’s Näschen für Dirigenten Kinderchöre herumkommandieren. Es – wurde schon 1989 von Dorny zum Flanders Festival eingeladen.) sind allerdings eher blödelnde Zirkusclowns, nicht die Stephen King Wenn man Serge Dorny über London zuhört, lernt man daraus entsprungenen. Dazu kommen noch ein Knabe und ein Mädchen als über seine Zeit in Lyon. Nach der nicht sehr glücklichen Amtszeit des unschuldige Schatten/Alter-Egos von Werther und Charlotte. Franz Welser-Möst wollte Dorny nicht den gleichen Fehler begehen, Umgeben von einem erfahrenen Team, das ihm Serge Dorny schütsondern sondierte Orchester und Markt vier Jahre, bevor er mit Kurt zend an die Seite gestellt hat, wird einerseits in nüchternem AnstaltsMasur schließlich den Boden für die erfolgreiche Ernennung Vlaweiß (Mobiliar und Hintergrund), andererseits heiter grell inszeniert, dimir Jurowskis schuf. Genau das tat er auch in Lyon, wo nach dem mit hohen Säulen, freiem Raum, vielen bunten Kissen und Kostümen Weggang von Iván Fischer fünf Jahre kein Chefdirigent, sondern eine und schließlich, einem für eine Weile sehr berührenden Spiel von Gruppe von Dirigenten arbeitete – unter anderem William Christie Licht und Schatten (Wolfgang Goebbel). Ein bisschen, als wäre alle und Kirill Petrenko. Erst vor drei Jahren ernannte er dann Kazushi Heiterkeit nur aufgesetzt, nur vorgeschoben. Die Herren Freud und Ono, der, wie Dorny, an der Brüsseler Oper war – zwischen 2002 und Jung schauen sich das ganze von den Seitenbühnen mit an. 2008 als Nachfolger Antonio Pappanos. Die Regiearbeit ist nicht Villazón’s Antwort auf seine Stimmkrise. Irgendwann kommen wir dann doch direkt auf die Opéra Lyon zu Es ist nicht ein kränkelnder Tenor, der hier schon ein nachsängersprechen. Über die Bedeutung der Oper für eine Stadt, die zwanzig liches Karrierebein auf den Boden zu bekommen sucht. Vielmehr Prozent ihres Budgets in den Kulturbereich steckt. Über die Balance spukte ihm diese Inszenierung, sorgsam ausgearbeitet, schon seit zwischen Musik und Theater in der Oper, die sich über die Jahre vier, fünf, sechs Jahren im Kopf herum. Es dauerte nur eine Weile, immer weiter hin zum bis er einen Intendanten fand, der ihm zuhörte und den er für das Drama verschoben Konzept begeistern konnte. Eben Herrn Dorny. Der Vertrag war hat. Über die Projekschon im Trockenen, als Villazón’s Tenorwelt noch heile war. Einem te, die die Oper als Kollegen antwortet Villazón auf die Frage, warum er sich gerade eine kulturellen Knotenso schwierige – oder auch inhaltsfreie – Oper wie Werther ausgesucht punkt für alle Lyoner habe, locker-�ockig, dass es gerade die Herausforderung war; leichte – inklusive Hip Hop Opern sollen andere machen. Künstler – etablieren. Villazón wird auf der Bühne vermisst, mehr als hinter der Bühne. Über die Vorteile des Sein „Ersatz“ in der Rolle des Werther, wie es einem unweigerlich „Stagione“-Systems, vorkommen will, Arturo Chacón-Cruz, jodelt auf der Bühne mit Lyon und die Zukunft: Das Architekturbüro welches es jeder ProSchafs-Vibrato, dass einem für den jungen Mann und seine weitere Coop Himmelb(l)au plant dieses Museum in der duktion und ihrem Karriere ganz Bange wird. Vier Tage später schmetterte Villazón in französischen Stadt. 2014 soll es stehen. Team erlaubt, über Salzburg vier Mozart-Arien mit soviel Emp�ndung, dass man sofort Wochen eng zusammenzuwachsen. Ein Umstand übrigens, den Dorwieder an Werther denken musste. ny für sein Haus so gut wie möglich auszunutzen versucht. Was bleibt, ist ein Nachgeschmack des Lyonschen Mutes, der „Ich versuche jeder Oper, die wir auf die Bühne bringen, Sinn zu dieses Opernhaus seit Jahren zu einem der interessantesten macht … geben. Warum muss es diese Oper sein, und nicht eine andere aus ein Mut, von dem man genauso wenig verlangen kann, dass er jedesden circa 60.000 seit Monteverdi geschriebenen Opern? Natürlich mal Früchte trägt, wie man von einem Regiedebütanten verlangen sind nicht alle davon Meisterwerke. Aber es kann doch nicht angekann, im ersten Wurf aus „Werther“ eine gute Oper zu machen. // www.crescendo.de 02_2011 | 39

Fotos: o: Stofleth Bertrand; u: Coop Himmelb(l)au

{ REISE }

{ D I E G A N Z E W E LT D E R K L A S S I K }

Zahl der Deutschen zwischen 14 und 60, die „sehr gerne“ oder „auch noch gerne“ klassische Musik, Klavierkonzerte und Sinfonien hören:

17.412.000

entspricht 33,7 Prozent der Bevölkerung zwischen 14 und 60 Jahren Davon: Zahl der Deutschen zwischen 14 und 60, die „sehr gerne“ klassische Musik, Klavierkonzerte Klavierkonzerte und Sinfonien hören:

6.148.000

entspricht 11,9 Prozent der Bevölkerung zwischen 14 und 60 Jahren

3.341.000

Zahl der Besucher von Konzertveranstaltungen und Besucher der Kulturorchester 2008/09:

4.053.000

KLASSIK IN ZAHLEN

Zahl der Deutschen zwischen 14 und 60, die „sehr gerne“ oder „auch noch gerne“ Opern, Operette und Gesang hören:

Wichtige (und unwichtige) Fakten des Frühjahrs

15.030.221

entspricht 29,1 Prozent der Bevölkerung zwischen 14 und 60 Jahren Davon: Zahl der Deutschen zwischen 14 und 60, die „sehr gerne“ Opern, Operette und Gesang hören:

4.593.000 entspricht 8,9 Prozent

Zahl der Deutschen ab 14 Jahren, die in ihrer Freizeit „regelmäßig in Theater, Opern oder klassische Konzerte“ gehen

1.376.000

Zahl der Besucher von Konzertveranstaltungen und Besucher der Kulturorchester 1993/94:

Zahl der Sinfoniekonzerte in der Saison 2007/2008: davon Kammerkonzerte:

6.075 614 1.195

davon Musikpädagogische Veranstaltungen:

3.723

davon Sonstige Konzertveranstaltungen:

1.691

davon im Ausland:

davon in Deutschland:

560 84

Subventions-Betrag einer OpernEintrittskarte im Schnitt in Euro:

100

Zahl der Berufsorchester in Deutschland:

133

Zahl der Opernhäuser weltweit:

Zahl der Mitglieder von professionellen Orchestern und Chören:

entspricht 1,9 Prozent

Zahl der Deutschen ab 14 Jahren, die in ihrer Freizeit „gelegentlich in Theater, Opern oder klassische Konzerte“ gehen

8.400.000

entspricht 11,6 Prozent

Zahl der Deutschen ab 14 Jahren, die in ihrer Freizeit „nur selten in Theater, Opern oder klassische Konzerte“ gehen

23.334.000

entspricht 32,2 Prozent

Zahl der Deutschen ab 14 Jahren, die in ihrer Freizeit „überhaupt nicht in Theater, Opern oder klassische Konzerte“ gehen

39.350.000

entspricht 54,3 Prozent

Zahl der Profi-Musiker in der Klassik, inklusive der Freien Musiker: etwa

100.000

Verhältnis festangestellte zu freie Profi-Musiker: 1990: 70 zu 30 Verhältnis festangestellte zu freie Profi-Musiker: 2010: 30 zu 70

Quellen: statista, awa, Bundesverband Musikindustrie, Bundesministerium für Finanzen, Goethe-Institut, Deutsche Orchestervereinigung, MIZ, operahouse.com, etc.

13.200

Camerata Salzburg

6 0 . D E U T S C H E S M O Z A R T F E S T I N A U G S B U R G : 1 3 . B I S 2 2 . M A I 2 011

FRUCHTBARE BEZIEHUNG Das 60. Deutsche Mozartfest feiert 2011 in Augsburg mit Glanzlichtern der Musiktradition Mozarts Beziehung zur Bach-Familie. VON MARTIN MORGENSTERN

Dass die Mozartstadt Augsburg auch ein Zentrum der Bach-Rezeption war, ist eigentlich Phillip David Kräuter zu verdanken. Kräuter, für einige Jahre wissbegieriger Schüler des jungen Johann Sebastian Bach in dessen Weimarer Zeit, brachte 11 frischen protestantischen Wind in die Augsburger Kirchenmusik. Das dürfte auch den Jesuiten-Schülern Johann Ernst Eberlin und Leopold Mozart nicht entgangen sein ... Der junge Wolfgang Amadeus Mozart wiederum hat sich auf vielfältige Weise mit den Werken der KomponistenFamilie Bach auseinandergesetzt. Mit der Adaption einiger Sonaten von Johann Christian Bach begann etwa seine Auseinandersetzung mit der Gattung Klavierkonzert. Unter dem Motto „Mozart und die Bach-Söhne“ spürt das . Deutsche Mozartfest in Augsburg solchen Bezügen nun im Mai in gut einem Dutzend Konzerten nach. „Er ist der Vater, wir die Buben,“ schrieb Mozart über den berühmtesten der Bach-Söhne, Carl Philipp Emanuel. „Wer von uns was Rechtes kann, hat von ihm gelernt.“ Insofern ist den Veranstaltern, der Stadt Augsburg und der Deutschen Mozartgesellschaft, mehr als nachzusehen, dass sie das Mozartfest mit einem Werk Carl Philipp Emanuel Bachs einläuten: Beim Eröffnungskonzert in der evangelischen Heilig-Kreuz-Kirche (1. Mai) geht es um ein Schlüsselwerk der Musikgeschichte. Carl Philipp Emanuel Bachs „Auferstehung und Himmelfahrt Jesu“ hatte Mozart für die Wiener Aufführun-

42 42

gen bearbeitet und auch dreimal selbst dirigiert. Mit den Augsburger Domsingknaben und dem Ensemble „Das Kleine Konzert“, geleitet vom Bachexperten und Spezialisten für historische Aufführungspraxis Hermann Max, ist es neben Mozarts „Missa Solemnis“ zu hören. Tags darauf wird Mozart im wahrsten Sinne des Wortes in Szene gesetzt: Schauspieler reflektieren in einem fiktiven Gespräch bei Baron van Swieten, wie die Bach-Rezeption in Wien um 11 ihren Anfang nahm. Roland Götz interpretiert dazu an Orgel und Cembalo unter anderem die auch Mozart bekannten Fugen und Sonaten von gleich drei Bach-Söhnen. Ein musikalisches Vorbild Mozarts war auch Bachs jüngster Komponisten-Sohn Johann Christian (1 – 1), auch der „Londoner“ oder „Mailänder Bach“ genannt. Ihn hatte Mozart als Achtjähriger bei einem London-Aufenthalt kennengelernt. In zwei Sinfoniekonzerten des Philharmonischen Orchesters Augsburg in der Stadthalle Gersthofen (1./1. Mai), geleitet von Reinhard Goebel, werden Ouvertüre und Suite aus dessen französischer Oper „Amadis de Gaule“ präsentiert. Außerdem auf dem Programm: Mozarts Ballettmusik zu „Idomeneo“ und ein Stargast am Klavier: Shootingstar Martin Stadtfeld, der sein CD-Debüt bekanntlich mit den Goldberg-Variationen gab und bis heute – neben Mozarts Klavierkonzerten – vor allem Werke Johann Sebastian Bachs auf dem Programmzettel hat.

Foto: Christian Schneider

{ PLUS REGIONAL }

60. Internationale Orgelwoche Nürnberg – Musica Sacra

www.ion-musica-sacra.de

Martin Stadtfeld

Jehye Lee

Kontraste im Schatten

Rainer Trost

Claudio Astronio

Fotos: Stadtfeld: Adrian Schmidt; Trost: Am Haug Fo;

des Kreuzes

60. ion

20. – 29. Mai 2011

tickets@ion-musica-sacra.de Tel.: 01801/ 21 444 88

Mozart, Bach und dem van Swieten-Kreis gewidmet ist auch ein s Sparkasse Nürnberg Konzert mit der bayerischen kammerphilharmonie unter Reinhard Goebel im Kleinen Goldenen Saal (. Mai). Hier treten die Komponisten-Familien mit ihren Sinfonien ins Rampenlicht – und auch der österreichische Diplomat und Musikliebhaber Baron Gottfried van   Swieten. Er ermöglichte Mozart den Zugang zur Musik Bachs und Händels und engagierte ihn häufig als Dirigenten und Musiker. Auf dem Konzertprogramm steht ein typisches Sturm- und Drang-Stück: die Sinfonie g-Moll von Johann Christian Bach, welche in Korrespondenz zu Mozarts g-Moll-Sinfonie steht, die dann im Schlusskonzert am . Mai zu hören ist. An diesem Tag klingt das Mozartfest nämlich mit zwei HochkaräFeste Alter Musik im Braunschweiger Land tern aus: Im Kleinen Goldenen Saal ist das Leipziger Streichquartett aus der großen Bachstadt zu Gast. Dessen preisgekrönte Interpretation der von Mozart bearbeiteten Bach-Fugen ist im letzten der drei Kammerkonzerte zu hören. Zum Orchesterkonzert geben sich FR 20.5.11 | 20.00 UHR DO 26.5.11 | 20.00 UHR Stiftskirche Steterburg Neuwerkkirche Goslar dann die Camerata Salzburg und der Tenor Rainer Trost die Ehre. Gabrieli Consort Concerti di ﬂauti Hier wird es mit der von van Swieten in Auftrag gegebenen Sinfonie Paul McCreesh, Leitung »Italian Spirit«: G-Dur Wq 1/1 von Carl Philipp Emanuel Bach und mit GegenBach: Johannespassion BWV 245 Kammerkonzerte im italienischen Stil überstellungen noch einmal spannend: Ouvertüre und Arien aus SA 21.5.11 | 20.00 UHR „Lucio Silla“ sowohl von Mozart als auch von Johann Christian Bach Staatstheater Braunschweig SA 28.5.11 | 20.00 UHR im direkten Vergleich. // Venice Baroque Orchestra Kaiserdom Königslutter

 

Vivaldi und Italien

60. DEUTSCHES MOZARTFEST IN AUGSBURG vom 13. bis 22. Mai 2011 Informationen und Kartenservice: Tel.: +49-(0)821-324 4900, Fax: +49-(0)821-324 45 17 www.mozartstadt.de

Giuliano Carmignola, Violine Vivaldi: Vier Jahreszeiten u.a. SO 22.5.11 | 17.00 UHR St. Katharinen Braunschweig Michael Schönheit, Orgel Jeroen Berwaerts, Trompete Werke von Bach, Vivaldi, Marcello, Viviani, Martini

Modo Antiquo Federico Maria Sardelli, Leitung Vivaldi: Juditha Triumphans SO 29.5.11 | 17.00 UHR Schafstall Bisdorf Tal & Groethuysen Johann Sebastian Bach: Goldberg-Variationen

www.soli-deo-gloria.info | 0180 55 44 888 www.crescendo.de 02_2011 | 43

(0,14 Euro/Min. Mobilpreise können abweichen)

{ PLUS REGIONAL } 2 5 J A H R E K I S S I N G E R S O M M E R V O M 1 7. J U N I B I S 1 7. J U L I 2 011

„VIELE, KLEINE, GLÄNZENDE STEINE“ Von der Zonenranderscheinung zum Schmuckstück der Festivallandschaft: 25 Jahre KISSINGER SOMMER.

Cecilia Bartoli

Ursprünglich war er so etwas wie Entwicklungshilfe. Denn im Rahmen der Zonenrandförderung sollte der KISSINGER SOMMER ab 1 die wirtschaftliche Aktivität der Großen Kreisstadt ankurbeln, die damals nur  Kilometer vom sogenannten „Eisernen Vorhang“ entfernt war. Und die, wie andere Orte entlang der abgeschotteten Grenze zwischen West und Ost, mit seiner schwierigen Randlage zu kämpfen hatte. Mittlerweile ist die nicht unproblematische Anlaufphase lange vorbei, ja mehr noch: Seit dem Mauerfall 1 liegt Bad Kissingen aus jeder Himmelsrichtung leicht erreichbar im Zentrum Deutschlands und hat sich mit seinem alljährlich stattfindenden internationalen Musikfestival unter dem Motto „Europa in Kultur“ zu einer festen Größe im Kulturkalender gemausert. Nicht nur jene Gäste, die sich am südöstlichen Rand des Naturparks Bayerische Rhön mit Heilquellen- und Naturmoor-Anwendungen behandeln lassen, kommen zu den Konzerten. Auch Kulturfreunde von außerhalb steuern Bad Kissingen an, so dass die Veranstalter 44

in vier Wochen rund . Besucher begrüßen können – anderthalb mal so viel wie die Einwohnerzahl von Bad Kissingen. Hauptverantwortlich dafür war und ist Kari Kahl-Wolfsjäger. Denn einerseits setzt die gebürtige Norwegerin als Intendantin bewusst auf den Reiz einer „wunderbaren, beschaulichen Kurstadt“, die für sie laut einem Interview mit der Mainpost wie ein „Stück alte Welt“ ist, wo man in „fünf herrlichen Sälen, gebaut von den Wittelsbacher Königen“ manchmal das Gefühl habe, die Zeit sei stehen geblieben. Andererseits hat es die umtriebige Musikmanagerin aufgrund bester Kontakte geschafft, jedes Jahr wieder KlassikKoryphäen zu verpflichten, die sie mit „besonders schönen, großen Perlen“ auf einer Kette mit „vielen kleinen, schönen, glänzenden Steinen“ vergleicht. Juwelen dieser Art überstrahlen daher auch den KISSINGER SOMMER 11 vom 1. Juni bis 1. Juli. An vorderster Front David Garrett, der weltweit wie ein Popstar gefeiert wird, sich auch in Bad

Foto: Uli Weber / DG

VON ANTOINETTE SCHMELTER DE ESCOBAR

David Garrett

KISSINGER SOMMER Bad Kissingen vom 17. Juni bis 17. Juli 2011 Informationen und Kartenservice: Tel.: +49-(0)971-807 11 10 Fax: +49-(0)971-807 11 09 www.kissingersommer.de

www.crescendo.de 02_2011 | 45

Fotos: Uli Weber; Thomas Rabsch / EMI Classics;

Kissingen schon im Vorverkauf als absoluter Publikumsrenner herausENTFESSELTE WELTEN kristallisiert hat und am .. eine 27. MAI – 19. JUNI 2011 Wiener Violinsoirée gibt. Oder Mezzosopranistin Cecilia Bartoli HANNOVER mit Opernarien von Vivaldi und KONZERTE Händel (..), Hélène Grimaud MUSIKTHEATER mit Beet hoven am Klavier (1..), KUNSTINSTALLATIONEN Sabine Meyer als Klarinetten-Virtuosin (1..), Countertenor Philippe Jaroussky im „Glanz des Barock“ (11..) oder das renommierte Orchestre de Paris, das am . und .. erstmalig in Bad Kissingen auftritt. Weil das Schmuckstück aber nur als Summe seiner Teile komplett ist, dürfen auch andere Elemente nicht Simone Kermes fehlen: „die unaufhaltsam nach oben drängende Elite der Zukunft“ von Pianist David Fray bis zu Stimmakrobatin Mojca Erdmann, die im April ihre erste Studioaufnahme „Mostly Mozart“ als Exklusivkünstlerin bei Deutsche Grammophon MIT PATRICIA PETIBON, HEINER GOEBBELS, VIVIENNE WESTWOOD, veröffentlicht. Andere, viel verspreENSEMBLE MODERN, IL GIARDINO ARMONICO, MUSICBANDA FRANUI U.V.A. chende Nachwuchstalente wie der WWW.KUNSTFESTSPIELEHERRENHAUSEN.DE KARTEN: WWW.TICKETONLINE.COM russische Klaviervirtuose Alexei Volodin konzertieren auf Schloss Castell oder auch im Rossini Saal, wo im Rahmen der „LiederWerk   statt“ junge Stimmen mit Stücken zu  hören sind, die sieben Komponisten Sabine Meyer eigens für diesen Anlass geschrieben haben. Exklusiv ist der KISSINGER SOMMER nämlich nicht nur in der Auswahl seiner Künstler. Sondern auch im Hinblick auf die dort präsentierten Programme. Annähernd die Hälfte davon bekommt man in dieser Form an keinem anderen Ort zu hören, nicht wenige davon sind hier uraufgeführte Auftragsarbeiten. Mit dem diesjährigen Motto „Willkommen Ungarn“ schließt sich übrigens nach einem Vierteljahrhundert KISSINGER SOMMER ein weiterer Kreis, denn mit einem ungarischen Themenschwerpunkt debütierte 1 das Festival. Damals war es nach Ansicht von Kari Kahl-Wolfsjäger „eine kleine Sache“ in der deutschen Festivallandschaft, heute ist der KISSINGER SOMMER eine ihrer solidesten Säulen – eine Erfolgsstory aus Franken. //

Tage Mitteldeutscher Barockmusik

Musica Zittaviensis Musik in der Mitte Europas

27. – 29. Mai 2011 | Zittau Tickethotline: (0351) 8627 390 wwww.mitteldeutsche-barockmusik.de

{ PLUS REGIONAL }

M Ä R Z bis M A I : 11.3. Berlin/Neuköllner Oper Discount Diaspora/Bhatti (UA) 17.3. Duisburg/Theater Der gestiefelte Kater/Montsalvatge 18.3. Hannover/Staatsoper Stirb du, wennst kannst/ Mannes (Ballett) 18.3. Heidelberg/Opernzelt Otello/Verdi 18.3. München/Reaktorhalle Alcina/Händel 19.3. Radebeul/Landesbühnen Sachsen Carmen.../Schtschedrin (Ballett, UA) 19.3. Wiesbaden/Großes Haus Der Rosenkavalier/R. Strauss 20.3. Basel/Großes Haus (CH) Giselle/Wherlock (Ballett) 20.3. Rostock/Volkstheater Dornröschen/Kempe (UA) 20.3. Wien/Theater a. d. Wien (A) Rodelinda, Regina de Longobardi/ Händel 20.3. Zürich/Oper (CH) Falstaff/Verdi 25.3. Berlin/Staatsoper i. Schillerth. Wissen Sie wie man Töne reinigt? Satiesfaktion/Satie 25.3. Koblenz/Theater Alma, meine Seele/Taylor (Ballett) 25.3. München/Nationaltheater La fedeltà premiata/Haydn 25.3. München/Staatstheater am Gärtnerplatz Der Untergang des Hauses Usher/Glass 25.3. Zwickau/Gewandhaus Ein Maskenball/Verdi 26.3. Braunschweig/Staatsth. der einﬂuss des menschen auf den mond/Lang (UA) 26.3. Cottbus/Großes Haus Siegfried/Wagner 26.3. Gelsenkirchen/Musiktheater im Revier Zar und Zimmermann/Lortzing 26.3. Gießen/Stadttheater Die Hochzeit des Figaro/Mozart 26.3. Linz/Landestheater (A) Das schlaue Füchslein/Janácˇek 26.3. Magedeburg/Oper Lucia di Lammermoor/Donizetti 26.3. Neustrelitz/Landestheater Die Hochzeit des Figaro/ Mozart 26.3. Würzburg/Mainfrankenth. La Cenerentola ossia La bontà in trionfo/Rossini 27.3. Bremen/Theater Idomeneo/Mozart 27.3. München/Nationaltheater I Capuleti e i Montecchi/Bellini 28.3. Karlsruhe/Badisches Staatsth. Tod in Venedig/Britten 1.4. Bern/Stadttheater (CH) Die tote Stadt/Korngold 1.4. Hamburg/Engelsaal Champagner für Gräﬁn Mariza 1.4. Hamburg/Opernloft Medea/Cherubini

1.4. Kiel/Oper Lux Aeterna/Ligeti, Rachmaninow, Poulenc & Elgar (Ballett) 2.4. Halle/Oper Lucrezia Borgia/Donizetti 2.4. Nürnberg/Opernhaus Carmen/Bizet 2.4. Weimar/DNT Die lustigen Weiber von Windsor/Lehár 2.4. Wien/Staatsoper (A) Anna Bolena/Donizetti 3.4. Mannheim/Nationaltheater Lohengrin/Wagner 6.4. Bonn/Theater She was black/Górecki (Ballett)

10.4. Köln/Staatenhaus am Rheinpark Sonntag aus Licht (Teil 2)/Stockhausen (UA) 10.4. Stuttgart/Staatsoper Dialogues des Carmélites/ Poulenc 13.4. Berlin/HdK Warten auf Mozart 16.4. Berlin/Staatsoper u. d. Linden Wozzeck/Berg 16.4. Bielefeld/Theater Death fragments - Büchner, 23 years old/Furudate, van der Heide (UA, Musiktheater) 16.4. Freiburg/Theater Otello/Verdi

Eguchi, Rahardt 29.4. Heidelberg/Opernzelt Vom Meer/Muno (UA) 29.4. Schwetzingen/Rokokotheater Bluthaus (UA) Musik von G.F. Haas, Text von Händl Klaus 30.4. Braunschweig/Großes Haus Don Giovanni/Mozart 30.4. Dortmund/Opernhaus Hamlet/Jost 30.4. Düsseldorf/Opernhaus Cosi fan tutte/Mozart 30.4. Kiel/Oper Ghetto-Trilogie, Savonarola/Kirchner (UA) 30.4. Köln/Opernhaus Rinaldo/Händel Foto: ION Musica Sacra

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Diese Termine sollten Sie nicht versäumen

St. Sebald in Nürnberg

60. ION - Musica Sacra Zehn Tage präsentiert die 60. ION in den stimmungsvollen Kirchen der Nürnberger Altstadt ein abwechslungsreiches Programm mit Geistlicher und Orgel-Musik: Zwischen Klängen der Dürer-Zeit, einem großen Liszt-Abend und dem Sound unserer Tage bietet das Festival unter dem 8.4. Dresden/Staatsoperette Die Großherzogin von Gerolstein/Offenbach 8.4. Unterhaching/Kubiz Der Feuervogel, Sacre du Printemps/Strawinsky (Ballett) 9.4. Berlin/Deutsche Oper Esmeralda/Pugni (Ballett) 9.4. Darmstadt/Staatstheater Der Prinz von Jemen/Beikircher/von Götz (UA) 9.4. Karlsruhe/Badisches Staatstheater La Gioconda/Ponchielli 9.4. Koblenz/Theater Alceste/Gluck 9.4. Köln/Staatenhaus am Rheinpark Sonntag aus Licht (Teil 1)/Stockhausen (UA) 9.4. Radebeul/Landesbühnen Sachsen La Bohème/Puccini 10.4. Berlin/Komische Oper Salome/R. Strauss

Motto „Kontraste im Schatten des Kreuzes“ auch tanzende Derwische, Musik von Bach im arabischen Klanggewand und einen Stummfilm mit Orgelmusik live und open-air. Gottesdienste, ein internationaler Orgelwettbewerb und ein großes Schulprojekt ergänzen das Programm. Nürnberg, 20.-29.5., www.ion-musica-sacra.de

16.4. Leipzig/Opernhaus Elektra/R. Strauss 16.4. Saarbrücken/Saarländisches Staatstheater La Cenerentola/Rossini 16.4. Wuppertal/Opernhaus Idomeneo/Mozart 17.4. Berlin/Staatsoper u. d. Linden Die Walküre/Wagner 17.4. Hannover/Staatsoper Siegfried/Wagner 17.4. Wien/Volksoper (A) Le Concours/Maurice Béjart, Hugues Le Bars (Ballett) 22.4. Essen/Aalto Theater Madama Butterﬂy/Puccini 23.4. Gelsenkirchen/Musiktheater im Revier Das Rheingold/ Wagner (konzertant) 23.4. Plauen/Vogtlandtheater Die Dreigroschenoper/Weill 28.4. Hamburg/Opernloft sell your soul to me_phisto/

30.4. Lübeck/Theater Carmen/Bizet 30.4. Trier/Theater The Voyage/Glass (DEA) 30.4. Wiesbaden/Großes Haus Lolita/Shchedrin (DEA) 1.5. Aachen/Theater Arabella/R. Strauss 1.5. Münster/Städtische Bühnen Nabucco/Verdi 2.5. Berlin/Staatsoper u. d. Linden Eisenhans/Askin 2.5. Stuttgart/Staatsoper Die Geisterinsel/Tsao (UA) 3.5. Brüssel/Théâtre Royal de la Monnaie Matsukaze/Waltz (Tanz, UA) 3.5. Neustadt Dialoge der Karmeliterinnen/Poulenc 5.5. Essen/Aalto Theater Tanzhommage an Queen (Ballett)

7.5. Augsburg/Großes Haus King Arthur/Purcell 7.5. Dessau/Anhaltisches Theater Chowanschtschina/ Mussorgsky 7.5. Kassel/Opernhaus Lohengrin/Wagner 7.5. Neustrelitz/Theater Die lustigen Weiber von Windsor/Nicolai 8.5. Hamburg/Staatsoper La Cenerentola/Rossini 9.5. Annaberg-Buchholz/Theater Carmen/Bizet 13.5. Meiningen/Kammerspiele Der Wildschütz/Lortzing 14.5. Bremen/Theater Kryos/Arnecke (UA) 14.5. Frankfurt/Bockenheimer Depot Luci mie Traditrici/ Sciarrino 14.5. Linz/Landestheater (A) Il Trovatore/Verdi 15.5. Berlin/Deutsche Oper Samson und Dalila/Saint-Saëns 15.5. Salzburg/Landestheater (A) Farnace/Vivaldi 20.5. Aachen/Theater Pollicinio/Henze 20.5. Leipzig/Opernhaus Die arabische Prinzessin/de Arriaga 20.5. Mannheim/Nationalth. Superﬂumina/Sciarrino (UA) 20.5. Saarbrücken/Saarländisches Staatstheater Das Buch der Unruhe/van der Aa (DEA) 21.5. Flensburg/Schleswig-Holsteinisches Landestheater Zar und Zimmermann/Lortzing 21.5. Lüneburg/Großes Haus Zwischen(t)räume@dialog.de/ Sanchez Martinez (Ballett) 21.5. Würzburg/Mainfrankentheater Parsifal/Wagner 22.5. Mönchengladbach/Vereinigte Städt. Bühnen Krefeld Der kleine Barbier oder Eine haarige Angelegenheit/Rossini 26.5. Berlin/Staatsoper u. d. Linden Der Tribun/Kagel 26.5. München/Staatsth. am Gärtnerplatz Das Schloss/ Reimann 28.5. Eisenach/Landestheater 20.000 Meilen unter dem Meer/Jan Dvorˇák (UA) 28.5. Freiburg/Theater Orpheus in der Unterwelt/ Offenbach 28.5. Gelsenkirchen/Musikth. im Revier War Requiem/Britten 28.5. Stuttgart/Staatsoper Il Trionfo del Tempo e del Disinganno/G.F. Händel 28./29.5. Leverkusen/Bayer Kulturhaus One Touch of Venus/Kurt Weill (Musical) 29.5. Berlin/Saalbau Neukölln Der Freischütz/von Weber

Franz Liszt Wochenende Den 200. Geburtstag von Franz Liszt nimmt das Musikfestival „Heidelberger Frühling“ zum Anlass für ein Themenwochenende rund um den kosmopolitischen Jubilar. Es werden Klavierabende, musikalische Lesungen, Vorträge und ein Liedrezital geboten. Mitwirken werden die Pianisten Pierre-Laurent Aimard, Igor Levit, Ulrich Eisenlohr und Tristan Pfaff sowie der Schauspieler Edgar M. Böhlke („Tatort“), die FAZ-Autorin Eleonore Büning, der Bariton Benjamin Appl und die Sopranistin Hanna Herfurtner. Den Einführungsvortrag hält Prof. Dorothea Redepenning. Heidelberg, 9./10.4. www.heidelberger-fruehling.de

John Neumeier in München

Höchstes Niveau Auch im 59. Jahr der Schwetzinger SWR Festspiele wird gemäß der Dramaturgie „Altes wieder entdecken, Neues initiieren, dem Nachwuchs eine Chance“ ein gewohnt abwechslungsreiches Programm höchster künstlerischer Qualität rund um das

Liederabend mit Hampson Er ist einer der bedeutendsten Opern-, Konzert- und Liedsänger der Gegenwart: Thomas Hampson. Bei seinem Auftritt in Bayreuth stehen anlässlich Franz Liszts 200-jährigem Geburtstag Werke des berühmten Virtuosen sowie Lieder von Mahler und Schubert auf dem Programm. Am Klavier: Hampsons langjähriger Begleiter Wolfram Rieger. Bayreuth, Stadthalle, 23.3. www.liszt.bayreuth.de

Philharmonischer

Frühling

12. bis 14. Mai 2011

Bayerisches Staatsbad Bad Reichenhall Kur-GmbH Bad Reichenhall/Bayerisch Gmain Telefon +49 (0) 8651 606-0 · www.bad-reichenhall.de

Tanz um das goldene Auto Die neunten Movimentos Festwochen in Wolfsburg stehen unter dem Titel „Wahrheit und Schönheit“. Die Programmschwerpunkte sind Tanz, szenische Lesungen, Klassik, Jazz und Theater. Zu den Höhepunkten des Festivals zählen die Vorstellungen der internationalen Tanzensembles, darunter die Compagnie DCA des französischen Starchoreographen Philippe Decouflé. Sein aktuelles Stück „Octopus“ ist eine Hommage an die Schönheit und Vielfältigkeit der körperlichen Ausdrucksform, getragen von Live-Musik auf der Bühne und starken, rhythmischen Klängen. Es werden aber auch zwei Arbeiten von Sidi Larbi Cherkaoui, dem Shootingstar der zeitgenössischen Tanzszene, präsentiert. Wolfsburg, Autostadt, 26.4.-29.5. www.autostadt.de

Selten und authentisch Kein Geringerer als Johann Sebastian Bach lieferte das Motto der Feste Alter Musik im Braunschweiger Land – Soli Deo Gloria. Das Festival zeichnet sich durch historische Aufführungspraxis an authentischen Orten aus. Gegründet wurde es schließlich von einem Großen der Zunft: Sir John Eliot Gardiner. 2011 richtet sich der Blick von Braunschweig nach Italien. Geistliche Werke Vivaldis und seiner Zeitgenossen stehen im Fokus. Es gastieren unter anderem das Gabrieli Consort, das Venice Baroque Orchestra, Concerti di flauti, Tal & Groethuysen und Modo Antiquo. Letztere bringen eine konzertante Aufführung des selten gespielten Vivaldi-Oratorium „Juditha Triumphans“ auf die Bühne. Braunschweiger Land, 20.-29.5. www.soli-deo-gloria.info

Künstlerische Leitung Ks. Brigitte Fassbaender Hauptsponsor

RAUSS NE ST PAULI

Das Bayerische Staatsballett präsentiert in seiner BallettFestwoche vom 21. bis 30. April John Neumeiers Neufassung des Inbegriffs aller klassischen Ballette: „Illusionen – wie Schwanensee“. Zu Gast sein werden außerdem die international gefeierten Choreographen Sidi Larbi Cherkaoui, sowie Damien Jalet und die Company Eastman mit „Babel (Worte)“. Aus dem Repertoire wird Nacho Duatos Kultstück „Vielfältigkeit. Formen von Stille und Leere“, die Cranko Werke „Der Widerspenstigen Zähmung“ und „Onegin“, sowie „Mein Ravel: Wohin er auch blickt …/Daphnis und Chloé“ gezeigt. Vor der Premiere führt John Neumeier am 17.4. im Prinzregententheater selbst in sein Werk ein. München, verschiedene Orte, 21.-30.4. www.staatsballett.de

Schwetzinger Schloss geboten. Auftreten werden unter anderem Grigory Sokolov, Christian Gerhaher, Annette Dasch, Sol Gabetta und das Hagen Quartett. Schwetzingen, Schloss, 29.4.-14.6. www.schwetzinger-swr-festspiele.de

RICHAR D STRA USS

Thüringens größtes Musikfestival steht dieses Jahr nicht nur im Zeichen des großen Eisenachers. Auch der Jubilar Liszt erfährt eine musikalische Ehrung. Eröffnet werden die Bachwochen mit einer langen Nacht, vier Pianisten und zwei Cembalisten. Ebenfalls während des Festivals zu erleben sind La Chapelle Rhénane, das Ricercar Consort, Cantus Cölln, die Pianistin Angela Hewitt sowie ein Tanz-Theater-Abend mit Nico and the Navigators sowie Vokalartistik mit Michael Schiefel. In Thüringer Bachorten, 15.4.-8.5. www.thueringer-bachwochen.de

RAUSS NE ST PAULI

Thüringer Bachwochen

Gefördert vom Bayerischen Staatsministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst sowie vom Bezirk Oberbayern Veranstalter Markt Garmisch-Partenkirchen München Ticket GmbH Fon: 0180-54 81 81 8

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M Ä R Z bis M A I : Diese Termine sollten Sie nicht versäumen

KONZERTE

Foto: Norbert Roztocki

17.3. Wien/Konzerthaus (A) Wiener Symphoniker, Ltg.: Markus Stenz 18.3. Baden-Baden/Festspielh. Mutters Virtuosi, Anne-Sophie Mutter (Violine & Leitung) 18.3. Bayreuth/Kammermusiksaal Klavierduo Hans-Peter und Volker Stenzl 18.3. Frankfurt/Alte Oper Artemis Quartett 18./19.3. Leipzig/Gewandhaus Kari Kriikku, Gewandhausorchester; Ltg.: Giovanni Antonini 19.3. Dortmund/Konzerthaus Mahler Chamber Orchestra 19.3. Fürth/Stadttheater Münchner Rundfunkorchester & JuNo; Ltg.: Norbert Nagel

20.3. Kempten/Klassikbox Sebastian Manz, Münchner Symphoniker, Ltg.: G. Schmöhe 20./21.3. Weimar/DNT Petra Froese, Staatskapelle Weimar, Ltg: Gerd Albrecht 23.3. Bayreuth/Stadthalle Liederabend mit Thomas Hampson zum Liszt-Jubiläum 24.3. Dortmund/Konzerthaus Nigel Kennedy & Kroke 24.3. Frankfurt/Das Museum für Musik Artemis Quartett 25.3. Essen/Philharmonie Bobby McFerrin VOCAbuLarieS 25.3. Ottobrunn/Wolf-Ferrari-H. Cañizares y Grupo (Flamenco) 26.3. Ludwigsburg/Forum am Schlosspark Balthasar-Neumann-Chor und-Ensemble, Ltg.: Thomas Hengelbrock

Das Faust Quartett

Dresdner Musikfestspiele 2011 Unter dem Motto „Fünf Elemente“ präsentieren die Dresdner Musikfestspiele ein facettenreiches Programm und laden zu musikalischen Begegnungen zwischen Orient und Okzident in die stimmungsvollsten Spielstätten Dresdens & Umgebung ein. Das Festival möchte mit seinen hochkarätigen Konzerten – vom Soloabend über Kammermusik bis hin zum großen Orchesterkonzert – eine Brücke zwischen europäischer und asiatischer Kultur schlagen. Finden Sie Ihre eigene Interpretation der Elemente auf unserer musikalischen Reise! Dresden, 18.5.-5.6., www.musikfestspiele.com 19./20.3.11 Dresden/Kulturpalast 7. Philharmonisches Konzert, Dresdner Philharmonie, Ltg: R. Frühbeck de Burgos 20.3. Essen/Philharmonie Balthasar-Neumann-Chor und -Ensemble, Ltg.: Thomas Hengelbrock

26.3. Berlin/Konzerthaus Lars Vogt, Konzerthausorchester Berlin, Ltg.: Kirill Karabits 26.3. München/Residenz Brahms und die Klarinette; Eduard Brunner, Rodin Quartett 26.3. Stadecken-Elsheim/ Selztalhalle Rheinhessische Bläserphilharmonie Klassiker

Sinfonischer Bläsermusik 27.3. Ludwigshafen/Theater im Pfalzbau Tatjana Vassiljeva, Moskauer Philharmoniker 29.3. Düsseldorf/Tonhalle Martin Grubinger, Bergen Philharmonic Orchestra 29.3. Frankfurt/Alte Oper Ludovico Einaudi 29.3. Frankfurt/Oper Christopher Maltman, Malcolm Martineau Liederabend 29.3. Hameln/Theater Venice Baroque Orchestra 29.3. Köln/Arttheater Giotto Quartett (Jazz) 29.3. München/Philharmonie Woody Allen, clarinet & his New Orleans Jazz Band 29.3. Stuttgart/Liederhalle Dudana Mazmanishvili, Klassische Philharmonie Bonn, 30.3. Frankfurt/Alte Oper Mojca Erdmann, Gerold Huber, 30.3. Kiel/Schleswig-Holsteinische Landesbank Ensemble KlangVotum Zeitgenössische Kompositionen aus Finnlannd 31.3. München/Allerh. Hofkirche Münchener Kammerorchester, Ltg.: Beat Furrer im Rahmen des jazzlines Festivals 31.3. München/Herkulessaal Grigorij Sokolov 1.4. Bad Brückenau/Staatsbad Frühlingskonzert 2.4. Dortmund/Konzerthaus Till Brönner Group (Jazz) 2.4. Dresden/Frauenkirche Dame Felicity Lott, Dresdner Philharmonie 2.4. Heilbronn/Intersport Veranstaltungscenter redblue meets Klassik 3.4. München/Musikhochschule Matthäuspassion/Bach 4.4. Reutlingen/Friedrich-ListHalle Philippe Entremont, Württembergische Philharmonie Reutlingen; Ltg: Ola Rudner 7.4. Neubrandenburg/Konzertkirche Reinhard Bellmann, Neubrandenburger Philharmonie, Ltg.: Stefan Malzew 8.4. Hannover/Kuppelsaal im HCC Lang Lang 8.4. Leverkusen/Forum NDR Radiophilharmonie Hannover, Hummel & Sibelius 8.4. Salzburg/Universität Mozarteum Rolf Plagge spielt Chopin, Schostakowitsch, Szymanowski & Liszt 10.4. Unterschleißheim/Bürgerhaus Münchner Kammerphilharmonie, Mozart, Rossini & Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ 11.4. München/Philharmonie Sabine Meyer, Viktoria Mullova, Kammerorchester Basel 12.4. München/Siemens Auditorium Junge Solisten - Musik des 20. und 21. Jahrhunderts

17.4. Frankfurt/Festeburgkirche Enigma Trio 17./18.4. Dresden/Semperoper 9. Symphoniekonzert der Staatskapelle Dresden 17./18.4. Weimar/DNT Gábor Farkas, Staatskapelle Weimar, Ltg.: Olli Mustonen 22.4. Baden Baden/Festspielh. Al Ayre Español 22.4. München/Philharmonie Münchner Bach Chor, Matthäuspassion 24.4. München/Hubertussaal Schloss Nymphenburg Festliches Osterkonzert 25.4. Garmisch-Partenkirchen/ Kongreßhaus 4. Sinfoniekonzert mit dem Bundesjugendorchester, Ltg: Hermann Bäumer 27.4. Berlin/Konzerthaus Musikforum Gendarmenmarkt, Olivia Vermeulen, A. Fleischer 29.4. Leverkusen/Forum Schnupperworkshop Zeitgenössischer Tanz, 10-14 J. 1.5. Bayreuth/Stadthalle junge deutsch-französische philharmonie; Ltg: N. Richter 1.5. Wilhelmshaven/Stadthalle Münchener Kammerorchester & Peter Wispelwey 1.5. Wuppertal/Wuppertaler Bühnen Klänge aus der Türkei 6.5. München/Prinzregententh. 5. Münchener Aids-Konzert mit Alice Sara Ott, Martin Grubinger, Sandrine Piau & dem Münchener Kammerorchester 7.5. Mühlheim/Stadthalle Mülheimer Zupforchester 8./9.5. Weimar/DNT Sinfoniekonzert der Staatskapelle Weimar, Ltg: Stefan Solyom, Solist: Helmut Eisel 11.5. München/Carl-Orff-Saal Scala Choir & Kolacny Brothers 12.5. Basel/Stadtcasino (CH) Till Brönner Group (Jazz) 12.5. Kaiserslautern/Fruchthalle Herbert Schuch 14.5. Oberschleißheim/Schloss Vivaldis Vier Jahreszeiten 15.5. München/Bayer. Nationalmuseum Joel Frederiksen & Ensemble Phoenix Munich 16.5. Berlin/Philharmonie David Helfgott spielt Liszt, Mendelssohn & Chopin 18.5. Bonn/Beethovenhalle Lorin Maazel & Philharmonic Orchestra London 19.5. Berlin/Curt-Sachs-Saal Meisterlied: Gustav Mahler zum 100. Todestag 19.5. Leverkusen/Bayer Kulturhaus Isabelle Moretti, François Leleux 20.5. Hameln/Theater Bettina Castaño (Flamenco) 21.5. Hannover/Kuppelsaal im HCC Gustav Mahler „Symphonie der Tausend“

21.5. Nürnberg/St. Sebald Münchener Kammerorchester & Chor des BR bei der 60. Internationalen Orgelwoche Nürnberg 27.5. Salzburg/Universität Mozarteum Leschetizky-Trio Wien 29./30.4.11 Frankfurt a. d. Oder/Konzerthalle Amir Katz, Brandenburger Symphoniker

FESTSPIELE/ FESTIVALS

bis 20.3. Bad Reichenhall Mozartwoche bis 27.3. Salzburg Biennale 17.-20.3. Raiding Liszt Festival 18.-27.3. Berlin MaerzMusik 19./20.3.11 Hannover Musik 21 Nachwuchsfestival 19.3.-17.4. Heidelberg Heidelberger Frühling 19.3.-4.6. Bregenz Tanzfestival 22.-27.3. Burghausen Int. Jazzwoche Burghausen 26.3.-24.4. Interlaken (CH) Interlaken Classics 27.3.-3.4. München Jazzlines 2.4.-23.5. Rheinsberg Festtage der Alten Musik zu Ostern 9.-17.4. Luzern (CH) Lucerne Festival zu Ostern 15.4.-8.5. Thüringen Thüringer Bachwochen 16.-25.4. Salzburg Salzburger Osterfestspiele 21.-30.4. München Ballettfestwoche 22.-25.4. Hamburg Ostertöne 22.-30.4. Bayreuth Bayreuther Osterfestival IJOA 26.4.-29.5. Wolfsburg Movimentos Tanzfestival 29.4.-14.6. Schwetzingen Schwetzinger SWR Festspiele 30.4.-31.5. Wiesbaden Internationale Maifestspiele 10.-14.5. Karlsruhe 4. Karlsruher Ballettwoche 12.-14.5. Bad Reichenhall Philharmonischer Frühling 14.-21.5. Thiersee (A) Tiroler Beethoventage 14.-24.5. Augsburg 60. Deutsches Mozartfest 18.5.-5.6. Dresden Dresdner Musikfestspiele 20.-29.5. Braunschweiger Land Soli Deo Gloria 20.-29.5. Nürnberg 60. ION - Musica Sacra 23.5.-19.6. Heidelberg Kammermusikfestival 27.-29.5. Zittau Tage Mitteldeutscher Barockmusik 27.5.-19.6. Hannover KunstFestSpiele Herrenhausen

4. sinfonieKonZeRT · KonGRessHAUs GARMisCH-PARTenKiRCHen

Klassik-Gipfel Unter den imposanten Gipfeln des Kaisergebirges laden die „Tiroler Beethoven-Tage“ zum Konzertgenuss ein. Acht Spielorte erwarten ihr Publikum – darunter Kufstein, Bad Häring, Langkampfen sowie der „Unterländer Dom“ in Ebbs. Namhafte Künstler, wie die Pianistin Olga Scheps sowie das weltweit erfolgreiche Auryn Quartett werden dabei sein. Das Programm passt perfekt zur majestätischen Landschaft: Beethovens Ouvertüre aus der Ballettmusik „Die Geschöpfe des Prometheus“, seine Neunte Symphonie, Mozarts Symphonie Nr. 40, das Oratorium „Die Jahreszeiten“ von Joseph Haydn und vieles andere. Ferienland Kufstein, 14.-21.5. www.beethoven-tage.at

„Schöpfung“ im Dom „Und es ward Licht“ wird auch zum Ausgangspunkt von Christoph Hagels Inszenierung des Oratoriums „Die Schöpfung“: Er möchte die Entstehung der Welt in allen Farben und Schattierungen zeigen. Hagel arbeitet mit Sängern, Tänzern, Pantomimen sowie raumgreifenden Lichtinstallationen und Projektionen, begleitet von den Berliner Symphonikern und dem Berliner Symphoniechor. Der neobarocke Dom ist für solche Großprojekte der perfekt-prunkvolle Rahmen. Berlin, Berliner Dom, ab 30.4., www.schoepfung-im-dom.de

Schweizer Talentschmiede Die Interlaken Classics gehören in der Schweiz zu den ältesten Festivals für klassische Musik. Die zentrale Idee ist die Förderung des musikalischen Nachwuchses. Deshalb besteht das Programm nicht nur aus Konzerten, sondern auch aus Meisterkursen und dem Klavierwettbewerb „Prix du Piano“. Die beiden Nachwuchsorchester „European Union Youth Orchestra“ und das „Gustav Mahler Jugendorchester“ begeistern auch 2011 Klassik-Liebhaber aus Nah und Fern. Große Künstler wie der international gefragte Cellist David Geringas konnten als Dozenten gewonnen werden. Interlaken Classics, 5.3.-24.4. www.interlaken-classics.ch

Salzburg, Strawinsky und Strauss Die Osterfestspiele Salzburg, gegründet von Herbert von Karajan, gelten als eines der renommiertesten Klassik-Festivals weltweit. Im Zentrum der diesjährigen Festspiele steht die Neuproduktion der „Salome“ von Richard Strauss in der Inszenierung von Stefan Herheim und dirigiert von Sir Simon Rattle. Emily Magee, als Interpretin der Werke von Wagner und Strauss hochgelobt, wird die Titelrolle singen. Ein Wiedersehen gibt es auch

mit Iain Paterson, der in der „Salome“ den Jochanaan singen wird. Aber auch das Kammermusikprogramm kann sich sehen lassen. Im Mittelpunkt steht hier überraschenderweise nicht Mahler, sondern Strawinsky. Also nichts wie hin. Salzburger Osterfestspiele, 16.-25.4. www.osterfestspiele-salzburg.at

Start in die Tanz-Saison Ziel des Bregenzer Frühlings ist es, jedes Jahr renommierte Ensembles ins Festspielhaus zu locken und die Tanzkunst für ein breites Publikum erlebbar zu machen. Das gelingt heuer schon im 25. Jahr. Unter der künstlerischen Leitung von Wolfgang Fetz werden 2011 zwei Österreichpremieren, die bereits international Aufsehen erregt haben, gezeigt. Zur Uraufführung gelangt das Stück „Zukunftsmaschine“ des aktionstheater ensemble. Weitere internationale Tanz-Compagnien gastieren beim Bregenzer Frühling. Darunter am 29. April das Australian Dance Theatre mit „Be Your Self“. Es folgen aktuelle Projekte von jungen und bekannten Compagnien, wie die bODY_ rEMIX/gOLDBERG_vARIATIONS der Compagnie Marie Chouinard. Bregenz, Festspielhaus, 19.3.-4.6. www.bregenzerfruehling.at

Dirigentenduelle Am siebten Mai wird zum dritten Mal der Deutsche Dirigentenpreis im Konzerthaus Berlin verliehen. Die jungen Dirigenten Francesco Angelico, Andreas Hotz und Johannes Klumpp werden beim Finale des Wettbewerbs gegeneinander antreten und die Bewertung der Strauss-, Bartók- und Ravel-Interpretationen obliegt einer hochkarätigen Jury, deren Vorsitz Lothar Zagrosek inne hat. Mit insgesamt 35.000 Euro Preisgeld ist er einer der höchstdotierten Preise für Dirigenten in ganz Europa. Hervorragende Interpretationen und Spannung sind also garantiert. Berlin, Konzerthaus, 7.5. www.konzerthaus.de

Klangwolke Mit dem Projekt „Klingende Seitenkapellen“ wird der gesamte Kirchenraum der Stadtpfarrkirche St. Nikolaus in Altötting zum Klingen gebracht. Dazu eignen sich besonders die 12 Seitenkapellen, die auch den Bezug auf die 12 Kreuzwegstationen bieten. Es entstehen fluoreszierende Klänge durch die im Raum verteilten Sängerinnen der Jungen Kantorei Neuötting. André Gold spielt auf der Orgel und hat die Leitung. Im Zentrum dieser „Klangwolke“ stehen unter anderem vierstimmige Choräle aus der „Matthäuspassion“. Dazu wird die Passionsgeschichte auf einer Leinwand zu sehen sein. Altötting, St. Nikolaus, 17.4., www.kirchenmusik-neuoetting.de

Bundesjugendorchester Hermann Bäumer Dirigent Ostermontag 25. April 2011 19:30 Uhr

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17. BAYREUTHER

OSTERFESTIVAL

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22. April bis 1. Mai 2011 Symphoniekonzert „Liszt & Friends“ Matinée · geistliches Konzert Festkonzert · Jazz

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{ HOPE }

„Die Uhr mal zurückdrehen“ Unser Kolumnist Daniel Hope über Joseph Joachim, den er gerade auf seinem neuen Album eingespielt hat.

Geiger Daniel Hope (36)

spielen ließ. Man vergisst leicht, dass dieses Werk bei der Uraufführung 1806 keinen Erfolg gehabt hatte. Seither hatte sich niemand mehr wirklich daran versucht. Dann spielte es Joachim. Und in seiner, allen Berichten zufolge, überragenden Aufführung fand es sofort die ihm gebührende Anerkennung als Meisterwerk. Joachim selber führte 1853 den jungen Johannes Brahms bei Robert und Clara Schumann ein, nachdem er endgültig Liszt (und Wagner) den Rücken gekehrt hatte. Deshalb haben wir heute vermutlich keine Violinkonzerte von diesen beiden, sondern jene von Schumann, Dvořák und Brahms, dessen fulminante Werke für diese Gattung alle Joachim gewidmet sind. Brahms war nicht nur von Joachims Spiel, sondern auch von der un-

garischen Volksmusik stark beein�usst, die er teilweise über Joachim kennenlernte. Joachim, der in Ungarn geboren wurde, wo ihm die „Csárdás“-Tradition in die Wiege gelegt wurde, transkribierte Brahms „Ungarische Tänze“ und führte sie regelmäßig mit dem Komponisten auf. 1855 schuf Joachim von Schuberts ursprünglich für Klavier zu vier Händen komponiertem “Grand Duo“ eine Transkription für großes Orchester, die sogar von Toscanini aufgeführt wurde. Und was er für die Musikförderung in Deutschland tat, durch seinen unermüdlichen Einsatz für die 1869 von ihm gegründete Königliche (später staatliche) akademische Hochschule für Musik, die eine der führenden Musikhochschulen im deutschsprachigen Raum wurde, oder mit der sorgfältigen Unterstützung seiner berühmten Schüler, u.a. Leopold Auer (der Lehrer von Heifetz), Sam Franko oder Carl Flesch, bedeutet, dass sein Ein�uss bis heute tief in den Fundamenten der Musikwelt zu spüren ist, auch wenn Joachim ein weitgehend vergessener musikalischer Gigant bleibt. Dank YouTube brauchen Sie aber keinen Plattenspieler mehr, um sich von Joachims kongenialen Geigenspiel zu überzeugen. Ich frage mich, was er wohl dazu gesagt hätte. Daniel Hope's neues Album heißt „The Romantic Violinist“ und erscheint am 18. März bei Deutsche Grammophon.

Foto: Harald Hoffmann / DG

In einer Welt, die immer schneller und vor allem schnelllebiger wird, finde ich es beruhigend und zugleich inspirierend, die Uhr manchmal zurückzudrehen und mir die großen Geiger reinzuziehen, die uns am Anfang des 20. Jahrhunderts ihr Vermächtnis auf den allerersten Schallplatten hinterlassen haben. Darunter hat mich Joseph Joachim immer am meisten fasziniert. Zum ersten Mal erblickte ich ihn als Jugendlicher auf der Titelseite von Brahms’ Violinkonzert, während ich an�ng das Stück zu lernen; dann erneut in der Partitur von Bruchs Violinkonzert gMoll, das heute als eines der größten und beliebtesten Werke seiner Gattung gilt, nicht zuletzt durch die bedeutenden Eingriffe Joachims, der das Werk überarbeitet hat. Neben Ysaÿes Technik, Sarasates Charme oder Hubermanns Originalität, war es Joachims unvergleichlicher Ton, der mich fesselte und gab diesem geheimnisvollen Namen endlich ein musikalisches Gesicht. Dann schenkte mir eines Abends, nach einem Konzert in München, eine Frau ein Buch, das sie über Joachim geschrieben hatte. Ich begann, mich mit dieser faszinierenden Persönlichkeit näher zu beschäftigen und war verblüfft von Joachims Kreativität und dem Ausmaß seines Ein�usses. Er war erst zwölf Jahre alt, als Felix Mendelssohn auf ihn aufmerksam wurde und ihn 1844 bei einem Konzert in London das Violinkonzert von Beethoven

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